S U P L E M E N T O
E S P E C I A L
D E
C I N E
JUEVES 24 DE OCTUBRE DE 2013, MORELIA , MICHOACÁN
NÚMERO 6
Foto: Iván Sánchez
Hollywood, una fábrica de cine deshumanizado
Jodorowsky: si hago un acto de psicomagia, la CIA viene y me mata
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JUEVES 24 DE OCTUBRE DE 2013
Hice La danza de la realidad porque quería saber quién soy antes de morirme: Jodorowsky •Carlos F. Márquez
FOTO: IGNACIO JUÁREZ
EL CINEASTA ALEJANDRO JODOROWSKY RECIBIÓ MUESTRAS DE AFECTO POR PARTE DE LOS CINÉFILOS
l cineasta chileno Alejandro Jodorowsky asegura que no hay respuestas para el problema de la violencia en México, que tiene profundas raíces en la cultura, pero sugiere que “se debe hacer un esfuercito” para no hablar únicamente del narcotráfico, sino también de sus clientes, y a rajatabla manifiesta: “si los americanos (estadunidenses) no fueran una bola de drogados no habría narcotráfico en México; ¿a dónde va esa enorme cantidad de droga?, alguien se la está comiendo, alguien la está usando”. Al creador de la psicomagia que da consejos por Internet para curar traumas psicológicos se le preguntó si no tenía algún acto colectivo, mágico-simbólico, que pudiéramos llevar a cabo para conjurar la violencia en el país que no ha podido ser superada con políticas públicas, y en la coyuntura de la revelación del espionaje de Estados Unidos a presidentes mexicanos afirmó: “si tú haces un acto de psicomagia la CIA viene y me mata. Si te lo doy me mata… mejor me callo”. En entrevista con La Jornada Michoacán el artista, que también tiene la nacionalidad francesa, recalcó que la política de los países se ha desdibujado y sólo existe una política global, de tal manera que cuando hay una crisis deja sentir su impacto en las naciones como efecto dominó, y desde esa perspectiva, enfatizó, debe tratar de entenderse la problemática en nuestro país. En referencia a la parálisis del gobierno de Estados Unidos que amenazaba con dar inicio a una recesión a gran
escala, Jodorowsky señaló que muchas de esas crisis son falsas y subrayó que el problema económico viene de siglos, por lo que “hay que cambiar el sistema económico que es una monstruosidad”.
Cine de lo real
Veintitrés años después Jodorowsky volvió a tomar la cámara de cine para rodar La danza de la realidad, película basada en el libro autobiográfico del mismo nombre que “es un trabajo de reconciliación familiar” en el que a través del arte le da a su árbol genealógico “lo que no tuve”. A sus 84 años de edad el director de El topo y Santa sangre dice estar inmerso en su propia vida, “porque cuando te acercas a la vejez te acercas a la muerte, entonces en un momento dado sabes que eres mortal. Cuando estás joven vives como inmortal y tienes razón, gozas de la vida, pero a mi edad me puedo morir mañana, ¡mañana!, entonces gozas de cada día, de cada cosa y de cada instante, pero además empiezas a verte a ti mismo: ¿quién eres tú y qué haces dentro de este ataúd de carne?”. La danza de la realidad es una suerte de ajuste de cuentas con la propia vida, pues Jodorowsky confiesa: “no quisiera morirme sin saber quién soy, qué había en este cuerpo y en este cerebro”. Por eso se enfrenta a su entorno familiar y el cine le permite un ejercicio de perdón a “un padre aplastante y a una madre humillada”, pero también a su ciudad natal Tocopilla.
Muchas veces censurado por poner a la sociedad ante el espejo de sus yerros, Jodorowsky vuelve al séptimo arte para reivindicar su idea de que no hay diferencia entre cine y poesía: “un director debe ser un creador poeta. El cine que estamos viendo ahora es una porquería porque sales admirado de los grandes efectos, de que Superman se bate con un monstruo y destroza Nueva York entero; ¡chinguen a su madre!, ¿a quién le importa que destrocen un Nueva York de mentiras? Yo creo que el cine se hace con verdades: cuando una actriz mea, mea”. Cuando se habla de cine se enciende en sus convicciones y se muestra irreductible en muchos aspectos, entre ellos el trabajo actoral y las fórmulas ideadas para vender superestrellas: “el actor es un actor y debe ser actor. El director está creando la obra y el actor se presta al director como un color se presta a la paleta del pintor; si el color dice: ‘yo soy rojo, pero quiero poner unas pintas de azul en mi rojo’, tú le dices: ‘¡color de mierda, vete fuera! Eres rojo, eso es todo’. Un actor es un actor y debe ser obediente a la creación del poeta”. La danza de la realidad se estrenó en el Festival de Cine de Cannes y en Francia lleva su octava semana en cartelera pese a que la única promoción que se ha hecho son las entrevistas concedidas por el director y las recomendaciones “de boca a oreja”. Como siempre, el autor que han llamado de culto desdeña a la industria cinematográfica y toda su parafernalia, por lo que sentencia: “Alejandro Jodorowsky hace una película
contra viento y marea, y como un David se lanza contra Goliat y ataca al sistema fílmico americano. Eso es lo que hace un tipo como yo: en lugar de destrozar cosas hace su obra contra viento y marea”.
