S U P L E M E N T O
E S P E C I A L
D E
C I N E
DOMINGO 20 DE OCTUBRE DE 2013, MORELIA , MICHOACÁN
NÚMERO 2
Machete y el México mítico de Robert Rodriguez
Foto: Ignacio Juárez
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DOMINGO 20 DE OCTUBRE DE 2013
El FICM, instrumento para recuperar los espacios públicos y la libertad: Diego Luna •Daniela Osorio l Festival Internacional de Cine es un evento que coadyuva a la recuperación de los espacios públicos y para que los ciudadanos puedan ejercer su libertad ante las circunstancias que enfrenta la entidad, afirmó el actor mexicano Diego Luna, tras recibir ayer la condecoración de Huésped Distinguido por parte del Ayuntamiento de Morelia. En sesión extraordinaria de Cabildo se entregó el reconocimiento al actor, quien durante su intervención destacó la situación de inseguridad que ha existido en el estado desde hace varios años al recordar que una de sus primeras participaciones en el Festival fue en 2008, pocos días después del atentado con granadas contra la población civil durante la celebración del Grito de Independencia. Ahí celebró que la comunidad de cineastas mexicanos, en vez de evitar acudir a esa edición del festival, “venimos corriendo para defender a Morelia y al público que demuestra su amor por el cine y venimos todos e hicimos todos los eventos que pudimos y celebrar la libertad de celebrar la cultura. Me acuerdo de eso como un acto de amor a toda la comunidad”. Por ello, afirmó que la realización del festival “significa un gran balance, la gente lo merece, su festival, el evento que significa. El recuperar, o no perder, o no dejar ir los espacios públicos, como un lugar para que nos encontremos y que podamos ejercer nuestra libertad, donde queremos estar, con quien, eso no nos lo pueden quitar y este festival es sin duda un gran empuje para que esta ciudad se acuerde de que la cultura es una necesidad, no un lujo, es
FOTO: IGNACIO JUÁREZ
DIEGO LUNA RECIBIÓ EL NOMBRAMIENTO DE HUÉSPED DISTINGUIDO
vital y es parte de la educación y un festival de cine como este, hace eso, acerca un cine que normalmente no llegaría a un público y aquí hay un público cautivo y lo vamos a defender hasta el final”.
Si bien el festival ha sido señalado por su elitismo y hermetismo de las celebraciones que organiza tras bambalinas, Diego Luna manifestó que más allá de la organización, el público se vuelca hacia
Tributo a José Rubén Romero
este evento anual y llena las salas, por lo que señaló que Morelia se ha convertido en un gran escaparate para la promoción de los proyectos cinematográficos.
DIRECTORA GENERAL CARMEN LIRA SAADE
DIRECTOR JUAN MANUEL VENEGAS RAMIREZ
•Érika Leyva EDICION ERLAND DIETER SCHMIDT
omo cada año el Festival Internacional de Cine de Morelia rinde homenaje a una figura del cine mexicano nacida en Michoacán. En esta décimo primera edición el tributo es para el escritor José Rubén Romero. Rosenda, una joya del cine mexicano, parte de una serie de películas que rinden homenaje al escritor michoacano. La cinta se resguarda en el archivo de la Filmoteca de la UNAM. A decir de la directora de la Filmoteca, Guadalupe Ferrer Andrade, los asistentes pudieron disfrutar de un espectáculo “poco frecuente”, apreciar una de las joyas de la época de oro del cine mexicano en la pantalla grande proveniente de una copia original de nitrato, lo cual calificó como un “privilegio ante la digitalización
del cine”. En este sentido, destacó la importancia de contar con archivos de cine, ya que sin ellos “probablemente perderíamos las películas”. Comúnmente en los festivales de cine “la gente quiere ver cine nuevo e ignora un poco el cine clásico”, señaló la actriz Diana Bracho, quien lamentó que el cine de su padre esté siendo olvidado, ello a raíz de la problemática con la cinta La sombra del caudillo, lo que provocó que fuese relegado por la comunidad cinematográfica y es ahora que el FICM “rescata” parte de la obra de su padre. Al presentar la película, Julio Hernández, vocero del gobierno del estado, señaló que sigue habiendo cineastas que al escuchar del Festival Internacional de Cine de Morelia “se la piensan dos veces antes de venir”. Pero por la situación por
la que atraviesa la entidad, qué mejor que Rubén Romero para describir a través de sus filmes la vida provinciana, “gente que carece de todo pero que nunca pierde la fe y la esperanza, sus textos reflejan un México profundo y te acerca al aspecto humano, a los mejores momentos y los más amables de México”. Rosenda, escrita en 1946 por José Rubén Romero y llevada al cine por Julio Bracho en 1948 emana sensualidad, fortaleza, independencia y sobre todo el sentido del humor característico de los mexicanos, albures y dobles sentidos sin caer en lo vulgar. En la cinta se despliegan estereotipos propios de la época y el machismo en toda su extensión. Retrata a la entereza de una mujer, al arrepentimiento de un hombre y al qué dirán de una sociedad rural.
