Musicology - Cultura de Rock en tu Puerta by Lalo Landa

MUSICOLOGY !

LUCA: SU LEGADO

Material inédito rodado por Rodrigo Espina en la época dorada del rock argento.

RECUERDOS DEL FLACO

Material inédito rodado por Rodrigo Espina en la época dorada del rock argento.

MUSICOLOGY! #0012

26 OCTUBRE 2014

Precio CABA y GBA: $ 15,00 Interior: $ 15,00 + $ 2,00 (Recargo) Uruguay: $ 70,00 Brasil: R$ 8,00

DESTACADOS

POR SIEMPRE LOU Un repaso a Berlin, su etapa post-Transformer con la película Berlin: Live at St. Ann’s Warehouse.

TOO TOUGH TO DIE El documental que muestra en carne viva la vida, obra, y ultimos dias de la leyenda Johnny Ramone.

LA VUELTA DE LOS STONES

RECOMENDACIONES MELÓMANAS DE UN FESTIVAL CADA VEZ MÁS ROCKERO

cultura de rock en tu puerta

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NOTA DE TAPA 1

LOS STONES VUELVEN A HACER TEMBLAR RIVER

UN REWIND A TRAVÉS DE LOS INICIOS Y FINALES DE LA BANDA MÁS LEGENDARIA DE TODOS LOS TIEMPOS

Mariano de la Iglesia mariano.iglesia@gmail.com Tras asistir de nuevo a esa gigantesca máquina de entretenimiento de máximo nivel que es una nueva gira de los Rolling Stones, a uno de esos conciertos tan poco dedicados al fan de toda la vida y tan generalistas, a uno mismo le entra cuerpo de reflexionar sobre aquellos capítulos de su peculiar historia que más enterrados están, o así lo parecen, hoy en día. Me refiero a su breve periodo psicodélico, tradicionalmente considerada un punto bajo en su primera etapa, en aquella en la que sí que importaban (y mucho) como potencia artística. Su infame periodo lisérgico, siempre ha sido objeto de polémica con una tendencia generalizada al juicio negativo, considerado a grandes rasgos como un momento de seguidismo y oportunismo, de adaptación a la moda del momento, en un grupo cuyo sonido “definitivo” resultó finalmente muy alejado de estas veleidades. Resulta aún hoy un curioso ejercicio el observar cómo la misma banda que abrió fuego con una versión de Chuck Berry en su primer single (“Come On”) y que se consagró con un conjunto purista de febriles versiones de clásicos del blues de Chicago terminó, según el relato oficial, viajando a 2.000 años luz de casa, ciegos de LSD, y haciendo un tanto el ridículo disfrazados en las portadas de sus discos. Como, en un momento determinado, su acercamiento a sonidos más abiertos y a una personalidad cada vez más sarcástica, de observadores cínicos de la sociedad circundante, con una clara una influencia de Bob Dylan y de los Beatles que aún les permitía conservar su propio sello (en su primera cumbre en formato largo “Aftermath”) daba paso a una errática trayectoria descendente, que iba de “Between the Buttons” a “Satanic Majesties Request”, fallido intento de emular “Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band”, la supuesta cumbre de sus archi-rivales. Esta visión académica puede ser sujeta a tanta revisión como cualquier otro dogma. Y el mejor instrumento para hacerlo es el Box Set “The Singles Collection. The London Years”, auténtica y más ilustrativa manera de seguir

EN VIVO Autódromo Belmont 1969 (US), polémico recital que provocó muertes y disturbios en la audiencia paso a paso la primera trayectoria de los Stones. También podríamos encontrar pistas en su turbulenta vida privada para comprender algunos de los tortazos artísticos que se dieron en su momento, pero de todos modos un juicio crítico riguroso no puede menos que revalorizar, siquiera por cuestiones coyunturales, algunos de los hallazgos estéticos de estas Satánicas Majestades. Esta visión académica puede ser sujeta a tanta revisión como cualquier otro dogma. Y el mejor instrumento para hacerlo es el Box Set “The Singles Collection. The London Years”, auténtica y más ilustrativa manera de seguir paso a paso la primera trayectoria de los Stones. También podríamos encontrar pistas en su turbulenta vida privada para comprender algunos de los tortazos artísticos que se dieron en su momento, pero de todos modos un juicio crítico riguroso no puede menos que revalorizar, siquiera por cuestiones coyunturales, algunos de los hallazgos estéticos de estas Satánicas Majestades. Uno de los principales problemas de esta etapa es que, en

cierto modo, su música no se la acababan de creer ni ellos mismos, ni siquiera entonces. Desde lejos y conociendo al personaje, da la impresión de que a Keith Richards todo esto le debía parecer, como poco, terriblemente sospechoso. Uno apuesta más por el liderazgo de Mick Jagger, obsesionado aún hoy con seguir las últimas tendencias y por aquel entonces con certeza preocupado por no perder la estela comercial de los Beatles, que ellos a trancas y barrancas conseguían agarrar con más fortuna que nadie. Algo similar a lo sucedido más de diez años después con la vena disco de “Emotional Rescue”. Y probablemente Mick encontró un apoyo estratégico en Brian Jones, que a su vez, una vez descartado como compositor por Andrew Loog Oldham, (que prefirió juntar a Jagger y Richards) vería en su condición de espontáneo multiinstrumentista y arreglista en la sombra, una manera de mantener un papel principal, siquiera superior a Charlie Watts y Bill Wyman, en la banda que en otros tiempos lideró. Sin embargo en todos estos discos, en esta colección de acier-

tos y errores, parece haber un tono burlón, una sonrisa sarcástica y cómplice que parece decir: “tú y yo sabemos que todo esto es una chorrada”. Es significativo que ningún Stone perdiera ni un segundo de esos dos años en intentar meditar o levitar al lado de un gurú indio. La pena es que entre tanto chiste, hubo algunas bromas pesadas.

