Revista fotográfica trimestral
Fernando Brito Tus pasos se perdieron con el paisaje Alejandro Aguilera • Breve ensayo sobre la soledad Jacob Bañuelos • Iphonografía Número 10 • Año 2 • Agosto 2011 / www.lamembrana.com
$25
La membrana / 7 /
Especial
Colaboran para este número: Saúl Landell Alfredo Káram Alex Aguilar Fernando Brito Alejandro Aguilera Deborah Klochko Jacob Bañuelos Aldo Muñoz Greta Sánchez Matías Quirno Promoción y ventas ventas@lamembrana.com Portada La membrana No. 10 © Saúl Landell
Membrana
Fernando Brito
Alejandro Aguilera
Tus pasos se perdieron con el paisaje
Breve ensayo sobre la soledad
Dirección de arte y diseño Edgar Rivera Pañeda imagen@lamembrana.com Asesoría: Miria Rojas Keyser Logística y relaciones públicas Bayardo Vega Hernández
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Editor Gabriel Medina González gavomedina@lamembrana.com
Consejo Fotográfico Jorge Edgar Hernández David Corona Román González Macías Carlos Ortega Medellín Daniel Cárdenas Pérez
Luz nueva Saúl Landell
Director Ignacio López Muñoz ignacio.lopez@lamembrana.com
Redacción Vanessa Carvajal Mily Aguilar Vielmas Martha Olivia Sánchez Anguiano Nalleli Sánchez Muñoz Alondra Barba
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Editorial
DIRECTORIO
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Réflex
Iphonografía
Chapopoteros
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Presente y futuro en la fotografía Entrevista con Deborah Klochko
30 Historia óptica
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Alfredo Káram
Infraganti
Jacob Bañuelos
Paisaje a posteriori
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10 Alex Aguilar Elementos
13 El pasillo
Ojo virtual
Trazos de luz. Happenings entre Picasso y Gjon Mili
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La membrana es una publicación trimestral dedicada a la promoción y difusión del arte fotográfico, con un tiraje de 2, 000 ejemplares. Registro ante la Dirección de Derechos de Autor de la Secretaría de Educación Pública, con el certificado de reserva de derechos al uso exclusivo del título número 04-2009-052911301600-102. Certificado de licitud de contenidos en trámite. Todas las imágenes y artículos expuestos en su interior son responsabilidad y propiedad de sus autores. Todos los derechos están reservados. Se prohíbe la reproducción total o parcial del contenido por cualquier medio sin permiso expreso de los editores. Cada ejemplar tiene un precio de recuperación de 25 pesos. Impresa en: Con Sentido Publicitario. Pavo # 592 Col. Centro. Guadalajara, Jalisco. C.P. 44100 Tel. 01 (33) 3614 3788 y 89. consentidogdl@prodigy.net.mx La membrana Eglón # 4208, Col. Bethel, Guadalajara, Jalisco, México. C.P. 44720. T. 15224080
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Editorial
La fotografía de paisaje no sólo es propia del fotógrafo viajero, lo es también del fotógrafo autoral y del artista visual; ese que incluso se atreve a intervenirlo, o se apoya en él para fortalecer su fotografía. Este fotógrafo consigue en el paisaje una extensión más para aterrizar sus ideas y transformarlas en imagen.
¿Cómo y para qué representar fotográficamente la topografía que nos toca vivir? ¿Existe otra intención por parte del fotógrafo más allá de lograr que el público contemple y aprecie la estética del relieve natural o el creado por la intervención humana?
Con encuadres únicos, la mayoría de los autores presentados en este número comparten el lenguaje sublime de la fotografía de paisaje. Se manifiesta con ideas firmes y originales, registrando los artificios humanos y la vida y muerte de la naturaleza, que dan forma a los horizontes de nuestro tiempo.
El fotógrafo, como sujeto observador, adquiere una responsabilidad mayor al encuadrar, capturar y compartir en sus imágenes los elementos estéticos que identifica y que comprenden el entorno.
De la serie: 19º35.50´ Latitud Norte - 105º 06.12´ Longitud Oeste © Ignacio López
¿Será esa la única forma de paisaje? ¿Los fotógrafos serán capaces de crear nuevos tipos? ¿Hasta dónde podrán imaginar espacios totalmente ineditos?
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La membrana / 7 /
La opinión de quienes conocen nuestra revista es muy importante para los que participamos en la edición. Aceptamos con gusto todos sus comentarios y sugerencias al correo: contacto@lamembrana. com. También es placentero recibir respuesta por las redes sociales de aquéllos que nos siguen y se enteran de nuestra publicación en diferentes latitudes de nuestro país y el mundo. Al publicarse este número 10 impreso, podrás ver en el sitio www.lamembrana.com los primeros 8 en formato digital. Aprovechamos este espacio para informar a nuestros lectores de Guadalajara que pueden solicitar La membrana en su puesto de revistas preferido, en Fotográfica Navarro, Casa Escorza, Galería Jorge Martínez y Museo Raúl Anguiano, así como en las instalaciones de todos nuestros patrocinadores. En la Ciudad de México puedes adquirirla en la Fundación Pedro Meyer en Coyoacán. En esta ocasión les presentamos algunas reflexiones que recibimos en el inbox de Facebook.