• Contra-plano, especial de cine del periódico La Jornada Michoacán, editado por Editora de Medios de Michoacán, S.A. de C.V., bajo licencia otorgada por Demos, Desarrollo de Medios, S.A. de C.V., • Manuela Herrera No. 150 planta baja, esquina Rita Pérez de Moreno, • Col. Gertrudis Bocanegra, Morelia, Michoacán, C.P. 58150 •Tels: 01 443 3 26 10 71 y 3 27 94 65 • Distribuido en Morelia y en el interior del estado por Editora de Medios de Michoacán, S.A. de C.V.
contraplano@michoacan.jornada.com.mx
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“La violencia real es difícil cuando es tan grande y no puedes frenarla” •Carlos F. Márquez
n los filmes de Robert Rodriguez corre sangre a raudales, las armas van de mano en mano como billetes de dólar y la muerte está a la orden del día; sin embargo, en su visita a México el cineasta chicano expresa que “la violencia real es difícil cuando es tan grande que sientes que no tienes poder para cambiarla”. Robert Rodriguez y el actor Danny Trejo presentaron anoche en el décimo primer Festival Internacional de Cine de Morelia la película Machete Kills, cuyo proceso de rodaje los trajo a filmar algunas escenas en Acapulco, la ciudad que en 2012 fue identificada como la más peligrosa del mundo. Incluso el director compartió que amigos suyos del FBI le recomendaron no visitar la capital de Guerrero. En su infancia, el director de El Mariachi visitó Acapulco, y como a muchos estadunidenses le pareció “la ciudad más bella del mundo”. A la vuelta de los años explica por qué eligió Acapulco para rodar: “es totalmente diferente de cuando era niño, pero hay mucha gente en Estados Unidos que no sabe eso, entonces a través de una película como Machete, que es cómica, puedes decir que algo debe cambiar para mejorar”. Ya sea por su español carcomido, porque le resulta difícil encontrar los conceptos en el idioma de sus padres mexicanos o por su calidad de extranjero, es evidente que Robert Rodriguez no se siente cómodo al tocar temas como la violencia real o la política de espionaje de Estados Unidos. “Me encanta proyectar un México mítico, porque mucha gente de Estados Unidos no sabe qué pasa aquí, entonces puedes crear cualquier cosa, hay total libertad porque no saben lo que sucede; por ejemplo, en mi mundo los mariachis son hombres de acción, agentes secretos, y el público estadunidense puede creer que es realidad”, refirió.
ROBERT RODRIGUEZ Y DANNY TREJO EN CONFERENCIA DE PRENSA
La mirada de Robert
Cuando se trata de cine, Robert Rodriguez es elocuente como la tarde de ayer en la que ofreció una conferencia de prensa y compartió con la prensa acreditada del FICM sus inicios en el cine a los 12 años con grabaciones familiares, de que El Mariachi fue sólo un ensayo para el mercado del videohome y de su fascinación por la frontera en la que se es “parte de dos mundos”. Danny Trejo, protagonista de Machete, subrayó que Robert Rodriguez ha hecho mucho por reforzar la presencia de los latinos en la industria del cine estadunidense. Recordó que Columbia no quería que Salma Hayek y Antonio Banderas fueran los protagonistas de Desperado, pero Robert se
impuso como suele hacerlo en todos sus proyectos fílmicos. El cineasta texano dio un voto de confianza al mexicano Demián Bichir que interpreta al loco Méndez en Machete Kills: “es el mejor actor con el que he trabajado, ¡increíble!” Y relató que durante el rodaje telefoneó a Quentin Tarantino para decirle: “el más impresionante actor está aquí, tienes que hacer algo con él”. Machete es ya un personaje clásico en la filmografía de Rodriguez, quien compartió que fue ideado como un James Bond mexicano con el que todo es más grande, más increíble. Añadió que eligió ese nombre para referir a un hombre que usa su mente antes que la artillería, y que su arma es precisamente una
FOTO: IGNACIO JUÁREZ
herramienta de campesino que alude a la fuerza trabajadora. Reservado en relación con los proyectos por venir, Robert Rodriguez compartió que ya terminó de rodar la segunda parte de Sin City, filme basado en el cómic de Frank Miller que actualmente se encuentra bajo proceso de creación de efectos especiales, trabajo que puede tardar hasta seis meses. No quiso confirmar si complementará la trilogía con Machete mata de nuevo… en el espacio, aunque Danny Trejo afirmó que si la gente lo quiere, habrá tercera parte; incluso propuso a su director de cabecera explorar otras vertientes como el cine musical: “Machete puede cantar y puede bailar”.
