"Культпросвет" by Vagit K

КОНЦЕПЦИЯ Москва, 12.12.2015

ОГЛАВЛЕНИЕ

АВТОРЫ

ИДЕЯ

ИСТОРИЧЕСКИЙ КОНТЕКСТ

МИРОВОЙ КОНТЕКСТ

УРБАНИСТИЧЕСКИЙ КОНТЕКСТ

ПРИНЦИП МЕЖДИСЦИПЛИНАРНОСТИ

ПРИНЦИП ОППОЗИЦИЙ

ПРИНЦИП КУРАТОРСТВА

ПРОГРАММЫ

АФИША

АУДИТОРИЯ

104

ДИЗАЙН, ФИРМЕННЫЙ СТИЛЬ

108

ТЕХНИЧЕСКОЕ ОСНАЩЕНИЕ

112

ЭКОНОМИЧЕСКАЯ МОДЕЛЬ

118

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

122

АВТОРЫ

Бояков Эдуард, главный редактор Барабанов Борис Бачманова Юлиана Вернер Дарья Владычина Ольга Гучмазова Лейла Ибрагимова Марианна Киселев Алексей Кубланова Мария Лашко Стефан Лобанова Анастасия Милютин Юрий Морозов Алексей Огер Михаил Петровская Евгения Полозкова Вера Пустовая Валерия Цебоев Азамат Цодиков Олег Черемных Елена Шамина Дарья

ИДЕЯ

Первый ответ

Главные принципы проекта

Идея

Первый ответ Это острый и сложный вопрос – каким должен быть павильон, расположенный на ВДНХ и много лет имевший в своем названии слово «культура».

8 «Культ» – это о культуре, а также о сакральном, о безусловных ценностях. «Просвет» – это о попытке пройти между Сциллой масскульта, потребительства и Харибдой высокомерия, элитарности.

Мы ищем ответ на этот вопрос, понимая, что современная культура находится в принципиально новой ситуации, нежели культурная отрасль в середине XX века, когда создавались и ВДНХ, и большинство сегодняшних культурных институций.

«Свет» – это свет, он нужен нам на пути, без него мы заблудимся в чаще неведения и эгоизма. Это слово имеет общие, индоевропейские корни и понятно многим на нашем материке от Индии и Персии до Польши.

Мир сталкивается с глобальными изменениями в информационном, экономическом и политическом пространстве. Мы все чувствуем эти изменения, но не можем до конца в них разобраться. Они затрагивают не только среду, но и человеческую природу, антропологию. Первый раз в истории человек оказался в ситуации абсолютной мобильности, когда в течение суток можно очутиться в любой точке планеты. Первый раз в истории у людей почти безграничные возможности коммуникации друг с другом благодаря мобильной связи, интернету и социальным сетям. Первый раз в истории практически у всех людей одинаковый доступ к информации.

«Про» – это не просто предлог или приставка, это латинское «да», это позитивное утверждение.

В этих условиях художественное, символическое пространство меняется также кардинально. На первый план выходит диалог жанров и языков, их смешение и универсализация. Зачастую «ответом на вызов времени» становится релятивизм, размывание личности. Символы превращаются в симулякры, рефлексия – в риторику. Мастерство становится раритетом. Тем важнее выработать новые принципы функционирования арт-институции и обозначить свою позицию. В слове «культпросвет» мы видим несколько одинаково важных частей, важных смыслов. И только соединение этих смыслов дает общую картину и объясняет наши намерения.

Ну и, наконец, само слово «культпросвет» в Советской России прежде всего ассоциировалось с просвещением, развитием личности.

Главные принципы проекта Междисциплинарность Тема междисциплинарности актуальна уже лет 90, если не вспоминать о Леонардо да Винчи, который дал бы фору всем современным художникам. Сегодня легко найти спектакли, выставки, которые активно смешивают жанры, но мы не только предъявляем произведения этого ряда, но и исследуем этот феномен. Таких площадок, как нам кажется, сегодня не очень много в мире, а в России нет совсем. Работа с эстетическими оппозициями Оппозиции выражают современную культуру намного полнее, нежели перечисление отдельных, пусть даже ярких, свойств художественных явлений. Мы должны быть диалектичными, создавая платформу для встречи старого и нового, традиционного и новаторского, национального, русского и глобального, мирового. Место, открытое для разных идеологий и позиций Декларируя художественную направленность нашего проекта, отсутствие политической ангажированности, мы все же отдаем себе отчет в возможности идеологических столкновений. Искусство сегодня очень часто становится территорией конфликтов, не имеющих отношения к чистой эстетике. Мы не боимся этого и создаем возможность для диалога, обмена мнениями. Осознавая важность следования этическим принципам, которые едины для всех культур. Лучше, когда столкновения происходят не на площади, а на сцене. Принцип кураторства Слово «куратор» сегодня популярно не меньше слова «междисциплинарность». Но ясности часто не хватает. Мы применяем эту функцию ко всем жанрам и языкам, не только к изобразительному искусству. Куратор в нашем случае – важнейшая творческая фигура, это демиург, настоящий художник, собиратель образа. В «Культпросвете» двенадцать направлений, двенадцать языков искусства. У каждого куратора есть возможность

для личного высказывания и каждый ищет универсальный язык для общения со зрителями и коллегами. Философское осмысление Рефлексия должна сопровождать каждое произведение искусства. В наше время информационные поводы, светская хроника, медийное присутствие очень часто выходят на первый план и затмевают смысл и ценность творческого акта. Поэтому одно из наших двенадцати направлений связано с философией, искусствознанием. Каждый «релиз», каждое событие сопровождается аналитическим «пост-релизом», формы которого нам еще предстоит выработать. Событие как метажанр «Событие» – это не просто концерт, спектакль или выставка, это что-то большее. Во-первых, это более широкая, нежели обычно, медийная и просветительская коммуникация с аудиторией. Во-вторых, это акцент на философско-искусствоведческом анализе, о котором сказано выше. В третьих, это «поле междисциплинарности» – сопровождение конкретного концерта или спектакля высказываниями или коллаборациями других кураторов. Каждое событие должно работать на нашу цель – давать зрителю и участнику позитивный импульс к осознанному жизнетворчеству. Соответствие Genius loci В свой «золотой век» ВДНХ была аккумулятором энергии и генератором прорывных идей, сплавом достижений людей разных профессий и национальностей. Выставка привлекала лучшие артистические силы. В этом – ее гений места. В этом – вызов для нас. Мы должны соответствовать и невероятной, мощнейшей энергии создателей комплекса ВДНХ и тонкому, чуткому подходу к пространству создателей павильона «Узбекистан», гениально смешавших сталинский ампир и среднеазиатскую орнаменталистику. Кроме того, мы осознаем богатую семантику понятия «павильон». Павильон в нашем случае не просто «открытое», «пустое», готовое для трансформаций

Идея пространство, но и производственное «ателье», не отягощенное, в отличие от музея, функцией хранения. Это место, где можно быстро собрать, произвести что-то новое и большое. Использование современных технологий Пространство, ставящее целью междисциплинарный диалог, должно быть высокотехнологичным. Мультимедиа, цифровые форматы, современные инженерные решения должны создавать творческую среду и для зрителей, и для художников. Широкая аудитория События в Павильоне ориентированы на широкий круг зрителей-участников, аудиторию ВДНХ. В то же время Павильон вовлекает широкую аудиторию в поле современного искусства. Это, благодаря правильному балансу, создает образ Павильона одновременно и «демократичного», и «лабораторного, развивающего».

10 Но начать нам представляется необходимым с изложения исторического контекста. Глава значительно больше других по объему. Причин этому две. Во-первых, это ответственное, насколько нам позволил краткий, полуторамесячный срок, исследование судьбы Павильона «Узбекистан» (позже «Культура») с момента его создания до сегодняшнего дня. Во-вторых, это не просто дежурная «историческая часть», а совсем другое – это основа нашего понимания будущего. На нас произвел огромное впечатление сам замысел, изначальные идеи создателей павильона – выдающихся архитекторов и художников. Эти идеи были воплощены частично, а последние пятьдесят лет медленно, но верно сходили на нет. Мы уверены, что возвратить жизнь в этот павильон можно только в резонансе с его гениальными авторами. Поэтому мы подробны в главе, посвященной историческому контексту.

Мы, команда Павильона «Культпросвет», уверены, что соответствуя этим принципам, можно создать действительно новую институцию. Мы строим творческий организм, который способен расширить и наши, и зрительские представления о ярком, интересном, глубоком, актуальном и нужном российской культуре. В Концепции мы будем говорить о мировом, урбанистическом контекстах, остановимся на методологии проекта, опишем принципы формирования афиши, заявим основные программы.

Проект «ВДНХ». М. Розанов. 2014

ИСТОРИЧЕСКИЙ КОНТЕКСТ

ВДНХ: жизнь как искусство

Маятник истории

Золотой век. ВСХВ (1939-1958)

Серебряный век. ВДНХ (1958-1988) 19 Железный век. ВВЦ (1988-2014)

ВДНХ. Острота консерватизма

Павильон «Узбекистан»: Да будет свет!

«Узбекская ССР». Золотой век (1938-1964)

«Советская культура». Серебряный век (1964-1991)

«Культура». Железный век (1991-2014)

«Культпросвет». Новая жизнь старого павильона?

Исторический контекст

ВДНХ: жизнь как искусство ВДНХ – не просто парк, не просто выставка. Здесь, в бывшей усадьбе графа Шереметева, был разбит «райский сад» Страны Советов. Лучшие инженеры и доярки работали бок о бок с архитекторами и художниками. Это был сплав и аккумулятор народной энергии, модель будущего в настоящем. «Большой стиль» – суровый и неприступный на городских улицах, хранящий память о войнах и лишениях – на ВДНХ превратился в феерический праздник мира и труда. Не было в стране человека, который не слышал бы о ВДНХ. Трудно было найти москвича, который бы не любил тут бывать. Здесь изумлялись новому и спорили о лучшем. Обменивались опытом и влюблялись. Гуляли с детьми и снимали кино. Иностранные делегации шагали маршрутом «Кремль – Большой театр – ВДНХ», на всю жизнь запоминая «Марш энтузиастов».

Проект «ВДНХ». М. Розанов. 2014

ВДНХ не только «место силы», но и модель плодотворного взаимодействия различных языков культуры, тесного контакта со зрителем. Каждый элемент – от садового растения до архитектурной детали – просвещал и увлекал. Этот принцип – принцип создания театральной по своей сути среды – почти не изучен. А между тем, идея создания ВДНХ как выставки-спектакля возникла не на пустом месте. За ее спиной – почти вековая история промышленных выставок. Вот несколько примеров. В 1872 году в Москве открывается первая национальная Политехническая выставка, посвященная 200-летнему юбилею Петра I. Она захватывает центр города, размещаясь в Манеже, Александровском саду, на Кремлёвской набережной и Варварской площади. Выставка привлекает 750 тысяч посетителей! Именно здесь впервые представлены национальные павильоны с окраин империи (например, павильон Туркестана – в виде копии

Исторический контекст медресе Ширдар в Самарканде). Выступают народные театры. Музыканты Большого театра исполняют кантату, специально написанную П.Чайковским. Запускается первая конная линия трамвая. Выставка дает такое количество ценных экспонатов, что Император Александр III издает указ о строительстве для них двух зданий в русском стиле – Исторического и Политехнического музеев. Символично, что сегодня у Политехнического – свой павильон на ВДНХ. Россия не раз производит фурор на зарубежных выставках. Например, в 1878 году парижские газеты сообщают о двух сенсациях: о русском павильоне архитектора И. Ропета и электродуговой лампе П. Яблочкова. Лампы «Русский свет» тут же зажигаются в английских доках, французском универмаге «Лувр». Уже в 1923 году Советская Россия принимает выставочную эстафету. На территории бывших дворянских усадеб в Нескучном саду открывается Сельскохозяйственная и кустарно-промышленная выставка Союза ССР. На ней с павильоном «Махорка» дебютирует будущая звезда советского и мирового конструктивизма –

16 архитектор Константин Мельников. Помещения в павильоне сдвинуты от основной оси, зрители двигаются по открытой винтовой лестнице, скручивая виртуальную папироску. Народная традиция быстро становится элементом авангардистского космоса, посетители выставки с удивлением обнаруживают индустриальный объект с «флигелями» в виде юрты и чума – творение Пантелеймона Голосова. В 1937 уже вся Европа наблюдает «великое противостояние» СССР и Третьего Рейха на Всемирной выставке в Париже. Побеждает наш павильон: устремленная вверх лестница-башня Бориса Иофана со скульптурой «Рабочий и Колхозница» Веры Мухиной. Именно здесь блестяще срабатывает принцип синтеза архитектуры и скульптуры, положенный в основу столичного генплана 1935 года. Так рождались идеи сплава материальных и духовных ценностей на ВДНХ. Изобилие продуктов, технический прогресс и трудовой энтузиазм придавали вещам эстетическую самоценность. Труд был искусством, продукт – артефактом.

Павильон «Махорка» для Всероссийской сельскохозяйственной и кустарно-промышленная выставки. К.С. Мельников. 1923

Проект «ВДНХ». М. Розанов. 2014

Исторический контекст

Маятник истории ВДНХ, будучи моделью советской цивилизации, по нашему мнению, пережила три эпохи: «золотой», «серебряный» и «железный» век. Внутри каждой эпохи маятник истории колебался между полюсами: «революция – эволюция», «поэзия – прагматика», «открытость – герметичность». Эти фазы очень важны для понимания истории выставки. Каждый новый век менял структуру выставки: на смену территориальному принципу приходил производственный, затем рыночный. Менялись аббревиатуры: ВСХВ, ВДНХ, ВВЦ.

Золотой век. ВСХВ (1939-1958) Золотой век ВСХВ – это время перед войной и после. Первое открытие намечается на 6 июля 1937 года. День Конституции. Год двадцатилетнего юбилея Октябрьской революции. Выставка должна продемонстрировать торжество коллективизации и победу над голодом. Но открытие затягивается, переносится на 1939 год: перестраиваются павильоны, «перетря-

Проект «ВДНХ». М. Розанов. 2014

хиваются» кадры, радикальный и неожиданный конструктивизм уступает место строгому, монументальному ар-деко, с которым русские специалисты знакомятся на выставках в Чикаго и Далласе. Вместо увенчанной серпом и молотом башни на площади Механизации ставится 25-метровый монумент Сталину. Главного архитектора – отца «сталинских высоток» В. Олтаржевского – сменяет А. Жуков. Однако многие исходные идеи прежней команды все-таки воплощаются в жизнь. Это и общий план застройки, позволявший посетителям выставки увидеть павильоны с угловой, динамической точки, и экспериментальный дизайн интерьеров. В 1939 году ВСХВ открывается и становится национальным архитектурным гимном. На 136 гектарах вырастает народный «чудо-сад»: 250 строений, фонтаны, каскад прудов, парки и опытные участки. Только за первый год выставку посещает 3,5 миллиона человек. Здесь разворачиваются сюжеты культовых фильмов: «Свинарка и пастух», «Светлый путь», «Подкидыш». Фильмы мгновенно тиражируют образ «советского рая» на всю страну, а радио

Проект «ВДНХ». М. Розанов. 2014

формирует стойкую ассоциацию аббревиатуры ВСХВ с песнями Исаака Дунаевского и Тихона Хренникова. После войны архитектурный ансамбль возрождается в золоте и мраморе, ар-деко сменяет ампир. Из легкой оперной декорации выставка трансформируется в символ великой Победы и прочного мира. Теперь это город в городе. Увеличивается площадь, спрямляется главная аллея, которую открывают триумфальные ворота. По территории выставки проходит троллейбусная линия. Новые павильоны в два раза превосходят прежние и украшаются богатым декором, а сквозная арка «Механизации» увенчивается фронтоном и ренессансным куполом. Визитной карточкой ВСХВ становятся грандиозные фонтаны – «Дружба Народов», «Колос», «Каменный цветок». Внутри павильонов распускаются изобильные продуктовые инсталляции, а дворы и площади заселяются скульптурами счастливых и спокойных людей труда. ВДНХ, открывшаяся на следующий год после смерти «великого вождя» – это акмэ сталинского ампира.

Серебряный век. ВДНХ (1958-1988) Смерть Сталина и смена власти стремительно меняет облик ВДНХ. Борьба с «архитектурными излишествами» и переход в 1958 году на отраслевую структуру наносит удар по, казалось бы, вечному ампиру. Вместе с многочисленными сельскохозяйственными постройками сносится половина национальных павильонов, а те, что уцелели, лишаются гербов и скульптур. С 1959 года ВСХВ переименовывается в Выставку достижений народного хозяйства. Новый виток «бури и натиска» проходит под знаком науки и техники, авиации и покорения космоса. Место вождя на площади Промышленности занимает дублер гагаринской ракеты «Восток». Рядом располагается первый авиапарк из пассажирских лайнеров Ту-104, ТУ-154, ИЛ-18, ЯК-40. Вновь в цене легкие материалы и зарубежный опыт: в трех новостройках-«стекляшках» чувствуется авторитет Миса Ван Дер Роэ. Спрятанные под техногенными фасадами, бывшие «Азербайджанская ССР» и «Поволжье» теперь представляют

Исторический контекст передовые отрасли – вычислительную технику и радиоэлектронику. Эта тенденция характерна не только для ВДНХ. Из стекла и металла делаются знаменитые павильоны на зарубежных выставках: «Летящая крыша» в Монреале (1967), «Красное знамя» в Осаке (1970). «Железный занавес» приподнимается, ВДНХ становится активным участником международного обмена. В 1957 году выставка принимает гостей Всемирного фестиваля молодежи и студентов. Одновременно в Нью-Йоркском «Колизее» появляются точные копии двух первых спутников, Ил-18, ледокола «Ленин», ЗИС и «Чайки». К концу «серебряного века» пол-Москвы уже ходит в джинсах, слушает «мелодии и ритмы», обсуждает на кухнях диссидентскую литературу, листает альбомы художников-авангардистов, купленные на первой Московской международной книжной ярмарке в «химическом» павильоне. В 1986 году на ВДНХ возникает массивный павильон под названием «Товары народного потребления и услуги населению». Примерно тогда же в журнале «Крокодил» публикуется фельетон «Мираж для широкого круга», где выстав-

ка, а за ней и вся страна именуются «музеем бюрократических игр». Символично, что теперь ВДНХ – постоянная съемочная площадка детского журнала «Ералаш».

