S U P L E M E N T O
E S P E C I A L
D E
C I N E
MIÉRCOLES 23 DE OCTUBRE DE 2013, MORELIA , MICHOACÁN
NÚMERO 5
Quentin Tarantino, en la línea de golpeo
Foto: Iván Sánchez
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Go for sisters, una búsqueda de redefinición personal en la frontera México-EU •Carlos F. Márquez l escritor y cineasta estadunidense John Sayles lamentó que debido al fracaso económico de su país, “que ha tocado niveles muy bajos”, muchos mexicanos estén regresando a su país por falta de trabajo, incluso dijo que hasta “los coyotes” los ayudan menos a cruzar la frontera porque los chinos les pagan más. En una charla que sostuvo con la prensa, acompañado por el actor Edward James Olmos, el director compartió detalles de su última película Go for sisters, que se proyectó ayer en el Festival Internacional de Cine de Morelia y que plantea la historia de Bernice y Fontayne, grandes amigas que se separan por muchos años, pero después se reencuentran, sólo que a la primera le toca el papel de oficial de libertad condicional de la segunda. James Olmos interpreta a un ex policía de Los Ángeles que es contratado por Fontayne para que busque al hijo de Bernice que desapareció en la frontera con México. John Sayles refirió que los personajes, para los cuales construye toda una biografía alterna al guión, están en busca de definirse a sí mismos, y en esa búsqueda se parecen demasiado a los migrantes en Estados Unidos que tienen que perder algo de lo que son para adaptarse a la vida como ciudadanos del vecino país del norte. Añadió que el concepto de redención es el pulso dramático de Go for sisters, y compartió una descripción a detalle de los personajes desde esa perspectiva: “Bernice es un mujer muy apegada a las reglas, debe dibujar líneas para definir lo que es permitido y lo que no, pero se da
FOTO: IVÁN SÁNCHEZ
JOHN SAYLES, DIRECTOR DE GO FOR SISTERS
cuenta que a veces las leyes no sirven a los seres humanos” “Fontayne es una condenada a prisión y drogadicta que tiene que reinventar su vida sin drogas, sin sus anteriores amigos, pero sin perder su lealtad y sus propios valores. Para el detective Suárez es la oportunidad no sólo de ganar un poco de dinero para salvar su casa, sino de redefinirse como un hombre capaz de arriesgar su vida al ir a Tijuana en busca de alguien”, abundó. Sobre el desempeño de James Olmos
comentó que admira mucho el trabajo físico de interpretación que realiza: “todos sus personajes en otras películas se mueven de una manera distinta. En este caso lo que me interesa es esta debilidad de visión que tiene el personaje y que él usa como un motivo de fuerza, pues su inmovilidad a veces es más dolorosa que el movimiento”. Edward James Olmos comentó que ésta fue la película más fácil para él, toda vez que el carácter de los personajes “salta a la vista” del guión. Añadió que
Cortometrajes mexicanos, historias que llaman a la reflexión •Érika Leyva
uando las miradas y las imágenes narran más que diálogos complejas, se pretende que el público reflexione sobre lo que vio; el programa uno de cortometrajes mexicanos en competencia se caracteriza por la calidad en su fotografía; historias de amor y amistad enmarcadas en situaciones sociales problemáticas como el consumo de drogas, violencia familiar, migración, pornografía e incluso soledad. Son seis los trabajos que conforman el programa; propuestas que hacen uso de un lenguaje subjetivo para retratar temas que podrían considerarse violentos. Algo tan pequeño, de Gabriel Mariño, mantiene un cuidado total en cada escena, el cortometraje carece de diálogos entre sus dos protagonistas, se escucha
una voz en off que describe de manera literaria el amor entre dos mujeres, hace uso de tonos cálidos que son atenuados por filtros cinematográficos. La historia narra un desamor anunciado, el dolor que acompaña el amar y su esperanza por seguir juntas. Se podría pensar que actuar, dirigir y producir un filme es el reflejo de un ego; sin embargo para Gina Herrera, productora y actriz del cortometraje Ni de aquí ni de allá, se tradujo en un gran reto, “decidí actuar en él para hacerlo más real, fue complicado ya que corría el riesgo de descuidar la parte de la producción”, expresó. Un corto que habla sobre la amistad entre tres mujeres, sus miedos y la decisión de enfrentarlos. La directora de Jerusalén, Alicia Segovia Juárez, retrata recuerdos propios de su infancia a la que califica como “vertigi-
nosa”; una familia considerada disfuncional en la que dos hermanas se enfrentan a la ausencia de sus padres, donde la mayor asume el papel de madre. Ilusiones perdidas, la búsqueda del sueño americano, una despedida enmarcada entre cervezas y miradas, cuatro amigos reunidos en La banqueta, es el tema del corto de Anaís Pareto Onghena. Andrea, una joven mujer que busca a alguien que la acompañe por una noche, amores pasajeros y la lucha constante por apaciguar la soledad, es el mensaje de Aviéntame, de Haroldo Fajardo, Finalmente, Sofía de Bucarest, dirigido por Santiago Mohsr Volkow, es una cinta que aborda el tema de la pornografía; Sofía es una chica que acepta realizar una película porno para conseguir dinero e irse a vivir con su novio que radica en España.
