S U P L E M E N T O
E S P E C I A L
D E
C I N E
SÁBADO 19 DE OCTUBRE DE 2013, MORELIA, MICHOACÁN
NÚMERO 1
Morelia amanece hablando de cine
Fotos: Iván Sánchez
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SÁBADO 19 DE OCTUBRE DE 2013
Reivindica el FICM 2013 su compromiso con los realizadores mexicanos •Carlos F. Márquez a décimo primera edición del Festival Internacional de Cine de Morelia se inauguró anoche con la proyección de Gravedad, filme con el que Alfonso Cuarón se encuentra en estos momentos en “los cuernos de la Luna”. La apertura de la fiesta del séptimo arte con una película que tiene su origen en el talento nacional implicó también una reivindicación del compromiso del encuentro con los directores mexicanos que “no sólo triunfan internacionalmente, sino que son capaces de mover las fronteras de lo que es posible hacer a través del cine”, expresó Alejandro Ramírez Magaña. A diferencia de otros años, la noche de ayer estuvo exenta de los discursos políticos o posicionamientos críticos ante problemáticas sociales que Cuauhtémoc Cárdenas Batel, vicepresidente del FICM, acostumbraba esgrimir durante los actos inaugurales; sin embargo, la realidad se impuso horas antes de la alfombra roja, cuando integrantes de la Coordinadora
Nacional de Trabajadores de la Educación (CNTE) manifestaron afuera de Cinépolis Centro su oposición a la reforma educativa, y aunque en ese momento no había “celebridades” en el recinto, los profesores se aseguraron de dejar impresas sus consignas con aerosol en los vehículos oficiales del FICM. Para fortuna de los organizadores, el protocolo del glamour no se vio alterado en la alfombra roja que se realizó en Cinépolis Plaza Morelia, donde los aplausos se los llevó Eugenio Derbez, ahora en su faceta de cineasta que se da el lujo de desdeñar a los críticos que no se han sumado a los elogios mediáticos a su película No se aceptan devoluciones: “ellos no hacen cine”, dijo el director primerizo. Era tal el pavoneo del comediante que fue y vino a lo largo de la alfombra, y no bastó que un fan le gritara “te mereces el Oscar”, sino que Alfonso Cuarón al encontrarlo le hizo una reverencia y él contestó con la misma deferencia; así se saludan en México los mexicanos que han pisado Hollywood.
Trascendencia del FICM
Ya en el acto inaugural, la tónica del discurso del gobernador Jesús Reyna García y del alcalde de Morelia, Wilfrido Lázaro Medina fue la de reconocer los aportes del FICM para posicionar a Michoacán y a su capital como un destino de referencia para la proyección del séptimo arte. El titular del Ejecutivo estatal adelantó que en febrero de 2014 Morelia será sede del encuentro nacional de comisiones fílmicas, evento organizado por el gobierno del estado y el Imcine, en el que se realizarán mesas de trabajo para integrar una red nacional de comisiones que tendrá como objetivo principal estructurar un plan nacional de producción fílmica “en beneficio de México y de Michoacán”. Jesús Reyna se sacó la espina de lo que se ha dicho de Michoacán a nivel mediático, y ya entrados en gastos de la protesta de la CNTE, al afirmar que para conocer al estado “hay que recorrerlo y hay que vivirlo”.
En representación de los organizadores del FICM, su presidente Alejandro Ramírez se remitió a recordar que en esta edición el festival tiene diferencias respecto a años anteriores, como abrir la competencia de largometraje mexicano a todas las películas realizadas en el periodo 2012-2013, cuando antes sólo tenían cabida primeras y segundas películas; además, subrayó que por primera vez se premiará a la mejor actuación femenina y masculina. No escatimó elogios para Alfonso y Jonás Cuarón, toda vez que su mancuerna creativa ha hecho de Gravedad un auténtico fenómeno cinematográfico que en taquillas de Estados Unidos se convirtió en la película con la apertura más grande en otoño desde 1983. Incluso subrayó que ha habido voces que encumbran a este filme como “un nuevo renacer de la cinematografía”. “La trascendencia de Alfonso Cuarón radica en un virtuosismo por la manera de abordar historias relativamente sencillas desde ángulos sumamente complejos y vanguardistas. En sus películas continuamente ha mostrado una obsesión por ir más allá de convenciones, por derribar las barreras de lo conocido y a través del uso de la tecnología y técnica llevarnos a mundos nuevos”, expresó Alejandro Ramírez minutos antes de que la oscuridad fuera sólo el preámbulo de muchas historias que verán la luz en nueve días de festival.