Железный век. ВВЦ (1988-2014) В 1988 году выставку переводят на хозрасчет, она лишается государственной поддержки. После распада СССР в 1991 году ВДНХ переименовывается в «Акционерное общество «Всероссийский выставочный центр» (ВВЦ). Постепенно в павильонах ликвидируются все экспозиции. Начинается период варварских, неуправляемых разрушений, безудержной эксплуатации и самостроя. Бывшие дворцы превращаются в склады или покрываются сыпью «торговых точек». В народе ВВЦ называют не иначе как «Всероссийская шашлычная». «Буря и натиск» все больше выражается теперь в пожарах. Один за другим горят павильоны «Охота», «Ветеринария». Сносятся прекрасные экземпляры советского ар-деко – павильон «Верблюдоводство» и кафе «Лебедь». Идут под топор «Грибоводня», павильоны «Судостроение» и «Теплицестроение», водонапорная башня,

Ракета «Восток»

Афиша Gagarin Party в павильоне «Космос».1991

хозяйственные постройки, осветительные конструкции, уникальные заборы 39 года, фонари. Вырубаются сорокалетние кусты сирени…

(1991) и фестиваль нового ритуального искусства PANDUS, посвященный исчезающим памятникам архитектуры (2009). Под 55-метровым куполом павильона в сопровождении тибетского дунчена раскручивается мандала «Окончание мира» из песка, дыма и огня. Стремясь освоить «место силы», художники рассматривают ансамбль «перевернуто» – как идеологический и пространственный некрополь.

Сносы становятся публичными. Так, на глазах посетителей ломают легендарный Ту-154. Его ровесники – павильоны «Электроника» и «Вычислительная техника» столь же варварски лишаются фасадов. Наконец, территория ВДНХ объявляется «достопримечательным местом», что лишает весь ансамбль прочного охранного статуса. Изменения на выставке больше не связаны с новыми витками прогресса. Кажется, что будущего нет. Выставочный центр столицы перемещается на другие площадки – в «Экспоцентр» и «Крокус-Сити». Не случайно главные стройки «железного века» на ВВЦ – развлекательные гиганты: колесо обозрения и океанариум.

Павильон «Радиоэлектроника и вычислительная техника». ВДНХ.1967

Привыкшая быть в центре внимания, ВВЦ становится площадкой для сериалов-однодневок. Альтернативную версию «распада» выдвигает московский андеграунд: в павильоне «Космос» проходят два значимых события: «Gagarin –party»

ВДНХ: острота консерватизма Крайняя точка «Железного века» – лишь импульс для маятника. На наших глазах выставка «собирает камни». Восстановлен монумент «Рабочий и Колхозница». По просьбе горожан возвратилось любимое название – ВДНХ, реконструирован «Зеленый театр». Строятся планы объединения ансамбля с парком Останкино и Ботаническим садом. Наряду с актуальным искусством, на площадку возвращаются «старожилы»: так, в Центральном павильоне готовится экспозиция, посвященная художникам ВДНХ.

Исторический контекст

«Советскому народу, знаменосцу мира – слава!» Евгений Вучетич.1954. Фото Д. Воробьева

Исторический контекст

Понемногу выставочный комплекс реанимируется. Отдаются в надежные руки павильоны: одни, как и прежде – отраслевым ведомствам, другие – столичным музеям. Уже работают Политехнический музей и Союзмультфильм, ждет открытия Музей кино, филиал Музея искусств народов Востока. Скоро в стеклянном павильоне №57 развернется обширная экспозиция по истории России, созданная Патриаршим советом по культуре. ВДНХ на наших глазах превращается в культурно-промышленный выставочный кластер с обновленным штатом, удобным сайтом, фирменным стилем. Каким будет ее четвертый век? Акцент на развлекательно-потребительской инфраструктуре неизбежно приведет к веку «пластиковому». Акцент на музейной практике грозит превратить архитектурный ансамбль в усыпальницу советского строя. А современное искусство нуждается в сильных идеях, которые дает гений места и междисциплинарная интеграция. ВДНХ всегда была генератором прорывных идей, творческого синтеза искусства и производства. Мы еще даже не прикасались всерьез к освоению опыта «золотого века» ВДНХ. Это представляется возможным только силами новых институций, на новом «золотом витке». Тем важнее оглянуться назад и осмыслить значимые факты связанные непосредственно с павильоном «Узбекистан».

Проект «ВДНХ». М. Розанов. 2014

Исторический контекст

Павильон «Узбекистан»: Да будет свет! «Культпросвет» – бывший павильон «Узбекской ССР». Этот павильон входит в группу национальных павильонов, обрамляющих площадь Дружбы народов (ранее – Колхозную площадь). Среди павильонов ВДНХ «Культпросвет» выглядит счастливчиком. Он пережил «золотой», «серебряный» и «железный» век, пострадав относительно меньше других павильонов. Причин тому много. Талант команды художников во главе с архитектором Стефаном Полупановым позволили устоять перед «бурей и натиском» и радикалов, и консерваторов. Отраслевой статус («Советская культура» в 1964 году и «Культура» в 1991 году) спас павильон от радикальной реконструкции и агрессивной аренды. Даже в самые лихие девяностые здесь продавали предметы культуры и старались сберечь интерьер. До сегодняшнего дня сохранился ажурный купол, люстры, элементы декора.

«Узбекская ССР». Золотой век (1938-1964) Узбекистан – особая земля. По цепочке его оазисов – Самарканд, Бухара, Хива, Ташкент, Термез, Ургенч, Фергана – проходил Великий шелковый путь. После образования СССР, на территории Узбекской республики оказались самые роскошные среднеазиатские памятники архитектуры: мечети, медресе, усыпальницы и дворцы. Для русских эта страна не была чужой: до революции здесь строились железные дороги, промышленные предприятия, гимназии, училища. Советское правительство, наряду с коренной перестройкой традиционной жизни, помогало восстановлению памятников. Для строительства новых поселков, административных и общественных городских зданий в Узбекистан забрасывается десант молодых архитекторов. А их коллеги-живописцы, вооружившись циркулями и карандашами, изучают мусульманские орнаменты – геометрический «гирих» и растительный «ислими», вышивку «сузане» и резьбу по де-

реву, вязь и миниатюру. Парадокс: пока советская власть борется с религиозным «мракобесием», выводит на хлопковые поля женщин без паранджи и ликвидирует безграмотность с помощью латиницы и кириллицы, художники обнаруживают сходство между заветами ВХУТЕМАСа и средневековой геометрией местных построек, между «солнечной» оптикой восточного купола и большевистской звездой. Именно в искусстве происходит продуктивный синтез старого и нового. В Узбекистане солнце светит 320 дней в году. 90% площади требует ирригации, которой большое значение в деле «пересоздания» жизни придает Ленин. Строятся Фархадская и Чирчикская ГЭС, Большой Ферганский канал. «Усмирение рек» и орошение полей становится одним из ведущих сюжетов внутреннего и внешнего дизайна обоих узбекских павильонов ВСХВ. Решенные в разной стилистике (ар-деко и ампира), эти сюжеты становятся «точкой сборки» традиции и новаторства. Архитектор: Медресе и дом культуры Стефан Полупанов (1904-1957) – одна из самых крупных фигур в советской архитектуре 30-40 годов. Окончив 1926 году архитектурный факультет Харьковского строительного института, он уезжает в Среднюю Азию, где активно участвует в исследовании местной архитектуры и обновлении Андижана, Самарканда, Ташкента. По его проекту построены

Исторический контекст

Проект «ВДНХ». М. Розанов. 2014

Исторический контекст

Павильон «Узбекская ССР».ВСХВ, 1938

здания Самаркандского Сельхозинститута(1929-30), Совета Министров УзССР (1930-31) , Дом культуры и труда в Ташкенте (1934-40). «Полупанов стремился сочетать в общей композиции зданий принципы авангарда и приемы местной архитектуры. Национальные традиционные приемы он как бы доводил до абстрактного геометризма, сливая их с формами новой архитектуры», – пишет С. Хан-Магомедов, крупнейший исследователь довоенной советской архитектуры. На ВСХВ архитектор создает целый узбекский уголок. Помимо деревянного и каменного павильонов, в 1938 и 1954 выстроены две резные чайханы, а также изящное здание магазина «Узбеквино». Павильон: реальность и фрактальность Павильоны первой ВСХВ можно назвать дворцами для бедноты. Первый павильон Узбекской ССР напоминает узбекское жилище с внутренним двориком. В центре дворика – деревянная ротонда, увенчанная разноцветной короной в виде 10-конечной звезды – символа Солнечного Универсума. Эту звезду образуют две пятиконечные, наложенные одна на другую и создающие динамический эффект вращения «шестеренки». С формой звезды рифмуется декор: капители, орнамент

Павильон «Узбекская ССР».ВСХВ, 1954

плитки, которой вымощен дворик, резьба на стенах, майоликовая мозаика входа, оконные решетки. Из середины ротонды бьет высокий фонтан, стремясь к небесному «окну» в середине короны. В 1954 году звезда «распускается» и становится 12-конечной, а ротонда – стальной. ВДНХ – настоящий аттракцион коммунистической символики с непременным участием звезды. Но ни один из артефактов не обладает таким изяществом, как полупановская ротонда. Тем же путем звездного орнамента идет и А. Щусев, когда строит Театр имени Алишера Навои в Ташкенте. Интересно, что в самаркандских орнаментах пентаграмма часто встречается как связующий элемент. Исследователи пишут, что в поисках национального самоопределения молодыми среднеазиатскими республиками лидировал именно Узбекистан, первой столицей которого был Самарканд. Поэтому среднеазиатский традиционализм 20-х годов оказывается в значительной степени самаркандским. Именно отсюда Полупанов приглашает и мастеров для отделки павильонов. Архитектор закладывает в проект идею единства народов Средней Азии, тем более, что первоначально павильон рассчитан на три республики – Узбек-

скую, Таджикскую, Туркменскую. Однако в 1938 году каждая получает отдельный павильон. Три отдельных входа в павильон повторяются и в следующем здании. Сегодня эта деталь дает серьезное преимущество для реализации разных проектов. А ротонда по-прежнему воспринимается как символ новаторского прорыва к сердцу традиции. Для тех, кто с нею дружит, традиция становится драйвером смелых решений. И павильон 1954 тому яркое доказательство. Казалось бы, нет ничего проще, чем, повторив прежнюю планировку, поднять здание на цоколь и украсить мощными античными колоннами. Но дальше происходит неожиданное: из-под фасадных панно с изображением Большого Ферганского канала и Чирчикских ГЭС по лазоревым каскадам струится вода. Получается наглядная модель использования водных ресурсов для электрификации и одновременного орошения полей. Вряд ли найдется еще пример, где античная колоннада ассоциировалась бы одновременно с контрфорсами гидроэлектростанций и стеблями хлопка.

Смелость традиции – в новой фрактальности. Главным элементом ампирного декора павильона служит коробочка спелого хлопка, что и логично (архитектурное изобилие – знак первенства республики по сбору хлопка в СССР), и фантастично. Из «хлопка» сделаны капители, карнизы и антефиксы, керамическая мозаика и светильники, узор решеток и резьба по дереву. В обоих павильонах резчиком работает потомственный самаркандский мастер Нурулла Назруллаев, а руководит командой мастеров художник-керамист, ташкентец Якуб Рауфов. Архитектурная фантазия возвращается на землю в виде… хлопковой делянки в центральном зале. Она присутствует и в первом, и во втором павильоне. В 1954 году ее освещает ажурный «солнечный» купол. Его круговой свет дублируется светом окон. А стеклянные люстры повторяют форму ротонды и каскады воды во дворе. Фрактальны и продуктовые инсталляции. Образы изобилия: хлопковые пирамидки-хирманы, каракулевые смушки, потоки шелка и вазы в виде коконов органично «вырастают» из потолка, пола и стен, имитируя архитектурные элементы. И все это превращается в неисчислимое множество с помощью зеркальных стен

Исторический контекст

Павильон «Узбекская ССР». ВСХВ, 1954. Интерьер

Исторический контекст

37 Диорама: стенд и алтарь В ХХ веке не было слов «концептуальное искусство» и «мультимедиа». Но ВСХВ стала полигоном для испытания нового жанра панорамного панно и диорамы. Жанр интересен не только как рекламно-пропагандистский или прикладной. Это была попытка отразить и пересоздать мир целиком.

Павильон «Узбекская ССР». ВСХВ, 1954. Интерьер

или п росвечивающихся перегородок. Находясь внутри, зритель становился свидетелем рождения новой вселенной, синкретичной и чудесной, как в восточных сказках. Картину довершают настенные «алтари» со скульптурами и панно, позволяющие наблюдать новую жизнь «с птичьего полета». Таким образом у зрителя создается впечатление, что павильон парит в горних высотах. Но это не все: вокруг и около узбекского уголка на ВСХВ были высажены фруктовые деревья и растения, представляющие богатую флору природных зон края. В изобильном «райском саду» не было ни одной лишней, «чужой» детали. Весь этот опыт художественной мысли, дизайна среды бесценен для современного искусства. Особенно если учесть, какие художники работали «на передовой» вместе со знатными хлопкоробами, овцеводами, виноделами, ткачами. Художники: местный интернационал Команда, работавшая над отделкой павильона была интернациональной. Здесь сочетались европейская скульптура и самаркандская резьба по дереву, ро-

спись, ковка, мозаика. Живопись соседствовала с фотографической техникой «наплывающей камеры», фотоколлажем и витражом. Продуктовые инсталляции и скульптуры «в натуральную величину» обрамляли панно и диорамы. Практически каждый русский участник проекта был влюблен в Узбекистан, хорошо его знал: Александр Николаев (Усто Мумин), Константин Мельников, Александр Лабас, Петр Котов, Ольга Мануйлова. От этого списка захватывает дух, это выдающиеся мастера, цвет советского искусства! Многие узбекские художники, как, например, Урал Таксынбаев, прошли русскую школу. Формат промышленной выставки стирал границы между «авангардистами» и «передвижниками». Работа находилась каждому: в 1938 году авангардист Александр Лабас сделал для центрального зала «Узбекистана» 20-метровую диораму, а в 1954 году панно для зала Каракалпакской АССР было заказано гениальному архитектору Константину Мельникову, лишенному к тому времени возможности строить.

Для Александра Лабаса создатель диорамы – «постановщик, дирижер оркестра». Диорама была синтезом архитектуры, скульптуры, живописи, искусственного освещения и механики. Здесь использовались самые различные материалы, по-разному преломляющие свет. Выполняя многочисленные проекты на ВСХВ, Лабас постоянно изобретал диорамы беспрерывного действия, где менялось изображение, и даже выводил диораму на крышу, включая в работу городской ландшафт. Другой известный художник и теоретик жанра – Н. Котов. Ему принадлежит около 400 диорам, он активно работал на ВСХВ, и не исключено, что именно он явился автором панно на фланговых фасадах в 1954 году. Котов создает собственное учение «панорамизм», где говорит об особом даре человека – видеть мир целостно, синтезируя воздействие природных сил: цвета, света, формы, пространства и оптической среды. Лучше всего передать это видение может, по мнению художника, специальный жанр науко-живописи. Если достоверно изображать очевидное и соблюдать последовательность этапов работы, можно бесконечно проникать вглубь реальности, не ограничиваясь рамками плоскости. Корни своего «панорамизма» художник видел в традиции Ренессанса. Многочисленные диорамы в павильоне 1954 года примиряют конструктивизм и ампир, и более того – успешно соединяют оба направления с национальной традицией. На сохранившихся фотографиях видно, как удобно и счастливо живут в ажурных рамах из лепнины фоторепортажи и диаграммы, панорамы и картины. «Золотой век» любого явления содержит драгоценную алхимию синтеза. Дизайн

павильонов ВСХВ представлял собой настоящие аграрно-космические «иконостасы», и повторить эту наивную гармонию больше никому не удалось. В этом смысле выставку можно по праву считать прообразом сегодняшней междисциплинарности.

«Советская культура»: серебряный век (1964-1991) В 1964 году, в связи с переходом на отраслевой принцип, павильон переименовывают в «Советскую культуру». Таким образом зданию удается уцелеть, хотя и приходится лишиться национальной символики: убирают герб, мраморные скульптуры, стирают фасадные панно и лазоревое покрытие каскадов, по которым больше не струится вода. Вскоре исчезают «хлопковые» антефиксы с ротонды. но до середины 70-х еще можно отведать плова в ресторане «Ташкент» – бывшей «Чайхане», а до начала 90-х – купить что-нибудь узбекское в магазинчике «Фрукты и вино» – бывшем «Узбеквино». С апреля 1964 года в павильоне регулярно проводятся концерты, выставки произведений русского и советского искусства. В разное время «Советская культура» обзаводится филиалами на соседних площадках ВДНХ и проводит выступления народных коллективов во дворе перед ротондой. Но главный интерес для публики отныне представляет Площадь промышленности с авиапарком, гагаринской ракетой и другими достижениями научно-технического прогресса. У «физиков» и «лириков» теперь – разные павильоны. Под действием отраслевого духа рассеивается синкетический, театральный мир узбекского павильона: утилитарный модернизм выставочных стендов и навесных потолков полностью игнорирует интерьер: ни солнечный купол, ни декор, ни пространство более не интересны. Эпоха «оттепели» приносит на выставку не только космические победы, но и экспозиционные «поражения»: целостный мир ВДНХ, хранимый культурой национальных павильонов, распадается на фрагменты. Но это еще полураспад. Распад наступает в девяностых.

Исторический контекст

«Культура»: железный век (1991-2014)

«Культпросвет». Новая жизнь старого павильона?

С распадом СССР устаревает и название «Советская культура». Павильону под названием «Культура» (1991) приходится зарабатывать на жизнь, но старый уклад и имя помогают избежать горькой участи складского или палаточного хаоса. Здесь тоже торгуют, но – предметами искусства: картинами и текстилем, стеклом и бронзовым литьем, альбомами и открытками. В павильон продолжают водить экскурсии, правда, ни о каком культурном центре уже говорить не приходится: публика спешит мимо – отовариться мелкой бытовой техникой и одеждой. Сегодня величественный «Узбекистан» окончательно превратился в исторический реликт. Его художественный потенциал не используется: интерьеры «осваиваются» пластиковыми стендами, а фасад иногда служит экраном для световых шоу. Павильон ждет. И стареет. Сделанный недавно ремонт трудно назвать реставрацией: побелка стерла последние следы полихромии, а сбитые части лепнины совсем недавно можно было найти на свалке. Внутри, будто остов слона в посудной лавке, громоздится выставочная конструкция из гипсокартона. Сквозь ее ребра, как арестанты, смотрят на нас «солнечный» купол, решетчатые окна, каскадные люстры. Плохая пародия на союз классики и модернизма.

