CONTRAPLANO

S U P L E M E N T O

E S P E C I A L

D E

C I N E

MIÉRCOLES 22 DE OCTUBRE DE 2014, MORELIA, MICHOACÁN

NÚMERO 5

Amos Gitai

R

La cámara, su escudo contra la crueldad de la realidad bélica Foto: Ignacio Juárez

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MIÉRCOLES 22 DE OCTUBRE DE 2014

Defender el cine innovador y artístico, la vocación de los festivales, destacan •Mariana Recamier irectores y organizadores de festivales de cine dialogaron en el teatro José Rubén Romero sobre la tarea que desarrollan y el tipo de películas que se exhiben en estas plataformas.

El evento que se llevó a cabo dentro del Encuentro de Realizadores Mexicanos del Festival Internacional de Cine de Morelia reunió a miembros de festivales que tienen lugar en Estados Unidos, Colombia, Francia y Bosnia-Herzegovina.

“La vocación de los festivales es defender el cine creador, el cine innovador y el cine artístico, es donde son imprescindibles, y conseguir que se venda lo mejor posible”, afirmó José María Riba, colaborador del Festival de Cannes.

Continuando con la misma idea, Mirsad Purivatra, el director del Festival de Cine de Sarajevo, añadió: “el rol de un festival, primero que nada en Cannes, es mantener películas de arte vivas, no sólo esto sino también descubrir, dar soporte, promover nuevos realizadores cinematográficos, nuevos lenguajes, nuevas estéticas”.

En cambio, Diana Bustamante, directora del Festival Internacional de Cine de Cartagena, señaló que la función de los festivales es promover y circular esa cinematografía mundial, pero que también debería presentar otras producciones complementarias que forman parte de un cine más comercial.

Por su parte, Christine Davila, directora de Ambulante California, declaró que no le agrada el aspecto elitista de los festivales y cómo mues-

EN LOS FESTIVALES LO IMPORTANTE ES SOCIALIZAR LOS PROYECTOS, INDICARON LOS DIRIGENTES DE ENCUENTROS FÍLMICOS

tran un cine al que sólo tienen acceso críticos o cinéfilos. Es por eso que ella a través de su proyecto trata de llevar buen cine documental a zonas populares y parques comunitarios en

Estados Unidos.

Al final, John Cooper, director del Festival de Sundance, comentó que ya no es necesario ir a los festivales para ver buen cine, pues basta con comprar

Andrea en una caja, producción michoacana en busca de reflectores

FOTO: IGNACIO JUÁREZ

una cuenta en una plataforma de cine por Internet, pero que lo importante es poder socializar con el otro después de ver una buena película. “Un festival es para celebrar el logro de contar una excelente historia y esto a nivel social”.

DIRECTORA GENERAL CARMEN LIRA SAADE

DIRECTOR JUAN MANUEL VENEGAS RAMIREZ

•Érika Leyva ndrea en una caja, dirigida por Adrián González Camargo y Juan Alberto Malo, es una película que trastoca temáticas de desamor y habla sobre la carente comunicación en parejas: “es la historia del limbo, que a muchos nos ha sucedido, cuando no sabemos si ya se terminó, o no, una relación”.

Por segundo año consecutivo González Camargo participa con un largometraje dentro de la Sección Michoacana del 12 Festival Internacional de Cine de Morelia, al lado de nueve cortometrajes más.

El hecho de competir junto a un formato diferente implica una motivación más. “Si ganamos o no eso ya será arena de otro costal. Lo que más nos importa es que la película tiene

presencia y nos puede llevar a otras esferas, a otras geografías. Estar en la selección ya es ganancia”, aseguró el también director de Enero (2013).

El filme aborda la relación entre Andrea y Patricia, quienes viven juntas, y al presentarse un conflicto, en el cual Andrea no parece saber el futuro de su relación, entran las dudas y miedos que podría llevarla a tomar decisiones que cambiarían por completo su vida amorosa.

Filmada bajo un formato de “realización colectiva”, sin ningún apoyo gubernamental o institucional, Andrea en una caja es una película “barata” sin dejar de lado la calidad audiovisual de la misma, aclara su director: “será en la etapa de distribución y de festivales cuando, a lo mejor, pesquemos a alguna institución para buscar apoyos. Lo que nos

importa es el Festival de Morelia, ya que es una forma de medir la temperatura del proyecto”.

Para este largometraje hubo un “cambio de juego” en comparación con Enero, primer largo del director michoacano, es un filme con más personajes: “nos encontramos con nuevos retos que nos hicieron descubrir nuevas formas de producción que se lograron sacar adelante”, afirma.