DIRECTORA GENERAL CARMEN LIRA SAADE
DIRECTOR JUAN MANUEL VENEGAS RAMIREZ
EDICION ERLAND DIETER SCHMIDT
• Contra-plano, especial de cine del periódico La Jornada Michoacán, editado por Editora de Medios de Michoacán, S.A. de C.V., bajo licencia otorgada por Demos, Desarrollo de Medios, S.A. de C.V., • Manuela Herrera No. 150 planta baja, esquina Rita Pérez de Moreno, • Col. Gertrudis Bocanegra, Morelia, Michoacán, C.P. 58150 •Tels: 01 443 3 26 10 71 y 3 27 94 65 • Distribuido en Morelia y en el interior del estado por Editora de Medios de Michoacán, S.A. de C.V.
contraplano@michoacan.jornada.com.mx
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"No vayan a la escuela de cine, los hará esclavos de Hollywood"
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arlos F. Márquez
ntes que una clase magistral sobre cine, el chileno Alejandro Jodorowsky echó mano ayer del budismo zen, de la psicomagia y de los arcanos del Tarot para dar a sus seguidores (decir fanáticos en este contexto es peligroso) una serie de consejos para liberarse de la “neurosis histórica” que recibimos como legado por el simple hecho de ser sujetos sociales. Nadie que haya pisado el Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM) ha causado el tumulto que provocó ayer Jodorowsky; su clase magistral que se realizaría en el Teatro Rubén Romero tuvo que ser cambiada un día antes al Teatro Morelos porque los organizadores preveían que sería rebasada la capacidad de aforo. Y el pronóstico fue acertado: algunas personas presumían haber llegado a las 6 de la mañana para hacer fila y ya iniciado el evento se armó el portazo que permitió entrar a muchos que habían quedado fuera y que gritaban: “cultura para todos”. El director de La danza de la realidad, filme que se estrenó ayer en el FICM, dejó las cosas claras desde el principio: “no vayan a la escuela de cine, se van a convertir en esclavos del cine americano (por decir hollywoodense) y no vale la pena”. Entonces su larga disertación, en la que se entretejieron chistes, anécdotas profesionales y familiares, versó sobre el camino a seguir para conquistar la singularidad y desarrollar el potencial humano; para dar una idea de la dimensión de esa potencialidad puso a gritar a pulmón abierto a toda la audiencia… y después era difícil callarla. “Para hacer cine hay que saber lo que es un ser humano, si no, no se puede hacer porque el cine tiene que mostrar al humano”, pero aclaró que no se debe proyectar con los estereotipos
del cine gringo ya que éstos, en la mayoría de los filmes tienen como premisa existencial el dinero. “Parecería que lo único que hay de sublime en el ser humano es el dólar”, dijo. Criticó a la industria hollywoodense por hacer del cine una fabricación industrial deshumanizada, plagada de héroes cretinos y que sólo apantalla con efectos increíbles; “¿qué es la tercera dimensión sino un falo que va hacia ti y te viola en la silla?... Yo quiero hacer un cine de impacto emocional o intelectual”. Hasta Alfonso Cuarón, director de Gra-
vedad, alcanzó un repaso del humor corrosivo de Jodorowsky: “Este Giorgy Clooney, ¿cómo se llama ese?, salió en una película estupenda de la superestratosfera, del futuro. Este tipo aparece y el cretinazo se toma un vodka; es decir, que en el siglo 3 mil van a estar todavía tomando vodka y haciendo chistes idiotas”. El también escritor volvió a lo suyo y afirmó que el pensamiento es colectivo, y para ejemplificarlo habló de la conexión entre neuronas, “porque sólo eres una isla”. Sólo
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después de que en las relaciones personales y sociales lo más importante es el respeto al ser humano, abundó, se puede hablar de un potencial colectivo con el que ya no somos víctimas, “somos creadores de realidad”. Hilarante, el director de La Montaña Sagrada dijo que el ser humano, en su constitución, es una cabeza, un tronco, extremidades y deudas: “el simius economicus que es esclavo de un régimen hipócrita que nos está limitando en nuestra libertad”. El psicomago habló de las necesidades sagradas del cuerpo: comenzar a definirse desde el lenguaje corporal; hacer de la energía sexual una fuerza creativa para hacer las cosas con pasión, no como los políticos que sólo usan esa energía en la rapiña -dijo– y vaciar la mente de palabras para llevarla al silencio y aprender a ver y escuchar. Alejandro Jodorowsky, quien compartió escena unos minutos con su hijo Brontis y su esposa, dijo a los cineastas o futuros directores que “si hacen un cine donde los cuerpos no son sagrados, entones sólo será cine de consumo. Hay que buscar que haya sabiduría del cuerpo”.
