Adrian Paci. Lost Communities

AdriAn PAci Lost communities AdriAn PAci Lost communities

Andreas Hoffer Curator, Kunsthalle Krems

The Language of Speechless Images On the Existential Imagery of Adrian Paci

Lost Communities “From the point of view of the individual, cultural identity is an imprinting that individuals receive through the language and traditions of the society in which they grow up. Its effects can be very different depending on aptitude and educational opportunities. From the point of view of society, cultural identity is a commonality that it seeks to convey to its members. Cultural identity becomes particularly controversial when it comes to threatened minorities: languages that are disappearing, groups that are persecuted for their cultural, especially religious, traditions. If the Universal Declaration of Human Rights were not so unilaterally focused on individual rights, group rights to cultural identity would certainly exist. However, this right must not be interpreted as a means for justifying the exclusion of outsiders.

The question of cultural identity changes drastically when a majority society sees its cultural identity threatened by immigrants.

Identity is not a question of inclusion and exclusion, let alone friend and foe.” – Jan Assmann, cultural scholar1

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Andreas Hoffer Kurator der Kunsthalle Krems

die sprache sprachloser bilder Von der existenziellen Bildgewalt des Adrian Paci

Verlorene Gemeinschaften »Aus der Sicht des Individuums ist kulturelle Identität eine Prägung, die der Einzelne durch die Sprache und die Traditionen der Gesellschaft, in der er aufwächst, empfängt. Sie kann je nach Veranlagung und Bildungschancen sehr verschieden ausfallen. Aus Sicht der Gesellschaft ist kulturelle Identität etwas, das sie ihren Mitgliedern als etwas Gemeinsames vermitteln will. Kulturelle Identität wird besonders dann brisant, wenn es um bedrohte Minderheiten geht: Sprachen, die aussterben, Gruppen, die aufgrund ihrer kulturellen, insbesondere religiösen, Traditionen verfolgt werden. Wäre die allgemeine Erklärung der Menschenrechte nicht so einseitig auf die Rechte des Individuums bezogen, gäbe es sicher auch das Recht einer Gruppe auf kulturelle Identität. Dieses Recht darf aber nicht so verstanden werden, als berechtigte es zum Ausschluss Fremder. Die Frage der kulturellen Identität nimmt sich ganz anders aus, wenn eine Mehrhetsgesellschaft ihre kulturelle Identität durch Einwanderer bedroht sieht. Identität ist keine Frage von Einschluss und Ausschluss, geschweige von Freund und Feind.« – Jan Assmann, Kulturwissenschaftler1

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The loss of a community’s guiding influence always also means the loss of security, often in a way ridden with angst. If one decides deliberately and of one’s own accord to leave a community, then this step can also be a liberating one. This is because a community can also compel or exert pressure on the individual to belong, to fit in. But if one is forced to leave a community behind, to escape or emigrate from it, for instance, then the yearning for “the community left behind” remains, for what one misses, especially in the foreign, uncertain environment of another community. Often what one lacks, what one misses, can even lead—which is all too understandable— to a certain romanticized view of the past. But also remaining is an irresolvable yearning for what has been lost, the community, the past, and most of all for the people who are no longer present.

I have often wondered, especially around the time of the media-packaged refugee “crisis” that began in 2015, why, apart from all the well-meaning, short-term welcoming gestures and actions that quickly vanish again, is it seemingly impossible to try to change one’s view of or to realize what it means for someone to leave their country, their culture, their family and friends behind, to give up everything and venture into total uncertainty. After all, uncertainty is also among those of us in Western European communities one of the most widespread and often unjustifiable causes of excessive fear—within a community, mind you. So what must it mean to leave your own community behind, for whatever reason, and come to a foreign one, here also understood as society, which, apart

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Der Verlust des prägenden Einflusses einer Gemeinschaft ist immer auch der Verlust von Sicherheit und damit oft angstbesetzt. Wenn das Verlassen der Gemeinschaft ein bewusster und selbstbestimmter Schritt ist, kann das naturgemäß etwas Befreiendes haben. Denn eine Gemeinschaft kann einengen oder auf den Einzelnen Druck ausüben, dazuzugehören, sich einzufügen. Ist es aber ein erzwungener Austritt aus einer Gemeinschaft, wie bei einer Flucht, einer Emigration beispielsweise, dann bleibt, gerade im fremden, unsicheren Umfeld einer anderen Gemeinschaft, die Sehnsucht nach der »Austrittsgemeinschaft«, jener, die nun fehlt. Oft sogar führt das, was fehlt, was man vermisst – was nur allzu verständlich ist –, auch zu einer gewissen verklärenden Sicht auf die Vergangenheit. Aber es bleibt eben eine unstillbare Sehnsucht nach dem Verlorenen, der Gemeinschaft, der Vergangenheit und wohl vor allem auch nach den Menschen, die nicht mehr da sind.

