Catálogo - Soterramento by LAC - Laboratório de Arte Contemporânea

SOTERRAMENTO

CURADORIA

LUCAS DILACERDA

EXPOSIÇÃO

SOTERRAMENTO

CURADORIA

LUCAS DILACERDA

À memória de Kaciano Gadelha

SUMÁRIO

KACIANO GADELHA

(13-17)

LAC - LABORATÓRIO DE ARTE CONTEMPORÂNEA LUCAS DILACERDA

(19-25)

EU AINDA NÃO NASCI RODRIGO LOPES

— EU AINDA (41-49) LEMBRO DE VOCÊ ANNA LUISA COSTA

DISPOSITIVOS DE SOTERRAMENTO

(51-61)

TEXTOS CRÍTICOS

RÔMULO SILVA

DESCOLONIZAÇÃO DO OLHAR HÉRCULES LIMA

(225-231)

(233-237)

ARTE E ANTROPOLOGIA EM PASSAGEM KAUANY DUARTE

OS LIMITES DA (239-247) REPRESENTATIVIDADE NEGRA NOS BANCOS DE IMAGEM LUCAS DILACERDA

O FIM DO MUNDO (249-263) COMO CONHECEMOS

SUMÁRIO

(63-69)

ARARA (71-81) ARTHUR SIEBRA(83-89) CORPA CAIRONI DAVID FELÍCIO (91-107) & JORGE SILVESTRE (109-117) EDU MOREIRA (119-125) GEORGIA VITRILIS (127-133) ISADORA RAVENA (135-139) KALY GERONIMO

ARTISTAS

(141-147)

LOUISE FELIX (149-155) LUCAS DILACERDA (157-161) MARÍLIA OLIVEIRA (163-171) NOÁ BONOBA (173-177) PEAUG (179-185) rnld NOGUEIRA (187-193) RODRIGO LOPES (195-199) TERRORISTAS DEL AMOR (201-223) QUEM PODE FALAR?

LAC Laboratório de Arte Contemporânea

ARTE

CONTEMPORÂNEA

LABORATÓRIO

LAC

(13 - 17)

KACIANO GADELHA

TEXTOS CRÍTICOS

O Laboratório de Arte Contemporânea emergiu das possibilidades de integração das pessoas que tenham interesse em pesquisar e produzir no/do fazer artístico contemporâneo. Com esse objetivo, o LAC promove encontros onde há a leitura de textos, aliada a discussões que agenciam processos coletivos e individuais na pesquisa e produção acadêmica e nas mais diversas linguagens artísticas. O laboratório vem articulando também palestras, oficinas, mesas, eventos para a comunidade onde se gere novas percepções em processos e produções artísticas. Um desses eventos foi o I Colóquio de Multidões Queer, que buscou trazer discussões que atravessem as ideias do projeto. Assim, propiciamos encontros entre interessados e estudantes de todos os cursos, cambiando saberes. Estudantes de graduação, pós-graduação, mestrado, doutorado, professores, servidores da UFC e de outras instituições de ensino, assim como pessoas fora do meio acadêmico são benvindas para multiplicar e gerar afetos no/do percurso criativo no decorrer das atividades do LAC.

KACIANO GADELHA

Ao todo tivemos, ao longo do primeiro semestre ativo do projeto, 14 encontros formando o nosso primeiro grupo de estudos com o tema de Arte e Pensamento, onde tivemos a participação de estudantes e interessados de diversas áreas e cursos da UFC e de outras universidades. Realizamos diversas atividades extras com artistas, professores e pesquisadores divididos em conferências e workshops com o objetivo de trazer um outro tipo de discussão ligada também aos temas que estávamos trazendo nos encontros do grupo de estudos. Para melhor divulgar as nossas atividades, criamos uma página no Facebook com o nome Laboratório de Arte Contemporânea – LAC que atualmente possui 1275 curtidas e desde a sua criação acumulou um total de 85 mil pessoas alcançadas. Um reflexo do interesse e efeitos que as nossas atividades veem causando na comunidade fortalezense.

TEXTOS CRÍTICOS

Kaciano Gadelha (Fortaleza, CE, 19802021) foi professor, sociólogo, curador e pesquisador em artes. Doutor em Sociologia pela Universidade Livre de Berlim (2014), com pós-doutorado em Artes pela Universidade Federal do Ceará. Foi professor adjunto de Sociologia no Instituto de Ciências Humanas e da Informação na Universidade Federal do Rio Grande (FURG) e coordenador do Núcleo de Estudos AfroBrasileiros e Indígenas (NEABI) da FURG e membro do NuSEX do PPGAS/Museu Nacional. Fundou e coordenou o LAC de 2015 a 2018.

KACIANO GADELHA

SANTOS, Kauany Duarte Barbosa dos; DILACERDA, Lucas Oliveira; LIMA, Hércules Gomes de; GADELHA, Kaciano Barbosa; COSTA, Pablo Assumpção Barros. Laboratório de arte contemporânea. Revista Encontros Universitários da UFC, Fortaleza, v. 1, n. 1, 2016.

Eu ainda não nasci NASCI

AINDA

NÃO

(19 - 25)

LUCAS DILACERDA

TEXTOS CRÍTICOS

LUCAS DILACERDA

Soterramento Um mundo foi construído sobre a terra. Planeta terra. O mundo é uma ferida sobre a terra. Estuprada, colonizada, domesticada, instrumentalizada, a terra se tornou propriedade, objeto, produto e mercadoria. Se acham donos da terra, superiores a ela, apartados da natureza. A terra se protege, cobrindo de vegetação e reivindicando suas obras. Terremoto, tempestade, erupção, inundação, soterramento. Enterramos nossos mortos. Descartamos nossos objetos. Enterramos nossos lixos. Que corpos são descartáveis? Que corpos são matáveis? Há um soterramento que quer soterrar nossas memórias, nossas histórias, nossas corpas e nossas existências. É contra esse soterramento, que soterramos o mundo. Matamos o mundo antes que ele nos mate. Ruína. túmulo. Jogamos terra para aquilo que morre, mas é da terra que tudo nasce. Brotamos do soterramento deste mundo, deste túmulo de terra, somos extra-terrestres, precarizadas no submundo, demônias do submundo. O apocalipse é o nosso projeto político. Matamos o mundo.

TEXTOS CRÍTICOS

Sobrevivência A palavra pra nós é vida! Estamos esgotadas deste modo de existência que nos foi imposto, deste mundo falido que não nos encaixamos. Somos alienígenas, não pertencemos a este mundo. Somos atópicas, não nos encaixamos em nenhum lugar. Somos anacrônicas, estamos no futuro. Somos meteoros, fomos lançados em direção ao mundo para destruí-lo. Somos muitas! Uma chuva de meteoros radioativos, estrelas brilhantes no universo. Para ver nosso brilho, é preciso enxergar no escuro de nossas sobrevivências monstruosas, brilhantes, reluzentes, como os pequenos lampejos dos vagalumes, que dançam no escuro calado da noite. O gato é preto. E ele mia: por favor, parem de jogar seus holofotes de luz sobre nós, ao contrário, joguem sombra, para que brilhemos com nossa própria luz. É na penumbra que nós gestamos novos mundos, engravidamos novas possibilidades de vida. fazemos da arte, não um substantivo ou adjetivo, mas sim um verbo. Como viver?