A pesar del poco tiempo que tiene la profesionalización del cine en Michoacán, Adrián González señaló que actualmente se mantiene en una etapa de crecimiento y evolución, en un proceso en donde se pueden ver historias más interesantes, progreso en sus realizadores. “Poco a poco se va avanzando y eso motiva para seguir haciendo equipo y seguir haciendo cine en el estado”, concluyó.

EDICION ERLAND DIETER SCHMIDT

• Contra-plano, especial de cine del periódico La Jornada Michoacán, editado por Editora de Medios de Michoacán, S.A. de C.V., bajo licencia otorgada por Demos, Desarrollo de Medios, S.A. de C.V., • Manuela Herrera No. 150 planta baja, esquina Rita Pérez de Moreno, • Col. Gertrudis Bocanegra, Morelia, Michoacán, C.P. 58150 •Tels: 01 443 3 26 10 71 y 3 27 94 65 • Distribuido en Morelia y en el interior del estado por Editora de Medios de Michoacán, S.A. de C.V.

contraplano@michoacan.jornada.com.mx

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Filmografía de Amos Gitai, temeraria crónica de la historia de Israel •Mariana Recamier l director israelí Amos Gitai se convirtió en cineasta gracias al apoyo de su madre, Efratia Gitai.

La mujer independiente e intelectual que le había dado la vida le entregó una cámara Súper 8 como herramienta de supervivencia cuando tenía 18 años y su juventud transcurría en medio de la guerra de Yom Kippur.

En la mesa que se realizó en su honor como parte del Festival Internacional de Cine de Morelia, Gitai habló de cuando su cámara se convertiría en un escudo contra la crueldad de la realidad bélica. A través de la lente sólo veía texturas, paisajes, capturaba las imágenes que serían los cimientos de su obra como realizador.

A pesar de su pasión por el cine, Gitai estudió arquitectura para seguir los pasos de su padre. Alcanzó el grado más alto en estudios arquitectónicos y se escapó de ese mundo que en un principio sólo le ofrecía ser profesor o asistente.

Así fue como retomó la cámara que lo había ayudado en la universidad a cambiar exámenes de matemáticas por cortometrajes.

Su madre siguió presente al momento de escoger qué tipo de cine quería hacer.

Ella ha inspirado la mayoría de sus películas. Era una buena contadora de historias y le contó a Gitai aquellos cuentos que hablaban sobre su país, Israel. Además le enseñó a no tener miedo de decir lo que en verdad quería dar a conocer.

A partir de ese consejo el director israelí filmó más de 80 películas introspectivas, biográficas, crónicas que desde

FOTO: IGNACIO JUÁREZ

AMOS GITAI COMPARTIÓ SUS ORÍGENES Y SU EXPERIENCIA COMO DIRECTOR

el documental o la ficción muestran el pueblo judío y ese exilio permanente que han vivido durante toda la historia de la humanidad.

Otro momento también marcó su filmografía. Un instante de dos o tres minutos lo llevó a otro lugar del que no ha regresado desde entonces. Cuando hacía el servició militar, viajaba en un helicóptero hasta que le dispararon al piloto. La libélula de hierro se desplomó con él y otros soldados en el interior. A él sólo lo alcanzó una bala pero el recuerdo ha per-

manecido insistente en su vida.

Sus primeros pasos como realizador los dio en un canal televisivo israelí.

Hacía películas de 20 minutos, todos los procesos, grabar, editar, él hacía lo necesario. En ese espacio fue donde transmitió House, su primer documental, un testimonio de lo que sufrían palestinos e israelíes en torno a un edificio en Jerusalén. Después vino Field diary, una cinta sobre la invasión de Líbano en 1982, que causó su exilio de Israel.

Por esa razón vivió en Reino Unido

y en Francia, sin dejar de proyectar su visión de lo que significaba su país. En 1992, con el cambio de gobierno y a través de una invitación del ministro de Cultura, regresó a su país para seguir haciendo lo que más le gusta.

Uno de los directores con los que se podría empatar su obra, dijo Gitai, sería Roberto Rosellini, por realizar con gran éxito un panorama completo de un país.

En el caso del director italiano, mostró de la mejor forma la etapa de posguerra en Italia.

Cortometrajes deben buscar sus formatos de distribución, coinciden en encuentro •Érika Leyva a actual es la mejor época en México para ser cortometrajista, a pesar de la falta de plataformas para la difusión de trabajos, consideraron directores durante el segundo Encuentro de Cortometristas en el marco de la décimo segunda edición del Festival Internacional de Cine de Morelia.

