CONTRA-PLANO

S U P L E M E N T O

E S P E C I A L

D E

C I N E

MARTES 22 DE OCTUBRE DE 2013, MORELIA , MICHOACÁN

NÚMERO 4

María de Medeiros Revoluciones pacíficas, la única solución Foto: Iván Sánchez

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MARTES 22 DE OCTUBRE DE 2013

La vida después: tensión entre individualidad y herencia familiar •Carlos F. Márquez a familia como espacio de lucha entre lo que se quiere ser en el plano individual y las herencias de los padres que no siempre son constructivas constituye el principio creativo de David Pablos que compite por el Ojo al mejor largometraje mexicano en el Festival Internacional de Cine de Morelia con La vida después, su ópera primera que fue la única de manufactura nacional incluida en la Mostra di Venezia.

David Pablos se adjudicó el premio al mejor cortometraje de ficción en la sexta edición del FICM con La canción de los niños muertos, una obra sin concesiones que por ser la primera en su filmografía y al ver los derroteros que ha seguido después su cine pudiera entenderse también como una declaración de filias creativas y principios estéticos.

En su primer cortometraje también aborda la complejidad de las relaciones familiares, pues con un estilo contemplativo que busca plasmar los conflictos internos de los personajes, desarrolla la historia de un padre y sus dos hijos que se encuentran en una cabaña solitaria donde tratan de sobrellevar la muerte de la madre; sin embargo, los hermanos culpan al papá del deceso y deciden cobrar venganza.

La vida después es una obra en la que David Pablos sigue fiel a sus preceptos: una madre (María Renée Prudencio) viaja con sus dos pequeños hijos al funeral del abuelo, y nuevamente este director utiliza la muerte como el detonador de los conflictos que empiezan en el espacio íntimo e individual, pero que se desbordan hasta fracturar el núcleo familiar.

FOTO: IVÁN SÁNCHEZ

ALFOMBRA ROJA DEL LARGOMETRAJE LA VIDA DESPUÉS

El guión de Gabriela Vidal y el propio Pablos comienza su verdadero desarrollo con una rápida traslación de la infancia a la adolescencia de los hermanos Rodrigo (Rodrigo Azuela) y Samuel (Américo Hollander).

En conversación con la prensa acreditada al FICM, David Pablos compartió que su principal interés en su ópera prima era hablar de una relación fraternal, y de las decisiones que se pueden tomar para que los lazos de sangre no se vuelvan destructivos. Subrayó que la fa-

milia no se puede elegir, pero sí se puede determinar en qué casa se quiere vivir.

La ausencia es otro elemento que el director vuelve a emplear para detonar los conflictos de su historia; sin más aviso que un recado sobre la mesa para avisar que va a salir, la madre desaparece y obliga a sus hijos a la búsqueda.

Para Samuel y Rodrigo el viaje por los viejos lugares y recuerdos compartidos es más que la búsqueda de la madre, se trata de un periplo de autoreconocimiento y de identificación de los rasgos

Ciudad capital, cuestionamiento al estilo de vida moderno

•Ulises Fonseca Madrigal

ediante un estilo sobrio y pulcro, así como una ambientación burguesa, Ciudad capital cuestiona las aspiraciones más prestigiadas de la vida moderna, como la acumulación de dinero, idea que de acuerdo con Agustín Bracho Adalid, su realizador, surgió para crear “una representación conceptual de lo que es el vacío, definido en términos económicos y de poder”.

Así, este cortometraje participante en la Sección Michoacana narra los momentos en que la devastación anímica y existencial aqueja con mayor fuerza en la persona del personaje principal, para quien su evidente triunfo económico es nada ante la fuerza del absurdo “no me quise meter a una ideología determinada, aunque sí tiene que ver con el sistema actual,

pues la idea focal era retratar cómo afecta la persecución del éxito en términos de dinero y de poder en la manera de ser de las personas y en su vida cotidiana, es decir, la forma en que este ideal que todos buscamos es completamente individualista, pero nos manda lejos de nosotros mismos y no nos permite ver lo que es importante y tenemos frente”, explicó.

En el caso de la narrativa del corto, el elemento de alienación y pérdida afecta especialmente a la novia del protagonista, quien representa el amor, pero cuya presencia no logra disolver la crisis. Este fenómeno tiene sus referentes en el ámbito público y señala una necesidad para cambiar en el paradigma de vida deseado por amplios sectores sociales, en el sentido de que es necesario vislumbrar alternativas más auténticas. “Creo que la crisis se puede presentar en jóvenes o adultos, el

problema es el ideal que todos buscamos, y cómo estamos persiguiendo algo que es falso, seguimos un sueño que nos vendieron pero que es completamente artificial, y cuando llegas ahí, que es el punto donde se encuentra mi personaje, te das cuenta de que todo fue una tomadura de pelo porque nada de lo que te prometieron es real”.