DANNY MORAKUE Omnívoros fotosensibles Es ya, La membrana, el aparato meteorológico de la fotografía en el occidente de México. Una zona de completa accesibilidad. Un diálogo coloquial de diagnósticos múltiples con un amplio círculo de lectores. Pero, ¿hasta dónde se ha de abarcar para satisfacer gustos numerosos? ¿Qué significa la palabra “abarcar” cuando hablamos de fotografía? El problema sucede cuando se trata de clasificar con eufemismos a los lectores como si fueran cortes de carne: aficionado, amateur, profesional, de hobby, espontáneos, de sociales, etc. No es así. Vivimos tiempos de contraste: mientras un sector continúa trabajando únicamente con película y fijadores, hay otro que lo hace con Photoshop y sensores digitales. Así son los perfiles del lector de La membrana: romántico y realista. El primero, es aquél para el que la lectura gráfica (letras e imágenes) es un acontecimiento vital, palpable y poético. Para el segundo, es un recuento entusiasta de las nuevas tecnologías, los discursos técnicos y lo racional. Fortuitamente, el mejor lector es el “omnívoro”: devorardor de todas las palabras y todas las imágenes. Concluyentemente, con la lectura sucede lo mismo que con el respirar: lo importante no es respirar mucho o rápido, sino que te oxigene el cerebro. ANA ANDRADE La fotografía es fundamental en nuestras vidas, como lo es una membrana para el cuerpo y, en este caso, para la historia. Me da gusto conocer una revista contemporánea que refleje visiones actuales grabadas con luz. En cada edición se puede tener en las manos una buena cantidad de imágenes que han congelado al tiempo. De las hojas sale un aroma a textura suave, y espero que ese olor siga saliendo por el número de ediciones que llevan (10), multiplicado por un número infinito. KARINA BARRAGAN GARCÍA La membrana más que una revista es un medio de expresión fotográfico, punto de reunión entre jóvenes y grandes maestros visuales; donde su reto es mantener este vínculo. Enseña a los nuevos captores de imágenes que la labor del fotógrafo no consiste en simplemente apretar
un botón, sino que tiene que ir mucho más allá; debe tratar de transmitir los sentimientos y “ser capaz de hablar con las imágenes”, para después construir discursos completos. Para ello debemos mantenernos a la vanguardia informativa y visual. La fotografía implica un reto en cada disparo; es hacer una imagen que hay que compartir, y La membrana es un excelente lugar para ello, en todas las áreas de la fotografía. ALEJANDRO CARTAGENA Apuntes sobre el cabrito en tiempo de caos Desde hace ya varios años, Monterrey ha ido cayendo en una precaria situación social de miedo, incertidumbre y abandono; no del espacio, ya que sólo los que disponen de posibilidades económicas o los que están dispuestos a dejar sus vidas se van, sino de la necesidad de ver a la ciudad que hemos construido socialmente. La imagen pública de esta urbe, limitada a lo que se ve en la televisión y en los periódicos, definitivamente contribuye a la construcción colectiva en la que nos encontramos. Ante esta situación, que no es particular de Monterrey, se presenta una problemática y una oportunidad para muchas personas y profesionales. Entre ellos los fotógrafos. Si bien no es materia fácil hoy en día salir a fotografiar, sin que más de una persona o policía te detenga para cuestionarte sobre qué estás haciendo y a qué le tomas fotografía, me parece que es el momento perfecto para generar imágenes no sólo de los hechos violentos y realmente perturbadores que pasan en la ciudad (eso ya lo hacen los periódicos), sino más bien, de ver qué sucede a la par de todo esto. En ese sentido, existe actualmente un grupo de fotógrafos asentados en Monterrey que con sus propuestas nos están permitiendo ver historias alternativas a la visión de los periódicos. Ésta es una nota breve y no hay espacio para mencionar a todos, pero nombraré a algunos nóveles y a otros de trayectoria como Heriberto Martínez que explora actualmente el sentido de la masculinidad en los hombres regios. Cada uno con su visión particular, Karen Alcázar, María Navarro e Iván Santiesteban, rastrean la idea de la familia o “post-familia” regiomontana. Finalmente, Oscar Fernando Gómez que nos muestra una área metropolitana desconocida y llena de evidencias, un tanto irónicas, del desgarro social que existe en la entidad.
Luz nueva
Paisaje a posteriori Saúl Landell + info: elsaul_5_@hotmail.com
© Saúl Landell
Saúl Landell (1963) retoma el concepto arquitectónico de “no lugar” para mostrar superficies sin identidad ni vínculos. Para ello capta espacios olvidados por el hombre de ciudad, donde se puede establecer una comunicación con el paisaje real –no ideal–, paisaje donde aún se oye ladrar los perros; pequeñas utopías fuera de la ciudad, paraísos sin manzanas, cielos en fuga, horizontes lejanos, oasis para la contemplación”. “Paisaje a posteriori” es la representación del anonimato que Landell otorga a sitios naturales, registrando el efecto ruinoso de la mano del hombre. Su fotografía restablece un diálogo con los testigos mudos de aquellos espacios allegados, que en sí son los sujetos que habitan y protagonizan el paisaje.
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© Saúl Landell
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© Saúl Landell
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Luz nueva
© Karla Holler
© Alfredo Káram
Chapopoteros Alfredo Káram + info: alfredokaram@hotmail.com “La vida y la muerte en un mismo ente”, es lo que nos ofrece la perspectiva visual de Alfredo Káram (1980). El árbol, símbolo de la fuerza vital y la sabiduría, se ve agredido, en su condición de ornamento urbano, y lucha por sobrevivir ante la necesidad de satisfacer el uso del automóvil. En “Chapopoteros” se documenta el gran absurdo del impulso urbanizador; una forma más de la incompatibilidad entre la naturaleza y el uso indiscriminado de los hidrocarburos. Es “un retrato del ecosistema urbano violentado”, en el que la muerte es latente y está a la vista de "todos", sin que se advierta en la mayoría de las veces por la vertiginosa vida citadina.