DIRECTORA GENERAL CARMEN LIRA SAADE
DIRECTOR JUAN MANUEL VENEGAS RAMIREZ
EDICION ERLAND DIETER SCHMIDT
• Contra-plano, especial de cine del periódico La Jornada Michoacán, editado por Editora de Medios de Michoacán, S.A. de C.V., bajo licencia otorgada por Demos, Desarrollo de Medios, S.A. de C.V., • Manuela Herrera No. 150 planta baja, esquina Rita Pérez de Moreno, • Col. Gertrudis Bocanegra, Morelia, Michoacán, C.P. 58150 •Tels: 01 443 3 26 10 71 y 3 27 94 65 • Distribuido en Morelia y en el interior del estado por Editora de Medios de Michoacán, S.A. de C.V.
contraplano@michoacan.jornada.com.mx
CEREMONIA DE INAUGURACIÓN DEL FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE MORELIA
FOTO: IVÁN SÁNCHEZ
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A debate, la cinematografía nacional en el contexto global •Érick Alba a serie de mesas de discusión que se integró en el Encuentro de Realizadores Mexicanos 2013, que tendrá lugar en el Teatro Universitario José Rubén Romero, en el Centro Histórico de Morelia, a partir de este lunes y hasta el próximo viernes, con acceso gratuito aunque la restricción en la entrada depende del cupo del mismo teatro. También se transmitirán vía Internet a través del portal ww.moreliafilmfest.com. La primera mesa, a iniciar a las 11 horas, lleva por título México y el cine independiente en Estados Unidos, en la que tomarán parte John Sayles, Edward James Olmos, Alejandro Springall y Olga Segura, informaron los organizadores. En la jornada siguiente se debatirá sobre Los nuevos talentos: el cortometraje en México, que pondrá en la mesa a los autores de los cortometrajes que este año se encuentran compitiendo dentro del mismo festival, moderada por uno de los críticos cinematográficos con mayor presencia en el país, Rafael Aviña. La actividad del miércoles se dedicará al papel de los festivales en México como pro-
pulsores del cine nacional, con el nombre Festivales de cine: tendencias de selección, importancia y estrategia de participación, con la intervención de Tudor Giurgiu, integrante del Festival Internacional de Cine de Transilvania; Charles Tesson, por la Semana de la Crítica del Festival de Cannes; Jean Pierre García, representante del Festival Internacional de Cine de Amiens; Ian Hollander, por el Festival de Cine de Tribeca; Percy Pinedo, por el Festival Internacional de Cine de Rotterdam/Curaçao; Joseph Beyer, del Sundance Film Festival; y Heather Haynes, de Hot Docs, con la moderación de José María Riba, uno de los organizadores de la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes. En el mismo programa se contará con una conferencia magistral a cargo del homenajeado en este año, el realizador de culto Alejandro Jodorowsky, a las 16:30 horas de ese miércoles en el Auditorio del Centro Cultural Universitario. La sesión del jueves se dedicará a la Diversidad de propuestas en el cine mexicano, con la participación de Gaz Alazraki, Rita Basulto, Eugenio Derbez, Fernando Eimbcke, Michel Franco y José Luis Valle, para concluir el viernes con
la mesa La exhibición de cine, retos y oportunidades, con opiniones de Miguel Rivera, por la empresa Cinépolis; Mónica Lozano, de Alebrije, Cine y Video; Leo-
ALEJANDRO JODOROWSKY
nardo Zimbrón, por Filmadora Nacional; y Ernesto Espinosa, enviado de Universal Pictures International México and Warner Brothers.