le gustaría trabajar con John Sayles para una serie de televisión y vivir un proceso más largo bajo su dirección. El director de películas como Men with guns refirió que está escribiendo varios guiones para series televisivas y compartió que uno de ellos versa sobre una mujer espía en la Guerra Civil de Estados Unidos, otro aborda el tema de la lucha por el derecho al voto de afroamericanos en Mississipi y uno más sobre el jazzista Louis Armstrong, entre otros temas.
DIRECTORA GENERAL CARMEN LIRA SAADE
DIRECTOR JUAN MANUEL VENEGAS RAMIREZ
EDICION ERLAND DIETER SCHMIDT
• Contra-plano, especial de cine del periódico La Jornada Michoacán, editado por Editora de Medios de Michoacán, S.A. de C.V., bajo licencia otorgada por Demos, Desarrollo de Medios, S.A. de C.V., • Manuela Herrera No. 150 planta baja, esquina Rita Pérez de Moreno, • Col. Gertrudis Bocanegra, Morelia, Michoacán, C.P. 58150 •Tels: 01 443 3 26 10 71 y 3 27 94 65 • Distribuido en Morelia y en el interior del estado por Editora de Medios de Michoacán, S.A. de C.V.
contraplano@michoacan.jornada.com.mx
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Mantarraya, 15 años de construir un espacio para el cine de autor •Carlos F. Márquez
FOTOGRAMA DE LOS BASTARDOS, CINTA DIRIGIDA POR AMAT ESCALANTE Y DISTRIBUIDA POR MANTARRAYA
no de los acontecimientos de mayor impacto para la cinematografía en México en los últimos diez años es la creación de la productora y distribuidora Mantarraya, toda vez que no sólo abrió espacio para el cine de autor en las salas comerciales, también construyó los cimientos de un movimiento estético que, aunque no ha sido definido como tal, ejerce una poderosa influencia en nuevas generaciones de directores y guionistas. Creada en 1998 por Jaime Romandía como una plataforma para jóvenes cineastas –lo que explica que a la fecha haya producido 13 óperas primas–, Mantarraya Produccciones llega a los 15 años con un catálogo de 25 películas como; Japón (2002), Batalla en el cielo (2005), Luz silenciosa (2007) y Post tenebras lux (2012), dirigidas por Carlos Reygadas; Sangre (2007), Los bastardos (2009) y Heli (2013), de Amat Escalante; Nippon y Yokoso (2005) y Río de Oro (2010), de Pablo Aldrete, y la multipremiada Alamar, dirigida por Pedro González-Rubio. Jaime Romandía afirma en entrevista para Contraplano que el proyecto inició sin la pretensión de generar un movi-
miento estético –al estilo del manifiesto Dogma de Lars Von Trier y Thomas Vinterberg–, y a la vuelta de los años el objetivo es el mismo: “hacemos el cine que nos gusta y resultó ser un cine que no va con lo que estamos acostumbrados a ver, no sólo en México sino en todo el mundo, y que tiene que ver con un lenguaje un poco más de televisión”. “Los directores con los que hemos trabajado son autores que me gusta mucho su manera de ver y plasmar el mundo a través del cine. No hay una especie de línea editorial en Mantarraya, es espontánea; si ves el catálogo te das cuenta que es muy diverso y creo que ésa es la idea que ha permeado durante los primeros 15 años”, abundó. No obstante, autores como Reygadas y Escalante han sido un referente para otros directores mexicanos que han adoptado el estilo de un cine contemplativo, lleno de silencios dispuestos a que el espectador genere interpretaciones propias, y donde la estructura narrativa está sustentada en la poética de la imagen. No es que Mantarraya haya descubierto el hilo negro de una nueva forma de hacer cine, pues sus directores abrevan también del cine de Tarkovsky, Dumont y Béla Tarr, pero sí tuvo el arrojo de