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La Piedra Ausente, crónica del despojo de lo sagrado •Carlos F. Márquez l documental La Piedra Ausente, más que ser un ensayo con propósitos estéticos en el cine, es una propuesta de trascendencia antropológica que retoma el capítulo histórico del traslado del monolito de Tláloc de Texcoco al Museo Nacional de Antropología, y las formas en que la noción de lo sagrado articulan la vida de un pueblo. Sandra Rozental y Jesse Lerner, a través de los testimonios de los habitantes de San Miguel Coatlinchán, rememoran el “despojo” de la piedra tallada más grande del continente que sufrió esta comunidad, la rebelión a que dio origen para evitar su traslado, y la intervención del Ejército Mexicano para garantizar que la pieza llegara a su destino final en la ciudad de México en 1964. Después de la presentación del documental ayer en el Festival Internacional de Cine de Morelia, Jesse Lerner comentó que la estructura discursiva de La Piedra Ausente se apoya en dos líneas: la narración cronológica de los hechos y la exposición de la vida social y ritual que actualmente se desarrolla en Coatlinchán alrededor de la réplica de Tláloc.
El acto del despojo, añadió Sandra Rozental, permitió conocer más de cerca la importancia que el monolito tenía para la participación social, y cómo a partir de que se les envió una réplica se desarrollaron “otro tipo de relaciones y vínculos con el
FOTOGRAMA DEL DOCUMENTAL LA PIEDRA AUSENTE
pasado y con piezas arqueológicas con las que incluso vemos relaciones realmente afectivas”. En el afán de contextualizar el traslado de Tláloc, los realizadores abordan líneas paralelas como la guerra fría, la
conquista del espacio y la relación que la gente tiene con las fotografías como memoria visual; sin embargo, estas digresiones hacen que el documental mengüe en el ritmo y finalmente desvían la atención del argumento esencial.
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Paraíso, drama personal acerca del sobrepeso y la autodestrucción •Carlos F. Márquez
on su largometraje intitulado Paraíso, Mariana Chenillo afianza un estilo cinematográfico sin mayores pretensiones que contar historias domésticas con las que busca la identificación del público promedio. Con ese objetivo claro, en su segunda película arroja luz sobre el drama personal que implica el sobrepeso, el miedo al cambio y el impulso inconsciente de autodestrucción. La egresada del Centro de Capacitación Cinematográfica compite en la sección de Largometraje Mexicano del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM) con una obra inspirada en un cuento de Julieta Arévalo; “encontré (en la pieza literaria) una premisa maravillosa, ¡humana!: una pareja en la que son espejo uno de otro, pero ¿qué pasa cuando uno cambia y el otro no?”, comentó la directora. El título de la película alude a la idílica relación amorosa que viven Carmen (Daniela Rincón) y Alfredo (Andrés Almeida), un matrimonio joven que en busca de mejorar su estatus social cambia su residencia de Satélite a la ciudad de México. En el guión de Chenillo el cambio es el detonante de los conflictos de la trama, aunque en estricto sentido no es la megalópolis la que trastoca a los personajes, toda vez que el derrumbe se da en el plano personal, lo que acentúa el carácter intimista que Chenillo ha dado a su cine desde la ópera prima Cinco días sin Nora. Desde el inicio la directora desvela el leitmotiv de su filme, pues sus primeras secuencias son una clara alusión a las pinturas
del colombiano Fernando Botero: Carmen y Alfredo son obesos, pero ése no es problema en su relación amorosa hasta que ella decide ponerse a dieta, sin prever que sólo uno de los dos logrará modificar su complexión física. La estructura narrativa de Chenillo tanto en Cinco días sin Nora como en Paraíso es llana, exenta de imbricaciones, pero su talento en la dirección se manifiesta en los múltiples registros anímicos que genera en el espectador para llevarlo de la comedia al drama con naturalidad. Los elementos y re-