El cortometraje se apodera del Internet y genera nuevas formas de consumo, tiene la oportunidad de construir el llamado “corto virtual” que cuenta con la enorme ventaja de poder ser compartido, destacó el animador Daniel Irabièn, di-

rector de El maestro y la flor.

Uno de los retos de los cineastas dedicados al corto es encontrar la fórmula para que su trabajo sea comercializable.

Los festivales se han convertido en la ventana de los cortos, pero el desafío comienza cuando se preguntan “¿cómo le hacemos para vivir de eso?”.

Para Mara Soler Gaitián, directora de El don de los espejos, es importante no confundirse: “el corto también tiene una audiencia y un espacio, el Internet se ha vuelto el lugar mágico para el cortometraje”. Señaló que es necesario deshacerse de la intención de tratar de llegar a exhibir en cadenas comerciales y “entender

que tu corto tiene su lugar, dejar de pelear por esos espacios que ya tiene el largometraje” para construir nuevos formatos de distribución y poder vivir de ello.

Romper con los finales felices, plasmar un México más real en pantalla, son un par de clichés que a los realizadores les gustaría romper, así como la idea de que para hacer un largometraje es necesario, primero, haber filmado un corto.

Hay una confusión al pensar que el corto es como un cuento y el largo como una novela, son dos géneros distintos en el cine. “No se debe caer en la trampa de pensar que para hacer un largo debes hacer un corto o que necesariamente uno

te lleva al otro”, apuntó Irabièn.

Las temáticas dentro de los cortometrajes y del propio cine han tenido una evolución “ya no es el típico tema del narco y la violencia. Hay nuevas propuestas, en animación hay propuestas muy distintas, es como ver el mundo de cada quien”, consideró el director de El color de mis alas, Miguel Anaya.

El corto posee posibilidades inmensas en cuanto a técnicas para su realización. Sergio Díaz Ochoa, director de Superhéroes, aseguró que “es el lugar más libre para experimentar en el cine” en donde se puede ser completamente amateur.

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El documental, para mantener viva la memoria •Ulises Fonseca Madrigal l documental puede ser una herramienta de denuncia, tanto para evidenciar las problemáticas como para mantener la memoria de las ignominias pasadas, sostiene el realizador chileno Ignacio Agüero, quien entre otros títulos tiene un material crítico con la dictadura de su país, No olvidar.

Presente en el Festival Internacional de Cine de Morelia para participar en la conferencia Centralidad y Multiplicidad en el cine documental, dentro del programa de Morelia Lab, afirmó que en cuanto a la promoción de la conciencia política, “el documental lo hace naturalmente, pero una buena película, ya sea ficción o documental, hace reflexionar al mundo”.

En un intento de seguir esa tesitura, Agüero inició su trayectoria con No olvidar, documental realizado en plena dictadura pinochetista de forma semiclandestina que cuenta la historia de 15 campesinos asesinados luego del golpe militar y cuyos cuerpos fueron escondidos en las proximidades de sus propias casas. “El régimen negó las muertes durante seis años, tiempo en que los buscó la familia antes de que aparecieran por la denuncia a un sacerdote bajo confesión”, completó.

Décadas después, en 2008, llevó a cabo El diario de Agustín, que retrata la responsabilidad del periódico El Mercurio en la violación de los derechos humanos en la dictadura. Dicho trabajo ha tenido una buena recepción entre el público chileno, que a pesar de tener una historia brutal tan cercana, es similar al mexicano en cuanto a lo olvidadizos. “En el pasado reciente hay mucha materia para desarrollar historias, la gente es muy olvidadiza y por eso hay que sacar a la luz constantemente los hechos de la historia, y ésa es una labor de todos”, resaltó Agüero.

Asimismo, a la par de las implicaciones políticas que puede tener el género, afirmó que en éste ha encontrado “la posibilidad expresiva que tiene, la

libertad artística que ofrece, que descubrí con No olvidar, que dio pie a todos los documentales que he hecho”.

PRESENTES EN EL FESTIVAL

PAWEL PAWLIKOWSKY Y DANIEL GIMÉNEZ CACHO, A LA DERECHA, AYER EN LA SEDE PRINCIPAL DEL FESTIVAL

FOTO: IGNACIO JUÁREZ

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Binoche: lo que importa es ser transparente y disfrutar cada paso La edad y la madurez siguen siendo tabú, pero el tiempo no es una limitante, dice la actriz francesa •Adriana Florián a actuación es similar a la vida: pasa por un proceso de crecimiento y madurez.

Y el reto para los nuevos actores es imprimir belleza y fuerza y atravesar por todas las emociones necesarias para lograr la interpretación, lo que en la mayoría de los casos se alcanza con experiencia.

