Batman, de Sandy Corola Artículo de Pablo Soto Ilustración de Jacobo González
Primero fue Adam West, luego Michael Keaton y ahora Christian Bale. Tres nombres que estarán por siempre asociados al personaje de Batman pero hay un cuarto, uno que pasó entre medias de los dos que he nombrado en último lugar: Clark Bartram.
Esta era una producción sin medios, sin una gran productora detrás, pero logró que en ese lapso de tiempo hasta que comenzó la saga nueva hubiera un Batman, quizá el más real y parecido al de los tebeos que nunca hayamos visto. Un hombre que solo con un traje ajustado y una capa de cuero era realmente él, sin rellenos y sin efectos. Una gran fotograia, un cuidado uso de la iluminación y un gran conocimiento de la narrativa audiovisual se ocuparon el resto.
Era el año 2003 y de pronto en Internet apareció un vídeo llamado “Batman: Dead End”. Un corto de acción real que irmaba alguien llamado Sandy Corolla, una pequeña historia en la que el justiciero tiene que salir a buscar a su eterno enemi- No hubo una película, no hay un metraje go, El Joker, para terminar metido en me- mayor que esos breves minutos, pero “Batdio de una pelea entre Aliens y Predators. man: Dead End” merece un lugar destacado entre las adaptaciones de este personaje Una locura argumental que por otro lado y sin duda se ha convertido en la referenno eran tan descabellada y que de forma cia de culto por excelencia. similar se había visto ya en el cómic.
Durante 1945 y 1946 dos iconos de las artes visuales se unieron, para llevar a cabo un proyecto en conjunto. Ellos eran Walt Disney y Salvador Dalí, y su cortometraje, “Destino”. Sólo tras treinta y siete años después de la muerte del primero y catorce años de la del segundo, el público pudo disfrutar de la creación con la que ambos soñaron a mediados del siglo XIX. Esta es la historia de “Destino”.
El
idilio entre los creadores comenzaría en 1945 cuando ambos coincidieron en el rodaje de “Recuerda” La película de Hitchcock, protagonizada por Ingrid Bergman y Gregory Peck, se adentraba en un psiquiátrico donde una enfermera enamorada intentaba salvar la salud y la memoria de aquel hombre, que no consigue recordar la angustiosa razón de su nueva condición laboral. El director inglés, admirador del pintor catalán, se adentraba aquí en el mundo de lo onírico, y pensó que nadie como él podía representar mejor la estética y el signiicado de los sueños.
Dalí y Disney, el “Destino” de dos talentos Por Dafne Calvo
Este no fue el único desencuentro que
lznick, se oponía al gasto económico que resultaba de la contratación del pintor —al menos hasta entender la publicidad que suponía el nombre del artista en los títulos de crédito—. Harpo Marx había sido otro de los artistas con los que mantenía una recíproca admiración por su trabajo desde que se conocieran en París durante los años treinta. Ambos trabajarían juntos para “Jirafas en ensalada de lomos de caballo”, un proyecto que nada gustó a la Metro, la productora con la que Harpo trabajaba en exclusividad, por lo que el guión que Dalí escribiera para su amigo, quedó en cajón del olvido.
Dalí tendría con el séptimo arte. El propio productor de “Recuerda”, David O. Se-
El proyecto con Walt Disney parecía que
Y así fue como Salvador Dalí diseñó una secuencia que representara la ensoñación del protagonista. Un sueño que se construye con la estética tan característica, y donde se vislumbra una referencia al Luis Buñuel de su trabajo en conjunto, “Un perro andaluz”, cuando unas enormes tijeras cortan varios ojos por la mitad. Aunque satisfecho con el resultado inal, Dalí quedaría decepcionado con el resultado, que tuvo que recortar su secuencia en la película inal.
tro de los Disney Studios, junto con John Hench y Bob Cormack, colaboradores habituales de Walt Disney. “Destino” tomaba su nombre de la canción homónima del compositor mexicano Armando Domínguez. El cortometraje narraría la historia de amor entre una bailarina y Cronos, el dios del tiempo, y todos los obstáculos que entre ellos se interponen. Una metáfora sobre cómo el tiempo baila sobre las vidas mortales hasta llevarlas inalmente con su destino, lo que Dalí llamó, “el laberinto del tiempo”.