FOTO: INTERNET
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Alfonso Cuarón y su desenfado tecnológico •Érick Alba
espués de dirigir Gravedad, una de las películas más taquilleras de la temporada, cuyos efectos visuales resultan impresionantes para el público y a la que se suma su principal característica como realizador que es la concordancia técnica como motor de la narrativa audiovisual, la respuesta de Alfonso Cuarón a la primera pregunta puede parecer bastante sorprendente: “soy casi un inepto en cuestiones de tecnología, mi primera computadora la tengo desde hace apenas cinco años, y lo único que sé hacer en Internet es mandar correos electrónicos”. En entrevista con La Jornada Michoacán, el director que logró mezclar la reflexividad innata del cine mexicano (Y tu mamá también) con las potencialidades técnicas del estadunidense (Gravedad), y aún con las temáticas sociales europeas en el ambiente ficticio (Harry Potter), muestra un desenfado que realmente contrasta con la locura que domina a su equipo de trabajo y que trata de poner orden entre los reporteros que esperan la entrevista exclusiva: saluda con una efusividad que no concuerda con las advertencias de los colaboradores cuando dijeron “sin fotos, sin autógrafos y rápido porque está cansado, disculpa que te lo diga”. Es así como la entrevista inicia. –Tenías que llegar a esto: eres un director que logra su objetivo gracias a la técnica y ahora haces una película sobre tecnología en un ambiente extraño ¿cómo llegaste a este punto? –Soy casi un inepto en cuestiones de tecnología (…), pero hubo tecnología al hacer la película porque también entiendo las posibilidades que nos ofrece la tecnología, entiendo esas posibilidades y las de mis colaboradores, como las de (Emma-
nuel) Lubeski (encargado de la fotografía en la cinta). Otro de los parteaguas que significa Gravedad en la carrera de Alfonso Cuarón se refiere a su concreción como objetivo familiar, debido a que el guionista es su hijo, Jonás Cuarón, y sería sencillo suponer que el hijo recurrió al padre para entrar por la puerta grande a la industria cinematográfica internacional, aunque la suposición se diluye en la explicación de Cuarón padre: “Esta película es un proyecto que nos
tomó cuatro años y medio y lo hice con Jonás, pero él tiene su vida, vive fuera de México para estudiar guionismo y no está en la película porque sea mi hijo, creo que es al contrario: está porque es un gran escritor, tiene conceptos muy estéticos. Un día me mostró otro guión para que yo le diera algunas ideas, se llama Desierto, y cuando lo leí me di cuenta de que podíamos hacer una película que tratara sobre el espacio exterior, la idea es de él”. El resto de la entrevista se dedica a llegar a una conclusión sobre la conjunción de las
dos ideas, la técnica para realizar una obra audiovisual de nivel artístico y la consolidación de un equipo de trabajo que incluye familiares directos y colaboradores que ya son familia, hasta que Alfonso Cuarón destaca que en realidad se trata de la mezcla de dos circunstancias que permite imaginar nuevas posibilidades temáticas y narrativas a través del cine, “como a la vieja usanza”, una suerte de trascendencia sobre sí mismo que no implica una herencia creativa, sino la posibilidad de abrir nuevos cauces a los impulsos de alguien cercano.
FOTO: IVÁN SÁNCHEZ
ALFONSO CUARÓN Y DANIELA MICHEL EN CONFERENCIA DE PRENSA
Gravedad, la soledad inmensa del ser humano •Érick Alba
l gran problema de la película Gravedad, del director mexicano con mayor presencia internacional en este momento, Alfonso Cuarón, es que no permite al espectador cumplir con uno de los rituales básicos para el que fueron construidas las salas de cine: abrazar a la muchacha de al lado, debido a que esta cinta exige que el espectador se convierta también en personaje y que tome decisiones humanas en un ambiente de gravedad cero, y no hay tiempo para hacer las dos cosas. Gravedad se presentó en función especial para prensa pues se preveía que el cupo no sería suficiente en la ceremonia oficial debido a que la cinta requiere de tecnología 3D. Y aunque la misma obra podría parecer la más depurada de Cuarón, en realidad lo es y no: lo sería al considerar que logra un efecto en el espectador muy parecido al que alcanzó con Y tu mamá también y que se refiere al grado de atención que el público aplica sobre lo que observa, aunque en la cinta grabada en México ese público no participa como personaje mien-