Agustín Bracho ha buscado más espacios para mostrar su trabajo, de forma que el Festival Internacional de Cine de Morelia es el inicio de un periplo por varios certámenes: “estamos en competencia por la selección en el Festival de Guadalajara; en Viña del Mar, Chile, y en otros cinco festivales internacionales”, comentó el cineasta, quien afirmó estar actualmente trabajando en un largometraje, “el cual es un proyecto que traigo para los próximos cuatro años”.

que los unen y separan como hermanos.

Aunque La vida después es su ópera prima en David Pablos ya se puede identificar un estilo que, por cierto, no es sencillo para el público que tiene pocos referentes del cine de autor, toda vez que sus tomas fijas y prolongadas se traducen en un ritmo narrativo que se sostiene con pocos diálogos, y por lo que puede resultar denso; sin embargo, su apuesta es que el espectador se identifique con los personajes y llene los silencios con sus propias experiencias anímicas.

DIRECTORA GENERAL CARMEN LIRA SAADE

DIRECTOR JUAN MANUEL VENEGAS RAMIREZ

EDICION ERLAND DIETER SCHMIDT

• Contra-plano, especial de cine del periódico La Jornada Michoacán, editado por Editora de Medios de Michoacán, S.A. de C.V., bajo licencia otorgada por Demos, Desarrollo de Medios, S.A. de C.V., • Manuela Herrera No. 150 planta baja, esquina Rita Pérez de Moreno, • Col. Gertrudis Bocanegra, Morelia, Michoacán, C.P. 58150 •Tels: 01 443 3 26 10 71 y 3 27 94 65 • Distribuido en Morelia y en el interior del estado por Editora de Medios de Michoacán, S.A. de C.V.

contraplano@michoacan.jornada.com.mx

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Revoluciones pacíficas, la única solución: María de Medeiros •Carlos F. Márquez

a revolución es un proceso permanente. La democracia es un jardín que hay que cuidar porque los valores más importantes para la sociedad son muy frágiles y se pueden perder muy rápidamente”, expresa la actriz y directora portuguesa María de Medeiros que afirma no ser activista, pero en su andar por el cine ha dejado importantes documentos fílmicos sobre las dictaduras, su derrocamiento y la reconstrucción del tejido social.

Después de ofrecer un concierto en el Cervantino donde presentó su última producción discográfica Pájaros eternos (después de los discos A little more blue y Peninsulas & continentes), María de Medeiros participa como jurado en el Festival Internacional de Cine de Morelia, encuentro en el que también proyecta su documental Los ojos de Bacuri, sobre la vida de tres mujeres de diferentes generaciones que sobrevivieron a la dictadura militar en Brasil durante la década de los 70.

En entrevista para Contraplano comentó que la Comisión de Amnistía y Reparación del Ministerio de Justicia en Brasil le propuso realizar Los ojos de Bacuri, ya que “están haciendo un trabajo muy importante de pedir disculpas, a nombre del Estado brasileño, a las víctimas de la dictadura en los años 70”. Incluso le propusieron trabajar con tres generaciones de mujeres de una misma familia que “sobrevivieron siempre luchando” porque los hombres fueron asesinados.

El primer eslabón en la cadena de infortunios causados por la dictadura es Denise, tras nacer su hija huye a Chile donde le toca vivir el golpe de Estado que entronizó a Pinochet, por lo que se vuelven a exiliar en Italia donde nace y hace su vida Eduarda.

Medeiros, quien también grabó un disco con canciones de resistencia de la autoría de Chico Buarque, Caetano Veloso y Gilberto Gil, entre otros, comenta que el proceso de

LA ACTRIZ, CANTANTE Y DIRECTORA MARÍA DE MEDEIROS

amnistía ayuda a las víctimas del régimen totalitario a “reconstruirse por lo menos jurídica y administrativamente”, es decir, tener una identidad real puesto que muchos niños nacidos durante la época eran clandestinos, ya que llevar el nombre de los padres verdaderos implicaba un riesgo.

La Unesco nombró Artista por la Paz a Medeiros, quien inició su trayectoria como directora con el largometraje Capitanes de abril, una historia sobre la Revolución de los Claveles que le atrae no sólo por concernir a su natal Portugal, sino por tratarse de “un golpe de Estado totalmente humanista” en el que jóvenes militares no se quedaron con el poder, sino que lo entregaron a los civiles para que hicieran la democracia”.

“Yo tuve la suerte de estar bastante cercana a ese periodo revolucionario porque mi

FOTO: IVÁN SÁNCHEZ

mamá era periodista política en la época, y gracias a ella conocía a casi todos los protagonistas reales de la revolución, por eso quise contar la historia”, compartió.

Sobre movimientos como la Primavera árabe, los Indignados en España, y los ocupas con presencia en varios países, recalcó que las revoluciones pacíficas son la única solución porque los cambios violentos nunca han llevado a nada. Incluso criticó las intervenciones militares en nombre de la democracia.