История павильона свидетельствует: это безусловный архитектурный шедевр, памятник советской и шире – русской выставочной культуры. Нужно вдохнуть жизнь в этот памятник. Необходима тотальная ревизия смыслов и образов, языка, событийной биографии павильона. Требуется мобилизовать все силы, чтобы соответствовать духу предков, наполнявших павильон энергией позитивного жизнетворчества. От этого напрямую зависит успех «Культпросвета». Что касается реставрации здания, мы убеждены: ей должно предшествовать спокойное и детальное исследование, работа с архивами и лаборатория по поиску решений. Мы заинтересованы в том, чтобы задействовать художественный арсенал павильона в современных арт-проектах. Это задача не сегодняшнего дня, но ее реализация может стать одним из направлений деятельности «Культпросвета». Прежде, чем рассказать о планах «Культпросвета» на 2016 год, мы считаем необходимым поговорить о сегодняшнем мировом и урбанистическом контексте.

На этом стоит поставить точку. И начать все заново.

Фото Д. Воробьева

МИРОВОЙ КОНТЕКСТ

Мировой контекст У ВДНХ нет мировых аналогов. Она сочетает в себе черты парка развлечений, промышленного экспоцентра, архитектурного музея, а в последнее время приобретает облик арт-кластера и комьюнити-центра. Поэтому в этой главе мы будем рассматривать очень разные зарубежные примеры. Новые руководители ВДНХ задумываются, как изменить образ выставки, изрядно потерявшей лицо в «железный век», когда она превратилась в рынок шуб и бытовой техники. Как уже говорилось выше, сейчас на территории ВДНХ работают Политехнический музей, Союзмультфильм, Музей Востока, планируется открытие исторического павильона, открыт Зеленый театр. И вот теперь «Культпросвет», который становится частью этого зарождающегося кластера. Обычно арт-кластеры создаются на бывших промышленных территориях. Самый показательный пример – британский город Манчестер, который называют колыбелью креативных индустрий. После долгого периода деиндустриализации в середине XX века в 80-90-х гг. началось возрождение города, которое опиралось на крупные проекты в области культуры, развлечения и спорта (заявка на проведение Олимпийских игр, футбольный клуб «Манчестер Юнайтед» и т. п.). Пустующие промышленные помещения стали занимать ночные клубы, студии звукозаписи, репетиционные базы. Вот несколько других примеров успешных европейских креативных кластеров.

Хельсинки. Район «Арабианранта» (Arabianranta)

Отсюда начинался город Хельсинки. Когда-то здесь располагалась самая крупная в Скандинавии керамическая фабрика. Затем сюда перенесли Alto University of Art and Design. Именно это определило облик будущего кластера, «дизайн-завода». Вокруг образовалась соответствующая среда: дизайнерские магазины, магазины посуды и текстиля, музей керамики.

43 Амстердам. NDSM

Бывшая судоходная верфь сейчас позиционируется как место, где встречаются, обменивается идеями искусство и бизнес. Важнейшее условие аренды – быть частью арт-кластера. Он сделан по типу конструктора: это модульные строения контейнерного типа. Вена. Музейный квартал (Museumsquartier)

Лодзь. «Мануфактура»

Земля Северный Рейн-Вестфалия. Рурская триеннале (Бохум, Боттроп, Дортмунд, Дуйсбург, Оберхаузен) Здесь проходит Рурская триеннале/ RuhrTriennale – масштабный мультимедийный фестиваль, попытка освоить идею модифицируемых современным искусством промышленных пространств в сетевом формате. Население Эльзасского угольного бассейна вовлекается в мощный афишный круговорот, где наравне со статусными Театром танца Пины Бауш, инсталляциями Билла Виолы и операми Генделя, проходят выставки социальных фотографий, звучат рабочие песни Ганса Эйслера, выступают неформалы, вроде оперного биг-бэнда Heliogabal. Эти примеры во многом похожи – они строились на депрессивных в недавнем прошлом промышленных территориях. ВДНХ – иное пространство: это одновременно выставка, парк, столичная достопримечательность и центр округа. Павильон «Культпросвет» может оказаться и центром актуального искусства с серьезными творческими амбициями, и локальным комьюнити-центром для жителей прилежащих к ВДНХ районов. Примеров подобных культурных комьюнити-центров много в городах США и Канады.

Бывшая мануфактурная фабрика стала крупнейшим торгово-развлекательным центром в Европе, то есть получился кластер с акцентом на энтертейнмент и шоппинг. Здесь есть несколько музеев и театр, но прежде всего – роллердром, скалодром и боулинг. Шеффилд. Квартал культурной промышленности (Cultural Industries Quarter) Этот квартал – социальный эксперимент, инциированный местной властью. Он оживил заброшенную промышленную территорию и дал новые рабочие места в культурной сфере жителям города.

На территории бывших придворных конюшен Австро-Венгерской Империи находятся три крупных музея: Музей современного искусства фонда Людвига (MUMOK), Музей Леопольда и венский Кунстхалле. Для детей открыт детский ZOOM Kindermuseum. Там же располагаются центр современного танца «Танцевальный квартал» и Архитектурный центр. В Музейном квартале регулярно проходят крупнейшие культурные мероприятия в Вене: литературный, джазовый и театральный фестивали.

Парк Исполнительских Искусств в Юнион Сити, штат Нью-Джерси Изначально построенный на средства прихожан местной церкви для встреч общины, парк впоследствии стал крупнейшим комьюнити-центром в штате. Центр включает в себя театр с двумя сценами,

Мировой контекст

45 Самая крупная концертная площадка в США. Кеннеди-центр включает в себя семь музыкальных театров разных направлений и является одной из самых известных концертных площадок страны – здесь круглый год играются исключительно музыкальные спектакли, мюзиклы, проводятся музыкальные фестивали, а также ежегодные выступления симфонических оркестров, гастроли оперных театров, включая знаменитый МетрополитенОпера.

г алереи и музей местной вышивки. В центре постоянно проводятся различные программы и мастер-классы по всем видам визуальных и исполнительских искусств, ставятся спектакли и демонстрируются работы как местных, так и международных художников. Что касается актуального искусства, то амбиции «Культпросвета» – стать «смысловой витриной» процессов в российской культуре. Примерами, которые могут дать пищу для размышлений и сравнений, здесь могут оказаться центры искусств в крупных столицах. Лондон. Барбикан центр (Barbican) Cамый большой культурный центр в Европе. Его особенность в том, что начинался он как жилой комплекс. Власти задумали эксперимент – наполнить район собственной инфраструктурой, сделать «город в городе». Так у района стала появляться культурная инфраструктура: два театра, концертный зал, библиотека, галереи современного искусства и т. д. Здесь действует принцип резидентуры: резиденты Барбикана – Симфонический оркестр ВВС, Лондонский симфонический оркестр, Гиллхолдская школа музыки и танца. В Барбикане отлажена система театральных сезонов BITE.

Париж. Центр Жоржа Помпиду (Centre Georges-Pompidou) Пожалуй, самая известная в мире попытка междисциплинарного центра. Чтобы сделать его открытым и удобным для самых невероятных проектов, архитекторы Ренцо Пьяно и Ричард Роджерс придумали вывести все коммуникации и технические конструкции за пределы здания. Центр Помпиду является третьей по посещаемости культурной достопримечательностью во Франции после Лувра и Эйфелевой башни. Он включает в себя парижский Музей современного искусства, большую библиотеку, концертные и выставочные залы, Институт исследования и координации акустики и музыки, другие департаменты. В тоже время нельзя сказать о победе междисциплинарности в этом проекте. С годами подразделения начали жить все более и более самостоятельной жизнью. Вашингтон. «Кеннеди-центр» (Kennedy Center)

Последний пример, который мы хотели бы привести, не укладывается в обозначенные выше категории, но он, на наш взгляд, важен для ВДНХ. Орландо. Дисней-Уорлд. EPCOT (Experimental Prototype Community of Tomorrow) Тематический парк, рассказывающий одновременно о международной культуре и новшествам в технологиях. В момент проектирования модель футуристического, научного парка столкнулась с идеей парка-витрины международных традиций, обычаев и культурных особенностей. Парк EPCOT включает в себя две зоны: «Будущий мир» (прогрессивные аспекты и различное применение технологий) и «Витрина мира» (исторические павильоны, представляющие 11 стран мира). Парк показывает будущее через призму прошлого и настоящего.

УРБАНИСТИЧЕСКИЙ КОНТЕКСТ

Урбанистический контекст

49 Начиная с середины нулевых годов XXI века в Москве идет процесс формирования новой городской культуры: реконструкция парков и музеев, превращение промышленных зон и заводов в галереи, музыкальные и театральные площадки. В 2007 году на территории бывшего пивоваренного завода был открыт Центр современной культуры «Винзавод», в 2008 году в Бахметьевском автобусном парке – центр современного искусства «Гараж». В 2009 году на «Красном октябре» открылся Институт медиа, архитектуры и дизайна «Стрелка». В 2011 году началась новая жизнь парка Горького. Постепенно статус этих мест меняется. Они перестают быть «авангардными», «продвинутыми», превращаясь в естественный элемент городской среды. Можно смело говорить, что в Москве, как и в Европе, образуются арт-кластеры. Среди успешных примеров креативных кластеров – упомянутые выше «Красный Октябрь», «Винзавод», а также дизайн-завод «Флакон», Artplay. Важно отметить, что в Москве проекты по ревитализации промышленных территорий носят в основном инвестиционный характер и реализуются преимущественно частными лицами без участия Правительства города.

Однако можно назвать и условные кластеры, где присутствуют государственные институции: в Парке Горького располагается частный Центр современного искусства «Гараж», а через дорогу – государственная Третьяковская галерея на Крымском валу. Рядом – Парк «Музеон» и Центральный дом художника. М ного разговоров ведется вокруг потенциального «Театрального квартала» в районе Пушкинской площади. В последнее время очень популярен новый вид культурных институций – pop-up (временные) площадки, например, московские заводы ЭМА и «Кристалл». Очевидно, что мультижанровость, междисциплинарность – важнейшее качество новых культурных институций. Музеи и библиотеки селятся в парках, театр приходит на территорию выставочных центров и т. д.

Урбанистический контекст Таким образом, новая культурная институция уже не просто театр или музей, а культурный центр. И это не просто доброе соседство разных организаций культуры. Это диалог жанров и направлений, формирование контекста. Новые культурные институции формируют новые социальные ритуалы. Часто новая институция – место, где можно провести весь день: утром – йога (зимой – каток), днем – выставка, вечером – спектакль, ребенок – на мастер-классе или на лекции. Множество разнообразных кафе и ресторанов, навигация на русском и английском языке, возможность расплатиться кредитной картой и другие привычные для горожанина услуги создают комфортную среду. Конечно, обращение художников к новым пространствам продиктовано не только задачами городского развития, не только наличием сервиса и приятных кафе. Художник ориентируется на творческие идеи и возможности. И кластеры их дают. Поэтому мы рассматриваем ВДНХ как потенциальный макро-кластер, а «Культпро-

свет» как микро-кластер. Конечно, у этих кластеров будет много особенностей, и главная из них – это аудитория. ВДНХ расположен за третьим транспортным кольцом, в Северо-Восточном округе. Население округа – примерно 1 400 000 человек (11,5 %). Это большой населенный пункт по меркам нашей страны. СВАО занимает первое место по плотности населения в Москве. Рядом с округом находятся города ближнего Подмосковья – Королев (221 тыс. чел.), Пушкино (110 тыс. чел.), Мытищи (187 тыс. чел.). Жители этих городов работают и проводят досуг преимущественно в Москве. Важно отметить хорошо развитую сеть общественного транспорта. Это единственный округ в Москве, на территории которого имеются все виды городского транспорта: метро, автобус, трамвай, троллейбус, маршрутное такси и монорельс. ВДНХ – крупнейший транспортный узел Севера столицы. Отсюда отходят автобусы до ближайших городов Подмосковья.

Инфраструктура спальных районов, так называемого «серого пояса», не может сравниться с центральным округом. На периферии нет культурной жизни. Но в отношении Северо-восточного административного округа вышесказанное не совсем справедливо. Конечно, ВДНХ – в каком-то смысле центр округа и главное место для отдыха, занятий спортом, прогулок, развлечений. Кроме того, здесь расположены культурные и образовательные объекты – Останкинская башня и Телецентр, музейно-мемориальный комплекс «Аллея космонавтов», Музейно-выставочный центр «Рабочий и колхозница», Главный ботанический сад, музей-усадьба «Останкино». В 2015 году были убраны заборы, отделяющие ВДНХ от Ботанического сада

и «Останкино». Культурная жизнь оживает и избавляется от примет спального района. Здесь же находится Киностудия имени Горького, где работает порядка 500 сотрудников. В гостинице «Космос» одномоментно проживает порядка 3000 гостей. В районе расположено несколько крупных ВУЗов – РГСУ, ВГИК, МГСУ. Это около 50 тысяч студентов. Жители района, посетители достопримечательностей, сотрудники, учащиеся – важнейшая, лояльная часть аудитории ВДНХ, для которой и будет работать и «Культпросвет».

ПРИНЦИП МЕЖДИСЦИПЛИНАРНОСТИ

Теория 54 Мнения экспертов

Принцип междисциплинарности

Теория Термин «междисциплинарность» до последнего времени применялся в основном для обозначения проектов и явлений на стыке разных наук. В искусстве чаще использовались термины «мультижанровость» или «полистилистика». Сегодня от них, на наш взгляд, надо отказаться. Нужен термин с более широкой основой, нежели «жанры» или «стили». В современной художественной практике фигурируют именно разные дисциплины, виды. Например, поэзию и science art уже нельзя трактовать как разные жанры искусства. Это именно разные дисциплины. Поэтому мы используем термин «междисциплинарность». Но ничего по-настоящему нового в этом понятии, конечно, нет. Термин отсылает к давно и хорошо известному явлению «синтеза искусств». Можно вспомнить еще множество аналогий. От древних ритуалов, когда люди молились, пели, плясали среди костров и масок под барабаны до вагнеровского «gesamtkunstwerk». И все-таки «синтез», как нам кажется, не совсем уместное слово. Мы слышим в нем что-то искусственное, особенно сегодня, когда актуализировалась тема «органичности, натуральности, аутентичности, реальности» и т. д. В русском контексте междисциплинарность, универсальность – показательная константа. Во второй половине XVIII века ею была обусловлена идеология русского Просвещения. Она проявлялась всюду: от переписки с Вольтером императрицы Екатерины II до Высочайших Указов о создании первых русских университетов, от приглашений в Россию видных европейских художников и композиторов до созданных на примере их творчества усадебных театров и галерей. Универсальным было творчество Пушкина, чье значение Достоевский резюмировал формулой «всемирной отзывчивости русской души». В начале ХХ века универсальность, встреча искусств, исповедуемые Сергеем Дягилевым – инициатором и демиургом

54 «Русских сезонов» в Париже –оглушили Европу. Феноменальный образ России, «скифский», «азиатский», «загадочный», выражался изощренным языком модерна в формах оперных и балетных представлений, выставок живописи. В круговорот «русской темы» вовлекалось все лучшее и значительное. Творцы с мировыми именами сосуществовали в дягилевских проектах на равных с теми, кто только начинал свой художественный путь. Сейчас, когда тема междисциплинарности вновь актуализировалась, мы считаем необходимым ее заострить. Всем очевиден поворот культурной парадигмы в сторону визуальности, мобильности, вариантного безграничия коммуникаций. Симптоматика нового мира проста, но отнюдь не проанализирована художественно. Впрочем, не только художественно. Мы можем наблюдать тенденции, говорящие о завершении витка всеобщей цивилизационной спирали. Примерно так, как когда-то открытие Америки и развитие наук опрокинуло средневековую картину мира, разомкнуло казавшуюся незыблемой птолемеевскую модель мироустройства, цифровая революция врывается в нашу жизнь и нашу историю. Возможно, результатом смешения жанров, языков, практик станет новый лексический универсум, который закроет базовую для европейской культуры парадигму Слова-Логоса и утвердит новую парадигму. Готовность или неготовность к этому видится нам одним из неявных, но оттого не менее острых вопросов сегодняшнего искусства. Провозглашая принцип «междисциплинарности», «Культпросвет» заявляет себя первой в России лабораторией по изучению коммуникаций между языками искусств. Важно понимать, что речь идет не о танцах в музее, или выставке в театре – этого как раз много, и зрители во время большинства подобных перформансов не забывают, где они. Речь идет о попытке выстроить равноправный диалог между разными направлениями искусства. В этом случае интересным может оказаться не только

55 диалог языков, но и модификация условий – например, переживание художественного события не в приглушенной, строгой атмосфере концертного зала, а во время прогулки в парке. Речь идет об эксперименте, результаты которого мы не можем предположить. Мы не знаем, где может возникнуть цепная реакция, которая приведет к возникновению чего-то принципиально художественно нового. Но мы должны искать.