FOTO: IVÁN SÁNCHEZ
EL TEATRO MORELOS FUE INSUFICIENTE ANTE LA CANTIDAD DE ASISTENTES PARA ESCUCHAR A ALEJANDRO JODOROWSKY
Quentin Tarantino evade los reflectores •Érick Alba
unque el cineasta estadunidense Quentin Tarantino rehusó finalmente encontrarse con los medios informativos, el punto rescatable para el Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM) fue lograr reunirlo con otro autor de culto y que este año es el homenajeado internacional, el franco-chileno Alejandro Jodorowski, quienes al menos durante la comida estuvieron a la misma mesa y lejos del barullo que la presencia de cada uno provocó entre el gremio de cinéfilos que por ahora se da cita en la capital michoacana. Ajenos a los vericuetos de la vida social moreliana, amanecida este miércoles con la
noticia de que hay otro gobernador, que es el mismo que ganó en las urnas pero cuya entrada significa un tercer periodo de mandato en apenas dos años y medio para los michoacanos, Jodorowski y Tarantino cumplieron sus respectivas agendas con tintes bastante distintos: el primero acudió a una conferencia de prensa, un encuentro con realizadores y una firma de libros, sin contar con la entrevista que cedió a los organizadores del mismo festival, mientras que Tarantino se enfocó en ver películas mexicanas clásicas y pasear por la zona vistosa de la ciudad. Si bien Jodorowski acude por primera ocasión al festival michoacano y en calidad de homenajeado en turno, gracias a su prolífica carrera y a presentar su cinta más reciente, el estadunidense parece convertirse en
un visitante regular al mismo programa pues es la tercera ocasión que participa en el festival, aunque en calidad de público y con dos aportaciones de su colección privada para ser exhibidas en Morelia, en apenas cinco años. La directora general del FICM, Daniela Michel, explicó el martes que Tarantino no sostendría encuentros con la prensa “como un acto de humildad”, es decir, para no quitarle reflectores al mismo programa, aunque las órdenes a los reporteros por parte de sus respectivas redacciones eran insistentes en cuanto a conseguir una declaración del director de Kill Bill, algo que él mismo prometió el martes, cuando se mostró molesto ante la insistencia de los medios, pero que hasta el cierre de esta edición no se concretaba como tampoco se concretó en los años anteriores.
Por su parte, Jodorowski completó la tarde de este miércoles su charla magistral frente a jóvenes realizadores mexicanos y un encuentro con los medios informativos a manera de conferencia de prensa, y aunque se corrió la voz sobre el encuentro que sostuvieron los dos, junto a Daniela Michel, para comer en un restaurante del Centro Histórico, no se ventilaron los detalles sobre la plática. Cabe señalar que entre las películas a las que acudió Tarantino y que de hecho integran la muestra que curó para este festival, están al menos un par en las que participó Arturo de Córdova, el actor mexicano que por primera ocasión recibe un homenaje en México y que ocurre a 40 años de su fallecimiento.