“Las supuestas intervenciones bélicas por todas partes que supuestamente son quirúrgicas acaban matando a millones de personas; no hay un ejemplo reciente de intervención bélica que haya dado un resultado positivo. La única solución es el respeto al ser humano”, afirmó.

Una vida, todas las vidas

La portuguesa, que ha actuado bajo la dirección de Quentin Tarantino en Pulp fiction y de Bigas Luna en Huevos de oro, confiesa que no anhela interpretar ningún personaje en particular, pues el camino andado como actriz, que es bastante largo y diverso, ha tenido como faro la máxima de Picasso: “yo no busco, encuentro”.

Una de las cosas más difíciles de reconocer para un actor, afirma, es darnos cuenta que tenemos un margen muy limitado de elección, “pero ocurren increíbles sorpresas”; por ejemplo, María de Medeiros grabó este año Meetings with a young poet, bajo la dirección de Rudy Barichello, filme en el que interpreta a Samuel Beckett.

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Chris Marker, padre del cine de ensayo •Érika Leyva ajo la premisa de reactivar entre los cinéfilos el gusto por la lectura especializada en el séptimo arte y abrir un espacio de debate y reflexión, Ambulante Ediciones lanzó su primer libro en el marco de la décimo primera edición del Festival Internacional de Cine de Morelia. Se trata de una colección de ensayos sobre la obra del cineasta francés Chris Marker.

Chris Marker Inmemoria no sólo brinda la filmografía del cineasta, habla de la aportación del llamado “padre del cine de ensayo” a la producción y distribución masiva del cine documental a través de las redes sociales y la utilización de las nuevas tecnologías.

Carlos Bonfil, uno de los colaboradores en la realización del texto, señaló que en los últimos años muchos jóvenes cineastas se han enfrentado a “los enormes aparatos hegemónicos de distribución fílmica que obstaculizan toda expresión artística individual”, por lo que las tecnologías de la información abren una nueva ventana.

Con la comunicación instantánea, el volumen de información e imágenes dispersas e incuantificables, que literalmente se han vuelto el detonador de grandes movilizaciones y fenómenos sociales como el caso de Wikileaks o el de Edward Snowden, incómodas para las hegemonías políticas, es difícil pensar en el octogenario Chris Marker e ignorar esta vertiginosa revolución inmediata; por el contrario, se exploran todas las posibilidades del Internet en su atiborrado panorama audiovisual doméstico, indicó Bonfil.

Ante una revolución tecnológica, Marker es considerado por los autores del libro como precursor de nuevas estrategias de difusión fílmica, “el más conocido autor de películas desconocidas; el continuo flujo

de información nos hace partícipes de nuevos formatos de distribución, muchos cineastas jóvenes aprovechan estos recursos informáticos y eso los hace alumnos de Marker”, expresó José Carlos Avellanar, copartícipe de la obra.

EL ESPECIALISTA CARLOS BONFIL, TERCERO DE IZQUIERDA A DERECHA

El cine de Marker, a decir de los especialistas, resulta estimulante; la manera de hacerlo bajo su manía por viajar, tomar fotografías, charlar y mantenerse en constante interacción con sus protagonistas, retrata su visión vanguardista de hacer cine.

FOTO: IVÁN SÁNCHEZ

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La luz plateada del cine, por encima del video digital: Eduardo Villanueva •Érick Alba

pesar de ser un cineasta de vanguardia, tanto por su edad como por su técnica narrativa, el joven Eduardo Villanueva todavía no confía plenamente en la revolucionaria tecnología del video digital y prefiere grabar en cintas Súper 16, y la razón es simple: “las luces plateadas, esa profundidad, no se tiene con las nuevas cámaras”.

El autor de Penumbra, una de las cintas con presentación estelar correspondientes a este lunes dentro del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM), respondió a ese cuestionamiento después de detectarse cierto grado de imperfección en la imagen, sobre todo la que tiene planos de luminosidad distinta, y consideró que “todavía el cine no ha sido rebasado por el video”, aunque también reconoció que el video “tiene la ventaja de que se puede pintar la película (a través de programas computacionales), corregir el color, pero la tecnología aún no llega a esas profundidades que tiene el negativo. Yo seguiré grabando en Súper 16”.

Después de que la película se presentó en países como Eslovaquia, Perú, Holanda, Argentina, India, Sudáfrica y México, entre otros, Villanueva enfrentó la pregunta que puede surgir en cualquier espectador y que alude al rechazo, aunque es preciso decir que la pregunta de la reportera tal vez no tenía la intención de la agresión contra el realizador, pero ciertamente dicha pregunta estuvo mal planteada y lo pareció así.