apostar por esta vertiente de cine de autor y demostrar que el público mexicano está preparada para ella, lo cual es un acto significativo sobre todo en un contexto donde otras productoras mexicanas como Lemon Films preferían adoptar fórmulas hollywoodenses –a veces copiadas con papel calca, que no es lo mismo que escaneadas– para “garantizar” el éxito en taquilla. Se puede decir que en sólo 15 años el sello fundado por Romandía es un referente del cine mexicano en los máximos circuitos del séptimo arte, y para confirmarlo están los cinco premios que ha ganado en el Festival de Cannes, entre ellos dos al mejor director para Carlos Reygadas y Amat Escalante en los últimos dos años. Sin perder el piso por figurar entre lo mejor de la cinematografía mundial como casa productora, Romandía subraya que ganar premios es algo circunstancial y estrenar en Cannes es una condición de posibilidad, pues eso les abre camino en el sinuoso sendero de la distribución. “Nuestras películas no tienen un gran aparato publicitario, entonces tenemos que llegar a plataformas importantes para el cine de autor como Berlín y Cannes, para poder catapultar nuestras pelícu-
las, pero cuando las realizamos nunca estamos pensando en eso ni en ganar premios”, explicó. El reconocimiento de la productora y prestigio de sus directores ya había pasado la prueba de la trascendencia, pero aún faltaban los espacios para poder mostrar su trabajo más allá de los efímeros festivales, por lo que en 2007 fundan junto con Carlos Reygadas la distribuidora ND Mantarraya. “Abrimos la distribuidora porque nos dimos cuenta que si queríamos llegar a un público más amplio teníamos que tomar cartas en el asunto nosotros, y por eso distribuimos nuestras películas. Los exhibidores nos han dado espacios y se ha comprobado que sí hay un buen público al que le interesa este tipo de cine, aunque es muy difícil porque compites con otro tipo de maquinaria publicitaria y donde todo se mide por cuestión de rendimiento en sala”, comentó Romandía. Además de abrir espacio en las salas de exhibición comerciales para la proyección de cine de autor mexicano, Mantarraya también ha traído a México el cine de Béla Tarr, Bruno Dumont, Michael Haneke y Aki Kaurismäki, entre otros. Actualmente, la distribuidora Mantarraya proyecta cada una de sus películas en 25 territorios en promedio.
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Atropellada aparición de Tarantino •Carlos F. Márquez
espués de varios días de expectación, ya que el Festival Internacional de Cine de Morelia anunció su arribo en clave de rumor puesto que no dijeron dónde ni cuando, ayer por fin el director Quentin Tarantino llegó a Morelia y su visita al Cinépolis Centro tuvo el efecto esperado en la prensa, aunque no imaginado por los organizadores: en cuanto puso pie en tierra los representantes de los medios de comunicación lo rodearon, pero él avanzó hacia el interior de la sala y tras de sí arrastró una avalancha humana que atropelló todo a su paso: sillas, vallas y hasta señoras. Como si se tratase de una línea de golpeo, reporteros y camarógrafos intercambiaban empujones, codazos y pisotones, todo por capturar al temeroso quarterback de nombre Tarantino que ya sentía que le pisaban los talones. En el fragor del tumulto sólo se escuchaba la voz de Daniela Michel: ¡respeto!, ¡respeto!”, gritaba. Por fin una valla humana (de escasos tres jóvenes) logró detener a los medios de comunicación y una vez a salvo el director de la saga Kill Bill, que nunca perdió la sonrisa, aunque sí se despeinó, dijo que “todo esto asusta un poco”, por lo que pidió calma para poder ser amable, y a cambio ofreció que en los próximos días hablaría con la prensa. Tarantino asistió a la proyección de La Zandunga, película dirigida por Fernando de Fuentes e incluida en el ciclo homenaje a Arturo de Córdova. Además, el director de Bastardos sin gloria, que está por tercera ocasión en Morelia, también presentará un programa especial con filmes de su archivo personal, entre los que destacan Infierno en el río, de Silvio Narizzano; Un arma de dos filos, de la autoría de Samuel Fuller, y Mary, Mary, bloody Mary, de Juan López Moctezuma.