Los actores con cierta edad están vistos bajo la lupa, y en cambio los jóvenes sólo tienen la fuerza y la inteligencia, pero no el fundamento. “Con la edad ganamos algo más, a veces ponemos el acento en lo que perdemos y no en lo que ganamos”, asegura la actriz francesa Juliette Binoche, quien justamente en la película Nubes de María, proyectada en el 12 Festival de Cine de Morelia, interpreta a una actriz confrontada con su época.

Pero aclara: “María, el personaje, no soy yo, y las personas creen que soy yo. El director Olivier Assayas me ha dicho que lograr esa identificación resulta perfecto, pero no lo soy. De todos los personajes podré decir que soy yo, aunque no sea así”.

Sobre su trabajo actoral, Binoche afirmó: “mi deseo es revelar el mensaje con todo el cuerpo” y aunque asegura que las películas “te escogen a ti”, también confiesa que una vez terminado el rodaje pueden pasar años para que ella vea el producto final que se exhibe en las pantallas.

“No sólo tienes que interpretar con la cabeza, hay que hacer mucho trabajo emocional y corporal para que la gente pueda sentir y el tema de la edad y la madurez sigue siendo un tabú”, aseveró.

“Es como nadar desnudos, y no se trata

de hacer juicios sobre las nuevas generaciones, ya que la confrontación generacional es que los actores viejos pueden crecer, pues no podemos agarrarnos del pasado”, expresó.

Y no importa si es una película hollywoodense o cine francés, lo que importa es la vibración: “las palabras sólo son la punta del iceberg, se necesita de un trabajo apasionante para fundar y fundamentar al personaje”.

De su vida personal, Binoche deja ver que siente un equilibrio, que sus deseos son muchos y la fama no es una limitante para su vida. Lo importante es ser transparente y saber que no eres él único y disfrutar cada paso.

DAMIÁN ALCÁZAR, PROTAGÓNICO

EL ACTOR MICHOACANO DAMIÁN ALCÁZAR PROTAGONISTA DE LA DICTADURA PERFECTA, ACTUALMENTE EN CARTELERA, AYER EN EL CENTRO HISTÓRICO DE MORELIA

La danza del hipocampo, una cartografía de los recuerdos avegar por los recuerdos y los archivos de la vida, detenerse a revivir y explorar en los sentimientos que ya cruzaron por nuestras emociones, es el propósito del documental La danza de hipocampo, de la directora mexicana Gabriela Ruvalcaba.

Como parte del documental mexicano en competencia en el 12 Festival Internacional de Cine de Morelia, la autora chiapaneca descartó por lo menos dos personajes que clínicamente habían enfrentado a su memoria, para al final decidirse mostrar su vida en siete recuerdos.

Aunque en momentos el documental corre el riesgo de los trabajos autobiográficos, es decir, caer en una reducida propuesta que no vaya más allá de un espejo personal, el recorrido por las fotografías e instantes pasados de Gabriela

muestra que la memoria y el tiempo están presente en todo lo que nos rodea.

Sin embargo, el trabajo de la chiapaneca ha sido calificado como un documental poético, que daría paso a un género en donde más que un planteamiento social, hay un cuestionamiento existencial, de donde surge una obra creativa.

Las preguntas sobre la vida, los sentimientos, las emociones almacenadas y el olvido, son el hilo conductor de la obra que se presenta por primera vez.

La autora regresa a Chiapas, su lugar de nacimiento, para elaborar lo que ella misma denomina “cartografía de los recuerdos”, ahí precisamente en las comunidades tzotziles donde los indígenas tienen la creencia de que una fotografía puede captar el alma y atraparla en un “presente eterno”.

FOTO: IGNACIO JUÁREZ

•Adriana Florián

Para ello recurre a las fotografías familiares, a los sitios donde vivió pasajes importantes, objetos y vivencias llenas de nostalgia y reflexiones más de corte filosóficas.

La danza del hipocampo explora también en la ciencia aunque con una investigación limitada sobre las funciones orgánicas del cerebro, prefiere dejar al libre albedrio del espectador lo que considera “misterios de la mente”. ¿Recordamos lo importante?, se cuestiona. Cada quien debe responderse.

El tiempo juega un papel importante en el viaje sobre el recuerdo, ya que el trabajo recurre a las calles de San Cristóbal, con imágenes grabadas en formatos descontinuados, pues Ruvalcaba apela a que los lugares también son guardianes de las memorias y el olvido no tiene cabida. Vivir para recordar es su conclusión.