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© Alfredo Káram
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Luz nueva
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Elementos Alex Aguilar
+ info: alexxaguilar@gmail.com
Teorema © Alex Aguilar
A través de la intervención del paisaje, Alex Aguilar (1977) quiere llamar a la conciencia ecológica. En “Elementos” invita a la reflexión sobre el paso desmedido del ser humano en la tierra y la falta de prudencia que subyace de su aparente supremacía; que un dogma de carácter antropocentrista le confiere. “Mi granito de arena a la defensa del medio ambiente parte desde un punto de vista que tiene que ver con el respeto a lo natural; respeto que todos los pueblos antiguos tenían y que desde hace mucho tiempo se ha perdido para dar paso a la
idea de que somos lo más importante de la creación, en donde los recursos del planeta, la flora, los mares, la fauna, la tierra, sólo existen para servirnos de ellos”. La serie se conforma en una veintena de fotografías en la que se vinculan “el aire, el agua, el espacio, la fecundidad, la roca y el fuego”, con desechos y componentes actuales, en un juego de simétrica armonía.
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Luz Nueva
Persiana © Alex Aguilar
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X3 © Alex Aguilar
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Rayo Š Alex Aguilar
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Especial
La belleza en el horror Texto: Jorge Edgar Hernández
Hace algunos meses llegó a mis manos una revista en la que encontré el trabajo más reciente del fotógrafo Fernando Brito: "Tus pasos se perdieron con el paisaje". Las primeras dos de ocho imágenes muestran paisajes naturales bellamente registrados, en los que predominan el verde de la flora y el azul del cielo. En cada una se percibe a una persona recostada sobre la hierba. No queda claro el motivo que las tiene ahí: si están durmiendo o sólo descansando, si son parte de alguna ficción o son realidad. Lo cierto es que hay algo extraño en estas personas y consecuentemente en las imágenes. Fue hasta la tercera fotografía que hice un terrible hallazgo: en ella también está alguien recostado, sólo que en esta ocasión parece estar a la orilla de un camino; inquietante también. Mirando más detenidamente y de cerca a este tercer sujeto, descubro que está esposado de la muñeca izquierda y que su cabeza no se percibe. Además, al fondo de la imagen logro observar una cinta de seguridad amarilla. En ese momento es cuando entiendo que los sujetos de las tres fotografías están muertos. Mi asombro se vuelve aún mayor cuando leo en la introducción del autor, que se trata efectivamente de cuerpos de personas ejecutadas, “abandonados en las afueras de una ciudad”. Quisiera hablar, primero, sólo de estas tres y una más de las ocho fotografías que componen esta serie y que aquí se publican, en las que, justamente por su belleza, el misterio del que están envueltas y el horror que registran –¿o acaso representan?–, se ubican en un sitio difuso entre la ficción y la realidad, entre la poesía y el documento, entre la belleza y el horror. ¿Qué es lo que las vuelve tan fascinantes? ¿Será, tal vez, el que esos hermosos paisajes alberguen tales tragedias que podemos creer que son una mera representación y no la documentación de hechos reales? Es justo esto lo que, a mi juicio, se vuelve valioso en estas cuatro imágenes: logran el equilibrio y nos provocan muchas dudas acerca de su origen y los motivos que el fotógrafo tuvo para realizarlas. No así con el resto
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de la serie, conformada de imágenes de violencia explícita, muy parecidas a las que vería en cualquier periódico de nota roja, donde se ven literalmente, cuerpos humanos en estado de descomposición en caminos de tierra y paisajes rurales. ¿Qué sentido tiene ver imágenes como éstas en una revista de arte y literatura o, peor aún, en una sala de museo, como sucedió en fechas recientes en Casa Escorza, en Guadalajara? ¿Cuál es el verdadero objetivo del fotógrafo, retratar cadáveres en el entorno rural y hacer conciencia o fotografiar bellamente un paisaje intervenido por la violencia que azota a nuestro país? Si la respuesta es esta última, entonces saldrían sobrando, al menos, la mitad de las fotografías de la serie, que carecen de poesía, misterio y belleza, y en las que el paisaje deja de tener un papel estelar. En cambio, si la respuesta es la primera, entonces el sitio de exhibición para dichas fotos debiera ser los medios de comunicación de masas y el ministerio público, porque, ¿de qué sirve crear conciencia en una minoría a la que llega una revista de arte y literatura, así como a la que asiste a las salas de museos y galerías, si se puede llegar a un sector mucho más amplio de la población? Al parecer el objetivo incluye ambas opciones, lo cual provoca que la serie esté mal resuelta y se pueda, fácilmente, romper en dos partes, como ya lo expuse con anterioridad. Me parece que la herramienta de la provocación empleada por Brito no es suficiente para merecer estar en sitios destinados al arte, porque el arte provocador está en la calle, fuera de las salas, afectando a la gente o con la gente afectada y no intentando “crear conciencia” en unos cuantos espectadores. Sin embargo, cuando éste logra un equilibrio entre los papeles que juegan el paisaje y el cuerpo inerte, cargando además a la escena de misterio, consigue realizar perturbadoras y bellas imágenes sobre el horror.