Pero a pesar de los esfuerzos porque el
iba a ser diferente. Ya a principios de 1946 irman un contrato, por duración de dos meses, que tendría como fruto “Destino”, el corto de animación. Un papel irmado pero que, ante todo, tendría la capacidad de unir dos talentos que se admiraban, y no sin razones justiicadas: la creatividad, el surrealismo y la iconicidad de Dalí junto con la personalidad, el dinamismo y la belleza artística de Disney. El destino avecinaba una verdadera fusión de genialidades.
corto saliera a la luz, el proyecto fue tan infructuoso como ya lo habían sido su trabajo con Harpo Marx y Alfred Hitchcock. Según algunas versiones, el problema residía en la falta de entendimiento de Dalí y Disney por el idioma; se conoce que entre los artistas hubo un intercambio de cartas en inglés y francés, que requerían de traductores. Otras interpretaciones cuentan que la relación entre ambos era más bien de amistad que de trabajo, y lo cierto es que tal afecto personal sí existía entre ambos, basta mencionar que en 1957, Walt y su mujer Lillian Disney viajarían a Girona, invitados a la casa de su amigo Salvador Dalí.
En cualquier caso, lo que sí es cierto es
que la producción tuvo que parar por problemas de presupuesto, unidos a su vez de la debacle que supuso la II Guerra Mundial. Del cortometraje sólo salieron a la luz los 8 segundos de una versión de prueba. El destino de Walt y Salvador quedó trunDurante esos dos meses de contrato, de cado por aquel entonces. los ocho que entre 1945 y 1946 estuvieron trabajando en este cortometraje de ani- Sólo cinco años antes del proyecto en mación, Dalí trabajaría en California den- conjunto de “Destino”, Disney había de-
mostrado sus habilidades más creativas en “Fantasía”. Una película de corte experimental, con apenas diálogos, y que trataba de dar imagen a la música clásica que acompañaba la obra. La obra, que coincidía cronológicamente con la aparición física de Salvador Dalí en América del Norte, narraba la infancia de su autor en “Marceline”, y ha sido considerado una de sus mejores obras, más vanguardista y atrevida.
A pesar de los reconocimientos de pro-
escenas para esta segunda parte, encontró el proyecto aún sin terminar de “Destino”, y decidió hacerlo realidad tras realizar “Fantasía”, desechando usar las imágenes para su primer proyecto, no solo por imposibilidades legales sino también historicistas y de respeto al artista. “Destino” supuso la unión entre la animación de mediados del siglo pasado y la tecnología por ordenador en los albores del presente. Se utilizaron instrucciones, pinturas y dibujos que en la factoría Disney conservaban del catalán. Contaron además con el apoyo de la Fundació GalaSalvador Dalí, que guardaba además otros bocetos destinados al cortometraje; un compendio de imágenes que daban buena cuenta del interés que en el artista despertaba su proyecto con Disney.
fesionales del séptimo arte sobre “Fantasía”, el éxito en taquilla fue notablemente menor que el de otra obra del autor como “Blancanieves y los siete enanitos” o “Pinocho”, dos películas cercanas en el tiempo a esta primera. Y a pesar de que Disney concebía “Fantasía” como una obra susceptible de ser continuada por otros largos, algo que para su creador le confería un carácter especial y la situaba entre sus Fue en 2003 cuando el cortometraje pudo ser disfrutado por todos los públiproducciones más queridas. cos. Ese mismo año, la Academia lo preSin embargo, no sería hasta treinta y mió como el Mejor Cortometraje de Anicuatro después de la muerte de Walt Dis- mación, y fue nominado a los Óscar de ney cuando pudo salir a la luz una segunda cine, que ese año se llevara Adam Elliot “Fantasía”, “Fantasía 2000”, de la mano de por “Harvey Kumpret”. Por in, en 2003, su sobrino Roy Edward Disney. Fue este la bailarina mortal y el hombre del tiempo mismo quien, mientras seleccionaban las encontraron su “Destino” en la pantalla.