Oft habe ich mich gefragt, gerade in der Zeit der medial so verkauften Flüchtlings-»Krise« ab 2015, warum es, abseits von allen noch so gut gemeinten kurzfristigen Willkommensgesten und Handlungen, die schnell verpuffen, nicht möglich scheint, einen Perspektivwechsel zu versuchen, sich zu vergegenwärtigen, was es heißen muss, sein Land, seine Kultur, seine Familie und seine Freunde zu verlassen, alles aufzugeben und in die völlige Unsicherheit zu gehen. Unsicherheit ist doch heute auch bei uns in den westeuropäischen Gemeinschaften eine der stark verbreiteten, oft nicht begründbaren Ursachen für große Ängste – innerhalb einer Gemeinschaft, wohlgemerkt.

Was muss es also erst heißen, die eigene Gemeinschaft zu verlassen, aus welchen Gründen auch immer, und in eine fremde Gemeinschaft, hier auch als Gesellschaft verstanden, zu kommen, die abgesehen

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Centro di permanenza temporanea, 2007 Courtesy der KĂźnstler / the artist, kaufmann repetto, Mailand / Milan, New York, Galerie Peter Kilchmann, ZĂźrich

from the truly impressive private initiatives that undoubtedly exist, in many areas makes clear that the one from outside is not really wanted, is perceived as a threat. The old, hackneyed example of the train compartment makes this fundamental dilemma exceedingly clear. Anyone entering and looking for a seat, even when one is available, is immediately and instinctively repulsed by those present as intruders, even by those who were just in the same situation.

The video work Centro di permanenza temporanea was created in 2007. In my view, Paci has succeeded in creating one of the most powerful images made by a contemporary artist on the theme of flight, displacement, and emigration. It is one of those images that requires no language. The forlornness of those walking becomes almost iconic, as well as the bitter realization that no one is waiting for those who have to or want to go.

Adrian Paci experienced the loss of community himself; he emigrated with his family to Italy in the mid-1990s. Many

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von den wirklich beeindruckenden privaten Initiativen, die es zweifellos gibt, in vielen Bereichen klarmacht, dass der/die von außen Kommende nicht wirklich erwünscht ist, sondern als Bedrohung wahrgenommen wird. Das alte, abgedroschen erscheinende Beispiel des Zugabteils bringt das grundsätzliche Dilemma auf den Punkt.

Alle, die dazukommen und nach einem Sitzplatz suchen, werden, auch wenn etwas frei ist, sofort von den Anwesenden instinktiv als Eindringlinge abgewehrt, auch von denen, die kurz zuvor in der gleichen Situation waren.

2007 entstand die Videoarbeit Centro di permanenza temporanea.

Meiner Ansicht nach ist Adrian Paci damit eines der stärksten Bilder eines zeitgenössischen Künstlers zum Thema Flucht, Vertreibung, Emigration gelungen. Eines jener Bilder, die keiner Sprache bedürfen.

Die Verlorenheit der Gehenden wird fast ikonisch erfahrbar, ebenso aber die Bitternis, dass niemand auf jene, die gehen müssen oder wollen – wartet.

Paci hat den Verlust einer Gemeinschaft selbst erfahren, er emigrierte mit seiner Familie Mitte der 1990er-Jahre nach Italien. Viele seiner

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of his works revolve around this theme. Now it would be completely amiss to assume that only those who have had such existential experiences possess the necessary sensitivity to also work with them. Extreme experiences in particular can also hinder one from developing the necessary distance in order to deal with a theme artistically. As an artist, however, Paci has come up with impressive imagery in order to transform existential experiences of fear, loss, alienation, and hope.

Likely because images are easily understood across borders, Paci is very frugal with language. His images do not need to be mediated through language, they are so precise and impressive they can speak for themselves, at least I see them this way and perceive them as such.

My Approaches to the Artist In 2003, I saw two works by Adrian Paci for the first time: in the legendary exhibition Blood and Honey—Future’s in the Balkans, organized by Harald Szeemann at the Essl Museum.

Szeemann had visited seventy-three artists from eleven countries and invited them to participate. Szeemann directed his radical, obsessive, and highly subjective view of contemporary art toward this very close-by part of Europe that “we” in the West barely knew or had barely noticed then. Among the numerous, varying, strange, exciting, and disturbing works, many have had a lasting impression on me. It was also the beginning of my interest in and the opening up of my view of the whole of Europe.

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Arbeiten umkreisen dieses Thema. Nun wäre es völlig falsch, anzunehmen, dass nur wer solche existenziellen Erfahrungen selbst gemacht hat, auch die nötige Sensibilität aufweist, um dazu zu arbeiten.

Gerade extreme Erfahrungen können auch verhindern, dass man die nötige Distanz entwickelt, um ein Thema künstlerisch zu behandeln.

Paci aber hat als Künstler eindrucksvolle Bilder gefunden, um existenzielle Erfahrungen von Angst, Verlust, Fremdsein und Hoffnung zu transformieren. Wohl weil Bilder eher geeignet sind, über Grenzen hinweg verstanden zu werden, geht Paci sehr sparsam mit Sprache um. Seine Bilder bedürfen keiner Vermittlung durch Sprache, sie sind so präzise und eindrücklich, dass sie für sich sprechen können, zumindest sehe ich sie so, habe ich sie so wahrgenommen.