FOTO: IVÁN SÁNCHEZ

EDUARDO VILLANUEVA, DIRECTOR DE PENUMBRA

Ante eso, el realizador se mostró calmo y respondió: “hay gente a la que le gusta este cine y hay gente que no, está muy bien que no te haya gustado, no hay problema”, y en ese punto la reportera trató de corregir el contenido de la pregunta pero se enredó aún más, ante lo que el entrevistado, entonces sí, se mostró agre-

sivo: “depende de cómo vengas al cine, de si estás cansada o no”.

Después siguieron otras preguntas más relacionadas con la técnica, tanto en el lenguaje como en la grabación, aunque se mantenía cierto grado de tensión en las respuestas del director producto del primer cuestionamiento, algo que en pocas

Penumbra, al filo de la realidad y la fantasía

É

rick Alba

on Penumbra, el largometraje del joven mexicano Eduardo Villanueva, se puede representar una nueva tendencia de la filmografía nacional que busca acortar la frontera que existe entre la ficción y el documental, aunque lo novedoso de la propuesta todavía causa duda en cuanto a la técnica que ha de utilizarse, pero sin dejar de lado que los resultados son alentadores.

La obra se presentó este lunes dentro del Festival Internacional de Cine de Morelia, con alfombra roja previa, y con la presencia del propio director para responder preguntas posteriores sobre su

propuesta de ritmo lento que retrata lo que, a simple vista, es la rutina normal de un pareja de campo, Adelelmo Jiménez y Carlota Rodríguez, nombres reales de los personajes en la serranía de algún punto del estado de Jalisco.

Esa narrativa lenta hace referencia a la velocidad de la vida diaria en ellos, un cazador que sobrevive junto a sus recuerdos y la ama de casa que encontró su propio trajín dentro de la pequeña cabaña y el extenso patio lleno de animales de corral que son al mismo tiempo bocado y compañía.

Puede adivinarse un enfoque documental desde el momento en que se estudia la problemática de supervivencia

en ellos, como la búsqueda de lo que parece ser algún animal dañino para darle muerte y las salidas por la madrugada para encontrarlo, lo que obliga a ciertos emplazamientos de cámara para encontrar la luz adecuada; y aunque la mayor parte de la trama remite al asunto del sustento diario, llama la atención la ausencia de dinero en ella, pues la salud física se cuida con hierbas, y el alimento, con los animales que están a la mano.

Pese a eso, hay tiempo suficiente para realzar la fotografía fija sobre paisajes de profundidad envidiable y bosques de segundo plano, aunque la parte más lograda en ese sentido se manifiesta en la espera del venado que sigue el cazador,

ocasiones sucede dentro del FICM, y que como se dijo arriba, fue producto de una imprecisión, no de una intención.

“Una cosa es hablar con palabras y otra con cinematografía, el cine es imagen, es luz, y es mejor dejar abierto el abanico de la interpretación”, dijo Eduardo Villanueva, lo que entonces le valió un aplauso del público, y que también es extraño en estos casos pues se supone que los presentes eran reporteros, y por alguna extraña razón, ellos nunca aplauden en una actividad en la que están por motivos de trabajo (eso incluso fue una causa de reclamo por parte de Juan Carlos Rulfo el año anterior, cuando presentó De panzazo, lo que puso bastante nervioso a Carlos Loret de Mola).

Después del aplauso las cosas parecieron relajarse, y Villanueva explicó que en su cinta utilizó el recurso cada vez más socorrido de poner frente a la cámara a personas que no son actores para encarnar sus papeles, de hecho, minutos después dijo a este diario que el personaje principal, el cazador en la sierra jalisciense Adelelmo Jiménez, es en realidad “mi amigo con una historia interesante para contar”, y que además “son personas que en cierta manera están más vírgenes (en cuanto a la actuación); los actores son gente que ya no tiene ciertos gestos particulares”.

“Me gusta decir las cosas entre líneas, esta película es más para sentirse que para pensarse aunque tampoco se puede esperar algo siempre, no por un movimiento lento de la cámara se debe esperar un mensaje”, puntualizó.

cuando él está en cuclillas oculto tras la maleza que rodea a un claro y mientras la cámara abandona al personaje para hacer un paneo que entonces convierte al espectador en otro compañero de cacería, con todo el silencio que implica la espera de la presa.

La línea documental entra entonces en duda, cuando el animal por fin es cazado e inicia una lluvia tenue que en la toma se acentúa por la persistencia del sol. Es allí cuando el espectador muestra reticencias sobre la realidad de la toma, pues de ser lluvia verdadera se podría aludir a algún tipo de reclamo divino por el asesinato de la bestia, aunque es innegable también que esa vacilación es parte de la magia que contiene el cine: uno pierde los puntos de referencia sobre la realidad y la fantasía.

La práctica de este estilo de creación cinematográfica puede dar dividendos más profundos en el futuro, aunque lo más rescatable en este momento es su capacidad para lograr esa confusión sabrosa que se mencionó arriba y que hace pensar que la filmografía mexicana contemporánea, a pesar de toda su problemática fuera de lo creativo, muestra una vitalidad incuestionable.