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Luz Nueva Membrana
Breve ensayo sobre la soledad Alejandro Aguilera + info: www.solocielo.com En la mayoría de las ocasiones reconocemos al paisaje sin problema alguno; no es difícil saber si lo que se nos presenta es mar, bosque, selva o desierto. En “Breve ensayo sobre la soledad”, esta premisa se diluye por la insólita combinación de relieves y tonos cromáticos. Así, “en absoluta complicidad con lo abstracto”, Alejandro Aguilera se inicia en la aventura de fotografiar a la tierra desde el aire; serie que le da continuidad al proyecto “Cerca del cielo”, concluido en 2005. Las caprichosas formas de los espacios sugieren una geografía inhóspita de nuestro planeta, en la que se nos revelan texturas, profundidades y colores de asombrosa confección. Para Aguilera son expresión de vacío y desamparo, pero también de sensaciones y culpas; en ellas ve desmesura, placeres y pasiones por todos conocidos. Estos colosales sitios recuerdan abruptamente la fragilidad y la finitud humana. El vínculo que se le confiere a las imágenes con lo abstracto resulta paradójico: son reproducciones fieles de una realidad que sí corresponde a superficies y formas naturales, pero de una extrañeza tal, que se aleja de lo representativo poniendo en juego su propia verosimilitud. De tal suerte se trastocan ciertos cánones y se configura al paisaje natural, en una especie de realismo abstracto.
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Edredón © Alejandro Aguilera
Melée © Alejandro Aguilera
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Agridulce Š Alejandro Aguilera
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Consternaci贸n 漏 Alejandro Aguilera
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Coraz贸n de hielo 漏 Alejandro Aguilera
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Soberbia Š Alejandro Aguilera
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Soledad infinita Š Alejandro Aguilera
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Tzontemoc Š Alejandro Aguilera
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Por: Jacob Bañuelos
IPHONOGRAFÍA
APUNTES PARA UN NUEVO PARADIGMA VISIUAL
Relojes versión 2 © Alejandro Briones
En la segunda década del siglo XXI asistimos al arribo de un dispositivo interactivo llamado IPhone de Apple, que se ha convertido en centro de operaciones de comunicación, producción, postproducción y socialización de contenidos textuales, sonoros y visuales. Asistimos a una revolución mediática, convergente, híbrida, ubícua, desterritorializada, simultánea y social que amplía los horizontes creativos y contribuye a la capacidad comunicativa de autores locales, que proyectan sus realizaciones en tiempo real, a lo largo y ancho del mundo, para dar lugar así a la construcción de un nuevo paradigma mediático-visual. La capacidad de este teléfono inteligente (ó smartphone) se amplifica al reunir un vasto espectro de aplicaciones realizadas por desarrolladores de software independientes, que recuperan y resignifican las posibilidades expresivas de herramientas de creación tradicionales y no tradicionales, como
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son: la pintura, la gráfica, el diseño, la imagen 3D, HDR, cine, video, animación y realidad aumentada. El nuevo paradigma visual se compone de tres características fundamentales: 1. Hibridación tecnológica, discursiva y estética. 2. Convergencia mediática de medios tradicionales con medios digitales, en un espectro hipermediático de producción y consumo de contenidos. 3. Socialización de contenidos en entornos digitales en red y en tiempo real, de manera simultánea, ubícua en tiempo y espacio; más allá de la publicación, la socialización busca interacción con otros lectores-usuarios-productores.
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Lo particular y lo universal © Josúe Eber Morales
El nuevo paradigma visual expande las capacidades fotográficas en estas tres vertientes “productivas” de la imagen digital celular. El IPhone representa y significa una reconfiguración de la imagen digital como objeto de la cultura así como del fotógrafo como sujeto cultural. Siguiendo el modelo de análisis del Circuito de la Cultura propuesto por Stuart Hall y aplicado en su estudio sobre el Walkman (Doing cultural studies. The Story of the Sony Walkman, 1997 ), el IPhone reconfigura cinco esferas relacionadas con la imagen digital como objeto de la cultura: producción, consumo, representación, identidad y regulación. En el caso de la producción, vemos claramente una reconfiguración industrial en el escenario de los grandes corporativos tradicionales de la imagen. Kodak, Canon, Nikon, Olympus, Fuji, por citar algunos, se ven confrontados por
corporativos como Apple, Nokia, Samsung, Omnivision, que emergen como grandes actores de la industria de la imagen digital. Las cámaras compactas digitales se ven sustituidas progresivamente por las “cámaras celulares” y las cámara réflex deberán incorporar progresivamente software de tratamiento y socialización en red, que ya incluyen los IPhone. Las réflex copiarán a los celulares. El escenario industrial de la imagen digital se ve claramente reconfigurado ante le llegada del IPhone y otros dispositivos móviles en la producción fotográfica y visual. En el campo de la representación, consumo e identidad, la imagen celular se ha convertido en un elemento crucial al momento de construir, elegir y compartir la representación de uno mismo y comentar y resignificar la imagen de los otros.
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Servicios 3 © Jacob Bañuelos.