“Eran tiempos voraces. Y de los abismos abiertos algunos no pudieron regresar.” 1967, año de publicación de “Satanic Majesties Request” y su colección de singles “satélites”, fue el momento de mayor intensidad de la persecución de las autoridades británicas a los Stones. Su cultivo de una imagen rebelde y subversiva comenzaba a reportarles algo más que un papel en el mercado. Las redadas por drogas se sucedían. Jones, Jagger y Richards comparecieron en más de una ocasión ante los tribunales durante ese año. Especialmente significada fue la redada sucedida

durante ese año. Especialmente significada fue la redada sucedida en casa de Richards, en la que al parecer un chivatazo acabó con los huesos de Jagger y él mismo en prisión, y que parecía que culminaría en una estancia verdaderamente prolongada en una celda. La polémica generada llegó a límites insospechados, provocando el famoso editorial del Times (tulado con el equivalente a “Matar moscas a cañonazos”) que defendía su condición de chivos expiatorios, y que probablemente consiguió atenuar las penas finales. O las muestras de solidaridad de grupos como The Who, que durante un tiempo sólo publicaron canciones de los propios Stones. O la colaboración de John Lennon y Paul McCartney en los coros de “We Love You”, single cuyo clip era una respuesta y burla de las autoridades británicas, con referencias al histórico juicio de Oscar Wilde, trazando evidentes paralelismos. Sin embargo por momentos la sempiterna arrogancia del dúo calavera pareció peligrar seriamente. Y que hoy tratemos a Mick de “Sir” no es más que ponerlo en la misma lista

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NOTA DE TAPA 2

de rehabilitados por méritos mercantiles en la que figura algún que otro ilustre pirata del Caribe. La entrada de sonidos psicodélicos de manera evidente en su repertorio se puede fijar en un año antes. “Paint It Black” introduce la temática de los viajes de LSD, pero como corresponde al papel que cumplen los Stones de reverso de los Bealtes, de manera negativa, mostrando los horrores del “mal viaje”. Adornada con el sitar de Jones, marca la salida a una carrera progresiva en la que el blues va dejando paso a otras cosas y que culmina con paso errático en “Their Satanic Majesties Request”. Éste, por cierto, no es en absoluto el adefesio que durante muchos años se consideró, pero lo cierto es sí es un disco terriblemente irregular. De la broma pesada de “Sing This All Together” asistimos al nervio extraordinario de “Citadel”. Realmente son las digresiones más desquiciadas (“Gomper”, ”On With The Show”, los dos reprises de “Sing This All Together”) los que rompen la calidad de un álbum que revisado hoy resulta notable, y por el que habrían dado un brazo muchos de aquellos grupos de Manchester surgidos a raíz del éxito de Stone Roses, cuya querencia por este periodo de los Stones, por cierto, resulta indisimulable. Si “Satanic” resulta un disco tan irregular sin duda es debido a una pérdida de control interno y por el lugar secundario que ante la amenaza de cosas más serias, pasaba a ocupar la música. Los Stones de por aquel entonces hicieron un pequeño simulacro de lo que sería su carrera a partir de 1973: huir de la policía, drogarse, fornicar, en general pasarlo bien y a veces grabar algo de música. Sólo así se explica que los monopolísticos Jagger y Richards autorizasen a Bill Wyman a componer y cantar un corte: “In Another Land”. Pero aquella era una época del pop competitiva como ninguna, y despistes como estos se pagaban caros, porque los demás te dejaban en evidencia. También eran tiempos voraces. Y de los abismos abiertos algunos no pudieron regresar. Un año más tarde, Brian Jones estaría muerto y los Stones abrirían su mejor etapa. De la analizada aquí extra-

TOP 3 SEGUN LA CRITICA

1. LET IT BLEED 1969 Una colección memorable desde su comienzo, «Gimme Shelter», a su fin, «You Can’t Always Get What You Want», con homenaje al maestro del blues Robert Johnson «Love in Vain» incluido.

ACCIÓN ! Jagger grabando alguno de los tantos momentos surgidos en su exilio en Francia. 1970 jeron muchas enseñanzas, sobre del negocio. Pero sobre música, también. Sin lugar a dudas sin los experimentos en el estudio de esta época difícilmente hubieran llegado a plantearse grabaciones tan ambiciosas como “Simpathy For The Devil” o tan exuberantes como “Jumping Jack Flash” o tan atmosféricas “Gimme Shelter”.