Meine Annäherungen an den Künstler 2003 sah ich das erste Mal zwei Werke von Adrian Paci: in der legendären Ausstellung Blut & Honig. Zukunft ist am Balkan von Harald Szeemann im Essl Museum, wo ich damals arbeitete.

73 Künstler/innen aus elf Ländern hatte Szeemann besucht und zur Teilnahme eingeladen. Er warf einen radikalen, obsessiven und höchst subjektiven Blick auf die zeitgenössische Kunst in diesem so nahen Teil Europas, den »wir« im Westen beschämenderweise kaum kannten, bisher kaum wahrgenommen hatten. Unter den unzähligen divergierenden fremden, aufregenden, verstörenden Werken gab es viele, die mir bleibend in Erinnerung sind. Auch war es der Beginn meiner Hinwendung zum ganzen Europa, der Öffnung meines Blickes dafür.

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Apparizione, 2001 Courtesy der Künstler / the artist, kaufmann repetto, Mailand / Milan, New York, Galerie Peter Kilchmann, Zürich

Over time I have thought a lot about one work in particular from this exhibition—I’ve often wondered what it was that made this installation so gripping: one of two video works

by Adrian Paci, Apparizione from 2001. A little girl, Tea, the artist’s daughter, tries to sing an Albanian children’s song in Italy, where she emigrated with her parents. Sometimes she falters, does not know how to proceed. Presented on the opposite side of the room was a second video showing the relatives who remained in Shkodra, Albania and who Paci filmed during a visit. They look encouragingly into the camera, help the child to sing the song, help her from forgetting. It’s an image that has bored its way into my head, an image as simple as it is penetrating for revealing the power of community, but also the loss of community.

During the political unrest in Albania in the mid-1990s, Paci was forced to emigrate with his family to Italy. Paci lost not only his cultural and professional environment, but also his extended family. Trained as a painter, he also began working with new means of expression in the new environment. Paci worked with

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Ein Werk in der Ausstellung hat mich besonders nachhaltig beschäftigt – ich habe mich oft gefragt, warum mich gerade diese Installation so gepackt hat: eine der beiden Videoarbeiten von Paci, Apparizione von 2001. Ein kleines Mädchen, Tea, die Tochter des Künstlers, versucht in Italien, wohin sie mit ihren Eltern emigriert ist, ein albanisches Kinderlied zu singen. Manchmal stockt sie, weiß nicht weiter. Auf der gegenüberliegenden Seite des Raumes zeigte ein zweites Video die Verwandten, die in Shkodra, Albanien, geblieben waren und von Paci bei einem Besuch gefilmt wurden. Sie schauen aufmunternd in die Kamera, helfen dem Kind, das Lied zu singen, helfen ihm gegen das Vergessen. Ein Bild, das sich in meinen Kopf gegraben hat, ein so einfaches wie eindringliches Bild für die Kraft der Gemeinschaft, gleichermaßen aber auch für den Verlust von Gemeinschaft.

Adrian Paci sah sich in den politischen Unruhen Mitte der 1990erJahre gezwungen, mit seiner Familie Albanien zu verlassen. Er verlor damit nicht nur sein kulturelles und berufliches Umfeld, sondern auch den Familienverband. Von der Ausbildung her Maler, setzte er sich in der neuen Umgebung auch mit neuen Ausdrucksmitteln aus-

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video, which he used very simply at first. This video installation is one of his early works created in Italy. For the work, Paci briefly returned to Albania and filmed his relatives alongside his daughter, whose mastery of cultural tradition is still only fragmentary, as the link to what’s been lost. Admittedly, I often had to swallow hard during this part of the exhibition because the work really moved me—not for sentimental reasons but because it was so gripping. I recently met with former colleagues from the Essl Museum and we all confessed to having had the same reaction to this work then. While re-reading old newspaper reviews of Blood and Honey, I also came across an exhibition critique from 2003 in the weekly newspaper Die Zeit that dedicates a lot of space to this video work. Perhaps because it elucidates so memorably or even discovers an image for what losing a community and the yearning thereafter means for both sides, for what displacement and emigration unleashes in the individual, and for what completely disappears from view behind the monstrosity of refugees turned into numbers.

Excursus: Art House School, Shkodra, Albania During my first meeting with Adrian Paci in Krems in 2017, prior to organizing this exhibition, Paci invited me to visit him in Shkodra the following year, where he now has a house again and invites regional artists to get together once a year to exchange ideas.