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Cortos… de muerte, comedia y devastación •Ulises Fonseca Madrigal a mayor parte de los trabajos reunidos en el segundo programa de cortometrajes mexicanos en concurso dentro del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM) 2013 exploran la dinámica de la muerte desde distintas perspectivas, causas y contextos, que abarcan lo fantástico con Música para después de dormir, lo anecdótico con Disonacia, el elemento cómico de Gajes del oficio, la devastación individual por la muerte de seres cercanos con El dolor fantasma y Sable, así como el retrato de paradigmas sociales con Porcelana. De esta forma, Disonacia, de Alejandro Jiménez, muestra los abusos de poder que puede ejercer el maestro, el cual “surge de una anécdota que una amiga me contó sobre su abuela”. El corto carece de diálogos, si bien el juego de planos, expresiones y en especial la música es suficiente para narrar la historia. Por su parte, Música para después de dormir, de Nicolás Rojas, mantiene una influencia “rulfiana”, según Indira Velasco, coguionista del corto, quien dijo que el argumento nació de la necesidad de contar algo sobre la música de Oaxaca “desde algo más emocional… enfocado a las comunidades para contar una historia rural”. Asimismo, el material es heredero del neorrealismo al emplear actores no profesionales. Gajes del oficio, de Mariana Gironella, muestra las dificultades de un taxista del Distrito Federal, quien debe lidiar con la muerte de un pasajero y asistir a la fiesta de 15 años de su hija; “no tiene pretensión más que hacer reír… básicamente me parece que la risa es un escudo fundamental en estos tiempos que corren”, dijo la realizadora. En contraposición, Sable retrata la depresión de una
joven que ha perdido a su hijo y la manera esquizoide con la cual lidia con la soledad; mientras El dolor fantasma, de José Pablo Escamilla, narra el luto de Cynthia, cuyo hermano ha muerto; el argumento resulta en una forma de luto personal para el realizador, pues “en 2010 falleció un amigo y quise hacerle un homenaje”. Un tema poco explorado y que se percibe tabú es el de la sexualidad infantil, empleado en Porcelana, de Betzabé García, quien señaló tener la intención de explorar
FOTOGRAMA DE MÚSICA PARA DESPUÉS DE DORMIR
dicha temática desde diferentes planos, considerando que “desde niños somos seres sexuales” y que a esta realidad se suman “los prejuicios, el castigo y la muerte”. Finalmente, El río ahí entre los árboles, de Pepe Gutiérrez, se aleja de elemento que une a los anteriores y retrata la vida de “Celeste”. El director señaló que su filme surgió de una necesidad de escapar del academicismo de las escuelas de cine y como una manera de adaptarse con los recursos disponibles.
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González, una crítica al lucro que implica la charlatanería religiosa •Érick Alba
ntre las deudas con el banco, la soledad de ser un migrante en la ciudad de México, el desempleo y la charlatanería religiosa que puede funcionar como escape económico, no hay espacio para el recato en la narración, y hasta se adivina una clara intención de provocar a los profesionales de la fe en sus métodos de lucro ante una sociedad necesitada de creer en algo superior y bueno que la libre de todo eso, según González, la ópera prima del cineasta chileno educado cinematográficamente en México Christian Díaz Pardo. La película presentada este miércoles como largometraje mexicano en el Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM), y que seguramente tendrá una buena recepción en las salas del país, tiene la virtud de acudir a la mezcla de la vida diaria de cualquier mexicano común, empleado o no, y su entrada al oscuro mundo de la religión charlatana que ofrece sanación inmediata, felicidad gratuita, empleo bien remunerado y todo lo que ese mexicano espera de Dios por el simple hecho de pedirlo. De hecho, la película dibuja desde las primera escenas lo que, esperamos, sea una línea crítica en Díaz Pardo, al aprovechar la perspectiva temática que ofrece un noticiero que habla sobre uno de los tantos narcobloqueos en el país, para pasar a la llamada telefónica que recibe el personaje: “es que sí les quiero pagar pero no tengo dinero, ¿cómo le hacemos?”, y el espectador piensa que alguien de los suyos está secuestrado, que están extorsionando al joven, y sí, el secuestrado es él mismo y el ex-
FOTO: IVÁN SÁNCHEZ
ALFOMBRA ROJA DE GONZÁLEZ