“Aquella era una época del pop muy competitiva, como ninguna, y cualquier despiste se pagaba caro.” Pero no sólo se debe observar todo esto como un necesario error antes del acierto. Hay en algunos cortes ideas pioneras de muchas estéticas posteriores si se pone el oído atento. Estos Stones, extraños, drogados y desnortados tropezaron también, como es su costumbre con sensacionales piezas de música. Por eso, a modo de “cinta recopilatoria”, siempre resulta interesante repasar algunos de los mejores momentos de este periodo, para poder comprobar la debilidad de ciertos tópicos. El tercer período, 1968 - 1972 es el más célebre y reconocido y donde encontraremos sus me-

jores álbumes. La ruptura que produce Beggars Banquet con respecto a su antecesor, Their Satanic, es una de las más impresionantes de toda la historia de la música popular. Musicalmente los Stones nos invitan a volver a las raíces, retomando el blues, el country y hasta el gospel y el soul como canales principales. Eso sí; esta vez con una orientación mucho más rockera y heavy que nunca, cortesía de la recién descubierta capacidad de Richards para crear riffs increíbles a nivel industrial. Los Stones produjeron durante estos años algunas obras maestras que hasta el día de hoy no tienen parangón en la historia del rock, especialmente el oscuro y salvaje Let It Bleed y el sexual y melancólico Sticky Fingers. También podría decirse que es aquí donde los Stones definitivamente se desvían del camino de los Beatles; mientras estos continuaron siendo esencialmente una banda pop que ocasionalmente rockeaba (aunque con sus intentos de roots-rock, sobre todo en Let It Be), los Stones se abocaron de lleno a las nuevas influencias del country rock y el blues, lo cual hace de este su período más distintivo y personal. Después de Exile On Main Street la edad de oro de los Stones comienza a decaer

lentamente al tanto que solo pudieron sacar obras apenas discretamente reconocidas como Some Girls y después algunas cosas mediocres como Emotional Rescue y abismalmente malas como Dirty Work. Esta es la etapa genérica, autoplagiaria y “dinosáurica” de la banda, signada por una insana obsesión de incorporar géneros modernos como dance, techno, reggae, con algunos resultados seriamente espantosos. Algo más o menos bueno cada tanto, pero nada comparable a lo ya hecho. Goats Head Soup, tiene los últimos vestigios de genio antes de la mediocridad de It’s Only Rock & Roll. Some Girls y Tattoo You, sin embargo son buenos álbumes de rock, aun cuando no suenan la mitad de frescos que los de las mejores épocas. Voodoo Lounge es por otra parte una sorprendente muestra de luz y talento en plena década de los 90. Sin embargo, después de un período de paz, los Stones se han dedicado a trabajar solos, lanzar re-ediciones, remasterizaciones, y un par de discos post-2000 que si bien no estan ni a las rodillas de su epoca dorada, nos recuerdan que la magia aun no está apagada, que la energía de esos 4 sesentones sigue viva y que hay Stones (al menos en vivo) para rato.

1. 2. BEGGARS BANQUET 1968 «Sympathy for the Devil» abre un disco que se convierte en el primero del mejor póquer de álbumes de los Stones. Un antes y un después.

1. 3. EXILE ON MAIN ST. 1972 Huyendo del fisco británico, la banda se refugió en el sur de Francia para firmar una demoledora colección en la que figuran «Rocks Off», «Happy» y «Shine a Light» haciendo de este, un clásico de clásicos.

DOCUMENTALES Y LARGOMETRAJES DURACIÓN

CALIFICACIÓN

TAQUILLAS

RECAUDACION

CRITICAS

GIMME SHELTER

120'

SAM 13

75487

150873

8/10

CROSSFIRE HURRICANE

137'

SAM 16

75487

150873

7/10

SHINE A LIGHT

137'

SAM 13

75487

150873

8/10

COCKSUCKER BLUES

95'

SAM 13

75487

150873

8/10

STONED

120'

SAM 16

75487

150873

8/10

LIVE IN TEXAS ‘78

100'

SAM 13

75487

150873

6/10

STONES IN EXILE

85'

SAM 16

75487

150873

8/10

SOME GIRLS

90'

SAM 16

75487

150873

8/10

CHARLIE IS MY DARLING

103'

SAM 16

75487

150873

8/10

STROKES 2.0

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FOTOGALERIA 4

CLIPS: GENERACIÓN POST MTV Mariano de la Iglesia mariano.iglesia@gmail.com

La asociación entre la música y la imagen en movimiento no surge como tal, hasta que el cine decide irrumpir en pantalla. Resulta conveniente citar las experiencias sinestésicas que mantenían compositores como Schönberg con pintores como Picabia o Kandinsky, en las que se hacía una perfecta combinación de música, imagen, color y sonido. El cine, las vanguardias, la televisión y la tecnología aplicada a la imagen, asistirán a la creación de un nuevo formato audiovisual, el videoclip, que cuenta con numerosos antecedentes. En los años 30, surge el cine sonoro con el estreno de El cantante de Jazz y en los 40 se inaugura en Hollywood un nuevo género: la comedia musical. Modificando las estructuras del relato clásico, los directores insertaban piezas bailadas, donde los cambios de plano eran marcados por la música. Pero no sólo eso. El movimiento de cámara, los gestos de los actores y actrices, la coreografía, danza y escenografía se supeditaban a los temas musicales elegidos para la película. En la décadas de los 50 y 60, este género seguirá diversificándose hacia la creación de los mitos musicales como Elvis Presley o Los Beatles.