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einander. Paci arbeitete mit Video, das er am Anfang durchaus sehr simpel verwendete. Diese Videoinstallation entstand als eines seiner frühen Werke in Italien. Paci reiste dafür kurz wieder nach Albanien, filmte die Verwandten und stellte sie der Tochter, die Tradiertes nur noch bruchstückhaft beherrschte, gegenüber, als Verbindung zum Verlorenen. Ich gebe zu, dass ich bei Führungen durch die Ausstellung oft schlucken musste, weil mich diese Arbeit wirklich berührte – nicht im Sinne von Sentiment, sondern von Ergreifen. Vor Kurzem traf ich ehemalige Kolleginnen aus dem Essl Museum wieder, und sie gestanden mir, dass es ihnen allen ähnlich gegangen war. Beim Wiederlesen alter Rezensionen von Blut & Honig fand ich außerdem eine Ausstellungskritik von 2003 in der Wochenzeitung Die Zeit, die dieser Videoarbeit breiten Raum gibt. Vielleicht weil sie so einprägsam verdeutlicht oder eben ein Bild dafür findet, was das Verlieren einer Gemeinschaft und die Sehnsucht danach, auf beiden Seiten, bedeutet, was Vertreibung und Emigration beim Einzelnen bewirken und was hinter der Monstrosität von zu Zahlen gewordenen Flüchtlingen völlig aus dem Blick gerät.

Exkurs: Art House School, Shkodra, Albanien Bei meinem ersten Treffen mit Adrian Paci 2017 in Krems, im Vorfeld der Organisation dieser Ausstellung, lud er mich ein, ihn im Herbst des Folgejahres in Shkodra zu besuchen, wo er inzwischen wieder ein Haus hat und einmal im Jahr Künstler/innen aus der Region zu einem Austausch einlädt.

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In Shkodra, I was particularly impressed that a wellestablished, internationally active artist like Adrian Paci organizes here, in his “hometown,� an opportunity for young artists to meet together and that he is so visibly excited by and interested in the ideas and works of his younger colleagues.

Together with his cousin Zef Paci, a professor at the University of Arts in Tirana, he has created a place for exchange and discussion, where he has also invited international curators, and puts his own work up for discussion. Both open up their homes situated around a common courtyard for this purpose.

I am grateful I was able to get to know these wonderful young artists and their work, to experience the seriousness of the gathering, but also the immense, sensuous joy, the joint celebration—it is an impressive project! It takes people like Adrian Paci who have lost a community at a certain stage of their lives and are able to use this to develop the power to communicate to other people, in this case young artists, how forming new communities is so essential, and also how important it

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Art House School, Shkodra

In Shkodra war für mich besonders beeindruckend, dass ein arrivierter, international arbeitender Künstler wie Paci hier, in seinem »Heimatort«, einen Raum der Begegnung für junge Künstler/innen schafft und dabei eine so sichtbare Freude und ein solches Interesse an den Konzepten und der Arbeit der jungen Kolleg/innen hat. Gemeinsam mit seinem Cousin Zef Paci, einem Professor an der Universität der Künste in Tirana, bietet er einen Ort des Austauschs und der Debatte an, an den er auch internationale Kurator/innen einlädt und wo er seine eigene Arbeit zur Diskussion stellt. Dafür öffnen die beiden ihre um einen gemeinsamen Hof stehenden Häuser.

Ich bin dankbar, dass ich diese wunderbaren jungen Künstler/innen und ihre Arbeit kennenlernen durfte; die ernsthafte Auseinandersetzung, aber auch die große sinnliche Freude, das gemeinsame Feiern – ein beeindruckendes Projekt! Es braucht Menschen wie Paci, die eine Gemeinschaft in einer bestimmten Phase ihres Lebens verloren haben und in der Lage sind, daraus die Kraft zu schöpfen, anderen Menschen, in diesem Fall jungen Künstler/innen, zu vermitteln, wie wesentlich die Bildung neuer Gemeinschaften ist, wie wichtig es

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Vajtojca, 2002 (Detail) Courtesy der Künstler / the artist, kaufmann repetto, Mailand / Milan, New York, Galerie Peter Kilchmann, Zürich

is to look beyond your own community in order to gain new experiences and expand your network. An open call will take place for the first time in 2019; thus far the Pacis have specifically invited young artists from Albania and neighboring countries. I am curious to see how the Art House School evolves, which I was able to get to know as an enriching place for encounters and the exchange of artistic work.

Death as the End of Human Community The death of a person who is in some way close to you is also a form of losing a community, whether among family, or in society. Forms of ritualized farewells and what they say about people, as well as culturally specific, highly divergent mourning rituals, are themes Paci raises again and again. This is also the case with Paci’s second early work, Vajtojca (2002), which was shown by Szeemann. Here, Paci subjects himself

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auch ist, über die eigene Gemeinschaft hinauszublicken, Erfahrungen zu sammeln und sich zu vernetzen. 2019 wird zum ersten Mal ein Open Call ausgeschrieben, bisher haben die Pacis gezielt junge Künstler/innen aus Albanien und den Nachbarländern eingeladen.

Ich bin gespannt, wie sich die Art House School entwickelt, die ich als bereichernden Ort der Begegnung und des künstlerischen Austausches erfahren habe.