QUENTIN TARANTINO ACUDIÓ AYER A LA PROYECCIÓN DE LA ZANDUNGA
FOTO: IVÁN SÁNCHEZ
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A veces la familia se forja de cosas extrañas en la vida: Sainte-Luce •Érick Alba
s una mezcla de novela autobiográfica y guión cinematográfico de estilo muy personal lo que le dio a Claudia Sainte-Luce la posibilidad de obtener premios internacionales con su primer largometraje, Los insólitos peces gato, la que para ella es “una historia de encuentros y desencuentros”, en este caso los suyos, con la mujer que por decisión mutua se convirtió en su madre. Como parte de la presentación de la cinta que compite por el premio al Mejor Largometraje Mexicano dentro del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM), la autora y el reparto se presentaron ante los medios informativos para explicar la experiencia que fue convertir el guión en película, como la que resultó de la actriz que representa a Claudia, Ximena Ayala, quien con este trabajo regresa al cine para encontrar una historia en la que ella misma se refleja, pues proviene de una familia con rutinas alejadas en cada uno de sus miembros, mientras que Claudia, quien es el personaje principal, directora y autora del guión, careció de familia propia hasta que conoció a Martha, interpretada por Lisa Owen, en la cama vecina del hospital en que las dos estaban, Claudia por una apendicitis y Martha en fase terminal, a lo que se suma la experiencia nueva también para Wendy Guillén, quien participa por primera ocasión en un rodaje y para representarse a sí misma, ya que es parte de la familia que acogió a Claudia a través de Martha. Las actrices y realizadora narraron las sesiones de lágrimas que les produjo hacer la grabación, al surgir sensaciones y
FOTO: IVÁN SÁNCHEZ
ALFOMBRA ROJA DE LOS INSÓLITOS PECES GATO
recuerdos de su respectivo pasado, aunque previamente Claudia Sainte-Luce explicó a este diario, en una entrevista realizada para analizar sólo el guión que entonces llevaba el nombre de Encuentro, que “la vida está llena de encuentros y esta serie de encuentros te hacen ser quien eres y llegar hasta el presente. A veces la familia no necesita un código de ADN, la familia se forja de otras cosas extrañas que pasan en la vida: de repente estás en una situación tan extraña como con esta familia, en donde la mamá estaba todo el tiempo en el hospital y siempre tiene que haber alguien con ella y todos estaban muy en lo suyo
y yo me metí a cuidarla. ¿Por qué? No lo sé, pero sí puedo decir que lo que soy ahora es gracias a todos esos encuentros que tuve”. En la película se narra el proceso por el que Claudia, una vendedora de mostrador que no tiene familia, se integró a la de Martha no sin alguna reticencia por parte del resto de los integrantes, hasta que convivió con todos de manera individual “como una intermediaria”. “Sí me sentía parte (de la familia) pero siempre había una duda, ‘nunca va a suceder que seas parte de la familia’ (se decía a sí misma), y en ese viaje a la playa
Los insólitos peces gato, un intercambio vivencial
É
rick Alba
on Los insólitos peces gato, el primer largometraje de la jalisciense Claudia Sainte-Luce, la autora intenta hacer a un lado los vericuetos del simbolismo cinematográfico y la referencia teórica en que se basan muchas de las narraciones audiovisuales, aunque al final alude a su propia simbología personal surgida de las casualidades que contiene la vida y que en este caso le proveyó de una familia nueva. La cinta presentada este martes en el Festival Internacional de Cine de Mo-
relia, como competidora por el premio al Mejor Largometraje Mexicano, es el primer trabajo de Sainte-Luce de estas dimensiones y es bastante autobiográfico, pues narra el encuentro de la propia Claudia con Martha, una mujer que entonces se encontraba enferma en fase terminal y que la reunió con sus propios hijos para hacerla parte de la rutina íntima, hasta el punto en que la misma Claudia compartió la ceremonia a puerta cerrada con que todos se despidieron de Martha poco tiempo después. Sin embargo, el proceso para llegar hasta ese punto es el verdadero conte-
nido de la trama, una sucesión de conocimiento mutuo entre la invitada y los familiares a través de su adhesión a las rutinas individuales de cada uno, así como la contradicción que significa el miedo al rechazo cuando estuvieron todos juntos. La película que ya obtuvo el premio de la sección Primer Corte en Ventana Sur; el Premio del Jurado a Mejor Película en el Festival del Film Locarno; el Premio Fipresci en el Toronto International Film Festival, y que fue seleccionada como participante en el Biarritz Amérique Latine y en el Internacional de Cine de Morelia podría calificarse como un inter-
(que desencadena el final de la historia) fue la primera vez en años en que estaba la mamá con sus hijos y me la pasé horrible porque yo no formaba parte de eso: la convivencia estaba bien cuando cada quien estaba en lo suyo y yo era un pieza en ese engranaje, pero cuando ves a todo el engranaje funcionado tú sobras”. Sin embargo, el resultado resultó alentador en los dos sentidos: la película está cosechando premios internacionales y los deudos de Martha son los familiares de Claudia, aunque eso es un elemento extra en la competencia que por ahora libra la cinta en Morelia.
cambio en términos vivenciales, pues así como la protagonista, encarnada por Ximena Ayala, ayuda a los hijos de Martha (Lisa Owen) a prepararse y a sobrellevar el fallecimiento de ésta, Claudia adquiere las experiencias propias de una vida en familia, las que realmente nunca tuvo pues está sola desde los dos años de edad. Así es como confluyen experiencias distintas que incluyen también el egoísmo natural en niños que todavía no comprenden la proximidad de la muerte que enfrenta la madre, y que anclan su rutina en la satisfacción de sus propias exigencias mientras Claudia entra en contacto directo con ellos, y la curiosidad sobre los pensamientos mutuos es el lazo de unión para el conocimiento y la aceptación posterior. Tal vez la cinta parecería de tendencias moralizantes aunque en realidad no lo es, pues trata solamente de narrar una experiencia real que marcó a los que se involucraron en ella, por lo que la interpretación sobre el contenido, mensaje o moraleja, o su inexistencia total, está bajo el albedrío individual del espectador.