torsionador es el banco que cobra ahora cuatro veces lo que prestó en el inicio. Buscando empleo, González (Harold Torres) es aceptado como operador de un call center al servicio de un culto religioso dirigido por el Pastor Elías (Carlos Bardem), cuyo éxito financiero impulsa a González a convertirse en pastor ante la previsible negativa de Elías, hasta que todo se desencadena para llegar a la concreción de todos los sueños del joven aspirante a salir de pobre. Si pudiera hacerse algún reproche al director, que también es autor del guión, se
diría que es sobresaliente su capacidad para hacer que el espectador se identifique con el personaje en cuanto al acoso constante del insaciable banco, y su cobro a lo chino en cuanto cae la más mísera cantidad en la cuenta desde hace tiempo vacía, así como en el desarrollo de las características de los personajes para hacerlos creíbles, además de la constante negativa que recibe González cuando pide ayuda a un sistema insensible para resolver sus problemas; sin embargo, también es evidente la tentación de resolverlo todo a la mala y de un momento para
Si genera molestia es que es un buen trabajo: Carlos Bardem
É
rick Alba
i les molesta es que lo estamos haciendo bien”, dijo el actor español Carlos Bardem sobre la más reciente película en la que participa, la mexicana González, de Christian Díaz Pardo, ya que es bastante previsible que surja algún comentario de condena de parte de los cultos religiosos de metodología espectacular en el país, aunque el fenómeno, y en este caso el ataque que hace la cinta, no se circunscribe a México, sino al fenómeno ascendente que se verifica en el resto de Latinoamérica y Europa. Luego de concluir la exhibición de la película en el Festival Internacional
de Cine de Morelia, el director junto al reparto y productores, entre ellos el propio Bardem, Harold Torres y Olga Segura, explicaron que la idea de estudiar el interior de los cultos que prometen felicidad inmediata sólo porque sí surgió de un documental fallido que una compañera de Díaz Pardo intentó hacer en su etapa de estudiante, pues no se le permitió grabar al interior del recinto y algunos trabajadores la siguieron cuando se retiraba para asegurarse de que realmente no grabara; sin embargo, el guión se convirtió en ficción con el paso del tiempo y requirió del montaje de un set y de la participación de los actores, quienes además, y en lo que puede calificarse
como un acto de solidaridad, también participaron como coproductores. “Esta es una recreación después de una investigación. La verdad es que no es sólo una organización (religiosa) sino que son de muchos tipos; ahora es un fenómeno claro y extendido por América Latina”, explicó el director, mientras que Olga Segura habló sobre el fin de lucro que ejercen estas asociaciones “con la necesidad de la gente de no sentirse sola”. Luego de señalar que las regulaciones impuestas por el gobierno no han sido suficientes para alejar a los charlatanes de esta mina de oro que surge de la creencia masiva, Bardem refirió esa seguridad sobre la molestia que la película seguramente
otro, lo que inevitablemente remite a Un día de furia, el filme hollywoodense estelarizado años atrás por Michael Douglas. Pese a eso, se mantiene en todo su valor la analogía que entonces puede hacer el espectador: la tentación de cambiar el nivel económico como por arte de magia, con un solo hecho rápido y agresivo, como es el convertirse en predicador religioso a sabiendas de que el diezmo de los feligreses constituye todo un engaño, es tan poderosa como la que significa en este país el espejismo de convertirse en sicario.
causará a los dirigentes religiosos, aunque en lo actoral también subrayó que su personaje del Pastor Elías puede ser “uno de esos personajes icónicos que todos los actores queremos actuar”, y que en su caso se adosó con la pulcritud y el lujo en el vestir, un auto costoso y la mímica a manera de homenaje “a un actor que yo admiro muchísimo”, Christopher Walken. Por su parte, Harold Torres participó como actor estelar y productor, a sabiendas de que “es difícil conseguir cosas para hacer una ópera prima por falta de curriculum”, antes de confluir en el hecho de que la cinta no sólo expone las prácticas inconfesables de los dirigentes de la fe, sino también al público que acude a esos centros a entregar su propio dinero bajo la figura del diezmo y atendiendo al chantaje bastante humano de no recibir nada a cambio si antes no se entrega la comisión respectiva a Dios. En ese sentido, Christian Díaz señaló que “es cierto que los fieles se ven un poco ridiculizados, pero también queríamos que la película fuera un espejo, como sucede en el caso de los bancos que cobran intereses altísimos; eso estaba prohibido en la Edad Media porque simplemente es usura”.