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Arturo de Córdova cobra vigencia •Érick Alba

na de las 15 cintas que conforman el primer homenaje que se rinde en México al actor Arturo de Córdova a 40 años de su fallecimiento, En la palma de tu mano, de Roberto Gavaldón, funcionó como imán para la prensa extranjera presente en el Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM), e inesperadamente, para un público en su mayoría joven, incluyendo a uno de los directores mexicanos de moda, Amat Escalante, que como en los años 50 dio una buena entrada a la sala para ver a tres puntos álgidos de la actuación en México, el ya mencionado De Córdova junto a Carmen Montejo y Leticia Palma.

La serie de proyecciones de homenaje a uno de los actores más detectables en América Latina se realiza con apoyo de la Filmoteca de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), misma que en años anteriores aportó estas cintas para atraer público a la Cineteca Nacional, en la ciudad de México, como El esqueleto de la señora Morales bajo el formato de proyección didáctica, cosa que en esta ocasión no sucedió debido tal vez a que buena parte de la asistencia se compone de cinéfilos consumados.

La obra es en sí un clásico mexicano y no podía ser menos al tomar en cuenta que la novela original es de Luis Spota y la adaptación de Silvestre Revueltas, lo que convierte a la imagen en movimiento en una verdadera proeza literaria narrada con luz y adosada con las actuaciones de los tres ya mencionados, a los que se suma Ramón Gay en un papel que injustamente sería llamado hoy como “secundario”, quienes gracias a su

FOTO: IGNACIO JUÁREZ

EXPOSICIÓN AL AIRE LIBRE EN HOMENAJE A ARTURO DE CÓRDOVA

propia fisonomía y estilos histriónicos fueron capaces de humanizar lo que en su tiempo ya debían ser personajes cliché.

Así, Arturo de Córdova asume al charlatán consumado en busca de fortuna fácil aunque el guión le permite mostrar rasgos de cierta honestidad a través del arrepentimiento, de la mentira piadosa, del amor genuino pero puesto a prueba y derrotado por la femme fatal que es Leticia Palma, quien es convincente en su papel de mujer calculadora pero que acciona sólo frente a la ocasión, y allí está una de las valías literarias del argumento, pues la del personaje inteligencia brilla según las cir-

cunstancias hasta que el espectador llega al punto de observar a tres criminales, De Córdova, Palma y Gay, interactuando con sus planes de agresión mutua completamente abiertos pero sin que el espectador sepa realmente quién ganará la disputa.

Muy al estilo del thriller de la época, la historia se resuelve a través de una confusión causada inconscientemente por el personaje de Carmen Montejo, quien hasta entonces había encarnado el rol de la mujer inocente y abnegada y que, como siempre, saca la peor parte en todo.

Si algún error podría marcarse a la cinta, y sólo por la claridad que ofrece el

tiempo a la distancia, sería el de las dos o tres menciones que se hacen sobre la estancia de los personajes de Montejo y De Córdova en París y Viena como amantes errantes y perseguidos por su actividad ilícita, lo que no concuerda con el nivel económico mostrado en la historia (en la actualidad podría mencionarse a Saltillo y a Uruapan para producir el mismo efecto), pero que habla de la atracción que pudo haber sentido el público en ese momento ante el pasado trashumante de los personajes, aunque es innegable que esa atracción, aunque sea por factores distintos, sigue vigente en nuestros días.

Activismo y persecución, a la pantalla •Carlos F. Márquez a creación de formas de organización comunitaria que buscan mayor equidad en la vida social y la imposición de los intereses del Estado mexicano sobre los derechos de los pueblos son temas recurrentes entre los documentalistas que compiten en el Festival Internacional de Cine de Morelia; en ese sentido y congruente con el compromiso que demanda el género, el realizador Ángel Linares condenó el asesinato de la activista guerrerense Rocío Mesino Mesino, al que calificó como un crimen político que forma parte de la campaña de persecución y amedrentamiento que desde el arribo del priísta Enrique Peña Nieto al poder se ha desatado contra líderes sociales.

Ayer, al concluir la proyección del programa tres de documentales en competencia, el joven realizador dijo frente al público que no se puede permitir que el duopolio televisivo siga acallando la persecución política del Estado contra activistas sociales, como la líder de la Organización Campesina de la Sierra del Sur, Rocío Mesino, quien fue asesinada el sábado en el municipio de Atoyac de Álvarez, Guerrero.

Precisamente en las comunidades campesinas de Atoyac de Álvarez se realizó Las montañas invisibles, documental de Ángel Linares que recupera los testimonios de mujeres que perdieron a sus hijos y esposos durante la guerra sucia, pues permanecen desaparecidos desde que se los llevaran los militares con el argumento de que formaban parte del movimiento

guerrillero de Lucio Cabañas.