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La psicología de los imperios, según Sauper •Patricia Mignani

unque esta película está hecha en Sudán, no es sobre Sudán, ni es sobre África, éste es sólo un estudio de caso. El documental tiene mucho que ver con México, con el colonialismo y con la psicología profunda de los imperios”, comenta Hubert Sauper, quien acude a presentar su documental We come as friends en el Festival Internacional de Cine de Morelia.

El documental toma el caso de Sudán para desenmascarar un discurso que suele ser correcto pero que no es real y que, de acuerdo con el director, es la táctica que se utiliza con fines de lo que llama un nuevo colonialismo.

“Lo manejan de una manera en la que llevan un discurso pero el interés real es otro. Lo interesante de esto es la amplitud, porque está ocurriendo de una manera masiva, y el hecho de que lo que sucede pasa en la oscuridad.

Todos los discursos humanitarios, el desarrollo, todo eso

es una mentira”.

Sauper asegura que lo que hace es describir las conexiones que hay entre varios temas que tienen vinculación, contar cómo pasan las cosas y por qué. El título We come as friends “es una mentira”, asegura. Es una metáfora y lo interesante de este nuevo tipo de colonialismo es que es la mayor hipocresía en el mundo”.

La temática que el realizador plantea es la desesperación por conseguir los recursos, por robarlos y, específicamente en el caso del petróleo, comenta que siempre se piensa en el oro negro como algo que necesitamos para un auto “pero es mucho más”, porque con él se crean siete billones de humanos; se usa para los tractores que cosechan el campo, se pueden transportar frutas, y “por eso nos multiplicamos mucho más. Lo más importante es que el petróleo produce humanos. Y eso está destruyendo el planeta”.

Dice que como somos tan dependientes del petróleo

“hacemos lo que sea para conseguirlo. Y creo que la película no es sobre lo que está pasando pero sí es acerca de cuál es la psicología del discurso para justificarse”.

El proyecto, que tardó seis años en ser aterrizado, no provino de un momento, de una idea, de un gran signo de luminosidad, sino de una iluminación constante sobre temas que están en una misma frecuencia. “Comienzas a ser muy sensible sobre ciertos temas y puedes saber más o menos qué pasa. El trabajo de un realizador de cine es ése: exponerse a cierto tipo de vida y cierto tipo de pensamiento y luego puedes ver demasiadas cosas que no querías ver”.

Respecto al tema de fondo que le compete a Sauper, reflexiona: “hay gente que dice que los recursos tienen un lado bueno, claro que el lado bueno del colonialismo en México es que tenemos esta terraza y este café que estamos tomando, pero ¿cuál es el precio? Es un precio muy alto y es mucha sangre para un capuchino”.

Las oscuras primaveras, frialdad y frustración…

•Ulises Fonseca Madrigal

esmitificar a la primavera como el estado de felicidad, a la relación de madre-hijo como la más sublime, así como el retrato de las consecuencias que puede acarrear el no tener comunicación ni sinceridad con la pareja, son a grandes rasgos los tres componentes generales de Las oscuras primaveras.

La película es uno de los largometrajes en competencia y fue dirigida por el veracruzano Ernesto Contreras, quien en entrevista afirma que éste es su modo particular de mirar a la ciudad de México, además de que tiene varias capas de lectura. “El cine que me interesa va de eso, me encanta que se generen preguntas y que el espectador encuentre sus propias respuestas. Prefiero que cada quien interprete los simbolismos o elementos que intervienen en la vida de los personajes”.

Grosso modo, el filme narra las dinámicas tóxicas entre una madre soltera llamada Pina, interpretada de forma magistral por Irene Azuela, y su hijo, con el que tiene una relación ambigua donde intervienen el amor y el desagrado; mientras por otra parte, hay dos esposos que si bien experimentan ternura y cariño, tienen problemas por la falta de deseo sexual de parte de Igor, lo que causa frustración en su esposa Flora.

Ambos personajes también tienen el soporte de un excelente trabajo actoral de parte de José María Yazpik y Cecilia Suárez.

Las cosas se complican cuando Pina e Igor experimentan atracción mutua, cuestión que intentan mantener en secreto a pesar de que esto genera fricciones y desconfianza en sus círculos. Pina procura mejorar la relación con su hijo, a quien parece ver como un estorbo, mientras que Igor hace lo propio con Flora, sólo para rehuir de ella cada vez que ésta busca consumar una relación sexual.

Para recrear lo anterior, la estética se vale de una paleta de colores oscuros, tanto en la ropa como en la fotografía y los decorados, para así crear una atmósfera fría y de desconexión; así como un ritmo contenido para acentuar la frustración que intentan transmitir los actores. Por otra parte, hay un atractivo visual con los desnudos de Azuela, aunque algunos innecesarios.

de presentar en Morelia Las oscuras primaveras, filme al que le seguirá en cuestión de días el estreno de una serie documental, de la cual no pudo ofrecer mayores detalles.