Мнения экспертов Азамат Цебоев и Олег Цодиков: «Междисциплинарность — это конфликт, рождающий новую форму. Междисциплинарность — это использование языка разных ж анров для рождения новых смыслов. Междисциплинарность — это взаимопроникновение х удожественных практик, смешение жанров и языков. Междисциплинарность — это привлечение новой аудитории без потери старой. Междисциплинарность — это естественный подход к созданию культурного контекста в эпоху информационного бума. Междисциплинарность — это синтез искусств, наук, общественных практик, известный с незапамятных времен и актуализированный сегодня». Алексей Киселев, театральный критик: «Принято считать, что междисциплинарное искусство – коллективное искусство, а индивидуальное творчество – чистый жанр. Мнение о том, что возможны чистые единицы культуры – кино, литература, театр, на мой взгляд , утопично. Это одна из сложнейших задач в искусстве – воплотить чистый жанр, чистую дисциплину. В наше время тем более. Все манифесты 20-х гг. об этом. Когда кино только формировалось как искусство, когда театр понял, что появилось кино, а в живописи произошла революция беспредметности – каждый из больших умов в разных видах искусства провозглашал стремление к чистому жанру. Конечно, можно использовать термин «междисциплинарность» при взаимодействии театра и живописи,

танца и литературы, но если, например, посмотреть просто на танец, то станет понятно, что и танец сам по себе междисциплинарен». Анастасия Митюшина, руководитель образовательного отдела Центра современной культуры «Гараж»: «У нас часто под междисциплинарностью подразумевают интерактивность – нажал на две кнопки и что-то произошло. Мне кажется, это издержки системы образования по отдельным дисциплинам. Когда кто-то что-то делает выходя за рамки, условно говоря, жанра, все сразу говорят о междисциплинарности. В принципе, для современного мышления междисциплинарность – это стандарт. П оэтому говорить о междисциплинарности отдельно – это как говорить о повсеместном подключении интернета. Она уже укоренена в нашей практике. В этом, отчасти, проблема восприятия искусства многими зрителями: они пытаются отрицать очевидное, потому что искусство в их сознании зафиксировано в форме «холст-масло». Дмитрий Ликин, главный художник Первого канала: «У меня нет четкого определения междисциплинарности. Я думаю, что нет специального понятия междисциплинарного проекта, есть только адекватность задачи. (...) Главное, не нужно никакой натужности, не надо искусственно натягивать до понятия междисциплинарности. Все зависит от целеполагания. Нужно определить, прежде всего, философию места – зачем и про что это место». Вадим Рутковский, театральный и кинообозреватель: «Междисциплинарность в искусстве» – жуткий термин, тяжелый, наукообразный, но за ним – чертовски интересные вещи: диалог, интеграция, симбиоз разных видов искусства с непредсказуемыми последствиями. Говоря проще, будущее… … Не думаю, что в искусстве существуют какие-то универсальные законы, это дело авторов, уникумов. И, конечно, с течением времени не исчезнут ни традиционные

Принцип междисциплинарности романы, ни живопись, ни повествовательное кино. Не только из-за консерватизма аудитории это вполне жизнеспособные формы, которые было бы глупо списывать в архив. Но синтез искусств – процесс естественный и необходимый: сродни обновлению клеток в организме, пребывающем в постоянном взаимодействии с окружающей средой». Дмитрий Ханкин, основатель галереи «Триумф»: «Я вообще отрицаю термин «междисциплинарность». Любой акт современного искусства, если брать его в контексте, междисциплинарен, по крайней мере в моей сфере. Различные практики и стратегии современного искусства мультидисциплинарны по сути, даже традиционные жанры – живопись или скульптура – стремятся к многогранности и мультидисциплинарности. Поиск в сфере неведомого приносит неведомое. Начиная поиск, никто не может знать, что получится в результате. На моих глазах многие полезные начинания вырождались в полное ничто, и наоборот – из полного ничто возникали огромные, важные вещи. Вопрос в том, кто будет делать, какими руками и какими средствами. Что будет поставлено во главу угла. Если собственное эго, то ничего не выйдет. Если цель – создание новых направлений, маловероятно , что это действительно получится, но, может быть». Екатерина Васенина, автор книг о российском современном танце и современном танце постсоветского пространства: «У меня нет ясного определения междисциплинарности. Но я точно понимаю, что если бы я занималась подобными проектами, я бы хотела, чтобы они были понятны людям не только на уровне суггестивных эмоций. Междисциплинарность сегодня для многих становится пространством легитимной профанации, когда достаточно соорудить картину из людей, предметов, музыки, шумов и назвать это междисциплинарным проектом. Такого «искусства» очень много. Я бы хотела, чтобы подобные проекты воспринимались не на уровне эмоций, а логически. Россий-

ский современный танец не отзывается на вызовы, общества, на происходящие событиятия, а по-прежнему делает пачками дуэты в стиле «Вернись, я все прощу». Абсолютно никак не разработана общественно-политическая, социальная тема. Никто не призывает с плакатами выходить на сцену, нет. Но есть, например спектакль «Траст» Анук ван Дайк, о мировом финансовом кризисе, о том как из-за этого изменились отношения людей, как люди перестали друг другу доверять, как они иначе стали вести себя в кафе, заказывать другие блюда. К сожалению, пока современный российский танец уходит в суггестию, он категорически отказывается от внятного общественного высказывания. Сомневаюсь, что это генетический страх, связанный с репрессиями. Думаю, что это просто желание укрыться в норки современного искусства, которое в России в массе своей инфантильно. Занятие современным танцем в России стало удобной формой затворничества. Я буду заниматься пластическим искусством, вы меня будете не понимать, а я буду называть себя современным художником». Наталья Галкина, медиаменеджер: «Междисциплинарность – это разные направления искусства в одном проекте, которые существуют как единое целое. Это однозначно перспективный вектор развития, всегда более многогранное, более многослойное искусство, которое существует уже давно, но сейчас его стали особенно выделять». Александр Петровичев, куратор галереи «Крокин»: Междицсциплинрность определяется наличием равнозначного диалога искусства и иной области человеческой деятельности – различные формы научной практики, музейное дело, социальные проекты и т. д. Подобного рода взаимоотношения имеют многолетний опыт. Один из форматов из этого явления именуется «Интервенция».

57 Андрей Ирышков, шеф-редактор телеканала «Звезда»: «Междисциплинарность мне видится в позитивном смысле как новое определение синтеза искусств (видов, жанров), стремление к возврату «золотого века» универсальности художника, автора, артиста. Как и всякий термин, может иметь обратный, негативный смысл – постмодернистский умаляющий, «снижающий» смыслы дилетантизм, размывающий принципиальные границы искусства/не- искусства». Андрей Ашкеров, философ, политолог, публицист: «Междисциплинарность – это сверхмузыкальная полифония. Ее отличает открытость к переводу и переходу. Она стремится к точности, но исключает педантизм. В ней отсутствует стилистическая и жанровая предвзятость. Суждения вкуса для нее важнее дефиниций. Междисциплинарность не создает основы, а подрывает их, показывая, насколько они ненадежны. Ее стихией являются возможности. Она связывает эстетику не с дрессировкой феноменов, а с сопряжением различий. Не пытаясь заново отстроить Вавилонскую башню единого языка, междициплинарность повсюду обнаруживает его элементы. Они не являются кирпичиками нового пространства. Вместо этого междисциплинарность обращена ко времени. Искусство выступает для нее средством, с помощью которого время ухватывает самое себя». Алексей Беляев-Гинтовт, художник: «Фундаментальный сдвиг парадигмы к постмодерну, сравнимый лишь с переходом к модерну, Новому времени от традиционного общества, обрушивает любые иерархии смыслов, еще вчера казавшиеся незыблимыми. «Актуальное» искусство междисциплинарно по определению».

Николай Палажченко, арт-менеджер: «Междисциплинарность можно рассматривать в двух плоскостях: как синтетические формы искусства (мода и актуальность которых прошла в конце в XX века) и как взаимодействие искусства (театра, кино, изо и т. д.) с другими жанрами и дисциплинами, что присутствует сейчас во многих произведениях. Междисциплинарность – сложная категория, поскольку сейчас размыто само понятие традиционных дисциплин. Каждая из них уже стала синтетической. Часто (но не всегда) это ведет к депрофессионализации и маргинализации искусства. Это главный риск проекта». Марианна Ибрагимова, киновед, программный директор online кинотеатра Look, гендиректор кинопрокатной компании P&L films: «На мой взгляд, в междисциплинарности может быть спасение и выход искусства. Поиск новых доступных для будущего зрителя форм». Борис Барабанов, музыкальный обозреватель: «Сейчас очень много междисциплинарных проектов. Если говорить о музыкальной сфере, то ни один крупный концерт не обходится без видеоинсталляций, без сочетания технических, архитектурных и мультимедийных дисциплин». Борис Куприянов, издатель, основатель книжного магазина «Фаланстер»: «Междисциплинарность не смешение стилей, не синкретический жанр. Это скорее область между искусством и неискусством, Медиа, труд, тело, жизнь где искусство не отделимо от практики».

ПРИНЦИП ОППОЗИЦИЙ

Сакральное ― Игровое

Историзм ― Мифологизм

Традиции ― Современность

Демократичность ― Элитарность

Светское ― Культовое

Просвещение ― Развлечение

Текст ― Визуальность

Презентация ― Продюсирование

Русское ― Глобальное

Среда ― Герой

Профессионал ― Неофит

Принцип оппозиций

Наряду с принципом междисциплинарности, работа с эстетическими оппозициями имеет прямое отношение к методу «Культпросвета». Мы ищем эти оппозиции, формулируем их. Культурные процессы существуют по тем же законам, что и природные. Взаимодействие противоположностей рождает жизнь. Оппозиции – это средство познания. Оппозиции задают системы координат: плюс – минус, белое – черное, живое – мертвое. Оппозиции отражают ритм: день – ночь, зима – лето, прилив – отлив. Оппозиции, как полюса, создают напряжение, ток.

Историзм – Мифологизм

Мы рассматриваем все явления сегодняшнего искусства как поле столкновений иногда несовместимых понятий. Но при ближайшем рассмотрении они часто перестают быть полярными. В единстве и борьбе этих противоположностей заключена диалектика современной культуры.

Нам следует понимать важность следования истории как науке, рассматривать мир в динамике исторического развития. Но при этом мы должны видеть культурные явления, артефакты как с точки зрения истории, так и с точки зрения мифа. Каждый художник, иногда даже не осознавая этого, исследует системы кодов древних мифов.

Вот главные, как нам кажется, оппозиции сегодняшней художественной жизни. Некоторые из них на первый взгляд повторяют друг друга, но в каждой паре, несмотря на пересечение семантических полей, есть уникальный смысл.

Сакральное – Игровое Сакральное пространство – это единение земного и небесного, человеческого и божественного. Сакральное пространство (в значении, предложенном философом и композитором Владимиром Мартыновым) не знает разделения на зал и сцену, не отделяет исполнителя от зрителя. Вся художественная практика вышла из сакрального. В историческом движении от литургии к представлению, сакральное постепенно замещалось игровым, откровение – манипуляцией. Пророка, проводника Откровения, заменил комментатор. Затем комментатора заменил автор. Сегодня автора вытесняет продюсер. Продюсер конструирует при помощи художественного высказывания собственную картину мира. В ней и продюсер, и произведение, и зритель существуют в горизонтальной плоскости, в пространстве игры. Игра свойственна человеку – и взрослому, и ребенку. Игра задает систему координат, развивает, рождает эмоции. Современный мир невозможен без игр. Но игра ради игры, игра вне божественной вертикали не имеет смысла. Возвращение к сакральному, объединение сакрального и игрового – вот верный путь искусства.

«Культпросвет» не про абстрактные прошлое и будущее, а про связь нашего прошлого с нашим настоящим. Про осознание неповторимости каждого момента жизни и, одновременно, осознание зависимости этого момента от всего, что произошло когда-то с нами и нашими предками. «Скрепы» не должны тянуть назад и не должны выбрасывать нас в будущее, они должны давать нам устойчивость, силу, опору.

Мы ищем мифы новейшего времени. Мифы, которые являются необходимым элементом национальной идентичности и носителем системы ценностей. Мы одинаково чужды ретроградству и утопизму. Мы хотим визионерства, которое поддерживало бы жизненные силы людей, утоляло духовную жажду.

Традиционное – Новаторское Любое новаторское художественное высказывание является проекцией феномена, имевшего место в прошлом. Самое острое, актуальное, использующее неожиданный язык произведение должно рассматриваться в ракурсе традиции. Новые методы не самоцель, а строительный материал для выражения глубоких смыслов. В этом нам чаще всего далеко до уровня древних. Новейшие технологии, средства коммуникации, цифровая революция – просто звенья в цепи развития человечества, такие же, как изобретение письменности, книгопечатания, радио и кино. Понимание смысловой связи между прошлым, настоящим и будущим дает возможность говорить об «Одиссее» Гомера, как о части современного художественного контекста. И наоборот – о книгах Пелевина, как о продолжении традиции. Но вместе с тем, каждая эпоха приносит что-то свое. И о нашем времени будут судить не только по тому, как мы сохраняли традицию, но и по тому, что мы принесли в этот мир.

Принцип оппозиций

Религиозное – Светское

Текст – Визуальность

Религиозное искусство в течение тысячелетий определяло художественную повестку. Религия – часть нашего культурного кода, генотипа. Религиозные практики веками воспитывали людей – через молитву, через пост, через аскезу, через священные тексты. В светском государстве светское искусство вытеснило религиозное и сегодня часто ведет себя агрессивно по отношению к нему. Но ведь вышедшее из лона религиозного, светское искусство – такая же часть нашей системы ценностей, как и тексты святых отцов. Шекспир, Рабле и Толстой знакомы нам с детства.

Текст веками являлся основной формой передачи информации. Ее объем в последние десятилетия драматически увеличивается. Человек не успевает сосредоточиться, не успевает ничего разглядеть за первым планом.

В нашей системе координат нет противопоставления религиозного и светского. И религиозное искусство, и светское необходимы, востребованы сегодня.

Клиповое мышление приходит на смену чтению, заставляет человека воспринимать мир не целостно, а как череду не связанных между собой частей, событий. Человек читающий превращается в человека просматривающего. Художник, режиссер, автор все реже рассказывает историю, все чаще прибегает к демонстрации. Современная культура становится более и более визуальной.

И религиозное, и светское искусство – способ вырваться из пространства производства-потребления в пространство сакрального.

Но маятник может качнуться обратно. Нет ничего более неактуального, чем линейный текст. Но нет и ничего более содержательного. Сочетание наглядности изображения и содержательности текста — выразительный язык будущей культуры.

Просвещение – Развлечение

Презентация – Продюсирование

Просвещение – это передача знаний и культуры. Просвещение – это не только сбор, систематизация и передача информации, но и поиск эффективных форм коммуникации.

Презентация и продюсирование – две формы работы «Культпросвета».

Мы уже говорили, что в слове «Культпросвет» очевидна отсылка к просветительской функции. Но просвещение в современном мире не может апеллировать только к интеллекту. Процесс познания должен сочетать рациональное с чувственным. Процесс познания может стать увлекательной игрой. Нас не пугает потеря привычки к чтению толстых книг у многих наших современников. Мы здесь, чтобы создавать новые познавательные ситуации. Мы – за развитие с любой точки.

Презентация – это поиск, селекция и открытие нового, актуального и уникального. Это предоставление площадки для демонстрации, привлечение талантливых художников, которые уже сказали что-то глубокое и стоящее. Презентация – это фиксация очевидного, создание репутаций и рейтингов, как бы ни были опасны эти слова. Продюсирование – это создание условий для взаимопроникновения художественных практик, возникновения новых трендов, формирование творческих союзов. Это производство и демонстрация художественных проектов, современных, глубоких и острых. Это поиск и риск.

Принцип оппозиций

Русское – Глобальное

Среда – Герой

Глобальный мир лишен границ – культуры проникают друг в друга поверх политических, экономических и социальных барьеров. Это наш мир.

Среда – это народ, социум, город, общность. Среда это правила и законы на каждый день. Среда – это быт и традиции, религиозные и художественные практики. Среда – это родина языка. Среда – это колыбель героя.

Но любой разговор о мультикультурности, как нам кажется, возможен только с точки зрения национальной культуры. Содержательно рассуждать о глобальном может только носитель национального. В нашем случае – русского. Русский – это тот, кто живет в стихии русского языка и русской культуры (Ю. Мамлеев). В этом смысле все, кто делает «Культпросвет», – русские.

Герой противопоставляет горизонтальному пространству среды вертикаль неба. Он несет в себе божественный свет. Он готов пожертвовать собой. Он – пример для подражания.

Русское – это точка опоры, которая позволяет нам соотнестись с миром.

Человечеству нужны герои – герои прошлого, настоящего и будущего. Отсутствие героя – это отсутствие смысла и цели. Сегодня – время поиска идентичности, осмысления героического опыта множества локальных культур. Преодолевая границы пространства, мы ищем не только таланты, мы ищем подлинных героев. Найти героя может только художник.

Демократичность – Элитарность

Художник – это проводник героя, он внедряет его в среду, в историю, в вечность.

Демократичность — это максимальная открытость разным социальным аудиториям. Это работа с обществом в интересах общества. Это умение говорить с аудиторией на одном языке, простом и понятном. Элитарность — это опора на высокую культуру, на духовный, интеллектуальный и художественный опыт поколений. Это постоянный поиск и открытие нового, уникального и передового. «Культпросвет» работает для зрителя, вне зависимости от его профессиональной близости к искусству. Афиша событий, образовательных и культурных программ «Культпросвета» будет очень демократична, она адресована всем посетителям ВДНХ. Но в тоже время мы будем вовлекать массового зрителя в поле серьезного искусства.

Профессионал – Неофит Профессионализация художественной практики привела к появлению мастеров. Результатом прогресса стала изощренность профессионального аппарата. Багаж знаний становился все тяжелее, на подготовку специалиста – живописца, скульптора, музыканта, певца – уходило все больше сил и времени. Неофиты, не отягощенные опытом и годами учебы, не стесненные канонами, приходят в искусство с новой энергией, со свежим взглядом, с открытым сознанием. Мы против дилетантов, но – за неофитов. На нашей площадке все равны и каждый уникален в момент вдохновения. Мы – продюсерский центр, всегда готовый предоставить место содержательному и талантливому проекту. В благоприятных условиях и при поддержке профессионалов, неофиты способны творить чудеса, ломать стереотипы, удивлять. Именно они часто оказываются более открытыми для междисциплинарных практик.

ПРИНЦИП КУРАТОРСТВА

Совет Кураторов, Комиссар

Кураторы 68

Принцип кураторства

Совет Кураторов, Комиссар

Кураторы

Творческая команда «Культпросвета» – это Совет Кураторов и Комиссар Павильона. В разделе «Идея» мы уже обозначили, что куратор – это «важнейшая творческая фигура, демиург, настоящий художник, собиратель образа». В «Культпросвете» будет двенадцать программ, у каждой – свой куратор.

Алексей Морозов «Изобразительное искусство» Ректор Московского государственного художественного училища памяти 1905 года. Член Российской академии художеств. Живет и работает в Москве и Лукке (Италия). Работы Алексея Морозова можно найти в Государственном Русском музее (Санкт-Петербург), Музее Новой Академии изящных искусств (Санкт-Петербург) и в других крупнейших государственных и частных собраниях.

Комиссар Павильона Приглашает кураторов. Утверждает афишу. Формулирует идеологию. Обозначает вектор коммуникации между программами и с внешним миром. Вместе с Советом Кураторов отвечает за стратегию развития «Культпросвета». Обеспечивает координацию кураторов с продюсерской службой. Куратор направления Инициирует события вверенной ему Программы. Помогает другим кураторам в создании событий в рамках их программ. Помогает куратору программы «Философия» создать искусствоведческий документ, часть каждого события. Создает совместно с другими кураторами и комиссаром афишу «Культпросвета». При всей своей индивидуальности и уникальности, куратор исповедует принципы, ценности, этику Культпросвета. Куратор прикладывает усилия к созданию дружелюбной обстановки в Совете и Павильоне. Эдуард Бояков Комиссар Павильона Продюсер, режиссер, педагог. Создатель фестивалей «Золотая Маска», «Большая Перемена», «Текстура», Московского Пасхального фестиваля (совместно с Валерием Гергиевым); основатель театров «Практика», «Сцена-Молот» и «Политеатр» (совместно с Политехническим музеем). Продюсер и постановщик более 30 спектаклей в Мариинском театре, Большом театре, МХТ им. Чехова, Центре им. Мейерхольда, театре « Практика» др.