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REFERENCIAS

10.

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FLEET FOXES, 2009 WILCOFILM, 2008 WILCOFILM, 2008 RADIOHEAD “IN BASEMENT”, 2010 THOM YORKE, 2013 DAVE GROHL “SOUNDCITY” 2012 RODAJE DE “WAKE UP” ARCADE FIRE “RODE” O “LA VIDEOCLIPERA” PAUL MCCARTNEY Y UNA SUPER 8 ENTREVISTA A JAGGER Y RICHARDS

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EN CALIENTE 6

LOU: TRANSFORMER SUELTO EN BERLIN

JOYITA ES LA PALABRA JUSTA PARA DESCRIBIR ESTA PELICULA Mariano de la Iglesia mariano.iglesia@gmail.com Lou Reed venía de pegarla con el tremendo álbum glam Transformer y su próximo disco fue una oscura ópera rock titulada Berlín. No sólo el disco de Lou Reed está lo suficientemente bueno como para poder verlo de principio a fin en vivo sino que el director y pintor neoyorquino nos acerca al artista y sus músicos de la manera que dicha tragedia, sea pasar el mejor rato posible. Hace poco vi. un film parecido, “Shine a Light” (el recital filmado de los Rolling Stones, por Martin Scorsese), que está bárbaro, pero tiene la diferencia que allí brilla todo, desde la música hasta el teatro, mientras que acá todo es más apagado. Las luces, la escenografía, hasta las imágenes que pasan a la par del show sobre telones, todo acompaña perfectamente las canciones. Es la mejor manera de verlo, te acerca mucho más a la sensación de estar ahí, siempre el cuando el sonido de la

está intacto aunque con unos cambios en los arreglos, con el agregado de tres canciones como bonus que son un broche de oro. Finalmente, Lou Reed tiene una presencia gigante y cuando su voz se escucha a capella, uno desea que el tiempo se detenga ahí. La verdad, salí tan contento como de un recital. Berlin: Live At St. Ann’s Warehouse es la grabación en directo álbum en solitario del excomponente de The Velvet Underground, Lou Reed, realizada durante cinco noches en St. Ann’s Warehouse en Brooklyn Nueva York. Además del álbum original incluye la interpretación de Candy Says, Rock Minuet y Sweet Jane, contando con la colaboración del guitarrista Steve Hunter, que participó en la grabación de estudio del disco original en 1978, y de Sharon Jones y Antony Hegarty de Antony and the Johnsons como coristas y cantantes. La razón de que el álbum no haya sido interpretado en vivo 30 años después es que cuando fue lanzado, se volvió un fracaso comercial, por lo que nadie quiso

financiar un concierto en el que también se necesitaban actores. Este tipo de críticas y las flojas ventas en Estados Unidos contribuyeron a que Berlin se convirtiera en una especie de disco maldito. Lou Reed no pudo presentarlo en vivo (y sólo algunos de sus temas pasaron a formar parte de su repertorio) hasta diciembre de 2006 (!!!), cuando se sacó las ganas durante cinco noches en un teatro de Nueva York. Por fortuna para todos, el recital fue grabado y editado en DVD, bajo la dirección prodigiosa de Julian Schnabel (ganador de la Palma de Oro en Cannes por La escafandra y la mariposa, 2007). Esta grabación, también, es una obra maestra por derecho propio. Berlin es una obra conceptual, una ópera rock en diez episodios. Los primeros segundos son demoledores: se oye una voz balbuceando algo incomprensible, luego gente cantando el feliz cumpleaños, y la situación se desvanece hasta dejar en solitario una melodía de piano que arranca con cierto aire de melancolía para luego volv-

verse decididamente obscura. La superposición de sonidos y climas es una constante en el disco, apelando (pero no abusando) de una orquesta y un coro que intervienen lo justo y necesario, y siempre de forma extraordinaria. Parecía ser usual en Lou Reed las ganas de continuar con algo totalmente rechazado, incluso eso parecía incentivar más su entusiasmo con sus proyectos.

FICHA TECNICA Nombre Berlin: Live at St. Ann’s Warehouse Grabación Diciembre del 2006 Estreno 4 de Noviembre del 2008 Duración 79 minutos Director Bob Ezrin