tras que en Gravedad sí lo hace, y sí es la más depurada por el nivel de perfección que alcanza en cuanto a la técnica cinematográfica. Los emplazamientos de cámara cuaronistas son simplemente espectaculares y más cuando se combinan con la fotografía de Emmanuel Lubeski, y es en esa combinación de talentos personales en la que se encierra la soledad inmensa que puede sentir el humano en un ambiente distinto al que le fue otorgado por la naturaleza, el espacio vacío y no la materia tangible, y al mismo tiempo la enorme fortuna que puede gozar ese humano por estar allí, lo que en la pantalla se convierte en arte visual puro que cede algo de su gloria a la creación literaria que contiene el guión, lo que entonces hace irrelevante el hecho de que la cinta se proyecte en 3D pues es más importante el contenido que la forma en que se presenta, aunque ciertamente esa tecnología audiovisual ayuda mucho en el proceso de mover las sensaciones del espectador. Debido a lo anterior, resultan ociosas las comparaciones entre Gravedad, de Cuarón, y 2001: odisea del
espacio, de Stanley Kubrick, e incluso se antoja esa comparación como una salida fácil para cualquier reseñador cinematográfico al momento de escribir su texto bajo la presión del editor: son dos trabajos eminentemente artísticos pero con filosofía propia. Si acaso, la revolución audiovisual que propone Cuarón, tal como en su momento lo hizo el director estadunidense, se basa en lo que se mencionó arriba y que es la participación del espectador como personaje para comprender, desde su butaca cómoda, por qué las leyes de la física son tan dispares ante la ausencia de fuerza de gravedad; en cómo la velocidad de un recorrido común se potencializa hasta convertirse en algo sumamente mortal para el frágil humano en ese ambiente natural que le es ajeno a su naturaleza terrestre; y en cómo el espíritu de supervivencia de ese mismo humano encuentra en el sarcasmo de un personaje sobre otro una de sus mayores herramientas para concretarse, hasta que la pantalla se apaga y el resultado es igual de ilógico: la muchacha ya no quiere abrazos, sólo quiere hablar sobre la película.
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Machete Kills: violencia sin recato y la virtud de sobrevivir •Carlos F. Márquez
obert Rodríguez, el director texano dueño de un humor delirante y de una libertad creativa a toda prueba –incluida la mesura–, llega a México con Machete Kills bajo el brazo, segunda entrega de la que hasta ahora apunta a ser una trilogía fílmica del héroe mexicano que no se arredra con los problemas transfronterizos que incluso le roban el sueño a la primera potencia bélica en el planeta. La proyección de Machete Kills hoy en el décimo primer Festival Internacional de Cine de Morelia (20:30 horas. Cinépolis Centro), con la presencia del director Robert Rodríguez y el actor Danny Trejo, representa el estreno en México de este filme que no logró ser el hit que se esperaba en la taquilla estadunidense, a pesar de contar con un elenco de peso completo en el que figuran Mel Gibson, Charlie Sheen, Sofía Vergara, Michelle Rodriguez, Amber Heard, el infaltable Antonio Banderas y hasta Lady Gaga. Al parecer la crítica tampoco ha sido muy condescendiente con Machete Kills; nada nuevo, ni en la recepción de los críticos ni en el planteamiento de Robert Rodríguez que se mantiene fiel a su estilo: violencia sin recato, secuencias hilarantes en la misma proporción que absurdas y mujeres fatales tan cachondas como peligrosas. En esta segunda entrega de la secuela, con guión del propio Robert Rodríguez, el presidente de Estados Unidos (Charlie Sheen) ofrece entregarle a Machete (Danny Trejo) su nacionalidad a cambio de que viaje a México y capture a Méndez (Demián Bichir), un antiguo miembro de un cártel del narcotráfico que un día se dio cuenta que el vecino país del norte es responsable de la corrupción y violencia que impera de este lado del río Bravo, entonces se convierte en una suerte de revolucionario antiimperialista; no obstante, su misión lo llevará a enfrentar a
DANNY TREJO Y DEMIÁN BICHIR EN MACHETE KILLS
un fabricante de armas que sueña con una guerra espacial. El argumento es sólo un pretexto en la última película del texano, así como en otras de su filmografía, pues no hay una narrativa subyacente o un misterio no revelado que mantengan al espectador al filo de la butaca, ya que la trama se estructura en situaciones simples y sus conflictos se resuelven con giros que desafían toda lógica; por ejemplo, ya son clásicas las secuencias en las que Danny Trejo huye de un enjambre de balas que nunca lo alcanzan, a pesar de que los gatilleros se encuentran a escasos 20 metros de él. ¡Machete es inmortal!