cursos de los que echa mano son los justos, pues sus historias, en apariencia sencillas, no requieren artificios para mantener su cercanía con lo cotidiano. En la producción nacional se aprecia un viraje hacia la comedia después del auge que tuviera el cine contemplativo al estilo de Mantarraya Films, y hay también un deseo de tener mayor aceptación en taquilla. Mariana Chenillo admite que su propuesta tiene algo de esa vocación comercial, aunque su caso podría ser de los más afortu-
LA DIRECTORA Y LOS PROTAGONISTAS DE PARAÍSO EN LA ALFOMBRA ROJA DEL FESTIVAL
Cortometrajes, de la realidad a la fantasía en un parpadeo
D
ulce Muro
iencia ficción, escenarios urbanos y boscosos, historias de soledad, muerte y recuerdos. Todas ellas contadas en menos de 30 minutos, forman parte de la Selección Oficial de Cortometraje Mexicano que participa en competencia como parte del 11 Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM). La selección tres de esta categoría incluye en su repertorio cortos realizados por el Centro de Capacitación Cinematográfica, con apoyo del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta) y
tiene como común denominador relatos oscuros y melancólicos, que tienen tanto realismo como fantasía. Encabezando la lista, se encuentra el cortometraje Aningaaq, de Jonás Cuarón, una historia alterna a Gravedad, cinta en la cual fue co-guionista junto con su padre Alfonso Cuarón y que fue el filme inaugural del festival. En esta historia se muestra al espectador la otra parte de la llamada que el personaje de Sandra Bullock (en la cinta la astronauta Ryan Stone) logra hacer contacto con alguien en la Tierra, pero que por desgracia no puede entenderle,
pues no habla ni una pizca de inglés. “Desde que escribimos Gravedad se nos ocurrió que estaría padre hacer un corto que acompañara al largometraje, que básicamente enseñara el otro punto de vista de esa llamada, que enseñara quién era ese personaje”, comentó el joven cineasta. Explicó también que la razón por la cual no se incluyó esta parte en el largometraje fue por no romper la línea narrativa subjetiva, que mostrara tan sólo la experiencia del par de astronautas perdidos en el espacio, mismo ambiente que atrapa al espectador y lo hace parte de la historia.
nados puesto que la visión que comparte sigue siendo honesta a todas luces. El actor Andrés Almeida dijo en conferencia de prensa posterior a la proyección de Paraíso en Morelia que el trabajo de Chenillo es arriesgado en el actual contexto del cine, por tratarse de “una película con mucho corazón y sensibilidad que apela a tocar al público de manera muy honesta. Es una historia de amor que no habla de violencia ni de los pesares de esta nación”.
FOTO: IGNACIO JUÁREZ
Además, adelantó que ya trabaja en su próxima película, llamada Desierto, para la cual realizó el guión desde hace cinco años y que al mostrárselo a su padre, inspiró Gravedad. La historia se rige bajo el mismo tenor que la película de ciencia ficción, utilizando únicamente dos personajes. La muestra incluye también otra historia de ciencia ficción cuyo protagonista es un clon que lucha contra una máquina de protocolo de seguridad, llamado Protocolo, de Rodrigo Hernández; y El triunfo, de Baltazar Peña Ríos, que muestra la vida de Nicolás Carrillo Castro, quien fuera el pianista del museo de música de la población abandonada El Triunfo, donde tocó piano hasta el día en que murió. Hay historias de desamparo como La ausencia, de Sulo Corona; de pueblos mágicos, como La laguna encantada, de Paulo Pérez Lombardi y En el bosque, de Alejandra Ibarrola Medina; así como de asesinatos a sangre fría como Inframundo, de Ana Mary Ramos, que completa la selección de cortometrajes mexicanos que continuará exhibiéndose en Cinépolis Centro, en sus diferentes salas, durante la semana del festival.