En las esferas de la representación, consumo e identidad, la figura del autor, del diseñador o del fotógrafo, se reconfigura drásticamente para dominar la figura del “prosumer” (Jenkins, 2004). El nuevo paradigma visual se centra en el usuario, donde el el “prosumer” es el centro del consumo y la producción. El fotógrafo es productor y consumidor de sus imágenes y de las imágenes de otros. La fotografía celular se integra a la convergencia de medios de las Tecnologías de la Información y Comunicación (TIC´s, Internet, blogs, videoblogs (vlogs), Chat, e-mail, plataformas digitales, dispositivos, redes sociales, etc.). El “fotógrafo celular” puede construir, publicar y compartir imágenes de manera autogestiva con el abanico técnico de medios convergentes. De esta forma, la imagen digital que posibilitan plataformas como las del IPhone, crean una nueva cultura visual, centrada en el usuario-creador-consumidor-productor, interactiva, híbrida y en tiempo real. Esto da lugar a lo que llamamos una imagen conversacional. La fotografía conversacional permite enviar, recibir, comentar, calificar, resignificar y, fundamentalmente, compartir imágenes de contenido emocional mediante redes sociales. La imagen conversacional se inscribe en la lógica de la convergencia mediática, inscribiendo a la fotografía celular centrada en el “yo”, en lo que Donna Haraway apuntó en Modest_Witness@Second_Millennium. FemaleMan© Meets_Oncosmouse™ :"El diario de viaje de
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las circulaciones sociotécnicas, enlazadas, heterogéneas y distribuidas, vuelven al mundo una red denominada global" (Haraway, 1997). Walter Benjamin vislumbró lo que hoy experimentamos con el IPhone y la telefonía celular en 1936. Lo describe claramente citando a Antoine Wiertz en el texto titulado Carta de París, Pintura y Fotografía, quien escribió hacia 1836 el siguiente texto anticipatorio para referirse a la fotografía: “Nos ha nacido, hace pocos años, una máquina, honor de nuestra época, que a diario asombra nuestro pensamiento y llena de horror nuestros ojos. Antes de un siglo esta máquina será el pincel, la paleta, los colores, la destreza, el hábito, la paciencia, el golpe de vista, el toque, el colorido, la veladura, el modelo, el acabado, lo expresado por la pintura… Y no se crea que el daguerrotipo mata el arte… Cuando el daguerrotipo, este niño gigante, haya alcanzado su madurez; cuando toda su fuerza y su potencia se hayan desarrollado, entonces el genio (del arte) le pondrá de repente la mano en el cuello y exclamará: ¡Mío! ¡Ahora eres mío! Vamos a trabajar juntos”. Y remata Benjamin: “lo que quiere decir es que la pintura y la fotografía alguna vez terminarán fundiéndose en el rayo de una poderosa inspiración social” (Benjamin, 1936, p. 84). Premonitoria afirmación de Benjamin que vemos realizada íntegramente en los discursos contemporáneos de la fotografía celular, que enmarca el dispositivo IPhone en todas sus expresiones y que se inscribe en el seno de las prácticas de creación y socialización de la imagen digital como nuevo paradigma visual.
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Comercio © Fernando Barrios
Terapia 1 © Jacob Bañuelos
Pañuelos © Miguel Sankudo
La conservación de los recuerdos © Ma. Emilia Chávez
En la Fundación Pedro Meyer impartimos el Taller de IPhonografía: arte, vanguardia y reflexión. En septiembre de 2011 abriremos ya la tercera edición del mismo. En el Taller realizamos una revisión técnica, conceptual y discursiva del IPhone y sus aplicaciones como herramientas al servicio de la creación artística. Exploramos sus posibilidades de hibridación técnico-discursivas, de convergencia mediática y de socialización. Los productos finales del Taller han sido una exposición colectiva realizada en la misma Fundación Pedro Meyer, y la realización de un Libro Colectivo titulado Imágenes de Cronopios y Famas.
La respuesta está en la necesidad de explorar el uso creativo de una nueva tecnología, pero sobre todo, en expandir la intensa capacidad artística que mueve a cada uno de los artistas que se integran al taller, para ir siempre más allá del instrumento tecnológico y expresar su ideas y emociones.
La vocación del Taller de IPhonografía reside en exaltar la voluntad de sus integrantes por vencer la “desilusión de las cosas” que Baudrillard describió como enfermedad del arte actual. ¿Por qué hacer imágenes fotográficas con un IPhone?
• BENJAMIN, W. (1936). Carta de París. Pintura y Fotografía, En "Sobre la fotografía", Pre-Textos. Valencia, 2007. • JENIKINS, H. Rethinking media change: The aesthetics of transition, Massachusetts. The MIT Press. 2004. • STUART, H., Janes, L. et. al. "Doing cultural Studies. The Story of the Sony Walkman", SAGE Publications. London. 1997. • HARAWAY, D. "Modest_Witness@Second_Millennium.FemaleMan©Meets_Oncosmouse". NY. Routledge. First Edition edition. 1997.
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Infraganti
Por: Gabriel Medina / Traducción: Carlos Ortega
Presente y futuro en la fotografía Entrevista con Deborah Klochko
+ Info.
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Estamos enseñando a la gente a ser letrada visual, a entender el vocabulario de la fotografía.