A propósito de esta serie, recordó su labor en el género documental, del que dijo “siempre está ahí y hace un par de años atrás pude editar El paciente interno, de Alejandro Solar”, sin embargo, dijo orientarse más a la ficción: “me encanta crearlo todo, eres como el rey que crea su reino”. En este campo, el realizador se encuentra preparando una película que tendrá por nombre Sueño en otro idioma, para la cual también

tiene colaboración de su hermano Carlos Contreras: “estamos desarrollando el guión, tenemos el apoyo de Foprocine y la idea es filmarlo en la primera mitad del siguiente año”.

Afirmó que el argumento girará en torno a un lingüista que se adjudica la encomienda de preservar una milenaria lengua indígena que está por desaparecer: “él llega al sureste para hacer el registro de la lengua y debe reunir a los dos últimos hablantes, que se pelearon 50 años atrás, está inspirado en un hecho igual que sucedió en Tabasco, pero es ficticio e incluso la lengua se la inventó mi hermano”.

Lo que sigue para Contreras

“Siempre estoy dispuesto a encontrar historias que puedan convertirse en películas”, afirmó Contreras luego

DIRECTOR Y ACTORES DE LAS OSCURAS PRIMAVERAS

FOTO: IGNACIO JUÁREZ

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The salt of the Earth, la destacada labor de Sebastião Salgado Juliano Ribeiro Salgado y Wim Wenders ofrecen un acercamiento a la carrera del fotógrafo uliano Ribeiro Salgado no será el primer hijo que llama a su padre por el nombre de pila. El codirector de The salt of the Earth hizo un documental sobre el trabajo de su padre fotógrafo, lo que denota admiración aunque lo siga llamando Sebastião.

La producción trata sobre naturaleza, crisis, culturas, el planeta Tierra en su parte más ecológica y natural y, sobre todo, la esperanza. The salt of the Earth transmite la positividad y el concepto de “un mundo mejor”.

Es una película sobre la destacada carrera del reconocido fotógrafo brasileño Sebastião Salgado, quien ha realizado su trabajo a través del contacto con la gente en su ambiente natural –en este caso

Etiopía y Uganda, entre otros lugares– y está hecha con la mano de su hijo que codirigió la cinta junto al cineasta Wim Wenders.

Este documental se hizo con la idea de mostrar el mundo tal como es, “que es una cosa terrible”, pero también con la esperanza que ha encontrado el fotógrafo. Tanto Ribeiro como Wenders quisieron aportar una propuesta de un mundo mejor, como lo define Ribeiro Salgado.

“Creo que Sebastião ha buscado en todos sus viajes la esperanza y las razones de pensar que todo puede cambiar.

Sus fotografías, a partir de Etiopía, sirven para alertar a la opinión, y esto le proporcionaba esperanza. Cuando la esperanza se moviliza hay forma de cambiar las situaciones (…) Cuando

volvió del viaje a Uganda y vio que no había esperanza de nada más, se enfermó mucho, comenzó a adelgazar, le hicieron estudios pero no tenía nada.

Todo estaba en su cabeza”.

Respecto a la experiencia de trabajar con Wim Wenders, dice sin dudarlo que dos directores trabajando juntos es muy complicado. La primera vez que Wenders vio lo que Ribeiro había seleccionado en una primera edición no le gustó nada, y cuando Ribeiro hizo lo propio, Wenders tampoco coincidió con su criterio. Pero al final el director brasileño rescata que “viéndolo a través de los ojos de Wim conocí muchas cosas de Sebastião”.

La figura de Lélia, la esposa del fotógrafo, es una parte importante en el documental. No de una manera directa pero

•Patricia Mignani sí de una forma de apoyo e inspiración, de compañera de la vida del fotógrafo.

“Realmente Sebastião Salgado es Sebastião y Lélia. La creatividad de ella está en casi todas las fotos”.

Ribeiro cuenta que en 2009, cuando comenzaron el proyecto, su padre y él llevaban tiempo teniendo relaciones cordiales pero frías. “Tenía mucho miedo de hacer un filme sobre él y porque había algunas peleas”, afirmó.

Todo cambió a partir de un pedido insistente que el padre le hizo al hijo para que lo acompañara a un viaje a la Amazonia, que resultó ser el primer viaje que hacían juntos. A partir de allí –Juliano, quien se encargó de filmar y editar las imágenes– limaron asperezas y crearon una relación que define como de amigos.