Texto por Pedro del Río Ilustración por José Angel Ares
Tras tontear con el género durante toda “Django desencadenado” Tarantino se su ilmografía, Quentin Tarantino se atreve lanza deinitivamente al género con un repor primera vez a realizar un western tres parto de grandes estrellas encabezado por años después de obtener el mayor taquilla- Jamie Foxx, Christoph Waltz y Leonardo zo de su carrera con la excelente “Malditos DiCaprio, este último demostrando una bastardos”. Lejana ya la época dorada del vez más ser una de las estrellas de cine más género, los hermanos Weinstein, respon- inteligentes de la última década. sables de la producción y distribución de toda la ilmografía de Tarantino ya fuera
Tarantino ha hecho del reciclaje un arte.
con el sello ‘Miramax’ o como ‘he Weins- Cinéilo empedernido, ha demostrado tein Company’, demuestran no querer proyecto tras proyecto tener una capacipillarse los dedos ante el evidente riesgo dad innata para tomar elementos de larcomercial y estrenan la película el día de gometrajes que le gustan integrándolos Navidad en Estados Unidos, intentando con criterio en un universo propio. Otros repetir la jugada (director de prestigio, directores que gustan de coger referenreparto atractivo, buenas críticas previas) cias acaban estrellándose (me viene a la que hace un par de temporadas convirtió cabeza, no sé por qué, Guy Ritchie), pero otro western, “Valor de ley” (Joel y Ethan el inmenso talento como cineasta que poCoen, 2010), en el éxito sorpresa de la see Tarantino ha permitido que sus virtutemporada.
des oculten sus defectos, deslumbrando visualmente con potentes imágenes que
Lo cierto es que Tarantino llevaba años impiden ver el vacío argumental sobre el advirtiendo que tarde o temprano rodaría que están construidas sus películas, poruna película del oeste. Nunca ha negado su que está claro que Tarantino es un cineasta devoción por el ‘spaghetti western’ italia- que tiene algo que mostrar, pero no está no, y las referencias al mismo han estado tan claro que tenga algo que contar. muy presentes a lo largo de su ilmografía, especialmente en el díptico “Kill Bill”
Desde “Reservoir dogs” a “Django desen-
(“Kill Bill vol. 2” es un homenaje constan- cadenado”, es difícil encontrar algún perte) y en la citada “Malditos bastardos”. Con sonaje en su cine que no busque venganza,
siendo este el gran tema (por no decir el chando de paso un buen planteamiento único) de su ilmografía. En este sentido con un guión endeble e insustancial. es imposible no mencionar de nuevo “Kill Bill”, la gran película sobre la venganza,
En este sentido es probablemente “Jac-
presentando dos largometrajes de dos ho- kie Brown” (1998), único proyecto del ciras que cuentan la simple historia de una neasta basado en material ajeno (la novela mujer que quiere asesinar a aquellos que “Cocktail explosivo” de Elmore Leonard), destrozaron su vida. La película se sostiene el mejor largometraje del realizador, al ser por su deslumbrante puesta en escena, la el que de verdad conjuga con sabiduría su utilización de la música, el cambio de gé- potente capacidad para la narración cineneros, el ritmo narrativo y unos persona- matográica, con referencias a un género jes muy bien construidos. “Kill Bill” es un (en este caso el ‘blackxplotation’ de los juguete con el que el cineasta y el especta- años 70) y con una historia compleja e indor se lo pasan en grande, como también teresante que contar. sucede en “Malditos bastardos”, película compuesta por una sucesión de larguísi-
“Django desencadenado” es un peldaño
mas secuencias en las que da rienda suelta más en la carrera de uno de los cineastas a sus obsesiones reinventando de paso la contemporáneos más importantes, quien historia contemporánea y consiguiendo ya por derecho propio entró en la historia ofrecer un largometraje totalmente disfru- del cine con sus dos primeras y estupendas table. Priorizar el ‘cómo’ narrar la historia películas (“Reservoir dogs” (1992) y “Pulp por encima del ‘qué’ es un arma de doble Fiction” (1994)), y que intenta ahora dejar ilo que puede volverse en tu contra si fra- huella en uno de los géneros esenciales del casas en el aspecto visual como le sucedió séptimo arte. Una cita imprescindible que con “Death Proof ”, fallido acercamiento al seguro no dejará indiferente a ningún escine de serie B de los años 70 en el que in- pectador, le guste o no el western, le guste tentó dejar un sello autoral en un proyecto o no Quentin Tarantino. que pedía justo lo contrario, desaprove-
El estilo de...