LUCAS DILACERDA

TEXTOS CRÍTICOS

Lucas Dilacerda é Curador e Crítico de Arte. É coordenador da CAV - Curadoria em Artes Visuais; do LAC - Laboratório de Arte Contemporânea; e do LEFA - Laboratório de Estética e Filosofia da Arte. É sócio da ABCA - Associação Brasileira de Críticos de Arte. Graduação em Artes Visuais, pela UECE; e Mestrado em Artes, pela Universidade Federal do Ceará (UFC). Graduado (Licenciatura e Bacharelado) em Filosofia, com distinção Summa Cum Laude, pela UFC; e Mestre em Filosofia, com ênfase em Estética e Filosofia da Arte, pela UFC. Realizou mais de 20 curadorias. Ministrou mais de 50 cursos e 150 apresentações em diversas instituições de arte do Brasil. Possui mais de 20 textos, críticas de arte e artigos publicados. É autor do livro “Pensamento alienígena: a fabulação de novos mundos possíveis”.

LUCAS DILACERDA

Texto curatorial da exposição Soterramento, que aconteceu de 01 a 05 de outubro de 2018, na Materioteca, do Instituto de Cultura e Arte (ICA), da Universidade Federal do Ceará (UFC).

- Eu ainda lembro de você EU

AINDA

LEMBRO

VOCÊ

(41 - 49)

RODRIGO LOPES

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TEXTOS CRÍTICOS

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RODRIGO LOPES

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Em 2018, no penúltimo ano de graduação na Universidade Federal do Ceará, eu fazia parte do Laboratório de Arte Contemporânea. Comecei frequentando os grupos de estudo que aconteciam nas salas do Instituto de Cultura e Arte, à tarde ou à noite. Lembro das aulas ministradas pelo professor Kaciano Gadelha com carinho e admiração. São aqueles raros momentos que vivemos na universidade em que algo nos toca, de uma maneira tão inesperada, desafiadora e amorosa, que é impossível voltar para casa do mesmo jeito que chegamos. Foi assim, num desses encontros, que conheci o pensamento da artista Grada Kilomba².

Quem pode falar? Falando do centro, descolonizando o conhecimento foi um dos primeiros textos que li. Ela começa narrando uma lembrança das suas aulas: conta que todo semestre, no primeiro dia do seu seminário, fazia uma série de perguntas à turma como “O que foi a Conferência de Berlim em 1884-85?”, “Quantos anos durou a colonização alemã no continente africano?” e “Quem escreveu Pele Negra, Máscaras Brancas?”³. Ao fazê-las, ela percebe que a maioria das(os) estudantes brancas(os) era incapaz de respondê-las, enquanto as(os) estudantes negras(os) respondiam quase

TEXTOS CRÍTICOS

todas e corretamente. Por que algumas pessoas possuíam “aquele” conhecimento e outras não? Qual conhecimento tem sido considerado como “válido” nas agendas acadêmicas? Quem pode determinar o que deve (ou não) ser pesquisado? Esse silêncio na sala de aula não tinha a ver com uma incapacidade de articular a própria voz ou língua, mas ajudava a perceber como as noções de “conhecimento” e “ciência” estão relacionadas com o poder racial. Ela nos recorda que a universidade não é um espaço neutro, mas sim um espaço de violência onde nós, pessoas negras e indígenas, fomos/temos sido produzidas como “objetos” (inclusive, de pesquisa) na história dessa instituição. Se a ausência das nossas vozes no “centro” acadêmico evidencia que o conhecimento que nós temos produzido é sistematicamente colocado às “margens” desse espaço, ou seja, desqualificado como acientífico, específico, subjetivo e pessoal... qual é o nosso desafio? Como articular vozes que estão nas “margens” sem romantizar as assimetrias de poder que constroem essas estruturas de fala/escuta? Foi nessa época que recebi o convite para desenvolver uma proposta educativa para a exposição Soterramento4 com

RODRIGO LOPES

bolsistas do PET Comunicação Social da UFC. Estudar esse texto foi o nosso ponto de partida. Quais palavras temos lido/escutado nas aulas? Onde é produzido o conhecimento que circula em nossas salas? Como são definidos os critérios de seleção para as bibliografias dos cursos? Quem pode falar – e ser escutada(o/e) – nas universidades públicas no contexto brasileiro? O que acontece quando nos esquivamos de fixar essas vozes na posição marginalizada, de não-escuta, em que foram colocadas? O processo de criação do educativoinstalativo passava por lidar com essas questões5. A partir de oficinas de bordado livre, produzimos um conjunto de bordados em tecidos de algodão emoldurados em bastidores de madeira. Em cinco deles, retratamos pessoas cujas vozes consideramos relevantes para reverberar no espaço expositivo e nas estruturas da universidade. Os retratos foram dispostos sobre uma mesa de madeira e fazem referência a Cacique Pequena (liderança da etnia Jenipapo-Kanindé, no Ceará), Jota Mombaça (artista e escritora), Indianarae Siqueira (ativista e fundadore da CasaNem, casa de acolhimento para pessoas LGBTQIA+ no Rio de Janeiro),

TEXTOS CRÍTICOS

além de Matheusa Passareli (estudante de artes visuais na UERJ) e Marielle Franco (socióloga e vereadora), ambas assassinadas em 2018. Entre os bastidores, há um conjunto de envelopes pretos, dentro dos quais encontramos cartas com trechos de discursos ou textos das pessoas retratadas. No centro, o microfone ligado à uma caixa de som, com uma cadeira à sua frente, fazia um convite: incorporar as palavras reunidas e ecoá-las com a nossa voz. Quatro anos depois, as palavras escritas por Grada Kilomba ecoadas na voz de Kaciano Gadelha naquela pequena sala branca e quente ainda me inquietam por muitos motivos. Talvez porque estava diante de algo maior do que a imagem que eu podia ver e não sabia. Talvez porque ainda sinto minha matéria invadida por essas vozes.

RODRIGO LOPES

TEXTOS CRÍTICOS

Rodrigo Lopes é artista, arte/educador e designer. Álbuns de família, fotografias e outros fragmentos de tempo estão no coração do seu trabalho. Coordena o LAC Laboratório de Arte Contemporânea. Doutorando em Arte e Educação (UNESP), mestrado em Arte e Educação (UNESP / bolsa CAPES-DS) e graduação em Comunicação Social - Publicidade e Propaganda (UFC). Em sua pesquisa, dedicase a investigar os aspectos materiais e ficcionais dos álbuns e desarticular os efeitos da colonialidade em arquivos familares. Desde 2018, realiza projetos com arte e educação em instituições como MAC Dragão, Museu Murillo La Greca, CCSP, Sesc, IAC - Insituto de Arte Contemporânea, EAV Parque Lage, Fundação Bienal e Pinacoteca do Ceará. Tem experiência no desenvolvimento de design para exposições, catálogos, materiais educativos, além do acompanhamento de pesquisas e processos de criação em arte e educação. É autor do livro “Para nunca esquecer” (2019).