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Mariposas en el hierro, un llamado a la paz •Carlos F. Márquez
a violencia que emana de distintos frentes políticos en el País Vasco ha dejado un gran número de mujeres solas; esposas, madres y hermanas de presos o asesinados políticos que han sacado del dolor de la pérdida la fuerza para luchar por el respeto a los derechos humanos, y que son convocadas por Bertha Gaztelumendi, a través del documental Mariposas en el hierro –sin que ella se lo proponga de manera explícita–, a trabajar en el proceso de conciliación que traiga la paz. Por encargo del Centro Internacional de Políticas de Igualdad, Bertha Gaztelumendi realizó este documental con la premisa institucional de hablar sobre las mujeres y la paz. Después de la proyección ayer en el Festival Internacional de Cine de Morelia, comentó que realizó Mariposas en el hierro con tres objetivos fundamentales: reivindicar el papel de la mujer en la solución de conflictos, incitar a la reflexión sobre el tipo de paz que se quiere y cuestionar ¿qué estamos dispuestos a aportar para lograrla? En el abanico desplegado por la realizadora con la estructura coral de los testimonios de familiares de víctimas y activistas defensores de los derechos humanos se revelan distintas formas de violencia: la sexual, la patrimonial en los casos de personas que han visto embargada su vivienda, la del Estado contra la sociedad, y sobre todo la ideológica puesto que los ciudadanos vascos se encuentran en el fuego cruzado de la organización terrorista ETA, de los Grupos Antiterroristas de Liberación (GAL), de las expresiones de extrema derecha y diferentes grupos políticos. A partir de los testimonios Gaztelumendi desmenuza las problemáticas y anhelos del País Vasco, y pone sobre la mesa de debate la idea de que el proceso de paz empieza por reconocer que no existe una
BERTHA GAZTELUMENDI, DIRECTORA DEL DOCUMENTAL MARIPOSAS EN EL HIERRO
verdad única, y que construirla es uno de los procesos más creativos puesto que “implica una gran apertura para buscar caminos de entendimiento y para desmontar las causas de aquello que fue dañino de la violencia”. Mariposas en el hierro esboza un País Vasco fragmentado, por lo que en la medida que se va desarrollando el documental se acumulan los argumentos a favor de dejar posturas ideológicas inflexibles y romper estereotipos para avanzar; entre líneas puede leerse este trabajo como un amplio llamado de Bertha Gaztelumendi a que los diversos sectores inicien un
FOTO: IVÁN SÁNCHEZ
amplio diálogo nacional de conciliación. En los años del cese al fuego declarado por ETA, ese llamado tiene ecos más profundos. Al inicio de la proyección la realizadora comentó que su trabajo era una reflexión sobre la aportación de las mujeres a la paz, razón por la que al final del documental quiere reforzar la premisa con la tentativa de subrayar que las mujeres son más proclives a la pacificación, aunque una de las entrevistadas manifiesta que es muy raro verlo de esa manera, y por mencionar un ejemplo de que nada tiene que ver el género con los procesos de paz
afirma que la mandataria de Alemania, Angela Merkel, “no destaca como generadora de puentes”. El trabajo de Gaztelumendi es muy sólido, sin embargo, trastabilla al final con su propósito de poner en una balanza el papel de hombres y mujeres para ver cual pesa más en la paz, pues por un lado les resta mérito a los hombres que fueron asesinados por defender alguna causa, y por otro, la complejidad del conflicto en el País Vasco que ella misma esbozó deja claro que la pacificación no es una cuestión de géneros y necesita de todos por igual.