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Somos Mari Pepa, largometraje de bajo presupuesto y gran libertad creativa
•Dulce Muro
o te vuelvo a acompañar a misa si no me las vas a dar…” y “i wanna cum in your face, Natasha”, son las letras de las únicas dos canciones de la banda de punk rock Mari Pepa, conformada por cuatro amigos adolescentes que viven el verano como cualquier joven de 16 años lo haría: sin hacer nada más que vagar por la ciudad entre amigos. Somos Mari Pepa es la continuación del cortometraje del 2010 hecho por Samuel Kishi Leopo, llamado simplemente Mari Pepa, que en 18 minutos muestra la relación del protagonista, Álex, con su abuela, ya que vive sólo con ella; el corto fue acreedor del Ariel en 2012 y del Ojo del Festival Internacional de Cine de Morelia 2011. La película se presentó ayer en el marco del Festival Internacional de Morelia 2013 (FICM) como parte de la selección oficial de Largometraje Mexicano en competencia. La historia se centra ahora en los retos que Alex y sus amigos enfrentan al comenzar a crecer y darse cuenta de que la vida no es tan simple como las letras de sus canciones, mismas que con su escueta elocuencia, logran presentar las principales preocupaciones de los adolescentes varones en la actualidad. El anhelo de Álex por participar en su primera guerra de bandas, para salir del escenario del Tianguis Cultural de Guadalajara, se ve mermado cuando sus amigos comienzan a separarse al encontrar otros intereses y adquirir nuevas responsabilidades. En entrevista con La Jornada Michoacán, el director originario de Guadalajara habló del recibimiento que ha tenido la película y su futuro, pues apenas está en planes para definir su distribución. “Le ha ido muy bien, especialmente con el público joven, está muy interesante pues de pronto afuera de las funciones he escuchado a morros cantando las canciones de los Mari Pepa y cositas así y en general le ha ido también bien con la
ELENCO DE SOMOS MARI PEPA
crítica, para ser una película tan chiquita”, aseguró. Para tratarse de una cinta totalmente independiente, Kishi Leopo supo sacar el proyecto adelante con éxito, pues asegura que todo fue posible gracias a un compromiso del crew, ya que muchas veces tenían que recurrir a los pagos “simbólicos” o a no pagar en absoluto. Para la musicalización el hermano de Samuel, Kenji Kishi, fue el encargado de componer todo para gastar lo menos posible en derechos de autor, pues para incluir una canción de Los Panchos era necesario pagar hasta 5 mil dólares, señaló. Acerca de las dificultades que puedan presentarse para los nuevos cineastas mexicanos, tanto para obtener recursos, como para abrirse paso y superar los prejuicios en el nuevo cine, Kishi Leopo asegura que la clave es no dejar de producir,
FOTO: IGNACIO JUÁREZ
sea como sea. “No porque no tienen una beca, porque no seas ahijado de tal cosa, porque una empresa no te haya patrocinado, vas a dejar de hacer. No se desanimen, hagan. Vean de qué manera, de qué manera obtener los recursos o utilizar la creatividad para decir: ‘si no tengo varo, tengo la creatividad para hacer estas cosas’”. Somos Mari Pepa es una película muy libre, con un guión realista y nada forzado, pues al momento de filmar, Samuel relata que se recurría mucho a la improvisación y a que la escena fluyera por parte de sus actores, aunque por supuesto, contaban con los puntos centrales de la historia y una especie de “esqueleto” en el guión. “Yo tenía el final y decía: quiero que la película termine aquí, esto es (…), ésa es la imagen con la que quiero terminar la
película, de las últimas secuencias importantes, entonces va mucho la construcción a ese punto”, apuntó. Tal vez sea gracias a esta libertad, que la historia es tan realista y pura, pues como él mismo lo define, se trata de hacer es un cine de “realismo social”, una especia de tragicomedia, en todos sus trabajos. El filme de Kishi Leopo se presentó con anterioridad en el Festival Internacional de Cine de Guanajuato, así como en el Festival de Cinema Latinoamericano en Toulouse 2013 y participará próximamente en el AFI Fest (American Film Institute) en Los Ángeles. Mientras esto sucede, el cineasta tapatío aseguró que ya trabaja con un corto llamado El año del radio, una animación que espera terminar a principios del año entrante, además de estar escribiendo otros dos guiones para largometrajes.