Pablo Ferrari Texto y fotografía por Doc Pastor
Pablo Ferrari es el primer entrevistado en nuestro nuevo suplemento XXXX, así que nos parecía justo que estuviera también en la revista ¿y qué mejor que hablando de su estilo? Pues la verdad es que a mí me gusta vestir informal, pero elegante a la vez. Me gusta llevar mis jeans, mi camisa, polo y jersey... Todo bastante informal. También es cierto que me gusta vestir de marca, aunque no siempre. Para mí la forma de vestir tiene que ver mucho con la personalidad de cada persona.
TÉCNICAS DE ANIMACIÓN Por Beatriz Martín
La animación es la creación de la ilusión de movimiento mediante la unión de una secuencia de imágenes estáticas. Podemos dividirla en dos grandes clasiicaciones fundamentales, como serían 2D y 3D, que a la vez se subdividen en tradicional y digital.
con ella. Algunas de sus obras más conocidas son los “Blinkity Blank” (Espacio parpadeante), y “Caprice en couleurs” (Capricho en colores) que datan de los años 50 y que son un ejemplo de coordinación entre el sonido, el ritmo y el movimiento.
Animación 2D:
Antes de realizar esa segmentación, hay una técnica de animación que no necesita cámara porque no precisa de registros - Tradicional: aquella realizada con visuales. Es la forma más directa de crear un soporte bidimensional en la que se encuentran las técnicas asociadas con el diimágenes animadas sobre una película. bujo. Ésta es el Film directo: esta técnica consiste en dibujar, rayar o pintar los dibujos Dibujos animados o animación por fosobre la propia película. Fue desarrollada togramas clave: se realiza dibujando cada durante el trabajo de experimentación del uno de los fotogramas. En sus comienzos realizador de animación Norman McLa- se pintaban estos y eran ilmados, pero el ren, que hizo multitud de cortometrajes proceso se aceleró al aparecer la anima-
ción por celdas y se comenzó a usar lámi- Lobo” en 1968 con arena en una caja de nas transparentes sobre las que animar a luz y la manipulación de las texturas. los personajes sobre el fondo. Estas transparencias fueron mejoradas con la tecno- Animación sobre vidrio: es una técnica consistente en pintar una ilustración con logía digital que permitió reemplazarlas. óleos de acción retardada sobre un cristal, Muestra de esta primera técnica son los e ir manipulando esa imagen fotograma a dibujos animados de “Plane Crazy”, el cor- fotograma. Un autor que ha destacado en tometraje mudo en el que el personaje de este tipo de técnica es Aleksandr Petrov Mickey apareció por primera vez de la que adaptó la novela “El viejo y el mar”, dando lugar a un cortometraje de animamano de Disney. ción de 20 minutos, hecho en pastel óleo Dentro de las técnicas de animación li- sobre vidrio, una técnica dominada por mitada está la que se realiza con recorta- solo un puñado de animadores en el munbles: esta (conocida como cut-out) es una do. Fue muy aclamado y obtuvo el Óscar técnica en la que se utilizan todo tipo de al Mejor cortometraje animado en 1999. fondos, personajes o accesorios de diferentes materiales. El movimiento se crea Rotoscopía: permite animar utilizando moviéndolos poco a poco sobre las esce- referencias de movimiento. Los mejores resultados se obtienen cuando el animanografías. dor observa el movimiento vivo como el Uno de los animadores más famosos que de una persona bailando, bajando una estodavía utilizan la animación tradicional calera u otros de mayor complicación para de recorte es Yuriy Norshteyn, una