Der Tod als Ende menschlicher Gemeinschaft Auch der Tod eines Menschen, dem man in irgendeiner Weise nahestand, ist eine Form des Verlustes einer Gemeinschaft, sei es in der Familie, sei es in der Gesellschaft. Die Formen ritueller Abschiede und was sie über die Menschen aussagen, die auch kulturell bedingten höchst divergierenden Rituale der Trauer sind ein Thema, das Paci immer wieder aufgreift. So auch in der zweiten frühen Arbeit des Künstlers, die von Szeemann gezeigt wurde, Vajtojca von 2002. Darin

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Interregnum, 2017 (Detail) Courtesy der Künstler / the artist, kaufmann repetto, Mailand / Milan, New York, Galerie Peter Kilchmann, Zürich

to the Albanian ritual of professional, paid lamentation, an experience no one would otherwise ever undertake. But Paci gets up after the end of the lament, pays, and says goodbye.

At the same time, an uplifting song begins playing since death could be outwitted here, and this swing from sad to jovial is also part of many funeral traditions. This is one of the earliest of Paci’s works in the Krems exhibition.

Fifteen years later, in 2017, Paci again deals with rituals of mourning, but this time the perspective is shifted from private to public. For the video work Interregnum, the artist went through found-footage material from archives and uses documentary film excerpts to present the funerals and memorial services of the “great” dictators of twentieth-century communist regimes such as Mao, Stalin, Tito, and Enver Hoxha (Albania).

Contrary to the ritual of lamentation, a familial, private ritual of mourning, we see here lines of people, probably many of them not there voluntarily, moving through cities, in silent funeral processions. Some move past the coffins of the dead

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setzt sich Paci dem albanischen Ritual der professionellen, bezahlten Beweinung aus, eine Erfahrung, die wohl keiner sonst je macht. Aber er steht nach dem Ende der Beweinung auf, zahlt und verabschiedet sich. Dabei beginnt ein fröhliches Lied, denn es ist ja gelungen, den Tod zu überlisten, außerdem gehört dieser Schwenk vom Traurigen zum Fröhlichen auch zu vielen Begräbnistraditionen. In der Kremser Ausstellung ist das eine der frühesten Arbeiten Pacis.

15 Jahre später, 2017, setzte sich Paci wieder mit den Ritualen der Trauer auseinander, verschob den Blickwinkel aber vom Privaten zum Öffentlichen. Für die Videoarbeit Interregnum sichtete der Künstler dokumentarisches Filmmaterial aus Archiven, das die Begräbnisse und Trauerfeiern der »großen« kommunistischen Diktatoren des 20. Jahrhunderts wie Mao, Stalin, Tito und Enver Hoxha (Albanien) zeigt, und verwendete Ausschnitte daraus. Ganz im Gegensatz zum Ritual der Beweinung, einem familiären, privaten Trauerritual, sehen wir hier Schlangen von Menschen, viele von ihnen wohl nicht freiwillig dabei, die durch die Städte ziehen, wortlose Trauerzüge. An den Särgen der Toten schreiten manche wie Soldaten vorbei, grüßen,

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like soldiers, salute, are stiff, but others cry, scream, collapse— collective forms of mourning that are at times very similar to the private mourning for a loved one, although they are enacted. It is true that many of these people, consciously or unconsciously, were adherents to this form of social community. But the mourning expressed may also be due to the fact that, whether one was a friend or secretly a foe of the regime, there was a feeling that something was coming to an end with that death, that change was coming. Uncertainty and fear of the unknown inform the mourning—a highly complex example of Paci’s artistic approach to such existential themes.

The Power of Speechless Images— Heeding the Power of Language “The moment is the sole reality, it is reality in itself, in the life of the soul. The moment that has been lived is the last, the warm-blooded, the immediate, the living, the bodily-present, the totality of the real, the only concrete thing. Rather than losing oneself in the past and the future, man finds existence and the absolute ultimately in the moment alone. Past and future are dark, uncertain abysses, are endless time, whereas the moment can be the abolition of time, the presence of the eternal.” – Karl Jaspers, philosopher2 The gallerist and pioneer of art education in Austria, Heiderose Hildebrand, once spoke of the preciousness of words, that

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sind starr, manche aber weinen, schreien, brechen zusammen – kollektive Formen der Trauer, die aber zuweilen der privaten Trauer um einen geliebten Angehörigen sehr ähneln, obwohl sie verordnet sind.

Vermutlich waren viele der Menschen, bewusst oder unbewusst, Anhänger dieser Form der gesellschaftlichen Gemeinschaft. Die zum Ausdruck gebrachte Trauer kann aber auch daher rühren, dass sie – ob Freund oder insgeheimer Gegner des Regimes – fühlen, dass mit diesem Tod etwas zu Ende geht, dass eine Veränderung kommen wird.

Unsicherheit und Angst vor dem Neuen bestimmen die Trauer – ein hochkomplexes Beispiel der künstlerischen Annäherung an existenzielle Themen.