Passô, Grace. Vaga Carne. 2. ed. Belo Horizonte: Javali, 2020.

Grada Kilomba (Lisboa, 1968) é escritora, teórica e artista interdisciplinar. Seu trabalho aborda as noções de memória, trauma, raça e gênero, criando espaços híbridos entre as linguagens acadêmica e artística, através de fotografia, vídeo, instalação e performance. Tem ensinado em diversas universidades internacionais, tendo sido por último Professora de Estudos de Gênero e Estudos Pós-Coloniais, na Universidade de Humboldt, em Berlim. Atualmente, integra a comissão curatorial da 35a Bienal de São Paulo. 2

KILOMBA, Grada. Memórias da Plantação: episódios de racismo cotidiano. Tradução de Jess Oliveira. 1. ed. Rio de Janeiro: Cobogó, 2019. 3

A exposição Soterramento integrou a VI SPP - Semana de Publicidade e Propaganda da UFC com o título Quem pode falar? Micropolítica, Identidades e Memória. Realizada de 01 a 04 de outubro de 2018, a programação foi composta por mesas redondas, oficinas e exposição de arte e contou com a participação de artistas, professoras(es), ONG's e pesquisadoras(es) como Alessandra Bouty, ana aline furtado, Darwin Marinho, Deisimer Gorczevski, Escola de Cinema Indígena, Helena Martins, Helena Vieira, Inês Vitorino, Jean Pierre Gomes Ferreira, Kaio Lemos e Marcos Rocha (Fábrica de Imagens). 4

Este trabalho foi produzido colaborativamente com Beatriz Rabelo, Gabriel Monteiro, Rafael Viana, Romã Carvalho, Suyane Lima (bolsistas do PETCom) e Lucas Dilacerda. 5

RODRIGO LOPES

Disposi-tivos de soterramento

SOTERRAMENTO

DISPOSITIVOS

(51 - 61)

ANNA LUISA COSTA

TEXTOS CRÍTICOS

Era minha primeira vez visitando o Instituto Inhotim e ainda assim eu guiava meu pai e meu irmão nas longas caminhadas entre as obras e pavilhões como se eu já conhecesse o lugar há muito tempo. Ao final do dia, todos estavam exaustos, mas eu ainda queria visitar um último pavilhão que ficava próximo à entrada do Instituto do qual já estávamos de saída. Ninguém se dispôs a me acompanhar, já não valia mais a pena o esforço, então caminhei sozinha até o pavilhão Lygia Pape.

ANNA LUISA COSTA

Lembro de ter sentido uma inquietação quando visualizei, do lado de fora, aquela estrutura de concreto em forma de cubo retorcido. Pensava no motivo pelo qual os projetistas optaram por torcer as paredes daquela forma, e ao entrar, obtive a resposta. Eu ainda não conhecia Ttéia, obra de Lygia Pape que ocupa o pavilhão. As diferentes direções pelas quais os feixes de fio metalizado atravessam diagonalmente o espaço central da galeria dialogam diretamente com a forma externa que serve de continente. Esse foi o primeiro momento em que me dei conta que a arquitetura que se oferece como invólucro de uma obra de arte específica não possui uma ação passiva diante dela, mas influencia ativamente no modo como a percebemos. A partir desse momento, a importância dos espaços expositivos na percepção das obras de arte passou a se tornar questão central do meu caminho de investigação e pesquisa. Na formação em arquitetura, começava a me interessar menos pela criação de novos espaços, sem história ou referência, e mais no que poderia influenciar e interferir nos espaços que já existem. Busquei entender essa influência a partir das artes visuais, que constantemente me confirma que obras de arte possuem poder modificador de percepção do espaço construído no qual elas se instalam, e consequentemente

TEXTOS CRÍTICOS

também modificam a forma como elas são percebidas pelo espectador. Da forma como o sistema da arte está compreendido hoje, a exposição de arte é o lugar e o momento onde a prática e os objetos artísticos manifestam a sua existência no espaço público, liberando suas interpretações aos visitantes. Num determinado momento entendi que, para compreender as influências que regem a relação entre a arte e a arquitetura, as exposições de arte deveriam ser o ponto de partida. O estudo das práticas de exposição se tornou um tema de crescente interesse nos últimos anos. As razões são várias e permeiam uma diversidade de temas do campo da arte, como as novas tipologias de objetos artísticos, a disseminação de grandes exposições, o surgimento da figura do curador como autor de uma exposição, o aquecimento do mercado de arte, entre outros. Na trajetória em que eu buscava compreender a complexidade do fenômeno da exposição, tive contato com o trabalho da Profa. Ana Maria Albani, que defende a ideia de a exposição de arte atuar no mundo contemporâneo como um espaço-tempo onde se decodifica o significado e, ao mesmo tempo, se legitima e se institucionaliza a obra de arte que está

ANNA LUISA COSTA

sendo exposta. Por isso, a exposição se torna parte constitutiva e agente estrutural tanto da produção artística quanto da teoria crítica. Numa tentativa de compreender a exposição enquanto fenômeno complexo, Albani retoma o conceito de dispositivo em Deleuze, que o entende como um “conjunto multilinear”, cujas linhas estabelecem trajetórias em múltiplas direções e tanto se aproximam quanto se afastam, configurando assim um circuito em rede. De forma geral, a exposição seria esse dispositivo “multilinear” em rede, dentro do qual existem mecanismos e ações de diferentes naturezas que podem ser caracterizadas tanto por um caráter mais simbólico quanto por ordem técnica. Por exemplo, o partido conceitual de uma curadoria pode ser visto como uma operação do campo simbólico, e projetos de expografia e comunicação visual como aqueles de ordem técnica. Porém, Albani defende a necessidade de os aspectos técnicos e simbólicos presentes numa exposição não operarem num “dualismo”, como se fossem dois conjuntos de fenômenos que ocorrem independentemente um do outro, mas sim como dimensões que se organizam recursivamente.

TEXTOS CRÍTICOS

Alguns dos aspectos considerados eminentemente técnicos, como os trabalhos de montagem, legendas, distância entre as obras etc., são parte integrante da construção dos sentidos e significados da exposição. Uma exposição só se efetiva com a experiência observacional direta do espectador com as obras no espaço de exibição, e por um período de tempo. Logo, o significado de aspectos conceituais, como o partido curatorial ou a intenção dos artistas, precisa inevitavelmente ser compreendido e relacionado diretamente à forma como essas questões estão sendo apresentadas no espaço. Tenho a concordar com essa concepção de que seria mais produtivo tratar as exposições de arte mais como dispositivos e menos como resultado da agência individualizada de um agente específico como o curador. Essa visão ampliaria os nossos horizontes para além da dicotomia técnico-simbólica que permeia parte significativa dos estudos sobre o tema. Em meados de 2018, no entremeio entre aquela primeira experiência em Inhotim e o contato com a definição de exposição como dispositivo, recebi o convite para colaborar com o projeto de expografia da exposição Soterramento (2018).