de sus transmitir al dibujo la naturalidad y seobras con esta técnica es “Yozhik v tuma- cuencialidad de las acciones en cada mone” (El erizo en la niebla) del año 1975. mento. Podría considerarse un precursor Otro cortometraje con cut-out lo realizó de la técnica de captura de movimiento Terry William, miembro de los Monty digital. Python, y lo tituló “he Miracle of Flight”. Animación con arena: consiste en ilmar fotograma a fotograma cada modiicación que se realiza en el dibujo de este material. Esto sucede en “he Owl Who Married a Goose” del año 1974 de Caroline Leaf, que hizo su primer cortometraje “Arena, o Pedro y el
Los hermanos Fleischer, Max y luego Dave, utilizaron la rotoscopía en una serie de cortos titulados “Out of he Inkwell”. Todos ellos empiezan dibujando a su personaje con el que desarrollarán luego sus aventuras. Un ejemplo concreto podría ser “Modeling” de 1921.
- Digital: en este apartado se encuentran las técnicas de animación tradicional por fotograma clave que tienen su correspondiente en el mundo digital. Puede construir la totalidad de la técnica tradicional por ordenador o utilizar el sotware solo como herramienta para complementar la técnica tradicional.
Animación 3D: Es concebida a través de soportes tridimensionales, y se puede subdividir en dos géneros: quier material que pueda ser fotograiado - Tradicional: que comúnmente es lla- puede utilizarse para ser animado. mada stop motion, y a partir de ella surgen otras variantes en las que hay técnicas Uno de los ejemplos más conocidos son como la animación con plastilina, con ma- las animaciones en stop motion de Wallace rionetas o pixilación, en la que se incluye y Gromit, y un cortometraje de esta pareja es “Wallace y Gromit: he wrong trousers”. la animación con objetos. Stop motion: esta técnica consiste en dar vida a objetos de todo tipo tomados de la realidad mediante fotografía o ilmación. Para ello se utiliza la grabación «fotograma a fotograma». En la animación con plastilina o con otros materiales moldeables (concretamente denominada claymation) las iguras se van transformando o desplazándose paso a paso. Es una de las técnicas que requieren más trabajo y minuciosidad, cual-
Pixilación: esta es una variante del stop motion, ya que en este caso las personas se convierten en los “objetos” que se animan. Para ello se fotografía repetidas veces la escena desplazando ligeramente el personaje, para colocarlo cada vez en una posición y así crear la acción. Ejemplos de cortometrajes con esta técnica podrian ser “Gisele Kerozene” (1989) de Jan Kounen’s o Tma/Světlo/Tma (“Oscuridad/Luz/Oscuridad”) del conocido Jan Švankmajer.
imagen por el ordenador, se podría decir que es una captura de la interpretación. Animación lash: es una evolución del cut-out pero en versión digital. Por ello, para comprender esta técnica habría que saber que Flash es un programa de edición multimedia con varias inalidades, entre ellas están las de crear animaciones, contenido multimedia o juegos entre otros. Jossie Malis lo usó en la serie de cortos “Bendito Machine”. Animación en 2D: con su paso a lo digital permiten manipular con precisión las áreas planas del diseño creado por el artista. En el 2007 Disney estrenó el corto de Goofy “Cómo instalar su Home Cinema” realizado completamente en ordenador. Con esta técnica incluso se pueden redimensionar y modiicar los dibujos ya realizados sin perder deinición. Otro ejemplo sería “Death Buy Lemonade” de Kyu-Bum Lee.