Lo mejor de Machete Kills, y por lo que uno se mantiene pegado al asiento, está en la fuerza de sus personajes que cargan a flor de piel sus locuras, obsesiones y filias. La única virtud que parecen ostentar es la de sobrevivir, lo que tampoco es difícil bajo la dirección de Robert Rodríguez. Así desfilan por la pantalla una madrota (Sofía Vergara) comehombres cuyos senos pueden ser mortales; un ex agente encubierto que tiene complejo de Dr. Jekyll y Mr. Hyde, ya que en un momento es líder revolucionario y al instante siguiente un despiadado capo del narco; El Camaleón (Lady Gaga, Cuba Gooding Jr. y
Antonio Banderas) que cambia de rostro como de ropa interior, y un ambicioso empresario de la industria armamentista (Mel Gibson) que tiene una fascinación por Star Wars. En el universo fílmico de Robert Rodríguez no hay personaje débil, y todos sirven para elevar la talla de Machete, héroe que es una especie de cruza entre Rambo y Mario Almada, el cual sólo podrá ser vencido por sí mismo, aunque eso está por verse en la tercera entrega cuando habrá de enfrentarse con clones de sí mismo en una aventura espacial intitulada en español: Machete mata de nuevo… en el espacio.
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La estética rasquache de Robert Rodriguez, un referente de la cultura chicana •Carlos F. Márquez
a filmografía de Robert Rodriguez divide opiniones: hay quienes lo consideran un genio por su profusión creativa y capacidad de hacer cine con mínimos recursos, pero en la contraparte son muchos también los que consideran que su propuesta no está llamada a trascender por la superficialidad de los temas que desarrolla. No obstante, es difícil regatear el hecho de que se ha convertido en un referente de la cultura chicana, en concreto de la estética o sensibilidad rasquache, y para un sector de la población migrante en Estados Unidos su trabajo les permite identificarse con la situación cultural que viven en el día a día. En la década de 1980 inició entre escritores chicanos un movimiento enfocado a encontrar modelos para interpretar y valorar su literatura con modelos propios, es decir, dejar las teorías estéticas europeas o angloamericanas para verse en el espejo de su realidad. En 1985 Tomás Ybarra Frausto publica su estudio Rasquachismo: a Chicano sensibility, en el cual identifica un conjunto de valores comunes en el arte producido por los mexicano-estadunidenses. Así se arraigó entre los chicanos el concepto de sensibilidad rasquache que, a decir de Ybarra
ARTE PICTÓRICO DE LA CULTURA CHICANA
Frausto, tenía como principios fundacionales la apropiación, reversión e inversión de referentes culturales estadunidenses a manera de resistencia desde las expresiones artísticas. El cineasta originario de Texas, hijo de inmigrantes mexicanos, podría considerarse heredero de esa estética rasquache, ya que en su cine lleva a cabo ese proceso de apropiación y reversión de fenómenos culturales y sociales tan cercanos a la comunidad migrante; el racismo de los minutemen caza hispanos en la frontera y su antagónico héroe migrante mexicano –al más puro estilo de Hollywood– que le salva el pellejo a Estados Unidos; el problema de los cárteles mexicanos de la droga y la responsabilidad de la Casa Blanca en la violencia que azota a su vecino país del sur, y la propia industria cinematográfica como formadora de una sensibilidad belicista. Los problemas antes mencionados son planteados en su último filme Machete Kills,aunque se queda en la superficie y les resta densidad a través del humor. En su libro Arte Chicano como cultura de protesta, Sylvia Gorodezky puntualiza que las expresiones artísticas que se identifican con la sensibilidad rasquache pueden ser consideradas banales porque el ingenio, el estoicismo y buen humor constituyen las armas del chicano para “continuar viviendo con los problemas económicos y sociales en los Estados Unidos”. Robert Rodriguez se puso en la mira de la in-
FOTO: INTERNET