Алексей Киселев Куратор программы «Театр» Театровед, театральный критик, обозреватель журнала «Афиша». Программный директор фестиваля «Текстура» (2013). Член экспертного совета фестиваля «Золотая Маска» (2014-2015). Публикуется на порталах о культуре «Афиша-Воздух», Colta, Театр-ALL, Moslenta, Oteatre.Info, в журналах «Афиша», «Театр», «Театральная афиша», в «Петербургском театральном журнале», газете «Досуг в Москве» и других изданиях. Марианна Ибрагимова Куратор программы «Кино» Сооснователь и генеральный директор кинопрокатной компании P&I Films Distribution, выпустившей в прокат в СНГ около 60 фильмов. Руководитель отдела закупок зарубежного кино на РФ, СНГ и Балтику компании Russian World Vision. Заместитель исполнительного директора кинофестивалей 2Tomorrow, 2in1 в Москве (2007-2009). Программный директор направления «кино» на фестивале «Текстура» (2011-2013). С апреля 2015 года программный директор онлайн кинотеатра LOOK. Елена Черемных Куратор программы «Академическая музыка» Музыкальный критик, историк, эксперт, автор более 2500 статей в печатной прессе и на интернет-порталах; двух книг – «Музыкальный голос истории» (о Большом симфоническом оркестре

69 им. П. И. Чайковского), «Опыт истории. – Истории опыта» (о Государственном симфоническом оркестре Республики Татарстан). Музыкальный обозреватель ИД «Коммерсант» (1997-2003 гг.). В последние годы – автор газеты «Ведомости», эксперт «Золотой Маски» (2013, 2015), постоянный модератор Дискуссионного клуба на «Дягилевском фестивале» (Пермь). Борис Барабанов Куратор программы «Неакадемическая музыка» Музыкальный критик, продюсер, организатор концертов и фестивалей. С 2003 года музыкальный обозреватель ИД «Коммерсантъ». Исполнительный продюсер альбома Земфиры «Спасибо» (2007), продюсер альбома «Иосиф Бродский. Звук речи» (2009), музыкальный продюсер шоу «Вечерний Ургант» (2012-2013), программы Дня Города в Москве (2012, 2013, 2014) и др. Лейла Гучмазова Куратор программы «Танец» Балетный критик, журналист, обозреватель газеты «Столичная газета», приглашенный лектор МГУ. Обладатель премии «Искра-2009» за лучшую рецензию года. Была экспертом и членом жюри Национальной премии и фестиваля «Золотая Маска». Вера Полозкова Куратор программы «Поэзия» Поэт, актриса, певица. Автор трех поэтических сборников – «Непоэмание», «Фотосинтез», «Осточерчение», нескольких дисков. Лауреат премии им. Риммы Казаковой Союза писателей Москвы 2011 г. В 2012 г. Полозкова номинирована на премию журнала Snob «Сделано в России» в номинации «Литература» за синтез литературы с другими искусствами. Валерия Пустовая Куратор программ «Проза» и «Философия» Литературный критик. Сотрудник литера-

турного журнала «Октябрь». Автор многочисленных статей и рецензий, посвященных современной прозе, книг статей и эссе «Толстая критика» (2012) и «Великая легкость» (2015). Лауреат Горьковской литературной премии (2005), премии «Дебют» (2006), премий журналов «Октябрь» (2006) и «Новый мир» (2007), Новой Пушкинской премии (2008). Куратор программы «Драматургия» Анастасия Лобанова Окончила театроведческий факультет ГИТИСа, выпускница магистерской программы государственного университета Милана по направлению «Исполнительское искусство и медиа». Работала в театре «Практика» и на различных театральных фестивалях, в том числе «Новая драма» и «Новая британская пьеса». Куратор драматургической программы фестиваля театра и кино «Текстура» (2010-2014). Ридер фестиваля современной драматургии «Любимовка». Михаил Огер Куратор программы «Уличная культура» Деятель отечественной хип-хоп культуры, продюсер. Автор идеи и генеральный продюсер фестиваля хип-хоп культуры «Битва трех столиц». Генеральный продюсер фестиваля уличной культуры «Хипхоп лаборатория». С командой единомышленников ведет работу над масштабным образовательным и продюсерским проектом «Хип-Хоп Академия». Кирилл Преображенский Куратор программы «Медиа» Художник, куратор. Своими видео и инсталляциями исследует теорию медиа, семиотику и поп-культуру в их отношении к повседневной реальности. Будучи лично заинтересованным в социальных сферах и вовлеченным в них, обращается к абстрактным идеям так, как если бы они были материальны и выразимы эстетически. Руководитель мастерской «Видеоарт» и преподаватель курса «История и практика видео-арта» дополнительной образовательной программы в Школе им. А. Родченко.

ПРОГРАММЫ

Изобразительное искусство

Театр 74 Кино 76 Академическая музыка

Неакадемическая музыка

Танец 82 Поэзия 84 Проза 86 Драматургия 88 Уличная культура

Медиа 92 Философия 94

Программы

73 Русские художники часто проигрывают именно в силу своей непрактичности, которую европейцы определяют как загадочность славянской души. Необходимо формировать мощные стратегические программы в тех областях, где у нас есть основания рассчитывать на успех.

Изобразительное искусство К области изобразительного искусства, как правило, относят живопись (монументальную и станковую), скульптуру (монументальную и станковую), графику, фотоискусство, декоративно-прикладное искусство. Основной императив изобразительного искусства – воздействие на зрительный аппарат человека посредством визуальных образов. Изобразительное искусство – это не только окружающая нас предметная, эстетическая среда, но и язык репрезентации идеи во внешний мир. В том числе и национальной идеи. Ведь несмотря на универсальность языка ИЗО, во все времена существовали национальные школы. Они обладали собственным лицом, находились в тесной связи с национальным эгрегором, философией, жизненным укладом. Изобразительное искусство формирует самую значимую, наравне с архитектурой, область материальной культуры человечества. И не удивительно, что в современном мире, построенном на основах конкуренции, борьба за визуальное доминирование стала ключевой. Эта борьба пронизывает самые разные области человеческой деятельности – не только

современное искусство, но и коммерческую рекламу, политические технологии, медиа среду. Российский контекст Разговор о национальном искусстве опасен и противоречив, часто он вызывает возражения со стороны «глобально мыслящих» кураторов и экспертов. Тем не менее он необходим, по нашему мнению. Многие считают, что в свое время советская власть проиграла Западу битву за молодые умы именно в области визуальности, эстетики материальной культуры. Сила национальной культуры – не только в традициях, но и в силе визуальных образов современности. Нельзя отдавать другим право интерпретировать собственную современность. Современность необходимо изучать посредством искусства, а не бежать от нее как от стихийного бедствия, выстраивать плотины. Никогда еще оборонительная политика не приводила к успеху. Рим начал падать, когда перестал расширяться и перешел к тактике «оборонительных валов». Конкуренция на идеологическом поле, в том числе визуальном, требует готовности к длинным партиям, практичности.

Такая программа может быть создана на базе «Культпросвета». Программа будет представлять собой междисциплинарный практикум (в лучших традициях ВХУТЕМАСА-ВХУТЕИНА), построенный на принципах взаимодействия академических традиций и инновационных техник. Когда русский человек к своей фантазии, способности к творчеству, космизму, к своим природным конкурентным преимуществам подключает немного практичности, мы становимся свидетелями подлинных прорывов, как в прикладной области, так и в искусстве: Калашников и Королев, Мельников и Щуко, Малевич и Дейнека. В области художественного образования практичным было бы поддержать и даже сделать приоритетным то направление, которое даст нашим молодым художникам неоспоримое конкурентное преимущество в мире современного искусства. У отечественного искусства есть, выражаясь языком экономистов , ликвидный и недооцененный актив: «Русская академическая школа». Проблема данного «актива» в том, что русский академизм устранился от актуального мирового контекста, закапсулировавшись в рутине, сектантском безразличии и бесконечной борьбе за близость к властным распределителям. А ведь Российская Академия Художеств, существующая уже третье столетие, является прямой наследницей европейского академизма, а именно Болонской академии, основанной братьями Карраччи. Но любая оторванная от современности традиция обречена. Следует не только изучать, развивать академизм с его четкими дефинициями и критериями. Следует

интегрировать его в повестку нашего современного искусства. У нас есть великое прошлое и перспективное будущее. Нельзя противопоставлять Третьяковку – «Гаражу», Эрмитаж – «Винзаводу». Кому-то не хватает видения, кому-то талантливых кураторов, кому-то внимания государства. Но все находятся в одном поле. Ни у кого нет эксклюзивного права на отображение современности. Все решает талант художника. И, конечно, российские художники потенциально способны осуществлять экспансию во внешний мир, создавать очаги русского современного искусства, вовлекать иностранную молодежь в нашу культурную повестку, создавая новый привлекательный образ русской цивилизации и русского искусства. Сегодня, когда конфликт традиций и современности в изобразительном искусстве приобрел особую остроту, крайне необходимо наладить взаимодействие отечественных образовательных и художественных институций с кураторами, арт-мейкерами, музеями и фондами поддержки современного искусства не только в РФ но и за рубежом. Такой процесс будет крайне органичным в силу того, что сама российская культура по сути является северным рубежом культуры академической, европейской, средиземноморской. Принципы программы «Изобразительное искусство» • Диалог между академическим и современным искусством: осознание единого культурного процесса Актуализация академической школы; • Изучение, понимание иерархии и тенденций; • Изучение мирового современного искусства, главных имен и трендов; • Интеграция изобразительной практики в другие виды искусства: роль художника в междисциплинарном взаимодействии; • Взаимодействие государства и современных культурных институций.

Программы

Театр На сегодняшний день, неся с собой небывалого объема багаж знаний о прошлом, мы не имеем возможности дать исчерпывающее определение слову «театр». На первый взгляд кажется, будто театр – это вид сценического искусства, предполагающий некое отрепетированное представление артистов перед публикой. В действительности словом «театр» имеет право именоваться необъятный свод совершенно непохожих друг на друга феноменов. Вплоть до таких, когда Театр не является видом искусства, как происходит с социальным театром, который не ставит художественных целей. Сегодня мы точно знаем, что театр может свободно существовать и вне сцены, вне здания, быть мобильным и подчинять себе любое пространство. Кроме того, существует множество примеров спектаклей, которые обходятся вовсе без артистов. А в среде режиссеров-экспериментаторов ХХ века зародилось представление о театре-лаборатории без зрителя. Театр может принимать в себя литературный текст, визуальные искусства, музыку, кинематограф, хореографию, мультимедиа. Но может обойтись и без любого из перечисленных искусств.

Театр – это условие нахождения в пространстве и времени, это своего рода устав временного присутствия, сознательно или инертно сочиняемый коллективным сознанием всякий раз, от спектакля к спектаклю, с чистого листа. Театр не производит символы и образы, он создает условия для их встречи и дает им жизнь не только в пространстве, но и в конкретном, специально для этого отведенном времени. В этом смысле Театр можно определить как сеанс знакомства образов, эстетик, ритмов, тем, смыслов. Формальные признаки театра формируются в прямом соответствии с законами его восприятия современным человеком, при этом ничто не меняется так быстро, как законы восприятия. А значит меняется и театр. То, что было смешно вчера, завтра смех уже не вызовет; то, от чего зрительный зал заливался слезами десять лет назад, сегодня не вызывает эмоций. Неуловимость, абсолютная эфемерность, невозможность фиксации театра – главное и определяющее его свойство. За это уже тысячелетия его и любят зрители.

75 Российский контекст Из великого многообразия форм театрального устройства в России получил наиболее полную жизнь, укорененность и развитие такой феномен, как «театр-дом». Этот тип театра направлен не на извлечение прибыли, а на создание определенной среды, атмосферы, в которой зритель зачастую ощущает себя желанным гостем. В России заметнее, чем в других странах, развита традиция государственной поддержки театра в сочетании с меценатской помощью. Разумеется, такая форма организации не может не сказываться на специфике театрального языка, особом русском театральном коде. Речь в первую очередь о театре звучащего слова, о театре современной драматургии и театре классической литературы. В этой системе координат сформировался свод профессиональных требований в первую очередь к актерскому мастерству. Таков на сегодняшний день небезосновательно главенствующий имидж русского театра в мире. «Культпросвет» ищет театр как таковой. «Культпросвет» – это место, в котором рождаются спектакли, часто в коллаборациях с участниками параллельных программ. Также здесь играются спектакли, созданные в других местах: всех типов, идеологий, эстетик и не запрещенных законом методов воздействия. Принципу встреч и сменяемости разнообразных коллективов на одной сцене соответствует архитектура места: к открытию выставки 1939 года Борис Ефимович сконструировал здесь открытый театр в стиле французского шато, то есть место для выступления разных трупп, прокатную площадку. Кроме того, театр «Кульпросвета» – это место, где ежедневно фиксируют опыт, непрерывно обновляют азбуку современного театрального искусства, преодолевают инерцию.

Принципы театральной программы • Поиски невыявленного потенциала и границ возможностей современного текста; • Работа по фиксации новейших и реконструкции вымирающих актерских техник; • Опыты различных, в том числе самых неожиданных, коллабораций; • Образовательные программы для взрослых и детей: укрепление связи «артист-зритель»; • Не только спектакли, но и процесс могут быть результатом.

Программы

77 формами и смыслами. Необходимо расширить интерес публики к кино именно как виду искусства. Для этого надо использовать ресурсы отечественного и мирового художественного и документального кинематографа за всю его историю.

Кино Кино на данный момент самый популярный и прямой вид искусства. Сегодня языком кино легче всего говорить со зрителем. Масштабы влияния кино трудно переоценить. Кино – молодое и синтетическое искусство. Оно не заменяет ни один из других видов искусства, но перерабатывает их опыт. Литература дала киноискусству драматическую основу, театр – принципы работы с актером, живопись – композицию и цветовое решение, музыка – ритм. Российский контекст Русское кино началось с частной инициативы Александра Ханжонкова. Уже в первые десятилетия прошлого века оно расцвело. Наши художники определили ход киноистории: Дзига Вертов заложил основу документального кино. Сергей Эйзенштейн изобрел принципиальное для искусства понятие «монтаж аттракционов». Андрей Тарковский философски осмыслил роль художника в мировой истории. Сергей Параджанов заговорил с миром на уникальном поэтическом киноязыке.

И это лишь толика выдающихся кинохудожников, язык и творчество которых связаны с Россией. Сегодня российское кино пробует восстановить индустрию, которая процветала в советское время. Появляется кино, которое находит широкого зрителя и может конкурировать по сборам с голливудским. Наши режиссеры по-прежнему часто участвуют в престижных зарубежных фестивалях и получают высшие призы. Но проблем много. Не хватает талантливых специалистов в самых разных областях: от постановщиков трюков до осветителей, от сценаристов до операторов. Но главная, по нашему мнению, проблема – это огромная пропасть между так называемым независимым (фестивальным) кинематографом и мейнстримом. Пропасть между их целевыми аудиториями. Первая, крайне скромная, группа тяготеет к закодированным, подчас скучным авторским поискам, вторая воспринимает фильм исключительно как развлечение. Задача «Культпросвета» – развивать и просвещать зрителя, осторожно напитывать его новыми идеями, подходами,

Планы кинопрограммы • создание двух-трех крупных мероприятий /кинофестивалей, включающих в себя мастер-классы, эксклюзивные программы, активную работу с аудиторией; • совместная лабораторная работа профессионалов в области кино; • активная работа с разным кинематографическими жанрами и формами; • ретроспективы отечественных и зарубежных мастеров: режиссеров, актеров, операторов; • серьезная работа над детской кинопрограммой, дискуссионным клубом для детей разных возрастов и их родителей; • осуществление совместной работы с лучшими кинофестивалями в России и СНГ, в дальнейшем – крупными кинофорумами других стран; • совместные эксперименты и колаборация с цифровыми он-лайн кинотеатрами, формами и качеством передачи контента; • создание и поиск форм сотрудничества с другими дисциплинами в «Культпросвете»; • анализ тенденций и в связи с этим изучение разных подходов к зрителю.

Программы

79 сы в пользу общеизвестного, инертное невнимание к современным тенденциям – будь то качественное исполнение произведений эпохи барокко или новых опусов. Сейчас мы фактически находимся за чертой представлений об актуальных в мире композиторских имен и тенденций, не говоря о том, что институционально ни филармонии, ни театры (за редким исключением) не озабочены или не мотивированы выращиванием и продвижением новой генерации музыкальных авторов.

Академическая музыка Музыка – это невидимое воплощение гармонии мира. Музыка – это преобразуемый эмоцией воздух и наполняемое смыслами время. Музыка – это то, к чему приникаешь, чтобы обогатить и наполнить памятью жизнь души. В отличие от синтетических искусств, которые включают в себя многое, музыка ничего в себя не включает. Она включается сама, подразумевая при этом всё: красоту и поэзию, страдание и счастье, угасание и возрождение, движение и обездвиженность. Недаром самим понятием музыки обобщен и приватизирован образ муз – античных покровительниц искусств. Муз было девять. Музыка – одна. Академическая музыка – универсальный метод отражения картины мира в звуках. Академическая музыка возникла на основе профессиональной европейской музыкальной традиции, связанной с изобретением нотации в ХI веке. При разнице современных подходов к понятию академической музыки, она по умолчанию признается неким идеальным (до абстракции) знаком всеобщего миропорядка. Любое музыкальное произведение символизирует человеческое существование: задавая

определенное видение пространства, понимание времени и в конечном итоге вызывая у слушателя специфическую эмоцию удовольствия. Русский контекст В России профессиональная музыка сложилась относительно недавно – в ХIХ веке, что не помешало ей обзавестись колоссальным наследием в виде лучшей в мире профессиональной системы образования – от музыкальных школ до консерваторий, солидным корпусом оперно-балетных, симфонических и пр. шедевров, пантеоном великих композиторов и уникальной репутацией кузницы исполнительских кадров. В каждом оркестре мира так или иначе может быть выявлен русский корень, в каждом авторитетном музыкальном ВУЗе – от Королевского колледжа музыки (Лондон) до Джульярдской школы (Нью-Йорк) и Института Кёртиса (Филадельфия) – особый спрос на русскую профессуру. Созданная в СССР система государственных театров, филармоний и оркестров, пережив постсоветский этап полураспада, ныне встроилась в рыночный опыт. При этом проблемными зонами в ней видятся афишно-репертуарные переко-

С переходом Союза композиторов в пассивный предобморочный режим развалилась некогда оправдывавшая себя картина взаимодействия с государством, известная как «госзаказ». Ну а в тех случаях, когда театрам, оркестрам или филармониям все-таки удается контакт с современными авторами, чаще всего наблюдается такая квалификационная размытость представлений о конкретике данного «заказа», которая лишает событие позитивного общественного резонанса. В смежных искусствах профессиональная музыкальная составляющая, как правило, невнятна из-за недоинформированности, что говорит о необходимости системной работы над формированием советническо-продюсерской ситуации, а так же о налаживании мостов между частными спонсорами и современными музыкальными авторами, готовыми к работе не только в традиционных, но и в разнообразных междисциплинарных форматах.