- Digital:
Algunas de las técnicas tradicionales, como la rotoscopia, son trasladadas a este apartado ya que con la mejora de la tecnología se pueden realizar más fácilmente mediante programas especíicos.
Animación motion capture y performance capture:
Animación en 3D: es una técnica que simula las tres dimensiones. Esto se consigue mediante un proceso denominado renderización, que lo que hace es generar una imagen en dos dimensiones desde un modelo de tres dimensiones. Así podría decirse que en el proceso de renderización el ordenador “interpreta” la escena en tres dimensiones y la plasma en una imagen bidimensional para que pueda ser visualizada en una pantalla.
Motion capture: captura de movimiento, en español, es un término utilizado para Un ejemplo de este tipo de técnica aplidescribir la captura de algunos movimien- cada a un cortometraje sería “La dama y tos del cuerpo mediante sensores que son la muerte” de Javier Recio Gracia o “Presinterpretados por un ordenador. to” de Doug Sweetland, así como muchos de los cortometrajes que se realizan en la Performance capture: es un avance re- actualidad, ya que es una nueva variante ciente de las técnicas de captura de esta muy utilizada.
Viviendo el cortometraje Por Pedro del Río Fotografías de Doc Pastor del rodaje “Las frustraciones de un cortometrajista novato” de Héctor Velasco
Mi relación con el mundo del cortometraje comienza en un momento de auge del formato gracias a las nuevas tecnologías digitales, que han permitido que prácticamente cualquier persona con una cámara de vídeo pueda rodar un corto. Esto presenta sus pros y sus contras. Siempre es positivo que cualquier manifestación artística tenga múltiples ejemplos, y un medio históricamente muy caro como es el cinematográico ha enc o nt r a d o una revolución protagonizada principalmente por gente joven sin apenas medios pero con mucha imaginación. Esta masiicación del formato ha facilitado la aparición de múltiples festivales de cortometrajes por toda España, y la visibilidad de los productos
es cada vez mayor gracias a plataformas on-line tipo Youtube, Vimeo, etc. La parte negativa está en la calidad de estos proyectos, ya que, siendo sinceros, por cada buen corto encontramos diez pésimos, siendo las selecciones de cortometrajes para cualquier actividad una tarea en ocasiones imposible lastrada muchas veces por programaciones erróneas sin un criterio claro. Gracias a las conexiones a Internet y a los múltiples dispositivos móviles, el espectador medio convive hoy en día con imágenes en movimiento como medio principal de comunicación. La ausencia de una educación o la falta de información provoca que muchas veces no haya iltros al hacer una correcta valoración de un producto audiovisual, por lo que resulta una tarea realmente compleja destacar en este universo virtual en el que miles de cortometrajes multipremiados conviven con videos caseros al mismo nivel.
La realización de un corto debería tomarse siempre como una tarea profesional. Es muy importante tener conocimientos sobre estructura cinematográica a la hora de plantear la base del proyecto. Partiendo del guión hay que conformar el equipo técnico, y este es sin duda uno de los puntos esenciales para marcar la diferencia entre unos productos y otros. No debemos olvidar que si queremos competir seriamente en festivales al nivel de los grandes corto- metrajes debemos trabajar con la misma mentalidad con la que trabajaríamos en un largometraje, adaptándonos eso sí a las limitaciones económicas que tengamos. Debe haber una fotografía coherente y estudiada, de la misma forma que un buen diseño de sonido, arte y vestuario si queremos conseguir un buen producto. El mundo del cortometraje profesional en España dependía, al igual que el mundo del largometraje, de la política de ayudas y subvenciones de las distintas instituciones públicas. El recorte en cultura está afectando seriamente al sector y, por mucha imaginación que se le pueda echar, realizar un corto siempre supone una inversión económica que no todo el mundo puede permitirse realizar, por lo que la producción ha bajado en este 2012 y bajará más en 2013.