Rosario, recuento de una lucha por justicia •Dulce Muro a argentina Shula Erenberg, en Rosario, su más reciente producción, retrata la vida de Rosario Ibarra, una mujer emblemática en México, quien a partir de la desaparición forzada de su hijo, Jesús Piedra Ibarra, en 1975, se transformó en una incansable luchadora por los derechos humanos en el
país. Se trata de un documental que intenta mantener la memoria de una época de injusticias, así como el recuerdo de las víctimas de las desapariciones forzadas en el país durante la década de los 70 y en la guerra sucia de los 80. La cinta de la mexicana por adopción –pues reside en el país desde 1976– participa en la competencia como parte de la selección oficial de Largometraje Documental Mexicano en el marco del 11 Festival Internacional de
Cine de Morelia. En 70 minutos, Erenberg hace un recuento de los hechos que llevaron a Rosario Ibarra de Piedra a emprender el camino interminable de la búsqueda de su hijo y de los miles de desaparecidos, pues a la fecha, no ha logrado conseguir ningún tipo de respuesta ni ayuda del gobierno para localizarlo. Sentada en la comodidad de su sala, Rosario recuerda su candidatura presidencial en los años 1982 y 1988 y le cuenta a la pantalla que si aceptó su postulación fue en memoria de su abuela Adelaida, una mujer con ideas avanzadas para su tiempo y a la cual sólo vio llorar el día que rechazaron su carta de petición para otorgarle el derecho de voto a la mujer, alegando que ésta no estaba lista para tal responsabilidad. Así fue como Rosario se involucró más en la política
y se convirtió en un icono de la lucha por los derechos humanos, trabajo que sigue cumpliendo hasta hoy, como senadora del Partido del Trabajo. La película se realizó con el apoyo del Fondo para la Producción cinematográfica de Calidad (Foprocine), en conjunto con Bias Producción, y con anterioridad fue exhibida en la ciudad de Guadalajara en una presentación especial de Erenberg, donde se realizó una mesa de diálogo con Francisco Macías y Joge Robles Naredo para hablar de la vida de la activista protagonista del largometraje. Además tuvo participaciones en el Festival Internacional de Cine de Guanajuato 2013, el Festival Internacional de Cine de Monterrey 2013 y la Muestra de Mujeres en el Cine y la Televisión 2013. Seguirá con funciones los días jueves 24 a las 18 horas y el sábado 26 a las 12:30 horas.
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El cine de género, enfrentado a esquemas audiovisuales •Dulce Muro
as nuevas mentes del cine mexicano, jóvenes entre sus 20 y 30 años, compartieron su visión y percepciones acerca de la actualidad de la industria del séptimo arte en el país y los retos que enfrenta en el segundo módulo del Encuentro de Realizadores Mexicanos, llamado Los nuevos talentos: el cortometraje en México y que tuvo como sede el Teatro José Rubén Romero. En esta ocasión participaron los jóvenes que integran con sus trabajos la selección en competencia de la categoría Cortometraje Mexicano, en el marco del Festival Internacional de Cine de Morelia en su décima primera edición. Se seleccionaron alrededor de 350 cortometrajes de los cuales quedó en competencia aproximadamente el 10 por ciento, es decir, poco más de 30 trabajos, explicó el moderador y crítico de cine, Rafael Aviña, lo cual, asegura, habla del gran nivel que en esta ocasión ostenta la sección de Cortometraje Mexicano. Los estudiantes de cine de diferentes universidades del país que participaron en la charla fueron Gina Herrera, del corto Ni de aquí ni de allá; Víctor Rodrigo Pérez, de Esteban Grabinski; Ángel Linares, de Las montañas invisibles; Jazmín Soria Díaz, de Algo del universo; Miguel Fernández, de Pasajeros; Yadira Arellano, de Dr. Onco; Juan Carlos Oñate, de Estatua mutilada y Gerardo Martínez, de Terreno baldío. En el encuentro, destacó la característica general de los cortos, que retoman el cine de géneros al incluir terror, ciencia ficción, road movie, surrealismo e incluso cine político. Recurrir a hacer cine de género, según los cineastas, puede ser tanto beneficioso
FOTO: IVÁN SÁNCHEZ
PARTICIPANTES DEL SEGUNDO MÓDULO DEL ENCUENTRO DE REALIZADORES MEXICANOS
como perjudicial, pues si bien es una ayuda para definir lo que se desea mostrar en los productos cinematográficos con calidad, es difícil sacar adelante este tipo de producciones debido a la falta de apertura en el público mexicano. “Yo cuando estaba haciendo mi tesis me decían, ‘¿y es ciencia ficción mexicana?’, yo decía, pues sí, la vamos a hacer aquí, es mexicana (…) entonces es un problema, porque para la taquilla mexicana sólo existen tres géneros: acción, terror, comedia y nosotros mal que bien, sí fuimos al cine cuando éramos niños, sólo había eso”, co-
mentó al respecto Rodrigo Hernández, del corto Protocolo. También consideró que es por estas razones, por las cuales es difícil ser un realizador de género, pues muchas veces el mismo gentilicio te encasilla en “lo mexicano” y las películas se limitan a esta concepción que no deja espacio a experimentar con otros tipos de cine. Destacaron también la necesidad de orientar a las audiencias creando un nuevo tipo de espectador que requiere una nueva dinámica del cine, donde se le ofrezca lo mejor de los dos mundos: el cine de festiva-
les y el comercial. “Estamos siendo bombardeados por una serie de códigos audiovisuales, de paradigmas, de clichés, desde la llegada de la televisión, donde se están reproduciendo esquemas y se está construyendo un espectador audiovisual muy limitado, con muy poca capacidad de apertura”, opinó Ángel Linares. Asimismo, señaló que lo que se hace en los festivales es precisamente confrontar al espectador con nuevos códigos audiovisuales que logran perturbarlo y hacer que se abra a nuevas posibilidades cinematográficas, distintas a las que está acostumbrado.