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Del barrio bravo: Besos de azúcar, el segundo largometraje de Carlos Cuarón Érick Alba
l segundo largometraje de Carlos Cuarón, Besos de azúcar, escrito junto a Luis Usabiaga, puede tener cercanía temática con la cinta británica Melody (Waris Hussein, 1971) en lo que se refiere al surgimiento de los amores preadolescentes, aunque en el caso de la película estrenada este sábado en el Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM), se mantiene presente la esencia de la barriada mexicana con la crudeza que llega a lo caricaturesco. Cuarón realizó antes una buena cantidad de cortos y dio el salto con Y tu mamá también, cinta que, como su nueva obra, refleja ese caló citadino del mexicano con que cubre sus costumbres sociales endémicas, regionales, barriales, y que mantiene viva cierta picardía inocente para referirse a la inmoralidad que tiene como norma de vida ya aceptada y cotidiana. En Besos… se narra la historia del primer amor entre Nacho (César Kancino) y Mayra (Daniela Arce) en el contexto del comercio tepiteño, en la ciudad de México, donde la piratería “es original” como una forma de agradar al cliente, y la corrupción institucional es parte básica del sistema de convivencia. El gran conflicto que plantean entonces Carlos Cuarón como director y Luis Usabiaga como coautor del guión se refiere a la dificultad de contener los impulsos amatorios durante esa edad frente a los conflictos que ese amor puberto puede causar a los adultos debido a sus relaciones comerciales. El egoísmo implícito en cada personaje, y que incluso llega a lo cómico gracias a la filosofía que reflejan en lo particular para dar una aparente legitimidad a sus acciones, llega a su paroxismo en una escena depresiva de La Diabla (Verónica Falcón), cuando se recrimina a sí misma por ser condescendiente y comprensiva, pues eso es lo que provocó que la pareja la traicionara, y la hilaridad en la sala no se hace esperar precisamente por el ritmo de atrocidades en ella que Cuarón le mantuvo y al que el público se acostumbró
hasta ese momento, lo que obliga a pensar que, en realidad, los verdugos que siempre somos a veces necesitamos sentirnos víctimas. A eso hay que sumar la conjugación de personajes que son arquetípicos pero que no llegan al cliché, como Joao (Enrique Arreola), el padrastro abusivo pero convencido de que es un efectivo sostén económico para su familia y una mano dura y necesaria para la enseñanza de los hijos; o el Chiquibuki (Christyan
Ferrer), la joven encarnación de un futuro sicario envanecido en sí mismo, abusador de su hermana, amenazante ante todos, pero patético al mostrar su más pequeña debilidad. Es pensar que Besos de azúcar tendrá una buena respuesta en la taquilla mexicana por su tono narrativo ligero y su rítmica constante, y aunque el lenguaje es ciertamente explícito, no va más allá del que escucha cualquier adolescente durante uno de sus días normales.
Develan placa conmemorativa
COMO CADA AÑO, DIRECTIVOS DEL FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE MORELIA DEVELARON LA PLACA CONMEMORATIVA DE ESTE EVENTO QUE ATRAE LA MIRADA DE PROPIOS Y EXTRAÑOS. PARA ESTA, LA DÉCIMO PRIMERA EDICIÓN, TOCÓ A ALFONSO, CARLOS Y JONÁS CUARÓN ACOMPAÑAR A LA DIRECTORA DEL FICM, DANIELA MICHEL, Y AL EMPRESARIO ALEJANDRO RAMÍREZ FOTO: IVÁN SÁNCHEZ
Sobre el primer amor y la debacle social •Érick Alba omo realizador cinematográfico, Carlos Cuarón busca en la adolescencia el descontrol característico de esa etapa y el descubrimiento vivencial que implica para encontrar las historias que habrán de trasladarse a la pantalla, de allí su primer largometraje Y tu mamá también, su participación en Rudo y cursi, y su segundo largo como director, Besos de azúcar, en que trata de reflejar que, al final, “los adultos somos eternos adolescentes”. Carlos Cuarón explicó lo anterior minutos antes de estrenar su más reciente cinta en México, tomando como escenario al Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM) en su décimo primera emisión. Como parte de las entrevistas realizadas por el propio equipo organizador del festival con los directores invitados y antes de que los medios informativos los aborden en las proyecciones de sus propias cintas, Cuarón explicó que durante el proceso para realizar Besos… debió buscar a la niña de quien se enamoró durante la primaria: “Tuve que recuperar la relación con ella y con mis
compañeros de la primaria para hacer la película. Mientras estaba escribiendo decía: algo me falta; no uso Facebook pero me metí exclusivamente para eso y sí, resultó que toda la generación se estaba reencontrando. Fue increíble porque ahora somos adultos, somos personas muy distintas, pero se puede traer esa emoción del primer amor porque no es igual al amor; (en el primer amor) está el descubrimiento del amor, eso es lo distinto, esas cosas me ayudaron para escribir el guión junto a Luis Usabiaga”. César Kancino y Daniel Arce, quienes encarnan a Nacho y Mayra como personajes principales de la cinta, dijeron luego de su proyección en Morelia que fue divertido trabajar con Cuarón en su primer acercamiento como actores de cine, mientras que el director, por su parte, explicó también que “parte de mi necesidad con querer niños (como actores), todavía con un pie en la infancia y apenas entrando a la adolescencia, es que la hormona lo cambia todo. Lo que es puro se vuelve sexual, no es bueno ni malo, se vuelve sexual, punto, y no quería mostrar eso porque el primer amor no tiene nada que ver con el sexo”.