EL GEN FOLKLÓRICO DE SPINETTA SE LANZARÁ UNA SERIE DE TRES DISCOS CON LAS VERSIONES NUNCA ESCUCHADAS DEL FLACO Mariano de la Iglesia mariano.iglesia@gmail.com En 1982 Luis Alberto Spinetta editó Kamikaze, un manifiesto estético de la canción, en el que aparecía una de las zambas más hermosas de la música argentina: “Barro tal vez”. La aparición de esa zamba no tuvo eco en los músicos del folklore de su tiempo, pero siguió latiendo en el inconsciente colectivo de la música de raíz hasta que llegó al encuentro de una de las madres del folklore: Mercedes Sosa. La versión a dúo entre Spinetta y la Negra Sosa, incluida en el disco Cantora, fue todo un gesto estético. Esa canción reflejaba la pulpa de un músico de rock acunado en el seno de la Pachamama, que volvía de alguna manera a su raíz original. Ahora el disco triple Raíz Spinetta con la participación de figuras como León Gieco, Liliana Herrero, Silvia Iriondo, Ángela Irene, Laura Albarracín, Franco Luciani, Teresa Parodi, Jorge Cumbo, Guillo Espel, Lito Vitale, Suna Rocha, Juan Quintero, Lorena Astudillo y María y Cosecha, entre muchos

otros, busca en la matriz poética del Flaco para integrarla definitivamente al universo sonoro de la canción folklórica, junto al Cuchi Leguizamón y Yupanqui. Esa poderosa raíz de su obra, madura ahora en la participación de una generación de músicos populares que crecieron con sus canciones y que en este trabajo hurgan en clásicos como “Los libros de la buena memoria”, “Todos estos años de gente”, “Todas las hojas son del viento”, “Muchacha, ojos de papel” o “Durazno sangrando”, junto a perlitas del repertorio de Invisible, Spinetta Jade, Pescado Rabioso y como solista. Sorprenden las transformaciones folklóricas que se plasman en la selección de un repertorio de más de cuarenta temas, en el que cada músico rescata una parte del alma spinettiana para devolverla en tiempo de zamba, vidala, chacarera, malambo, baguala, huayno o aires del litoral. El ambicioso proyecto, compuesto por tres discos con ilustraciones originales de Spinetta y fotos de Dylan Martí, fue producido por el músico Néstor Díaz, que además se encargó de muchos de

los arreglos del proyecto. De la trilogía grabada en los estudios La Montaña y editada a beneficio de la Fundación Huésped no sólo participan músicos del folklore, sino también muchos que tocaron con Spinetta, que aportan sus versiones: Machi Rufino, bajista de Invisible, se luce cantando en “Enero del último día”; Rodolfo García, baterista de Almendra, recrea “Campos verdes” con aires de malambo; Leo Sujatovich, tecladista de Jade, cruza la sonoridad spinettiana con citas a “Zamba para no morir”, y Marcelo Torres, bajista de Los Socios del Desierto, encuentra el espíritu vidalero del Flaco en la potente versión de “Fuga capella” con una caja personalizada.

Nombre Spinetta: Sube al Taxi, nena Mezclado 18 de Octubre del año 2013 Estreno 2 de Noviembre del año 2014 Duración 150 minutos Productor Santaolalla

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PARANOID GUS UN PASEO POR LA ADOLESCENCIA

LUCA DESDE EL CIELO EL RECUERDO DE LUCA PRODAN, A 20 AÑOS DE SU MUERTE Mariano de la Iglesia mariano.iglesia@gmail.com Aunque su nombre se vincula, sobre todo, al grupo Sumo, este documental de Rodrigo Espina se ocupa especialmente del Luca “pre-Sumo”, incluyendo testimonios de familiares y amigos, materiales rodados en su momento por el propio director, y otros elementos de archivo. Espina era probablemente la persona más indicada para emprender este trabajo sobre Prodan que, según sus propias palabras, “quiere descubrir al hombre detrás del mito”. Fue amigo del cantante, rodó con él un corto (“La noche que estallaron las lámparas”) y luego comenzó a filmar a su pedido recitales y otros aspectos de su trayectoria.“Yo digo que Luca pensó en la película antes que yo, porque mientras yo lo filmaba con la inconciencia del fan, él

siempre era consciente de que estaba en cámara, y actuaba en consecuencia”, sostiene el director. La película en sí misma comenzó a tomar forma en 1985. Implicó entrevistar a familiares, ex-compañeros del colegio escocés del que Luca fuera expulsado (de hecho, casi corrieron del colegio al equipo de filmación), sus compañeros de heroína en Italia. Pero Espina y sus productores no querían un documental de “cabezas parlantes”. Perseguían, en palabras de Espina, “espectáculo, imágenes, música”, con un ritmo peculiar y una determinada estructura dramática. Reducir doscientas horas de material a una película de una hora y media no fue por cierto el menor desafío a enfrentar. Espina y Esmoris enfrentaron empero otros dolores de cabeza. Fue también la razón que lo decidió a ocuparse más bien del Luca anterior

A lo largo de su filmografía, el cine de Gus Van Sant ha dibujado un arco que va de lo recargado a lo ascético. Tomemos un punto de partida arbitrario. En Mi mundo privado, de 1991, la excusa de la adaptación shakesperiana servía como disparador para una puesta en escena barroca, plena de pequeñas bifurcaciones estéticas. Se podía pasar de la declamación de los textos de Enrique IV a un cielo acelerado, con reminiscencias “videocliperas”, y de ahí a la superficie pop de las revistas porno gay que miraban y hablaban a cámara. Ese mundo estaba habitado por taxi boys de resonancias trágicas. Es el caso de River Phoenix y su narcolepsia en Mi mundo privado, y el de Matt Dillon y sus drogas en

a Sumo, con un resultado que es a la vez creativo, vital y humano, el rescate de una figura contradictoria y fascinante que ya pertenece a la leyenda. El film toma algunas escenas, imaginadas o no, de la vida de Luca por los años ochenta, hasta su muerte pocos años después de una cirrosis hepática. También se narra, de manera un tanto exagerada, la vida amorosa del cantante, su relación con las mujeres, sus obsesiones y la droga. Más allá del mito construido alrededor del personaje, el documental indaga en la historia menos conocida de Luca, aquella que lo vuelve más humano y que sin embargo no deja de sorprender y generar cierta admiración por este personaje que se rebeló contra todo aquello que se le impuso y que expresó esa búsqueda de libertad en la música y letra de sus canciones.