En el rodaje de un corto hay que tener en cuenta que si bien el enfoque del trabajo debe ser totalmente profesional, el equipo técnico casi nunca cobra. Esto es un hecho lamentable pero totalmente real, que condiciona bastante la manera de trabajar ya que para el director, el director de fotografía, el productor o los actores, quizá el proyecto sea muy importante y estén dispuestos a hacer horas sin parar, pero para parte del equipo técnico será un trabajo más por el que encima no están percibiendo ningún tipo de compensación económica. Es importante entender esto a la hora realizar un plan de rodaje efectivo, ya que normalmente en un corto hay mucho menos tiempo para rodar del que sería necesario, y hay que saber administrarlo por localizaciones, disponibilidad de actores, horas de luz, necesidades de los distintos departamentos, etc. La ventaja de trabajar en estas condiciones está en que normalmente los implicados a un nivel creativo se lanzan al proyecto porque les gusta. Esto facilita un trabajo intenso y satisfactorio, pudiendo convertirse en una experiencia muy divertida. La mayor parte
de la gente que se dedica profesionalmente al mundo del cine recuerda con cariño sus experiencias en este ámbito e incluso continúan trabajando en él cuando les surge o cuando pueden. A título personal he participado en varios cortometrajes en los departamentos de producción y dirección. He discutido, me he reído, he estado satisfecho cuando las cosas han salido bien y molesto cuando salieron mal y, en conclusión, he tenido siempre la sensación de participar en algo enriquecedor. Surgen constantes problemas en preproducción, rodaje y postproducción. Como si fuera una película de catástrofes, los retos se van sucediendo y deben solucionarse de una manera lógica, porque esa es la clave para que un cortometraje salga adelante: utilizar la razón. No hay nada que no tenga solución, simplemente hay que b u s carla sin volverse loco, sin que te supere el estrés, y a partir de ahí todo se arreglará. Aparte de esto, los objetivos deben estar muy claros, así como los resultados que se obtendrán, ya que la postproducción arregla cosas pero no es milagrosa. Cuando un director es consciente de sus limitaciones el resultado inal saldrá favorecido notablemente.
Tema aparte es el montaje, que muchas veces transmite la sensación de que no han querido, o no han sabido, eliminar elementos que estropeaban la estructura y ralentizaban el resultado inal, existiendo una clara tendencia a presentar productos que tienen una duración de entre 15 y 20 minutos. El mundo del corto hace suya la expresión ‘menos es más’ y en este sentido hay que saber sintetizar y contar lo justo, no solo por el bien del proyecto, sino porque, siendo realistas, la mayor parte de los cortometrajes se verán junto a otros muchos, ya sea para la concesión de ayudas, por jurados de festivales, en DVD recopilatorios, etc., y por experiencia sé que aquellos proyectos que presentan una duración excesiva se toman de entrada con bastante pereza. Por supuesto no se puede ge-neralizar y hay cortos que requieren más tiempo para desarrollarse, pero en general es raro encontrar productos terminados cuyo metraje se ajuste a sus necesidades. Finalmente, dependiendo de la cantidad de festivales en los que sea seleccionado, el corto puede tener una vida de entre uno y dos años. Debería haber una mayor distribución del mundo del cortometraje, aunque no pintan mal las nuevas plataformas VOD (Video on Demand) tipo Filmin, que esperemos que poco a poco vayan dando sus frutos en esta búsqueda de equilibrio entre la abundante producción y la raquítica distribución. Mientras tanto seguiremos intentando hacer cine, ya sea en corto o en largo, a pesar de las trabas y diicultades que día tras día nos ponen en el camino.