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Con un semblante apacible y una sonrisa discreta, Deborah Klochko nos recibe para charlar de fotografía y sobre su labor como directora del Museo de Artes Fotográficas de San Diego. Con una larga trayectoria de más de 25 años como investigadora, curadora y museógrafa, Klochko nos confiesa que esta, su primera visita a nuestra ciudad, le ha cambiado completamente la forma de ver a México, y se declara emocionada por la experiencia. El motivo principal de su presencia en Guadalajara fue la curaduría de la exposición “Equal”, identidad secreta de Josué Castro, que se presentó en el Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara (dicho sea de paso, parte del proyecto fue publicado por La membrana en su número 4, en enero de 2010). Además, a propósito de esta exposición impartió la conferencia El placer del dolor en la fotografía, la cual está inspirada en la serie del mismo Josué, basada en el poco conocido Bondage. Deborah klochko nos explica: “me di cuenta de que he estado pensado en el lado oscuro de la fotografía por mucho tiempo y que hay otra historia para la fotografía, además de la que todos conocemos. Así que la conferencia es realmente compartir con el público las otras cosas que la cámara ve, y que muchos de nosotros ni siquiera queremos hablar al respecto: la muerte, la vida después de la vida, la obsesión, el sexo... Esos son algunos ejemplos de lo que hablaremos”. Con toda su experiencia, ¿qué debemos valorar en la fotografía para considerarla artística? Primero que nada la fotografía es el medio de comunicación visual de nuestro tiempo, más que cuando fue inventada y hecha pública en 1839. Está en la cima del arte contemporáneo ahora, y no se trata de si se trabaja en formato digital o película, esa es la herramienta, sino de la intención en la expresión, que es muy vital y dinámica justo en este momento. Yo tengo más de 30 años en la fotografía y justo ahora está en el momento más excitante... ¿Por qué? Porque creo que cosas como el internet y las computadoras, el acceso a imágenes digitales, las habilidades de mucha gente para manipular el photoshop, independientemente de que se consideren artistas o no, son fenómenos de comunicación. La fotografía es un lenguaje que todos hablamos, pero no todos estamos articulados en él. Por eso los artistitas sobresalen y retoman mayor importancia ya que ayudan a todos a entender lo maravilloso y poderoso que la fotografía puede ser. En términos generales, ¿cuáles serían las características o condiciones de la fotografía contemporánea? La respuesta fácil sería que no hay condiciones, que poner reglas destruye todo de lo que se trata la expresión artística. Pero lo importante es el creador, el artista. Debe de entender sobre historia del arte, la política y todo lo que pasa a su alrededor; eso le da profundidad a su trabajo. La técnica es importante. Hay buenos fotógrafos que acuden a alguien si tienen algún problema técnico real y eso está bien porque ellos entienden que no la dominan completamente y, aún así, sigue siendo su medio de expresión. Hay fotógrafos que se podrían describir más como pintores usando photoshop para acomodar todas sus piezas, que siguen siendo fotográficas.
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¿Qué tipo de fotografía disfruta más? Nunca es justo preguntarle a una persona que es directora de un museo, cuál es su fotografía favorita (risas). Soy amplia en mis gustos, pero lo que me gusta es que me sean interesantes, que me reten. No me importa que sea blanco y negro, color, collage o su tipo de impresión, lo que importa es la declaración que el artista esté haciendo, que me rete, que me muestre o me haga pensar en algo que no había pensado antes. Cuando eso pasa me emociono bastante. ¿A cuáles artistas recomendaría seguir, y porqué? Diferentes fotógrafos por diferentes razones. Tenemos a gente como los Ansel Adams o Edward Westons que son grandes artistas; conocen su técnica, su tipo de impresión, su rango tonal, y aprendemos de ellos. Entendemos que controlar el medio es muy importante. Edward Weston nos enseña que los objetos cotidianos pueden ser vistos de maneras nuevas y distintas… Es una pregunta difícil porque lo que veo es muy internacional. Trabajo ahora con un fotógrafo alemán que utiliza para todo photoshop, completamente digital; así arma todas sus fotografías que son increíbles, nunca piensas cómo fueron hechas, lo que te golpea es el tema de fondo. Hay otros fotógrafos como los Becker, matrimonio alemán, que trabajan más en lo topográfico. Fotografiaron sistemáticamente muchas torres en Alemania, casas de cierta época; muy conceptual... Pero no es una pregunta fácil, lo siento, pero de lo que se trata es de ver, no de a quién ves, sino de ver arte; no sólo fotografía, sino pintura, escultura, buen cine, escuchar música..., porque todo eso es una gran experiencia para ver fotografía. ¿En su opinión cree que hay una falta de cultura visual? Sí... o bueno, tenemos mucha cultura visual, pero poco articulada e inteligente. El término que usamos en el museo es “letrado visual”, y eso es la base para todo lo que hacemos; cómo montamos una exposición, cómo creamos educación… Estamos enseñando a la gente a ser letrada visual, a entender el vocabulario de la fotografía, cómo leer una fotografía; en un periódico, por ejemplo, cómo un pie de foto puede cambiar el significado de la misma; dónde lo presentas, cómo lo presentas. Eso le está enseñando a la gente a ser más letrada visualmente o, si quieres, a entender la cultura visual de una mejor manera. ¿Por qué cree que eso pasa ahora que la tecnología está al alcance de casi todo el mundo? Precisamente por eso, está en las manos de todos pero no se comprende que se puede manipular, cambiar el tamaño, etc. Puedes ver fotos en internet pero en un museo la experiencia es distinta. Que la gente sepa que no sólo es lo que ve en su monitor o lo que toman con su cámara, sino que también hay todo un proceso de entendimiento que hace que sea importante ser letrado visual. Con todos los cambios tecnológicos que están pasando, ¿cuál cree que sea el futuro del lenguaje fotográfico, hacia dónde se dirige?