Drugstore Cowboy (1989). Antes de estas películas, cuando tenía veintitrés años, Van Sant dirigió Mala Noche (1985), su primer largometraje, que hoy se exhibe en los cines dl Bafici. La estética de Mala Noche es el claro precedente de las dos películas posteriores de Van Sant, en tanto comparte con ellas la lógica inmersiva de sus imágenes. Las escenas son breves, abundan los planos detalle, y el montaje parece resaltar todo el tiempo la exaltación del protagonista; mientras que el marcado contraste de las imágenes en blanco y negro impone en el espectador una sensación de urgencia que termina de identificarlo con la ansiedad del protagonista.

EL ‘TEEN SPIRIT’ SIGUE VIVO EN JOSH HOMME EL RECITAL DE QOTSA DEMOSTRÓ QUE EL AGITE AÚN VIVE Mariano de la Iglesia mariano.iglesia@gmail.com Cuando Queens of The Stone Age sube, miembro a miembro, al escenario aún en sombras del Luna Park nadie piensa en lo que va a pasar dos horas después. Mejor. Porque dos horas de Queens of The Stone Age después, algunas cosas habrán cambiado. Josh Homme se ubica en su puesto de liderazgo, el resto en sus respectivas posiciones; “You Think I Ain´t Worth a Dollar, But I Feel Like a Millionaire” inicia el repertorio con violencia; el sonido se toma sus minutos para ajustarse al espacio. Siguen los riffs de “No One Knows”, con su eco en forma de coreo y pogo masivo. El Luna Park se da vuelta, explota. Se comprende por qué el Luna Park explota. En realidad, hay más de una razón para comprender por qué el Luna Park explota ante la cuarta visita de los californianos: a la explicación básica que une a una banda de recono-

cimiento interplanetario y larga trayectoria con la demanda más o menos fervorosa de sus seguidores en el culo del mundo o no -acaso las huestes del movimiento sudamericano de hermandad sludge- se le suma la necesidad precisa de presenciar su show focalizado, fuera del marco de las grillas festivaleras. ,.nía de su tiempo y su inevitable dispersión. Y que sea en un lugar cerrado (tocaron en Cemento en 2001, cuando vinieron por primera vez en el marco de la gira de presentación de Rated R pero el resto de sus visitas fue al aire libre). Faltó que el rumor inicial de la llegada de Mark Lanegan no sólo fuera un rumor. Paréntesis: Lanegan no vino pero sí volvió a hacerlo Alain Johannes, colaborador permanente de la banda y miembro escénico de Them Crooked Vultures, para oficiar de telonero junto a los locales Connor Questa. Sigue “My God Is The Sun” y la efectividad del funcionamiento virtuosamente coordinado del

ESTADIO LUNA PARK - QUEENS OF THE STONE AGE UBICACIONES 1. 2. 3. 4. 5.

CAMPO PULLMAN LATERAL PLATEA CABECERA SUPER PULLMAN

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26 MUSICOLOGY! ROGER WATERS: “NUNCA EN MI VIDA SENTI TANTA NOSTALGIA” STAFF

Director Periodístico Jaime Correas

Edición Impresa Secretario de Redacción: Manuel de Paz

Jefes de Noticias: Paola Piquer, José Verderico, Luciano Bertolotti,Natalia Sosa

LUN. 30 C

mar. 21 C

mier. 10 C

octubre 2014

WATERS HABLA DE TODOS SUS PROYECTOS, MIENTRAS TANTO, LA VUELTA DE PINK FLOYD ES INMINENTE

ENDLESS RIVER

Mariano de la Iglesia mariano.iglesia@gmail.com Qué proyectos hay después de este monumental regreso? Wow. No le he dado vueltas al tema. Terminaremos este disco el día de la Bastilla (14 de julio) y es posible que llevemos un tour a Europa el próximo verano, ya veremos. Hay planes de hacer mi ópera Ça ira en Suecia el próximo año y luego montarla en Santa Fe en 2014. Y por supuesto está el tema de mi próximo álbum, el que nunca me decido a hacer. Tengo las canciones y un montón de ideas, pero tengo que esperar el momento a que cuaje. Qué tenes en tu reproductor musical, en tu MP3 o equipo? No escucho nada. A veces escucho algún álbum porque estoy interesado en la persona que lo hizo, y me obsesiono un poco, escuchándolo todo el tiempo, pero eso me pasa muy poco. El último fue Dirt farmer, de Levon Helm –el baterista de The Band-, que salió hace un par de años. Mi mujer y yo escuchamos a Chet Baker cuando jugamos al Gin Rummy, lo que ocurre bastante seguido. Tenemos como seis CDs y cuando jugamos uno va corriendo detrás del otro. Llevo conmigo una compilación de Franco Corelli, el gran tenor; es una especie de Greatest Hits; creo que en él busco