ANNA LUISA COSTA

Como viver? Essa foi a pergunta que ecoou tanto sobre o conceito curatorial da exposição como também fez parte, em maior ou menor medida, das inquietações abordadas por cada artista que se apresentou. Havia o sentimento de soterramento causado pela sombra de um possível futuro que ainda viria a ser, numa exposição realizada às vésperas de uma eleição que – com razão – nos apavorava e nos consumia. Ainda assim, diante dessa pressão newtoniana de toneladas de terra sendo jogada em cima de nós, buscávamos alguma resposta, alguma saída. Como sobreviver? Como expor? As forças que envolvem a desestruturação das relações hegemônicas de poder acabam por realizar movimentos de ampliação de limites e borram as fronteiras da ação. O projeto de expografia da Soterramento (2018) foi dialogado individualmente com cada artista, produção e curadoria desde a seleção das obras, passando pela abertura e se renovando rotineiramente até o encerramento da exposição. Estávamos realizando ali – acredito que até mesmo sem saber – uma evidente operação de exposição como dispositivo. Uma operação hierárquica entre os aspectos simbólicos e técnicos não fazia sentido naquela experiência, pois buscávamos, coletivamente, o

TEXTOS CRÍTICOS

desejo de operar fora das convenções tradicionais dos modelos expositivos. As duas naturezas de atuação dialogavam mutuamente, buscando construir uma linguagem única que envolvesse cada uma das vozes emanadas pelas obras no espaço expositivo. Não à toa o ponto de partida deste ensaio foi a origem de meu interesse pela relação entre a arte e o espaço que a contém. Foi na vivência prática da realização de exposições, como a Soterramento (2018), que percebi que essa relação não possui apenas dois atores, mas faz parte desse “dispositivo” que é atravessado pelas demandas de artistas, instituições, curadorias, arquitetos, designers, produtores, e tantas outras personagens dessa rede. Agradeço imensamente ter feito parte da equipe da Soterramento (2018), além das trocas proporcionadas. Sem dúvida é um marco na trajetória de todes que fizeram parte desse projeto no qual muitos frutos já foram, estão ou serão germinados, a partir da possibilidade que foi atestar a nossa existência no espaço naquele momento.

ANNA LUISA COSTA

TEXTOS CRÍTICOS

Anna Luisa Costa é arquiteta formada pela Universidade Federal do Ceará (UFC), Mestre em Artes Visuais pela Universidade de São Paulo (PPGAV-ECA/USP) e Doutoranda no Programa de Pós-Graduação da Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade de São Paulo (FAU/USP). Dedica sua pesquisa à análise das relações entre o espaço expositivo, a materialidade da arte contemporânea e a experiência do espectador nas arquiteturas das exposições.

ANNA LUISA COSTA

ARARA

(63 - 69)

ARARA

Arara (1992) é artista, pesquisadora, diretora de arte, figurinista e designer de moda. Produz trabalhos individuais e coletivos sob a insistente tentativa de imersão criativa e de experimentação sensorial, por meio da indumentária e das artes visuais. Vive entre as cidades de Boa Viagem e Fortaleza, no Ceará.

Não-lugar se configura como uma instalação que lentamente altera a sua forma diante do público. É composta por estilhaços e placas de vidro envoltas em um tecido orgânico de seda na cor vermelho, que, por sua vez, está envolvido em um material plástico semitransparente suspenso. Ao passar das horas e dos dias, o peso da soma dos elementos suspensos vai lentamente criando fissuras na obra. Esse movimento cria uma interferência visual e sonora sutil no espaço, pois pequenos cacos de vidro vão caindo na superfície do chão, criando uma composição de sons gerados pelo trincar das placas de vidro, que parecem se contorcer para caber no interior da composição. Esse movimento resulta em fissuras cada vez maiores nos tecidos que revestem a obra e acaba revelando suas camadas internas, encarnadas e pontiagudas. É através dessa articulação de materiais, composições e ações que reflito e experimento a minha própria experiência enquanto pessoa racializada, dissidente de sexo e gênero, dentro de espaços normativos, institucionais e acadêmicos.

Não-lugar, 2015 plástico, vidro e tecidos 120 x 60 x 60 cm

ARARA

Não-lugar, 2015 plástico, vidro e tecidos 120 x 60 x 60 cm

ARARA

ARARA (1992) é artista, pesquisadora, diretora de arte, figurinista e designer de moda. Produz trabalhos individuais e coletivos sob a insistente tentativa de imersão criativa e de experimentação sensorial, por meio da indumentária e das artes visuais. Vive entre as cidades de Boa Viagem e Fortaleza, no Ceará.

Não-lugar, Classifico como2015 Gritoplástico, vidro e tecidos Rito, não como 120 xlinguagem 60 x 60 cm mas como “forma de falar” ou “posicionamento”, me inspiro nos trabalhos da artista Aline Furtado que em 2018 levou uma obra para o Salão de Abril classificando-a como grito-rito. Esta experiência estética pesquisa artística política poética pretende transitar no âmbito da arte ritualística, bodyart e também na arte contemporânea para trabalhar o artivismo político cotidiano negro. Ao mergulhar meu corpo na experiência da ação de remover uma tatuagem esfolando meu corpo, em um ritual de cura por meio da liberação da dor recalcada em meu corpo, dor que se acumula diariamente nos corpos racializados. Tento fazer a ferida em meu corpo vibrar nos corpos dos espectadores, o ritual que se constrói a partir da contemplação, uma ferida compartilhada.

ARTHUR SIEBRA

(71 - 81)

ARTHUR SIEBRA

Nascido em Crato-CE, foi para Fortaleza estudar História e, após três semestres, transferiu para Filosofia, curso no qual se formou. É mestre, e doutorando em Filosofia (Ética e Filosofia Política) pela Universidade Federal do Ceará (UFC), onde pesquisa a natureza no campo ético a partir de Diógenes de Sinope e Henry David Thoreau. Estuda e desenvolve sua pintura desde 2010, como autodidata, utilizando tinta acrílica sobre telas, além de papéis e placas de papel machê. Firmou-se na abordagem pictórico-figurativa sob uma perspectiva clássico-realístico-simbólica, tratando principalmente de cenas narrativas que espelham vivências e condições humanas atemporais.

A condição humana diz muito respeito a como nos relacionamos e vivemos no mundo. Nisto, basicamente, está, no cru de toda essa dinâmica, a relação do ser humano com a própria adversidade, infortúnios, ou, por que não, tragédia; algumas, oriundas do curso das causalidades inerentes aos eventos naturais e à vida, outras, oriundas da própria deliberação e ação humana no decorrer histórico. O grilhão é inquebrável, temos que, quer queira quer não, lidar de alguma forma. As pinturas apresentadas tratam de vários sentimentos e condições que envolvem formas desse “lide”, desde o desespero até a esperança.