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Estatua mutilada, cortometraje que abreva de influencias surrealistas •Ulises Fonseca Madrigal
ara contar una experiencia onírica llena de referencias fílmicas, literarias y pictóricas, el cortometraje en competencia dentro de la Sección Michoacana Estatua mutilada fue estructurado con una gran variedad de elementos y técnicas en un ejercicio que se definió de forma independiente, señaló su realizador, Juan Carlos Oñate. Para acercarse al paisaje surrealista que en muchas ocasiones presentan los sueños, Oñate dice haber adquirido influencia de las atmósferas creadas por cineastas como Bergman o Buñuel. “Me metí a estudiar artistas del surrealismo. De pintura mi principal referente fue Remedios Varo, mientras de Ingmar Bergman, hay un homenaje a una secuencia de su película Fresas salvajes”, agregó. El corto relata la obsesión del personaje principal por su novia y el viaje que emprende en su búsqueda luego de que ésta lo abandona, en donde encuentra toda una serie de simbolismos, recuerdos y temores, principalmente a la pérdida y a la presencia del “hilandero”, figura de un mito popular. “El título (Estatua mutilada)es un elemento recurrente, aparece varias veces durante el cortometraje, tiene que ver con la mutilación de uno de los personajes y también hace referencia a Cortázar, ya que es una cita de él que aparece en el cuento Orientación a los gatos”. Asimismo, las fuentes literarias que enriquecieron el argumento se encuentran en Salvador Elizondo, “con un cuento llamado El Candingas, que trata de un mito popular, urbano, que se cuenta mucho en los pueblos pero también en las ciudades”, esto, por el uso del referido hilandero, como una referencia a los miedos infantiles, “te los inculcan, tienen una función y te marcan”. Su contenido fantástico y surrealista le otorgó un espacio en el
EN CONTACTO CON EL PÚBLICO
A DIFERENCIA DEL MARTES, ANOCHE QUENTIN TARANTINO SÍ SE DIO TIEMPO PARA FIRMAR ALGUNOS AUTÓGRAFOS EN LA SEDE PRINCIPAL DEL FESTIVAL
Festival Mórbido de este año, que será en noviembre en Pátzcuaro. “Creo que queda ideal por la temática del corto, además de que una parte de las locaciones fueron en ese municipio”. Por otra parte, el corte independiente le proporciona un valor especial a quienes trabajaron con Oñate en la realización fílmica, de quienes hizo mención: “la persona que más estuvo colaboró fue Laura Torres Castillo; en la música participó el grupo Khyla,
conformado por cuatro chicas. El actor principal, Noé Contreras, es músico, mientras que desde el inicio Carlos Espinoza, actor asentado en Erongarícuaro, me pareció muy interesante en su aspecto para el hilandero”. Cabe mencionar que la producción del corto, rodado entre Morelia y Pátzcuaro, fue posible gracias a la función de hombre orquesta del propio Oñate, quien hizo labores en la fotografía, sonido, guión, edición, animación, dirección de
FOTO: IVÁN SÁNCHEZ
arte, “todo lo que hiciera falta, por eso es un corto totalmente independiente y de muy bajo presupuesto”. Con base en esta experiencia, sugiere no titubear a quienes desean incursionar en la cinematografía. “El mejor consejo podría ser que se lancen a hacerlo, que empiecen como puedan, yo empecé de manera autodidacta haciendo animación y varias cosas. La recomendación es que empiecen con los recursos que tengan, que se lancen a hacer cosas”.
Secreto, juego imaginativo con el espectador •Ulises Fonseca Madrigal l cortometraje Secreto, participante en competencia dentro de la Sección Michoacana, resulta en una especie de juego fascinante con la imaginación del espectador, en donde éste debe completar el ensamblaje total de la historia, la cual gira en torno a las cosas que ocultan los integrantes de una familia. De acuerdo con su realizador, Jorge Sistos Moreno, esta idea surgió en un inicio como una imagen conceptual que fue evolucionando de forma orgánica hasta convertirse en un discurso narrativo. “En realidad tenía una imagen en la cabeza, quería llevar a cabo algo con esa imagen”, señaló, indicando que el origen de su
intención muy probablemente se debe a su formación académica, ya que cursó estudios en la Facultad de Filosofía . “Ahí tuve cursos sobre Gilles Deleuze, sobre semiótica, y eso lo relacioné con la cuestión de la imagen interpretativa. No lo pensé como un corto desde un inicio, sino como un ejercicio visual”. Si bien, comentó, que poco a poco ese trabajo experimental derivó en un argumento “entonces le hablé a unos amigos, les dije 'hay que hacerlo', y nos organizamos”. De esta forma, la mayor parte del corto muestra una imagen que en apariencia puede resultar inconexa con la narración de fondo, constituida por las voces en off de un anciano y su nieta. La idea, por supuesto, es “no
darle al público las cosas tan fácil, no mostrar tanto”. Esta tendencia continúa hasta el final abierto del corto y, asimismo, con el propósito de que el receptor participe construyendo su propia narración con los elementos que le son dados. Sobresale también la construcción de atmósferas enrarecidas que remiten al encierro, lo cual Sistos Moreno atribuye a sus influencias: “estuve viendo mucho a Hitchcock”. Cabe mencionar que este cortometraje ha sido incluido en otros certámenes fílmicos del país, como son el caso Shorts Shorts Film y el Festival de Guanajuato, según declaró el realizador, quien además tiene en puerta dos proyectos, un corto que nombrará Lupita y un documental sobre arquitectura.
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Recomendaciones l 11 Festival de Cine de Morelia continúa con su variada programación, destacando principalmente las producciones mexicana en competencia, aunque también para este día, incluye estrenos internacionales para todo el público. Los programas de cortometrajes y documentales con temáticas sociales de actualidad están este día nuevamente en la agenda.