Hilda, de sueños, deslealtades y locuras •Ulises Fonseca Madrigal l cine que me interesa es aquel que presenta películas que rayan en el absurdo, era importante mostrar situaciones límite”, afirmó el realizador Andrés Clariond Rangel luego de mostrar en el Festival Internacional de Cine de Morelia su filme Hilda, un retrato de las clases altas y los disparates de los que son capaces en este largometraje en competencia.

Afirmó también que la película se enriqueció de sus experiencias de vida: “crecí en esa sociedad pero me mantuve externo, son muchas cosas las que experimenté pues la clase alta de Monterrey tiene muchas incongruencias”, si bien dijo no querer limitarse a los galimatías de la alta sociedad regiomontana, pues pretendió encontrar elementos comunes en la manera de ser de ese grupo en todo el país.

También encontró inspiración en una obra teatral que presenció en Nueva York, urbe estadunidense donde estudió una maestría en cine, misma que si bien le pareció minimalista “creo que se aplica a la situación en México… la obra es el cimiento”, a partir de la cual creó un guión cuando aún residía en Estados Unidos, y le agregó sus propios diálogos buscando un tono satírico.

Hilda narra la debacle mental de Susana Le Marchand, personaje de la clase acomodada que alguna vez, durante sus años de estudiante, manifestó simpatía con los movimientos de izquierda. Sin embargo, luego de varios años es absorbida por el sistema y termina viviendo en una residencia rodeada de lujos pero sin ánimos de vida.

En medio de esta vida, ve en la televisión que la zona de Tlatelolco será reemplazada por construcciones de tipo residencial; a la par de esto, encuentra en una caja un video donde aparece en la marcha del movimiento

de estudiantes de 1968, cuestión que la impulsa a recuperar sus viejos ideales a través de una empleada doméstica llamada Hilda, quien la ayuda en este cometido pero es prácticamente secuestrada.

Con respecto a este argumento, la actriz Verónica Langer afirma que “al final es una metáfora de quien pierde sus sueños y vive en la locura. Es una cuestión a la que lleva la falta de lealtad a uno mismo”. Por su parte

PARTICIPANTES EN LA PELÍCULA HILDA

Clariond Rangel señaló que el argumento se conecta con una época crucial, pues “el 68 marcó al mundo entero y es muy interesante ver cómo gente de esa generación creció para insertarse en el sistema, así como con quienes navegan con bandera de izquierda pero no están dispuestos a sacrificar los beneficios de la derecha”. La película será exhibida de nueva cuenta este miércoles a las 18:45 en la sala 2 de Cinépolis Las Américas.

FOTO: IGNACIO JUÁREZ

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Recomendaciones para hoy la huelga en la UNAM. Cuando Tomás descubre que Epigmenio Cruz –un mítico cantante de los 60– agoniza en algún hospital, los convence de ir a buscarlo. El viaje se convierte en un autodescubrimiento a través de la ciudad de México y sus fronteras invisibles.

Documental La hora de la siesta Dirección: Carolina Platt Soberanes Guión: Carolina Platt Soberanes Cinépolis Centro, Sala 1, 16:15 horas Atraviesa los mares del recuerdo y la ausencia para contar las historias de Emilia y Yeyé, dos de los 49 niños que perdieron la vida en la Guardería ABC, en un incendio que pudo ser evitado y que mostró las terribles consecuencias de la corrupción en el sistema de guarderías subrogadas por el gobierno de México. La hora de la siesta es una elegía visual a la memoria de estos niños y a la valiente lucha de sus familias por retomar la vida.

LA ACTRIZ ISRAELÍ YUVAL SCHARF EN ANA ARABIA

Homenaje a Amos Gitai Ana Arabia Dirección: Amos Gitai Guión: Amos Gitai, Marie-José Sanselme Cinépolis Centro, Sala 5, 20:30 horas La película, filmada en una única toma, nos muestra a una joven reportera de visita en una pequeña comunidad marginal, en la que judíos y musulmanes conviven juntos en la frontera entre Jaffa y Bat Yam, en Israel. Allí descubrirá un mundo completamente diferente al que imaginaba. La investigación de la periodista que conduce el relato revela la vida cotidiana, los recuerdos y los deseos de los habitantes de este enclave.

nia), Carlos Moreno (Colombia), Jaime Rosales (España), Mascha Halberstad (Holanda), Karim Aïnouz (Brasil), Marcelo Gomes (Brasil), Kiki Sugino (Japón), Luca Lucini (Italia), Yang Ik-june (Corea del Sur), Faouzi Bensaïdi (Marruecos), Pedro Amorim (Portugal), Pablo Stoll (Uruguay), Sebastián Cordero (Ecuador), Bobo Jelcˇic´ (Croacia), Pablo Fendrik (Argentina), Koen Mortier (Bélgica), Emnet Mulugeta (Eritrea), Sammy Samir (Israel), Juan Carlos Valdivia (Bolivia), Buthina Canaan Khoury (Palestina), Fernando Eimbcke (México), Abner Benaim (Panamá), Felipe Gómez Torres (México), Alejandro Valle (México), Matías Cruz (Chile), Daniel Gruener (México).