Junto a lo anterior, la historia se desenvuelve en un marco de decaimiento social producto de la transa como régimen comercial, “y no quiero juzgar al país ni a su gente, estoy tratando de mostrar de la manera más honesta, no como una crítica, cómo somos y cómo nos comportamos, y quería ese enorme contraste entre la historia luminosa y pura del primer amor y el contexto difícil, oscuro, frecuentemente violento y corrupto, como puede ser Tepito”. Después de la primera proyección de Besos de azúcar, Cuarón compartió con los reporteros parte del anecdotario al filmar en ese barrio: “fue divertido grabar allí, nos sentíamos más cuidados por el barrio que por el equipo de seguridad que tiene cualquier película”. Y sobre el mismo tema se extendió en su entrevista con el personal del FICM, cuando dijo que “Tepito es un microcosmos de todo México, en todos los sentidos, no sólo en el de la criminalidad, y la estética de Tepito, del tianguis callejero, del corredor comercial con toldos, nació allí pero ya lo exportó Tepito a todo el país. Es Tepito como arquetipo de la mexicanidad”.
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Manto acuífero, cuando el dolor de los niños pasa inadvertido •Ulises Fonseca Madrigal
a infancia es una época durísima, porque no tenemos defensas psicológicas, no estamos en posibilidad de racionalizar, es una época de mucha vulnerabilidad y forma definitivamente quiénes somos”, dijo Michael Rowe al hablar del tema que explora en su más reciente película, Manto acuífero, en la que acompaña a la pequeña Carolina en el día a día de su nueva vida en un ambiente transformado. De carácter contemplativo y pausado, la película sigue el mismo lenguaje visual que en su anterior filme, Año bisiesto, donde el acontecer sucede ante la cámara fija, sólo que en esta ocasión al nivel de la perspectiva de Caro, quien experimenta el cambio de ambiente y conformación familiar, donde la figura del padre le ha sido vedada mientras su madre y padrastro intentan crear lazos artificiales que, lejos de germinar, aíslan a Carolina en la soledad y la conformación de su propio microuniverso, asentado al fondo de un aljibe seco. “Es un tema poco hablado en la sociedad, o bien se toma desde la perspectiva de los adultos… se trata de una película que nació de mis propias experiencias” dijo Rowe, quien tomó elementos autobiográficos de su propia infancia y de su familia inmediata, “pues tengo una hija de siete años y soy divorciado”, mientras que la presencia de los insectos es una constante en ambas películas; “siempre he tenido una conexión con ellos”. El aislamiento anímico al que se ve
ALFOMBRA ROJA DEL LARGOMETRAJE MANTO ACUÍFERO
sometida Caro derivó en el tema del tratamiento de la soledad como tópico de interés para Michael Rowe, quien dijo que esta es la segunda parte de una trilogía que gira en torno a ese tema, mezclado con la indagación de otras cuestiones inherentes a la condición humana. “Yo creo que hay muchas maneras en que la soledad se manifiesta, en este
FOTO: IVÁN SÁNCHEZ
caso no quería repetir la exploración de la sexualidad, que es algo que me importa mucho, pero no quería limitarme”, precisó. Señaló que la última parte de esta serie abordará el caso de un hombre mayor, si bien dijo no desear dar mayores detalles en torno a esa futura producción. Rowe abundó en el tratamiento de la
El cine en tu comunidad, la emotividad en imágenes
U
lises Fonseca Madrigal
a exposición El cine en tu comunidad 2013, abierta este sábado en el museo Casa Natal de Morelos, recoge parte de los momentos que ilustran la emotividad causada entre las personas originarias de pequeñas comunidades que reciben la visita de los coordinadores de este proyecto homónimo perteneciente al Imcine y cuyas giras de difusión fílmica por todo el país comenzaron en 2009. En la conformación del material fotográfico, en exposición hasta el próximo 29 de octubre, participaron tres personas dedicadas a la atención