Задачи программы «Академическая музыка» • Популяризация классической музыки за счет создания актуального событийного фона. • Оживление репертуарного спектра исполнением а) барочных произведений, б) незаслуженно забытых произведений классических авторов, в) современных опусов; • Продвижение новых композиторов, в том числе и посредством междисциплинарного диалога; • Инициирование взаимодействия новых композиторов с государством и частными инвесторами, включение композиторской базы данных в продюсерскую ситуацию на рынке искусств; • Поиск новых форм, требующих музыкального «комментария» как наиболее эмоционально доступного, а значит и необходимого публике; • Расширение аудитории за счет сближения разных слушательских групп; • Привлечение к партнерству лучших молодых исполнителей с их проектами и идеями; • Летние представления open-air в усадебном духе. Рассчитаны на семейные просмотры.

Программы

81 чественного деревенского и городского фольклора, оперетты, еврейской песни, позже – диско, итальянской эстрады и французского шансона. Даже спустя 25 лет после крушения советского строя, в условиях полной и мгновенной доступности любого материала, в отечественной популярной музыке обнаруживаются элементы советской эстрадной песни. Другая черта отечественного песенного продукта и его потребителей – особое внимание к тексту. Речь не только о «русском роке», традиционно связанном с поэтической традицией, но и об эстраде, которая в самых популярных своих образцах объясняет жизнь и дает поведенческие модели. Что уж говорить о хип-хопе: он медленно, но верно вытесняет из мейнстрима и одноклеточную «попсу», и рок с его миссионерскими амбициями.

Неакадемическая музыка Самое поверхностное и доступное объяснение различий между академической и неакадемической музыкой состоит в том, что если академическая музыка, от самых консервативных до самых радикальных ее проявлений, это сиквел/ комментарий/диалог на тему музыкальных жанров и форм, сгенерированных европейской культурой XVII-XIX вв., то неакадемическая музыка с этой традицией почти не взаимодействует. Неакадемическая музыка состоит из двух пластов – музыка «докомпозиторская», народная, фольклорная, раннелитургическая и музыка, которую условно можно назвать «популярной». Популярная музыка удовлетворяет прежде всего тягу к развлечению и формирует досуг. «Классика» же подразумевает наличие у аудитории специальных знаний, определенного слушательского опыта и времени для рефлексии. Однако популярная музыка второй половины XX-начала XXI вв – это не только бесконечный список песен-однодневок, но и потрясающие открытия, позволившие человечеству заглянуть в глубины, от которых захватывает дух. Начиная от рок-н-ролла и джазовых

экспериментов середины прошлого века, через симфо-рок и прогрессив-рок 1970х, через авантюрные электронные опыты, разветвившиеся на сотни стилей, и заканчивая хип-хопом, отвечающим на главные вопросы момента, – неакадемическая музыка прошла вместе с человеком разумным все его ключевые метаморфозы. В нашем представлении самым общим определением неакадемической музыки в этом документе могло бы быть «слушание плюс время». Неакадемическая музыка всегда несет на себе печать истории. В своих самых удачных проявлениях она не просто обретает популярность, но и становится в буквальном смысле народной. Фигура автора меркнет на фоне содержания. Чего, конечно, уже не случается в академической музыке. Российский контекст Отечественная популярная музыка формировалась в советскую эпоху, ее развитие было обусловлено не рыночными принципами, а необходимостью сопротивляться диктату идеологии. Создание по-настоящему массового продукта требовало знаний не только в области музыкальной грамоты и марксизма-ленинизма, но и особого авторского чутья, которое формировалось под воздействием оте-

Принципы программы «Неакадемическая музыка» • «Культпросвет» мечтает о площадке для непрекращающегося музыкального эксперимента. Идеальная модель – бесконечный джем-сейшн, безостановочный поток творческой самореализации молодых людей с инструментами; • Программа изучения механизмов воздействия неакадемической музыки на массовое сознание. Шлягер – такой же тоталитарный инструмент, как агитационный плакат или речь, произнесенная с броневика. Достаточно послушать хотя бы Depeche Mode и Rammstein. Это тема для большой многосерийной дискуссии. Пора учинить так называемым «хитмейкерам» допрос с пристрастием; • Джаз, передовая электроника бытуют в своих нишах, лишь изредка попадая в мейнстримовое поле. Сегодняшний уровень развития коммуникаций позволяет существенно расширить ареал их обитания. Требуется нащупать новый язык, новые способы привлечения внимания аудитории к этим стилям и их возможностям; • Отдельная программа «Культпросвета» будет посвящена фольклору, русской и мировой «корневой музыке».

Программы

83 щим инструментом идеологии. Наличие «младшего брата», народно-сценического танца, только усугубило консервацию и классической хореографии, и фольклора в его театральных формах.

Танец С древнейших времен танец служил невербальным средством передачи эмоций. На подсознательном и сознательном уровне человечество доверяло ритмичному действу – пра-танцу – самые важные и «невыразимые» мысли, сакральные идеи, возвышенный уровень коммуникации. Танец объединял и разъединял человечество в древнейших сообществах, служил кодом и маркировкой и по мере развития человечества менялся сам. Профессионализация танца в разных культурах происходила и в ритуально-религиозных, и в сугубо светских формах. Однако промышленная революция и ее носитель, европейская культура, за неполные четыре века (XVI-XIX) сделали доминантным искусство классического балета. Эта хорошо разработанная линейная система танца стала в общественном мнении синонимом профессиональной хореографии. Однако следующий виток той же промышленной революции, информационный взрыв, способствовал открытию для мирового сообщества неевропейских культур, включая танец. Интерес к неевропейской хореографии мы наблюдаем и сейчас.

Более того: в эпоху информационной пресыщенности актуальным стало недоверие слову, вербальной коммуникации, и танец стал важнейшим звеном в новом самоощущении человечества. Отсюда повышенный интерес к танцу как к одной из телесных практик на уровне повседневной жизни и на уровне актуального искусства – наряду с бегом и йогой танец завоевал место на фестивалях искусств и выставках. Российский контекст В силу исторических и социальных причин Россия в XIX веке сделала колоссальный рывок в хореографии. В начале ХХ века вместе с легендарными «Русскими сезонами» Сергея Дягилева она с лихвой вернула миру балетный канон, по-настоящему вписанный в контекст актуального искусства высшей пробы. Впервые на балет работали гении-авангардисты смежных искусств –Игорь Стравинский, Эрик Сати, Пабло Пикассо. Впервые балет повлиял на массовую культуру. И впервые русский продукт стал брэндом, определяющим качество в целом виде искусства. Обратной стороной этого успеха была консервация искусства хореографии в России: на долгие годы классический балет в его незыблемой форме стал веду-

Между тем мировая хореографическая практика продолжала впитывать все возможные школы, течения и трактовки искусства танца. Ментальные кризисы человечества в ХХ веке породили в танце волны модерна, постмодерна, контемпорари, множество течений, практик и школ, да и классический балет не был свободен от влияний. Все это богатство узнавалось в России урывками, собственные опыты (Николай Фореггер, школа Дункан-Алексеевой, активная часть биомеханики Мейерхольда, Касьян Голейзовский, эстетика театра мимики и жеста) не получали официального признания. Отечественная хореография находилась на качественной, но все же диете вплоть до наступления цифровой эпохи. Между тем сегодня понятие современного танца расширилось до невероятных размеров. Им определяют лабораторные опыты телесных практик и громадные шоу на многомиллионную аудиторию, зарисовки контактной импровизации и выверенные па рекламных роликов. Принципиально новые постановки в профессиональных труппах давно не умещаются в рамки классического балетного канона. Сращения одного и другого в российских реалиях все еще происходит с трудом, не смотря на накопленный опыт. Публика все еще не готова расширить восприятие профессионального танца. Артистический мир все еще малообразован (лаборатории contemporary dance существуют в российских академических балетных школах лишь несколько лет). И, в отличие от классического русского балета, современный русский балет брэндом не стал.

Принципы танцевальной программы • Двустороннее образование. В этом контексте очень нужны образовательные программы и для артистов, и для зрителей. Нужна всесторонняя поддержка современных трупп – от создания классов по техникам и стажерских программ до определения формального статуса компаний современного танца (пока счастливые исключения смогли претендовать на городской уровень подчинения, в большинстве случаев статус неясен). Подготовка зрителя, должна включать лекции (сегодня очень востребованные и поглощаемые в любом количестве и качестве), открытые мастер-классы, живой диалог с аудиторией рядом с показом спектакля. Подобное выращивание аудитории практикуется в мире (от Норвегии до Тайваня); • Открытый диалог со статусными театрами и художественными институциями. На сценах отечественных театров-флагманов все еще трудно себе представить премьеру, хотя бы отдаленно напоминающую по принципам создания «Зимнюю сказку» Кристофера Уилдона в Ковент Гарден (2014), объединившую классический индийский катхак с классическим европейским балетом, античный миф с психоделикой, традиционную бутафорию с медиаартом и электронный минимализм с народным инструментальным ансамблем. Параллельно неплохо бы вести аналитические проекты, привлекающие внимание к составным частям таких спектаклей с поиском новых перспектив; • Одновременная работа с небольшими труппами современного российского танца, академическими театрами и самым разнообразным зрителем должна, по идее, организовать пространство танцевального потока, не разделяемого на течения.

Программы

85 Цели поэтической прграммы Создавать площадку, свободную от внутрицеховых распрей и разногласий, где смогут встречаться и слушать друг друга поэты самых разных школ и взглядов. объяснять каждому, что общая цель выведения поэзии на совершенно другой национальный уровень значительно важнее сведения внутренних счетов; Давать возможность высказаться как признанным патриархам жанра, так и совсем молодым начинающим авторам; предоставлять им возможность неформального, живого диалога, равно обогащающего обе стороны;

Поэзия Поэзия есть высшая форма организации речи; самое трудное, святое и прекрасное предназначение языка. В своих лучших образцах поэзия есть опыт глубочайшего переживания вневременного, трансцендентного, выраженный словесно с предельной точностью и лаконичностью. Поэзия есть способ отражения жизни духа, установление диалога с непреходящим, божественным в человеке. Восходя к молитве, а древнее – к заговору, заклинанию, поэтический текст сложно организован ритмически и воздействует на читателя/ слушателя сразу на нескольких уровнях, обращаясь, в частности, к бессознательному. Поэзия, как свет, есть и частица, и волна: это цепь словесных формул, смыслов, имеющая принцип внутренней музыки. Бродский называл поэзию особой формой сгущения времени и считал, что если от животного царства нас отличает способность к речи, то «поэзия представляет собою, грубо говоря, нашу видовую цель». Российский контекст Россия логоцентрична, и великие поэты часто значили в ее истории больше иных самодержцев и вождей; язык определяет здесь сознание и бытие, поэзия здесь –

самое достоверное зеркало действительности. На протяжении многих лет поэты были в центре общественного внимания, их голоса определяли отношение в обществе к тем или иным событиям; теперь профессиональная поэзия – это сильно маргинализованное поле, разбитое на множество групп и сообществ, почти не пересекающихся друг с другом, лишенное иерархии, внятной здравой экспертизы и оценки, глубоко невротическое и агорафобское. При этом, запрос на современную поэзию, публичные поэтические чтения, спектакли, события в обществе огромен. Этот разрыв, непроницаемый занавес между поэтом и публикой должен быть преодолен, причем поэту это едва ли не более необходимо, чем публике. Так, возможно, от переусложненности, умствованию, пубертатной любви к зауми и эпатажу, бесконечного невротического самокопания, так процветающим сегодня, он перейдет, наконец, к своей зрелой, глубокой, спокойной, исцеляющей и подлинной интонации.

Преодолевать губительные, упрямые стереотипы о том, что ценителей подлинного поэтического слова очень мало, что поэзия залов не собирает, и, с другой стороны, что читать на большую аудиторию страшно, недостойно по любым причинам. Создавать поле, в котором обоюдный первый ужас между публикой и поэтом будет преодолен, высокомерие, снобизм, небрежение исключены, а абсолютное взаимное внимание, уважение будет первейшим принципом; Привлекать к работе здравых и компетентных критиков и литературоведов: для консультаций, занятий с молодыми авторам, лекций и аналитики направления; Взаимодействовать с широким кругом издателей и менять издательскую ситуацию в стране; добиваться другого отношения к поэзии в книжном мире.

Программы

87 А проза между тем – настоящая, вбирающая современность, напряженная проза – создается там, где прежние схемы моделирования мира разваливаются. Новый способ моделирования мира характеризуется не масштабом, а емкостью. Надвигается царство малых жанров, бесконечно углубляющих, утяжеляющих вес каждого из немногочисленных написанных слов. Из фрагментов информационной реальности, гула блогов и форумов, документальных исповедей, поэтических медитаций, фактографических расследований создается мир романа о современности, автор в котором уже не бог-демиург, а такой же соглядатай и испытатель не им придуманного мира, как и его читатели.

Проза Проза – это сказанное не в рифму, не записанное в столбик. Проза – формально самый свободный, не связанный обязательствами, голос литературы. Однако это не значит, что прозой можно называть любой не организованный поток слов. Секрет трансформации вольного самоизъяснения на бумаге в настоящую, художественную прозу – в напряжении языка и мысли, удерживающем от расползания материю из слов. Проза – это ослабление музыкальности, самодостаточной красоты ради расширения ее познавательных возможностей. Проза – лаборатория описания и изучения реальности. Вольность прозы – это не просто свобода от формальных ограничений. Это стремление к универсальности, всемирности высказывания. Проза изучает закономерности, структуры, устройства. Даже самая фантастическая проза создает живую модель объективного мира. Проза во многом и есть художественное моделирование реальности, недаром именно в эпических жанрах

автор так богоподобен, как будто и впрямь обладает полнотой знания о мире и присутствует повсеместно. Проза – это попытка при помощи художественной интуиции отыграть, изучить и даже решить реальные жизненные ситуации. Вот почему именно к авторам романов чаще всего обращаются за комментариями к современности. Российский контекст Сегодня обнаружилось, что о современности невозможно сказать голосом традиционной прозы. Механизм моделирования сломался, и верховный жанр, прославивший русскую литературу – большой русский роман, когда-то охватывавший словом образ всего мироздания, модель человечества, – не вмещает нас, сегодняшних. Современный роман с его закрепленными в традиции атрибутами, вроде психологии и судьбы героя, размышлений о человеке и диагностики эпохи, исторической панорамы и идейного наполнения, остался в ведении книжного рынка. Теперь моделируют сам роман, эксплуатируя читательские привычки потребителя.

Мир современной литературы – малый и емкий, близко прилегающий к телу пишущего и читающего, текучий и незавершенный, потенциально достраиваемый – оказывается той моделью современности, в которой читателю легко освоиться и включиться. Принципы прозаической программы Пропаганда чтения как развлечения себя не оправдывает. Слишком трудно достается тут удовольствие: чтение требует достаточной сосредоточенности, прекращения любых параллельных дел. Самый же уязвимый атрибут чтения сегодня – его уединенность. Работа Павильона должна быть направлена на возвращение чтения в круг коммуникации. Писательский и читательский опыт должен стать поводом к социализации, а не препятствием к ней.

Идея живого слова предполагает воссоединение писателя, читателя и критика (куратора) в свете вопросов, объединяющих их как современников и сограждан. Прозаическая программа «Культпросвета» реализуется на стыке дискуссионного клуба и литературной игры, мира классической литературы и реалий современного города, в миксе известных и только открытых имен, во взаимодействии писательских поисков и читательских жизненных запросов. Форматы программы: • разговор с известными и новыми писателями; • обсуждение литературной классики как сокровищницы образцов поведения и моделей жизни, применимых в условиях современного города; • конкурсы чтецов-любителей; • психологические ролевые игры-расстановки по классическому произведению; • клуб-тренинг устного рассказа; • детская читательская программа.

Программы

Драматургия Античный театр был посвящен драматургу и его тексту. Именно трагедия, по мнению Ницше, преобразовала хтоническую энергию дионисийских праздников в аристотелевскую, стройную гармонию, подарила людям способность противостоять року. В драме, в заостренной языковой форме, показаны внутренние противоречия эпохи. Драматургия требует от автора умения чувствовать действенную энергию и умения ее передать в ограниченном литературном пространстве. Без энергии, без умения воссоздать постоянно изменяющейся мир героя – драматургия невозможна. Творческий метод драматурга наименее защищен. Драматург остается один на один со своими персонажами, с их языком, который не может не быть современным. Киносценарий, который так же попадает в зону интереса «Культпросвета», – жанр более молодой. Если драматургия мыслит действиями и словами, то сценарий, несмотря на сущностную схожесть, все же более образная вещь. Здесь важно выстраивание пространства, поворот головы

героя, минуты пауз, пролетевшая птица. Не менее важна и история – без хорошей истории сложно создать кино, которое было бы интересно. Российский контекст Первые русские пьесы сюжетно опирались на народные мифы, игры, старинную обрядовую культуру и на религиозные традиции. Первые русские драмы возникли в конце XVII – начале XVIII века, к наиболее известным и популярным произведениям народной драмы относятся «Царь Максимилиан», «Лодка», и кукольные комедия о Петрушке. Одновременно с исторической и игровой драмой, возникла и школьная драма. Русский классицизм, опирался на европейскую школу, привнес в драматургию социальный контекст. На протяжении долгого времени русская драматургия развивалась в подражание европейской. Однако к XIX веку она обрела собственные черты. Появились Грибоедов, Пушкина, Островский. А в конце XIX века зрители увидели пьеса Антона Чехова, благодаря которым возник новый тип театра. Чехов создал драматургию, в которой зафиксировал общечеловеческие драмы, близкие сегодня зрителям в любой точке мира.