Cinépolis, Sala 3, 19 horas

Estrenos

Cine

internacionales

Snow in paradise Dirección: Andrew Hulme Guión: Martin Askew, Andrew Hulme Cinépolis Centro, Sala 3, 14:15 horas Basada en una historia real. Dave es un delincuente, drogadicto y violento, del East End de Londres. Cuando estas acciones matan Tariq, su mejor amigo, experimenta vergüenza y remordimiento, sentimientos desconocidos para él. Es así como Dave descubre el islam y, cuando comienza a experimentar paz, su antigua vida de crimen pone a prueba sus nuevas creencias.

Short Plays El futbol visto a través de los ojos de algunos de los mejores cineastas del mundo, a partir de historias poderosas y emotivas filmadas en diferentes países.

Directores: Apichatpong Weerasethakul (Tailandia), Gaspar Noé (Argentina), Vincent Gallo (EU), Rune Denstad Langlo (Noruega), Carlos Reygadas (México), Viktor Kossakovsky (Rusia), Duane Hopkins (Inglaterra), Doris Dörrie (Alema-

FOTOGRAMA DE LA PELÍCULA GÜEROS

Homenaje a Pawel Pawlikowski Mi verano de amor Dirección: Pawel Pawlikowski Guión: Pawel Pawlikowski, Michael Wynne, basado en la novela homónima de Helen Cross Cinépolis Centro, Sala 5, 18:15 horas

mexicano en competencia

Los ausentes Dirección: Nicolás Pereda Guión: Alejandro Mendoza Cinépolis Centro, Sala 4, 15:45 horas Solo, en una casa en la costa de México, vive un hombre de 70 años. Al no contar con el título de propiedad de la tierra donde vive, atestigua con desesperación la demolición de su casa. Poco a poco empieza a perder la razón. Recuerdos de un pasado sin ataduras comienzan a rondar su existencia diaria. Así inicia un viaje a las montañas y el bosque en busca de rostros de su pasado y los ecos de otro tiempo, de otro yo más joven.

Güeros Dirección: Alonso Ruizpalacios Guión: Alonso Ruizpalacios, Gibrán Portela Cinépolis Centro, Sala 4, 17:45 horas Enviado por su madre a pasar una semana con su hermano, Tomás viaja a la ciudad de México y se sumerge en el extraño limbo en el que su hermano y Santos viven desde que estalló

FOTOGRAMA DE LA CINTA MI VERANO DE AMOR

Mona, una joven rebelde de 16 años, oculta su aguda inteligencia y sensibilidad que la empujan a encontrar algo superior respecto a su aburrida existencia cotidiana. Tamsin, también de 16 años, pertenece a una clase acomodada, por lo que ha tenido una buena educación, aunque es malcriada y cínica.

No podrían ser más diferentes. A pesar de eso, las dos chicas se hacen amigas durante un caluroso verano en Yorkshire.

Funciones gratuitas Tus padres volverán Dirección: Pablo Martínez Pessi Guión: Pablo Martínez Pessi Aula Mater del Colegio de San Nicolás, 18:30 horas En 1983, un grupo de 154 niños de entre tres y 17 años viajaron solos a Montevideo desde Europa. Eran hijos de exiliados políticos de Uruguay que, al no poder regresar, enviaron a sus hijos a conocer por primera vez a sus familiares y su país de origen. Este viaje influyó para siempre en el desarrollo de la identidad de los niños. Hoy, seis de ellos recuerdan el día que una multitud los recibió cantando “tus padres volverán”.

Neruda Dirección: Manuel Basoalto Guión: Manuel Basoalto Casa Natal de Morelos, 13 horas Neruda recibe el Premio Nobel de Literatura en 1971 y en su discurso de aceptación recuerda episodios casi olvidados de su vida. Senador por el Partido Comunista en 1948, es perseguido por el presidente en turno cuando este proscribe el PC, iniciando un viaje hacia los Andes para escapar a Argentina.

Su aventura fugitiva lo lleva al sur de Chile, donde habían transcurrido su infancia y adolescencia. En este periodo escribe su libro Canto general.