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Es una muy buena pregunta y muy difícil de contestar, porque la tecnología avanza demasiado rápido, y los artistas son los primeros en experimentar y en empujar; en abrir los límites para ver lo que la tecnología puede hacer. Así que no tengo una respuesta, pero estoy buscando ver cuáles serán
los cambios. Porque los cambios son buenos, es lo que nos empuja a explorar cosas nuevas. Si no tenemos una vida de exploración tendríamos una vida sin disfrute; sin sentido de la aventura no tendríamos nada qué esperar, y creo que tenemos que esperar todo adelante. Como directora, investigadora y docente, ¿cuáles han sido los aportes que más le han satisfecho en su trayectoria? Aquí es cuando tengo que ser diplomática (risas). Todos mis trabajos me dan satisfacción en formas diferentes. Como directora me gusta moldear el camino que el museo va tomando. Nos hemos convertido en un laboratorio de nuevas ideas, hemos abordado nuevas tecnologías en la galería que no habíamos usado hace cuatro años. Tenemos iPads en la galería para que puedas interactuar con ellas, tenemos códigos que puedes escanear con tu smartphone y aprender más. Estamos acuerpando estas ideas que creo que son importantes. Como directora también me gusta proveer oportunidades de aprendizaje para mi equipo en la galería, me gusta ver a mi equipo empoderado, desarrollando o involucrándose en nuevos proyectos e ideas. Personalmente mi actividad favorita es la investigación, me encanta hacer libros. A pesar de que nos movamos a las tecnologías donde lo libros parezcan anticuados, son mis favoritos porque me gusta cómo se siente la fotografía; son como una exposición, pero en una forma más pequeña que perdura por mucho tiempo. ¿Qué planes tiene en puerta como directora del museo? Como dije antes, estamos involucrándonos más con las nuevas tecnologías. Estamos planeando para el año próximo una exhibición para el público en donde –como nuestra colección ha sido toda digitalizada– podrán elegir y votar sobre los trabajos, básicamente como si se hiciera una curaduría del público en general, y los resultados serán exhibidos en las paredes del museo. También estamos internacionalizando nuestras sociedades y colaboraciones, hemos trabajado con talleres con adolescentes en la India, otros dos talleres en Perú, para gente joven, y estamos trabajando en construir un programa curricular para enseñar fotografía, que esperamos que los cuerpos de paz de la ONU usen para enseñar en las comunidades donde están trabajando. Ahora que hablamos sobre la gente joven y las nuevas tecnologías, ¿cuál sería el consejo para los viejos fotógrafos respecto a este tema, dónde encajan?
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Bueno, yo diría que siempre entran. Sin historia no tenemos futuro. Y diría que primero necesitan involucrarse con las nuevas tecnologías, no necesariamente que desarrollen su trabajo con ellas, pero sí que entiendan que es un medio de entrega, como presentar tu trabajo en la red, o enviar los trabajos a museos o galerías. Eso es lo que quiero ver. Raramente reviso portafolios hoy en día, salvo que sea uno a uno en persona, pero todo el trabajo, por ejemplo, es a través del internet, entonces hay que conocer esas tecnologías. Otra cosa sería, siempre habrá artistas que volteen atrás a las tecnologías antiguas, artistas contemporáneos que usan daguerrotipos, impresiones de sal, y siempre serán esos viejos procesos a los que hay que mirar. Pero la parte desafortunada es que a menos que ellos tengan la posibilidad de hacer sus propios materiales, muchas cosas como la película o papeles de plata y gelatina o químicos, serán cada vez más difíciles de encontrar. Pero no hay que temer al cambio, esa sería mi sugerencia.
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Happenings entre Picasso y Gjon Mili
Trazos de luz
Historia óptica
Texto: Nalleli Sánchez
Dieciocho años separan los dos encuentros que Gjon Mili tuvo con Picasso. En el primero de éstos, fue comisionado en 1949 por la revista Life para fotografiar a varios artistas de arte moderno que aún vivían y sobrepasaban los 67 años. Mili era ya un fotógrafo consolidado en la escena artística y deportiva desde los años treinta, incorporándose a Life en 1939. El artículo titulado “The old men of modern art” incluye nueve personalidades más entre los que se encuentran Henri Matisse, Marc Chagall y Jean Arp, entre otros. Ambos encuentros entre Mili y Picasso pueden catalogarse como happenings en la historia de la fotografía. En el primero de ellos, Mili mostró a Picasso una serie de fotos donde aparecen los patrones de luz de la patinadora Carol Lynne, obtenidas al colocar luces diminutas en los patines y concluyendo con un flash. La reacción de Picasso fue instintiva y tras 15 minutos para lograr el experimento, el resultado lo dejó fascinado: cerca de 30 retratos de toros, perfiles, cuerpos e incluso su firma se obtuvieron con una pequeña lámpara en el aire, que Mili fotografió igual de sorprendido que Picasso. El Centauro es una de las más bellas imágenes resultantes de la colaboración, donde el nombre se materializa no sólo en la figura lograda, sino en la misma corporeidad y expresión del autor; tan solo una de la serie que ese día tuvo lugar en varias locaciones del taller del pintor en Vallauris Francia.
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La membrana / 10 / Historia óptica
Los trazos de luz en toda la serie además de precisos, son la muestra de que el lienzo en Picasso se encontraba sin lugar a dudas en su mente. Este efecto en la fotografía proveniente del genio de Mili, fue logrado abriendo el obturador de la cámara en un espacio de total oscuridad y, finalmente, capturando el último movimiento de los trazos con un flash de estrobo, siendo Mili uno de los pocos fotógrafos que lo utilizaban y colaborador cercano del profesor Harold Edgerton, el padre del flash electrónico. Para el artículo el retrato que se publicó muestra a Picasso posando con el torso descubierto y una flor entre la oreja, y la serie lograda con luz fue publicada en un número posterior a ese.