Sem título, 2015 acrílica sobre papel 21 x 29,5 cm Cores para quem não as ver, 2017 acrílica sobre tela 40 x 40 cm Diante da graça, 2017 acrílica sobre papel 28 x 31 cm Insanidade, 2017 acrílica sobre tela 30 x 20 cm O que me deixaste, 2017 acrílica sobre papel 29 x 42 cm Sob percepção da finitude, 2017 acrílica sobre tela 50 x 50 cm Deixa-me ser, 2018 acrílica sobre papel 42 x 29 cm

ARTHUR SIEBRA

Sem título, 2015 acrílica sobre papel 21 x 29,5 cm

ARTHUR SIEBRA

Deixa-me ser, 2018 acrílica sobre papel 42 x 29 cm Insanidade, 2017 acrílica sobre tela 30 x 20 cm O que me deixaste, 2017 acrílica sobre papel 29 x 42 cm

ARTHUR SIEBRA

Sob percepção da finitude, 2017 acrílica sobre tela 50 x 50 cm Cores para quem não as ver, 2017 acrílica sobre tela 40 x 40 cm Diante da graça, 2017 acrílica sobre papel 28 x 31 cm

ARTHUR SIEBRA

Deixa-me ser, 2018 acrílica sobre papel 42 x 29 cm O que me deixaste, 2017 acrílica sobre papel 29 x 42 cm Insanidade, 2017 acrílica sobre tela 30 x 20 cm Sob percepção da finitude, 2017 acrílica sobre tela 50 x 50 cm Cores para quem não as ver, 2017 acrílica sobre tela 40 x 40 cm Diante da graça, 2017 acrílica sobre papel 28 x 31 cm

CORPA CAIRONI

(83 - 89)

CORPA CAIRONI

Corpa Caironi é uma professora multiartista do corpo. Recém-formada pelo curso de Dança da Universidade Federal do Ceará. Vivendo entre imersões e subversões, vem experimentando e dedicando seu tempo aos processos em arte pelo Nordeste do Brasil. Tem como existência a sobrevivência de tudo aquilo que pode o corpo, ou a corpa. Performa dançando as canções das maquiagens que atua e queima desejando a mudança em vida.

Uma corpa trans chega com suas malas em um espaço, despeja tudo ao chão e, com isso, nos imerge em uma golfada. As questões na qual borbulham a performance são um complexo de vivências que estão inscritas num corpo em início de transição. A transição apresentada se trata de um golfo, como um bebê recémnascido que, ainda aprendendo a viver em seu novo corpo, vai se adequando aos trâmites das sensações por conta do novo espaço que lhe alimenta. Vestida de vestígios, a corpa que ali se expõe transita entre os diversos looks depositados no chão, abrindo assim um leque de possibilidades. Roupa não tem gênero para alguns, mas para outros vem como uma afirmação ou até como um acessório intrínseco ao que se deseja mostrar. Entre trocas de variadas roupas, maquiagens, perucas, poses, olhares, respirações, atenções, estímulos, dúvidas e a sonoplastia externa, a performer vai se experimentando, assim como fazia todos os dias no seu quarto, para logo em seguida ter que enfrentar a sociedade em transportes públicos e instituições. Para alguns isso é nada demais, mas para ela é tudo o que poderia ou não poderia vestir, uma busca incessante do que serve para se vestir. Qual a questão no ato de vestir? Qual corpo pode vestir uma saia? Qual corpo pode vestir uma bermuda? Qual corpo pode vestir calcinha? E cueca? E como se veste o nu? Quem veste o corpo? O que veste? Combina? Serve? Vestida para o meu corpo ou vestida para receber o seu corpo? Vestir traz respeito? Despir traz nuance? Quem me veste? Vestir serve? E se vestida não servir? Vestido pode? O que se pode ao vestir? Todas essas questões estão se vestindo, despindo e revestindo na obra.

Golfada não se segura, 2018 performance vídeo, cor, som; loop 34’07”

CORPA CAIRONI

Golfada não se segura, 2018 performance vídeo, cor, som; loop 34’07”

CORPA CAIRONI

Golfada não se segura, 2018 performance vídeo, cor, som; loop 34’07”

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DAVID FELÍCIO & JORGE SILVESTRE

(91 - 107)

DAVID FELÍCIO & JORGE SILVESTRE

David é educador, pesquisador e aventureiro visual residente em Fortaleza. Graduado em História pela UFC, vem desenvolvendo, junto de Jorge Silvestre, um trabalho intitulado “Arqueologia de luzes negras”, que investiga a presença afrodescendente no Ceará. Desenvolve pesquisas em torno da história e memória, explorando as interseções desses campos às práticas educativas e artísticas. Jorge é artista visual, arte-educador e diretor de fotografia. Pesquisa esmiuçando as noções de arquivo contidas na produção da história, memória e suas formas de controle. Atualmente, tem criado em parceria com David Felício, instalações, vídeos, fotografias e suas expansões. Participou de exposições coletivas como o “720 Salão de Abril” e “Poço 115”. Participou de mais de vinte produções cinematográficas, atuando enquanto diretor de fotografia e still. Foi arteeducador no Museu de Arte Contemporânea do Ceará e no Museu de Imagem e do Som do Ceará. Tem interesse por indisciplinas e viagens no tempo.

A construção histórica do Ceará organiza estruturalmente uma marginalização da presença e da memória de afrocearences. Apesar de o Ceará ser projetado enquanto vanguardista no processo pelo fim da escravidão, nos indagamos “onde estão os negros cearenses?” Diante do apagamento programado na história da Terra da Luz, percebemos as representações pessoais como atos de invenção da própria memória, que constrói uma luta contra esse apagamento. As fotos são testemunhas autorais da existência e re-existência diversa, e nesse trabalho elas são ressignificadas para pensar uma outra história possível. A partir da apresentação de fotos de famílias negras cearenses, indexadas à reprodução de trechos de documentos do Instituto do Ceará – instituição que durante o século XX uniu intelectuais que pensaram oficialmente esse período –, a obra estabelece em um gesto simbólico um paralelo imaginado entre o discurso reproduzido desde então, que reinventa apagamentos estruturais sobre a afrocearencidade e sobre as possíveis formas de vida da cultura afro-brasileira no Ceará pós-abolição.

invisível:incolor, 2018 fotografias, impressas em transparência, de álbuns de famílias negras cearenses dispostas ao redor da reprodução de trecho da Revista do Instituto do Ceará - Tomo Especial 1984 - 1o. Centenário da Abolição dos Escravos no Ceará. dimensões variadas

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EDU MOREIRA

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Sou formado em Audiovisual e estou me formando em Artes Visuais, pelo Instituto Federal do Ceará. Sou um artista e professor de modelagem 3D, com foco em modelagem procedural. Tenho desenvolvido pesquisas nas áreas de teoria da imagem, ensino de artes, vídeo, fotografia, curadoria, decolonialidade, arte e tecnologia e arte e vida. Coordenei o bloco carnavalesco Carnaval no Inferno.

“Grito” é um grito-rito. Não é uma linguagem, mas uma “forma de falar”, um “posicionamento”. Me inspiro nos trabalhos da artista aline furtado, que em 2018 levou uma obra para o Salão de Abril, classificando-a como grito-rito. Essa interseção entre experiência estética, pesquisa artística e política poética pretende transitar no âmbito da arte ritualística, body-art e também na arte contemporânea, para trabalhar o artivismo político cotidiano negro. Quando mergulho o meu corpo na experiência da ação de remover uma tatuagem, esfolo esse corpo em um ritual de cura, por meio da liberação da dor recalcada em meu corpo, dor que se acumula diariamente nos corpos racializados. Tento construir o ritual a partir da contemplação, fazendo a ferida em meu corpo vibrar nos corpos dos espectadores, uma ferida compartilhada.