Con una estructura coral en la que hablan varias mujeres, sin personalizar los testimonios para que se vuelvan una sola voz que hable de la histórica represión, Ángel Linares revela cómo las mujeres han pasado toda una vida buscando a sus desaparecidos, y descuidando incluso a sus otros hijos, todo para que hasta la fecha no tengan una respuesta firme del Estado.

Otro trabajo que sobresale es Un salto de vida, de Eugenio Polgovsky, que da voz a los vecinos de los municipios El Salto y Juanacatlán, en Jalisco, quienes mantienen una lucha civil pacífica por contener el deterioro de la cuenca antes conocida como “el Niágara mexicano”.

Desde hace tres décadas una familia mantiene una lucha que empezó por conservar los peces, aves y vegetación de la cascada El Salto de Juanacatlán que se veía amenazado por el desarrollo de industrias e instalación de empresas trasnacionales. A la vuelta de los años les queda poco que conservar, y la apuesta de su activismo ahora es por preservar la vida, toda vez que en el entorno de la cuenca cada vez son más los jóvenes que mueren a causa del cáncer.

Roberto Olivares se arriesgó y consideró que la vida de un joven indígena que estuvo en coma y revivió para convertirse en músico y artesano era digna de un trabajo documental, así realizó Manos grandes, que relata el periplo de Huemac Olivares en busca de un sentido para su vida, el cual encontró en

la construcción de instrumentos musicales autóctonos con el quiote del maguey, mismo que ejecuta en conciertos.

El programa 3 de documentales se proyecta nuevamente hoy a las 17:45 en Cinépolis Centro, mañana en la Casa Natal de Morelos a las 20 horas y el viernes a las 17:30 en Las Américas.

¡Golazo!

La función de ayer también tuvo su toque irónico cuando Bruno Varela le metió un gol al comité seleccionador de los trabajos en competencia en el FICM, pues pidió disculpas por la proyección de su documental Parque Colosio, el cual, dijo, fue el único que seleccionaron de otros varios materiales que mandó, pero al mismo tiempo era el que menos esperaba ver proyectado.

El comité seleccionador consideró que el trabajo de apenas cinco minutos y medio no sólo merecía ser considerado un documental, sino que también tenía los atributos necesarios para competir; sin embargo, su autor explicó que se trataba sólo de un boceto, y que además no lo creó con la idea de proyectarlo en cine, sino con el propósito de presentarlo en una galería en el contexto de una exposición un tanto conceptual (sic y recontrasic). Esperemos que la honestidad de Bruno Varela no le cueste futuras exclusiones del selecto trabajo de “curaduría” del FICM.

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Canales de distribución, talón de Aquiles del cine independiente •Dulce Muro

l gran reto que sigue enfrentando el cine independiente es la falta de distribución y la captación de audiencias, a pesar de haber grandes propuestas y valiosas producciones, así lo aseguraron expertos durante la primera mesa del Encuentro de Realizadores Mexicanos 2013 que se realiza en el marco del 11 Festival Internacional de Cine de Morelia.

En la charla intitulada México y el cine independiente en Estados Unidos, realizada ayer para inaugurar el ciclo de conferencias de la semana, participaron Inna Payán, de la productora Animal de Luz Fil; John Sayles, cineasta y escritor estadunidense; los productores Edward James Olmos y Alejandro Springall, y la también productora Olga Segura.

Sayles, quien viene a presentar su más reciente película, Go for sisters y es considerado una de las figuras emblemáticas del cine independiente en Estados Unidos, aseguró que en México hay muchos directores interesantes y las historias son más diversas, sin embargo, el problema máximo es la falta de distribución y el desinterés del público, pues en Estados Unidos menos del 3 por ciento de la audiencia ve películas subtituladas.

Otro obstáculo es que a pesar de contar con un nicho de audiencia, éste es muy pequeño comparado al de grandes producciones, lo que hace sumamente difícil competir con ellas, es por eso que se deben buscar nuevos senderos para llegar a la gente, consideró Sayles.

Edward James Olmos, quien además

FOTO: IVÁN SÁNCHEZ

PRIMERA MESA DEL ENCUENTRO DE REALIZADORES

de producirla, también actúa en Go for sisters, coincidió con esta opinión del cineasta, pues aseguró que el cine independiente está creciendo mucho, pero lo difícil es conseguir el apoyo de la gente.

Por su parte, Alejandro Springall, productor de la película, considera que en

Estados Unidos, a diferencia de México, hacer cine independiente es mucho más complejo, pues allá no existe ningún apoyo del gobierno para la realización, sino que se trata de “una voluntad de hacer las cosas y con el dinero propio”.