Die Macht sprachloser Bilder – der Macht von Sprache eingedenk »Der Augenblick ist die einzige Realität, die Realität überhaupt im seelischen Leben. Der gelebte Augenblick ist das Letzte, Blutwarme, Unmittelbare, Lebendige, das leibhaftig Gegenwärtige, die Totalität des Realen, das allein Konkrete. Statt von der Gegenwart sich in Vergangenheit und Zukunft zu verlieren, findet der Mensch Existenz und Absolutes zuletzt nur im Augenblick. Vergangenheit und Zukunft sind dunkle, ungewisse Abgründe, sind die endlose Zeit, während der Augenblick die Aufhebung der Zeit, die Gegenwart des Ewigen sein kann.« – Karl Jaspers, Philosoph2 Die Galeristin Heiderose Hildebrand, Pionierin der österreichischen Kunstvermittlung, hat einmal von der Kostbarkeit der Worte gesprochen, dass jedes ausgesprochene oder geschriebene Wort zu einem

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every word spoken (or written) about a work of art wants to be used in a cherished way like a precious item from a jewelry box. This could be a good exercise for talking about art—but also for writing texts on art. How difficult is it, for example, with one of Paci’s works, even if you have seen it frequently, to find apt, informative, subtle formulations that do not occlude the work and which also allow room for interpretations other than one’s own. Even when describing the installation Apparizione above, I noticed how challenging it is to capture the impact of the work in words, especially since its impact is perceived in highly individual ways.

It seems easier to rely on the taught, art-theoretical language of Western art discourse that is often difficult for laymen to grasp, which is clearly directed at a target group of informed practitioners who seemingly effortlessly understand all the references (and foreign words) and theories, who are and want to be insiders. But will that do justice to a visual language of the kind Paci employs? Do I want that as an author?

What does the reader want? The desire of many exhibition visitors for answers to what remains open when looking at art is also not to be underestimated. The understandable need for more information, whose satisfaction we are all very quick to indulge because we can easily look up things on the web with a search engine, can, however, also immediately lead to switching from looking at the artwork to the smartphone. The algorithm-based information available there is often a kind of fast-food info, which naturally leaves much in the dark.

So again back to more academic art content? Sometimes

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Kunstwerk, ähnlich wie eine Preziose aus einem Schmuckkästchen, kostbar verwendet werden will. Das könnte eine gute Übung für das Sprechen über Kunst sein – aber auch für das Schreiben über Kunst.

Wie schwer ist es beispielsweise, zu einer Arbeit von Paci, selbst wenn man sie schon oft gesehen hat, treffende, informative, hintergründige Formulierungen zu finden, die das Werk nicht überdecken und zugleich neben der eigenen Sichtweise auch andere zulassen. Schon bei der Beschreibung der Installation Apparizione weiter oben im Text habe ich gemerkt, wie wenig es gelingt, die Wirkung der Arbeit in Worte zu fassen, zumal Wirkung ja höchst individuell wahrgenommen wird.

Leichter scheint es, sich der kunsttheoretisch geschulten, für den Laien oft schwer verständlichen Theoriesprache des westlichen Kunstdiskurses zu bedienen, die sich klar an die Zielgruppe der sogenannten Wissenden richtet, derer also, die alle Anspielungen (und Fremdwörter) und Theorien scheinbar mühelos verstehen, die Insider/innen sind, es auch sein wollen. Aber wird das einer Bildsprache wie jener, die Paci verwendet, gerecht? Will ich als Autor das? Was will die Leserin, der Leser? Die Sehnsucht vieler Ausstellungsbesucher/innen nach Antworten auf Fragen, die bei der Kunstbetrachtung offenbleiben, ist auch nicht zu unterschätzen. Das verständliche Bedürfnis nach mehr Information, dessen Befriedigung wir heute alle besonders schnell erwarten, weil wir uns umstandslos einer Suchmaschine bedienen können, kann aber auch dazu führen, dass wir vom Blick auf das Kunstwerk gleich aufs Smartphone switchen. Die uns dort algorithmisch zur Verfügung gestellten Informationen sind oft eine Art Fast-Food-Infos, die naturgemäß vieles im Dunkeln lassen. Also doch wieder mehr kunstwissen-

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an exercise I learned from British art scholars is helpful. It fascinated me that expressing complex relationships in simple, understandable terms is possible, often with a great deal of humor. Which, incidentally, happens with greater frequency in the Anglo-Saxon realm than with “us.” When I spoke to a London-based art historian after a talk once, she laughed and told me about her approach to art: “If you want to convey something, be it in a text or in a talk, then try imagining you want to tell it a child. You cannot impress a child with expert language, here you have to try to get to the point very concisely, otherwise they will not understand you.” Since then I have often tried approaching things in this way and getting to the point—not always with success, as you can see, because at this point in my text I have already used 2,292 words in getting closer to the ideas behind Paci’s work.