dustria del cine por realizar su ópera prima El Mariachi con un paupérrimo presupuesto de 7 mil dólares, otra razón para identificarlo con la vertiente del rascuachismo que por ser una expresión afín a la clase chicana trabajadora y a los barrios de migrantes tenía como premisa el subsistir con imaginación, por lo que Gorodezky apunta que “el uso de los recursos a su disposición hace que su trabajo sea hibrido, es una mezcla de materiales sin ton ni son, pero es lo que tiene a la mano, aunque sea temporal y efímero”. Machete Kills es un botón de muestra del reciclaje, pues en él confluyen infinidad de lugares comunes no sólo del cine hollywoodense, sino también de los videojuegos (Danny Trejo extrayendo los intestinos de su oponente al más puro estilo de Mortal Kombat), y se confabulan en una especie de sátira, en clave fársica, del espíritu épico que tanto exaltan los estadunidenses en su cine. Los críticos de cine podrían afirmar que ubicar a Robert Rodriguez dentro de alguna corriente estética puede ser demasiada concesión para su cine, pero incluso en lo que más les puede disgustar de su filmografía el texano se afirma como rasquache: “tiene connotaciones de vulgaridad y de mal gusto porque es híbrido y llamativo, esto asusta a la clase media y a la élite que buscan tradiciones menos exuberantes”, dice Sylvia Gorodezky respecto a la sensibilidad rasquache.
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Dr. Onco, con enfoque femenino •Ulises Fonseca Madrigal
i bien la animación suele ser concebida como algo “bonito”, también se puede emplear como un recurso atractivo para retratar problemáticas de un alto impacto en la sociedad actual, como lo es el cáncer, específicamente en la mujer. Ambos elementos dan vida al cortometraje en competencia en la Sección Michoacana Dr. Onco, de Yadira Arellano Mendoza, directora, guionista y animadora de este filme. En relación con lo anterior, la realizadora afirma que el argumento tiene un marcado enfoque de género al cual difícilmente se le puede dar vuelta. “Como mujer es algo que no me es ajeno, ya que por las altas cifras te puedes llegar a preocupar, pues aunque no tengas un antecedente directo en tu familia siempre vas a tener una conocida, entonces es algo que me concierne”, señaló. Esa vivencia subjetiva es narrada en la historia del corto, en donde el personaje principal, llamado Ana, mira a un siniestro médico coleccionar tumores, elemento que motiva la duda en torno al padecimiento; “yo creo que ese miedo lo tiene toda mujer que va a hacerse un chequeo de rutina, entonces quise reflejar este temor a que de pronto te digan oye tus resultados fueron positivos y eres una persona con cáncer”. El empleo de esta temática le permitió la entrada a otros canales de exhibición paralelos a los festivales, ya que su material será empleado en las Jornadas de lucha contra el cáncer que organiza la Universidad Latina de América. “Van a ser abiertas al público, me parece es el lunes 21; a su vez, me contactó una persona superviviente de cáncer, dedicada a dar charlas de su testimonio de vida y ella me dijo que gobierno del estado, a través de la Secretaría de Salud, requería el material, cosa que no se ha concretado pero está en proceso, pues dijeron
FOTOGRAMA DE DR. ONCO
que posiblemente lo ocuparían”. Esto derivó en el tema de abonar a la cultura de la prevención, punto importante en la realización del cortometraje, pues si bien hay campañas al respecto, “no se crea la conciencia como debería ser, muchas veces uno como mujer por pena o desidia o inseguridades, no vas a atenderte ni te revisas como debería ser, entonces pensé en tratarlo de otra forma”. Cabe mencionar que la perspectiva de género y la crítica social son elemen-
tos presentes también en su anterior y próximo proyecto, pues Arellano ya había participado en el FICM en 2009 con Ni muy muy ni tan tan, donde retoma los estereotipos de belleza femenina, mientras que está por iniciar Tiritas de papel, en el cual una vagabunda se enfrenta a una situación muy complicada al lidiar con un embarazo y su condición de calle. Asimismo, la directora detalló que introdujo su proyecto a la convocatoria de Jóvenes Creadores del estado, con
lo cual fue becada por la Secretaría de Cultura “con el apoyo del programa de Desarrollo Artístico de Michoacán, este apoyo lo solicité en 2011 y finalmente se me dio en 2012. Trabajé todo un año en el corto y se concluyó en febrero de 2013”, señaló, al tiempo en que también reconoció el trabajo de su equipo, conformado por Víctor Adame y Rodrigo Orozco en el diseño de arte y escenarios, Odín Arcila en la música y Miguel García en edición y posproducción.