THE WALL Waters en su gira mundial, una de las más exitosas de toda la historia tenor; es una especie de Greatest Hits; creo que en él busco una gran voz, además que canta piezas de Puccini que me gustan. Aparte de eso creo que me gusta mantener mu cerebro descongestionado de tanta música. Vos te rebelabas contra el sistema arriesgándolo todo, como es tu postura en la actualidad? A través del álbum resuena la idea de que esto se repite constantemente, en muchas partes del mundo. De que tenemos que tomar en forma consciente la decisión de apoyar o no apoyar al otro, en especial en conflictos

decisión de apoyar o no apoyar al otro, en especial en conflictos como estos. Sabemos que el poder tiende a corromper y tenemos que ponernos en guardia contra eso. Tal vez no debería decirlo, pero me han informado sobre el tema indígena, sobre lo que ocurre en la Patagonia y también con el movimiento estudiantil y sus protestas por mejorar la calidad de la educación; también se me han acercado personas que se oponen a la construcción de centrales eléctricas y estoy estudiando estos temas, ya que cabe la posibilidad que me reúna con su presidente en unos días y que le plantee estos temas a élla.

La banda afirmó que “como Rick (Wright) se ha ido (fallecido en 2008 a los 65 años, víctima del cáncer)”, el álbum de estudio producido luego de 20 años en el que tributa al tecladista -debido a que es un material donde predomina la música ambiental e instrumental- va a ser la última huella plasmada de la legendaria banda inglesa. Por tanto, todos se han puesto de acuerdo en que este será el ultimo lanzamiento que Floyd pueda ofrecer, aunque no se descartan las ideas de alguna gira reencuentro. Por ahora, los miembros deben limar asperezas, pero, quizá en el futuro.

Crees que el futuro del rock and Por ultimo, una pregunta que siempre hacemos: Beatles o los roll está asegurado? Rolling Stones? Soy la persona equivocada a quien preguntarle eso. No tengo interés Ambas son bandas fabulosas. en ello. Me llaman la atención Crearon geniale canciones pop… muchas cosas, pero el rock no es pero sabes, si tienes que elegir una de ellas. Tengo héroes mu- quién es el más importante, yo sicales, algunos de los mejores diría que los Beatles, ya que ancompositores de todos los tiem- tes de ellos, jamas se habia hecho pos, mis contemporáneos: Neil algo asi en mi país. Muchas banYoung, Bob Dylan, John Prine, Le- no hubieran existido sin ellos, y von Helm, y hay muchos muchos creo que los Rolling Stones es una otros… Leonard Cohen… podría de ellas. Luego aparecen los Who, seguir toda la tarde hablando de y nos sentimos liberados para deestos músicos y poetas. En cuanto cir lo que sentíamos, y hacer algo al aquí y al ahora, no es algo que completamente distinto. Eso fue me interese. Pero siempre trato de gracias a los Beatles. mantenerme actualizado.

BIFE ANGOSTO // GUSTAVO SALA

CONTACTO

diariomusicology@gmail.com (011) 156 -8085 - 214

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LOS MONKEYS CONQUISTARAN EL MUNDO COMO 4 CHICOS DE SHEFFIELD LOGRARON CONVERTIRSE EN LA BANDA MÁS ACLAMADA DESDE ZEPPELIN

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ARCTIC MONKEYS Mariano de la Iglesia mariano.iglesia@gmail.com “Siempre nos preguntan qué cambió en diez años, y la respuesta es muy simple: alrededor nuestro cambió todo”, sentencia categórico Alex Turner, cantante y líder de los Arctic Monkeys, puesto a repasar la historia de su banda. Durante la última década, Alex y los suyos pasaron de ser cuatro pibitos que no podían disimular el acné ni la energía, a uno de los grupos más sólidos y contundentes del rock actual, en la senda de sus amigos Queens of the Stone Age. Pero a diferencia de la banda liderada por Josh Homme –que les produjo Humbug (09)– los monos se animan a aventurarse por otros géneros igual de clásicos como el soul o el glam, algo que queda claro en AM, su inminente quinto disco, un conjunto de canciones sucias y bailables. “Suena como Outkast y Black Sabbath”, dijo Turner hace unas semanas, encantado con la idea de que un disco de los Arctic Monkeys pudiera remitir menos a cuatro pibes tocando en un cuarto y más al resultado de un fino trabajo de producción. Tras diez años de aprendizaje, hoy el grupo tiene tanto el conocimiento como