Dieciocho años después en 1967 mientras Mili mostraba a Picasso una serie de negativos a color de las esculturas de éste y le explicaba cómo posar para esas tomas, Picasso tomó una navaja y, sin previo aviso, rápidamente rascó tres dibujos sobre los negativos de Mili. Ambas experiencias son narradas en el libro de Gjon “Picasso´s Third Dimension”, donde el misterio que perdurará en nosotros los espectadores es qué habría resultado de tener lugar más encuentros entre estos dos creadores. Imágenes: LIFE magazine online
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Ojo virtual
Por: Ignacio López
www.altitude-photo.com
Practicar y explotar al máximo los elementos que están de modo inmediato para la realización de nuestra fotografía, es uno de los consejos más comunes y que, seguramente, nos darán nuestros mentores a lo largo de nuestros estudios. Un recurso muy utilizado para lograrlo es el paisaje natural, rural o urbano. En este Ojo virtual compartimos sitios web que brindan una gama de posibilidades y ejemplos, que nos ilustran para abordar el paisajismo.
www.kevincooley.net
Yann Arthus-Bertrand es un fotógrafo francés afamado, que en un principio se dedicó a fotografiar animales. Ahora se especializa en la fotografía aérea de paisajes y en escenas de la vida cotidiana, en diferentes latitudes del planeta. Ha publicado más de 60 libros. Visitar sus sitios es la oportunidad de disfrutar miles de imágenes de la tierra que nunca o pocas veces las podremos apreciar desde la perspectiva de este afortunado e intrépido fotógrafo. ¿Cómo se ve nuestra vida cotidiana desde las alturas? Cabe mencionar que la única inconveniencia de esta página, es que sólo se puede navegar en francés e inglés, lo que puede quedar en segundo término considerando que las imágenes son impactantes y elocuentes. Viaja con perspectiva cenital por los lugares más impresionantes de nuestro planeta visitando estas páginas. Cabe señalar que en www.yanarthursbertrand.org, alberga los cuatro proyectos que dirige y que promueven, por medio de imágenes, el cuidado de nuestro planeta.
www.alonsodr.com
Calles desiertas, fachadas iluminadas por la luz artificial que se mezcla con la de la luna para generar un efecto de limpieza, son algunos de los paisajes enmarcados fotográficamente por Kevin Cooley. Apreciarás excelentes composiciones, algunas un poco arriesgadas, siempre con una profundidad de campo que te permitirá ver detalles interesantes en cada una de sus imágenes. No sólo podrás observar imágenes fijas en este sitio, también encontrarás videos en HD –en su galería Primary Forces– donde encuadra de manera caprichosa, un fragmento del paisaje, obligándonos a observar con atención los movimientos y efectos de los elementos naturales, como lo son el agua y el aire, y de su intervención en un fragmento de tiempo. Kevin Cooley es un autor que ha desarrollado y expuesto su trabajo con enorme éxito en la última década. Ha ganado media docena de premios con reconocimiento a nivel internacional. Un artista visual muy completo y que promete ser de los más reconocidos a nivel mundial. No te pierdas este interesante sitio.
Sitio que pertenece al fotógrafo español Alonso Díaz. Decenas de galerías con variedad de temas y una ejecución extraordinaria en cada serie, identifican su trabajo. Destacan interesantes imágenes realizadas tanto en la noche como a la luz del día donde aprovecha diferentes locaciones de regiones españolas. Cada imagen incluye su respectiva ficha técnica, lo que nos brindará información de la ejecución de cada toma en específico. Capturaron mi atención las galerías donde incluye personajes y modelos, así como su nivel de composición en cada una de las piezas. Lo considero un claro ejemplo de cómo aprovechar al máximo y sin montajes, el paisaje existente para conseguir excelentes resultados. Aprecia el trabajo de este autor y motívate a realizar tus propios tiros para que encuentres tu estilo.
Te invitamos a que participes en esta sección con tus sugerencias y opiniones a: ojovirtual@lamembrana.com
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TALLERES, CURSOS, VIAJES, EXPOSICIONES, CAMINATAS Y PRÁCTICAS FOTOGRÁFICAS. 1ER. CONCURSO Y EXPOSICIÓN FOTOGRÁFICA. $15 MIL PESOS EN PREMIOS www.fotojal.com.mx
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Luz Nueva El pasillo
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© Camino
Pertenecientes a la serie “Al amanecer”, Aldo Muñoz presenta estas fotografías que nos instalan en la alborada de El Limón, pueblo cercano a la ciudad de Guadalajara.
© Car wash
© Coyotes
© Intrigas palaciegas
Greta Sánchez se declara en búsqueda de una ‘militancia visual’ y para ello explora la Iphonografía. Estas imágenes son resultado de este proceso y forman parte de la serie “Abstracciones”.
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Matías Quirno realiza estas fotos días después de la erupción del Volcán Puyehu del 5 de junio de este año. Acontecimiento que generó una cortina de humo y cenizas de tal magnitud, que al poco tiempo le dio la vuelta a la tierra, generando gran expectativa en todo el mundo. En ellas se documentan algunos efectos de esta descomunal explosión en la Patagonia argentina.
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