Documentales, bastión de la cultura popular •Ulises Fonseca Madrigal l programa dos de documentales en competencia dentro del Festival Internacional de Cine de Morelia puede ser dividido en dos subcategorías: la descriptiva / conceptual en torno a la realización de un trabajo, como es el caso de Mi punto de partida, de Uriel López y La Parka, de Gabriel Serra; y por otro la de preservación, con los trabajos enfocados a narrar las leyendas y tradiciones de comunidades rurales, como una forma de preservar la cultura popular, siendo éste el caso de La ahorcadita, trabajo realizado por Pierre Saint-Martin junto a Carlos Torres, y El imaginario y su túnel, de Javier Quiñones Sánchez y Javier Niño Barrios. En el caso de Mi punto de partida, de apenas poco más de cuatro minutos de duración, Uriel López señala que “surgió a manera de homenaje para el fotógrafo Nacho López” y a la fotografía analógica en sí, aspecto por el cual rodó parte del documental en blanco y negro, “porque es parte de la historia de la fotografía”, para el que también empleó un método artesanal para el revelado.
Tocó el turno después a La ahorcadita, material peculiar tanto por su propuesta como por la dinámica de realización, ya que además de indagar en la narración oral de una comunidad asentada en Baja California y el significado para la vida cotidiana que le otorgan los pobladores, fue un ejercicio en el que los mismos ciudadanos tuvieron un papel dentro del equipo de producción. De esta forma, Pierre Saint-Martin y Carlos Torres retratan la conformación de la figura de una santa en el imaginario popular, y cuya imagen surgió de la historia trágica de una adolescente embarazada encontrada colgada de un árbol. Los pobladores describen que “la ahorcadita” otorga favores, narran su historia, y participan en una recreación de la misma. “Un poco la idea era mantener la leyenda; lo más que habría era una crónica, así que se tuvo que recomponer el mito”, dijo Saint-Martin. Por su parte, El imaginario y su túnel también retrata las narraciones populares de Uren, comunidad rural de Sonora, cuyos habitantes relatan, reproducen y creen
de forma firme en la existencia de túneles que cruzan y comunican distintos puntos de la población. El trabajo de Javier Quiñones y Javier Niño también emplea recursos más usuales en la ficción, como los simbolismos, representados por un hombre excavando y otro en actitud apacible en una mecedora a la entrada de una casa; “los recursos se emplearon conforme a lo que se fue formando, es un diálogo coral y desfogamos en un personaje central”, señalaron los realizadores. Finalmente, fue presentado La Parka, que sigue las actividades cotidianas de Efraín, empleado de un rastro apodado de esa forma debido a que, entre sus responsabilidades, diariamente debe matar hasta 500 reses, actividad que ha desempeñado desde hace 25 años; “me gusta registrar procesos y era una especie observacional… no creo que mi documental sea político”, dijo Gabriel Serra. Este programa será exhibido hoy con entrada gratuita en la Casa Natal de Morelos a las 16 horas, así como el jueves en Las Américas a las 21 horas.
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Recomendaciones 2012. Duración: 69 minutos. Documental. México Producción: Henner Hofmann, Liliana Pardo, Karla Bukantz Guión: Pablo Tamez Sierra Fotografía: María Secco Edición: Javier Campos Función: Cinépolis Centro, Sala 1, 16 horas
La
bicicleta verde
La película se basa en la vida de una sobrina de la directora. Wadjda tiene diez años y vive en una sociedad tan tradicional que ciertas cosas como ir en bicicleta le están totalmente prohibidas. A pesar de todo, es una niña divertida y emprendedora que bordea siempre el límite entre lo autorizado y lo prohibido. Wadjda desea tener una bicicleta para poder competir con su amigo Abdullah en una carrera, pero su madre no se lo permite porque las bicicletas son un peligro para la dignidad de una chica. FOTOGRAMA DE LA DANZA DE LA REALIDAD, DE ALEJANDRO JODOROWSKY
l sexto día del undécimo Festival Internacional de Cine de Morelia es uno de los más esperados, ya que contará con la presencia de Alejandro Jodoroswky, invitado especial que presentará su cinta más reciente. Además, continúa la exhibición de los cortos y largometrajes mexicanos en competencia, así como estrenos internaciones de países de Europa y Asia.