del referido proyecto. “Entre ellos decidieron que sería muy interesante tomar fotos, llegaron y me comentaron que levantaron el registro de esta experiencia. Cuando vi las fotografías, la verdad encontré un diálogo muy humano, muy importante, y entonces decidimos montar la exposición”, señaló Cristina Prado, directora de Promoción del Imcine. Cabe señalar que la gira pasó por Michoacán en su primer año y visitó 13 comunidades, mientras que planean regresar en 2014, año en el que, de acuerdo con Cristina Prado, se tiene contemplada una gira por
todo el país. Asimismo, la funcionaria señaló que se han empleado entre cinco y seis millones de pesos en el lapso de 2009 a 2012. “El Conaculta, a través del Imcine y con el apoyo de la Cineteca Nacional, hemos dedicado parte de nuestro presupuesto para este proyecto y ojalá año con año crezca el recurso que se le inyecta”. Con este programa han sido beneficiados cerca de 170 mil personas en sus cuatro años de existencia, cantidad que a decir de Édgar Domínguez, fotógrafo de la exposición, hace patente el crecimiento del programa, “sí se ha acercado bastante gente, cada función
infancia y sus desventuras: “tradicionalmente se dice que los niños no son buenos protagonistas, se los considera pasivos, pero creo que es algo muy reduccionista”, ya que las desventuras a las que muchas veces se enfrentan son situaciones “que no pueden resolver ellos solos. El dolor de los niños es real y no es tomado en cuenta”.
contabilizamos el número de asistentes y la verdad que el evento es un éxito desde que llegamos, de forma que, aunque esté lloviendo, se acercan cien personas, pero hemos tenido funciones de 800 o 900 personas, se llenan las plazas”, celebró. Agregó que la gira de este año todavía se encuentra activa, por lo que el número de imágenes y lugares irá en aumento. “La exposición está pensada para que la gente vea cómo es un día en nuestro trabajo a través de las localidades”, dijo, mientras que Cristina Prado externó el objetivo de ampliar horizontes con el programa: “nos gustaría acrecentarlo, hacerlo simultáneo en dos regiones, en el norte y en el sur”. Por otra parte, Édgar Domínguez afirmó que en general el programa se orienta hacia el público familiar-infantil, pues la audiencia se compone entre el 60 ó 70 por ciento por niños, razón por la cual ponen películas de animación, “como La leyenda de La Llorona, o La leyenda de la nahuala, Una película de huevos y Nikté, hemos tratado de manejar ese tipo de películas pero también hemos puesto películas de ficción o documentales, que también han llamado mucho la atención”.
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Recomendaciones •Adriana Florián omo parte del tercer día de proyecciones del 11 Festival Internacional de Cine de Morelia, el programa para este domingo ofrece opciones diversas para todos los intereses, desde el género documental, cortos y largometrajes en competencia, estrenos nacionales, internacionales y películas de la época de oro. Aquí las recomendaciones:
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La migración, aunque recurrente en el cine, no deja de ser un tema que sensibiliza a los directores por su crudeza y fragilidad; esta cinta muestra el viaje de tres jóvenes originarios de Guatemala que desean llegar a Estados Unidos en busca de una vida mejor a costa de la injusticia y los riesgos que implica el viaje. Se trata de un relato desolador del fenómeno migratorio, muestra de una realidad que se vive a diario en México y que por estas razones fue premiada en Cannes. Director: Diego Quemada-Diez 2013. Duración 110 minutos. Documental-ficción. México Guión: Lucía Carreras, Gibrán Portela, Diego Quemada-Diez Música: Leo Heiblum Fotografía: María Secco Reparto: Ramón Medina, Brandon López, Rodolfo Domínguez, Carlos Chajon, Karen Martínez Productora: Animal de Luz Films / Kinemascope Films / Machete Producciones Función: Domingo 10 Cinépolis Centro, Sala 4, 18:15 horas; lunes 21 Cinépolis Las Américas Sala 2, 20: 25 horas.