Remarcó la diferencia entre los sin-

dicatos existentes en el país del norte, con los de México, pues allá se tiene una injerencia mucho más fuerte en las decisiones de las producciones, salarios y condiciones laborales de quienes trabajan en estas películas, mientras aquí existen más limitantes y no se tienen las mismas condiciones de empleo.

A pesar de estas dificultades, Springall aseguró tener el interés por seguir trabajando con cine independiente, pues éste es mucho más libre que trabajar en los grandes estudios.

Sin embargo, no todo es pesimismo, pues también aseguró que se están abriendo muchas posibilidades incluso tecnológicamente hablando, pues ahora contar con un equipo para hacer cine es mucho más accesible, además del uso de plataformas como las redes sociales tales como Youtube.

“El cine independiente es el arte, el corazón del cine. No se necesita todo lo que se necesitaba hace 30 ó 40 años”, reafirmó Olmos.

Olga Segura recomendó a los jóvenes que aspiren a hacer cine a trabajar muy duro por ello, pues asegura que las cosas buenas cuestan mucho más trabajo y tiempo, además apuntó que lo más importante es contar con un buen guión y apostarle a la calidad de los contenidos, ya que la diferencia entre cualquier persona con una cámara y un buen cineasta es tener en claro qué se va a contar y por qué.

El Encuentro de realizadores mexicanos seguirá teniendo charlas y conferencias durante toda la semana, hasta el viernes 25, incluyendo una master class con Alejandro Jodorowsky mañana miércoles.

Cortometrajes, una variedad de propuestas •Ulises Fonseca Madrigal l programa uno de los cortometrajes realizados por estudiantes del Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (CUEC), llevado a cabo para celebrar los 50 años de la fundación de dicha entidad educativa, hace un recorrido por los trabajos que compitieron en ediciones anteriores del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM), cuyas técnicas y estilos son tan disímbolos entre sí como las temáticas a tratar.

De esta forma, Te apuesto y te gano, de Alejandra Sánchez y ganador del premio del Público a Mejor Cortometraje en 2004, retrata el pensamiento mágico religioso del mexicano, pues narra la forma en la que una humilde vendedora de gelatinas en las calles del Distrito Federal se arropa a los favores de San Cayetano. Con una temática igualmente fantástica, La caja de Yamasaki es una alegoría del poder de los deseos y el oscuro final que éstos pueden generar. Iniciado en un hogar de Asia oriental, un antiguo mago se ve obligado

a relatar a su familia las desventuras de Diego, un niño al que conoció cuando trabajó en México, quien vivía entre una asfixiante abuela y su ausente padre.

Por otra parte, El suicidio del tiempo: Pável González, de Daniel González y ganador como mejor cortometraje documental en 2009, aborda un tema social al relatar la vida y activismo de Pável González, quien fuera estudiante de Estudios Latinoamericanos en la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM. Simpatizante del altermundismo, fue desaparecido el 19 de abril de 2004 y encontrado muerto el 25 del mismo mes, oficialmente producto del suicidio.

El corto- documental se apoya en varios testimonios, entre ellos el de la periodista Blanche Petrich, para mostrar la falta de compromiso del gobierno federal con los derechos humanos y la presencia de grupos de ultraderecha.

En el extremo contrario, Réquiem para la eternidad, de Alberto Reséndiz, muestra el viaje intimista y autobiográfico de su autor, en el que expone su reacción luego de saber que aparentemente padece de cáncer.

Ganador como mejor Cortometraje Documental en

2011, se trata de un trabajo que si bien es contemplativo, contiene varios planos secuencia, ángulos inusuales, y contrariamente a la tan explotada cámara fija, movimientos por espacios vacíos y públicos, para abonar a la creación de diferentes estados anímicos.

Por otra parte, el programa dos muestra una retrospectiva de los trabajos realizados en el CUEC en las dos últimas décadas del siglo XX. Expone los trabajos primerizos de cineastas que han logrado reconocimiento. Por una parte se encuentra Julián Hernández y Roberto Fiesco, quienes en Por encima del abismo de la desesperación, y Actos impuros, retratan a través de la contemplación y el simbolismo la problemática de sus personajes para, en el primer caso, establecer comunicación íntima, y en el segundo, asumir su homosexualidad, dañándose a sí mismos y a su alrededor. Por otro lado muestra la labor documental de Juan Mora Catlett con Manuel Álvarez Bravo, fotógrafo, y la ficción Sobre la tela de una araña, de Andrea Borbolla Castillo, sobre las problemáticas de padre e hija.

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Recomendaciones Fotografía: Anna Soler Cepriá Reparto: Ernesto Hernández Doblas, Ismael García Marcelino, Selma Sánchez, Sheyla Rodríguez Productora: Sinestesia Función: Cinépolis Centro, Sala 2, 17:20 horas

Mariposas

en el hierro

Esta película recoge los testimonios de mujeres víctimas de distintas formas de violencia. Centrado en el País Vasco, el documental aporta también opiniones expertas de otras latitudes que enmarcan las experiencias de las víctimas en un contexto más amplio. Las mujeres que participan en el documental tienen en común el deseo de superar la violencia para encarar un futuro de paz y de justicia. Son mujeres de distintas ideologías, origen y extracción social, que han sabido crear fuerza a pesar de su dolor para iniciar un camino hacia la superación de las múltiples violencias que han sufrido de forma directa.