89 Одним из последних заметных явлений в истории российской драматургии стало возникшее в 90-е годы движение «новая драма». Оно объединило драматургов, интересующихся судьбой маленького человека. Героями новых пьес стали офисные работники, гастарбайтеры, женщины-заключенные. Эта острая социальность напугала государственный репертуарный театр, он оказался не готов к ее репрезентации. И речь идет не только о банальной смелости, но и о навыках, инструментарии. Актеры старой школы не могли работать с монологами, записанные драматургами на улице, сделать их достоверными, они не чувствовали новую языковую реальность, не могли ее воспроизвести. Так появились новые театры, в которых на читках и на спектаклях радикальных молодых режиссеров возникал новый тип артиста, новая режиссура, новые методы работы режиссера с текстом. Сегодня в России существует большое количество драматургических конкурсов, однако современную пьесу в театре увидишь не часто, особенно на большой сцене. Новая драма замкнувшись на формате читок, перестала ощущать большую сцену как свою территорию, совершенно забыт оказался и жанр телеспектакля. Стало понятно, что современный текст не звучит с «приподнятой сцены», он требует иного пространства и подхода, его предельные искренность, естественность нуждаются в прямом контакте. С новыми текстами нужно работать как с гаммами. Они помогают режиссерам настроить слух на волну современности, без них современный театр невозможен. С появлением кино возникла необходимость в литературной основе – сценарии. После Октябрьской революции был издан декрет, согласно которому вся кинематографическая торговля и промышленность была национализирована. Основными тружениками сценарного цеха стали выпускники Всесоюзного Государственного Института Кинематографии (ВГИК).

Фигура сценариста в советское время имела огромное значение, имена сценаристов были известны зрителям: Борис Леонидов, Виктор Шкловский, Натан Зархи. Некоторые из них, например Николай Экк и Николай Эрдман работали с Всеволодом Мейерхольдом, начавшим активно использовать в театре принцип монтажа, который впоследствии был перенесен в кино и оформлен в знаменитую теоретическую формулу «монтажа аттракционов» Эйзенштейном. В современном российском кино театральные и кинодраматурги часто пересекаются. В начале нулевых, получив свои первые уроки на андерграундных театральных сценах, драматурги пришли в киноиндустрию, к тому моменту излишне коммерциализированную. Театральной пьесе несомненно есть что позаимствовать у киносценарного цеха, часто работающего как ремесленная машина. Но и сценаристам, зачастую утратившим связь с современным человеком и его языком – есть чему поучиться у театральных драматургов. Принципы драматургической программы • Популяризация и продвижение современной драматургии: организация читок современных пьес и сценариев, выпуск ежегодного сборника, создание радиоспектаклей и их интернет-трансляций; • Популяризация современной русской драматургии за рубежом – организация переводческих лабораторий, культурные обмены; • Поиск точек соприкосновения с другими видами искусства: создание альбомов иллюстраций к современным пьесам, фотоальбомов, съемки короткометражных фильмов по драматургическим скетчам, проведение сценографических лабораторий, в результате которых художниками будет создаваться оформление к возможным будущем спектаклям, контакт с литературой – создание инсценировок; • Продюсирование спектаклей и фильмов по современной драматургии.

Программы

91 Принципы программы «Уличная культура» • Развитие: актуализация всех направлений уличной культуры; • Создание проектов на стыке уличной культуры с другими формами искусства; • Осмысление и изучение феномена уличной культуры в России: уличная философия, поиск новых смыслов, погружение в контекст; • Герои с улицы – творческие встречи с активными деятелями разных направлений уличной культуры: воркшопы и мастер-классы, кинопоказы с обсуждениями, семинары и так далее.

Уличная культура Уличная культура – это ритм города, воплощенный в музыку, движение и образы. Уличная культура – это поэзия, музыка, граффити и стрит-арт, танец и спорт. Одно из основных течений уличной культуры – хип-хоп. В бедных кварталах Нью-Йорка он возник как подростковый бунт, а потом развился в одну из главных современных субкультур. К 1980-м уличные творцы получили признание и право называться настоящими художниками. Ими восхищались Баския и Уорхол. Они определили облик современной культуры. Сейчас уличные танцоры участвуют в бродвейских постановках и работают с исполнителями высочайшего уровня, например, с Мадонной. Американские рэперы снимаются в фильмах культовых режиссеров. Рэп-альбомы продаются огромными тиражами. Работы уличных художников «уходят» за сотни тысяч долларов, а недвижимость, на которой они оставили свои «метки», растет в цене. Российский контекст В России уличная культура приобретает самобытные черты. Корни уличного искусства можно найти в русском площадном театре и смеховой культуре, в народных

танцах. Даже «Казачок» прекрасно ложится на традиционный хип-хоп-бит. По одной из версий рождение значительной части уличной культуры – стрит-арта – связано с русскими художниками. Еще в 1920-х годах появились так называемые агитпоезда и агитпароходы. Большевистскими лозунгами и мотивирующими картинами их расписывал, в частности, Казимир Малевич. Плакатное искусство начала века – Александр Родченко, Эль Лисицкий – тоже предвестник стрит-арта. Если «копнуть» еще глубже, площадной театр и выступления скоморохов – первые ростки уличной культуры. Сегодня русские деятели уличной культуры участвуют в международных фестивалях и проектах мирового масштаба: наши битмейкеры сотрудничают с такими персонажами как Dr.Dre и Diplo, наши брейкданс-танцоры лидируют на мировых чемпионатах, наших уличных художников приглашают расписывать монументальные стены в разных уголках планеты. И наоборот: в России небывалой популярностью пользуется американских хип-хоп: рэп-концерты проходят чуть ли не еженедельно во всех крупных городах страны. В российских стрит-арт фестивалях и музейных выставках участвуют художники мирового уровня.

Программы

93 себе представить, чем занимается медиахудожник и что такое медиаинсталляция. Но большинство людей из регионов просто не имеют возможности приблизиться к современным жанрам в искусстве. Приблизившись к человеку, медиаискусство может создавать новые связи между людьми, демократизировать элитарное, исполнять образовательные задачи. Словом, ни в коем случае нельзя преуменьшать значимость молодого течения. Медиа уже оказали огромное влияние на культуру – на хеппенинги и акционизм. И в принципе все медиажанры легко соединяются с другими видами художественного творчества, трансформируя его, образуя что-то новое.

Медиа Раньше у художников были кисти и краски, камень и молоток, чернила и бумага. Сегодня холст и масло кажутся если не архаикой, то точно винтажной прелестью. Во всяком случае медиахудожники привыкли к совершенно другим инструментам. Реальный мольберт заменил компьютер, а кисть – язык программирования. Так стали появляться новые типы произведений – медиаинсталляции, медиаландшафты, перформансы, саунд-арт, нет-арт. С помощью новых технологий художники научились создавать среду – визуальную и концептуальную. Нет-арт, например, это художественное средство выражения среды глобальной сети. Без интернета этот жанр не существует. На сегодняшний день еще нет точного понимания, что такое медиаискусство и как оно развивается. Очевидно одно: развивается оно очень быстро, и следить за его эволюцией очень важно. Российский контекст Мировому медиаискусству около полувека, в активной фазе оно находится порядка 30 лет. Особенность России в том, что

у нас интерес к цифровым новшествам пробудился существенно позже, чем на западе. В СССР ввиду культурных ограничений речи о медиаарте не было. Первые цифровые лаборатории появились в Москве в середине 1990-х годов. Так что можно сказать, что мы находимся на заре новой эпохи. В Европе эта эпоха уже расцвела. Есть множество фестивалей и крупные организации, которые занимаются исследованиями в искусстве новых медиа: институт ZKM в Карлсруэ, фестиваль European Media Art и так далее. Медиахудожников активно поддерживает власть: на высшем уровне понимают, что именно они – связующее звено между наукой и человеком. Принято считать, что медиахудожник одушевляет технические новшество, интегрирует их в культуру. Это важнейшая социальная функция. У нас такого осознания еще нет. В России художник в принципе считается созданием маргинальным, а художник, творящий с помощью техники тем более. Дело во многом в том, что компьютерная грамотность у нас в стране находится на очень низком уровне. В крупных городах, конечно, даже обычный житель может

Все же в России есть попытки сближения цифровых произведений с народом. Яркий пример – фестивали. «Киберфест» в Санкт-Петербурге и «Круг света» в Москве. Если первый все-таки ориентирован на сколько-то заинтересованную публику, то второй – абсолютно массовое мероприятие. В ходе «Круга света» архитектурное пространство города становится холстом для мультимедийных творцов. Преображенная фантазией художников Москва вызывает огромный интерес: это ли не значит, что и в нашей стране у новых видов искусства огромный потенциал?

Принципы медиапрограммы • Изучение феномена медиа: из науки в искусство. Демократизация новых технологий, понимание взаимовлияние культуры и научных прорывов – междисциплинарное взаимодействие науки и искусства; • Отбор: поиск в перегруженном цифровом пространстве ценных произведений. Информационное пространство сегодня очень загружено: вокруг слишком много разношерстных явлений. Отделить зерна от плевел, произведения от не-искусства – непросто, но «Культпросвет» берет на себя эту задачу; • Тренды: не только отслеживание, но и формирование тенденций. Медиа – поле для экспериментов. Это то искусство, в котором случилось еще очень мало, и очень многое предстоит открыть; • Гибкость медиажанров: сочетание медиа с другими видами искусства. Медиа очень легко интегрируется, соединяется практически с любым видом искусства. Это огромное пространство для междисциплинарного взаимодействия.

Программы

95 ствующей здесь и сейчас, то есть – в применении к человеку, к современному миру, в котором она создается. Современное искусствознание, если хочет быть услышанным, должно вновь обратиться к философским истокам и при этом избегать высокомерия и зауми. Философский вопрос, заданный современному искусству, должен преодолевать границы искусств и жанров. Мы изучаем специфику языков различных искусств не для того, чтобы изолировать их друг от друга. А для того, чтобы точнее и яснее понимать, что искусство открывает в сегодняшнем существовании мира и человека.

Философия Философия – это живое знание о том, как все устроено. Интерес к миру и человеку, который не может быть удовлетворен сведениями о части мира, об отдельном свойстве человека. Быть философом – значит стремиться понять наиболее общие законы жизни. Без ограничений эпохи, национальности, идеологии. В то же время развитие философии подвержено переменам, истории. Ответ на вопрос «как вообще устроен мир» и «что такое вообще человек» в разных культурах в разное время получался разным. Говоря, что философия – знание живое, мы подчеркиваем ее стремление постоянно подвергать испытанию и сомнению найденные ответы. Жадностью к истине философ похож на ученого. Но между наукой и философией есть принципиальная разница: результаты, добытые трудом философа, нельзя ни доказать, ни применить в чужой практике. Философия – душа любого практического, научного знания. То самое «для чего», пронзающее светом смысла мглу неразрешимых вопросов о природе жизни и смерти, мира и человека.

Искусствознание тоже может быть наукой или философией. Совокупностью механизмов и инструментов, при помощи которых можно измерить красоту и смысл художественной реальности. Или – попыткой определить саму красоту и сам смысл, понять наиболее общие законы их существования в произведениях искусства, а главное, уяснить, как возможно существование красоты и смысла в современном мире. Ответ на эти вопросы, возможно, будет каждый раз разным. Задача сегодняшней философии искусствознания – осветить источники красоты и смысла именно в нашем мире, в нашей культурной ситуации. Российский контекст То, как размножились сегодня прикладные теории житейского благополучия и тренинги душевной гармонии, говорит одновременно о возросшей готовности людей к осознанному, осмысленному существованию и о нехватке навыков осознания и осмысления. Сегодня люди отворачиваются от той культуры, которая превратилась в поток информации, которая не дает опоры для решения главных философских вопросов. Культура многими не ощущается суще-

Принципы философской программы Сегодня акт осмысления искусства выпал из внимания и широкой публики, и СМИ. Осмысление искусства превращают то в политическую колумнистику, то в пиар-функции издательств, театров и иных пространств производства культуры. Настоящее искусствознание – это не ангажированный, честный анализ только что созданного художественного события. Это вербализация связи между культурным продуктом и нуждами текущей жизни, замыслами художника и запросами публики. Реализация проекта происходит в жанрах: колонки или эссе, интервью и видеоинтервью, фоторепортажа с комментариями. Каждый из этих жанров содержит два начала: презентацию (что было) и рефлексию (что это значит). Рефлексия в данном случае – это осознанное переживание искусства. Плоды рефлексии размещаются на сайте проекта в заранее оговоренные сроки. Сайт проекта таким образом выполняет функции искусствоведческого портала, PR-службы, СМИ и органа самосознания проекта.

АФИША

Афиша Принципы формирования афиши Расписание-сетка В Павильоне «Культпросвет» события интегрированы в четкую структуру. Вид события фиксируется на определенное время. Аудитория привыкает к этому расписанию. Публика знает, что в понедельник утром в «Культпросвете» – урок танцев, а в среду вечером – концерт академической музыки. Время работы День в Культпросвете длится 18 часов, с 6 утра до полуночи. Есть четыре зоны – утро, день, вечер и поздний вечер. У каждой зоны – свои события и аудитория. Утро – время телесных практик, день – детских и образовательных проектов, вечер и поздний вечер – спектаклей, перфомансов и концертов. Это не значит, что концерт не может состояться утром, а семинар – вечером. Но общее «зонирование» важно обозначить. Пространство Культпросвет использует четыре пространства: три зала и прилегающую территорию. Левый и правый залы тождественны, взаимозаменяемы. Все три зала – трансформеры. Они постоянно переформатируются, в зависимости от нужд конкретного события, пожеланий куратора. Двор работает в теплое время года. Это место идеально для мероприятий, связанных с уличной культурой, а также неформальных лекций и семинаров. Программы В «Культпросвете» – 12 программ, 12 кураторов. (см. соответствующие главы). Куратор каждой программы представляет минимум по два события в месяц. Вместе с тем, в работе Павильона предусмотрена организация циклов протяженностью по 3-4 недели. В таких курсах будут объединены мероприятия, связанные с конкретной программой: «месячник» театра, неделя кино, декада изобразительного искусства и т. д.

98 Специальные проекты Комиссар и кураторы павильона утверждают событийный календарь. Согласно этому календарю продюсируются также события или циклы, приуроченные к конкретным памятным датам или сезонам. Это могут быть такие проекты, как «Театральная бессонница», «Ночь анимации» и т. д. Продюсирование – презентация Об этой оппозиции уже говорилось в соответствующей главе. Павильон «Культпросвет» продюсирует, то есть, создает собственные события. Один из способов – лаборатория. Лабораторный опыт может длиться от трех недель до полутора месяцев. За это время участники приходят к художественному результату, который можно представить публике. Также «Культпросвет» интересуют лучшие российские и международные события – Павильон станет площадкой для презентации интересных спектаклей, концертов и выставок. Образовательные проекты Любое событие в «Культпросвете» может иметь образовательную составляющую. Кроме того, кураторы реализуют специальные образовательные проекты – лекции, семинары и дискуссии, воркшопы, мастер-классы, открытые репетиции. Открытость всех процессов, честность по отношению к аудитории позволит, мы надеемся, быстрее найти общий язык с самыми разными людьми и пробудить желание учиться друг у друга. Отдельным важным проектом будет продюсерская школа, воспитывающая новое поколение профессионалов, дающая и теоретическую, и практическую подготовку.

99 Детские проекты Продюсирование и презентация событий для детской и подростковой аудитории. Некоторые детские проекты могут идти параллельно со взрослыми – таким образом, родителям тоже будет, чем заняться и что обсудить с детьми. События могут быть разовыми, а могут объединяться в курсы и лаборатории. В теплое время года уроки будут проходить во дворе. Международные проекты Важный фокус связан с международной работой Павильона, изучением зарубежного опыта, практикой коллабораций. «Культпросвет» представляет события с зарубежными артистами, а также приглашает их для участия в образовательных и детских проектах. Международные проекты «Культпросвета» – это яркие события из других стран, диалог с мировыми специалистами, осознание оппозиции «русское-глобальное».

100

Афиша

ТЕАТР

ЗАЛ «ЗАПАД»

1 утро

урок танцев

день

урок фото

урок лекция: танцев Академическая музыка в мегапоурок фото лисе

семинар: «Как полюбить литературу»

обсуждение читки пьесы И. Иванова

АКАДЕМИЧЕСКАЯ МУЗЫКА 14

урок танцев

НЕАКАДЕМИЧЕСКАЯ МУЗЫКА 18

«Почему Бродский и театр не нашли друг друга?» устное эссе

урок фото

презентация фотопроекта, беседа с посвяВл. Ором щенного ч. 2 выставке Вл. Ора. ч. 1

МЕДИА

21 урок танцев

Беседа: Павильон культпросвет как полотно для медиахудожников

Лекция «Театральная природа Шагала»

«Пепел дней»: фильм о фильме

ПРОЗА

ИЗО

ФИЛОСОФИЯ

«ШОУ О КАРТИНЕ»: перформанс «Неизвестная»

Концерт этно- рокгруппы «Ярмо»

урок танцев

ДЕТСКАЯ ТЕАТРАЛЬНАЯ ШКОЛА

урок фото

Инициация в сказке, театре и жизни: Встреча открытый с С.Попоразговор вым с режиссером спектакля «Два слова»

лекция: Московская филармония и современная культура

Д.Шик читает стихи других поэтов

ЛАБОРАТОРИЯ: «Российская современная пьеса в контексте европейского театра». Участвуют режиссеры и артисты из России, Польши, Германии и Великобритании

Выставка Вл. Ора: «Назад в будущее»

вечер баттл молодых поэтов

перфоманс Вл. Ора: открытие выставки

концерт китайского рэпера Ляо Ми

спекпремьера медиашоу такль-задокумен«СКРИрисовка тального ПАЧ НА «Анна фильма КРЫШЕ» Карени«Сон» на»

утро

ЗАЛ «ВОСТОК»

УЛИЧНАЯ КУЛЬТУРА

ДРАМАТУРГИЯ

день

поздний вечер

день

утро день вечер поздний вечер

читка пьесы драматурга И. Иванова

премьера современного балета на хип-хоп музыку

круглый стол «Как инсценировать прозу»

открытый разговор мирежиспоказ ни-фильм сера фильма о поэти- Петрова Е.Петрова ческом со своими «Любовь» баттле актерами о фильме «Любовь»

детская урок школа игры на брейктом-томе данса

занятие цигун

спектакль для подростков по мотивам рассказов Сэлинджера

детская школа брейкданса

концерт академицикл медиаперфомансов: «МОСКВА 1960-Х» ческой музыки

создание вербатима: лабораторный опыт

спектакль-импровизация на тему пьесы Бродского «Мрамор»

перфоконцерт манс от немецстрит-арт кого художниоркестра ков

лекция: психоаналитик А. Аров о влиянии снов (на почве премьеры фильма «Сон»)

открытое интервью с режиссером вчерашнего спектакля

вечер

поздний вечер

ДВОР

ПОЭЗИЯ

лекция о прошедшем концерте А. Васильева

утро

ЗАЛ «ЦЕНТР»

ТАНЕЦ

ЛАБОРАТОРИЯ: «Российская современная пьеса в контексте европейского театра». Участвуют - режиссеры и артисты из России, Польши, Германии и Великобритании

вечер

поздний вечер

КИНО

101

«Сильнее смерти»: феномен исповедальности в искусстве

Д. Шик читает свои стихи

«ШОУ О КАРДжаТИНЕ»: зовый перфорконцерт манс «Над городом»

«ПРЕОБРАЖЕННОЕ ПРОСТРАНСТВО»: опыт медиахудожников

«Два слова»: спекПРЕтакль-эксМЬЕРА перимент ФИЛЬМА по «ПЕПЕЛ» сказкам Афанасьева

первый «Соло медиаконцерт Примы»: презентацикла танцеция книги Московвальный С.Попова ской моно«Блокфилармоспектакль нот» нии

Финальный показ драматургической лаборатории (ч. 1)

Финальный показ драматургической лаборатории (ч. 2)

лекция «Медиахудожник в музыкальном пространстве»

двухдневный урок мастер-класс скейигры на тбордиста Джона том-томе Сноу (США)

беседа: «Вербатим - новый язык или новая формулировка?»