So how do we approach the imaginative, often mute, or exceedingly linguistically spare works of Adrain Paci through language? Actually the best way is by looking. By taking a lot of time. Does his work require explanation? Maybe something more like supplemental, background information, themes running throughout the work in brackets—an exhibition or text is only ever able to provide a partial glimpse of things. Much goes unmentioned, like, thus far in this text, Paci’s painting, which would deserve—yes, what actually? Devoting more space to it here? In actuality, art comes alive through looking, through dealing with the work and its content, with the current questions an artist raises with their work. Language can be helpful here, but will always remain inadequate, because it

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schaftliche Inhalte? Manchmal ist eine Übung hilfreich, die ich von Kunstwissenschaftler/innen aus Großbritannien gelernt habe. Es hat mich fasziniert, dass es möglich ist, komplexe Zusammenhänge in einfachen, verständlichen Worten auszudrücken, oft auch mit viel Humor. Etwas übrigens, was man im angelsächsischen Raum viel eher findet als bei »uns«. Als ich nach einem Vortrag eine Kunstwissenschaftlerin aus London einmal darauf ansprach, lachte sie und verriet mir ihre Herangehensweise: »Wenn du etwas vermitteln willst, sei es in einem Text oder in einer Rede, dann versuche dir vorzustellen, du willst es einem Kind erzählen. Ein Kind kannst du nicht mit einer Fachsprache beeindrucken, da musst du versuchen, wirklich präzise auf den Punkt zu kommen, sonst wird es dich nicht verstehen.« Seither habe ich schon oft versucht, mich einem Thema so zu nähern und auf den Punkt zu kommen – nicht immer mit Erfolg, wie man sieht, denn an dieser Stelle habe ich schon 2.292 Wörter gebraucht, um mich Paci anzunähern.

Wie nähern wir uns also den bildmächtigen, oft sprachlosen oder Sprache äußerst sparsam einsetzenden Werken Adrian Pacis mit sprachlichen Mitteln? Am besten – über das Schauen. Mit viel Zeit.

Bedürfen seine Werke der Erklärung? Vielleicht eher der Ergänzungen, der Hintergründe, der sich durch das Werk ziehenden Themen als Klammer – eine Ausstellung oder ein Text vermögen ja immer nur einen Ausschnitt abzubilden. Vieles bleibt unerwähnt, wie in diesem Text bisher die Malerei Pacis, die es verdienen würde – ja, was eigentlich? Hier mehr Raum zu bekommen? Eigentlich lebt Kunst vom Schauen, von der Beschäftigung mit dem Werk und seinen Inhalten, mit den aktuellen Fragen, die eine Künstlerin, ein Künstler mit ihren oder seinen Werken aufwirft. Sprache kann da hilfreich

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Turn On, 2004 (Detail) Courtesy der Künstler / the artist, kaufmann repetto, Mailand / Milan, New York, Galerie Peter Kilchmann, Zürich

interprets the work and the position in one direction, which often says more about the position of the author. Let’s conclude this text in an obvious way with an image: a still image from the video Prova that Paci shot in 2019 in Shkodra, featuring the same men he made the video Turn On with in 2004.

Paci takes an extremely sensitive approach to working with people who are not on the so-called winning side of society, and also shows longer-term interest in them. In my view, the dignity of the protagonists of his videos is not compromised, they are not put on display. Even though we can get a good sense of who they are if we allow ourselves to. The muteness or lack of words combined with powerful, quiet imagery is also one of Paci’s essential creative means in his most recently completed video Prova. We can observe for a long time and get to know the life-inscribed faces of the men from Skodra, but we learn nothing about them but what we see. The only thing we hear from them is the word “prova” during a microphone soundcheck. For what they have to say, they cannot find a language.

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Prova, 2019 (Detail) Courtesy der Künstler / the artist, kaufmann repetto, Mailand / Milan, New York, Galerie Peter Kilchmann, Zürich

sein, wird aber wohl immer unzulänglich bleiben, weil sie das Werk und die Position auch in eine Richtung interpretiert, die oft mehr über die Position der Autorin oder des Autors sagt. Beenden wir also diesen Text sinnfällig mit einem Bild: einem Still aus dem Video Prova, das Paci 2019 in Shkodra gedreht hat, mit den gleichen Männern, mit denen er 2004 das Video Turn On realisierte. Paci arbeitet äußerst sensibel mit Menschen, die nicht auf der sogenannten Gewinnerseite der Gesellschaft stehen, und zeigt auch längerfristig Interesse an ihnen. Meiner Ansicht nach wird die Würde der Protagonist/innen seiner Videos nicht angetastet, sie werden nicht zur Schau gestellt.

Obwohl wir ihnen sehr nahekommen können, wenn wir uns darauf einlassen. Die Sprachlosigkeit in Verbindung mit starken, ruhigen Bildern ist auch in dem aktuellsten, gerade erst fertiggestellten Video Prova ein wesentliches Gestaltungsmittel Pacis. Lange können wir uns im Betrachten den vom Leben gezeichneten Gesichtern der Männer aus Shkodra annähern, aber wir erfahren von ihnen nicht mehr als das, was wir sehen. Das Einzige, was wir von ihnen hören, ist ein Wort als Mikrofon-Soundcheck: »Prova«. Für das, was sie zu sagen hätten, finden sie keine Sprache.