La
danza de la realidad
Esta película, adaptación del libro autobiográfico, ha sido descrito de la siguiente manera por él director: “es un ejercicio de autobiografía imaginaria, aunque no en el sentido de ‘ficticia’, pues todos los personajes, lugares y acontecimientos son verdaderos, sino en el hecho de que la historia profunda de mi vida es un esfuerzo constante para expandir la imaginación y ampliar sus límites, para aprehenderla en su potencial terapéutico y transformador. Ella actúa en todos los terrenos de nuestra vida, incluso en los que consideramos racionales. Por eso, no se puede abordar la realidad sin desarrollar la imaginación desde múltiples ángulos”. 2013 Duración: 130 minuntos. Chile Director: Alejandro Jodorowsky Guión: Alejandro Jodorowsky. Música: Adán Jodorowsky, Jonathan Handelsman Fotografía: Jean-Marie Dreujou Reparto: Brontis Jodorowsky, Jeremías Herskovits, Pamela Flores, Alejandro Jodorowsky, Axel Jodorowsky, Adán Jodorowsky Productora: Coproducción Chile-Francia; Le Soleil Films/Camera One Función: Cinépolis Centro, Sala 4, 21:15
González El filme relata la vida de un joven que vive en el anonimato de la ciudad más grande del mundo y está desesperado por ser alguien en la vida y liquidar sus deudas. Entra a trabajar en una iglesia que se dedica a vender una falsa espiritualidad allí descubre una nueva manera de sobrevivir. Aborda el cómo la crisis económica ha llevado a la proliferación de iglesias que prometen la salvación y cómo las personas acuden a éstas en busca de una identidad. Director: Christian Díaz 2012. Duración: 100 minutos. Ficción. México Guión: Christian Díaz Pardo y Fernando del Razo Productora: Laura Pino Reparto: Carlos Bardem y Harold Torres Función: Cinépolis Centro, Sala 4, 18:45
Lejanía Es la historia de una familia marcada por la tragedia que da pie a una reflexión sobre la memoria, los lazos afectivos y los secretos familiares, así como la dificultad de las nuevas generaciones por conocer y aceptar los acontecimientos. Director: Pablo Tamez Sierra
Somos Mari Pepa Alex, un chico de 16 años que vive con su abuela, tiene distintos objetivos para el verano: crear junto con su grupo de rock una nueva canción, conseguir trabajo y tener su primera experiencia sexual. Al mismo tiempo descubre que su abuela comienza a ser más dependiente de él. Conforme avanza el verano, Alex empieza a darse cuenta de que las cosas van a cambiar para siempre y tendrá que madurar y aprender a decir adiós. 2013. Duración: 95 minutos. Ficción. México Director: Samuel Kishi Guión: Samuel Kishi, Sofía Gómez Córdova Música: Kenji Kishi Fotografía: Octavio Arauz Reparto: Alejandro Gallardo, Arnold Ramírez, Rafael Andrade Muñoz, Moisés Galindo, Jaime Miranda, Petra Íñiguez Robles Productora: Teonanacatl Audiovisual / Cebolla Films Función: Cinépolis Centro, Sala 4, 16:15
ESCENA DE LA BICICLETA VERDE
Director: Haifaa Al-Mansour 2012. Duración: 100 minutos. Arabia Saudí Música: Max Richter Fotografía: Lutz Reitemeier Reparto: Reem Abdullah, Waad Mohammed, Abdullrahman Algohani, Sultan Al Assaf, Ahd Kamel Productora: Coproducción Arabia Saudí-Alemania; Highlook Communications Group / Razor Film. Función: Cinépolis Las Américas, Sala 2 VIP, 16:30
Ida Drama conmovedor e íntimo de una joven monja novicia en 1960, en Polonia, que, a punto de tomar sus votos, se le ordena hacer contacto con su último pariente restante, un bebedor dueño de sí mismo llamado Wanda que trabaja como juez. La revelación de la verdadera identidad de Anna como una judía (su verdadero nombre es Ida), y su propio pasado como fiscal de “enemigos del pueblo” (históricamente, los combatientes de la resistencia anti-nazi antiguos que fueron condenados en juicios-espectáculo bajo el régimen estalinista). Dirección: Pawel Pawlikowski 2013. Duración 80 minutos. Ficción. Polonia Productor: Cristiano Falkenberg Husum Función: Cinépolis Centro, Sala 3, 21:45