Sobre la migración y el olvido: Larga espera •Ulises Fonseca Madrigal
on un estilo contemplativo e intimista, acorde con la experiencia de lo que es vivir en soledad, Larga espera retrata la forma en que una persona de la tercera edad debe sortear su existencia sin la compañía de sus seres queridos, quienes ante la aridez del panorama económico y social en su pueblo natal, deciden emigrar para, tal vez, permanecer en otro lugar de por vida. “Se toma como una problemática político-social, la mayoría de la gente nada más está esperando tener cierta edad para poderse ir, ya sea para emigrar a las ciudades o a Estados Unidos. Es una cuestión muy grave que tenemos en el país”, comentó Jorge López Alipio, productor y guionista de este cortometraje, inserto en la Sección Michoacana en competencia, al
detallar que la intención también es crear conciencia sobre lo que queda abandonado, y más aún quiénes permanecen atrás, especialmente las personas mayores, “la gente mayor ya no tiene la fuerza necesaria para poder trabajar en otra ciudad… y tal vez ya no los encuentren con vida, ya no los vuelven a ver”, agregó. Asimismo, López Alipio indaga en lo poco que ha sido tocado el tema en la narrativa cinematográfica: “lo más relevante es el maltrato, o retratar la forma como vive la gente del otro lado, no recuerdan lo que dejan o por qué se van. Se olvida mucho a la gente de la tercera edad, quienes como ya no tienen fuerza para poder trabajar o irse, se tienen que acostumbrar a vivir solos”. Esta intención de crear conciencia le ha brindado la posibilidad de obtener espacio en la Secretaría del
Migrante, si bien el productor señala que aún se encuentran en pláticas para definir el programa en donde sería acomodado y distribuido; “tenemos que hacer conciencia para que el mismo gobierno empiece a hacer algo con estos pueblos, para que evitemos tanta migración”, dijo. La historia se apoya en la presencia de pocos personajes: una mujer mayor como protagonista y varios incidentales que la rodean, abonando con su presencia, paradójicamente, a la soledad de la anciana, además de un cariz simbolista al final de la narración. López Alipio señala que las problemáticas sociales también tendrán presencia en su siguiente proyecto, el cual será “sobre deporte, casi referente a la misma línea, enfocado más en cómo el gobierno no apoya a esa gente para poder ejecutar sus actividades”, adelantó.
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Recomendaciones para hoy •Érika Leyva rrancó la décimo primera edición del Festival Internacional de Cine de Morelia y con ello le traemos las recomendaciones para este sábado. The Major, del director Yuri Bykov, forma parte de la Semana de la Crítica del Festival de Cannes. El filme originario de Rusia se centra en la historia de Sergey Sobolev, un comandante de la policía, que va de camino al hospital donde su esposa está a punto de parir. Emocionado, conduce demasiado rápido y atropella a un niño que muere a consecuencia del accidente. El comandante tiene dos opciones: ir a la cárcel u ocultar el crimen. Una película sobre la moral y sobre cruzar o no cruzar la línea. Dirección: Yury Bykov Guión: Yury Bykov País: Rusia Producción: Aleksey Uchitel, Kira Saksaganskaya Compañía productora: 1.2 Company, Rock Films Fotografía: Kirill Klepalov Sonido: Alexander Noskov Música: Yury Bykov Reparto: Denis Shvedov, Ilya Isaev, Irina Nizina, Yury Bykov Duración: 99 minutos Se proyecta en Cinépolis Centro Sala 3 a las 10:50 horas y mañana en Cinépolis Las Américas Sala 4 a las 18 horas. Con la pata quebrada, de Diego Galán, un documental que narra cómo el cine español ha presentado a las mujeres y su evolución desde la década de los 30 hasta hoy, a través de 180 fragmentos de películas. La cinta también repasa la historia de España. Dirección: Diego Galán País: España Producción: Agustín Almodóvar, Enrique