Workers
Después de toda una vida de trabajo en Tijuana, Rafael y Lidia son víctimas de injusticas contra sus derechos y su dignidad. A su manera, solos y en silencio, empezarán una batalla: Rafael contra una compañía esperando el día de su jubilación; Lidia contra un perro que fue elegido el heredero de todas la pertenencias de su patrona. Aunque ambas historias no se entrelazan, tienen en común el atropello laboral y la desolación. Director: José Luis Valle Guión: José Luis Valle 2013. Duración 120 minutos. Ficción. México Fotografía: César Gutiérrez Miranda Reparto: Susana Salazar, Jesús Padilla, Barbara Perrin Rivemar, Sergio Limón, Vera Talaia. Productora: Coproducción México-Alemania; Zensky Cine/Auténtika Films/Foprocine/CUEC Función: Cinépolis, Sala 4, 16 horas
Las horas muertas
Sebastián, de 17 años, empieza a cuidar solo el pequeño motel de su tío que está en la desolada costa tropical de Veracruz. Miranda, una corredora de inmuebles de la zona, se encuentra ocasionalmente en el motel con Mario, su amante. Mario siempre llega tarde al encuentro amoroso por lo que Miranda tiene que esperarlo. Durante esos tiempos muertos, Sebastián y Miranda se van a conocer y poco a poco se irán aproximando a pesar de que en el fondo ambos saben que esa posible historia es sólo pasajera Director: Aarón Fernández Guión: Aarón Fernández 2013. Duración 115 minutos. México Música: Camilo Froideval Fotografía: Javier Morón Reparto: Kristyan Ferrer, Adriana Paz, Eliseo Lara
FOTOGRAMA DE A STORY OF CHILDREN AND FILM
Martínez, Fermín Martínez, Bartolo Campos, Rebeca Villacorte Productora: Coproducción México-España-Francia; Santa Lucía Cine/Comunicación Fractal Función: Cinépolis Centro Sala 4, 18:45 horas
El cuarto desnudo
Con escasos recursos, filmado en una locación y con una sola cámara, este documental devela las problemáticas más íntimas de varias familias mexicanas. La cineasta española Nuria Ibáñez introdujo su aguda mirada en un consultorio psiquiátrico pediátrico de la ciudad de México: filmó las terapias de muchos niños y adolescentes, algunos de ellos acompañados por sus padres. La intención de la directora fue acercarse a las historias de manera respetuosa, invitando a la reflexión. Se trata de construir una obra coral que aborde, en particular, los malestares de la sociedad actual y, en general, la fragili-
dad humana de los niños. Directora: Nuria Ibáñez 2013. Duración 67 minutos. Documental. México Producción: Cristina Velasco Lozano Compañías productoras: Foprocine, Miss Paraguay Producciones Fotografía: Ernesto Pardo Edición: Lucrecia Gutiérrez Maupomé Música/Sonido: Federico González Función: Cinépolis Centro Sala 1, 16:45 horas
A Story of Children and Film
Primera película del mundo acerca de los niños en el cine. Es un apasionado y poético retrato de las aventuras de la infancia, el surrealismo, la soledad, la diversión y la destructividad como se ha visto a través de 53 grandes películas de 25 países. Esta película documental ha sido calificada como una genialidad de su director; incluye clásicos del cine como ET el extraterrestre y El globo rojo, también decenas de obras de arte. Contar la historia de los niños en el cine es un abrir de ojos, una película histórica y una celebración de la infancia mundial Director: Mark Cousins Guión: Mark Cousins 2013. Duración 105 minutos. Documental. Reino Unido Música: Olivier Messiaen, Alijoscha Zimmerman Fotografía: Mark Cousins, Marc Benoliel Productora: BFI Film / Film 4 / B of A Prod. Función: Cinépolis Centro Sala 3, 11:10 horas
Espectro
FOTOGRAMA DE LAS HORAS MUERTAS
Es una cinta que se incluye en el género terror. Marta, una reconocida y exitosa psíquica, tras una experiencia traumática pierde su don. Agobiada a sus problemas y por azares del destino, Marta se topa con Mario, un tipo trastornado que la hará sufrir y al mismo tiempo le provocará un estado traumático que ella deberá confrontar. Director: Alfonso Pineda Ulloa Guión: Alfonso Pineda Ulloa 2013. Duración 90 minutos. Ficcón. México Música: Álex de Icaza Fotografía: Marc Bellver Reparto: Paz Vega, Maya Zapata, Alfonso Herrera, Antonio de la Vega, Johanna Murillo, Gala Montes, Marco Treviño Productora: Open Window Productions Función: Cinépolis Centro Sala 4, 21:15 horas