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Epilogue However, another fundamental question still remains open: the question of who art reaches, especially art that raises fundamental political questions. Will it only reach those again who already deal with socio-political themes and ideas? Does engaging with art for your own reassurance, so to speak, help you stand on the “right” side? Hanno Rauterberg, cultural journalist with the German weekly newspaper Die Zeit, provocatively asserted recently that much of politically motivated art production is fundamentally hypocritical and only serves within the small international art world the incestuous purpose of self-reassurance.3 It is a kind of machinery of concern, without any real impact. Conversely, this would mean that this art does not even reach those who should be made aware of socially relevant issues because it is presented almost exclusively within an art-specific context, that is at exhibition venues, at biennials, and fairs and, in employing artistic means, is also likely only directed at those who understand the codes. This is certainly a serious assertion, a critical approach to thinking about art’s impact. But does that mean that it makes no sense at all to produce critical, sociopolitically relevant art that raises existential questions? Or does this assessment shed a light on reviewers who have already seen “everything,” who either resort to cynicism or reject any form of emotional impact—again in a gripping sense? In any case, that art is presented primarily to an artsavvy audience is a dilemma that is not likely to be resolved.

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Epilog Eine weitere, ganz essenzielle Frage bleibt aber noch offen, die Frage, wen Kunst erreicht, gerade auch jene Kunst, die grundsätzliche politische Fragen aufwirft. Erreicht sie nur wieder jene, die sich sowieso schon mit gesellschaftspolitischen Inhalten beschäftigen?

Dient ihnen die Kunst sozusagen zur Vergewisserung, dass sie auf der »richtigen« Seite stehen? Hanno Rauterberg, Kulturjournalist der deutschen Wochenzeitung Die Zeit, hat kürzlich die provokante Behauptung aufgestellt, dass vieles an einer politisch motivierten Kunstproduktion im Grunde genommen scheinheilig ist und nur inzestuös im kleinen internationalen Kunstbetrieb zur Selbstvergewisserung dient.3 Eine Art Betroffenheitsmaschinerie ohne echte Auswirkung. Im Umkehrschluss hieße das, dass diese Kunst jene, die auf gesellschaftlich relevante Themen aufmerksam gemacht werden sollten, gar nicht erreicht, weil sie fast ausschließlich im Kunstumfeld präsentiert wird, also in Ausstellungshäusern, auf Biennalen und Messen, und sich wohl auch oft in der Verwendung der künstlerischen Mittel nur an jene richtet, die die Codes verstehen. Das ist sicher eine ernst zu nehmende Behauptung, ein kritischer Ansatz, über die Wirkung von Kunst nachzudenken. Aber heißt das, dass es keinen Sinn hat, überhaupt kritische, gesellschaftspolitisch relevante, existenzielle Fragen aufwerfende Kunst zu produzieren? Oder wirft diese Einschätzung auch ein Licht auf Rezensent/innen, die schon »alles« gesehen haben, sich entweder in Zynismus flüchten oder jede Form von Berührung – wieder im Sinne von Ergreifen – ablehnen?

Wie auch immer, ganz aufzulösen ist das Dilemma wohl nicht, dass Kunst in erster Linie für ein kunstaffines Publikum präsentiert wird.

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But the more important question for me is whether an artistic work is authentic in itself, whether its integrity is inherent.

With Adrian Paci, the engagement with fundamental questions of humanity and our existence, with community and the loss of community is not only determined by his biographical background, but in essence also by an attitude. An attitude towards life, the community, the people he engages with, who play a role in his art and for whom he creates art. Art venues, hence also Kunstverein Salzburg and Kunsthalle Krems, can provide a framework for this. Here, visitors can engage the art with the needed tranquility, ponder it, and perhaps even ask themselves the question how one’s own attitude can be translated into action.

1 Jan Assmann, Perspektiven Integration – Heimat und Identität, no. 10 (Vienna: Österreichischer Integrationsfonds, 2018).

2 Karl Jaspers, Psychologie der Weltanschauungen (Berlin, 1919).

3 See Hanno Rauterberg, “Die Kunst der Scheinheiligkeit,” Die Zeit (August 1, 2019).

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Aber die viel wesentlichere Frage ist für mich, ob eine künstlerische Arbeit in sich authentisch ist, ob ihr Integrität innewohnt.

Bei Adrian Paci ist die Auseinandersetzung mit den Grundfragen der Menschheit und unserer Existenz, mit Gemeinschaft und dem Verlust von Gemeinschaft nicht nur durch seinen biografischen Hintergrund bedingt, sondern auch grundsätzlich durch eine Haltung. Eine Haltung dem Leben gegenüber, der Gemeinschaft, den Menschen, mit denen er sich beschäftigt, die in seiner Kunst eine Rolle spielen und für die er Kunst schafft. Die Räume für Kunst, also auch der Salzburger Kunstverein und die Kunsthalle Krems, können dafür einen Rahmen bieten. Hier können die Besucher/innen sich in der notwendigen Ruhe mit der Kunst beschäftigen, sich Gedanken darüber machen und sich vielleicht auch die Frage stellen, wie die eigene Haltung in Handlung übersetzt werden kann.

1 Jan Assmann, in: Österreichischer Integrationsfonds (Hg.), Heimat und Identität (Perspektiven Integration, Nr. 10), Wien 2018.

2 Karl Jaspers, Psychologie der Weltanschauungen, Berlin 1919.

3 Vgl. Hanno Rauterberg, »Die Kunst der Scheinheiligkeit«, in: Die Zeit, 1. August 2019.

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