Cerezo Compañía productora: El Deseo Daslu, Enrique Cerezo Producciones Música: Bernardo Bonezzi Reparto: Carlos Hipólito Duración: 83 minutos Se presenta en la Casa Natal de Morelos a las 16 horas, con entrada gratuita. Veracruz y Una vida que no termina, de Robert Aldrich, se proyectarán de manera conjunta en la Casa Natal de Morelos a las 13 horas con entrada gratuita. Forman parte de la sección México Imaginario. Veracruz, la segunda de cuatro películas que Burt Lancaster y Robert Aldrich realizaron juntos, es la historia de un par de mercenarios en México que, tras la Guerra
FOTOGRAMA DE HELI
FOTOGRAMA DE MANTO ACUÍFERO
Civil estadunidense, son contratados por el emperador Maximiliano para proteger a una condesa en su camino a Veracruz. Pero el conflicto surge cuando descubren que hay millones de dólares en oro escondidos en el carruaje de la condesa. Dirección: Robert Aldrich Guión: Borden Chase, James R. Webb, Roland Kibbee País: Estados Unidos, México Producción: Harold Hecht, James Hill Compañía productora: Flora Productions, Hecht-Lancaster Productions Fotografía: Ernest Laszlo Sonido: Galdino Samperio, Manuel Topete Música: Hugo Friedhofer, Raúl Lavista, Robert Carlisle, Sammy Cahn Reparto: Archie Savage, Burt Lancaster, Cesar Romero, Charles Buchinsky, Charles Horvath, Denise Darcel, Ernest Borgnine, Gary Cooper, George Macready, Henry Brandon, Jack Elam, Jack Lambert, James McCallion, James Seay, Juan García, Morris Ankrum, Sarita Montiel Duración: 94 minutos Manto acuífero. El cineasta australiano-mexicano Michael Rowe presenta su filme, un largometraje mexicano en competencia. Rowe fue ganador de la Cámara de Oro en el Festival de Cannes de 2010 por su ópera prima
Año bisiesto, la cual también fue presentada, ese mismo año, en el Festival Internacional de Cine de Morelia. Manto acuífero narra la historia de Caro, una niña de ocho años, que luego de la separación de sus padres, se muda con su madre y su padrastro, Felipe. Aunque su madre deja muy en claro que nunca verá a su padre otra vez, Caro sólo quiere que él regrese. Sintiéndose abandonada, busca refugio cerca del pozo en el patio de su casa, un lugar secreto que inspira su imaginación. A medida que crece, distante de su madre, descubre un secreto sobre su padre que la cambiará para siempre. Dirección: Michael Rowe Guión: Michael Rowe País: México Producción: Arturo Sampson, Gael García Bernal, Julián Levín Compañía productora: Canana Fotografía: Diego García Sonido: Sergio Díaz Dirección de arte: Eugenio Caballero Reparto: Arnoldo Picazzo, Tania Arredondo, Zaili Sofía Macías Galván Se presentará en Cinépolis Centro en la Sala 4 a las 3:45 horas. Heli, de Amat Escalante, película mexicana galardonada a Mejor Director durante el Festival de Cine de Cannes 2013, será la encargada de cerrar las funciones de este sábado. Heli, calificada como violenta y cruda, muestra la historia de Estela, una niña de 12 años que acaba de enamorarse de un joven cadete de policía. Él quiere fugarse y casarse con ella. Intentando lograr este sueño, su familia tendrá que vivir la violencia que asuela la región relacionada con la miseria y el narcotráfico. La Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematografías (AMACC) eligió a Heli como la película que representará a México para colocarse entre las cinco nominadas a un premio Oscar. Dirección: Amat Escalante Guión: Amat Escalante, Gabriel Reyes País: Alemania, Francia, México, Países Bajos Producción: Carlos Reygadas, Jaime Romandía, Titus Kreyenberg Compañía productora: Le Pacte, Lemming Film, Mantarraya Producciones, Nodream, Tres Tunas, Unafilm Fotografía: Lorenzo Hagerman Sonido: Sergio Díaz Dirección de arte: Daniela Schneider Reparto: Andrea Vergara, Armando Espitia, Juan Eduardo Palacios, Linda González Duración: 101 minutos Se presenta a las 23 horas en Cinépolis Centro Sala 4.