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los ojos
En este largometraje en competencia, el personaje principal, Mónica (Mónica del Carmen), es una mujer que trabaja en una fundación dedicada a integrar y rehabilitar a niños que viven en la miseria y que han hecho de las calles del DF su hogar. Mientras tanto, su
hijo Omar (Benjamín Guevara), de 11 años, trata de lidiar con sus problemas con la vista, tiene una enfermedad crónica en los dos ojos, lo que le impide tener una vida normal. Director: Michel Franco, Victoria Franco 2013. Duración 96 minutos. México Guión: Michel Franco, Victoria Franco Fotografía: Isi Sarfati Reparto: Mónica del Carmen, Benjamín Guevara Productora: Lucía Films / Pop Films Función: Domingo 19 Cinépolis Centro, Sala 4, 16:00 horas; Lunes 21 Cinépolis Las Américas Sala 2, 18:15 horas.
L a M aison
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R adio
Esta película está considerada en el género de arte por su desarrollo más inclinado a lo conceptual. En la cinta se proyectan 24 horas en las entrañas de Radio Francia, desde los pasillos, las cabinas, estudios de grabación, hasta el personal que logra darle voz justamente a la emisora. El objetivo es presentarle al espectador “lo que no se ve”, que conforma un universo propio del llamado “medio ciego” en el que la imaginación es el primer recurso, como parte de la participación francesa en el 11 Festival Internacional de Cine de Morelia. Director: Nicolas Philibert 2012. Duración 103 minutos. Francia-Japón Fotografía: Nicolas Philibert, Katell Djian y Laurent Chevallier. Producción: Serge Lalou y Kino Lorber Film Función: domingo 19 Cinépolis Centro, Sala 3, 18:05 horas; miércoles 23 Cinépolis Centro, Sala 3, 19:15 horas
C amille C laudel 1915 Aborda el drama de la escultora Camille Claudel, de la vida real, quien luego de una severa crisis emocional es internada en un asilo de enfermos mentales en las
afueras de Avignon. Camille intenta convencer a su médico de que está perfectamente sana, mientras vive entre los pacientes que no lo están. Ella desespera por ver a su hermano una vez más con la esperanza de que eventualmente podría apoyar su petición. Este filme ha llamado mucho la atención por haber sido grabado en un manicomio real al lado de no actores con trastornos verdaderos. De esta manera, se acerca al sello característico de Dumont, quien en sus películas busca llevar al extremo la sensaciones fatalistas. Director: Bruno Dumont 2013. Duración 97 minutos. Francia Guión: Bruno Dumont Fotografía: Guillaume Deffontaines Reparto: Juliette Binoche, Jean-Luc Vincent Productora: 3B Productions Función: domingo 19 Cinépolis Centro, Sala 4, 20:45
We
are what are
Remake de la cinta mexicana Somos lo que hay (2010, México), narra la historia de una familia aparentemente sana y benévola, los Parker, quienes siempre se han mantenido fieles a sí mismos por una buena razón. A puertas cerradas, el patriarca Frank lleva la batuta de la familia con riguroso fervor, decidido a mantener sus costumbres ancestrales intactas a toda costa. Como si de la tempestad de lluvia torrencial que acecha la zona se tratase, la tragedia golpea a los Parker cuando las hijas, Iris y Rose, se ven obligadas a asumir responsabilidades que van más allá de las de una familia típica. Su tarea más importante será la de poner la carne en la mesa, pero no el tipo de carne que puede encontrarse en el supermercado local. Director original: Jorge Michel Grau Director remake: Jim Mickle Remake 2013. Duración: 106 minutos. Estados Unidos Fotografía: Ryan Samul Función: domingo 19 Cinépolis Centro, Sala 4, 23:00 y Sala 5 a las 21:15
HOMENAJE A UNo de los GRANDEs
COMO PARTE DEL HOMENAJE QUE EL 11 FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE MORELIA RINDE EN ESTA EDICIÓN AL EXTINTO ACTOR MEXICANO ARTURO DE CÓRDOVA, SE MONTÓ UNA EXPOSICIÓN FOTOGRÁFICA CON IMÁGENES DE LAS PELÍCULAS QUE PROTAGONIZÓ EN LA LLAMADA ÉPOCA DE ORO. EL HISTRIÓN, CONSIDERADO UN ICONO QUE ALCANZÓ LA FAMA EN MÉXICO Y EN EL EXTRANJERO, PARTICIPÓ EN MÁS DE 90 CINTAS FOTO: IVÁN SÁNCHEZ