Gritos, 2018 série de autorretratos modificados digitalmente instalados ao lado de uma tela que registrou e continuou a exibir a performance onde eu removia uma tatuagem da costela usando uma lixa, sal e limão dimensões variadas 4’39”

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GEORGIA VITRILIS

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Georgia Vitrilis é artista translinguagens, arte educadora e feiticeira. Pesquisa questões do/no invisível e é interessada pela construção de túneis, pontes, rituais, portais, campos de força e outras formas de estar num desterritório.

Suindara cantou três vezes sobre o teto de um mundo. E, na manhã seguinte, o mundo estava morto, com as vestes rasgadas. Suindara é rasga-mortalha, ela canta e anuncia o fim de um mundo que já não consegue engolir. Eu vi Suindara levantar voo, e ela carregava em suas garras a branquitude cisheteronormativa dilacerada. Algo está por acabar e, numa relação entre aparição e desaparição, entre mostrar e ocultar, estico-me até a sombra do visível e a deformo, para que aquilo que estava translúcido ganhe contornos. É antes de tudo sobre continuar viva e, nesse percurso, descobrir e inventar programas e mapas de criações para a prosperidade travesti. Prosperamos porque escapamos todos os dias, e se eu estou viva é porque também consegui escapar. Podem tentar apagar os nossos V E S T Í G I O S, mas é impossível matar o M O N S T R O.

Disfagia de Suindara, 2018 banana, voz, noiser, som, espaço 20'

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Disfagia de Suindara, 2018 banana, voz, noiser, som, espaço 20'

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ISADORA RAVENA

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Isadora Ravena é travesti, professora, pesquisadora, crítica, curadora e artista. Doutoranda em Artes da Cena, pela Universidade do Estado de Santa Catarina (UDESC), mestra em Artes e licenciada em Teatro, pela Universidade Federal do Ceará (UFC). Pesquisa travecametodologias de criação e recepção em arte contemporânea.

Descompostura. Alta performance, prática, eficiente, oferece fácil enxague, dissolução instantânea e mais facilidade para o dia a dia. EDTA é feita em um programa simples: jogar água com sabão sobre o piso. deslizar sobre o piso. É uma promessa de inundação. É uma lembrança de ser peixe antes de ser humana. Em EDTA é quase impossível ficar em pé, é quase impossível manter a posição ereta civilizatória de uma gravidade ordenada. O corpo busca outros eixos e encontra potência no fracasso. O fracasso é a queda que propõe movimento. Muitos disseram depois de EDTA que eram artistas quando crianças e nem sabiam, se referindo a uma brincadeira para lavar casa, que bom que descobriram que fazem arte. Obra com participação de Georgia Vitrilis.

Ethylenediaminetetraacetate (EDTA), 2018 corpo sobre água com sabão sobre o chão

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Ethylenediaminetetraacetate (EDTA), 2018 corpo sobre água com sabão sobre o chão

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Ethylenediaminetetraacetate (EDTA), 2018 corpo sobre água com sabão sobre o chão

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Kaly Geronimo usa seu corpo gordo como instrumento artístico no processo de invenção. Seus trabalhos estudam a corporeidade e questões que cercam as opressões cotidianas, fazendo críticas sobre os estigmas, a desvalorização e a discriminação estruturada de corpos gordos. A partir de um novo olhar sobre esse corpo marginal, sua produção sugere novas formas de sobrevivência.

Corpos como o meu precisam ser vistos. Corpos como o meu precisam ser representados, admirados, iluminados, amados, tocados. Um retrato fiel sobre a própria forma – a impressão da tinta no corpo, que vai para o papel, como modo de manifestar, da maneira mais fiel, tudo que ele representa. O incomodo de não ser retratado na história da arte, e fugir dos corpos idealizados pelas mentes e mãos masculinas. Esse corpo é tudo o que eu tenho. Este dispositivo inventivo da criação e seus desdobramentos têm como objetivo discutir sobre as opressões direcionadas à gordura no corpo da mulher e à desumanização desse corpo. Daqui se escuta o grito de um corpo e a experiência de dar voz a corpos grandes denunciando o desprezo às formas e a eterna tentativa de disciplinar corpos indisciplinados. A gordura, repulsiva imundície descartável, reconta a sua história, enfurece o incontrolável, aponta novos signos à infiltração volumosa, respeita a sua carne e ressurge. Desse modo, investigando formas de evidenciar o físico como uma estrutura viva cheia de potencialidades criativas, e tendo como pano de fundo a reverberante multiplicidade de vozes e sujeitos que passam pelas mesmas condições depreciativas, a obra sugere uma reflexão sobre a noção destrutiva de que corpos como esse são indignos de civilidade.

Esse corpo é tudo o que eu tenho, 2018 corpo e tinta acrílica sobre papel 29,7 x 42 cm (cada)

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KALY GERONIMO

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Esse corpo é tudo o que eu tenho, 2018 corpo e tinta acrílica sobre papel 29,7 x 42 cm (cada)

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LOUISE FELIX

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Minha pesquisa artística é guiada por questões relacionadas ao corpo – autobiografia, autoficção e interação do corpo com o mundo – em múltiplas linguagens, como a fotografia, vídeo, desenho e performance. Mestre em Artist’s Film and Moving Image, na Goldsmiths (UK), pelo programa de bolsas da Chevening (2020-2021). Licenciada em Artes Visuais pelo IFCE (2019). Artista convidada da 10 edição da Residência Artística Bemme-quer-Mal-me-quer (2017; 2018). Participei de diversas exposições, como “London Degree Show” (2021), “Salão de Abril” (2017; 2018; 2019), “Cartografias de Si” (2018) etc.

Carreguei, por vinte anos, um corpo pesado demais para existir, ou, até mesmo, resistir. Um corpo pesado demais para caber em aviões, transportes coletivos, cinemas e teatros. Leitos de hospital, cadeiras de plástico e carteiras estudantis. Uniformes, vestimentas e trajes de banho. Sutiãs, calcinhas, cintas e até meia calça. Hoje, após a minha cirurgia bariátrica e com 70kg a menos, continuo carregando um corpo pesado demais para existir. Excessos de pele na barriga, vulva, braços e coxas. Deformidade nos seios, na coluna e nos joelhos. Estrias, flacidez e adiposidade. No encadeamento das produções que venho desenvolvendo ao longo de um ano, penso no meu trabalho como forma de sobrevivência. Sobrevivência, mas também, enfrentamento de si. Enfrentamento das minhas memórias, minhas vergonhas, minhas questões, meu desconforto. Dissecar, investigar, deformar e pressionar o dedo sobre a cicatriz. A primeira vez que ouvi o slogan “pessoal é político”, senti que essa era uma das expressões que melhor simplificava e integrava os processos individuais e sociais pelos quais passamos como sociedade. Quando iniciei minhas investigações, o meu objetivo inicial era transmitir o impacto das violências e a estigmatização das mulheres que não atendem aos ideais estéticos. Durante esse processo descobri que, mesmo que as minhas leituras indicassem um problema no sentido antropológico, a minha prática artística exigia de mim um envolvimento mais pessoal. Percebi que ao invés de fazer observações objetivas das situações dos outros, eu deveria usar a minha própria experiência incorporada com a obesidade, a minha cirurgia bariátrica e as deformidades ocasionadas pelo meu emagrecimento como objeto de pesquisa. Nesta instalação, os arquivos do meu corpo – guias médicas, orçamentos de cirurgias plásticas e autorretratos – experimentam e questionam as esferas políticas da intimidade, os espaços coletivos e sociais, o corpo como suporte, os processos em arte e os elementos da vida íntima como tentativas de se reinventar e reinventar o mundo.