RECUERDOS DE

los medios necesarios para crear discos superadores. ¿Una banda de hard rock montada sobre un beat de hip hop? ¿Por qué no? La versión 2013 de de los Arctic Monkeys encontró en la producción detallista, el baile y la distorsión el antídoto para combatir el agotamiento. Ya van diez años de carrera, pero los cuatro fantásticos de Sheffield tienen planeado seguir viéndose las caras por mucho tiempo más. En AM, el nuevo disco, mezclan varios estilos: soul, glam, rock… ¿Es el fruto de tus últimos descubrimientos musicales? Alex Turner: Es cierto que escuché mucha música diferente antes de hacer este disco, pero por primera vez quisimos intentar algo nuevo, sin reflejar tanto las influencias. A mí particularmente eso me ha sucedido bastante: el disco que grabamos con los Last

Shadow Puppets, por ejemplo, es prácticamente un homenaje a Scott Walker. Me parece que AM, si bien toma cosas del glam, de Black Sabbath o de compositores como Mike Chapman (estoy literalmente obsesionado con su disco Fully Qualified Survivor) es algo que me apasiona. De hecho, un poco más difícil de etiquetar. me encantaría hacer el inten¿Qué fue lo último que escu- to de producir trabajos de otras personas, aunque no tengo nada chaste y te sorprendió? Descubro música que me gusta previsto por el momento. Con retodo el tiempo, porque una ban- specto a AM, trabajamos de nueda me va llevando a la otra. Mi vo con James Ford, con la idea último flechazo diría que es el es- de alejarnos un poco de nosotros tadounidense Adrian Younge, que mismos. Lo primero que hicimos produjo el disco más reciente de fue revalorizar mucho las voces, Ghostface Killah e hizo la banda algo que me parece que queda sonora de Black Dynamite, una claro en “R U Mine?”, la primepelícula que parodiaba las pelícu- ra canción que mostramos hace unos meses. También nos jugó a las de blacksploitation. favor el hecho de habernos enHablando de productores, en AM contrado en el estudio Vox, en Los se los nota muy detallistas. ¿Cuál Ángeles, que es increíble. Estaba lleno de guitarras y de instrumenfue la idea de producción? Últimamente la producción es tos geniales como el Optigan, un

“EN JUNIO SE CUMP DE NUESTRO PRIME BAR DE SHEFFIELD SABER BIEN HACIA D

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UNA JUVENTUD AUN LATENTE

PLIERON DIEZ AÑOS ER RECITAL EN UN D, Y SEGUIMOS SIN DÓNDE VAMOS.” teclado que terminamos usando. Lo bueno de trabajar con James es que podemos repartirnos un poco los roles: de repente a mí se me ocurre agregar unas percusiones tipo los Rolling Stones en “Gimme Shelter”, voy y lo hago. Los músicos ingleses siempre tuvieron una relación privilegiada con el soul. ¿Es tu caso? Sí, es un amor que heredé de mis padres. Mi mamá ponía muchos discos de Al Green y del sello Motown en general en casa. Hace poco me obsesioné completamente con “Flying High in a Friendly Sky”, una canción de Marvin Gaye. Me gusta el soul

porque es una música que te hace sentir emociones, no te deja opción. Te atraviesa el corazón o te sacude las caderas. No podés escaparte. AM es también un disco bailable. ¿Vos bailás? Sí, un poco… Igual, lo que más me interesa es que haga bailar a las chicas. Creo que el costado bailable se debe en cierta medida a la manera en que diseñamos el disco. Me regalaron un pequeño grabador de cuatro pistas para mi cumpleaños, y ahí grabamos los demos: yo ponía mi voz sobre bucles de bajo y de batería muy groovy, y después solo tuve que agregar las guitarras. Debo reconocer que incluso compré algunas especialmente para eso, modelos viejos sobre todo. Estoy convencido de que algunas guitarras viejas contienen canciones escondidas; hay fantasmas que hacer despertar los instrumentos polvorientos.

“Siempre nos preguntan qué cambió en diez años, y la respuesta es muy simple: alrededor nuestro cambió todo.”

timamente entendí por qué algunas personas pasan años y gastan fortunas en hacer un disco. La clave es sentirse satisfecho en un momento determinado, y eso es mucho más difícil hoy para nosotros porque tenemos la libertad y los medios para seguir dándole vueltas infinitamente. Si no hubiera conciertos programados para las próximas semanas, creo que todavía estaríamos modificando detalles. La música se convirtió, más que en un trabajo, en una disciplina. No sé bien cómo pasó: yo nunca me había subido a un escenario antes del primer recital de los Arctic Monkeys. Solo cerré los ojos, canté y enseguida me di cuenta de que eso era lo que siempre había querido hacer. No tengo idea de qué hubiera hecho si no funcionaba. Capaz ponía una peluquería.

¿Qué tan difícil es para vos hablar de tus discos? Lo más difícil para mí hoy es aceptar que está terminado. Caí en una espiral perfeccionista: úl-

¿Te sigue molestando la exposición? Nunca me miro en la tele. Con los años me acostumbré a escuchar mi voz grabada, pero todavía no puedo ver mi imagen.

¿Cómo ves el porvenir de los Arctic Monkeys? Todavía tenemos un largo camino por delante. Siempre nos preguntan qué cambió en diez años, y la respuesta es muy simple: alrededor nuestro cambió todo. Lo único que permanece igual que cuando teníamos dieciséis años es nuestra amistad. Qué se yo, capaz que dentro de treinta años seamos como los integrantes de ZZ Top, con esas barbas largas…