FOTOGRAMA DE LA CINTA LOS INSÓLITOS PECES GATO

ara su quinto día de actividades, la décimo primera edición del Festival Internacional de Cine de Morelia ofrece un programa compuesto por variadas cintas entre las que destacan nuevas propuestas mexicanas y michoacanas, además de la exhibición de películas clásicas que hacen referencia a los actores homenajeados e invitados especiales. Las novedades son las siguientes:

Los

insólitos peces gato

Claudia, una joven callada y meditabunda, trabaja en un supermercado como promotora de salchichas. Por no saber lidiar con esta insostenible soledad, termina en la sala de urgencias de un hospital público, con un severo caso de apendicitis. Es ahí donde conoce a Martha, una mujer que se encuentra hospitalizada en la cama de al lado. Martha, quien vive acompañada por sus hijos, poco a poco se gana la confianza de Claudia. El curioso equilibrio de esta familia logra que Claudia establezca una relación de amistad con Martha, lazo que poco a poco se va estrechando.

Directora: Claudia Sainte-Luce 2013. Duración 95 minutos. Ficción. México Guión: Claudia Sainte-Luce Música: Madame Recamier, Lino Nava Fotografía: Agnes Godard Reparto: Ximena Ayala, Lisa Owen, Sonia Franco, Wendy Guillén, Andrea Baeza, Alejandro Ramírez Muñoz Productora: Cine Caníbal / Imcine Función: Cinépolis Centro, Sala 4, 18 horas

por Mario Pani a finales de la década de los cuarenta. En la pequeña caja de metal se apretujan los cuerpos y las historias, ante la mirada de los elevadoristas. Ellos son espectadores, guardianes y confidentes; son los pacientes conocedores de la historia viva de los edificios.

Director: Adrián Ortiz Maciel 2012. Duración: 72 minuntos. Documental. México Guión: Adrián Ortiz Maciel Música: Carlo Ayhllón Fotografía: Hatuey Viveros Productora: Sardina Films Función: Cinépolis Centro, Sala 1, 19:45 horas

Enero Tras asesinar a su esposa, Horacio huye con su amante, Lucrecia. Refugiados en una cabaña en el campo, buscarán continuar el amor que ya no es posible sostener.

La desesperación y la culpa los llevarán a enfrentar sus propios límites.

2013. Duración 87 minutos. Ficción. México (Michoacán) Director: Adrián González Camargo Música: Abraham Urquiza

Oasis Oasis es un pequeño mundo de opuestos. Es un refugio para los indígenas mayas VIH-positivos en Yucatán, México. La película sigue la vida de los personajes que están contando sus historias. Aunque Oasis trata sobre la muerte y la dificultad, es también una historia llena de vida.

Director: Alejandro Cárdenas 2013. Duración 52 minutos. Documental-mediometraje Finlandia-México Música: Timo Peltola Fotografía: Jacobo Parra, Marita Hällfors, Meeri Koutaniemi Productora: Oktober Oy / AVEK / YLE TV2 Función: Cinépolis Centro, Sala 1, 15:45 horas

El

elevador

En el interior de los elevadores transcurre fugazmente la vida del multifamiliar más antiguo de América Latina: el Conjunto Urbano Presidente Miguel Alemán, construido

CUADRO DEL LARGOMETRAJE MICHOACANO ENERO

Directora: Bertha Gaztelumendi 2012. Duración 61 minutos. Documental. España.

Realización: Anuska Peñalba Fotografía: Victor Rius y Anuska Peñalba Música Original: Berta Ros Producción: Bertha Gaztelumendi y Patricia Flores Función: Cinépolis Centro, Sala 3, 16:30 horas

Tierra

de

Sangre

La historia de una joven, Magdalena, quien contrae matrimonio con Louis, un francés misterioso, dueño de una inmensa viña. La relación romántica entre ambos es interrumpida con la llegada sorpresiva de Etienne, el hermano menor de Louis. Simultáneamente, corren rumores de un terrible monstruo chupasangre a quien se le atribuye la muerte de varios inquilinos. Magdalena sospecha que Etienne y el mosntruo están conectados de alguna manera, lanzándose en un viaje donde descubrirá la insospechada verdad de los increíbles poderes del vino de Tierra de Sangre.

Director: James Katz 2013. Duración. 106 minutos. Ficción. Chile Fotografía: Miguel Bunster Música: Patrick Kirst Productora: Southern Lights Entertainment Función: Cinépolis Las Américas, Sala 2, 21:30 horas