Formas de esconder um corpo, 2018 instalação 170 x 200 cm

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Formas de esconder um corpo, 2018 instalação 170 x 200 cm

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Formas de esconder um corpo, 2018 instalação 170 x 200 cm

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LUCAS DILACERDA

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Lucas Dilacerda é Curador e Crítico de Arte. É coordenador da CAV Curadoria em Artes Visuais; do LAC - Laboratório de Arte Contemporânea; e do LEFA - Laboratório de Estética e Filosofia da Arte. É sócio da ABCA - Associação Brasileira de Críticos de Arte. Graduação em Artes Visuais, pela UECE; e Mestrado em Artes, pela Universidade Federal do Ceará (UFC). Graduado (Licenciatura e Bacharelado) em Filosofia, com distinção Summa Cum Laude, pela UFC; e Mestre em Filosofia, com ênfase em Estética e Filosofia da Arte, pela UFC. Realizou mais de 20 curadorias. Ministrou mais de 50 cursos e 150 apresentações em diversas instituições de arte do Brasil. Possui mais de 20 textos, críticas de arte e artigos publicados. É autor do livro “Pensamento alienígena: a fabulação de novos mundos possíveis”.

Materialização de uma ficção visionária da guerra cósmica entre a Natureza e o humano, na qual a humanidade é destruída do planeta e a Terra consegue novamente entrar em equilíbrio com o meio ambiente. A decomposição é o processo de transição da matéria morta para a matéria viva. A matéria orgânica é desorganizada e transmutada em alimento para outros seres vivos. A decomposição é a ponte do eterno ciclo da Natureza, a dança da vida com a morte. O corpo orgânico e organizado é atingido pelas forças inorgânicas e não-humanas que desorganizam a sua estrutura, decompondo o corpo e abrindo-o a novas composições, arrastando-o a novos mundos e terras incógnitas.

Terra, 2018 terra dimensões variadas

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Terra, 2018 terra dimensões variadas

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Terra, 2018 terra dimensões variadas

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MARÍLIA OLIVEIRA

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Marília Oliveira é sapatão cearense de São Benedito, interessada principalmente em questões relativas à memória, autoescrita/ autoficção, imagem e palavra. Doutoranda em artes visuais pela UFBA e mestra em comunicação pela UFC, atualmente desenvolve pesquisas relativas às lesbianidades e seus arquivos íntimos, entendendo o amor sapatão como uma categoria estética e um jeito de existir no mundo. Tem quatro fotolivros publicados e participou de mostras e exposições coletivas no Brasil, na Espanha, na França e em Portugal.

“Caminhe como eu” é uma instalação interativa que disponibiliza mochilas cheias de pedras para que homens cis as coloquem sobre os ombros enquanto visitam as obras, dessa maneira, sentindo o peso extra carregado por todes que não são a norma. A obra é parte do trabalho “Remissão”, que cataloga os assédios sofridos por mim durante seis meses. Para cada assédio, guardo uma pedra. E então, na posse de 152 pedras, realizo uma série de ações que variam desde fotografar as pedras, empilhá-las sobre o meu corpo, quebrá-las em pedaços menores, construir com elas um jogo de xadrez e, por fim, espalhá-las na galeria e colocálas dentro de mochilas endereçadas a homens cis. Trata-se de uma estética da vingança, um modo de limitar o acesso dessas pessoas, que só podem visitar a exposição com a mochila nas costas. Ao mesmo tempo, é um modo de criar condições materiais para a devolução da violência que atravessa a existência de quem está nas bordas da normatividade. É sobretudo um jeito de dizer o que fazem conosco e de mostrar que, apesar do peso que nos empurra para o chão, nós somos capazes de seguir fabulando.

Caminhe como eu, 2018 mochilas e pedras dimensões variadas

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Caminhe como eu, 2018 mochilas e pedras dimensões variadas

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NOÁ BONOBA

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Noá Bonoba é travesti, atriz, roteirista, cineasta, artista visual, preparadora de elenco, dramaturga, doutoranda pelo PPGCOM-UFC, professora formada pelo curso de Licenciatura em Teatro do Instituto Federal do Ceará, escritora, pesquisadora, mestra em artes pelo Programa de Pós-Graduação em Artes da Universidade Federal do Ceará e formada pela V Turma da Escola de Audiovisual da Vila das Artes.

Encontros induzidos por forças externas. Mundo em ruínas. Aqui, quem vos fala, não é mais o humano. É o que restou dele. Em “Terra ausente”, experimento a radicalização do elemento performativo. Nessa obra, investigo uma metodologia de conversa com os performers para a construção de um roteiro de filme sobre uma mulher possuída pela terra, com a missão de encontrar corpos em transe em um mundo pós-apocalítico. O filme é a busca por uma sucessão de imagens se contrapondo ao modelo linear de criação de narrativa. É a subversão do corpo terráqueo: uma mulher que cava a terra com o cotovelo, sem mostrar o rosto; uma outra que é encontrada soterrada e solta um grito vindo da terra; uma mulher que caminha em uma paisagem natural em busca de sua ancestralidade perdida; um corpo de uma performatividade drag queen, que dança o ritual de uma comunicação extraterrestre em uma rádio abandonada; a mesma mulher que havia sido abduzida no curta-metragem “O mundo sem nós” retorna com o vestido rasgado e, através de códigos corporais inventados, expressa a solidão de uma humanidade perdida e o desejo por uma urgente intervenção alienígena na pele terrestre. Em “Terra ausente”, nos interessa mais o que essas imagens apresentam de performatividade e menos o que a história dessas imagens conta.

Direção e roteiro: Noá Bonoba Elenco: Honório Félix, Juliana Tavares, Loreta Dialla e Nataly Rocha Assistência de direção: Breno de Lacerda Direção de fotografia: Toni Benvenutti Som e música: Henrique Gomes Direção de arte e figurino: Devon Zoal Montagem e produção executiva: Victor Costa Lopes Identidade visual e produção: Yule Bernardo

Terra ausente, 2018 vídeo, cor, som; loop 13'55"

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Terra ausente, 2018 vídeo, cor, som; loop 13'55"

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Terra ausente, 2018 vídeo, cor, som; loop 13'55"

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Terra ausente03 , 2018 Composição , 2015 vídeo, cor, som; loop Instalação 13'55" 120 x 60 cm

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PEAUG

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Peaug desenvolve os pensamentos “como que chega perto” e “acredita em si mesma, bixa!”, para construir conhecimento sobre as sensações de solidão e de motivação.