занятие цигун

концерт академи- товарищеские соревнования ческой по скейт-бордингу музыки

показ документального фильма «Сильнее смерти»

проект «Первая читка»: презен- Цикл поэтических вечеров, посвященных 100-летию тация со дня рождения поэта М. Че. «Читать, подражать, любить» пьесы Л. Ванечкиной

детская школа брейкданса

урок детская школа брей- занятие игры на кданса цигун том-томе

беседа: скейтбординг в России

показ документальной зарисовки о Джоне Сноу

лекция: 1960-е в реальности в искусстве

читка пьесы В. Винокурова «Как»

детская урок детская школа брейшкола игры на кданса брейктом-томе данса

концерт академицикл медиаперфомансов: «МОСКВА 1970-Х» ческой музыки

ЧИТКА пьесы Остров«ТЕАского ТРАЛЬ«БесприНАЯ данница»: БЕССОНвзгляд НИЦА» режиссера Ф. Ферина

Кураторы «Культпросвета» читают любимые стихи

ЦИКЛ ВСТРЕЧ артистов Московской государственной филармонии с детьми: «ЧТО ТАКОЕ МУЗЫКА»

ЦИКЛ ЛЕКЦИЙ директора Джазовой филармонии: «СовременДЕТСКАЯ ТЕАТРАЛЬНАЯ ШКОЛА ная джазовая культура. Пути развития»

бельгийский музыкальный критик Людвиг Стерре рассказывает о рэпере Ляо Ми

Беседа с участниками лаборатории: русское слова у нас и за рубежом

концерт академической музыки

занятие цигун

беседа: 1970-е как это было?

детская школа брейкданса

«НОЧЬ АНИМАЦИИ»

режиссерская читка пьесы Р. Дурова «Пес» (читает С. Ларин)

трехдневный мастер-класс португальского танцора Баэта Бако

детская урок игры школа на том-тобрейкме данса

цикл концертов МОСКОВСКОЙ ГОСУДАРСТВЕННОЙ ФИЛАРМОНИИ

импровизационный поэтический перформанс

занятие цигун

цикл медиаперфомансов: «МОСКВА 1980-Х»

102

Афиша

103

Схема павильона

зал «Центр»

зал «Запад»

зал «Восток»

двор

АУДИТОРИЯ

106

Аудитория Уже год живущий на ВДНХ Политехнический музей, несколько интересных фестивалей, события в «Зеленом театре», привели на ВДНХ аудиторию, которая привыкла проводить досуг в центре города, так называемый креативный класс. Это не очень большая группа, но очень влиятельная, которых принято называть трендсеттеры. Судя по всему, эти люди готовы приезжать на север Москвы раз в месяц на специальные события, но вряд ли чаще. Для многих москвичей, особенно жителей севера Москвы, ВДНХ – это прежде всего парк для прогулок. Наследие времен ВВЦ – люди, которые приезжают на ВДНХ как в торговый центр, но их все меньше. На ВДНХ собираются представители спортивных субкультур – роллеры, скейтеры, велосипедисты, картинг и др. Это растущая аудитория. Для туристов и гостей столицы ВДНХ по прежнему достопримечательность, памятник. Все эти группы – потенциальная аудитория павильона «Культпросвет». В самом общем виде потенциальную аудиторию можно разделить так: • жители района; • остальные жители Москвы и МО; • гости столицы и иностранцы. Работа со всеми группами – это и решение задачи децентрализации культуры, и изменение направления досуговой миграции москвичей. Рассмотрим преимущества и проблемы нового культурного пространства на ВДНХ с точки зрения потенциальной аудитории. Преимущества • Так как мы говорим о кластере, то участники в меньшей степени являются конкурентами и в большей – работают друг на друга; • Интерес и внимание к ВДНХ со стороны федеральных и городских властей; • Развитая инфраструктура; • Возможность контента, рассчитанного на разные демографические и социаль-

•

• •

ные группы (дети-взрослые, совы-жаворонки, обеспеченные-необеспеченные и т. п.); Просветительская функция, заложенная в названии, дает возможность сотрудничества не только с медиа, специализирующимися на проблемах искусства, но и с быстро развивающимися просветительскими медиа; Отсутствие привязки к определенному жанру, дает возможность работы с разными СМИ: lifestyle, узкоспециализированные (театр, наука, выставки) и др.; Разнородность аудитории дает возможность использовать все возможные каналы распространения информации; Возможность использования информационного и рекламного ресурса самого ВДНХ.

Проблемы • Неоднородность аудитории; • Случайность (в первое время) аудитории; • Удаленность от центра; • Отсутствие на сегодняшний момент артикулированной стратегии и позиционирования самого ВДНХ. В основе внешних коммуникаций проекта – ориентированность на культурную миссию и аудиторию, доступность. «Культпросвет» ставит себе серьезные художественные задачи, избегая «высоколобости», «элитарности» и снобизма. Главный принцип «Культпросвета» – междисциплинарность – снимает потенциальный конфликт между общедоступностью и элитарностью. Принято считать, что кино – массовое искусство, а театр – элитарное. Когда продукт создается на стыке жанров, эта формула не работает. Самый кассовый голливудский фильм может оказаться «арт-хаусным» по смыслу и инновационности. «Поэзия» адресована в сознании многих «интеллектуальному», «элитарному» зрителю. Но при этом хипхоп, важнейший элемент уличной культуры, тоже является поэзией. Таким образом, культурный продукт, созданный по принципу мультижанровости,

107 может стирать возрастные, социальные, демографические разграничения. Проблема неоднородной аудитории превратится в преимущество. Присутствие в программе таких направлений, как неакадемическая музыка, медиа, танец и уличная культура обеспечат продукту зрелищность, востребованную «демократичной» аудиторией. А философское направление удовлетворит потребности интеллектуалов и в то же время выполнит ту самую просветительскую функцию для более широкого круга зрителей. Выходя на философское осмысление каждого события, «Культпросвет» выводит досуг на новый уровень – не только энтертейнмент, но и эдьютейнмент. В коммуникациях с аудиторией необходимо сочетать информирование, активную рекламу и просвещение. Гибкая и демократичная ценовая политика – важнейшее качество нового места, ориентированного на самую широкую аудиторию. Здесь будут билеты как по 200-500, так и по 2000 рублей. Будет разработана программа лояльности и система абонементов. Главная «внутренняя» задача команды – выработка приема, гармонично объединяющего событийный пиар с продвижением места. Нам представляется необходимым сосредоточить 70% усилий на построении бренда и имиджа площадки «Культпросвет» и 30% – на событийном PR.

ДИЗАЙН, ФИРМЕННЫЙ СТИЛЬ

Дизайн, фирменный стиль

Логотип Логотип Павильона «Культпросвет» состоит из двух частей: названия павильона и двенадцатиконечной звезды. Трехстрочная шрифтовая композиция дополнена знаком – звездой, вписанной в круг. Два образа дополняют и усиливают друг друга. Графика названия «Культпросвет» максимально отражает полисемантику и возможное многообразие толкований слова. Об этом сказано в начале текста.

Фирменный шрифт Фирменный шрифт проекта – Circle Bold. Базовые формы Circle представляют собой геометрический гротеск с некоторыми гуманистическими чертами, альтернативные формы и знаки с росчерками дополняют характер шрифта.

110

Графика знака основывается на архитектуре ротонды Павильона, расположенной у входа и накрывающей фонтан. Сам символ имеет очень много исторических и религиозных смыслов. 12 месяцев, 12 созвездий. В «Культпросвете» – 12 программ и 12 кураторов. Считается, что эрцаграмма (двенадцатиконечная звезда) – символ совершенства. Пусть так и будет.

Стиль «Культпросвета» – в демократичности и простоте форм. Нами изменено начертание некоторых букв и цифр. Шрифт стал ярче, но, вместе с тем, остался простым и понятным.

111

Фирменный цвет Основной фирменный цвет –синий. Цвет неба, цвет моря, лазури. Глубокий, яркий и насыщенный, заставляющий задуматься. Синий цвет, по выражению психологов, легко понятен. Потребность в синем говорит о том, что человек ищет покоя, гармонии. Именно так, несмотря на множество событий, должен действовать на своих посетителей «Культпросвет». В русской и православной традиции ярко синий цвет связан с культом Богородицы. Василий Кандинский говорил: «Склонность синего цвета к глубине столь велика, что он становится интенсивнее именно в глубоких тонах и действует «характер-

нее», проникновеннее. Чем глубже синий цвет, тем сильнее он зовет человека в бесконечность, будит в нем стремление к чистому и, наконец, к сверхъестественному. Синий – это типично небесный цвет. С большим проникновением он развивает элемент покоя… Он как бесконечное углубление в серьезное, где нет и не может быть конца» Все это – двенадцатиконечная звезда, четкая графичность знака, особенности шрифта, глубокая синева – концентрируют идею «Кульпросвета» в один символ. В нем, по нашему мнению, есть синкретичность, пластичность, демократичность, современность, связь с прошлым, определяющая будущее Павильона.

ТЕХНИЧЕСКОЕ ОСНАЩЕНИЕ

Техническое оснащение Общие требования Философия павильона, основанная на принципе «междисциплинарности», конечно, влияет на его техническое оснащение. Мы должны иметь возможность проводить кинопоказы, спектакли, концерты, выставки, перформансы, лекции, мастер-классы, уроки танцев на одной площадке. Мы предполагаем, что «Культпросвет» подходит для любого художественного акта. Из приведенного выше проекта расписания видно, что один и тот же зал может быть утром пространством для танцевального мастер-класса, днем – лекционным залом, вечером – выставочным павильоном, а ночью – концертной площадкой. Функциональность Кроссплатформа подразумевает максимальную пластичность: легкость и скорость изменения пространства, мобильность всех конструкций. «Культпросвету» нужны способы быстро и беспрепятственно повесить киноэкран, настроить проектор, собрать сцену, выставить амфитеатр со стульями, а потом убрать его. Все интерьерные элементы – от гардероба до буфета и ширм, разделяющих зал на разные зоны, должны просто ставиться и убираться. Легкие, прочные материалы, колеса – должны быть в основе технологических решений. Для всех мобильных конструкций предполагается специально оборудованное место для хранения.

114 Технологии Что до техники – в частности, световых и звуковых приборов – она должна быть высочайшего класса. «Культпросвет» работает и как продюсерская, и как прокатная площадка. Создает и привозит спектакли и концерты разного уровня сложности. Представляет артистов мирового уровня. Для этого необходимо иметь качественное оборудование и возможность оперативно перенастраивать всю технологическую базу. Звукоизоляция, акустика – тоже важная по отношению к пространству задача. В одно и то же время в павильоне могут проходить мероприятия разного формата. Развитие Пластичность пространства заключается не только в его трансформации во что угодно, но и в опции апгрейда. В нашем технологическом проекте мы постарались это учесть. Когда часть техники через несколько лет устареет, некоторые элементы придут в негодность, мы сможем безболезненно перейти на новый уровень оборудования. Это также важно, как для человека – иметь возможность заменить один мобильный телефон другим, не растеряв при этом полторы тысячи контактов.

115 Технологическое оборудование • Механическое, световое, звуковое и видеопроекционное оборудование павильона мобильно и может перемещаться между тремя залами. Состав оборудования и конфигурация системы выбирается в каждом случае в соответствии с художественной задачей. • Помещения залов павильона перекрываются сборно-разборными ферменными конструкциями. Эти конструкции используются для размещения светового оборудования, декораций и точечных подъемов. Поверхность сцены строится в нужном месте из сценических станков с регулируемой высотой подъема. • Приборы постановочного освещения позволяют решать разнообразные

художественные задачи, проводить как спектакли, так и концерты. Большая часть прожекторов имеют светодиодные источники света. • Электроакустическое оборудование рассчитано на многофункциональное применение. Комплект можно использовать в различном составе в зависимости от задачи и размера зала. Для удобного перемещения акустических систем применены транспортировочные тележки и рамы с колесами. • Для видеопроекции предусмотрены светосильные проекторы с разрешением FULL HD и сменными объективами, современный медиа-сервер и комплект экранов для фронтальной и обратной проекции.

116

Техническое оснащение

117

Зал «Запад» / Зал «Восток» / схема размещения оборудования

Зал «Центр» / схема размещения оборудования

Зал «Запад» / схема размещения оборудования

Зал «Центр» / схема размещения оборудования

Зал «Восток» / схема размещения оборудования

ЭКОНОМИЧЕСКАЯ МОДЕЛЬ

120

Экономическая модель В основе экономической модели «Культпросвета» – принцип частно-государственного партнерства. Бюджет «Культпросвета» будет сочетать государственное финансирование, которое на первом этапе станет основным, и внебюджетное: средства от продажи билетов и привлеченные средства – взносы спонсоров, партнеров, культурных центров, фондов и т. д. Планируемое процентное соотношение доли государственных и частных средств: Период

Государственное финансирование

Внебюджетные средства

Запуск

100%

2016

80%

20%

2017

65%

35%

2018

50%

Для поддержки деятельности «Культпросвета» будет создан Попечительский Совет. Его задачей станет наблюдение за деятельностью организации, советы и рекомендации в отношении стратегического развития «Культпросвета», финансовая поддержка, помощь в продвижении проектов. Попечительский Совет должен стать гарантом благополучия и развития «Культпросвета». Важную роль будет также играть Клуб друзей «Культпросвета». Это объединение лояльных зрителей и посетителей, которые выплачивают небольшие ежегодные взносы и, так же, как и члены Попечительского Совета, участвуют в жизни Павильона, имеют возможность инициировать проект, формируют ядро комьюнити «Культпросвета». Годовой бюджет «Культпросвета» включает следующие виды расходов: • содержание Павильона; • заработные платы штатных сотрудников; • заработные платы Кураторов; • проектный бюджет; • реклама, PR.

Проектный бюджет планируется на год и утверждается Комиссаром Павильона. У каждой программы – свой бюджет, которым распоряжается и за который отвечает куратор. Помимо выделяемого государством годового финансирования, Куратор привлекает дополнительные средства для реализации конкретных проектов. Постоянный штат «Культпросвета» включает: • проектный отдел (продюсерская координация проектов, инициируемых Кураторами); • технический отдел (команда специалистов по свету, звуку, видео, монтировочным работам и т. д.); • отдел PR и маркетинга; • отдел фандрайзинга; • административный отдел; • инженерно-технический и хозяйственный отдел. Для проведения отдельных проектов могут также привлекаться дополнительные сотрудники. Их зарплаты включаются в бюджет проектов. Возглавляет команду «Культпросвета» исполнительный директор, который подчиняется Комиссару Павильона. Важнейшим принципом работы «Культпросвета» является тотальная прозрачность всей финансовой деятельности. Кураторы, Попечители, члены команды могут получать исчерпывающую информацию о финансовой ситуации, показателях, планах практически в режиме online.

121

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

Заключение Нам, авторам концепции Павильона «Культпросвет», дорога идея создания на северо-востоке Москвы культурной институции, предназначенной для самых разных видов современного творчества и для разных людей, кому это творчество может быть адресовано. Это институция, которая является одновременно и лабораторией, и витриной процессов в русской культуре. Мы убеждены, что сегодня одно без другого невозможно. Планируется, что в ежедневном режиме павильон заработает в апреле 2016 года. Открытость наших мыслей, предлагаемых проектов, доверие к компетенциям друг друга, желание друг у друга учиться, честность по отношению к аудитории, мы надеемся, спровоцируют, алхимическую реакцию, создадут уникальную среду для творчества. Сейчас нам видится заманчивым, если наши современники, приехав в «Павильон событий», переживут что-то новое и изменят сложившийся стандарт восприятия ВДНХ, захотят глубже узнать историю этого места и увидеть его перспективы. Но не меньше нас увлекает и другой сюжет. У зрителей, попавших, возможно случайно, в Павильон, возникает желание знакомиться с представленными нами историями, героями и тенденциями уже в музеях, театрах, концертных залах в центре Москвы. Или в центре их родного города. Мы считаем современные искусства лучшим способом прояснить читателю, зрителю, слушателю его самого – человека. Так называемую «классику» и «традицию» мы категорически мыслим как часть «актуального искусства» и менее всего готовы привычное-знакомое-понятное сбрасывать «с парохода современности». Интрига нашей деятельности в том, что ощущая мощнейшую, позитивную мифологию этого павильона, мы понимаем насколько он нуждается в эффективном преображении. В этом преображении важно многое. От поиска новых коммуникаций (в том числе и технических) до поиска границ в современном художе-

124 ственном процессе. От анализа событий с точки зрения их присутствия в «культурной памяти» города и нации, до фиксации принципиально новых междисциплинарных явлений. Тактика «Культпросвета» – это участие в процессе культурного градообразования, представление всего «самого лучшего» («самого первого», «самого качественного», «самого простого», «самого сложного» и т. д.). Стратегия «Культпросвета» – это изучение языка искусств как развивающейся, изменяющейся на наших глазах системы ценностей, работа на новые поколения художников и зрителей. Создателям «Культпросвета» близка мотивация «доброго землепашца, который любит пахать и сеять не меньше, чем собирать жатву». Эти слова Шарля Пеги, французского поэта и философа начала ХХ века, представителя направления «христианский социализм», выражают наш подход. Мы уважаем сложившуюся в советскую эпоху мифологию ВДНХ как воплощение метафоры земного рая. А новым названием Павильона – «Культпросвет» – мы надеемся восстановить связь между прошлым и будущим в культурной летописи нашей страны.

125

126

127 Спасибо экспертам: Ашкеров Андрей Беляев-Гинтовт Алексей Васенина Екатерина Галкина Наталья Ирышков Андрей Куприянов Борис Ликин Дмитрий Митюшина Анастасия Палажченко Николай Петровичев Александр Рутковский Вадим Ханкин Дмитрий В буклете использованы фото: Виноградов Дмитрий Розанов Михаил Над буклетом работали: Лашко Стефан Петровская Евгения Семенова Ольга Шатхан Наталия