Esta instalação é um apanhado de objetos que Peaug tirou de seu quarto, onde ficou durante muito tempo afastado de suas atividades, inclusive da produção artística, enquanto enfrentava a depressão. Esses objetos representam sua luta contra a depressão e a sua história com o vírus HIV, cujo diagnóstico foi recebido em 2018.

Acredita em si mesma, bixa!, 2018 instalação 200 x 200 cm

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Acredita em si mesma, bixa!, 2018 instalação 200 x 200 cm

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Artista visual com formação em Comunicação Social pela Universidade Federal do Ceará e estudante no curso de Teoria Crítica e História da Arte na Universidade de Brasília. Participou de exposições, como “Ant_Corpo” (FortalezaCE, 2018), “20 Refluxo: Festival Experimental de Artes” (Goiânia-GO, 2019) e “Gira Circuito Itinerante de Performance” (São Paulo-SP, 2019). Investiga relações entre gênero, raça e espiritualidade, por meio de processos poéticos de várias linguagens, com o foco na experimentação da autoimagem.

No dia em que viram em mim um pênis, me quiseram macho, me quiseram o homem que nunca cheguei a ser e que nunca serei. No dia em que vi em mim esse pênis, não o odiei, nem odiei o corpo que o possui. Fiquei antes pensando como eu poderia possuir algo sem ser o alguém que me impuseram. Nesses mesmos dias, imagino que não me odiei, mas também não me vi em plenitude. O desconforto é um falo, e isso não é só em mim. Até os dias de agora questiono como me apropriar desse corpo para ser eu. Esse “eu” é homem? Esta obra é um processo de criação explorado entre 2017 e 2019, que experimenta a autorretratação por mídias variadas. Nessa versão, disposta ao chão, entre a parede e uma cadeira simples, há uma foto de uma pessoa com pênis sentada em um vaso sanitário. Para ver a imagem mais detidamente, é necessário sentar-se. Com auxílio de um fone de ouvido pendurado na cadeira, também é possível ouvir um áudio com o som de urina caindo em um mictório de metal.

eu não sei o que eu vejo, eu não sei o que eu quero ver no 01, 2018 desconforto-investigação dimensões variadas

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eu não sei o que eu vejo, eu não sei o que eu quero ver no 01, 2018 desconforto-investigação dimensões variadas

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RODRIGO LOPES

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Rodrigo Lopes é artista, arte/educador e designer. Álbuns de família, fotografias e outros fragmentos de tempo estão no coração do seu trabalho. Coordena o LAC - Laboratório de Arte Contemporânea. Doutorando em Arte e Educação (UNESP), mestrado em Arte e Educação (UNESP / bolsa CAPES-DS) e graduação em Comunicação Social Publicidade e Propaganda (UFC). Em sua pesquisa, dedica-se a investigar os aspectos materiais e ficcionais dos álbuns e desarticular os efeitos da colonialidade em arquivos familares. Desde 2018, realiza projetos com arte e educação em instituições como MAC Dragão, Museu Murillo La Greca, CCSP, Sesc Avenida Paulista, IAC - Insituto de Arte Contemporânea, EAV Parque Lage, Fundação Bienal e Pinacoteca do Ceará. Tem experiência no desenvolvimento de design para exposições, catálogos, materiais educativos, além do acompanhamento de pesquisas e processos de criação em arte e educação. É autor do livro “Para nunca esquecer” (2019).

Em Ancestral, me dedico a bordar uma imagem durante toda a exposição, utilizando a técnica do ponto corrente para desenhar através de camadas de papel descartado. A ausência de rosto, a incompletude da forma e a figura de um corpo de contornos negros abraçando a si mesmo sugerem algo em vias de aparecer, de nascer - como uma semente, um sonho ou uma lembrança. A obra integra o projeto Para nunca esquecer (2018-2020) que nasce do desejo de lembrar das minhas origens a partir dos álbuns de família. Através de práticas com bordado, performance e oficinas realizadas de forma colaborativa, a pesquisa investiga as qualidades material e ficcional desse arquivo.

Ancestral, 2018 performance / bordado sobre papel 100 x 200 cm

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RODRIGO LOPES

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Ancestral, 2018 performance / bordado sobre papel 100 x 200 cm

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Ancestral, 2018 performance / bordado sobre papel 100 x 200 cm

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TERRORISTAS DEL AMOR

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TERRORISTAS DEL AMOR

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Terroristas del Amor é um coletivo formado em 2018 pelas cearenses Dhiovana Barroso e Marissa Noana. As artistas mobilizam diversas linguagens artísticas, desencadeando um processo educativo e elucidativo sobre as suas experiências e afetividades. Suas obras são, em grande maioria, autobiográficas e falam sobre suas relações com a cidade, trazendo a predominância de técnicas manuais e têxteis.

“Duas de nós” fala sobre afeto entre dois corpos da diáspora, remontando um lugar seguro. Como parte da comunidade LGBTQIA+, e sendo um casal preto e nordestino constantemente marginalizado, as artistas apresentam estratégias de vida e pensamentos contrários à normatividade. Este é um trabalho político que, perpassando por diversas perspectivas da vida, vai contra todo o movimento genocida contemporâneo. Como diz bell hooks, no texto “Vivendo de amor”, o coletivo entende a importância de falar sobre afeto, sobre como o amor cura e como suas ações reverberam estímulos e força, para enxergar um futuro além da sobrevivência.

Duas de nós, 2018 colagem digital, bordado e ilustração 59,4 x 84,1 cm

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TERRORISTAS DEL AMOR

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Duas de nós, 2018 colagem digital, bordado e ilustração 59,4 x 84,1 cm

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QUEM PODE FALAR?

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QUEM PODE FALAR?

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Como questionar a capacidade de escuta de estruturas de poder (como a universidade) que disputam a noção de conhecimento? Educativo-instalativo é uma obra site-especific desenvolvida pelo artista e arte/educador Rodrigo Lopes. A partir do estudo do texto Quem pode falar? da artista, psicóloga e escritora Grada Kilomba - que inspira o título - foram produzidos seis bordados em tecidos de algodão de forma colaborativa. Emoldurados em bastidores de madeira, cinco retratos mostram o rosto de pessoas negras e indígenas, desobedientes de gênero e dissidentes sexuais que foram lembradas durante as sessões de estudo. Os bordados dispostos sobre uma mesa de madeira fazem referência a (da esquerda para a direita) Cacique Pequena (liderança da etnia Jenipapo-Kanindé, no Ceará); Matheusa Passareli (estudante de artes visuais da UERJ) e Marielle Franco (socióloga e vereadora), ambas assassinadas em 2018; Jota Mombaça (artista e escritora) e Indianarae Siqueira (ativista e fundadore da CasaNem, casa de acolhimento para pessoas LGBTQIA+ no Rio de Janeiro). Os envelopes pretos guardam cartas com trechos de falas das pessoas retratadas. A estrutura composta pelo microfone e a caixa de som é um convite a reverberar essas palavras no espaço expositivo.