Libro de artistas

Artistas desde el arte griego hasta nuestros dĂ­as.

Laura da Costa Fundamentos de la pintura II

LIBRO DE ARTISTAS

Gerhard Richter, Abstraktes Bild, obra 871, 贸leo sobre aluminio, 2001, 50 x 72 cm

LIBRO DE ARTISTAS

Toulouse-Lautrec, Femme enfilant son bas, 1894, gouache sobre papel, 61.5 Ă— 44.5, MusĂŠe Toulouse-Lautrec.

Indice:

Capítulo 1

Leonardo Da Vinci

Capítulo 3

Hotere Richter

Durero Laffón Miguel Ángel El Greco Caravaggio Velázquez Rembrandt Goya Turner

Wilke Manolo Valdés Bill Viola Antonio Sosa Barceló Basquiat Traccy Emmin

Ingres

Capítulo 4 Capítulo 2 Egon Schiele Manet Cezanne Monet Van Gogh Klee Modigliani Schiele Fontana Rothko Bacon

Salvador Dalí Francis Bacon Chuck Close Pablo Lobato Keith Haring Robert Mapplethorpe Andy Warhol Lucian Freud

Goya, El sueño de la razón producen monstruos, trabajo número 43 de los " Caprichos serie ", 1797-1799, aguafuerte y aguatinta, 21.3 × 15.1 cm, Museo del Prado, Madrid.

CapĂ­tulo 1 10 artistas desde el Arte Griego hasta 1863

LEONARDO DA VINCI

Leonardo da Vinci, Autorretrato hecho entre 1512 y 1515. Dibujo.

Leonardo da Vinci (Leonardo di ser Piero da Vinci) fue un pintor florentino. Notable polímata del Renacimiento italiano, nació en Vinci el 15 de abril de 1452 y falleció en Amboise el 2 de mayo de 1519, a los 67 años. Tras pasar su infancia en su ciudad natal, estudió con el célebre pintor florentino Andrea de Verrocchio.

Cabe destacar las técnicas pictóricas innovadoras que empleó, el sentido de la composición y el uso sutil de los esfumados de colores, el conocimiento profundo de la anatomía humana y animal, de la botánica y la geología, la utilización que hacía de la luz, el interés por la fisonomía, la capacidad de reflejar la forma en que los humanos utilizan el registro de las emociones y las expresiones gestuales.

Se opuso al concepto de "belleza" ideal, defendiendo la imitación de la naturaleza con fidelidad, sin tratar de mejorarla. Y así contempla la fealdad y lo grotesco, como en sus dibujos de personajes deformes y cómicos, considerados las primeras caricaturas de la historia del arte. Su dominio del color y la atmósfera le hace también el primero en ser capaz de pintar el aire. La perspectiva aérea o atmosférica, como hoy se conoce, es una característica inconfundible de su obra, fue el primero en considerar que la distancia se llenaba con aire y que éste hacía que los objetos lejanos perdiesen nitidez y se viesen azulados.

Los temas que más trabajo fueron religiosos, retratos, estudios de la naturaleza (botánicos, anatómicos).

Los artistas que pueden haber influenciado da Leonardo da Vinci son Verrochio, la pintura flamenca, Masaccio, Piero della Francesca.

Leonardo Da Vinci "Estudio de manos (2)"- punta de plata - 214 x 150 cm - 1474 - Royal Library (Windsor, United Kingdom).

Leonardo da vinci, La última cena, 1498, Fresco, 460 x 880 cm; convento de Santa Maria delle Grazie, Milán.

Leonardo da Vinci La dama del armiño 1483-1490, Óleo sobre tabla, 53,4 x 39,3 cm, Museo Czartoryski, Cracovia

Da Vinci, Dibujo preliminar de La Virgen, el Niño Jesús y santa Ana, 1513, óleo sobre tabla, Louvre Museum

DURERO

Autorretrato de Durero (1498, Museo del Prado).

Alberto Durero, 21 de mayo de 1471Núremberg, 6 de abril de 1528. es el artista más famoso del Renacimiento alemán, conocido en todo el mundo por sus pinturas, dibujos, grabados y escritos teóricos sobre arte. Ejerció una decisiva influencia en los artistas del siglo XV. Sus grabados inspiraron a múltiples artistas posteriores. Pertenece al Renacimiento Nordico.

La tarea que Durero se planteó fue la de proveer a sus compatriotas de un modelo con el que pudieran combinar el interés empírico por los detalles naturalistas con los aspectos más teóricos del arte italiano

Durero, Adán y Eva (1597), pintura sobre tabla, Museo del Prado.

.Hasta

el final de sus días experimenta con el medio, el color, y con el asunto a tratar. Cada trabajo es un tratado pictórico distinguido por una sorpresiva modernidad. Durero fue de los primeros en usar monogramas para identificarse al firmar.

Fue influenciado por artistas de Venecia Lugar en el que estudio) y por artistas del norte de Europa.

Según Durero una de las principales misiones del arte es la descripción de la Historia Sagrada.

En ella reside la inspiración para la mayoría de sus creaciones.. Critica la ostentación del papado de su época En la década de 1520, el retrato se libera definitivamente de la dependencia (gracias a Durero) de los temas religiosos, a los cuales pertenecía unido todavía.

Durero, Liebre joven, 1502, acuarela y gouache (Museo Albertina en Viena)

Durero, San Jerónimo, 1521, 59.5 × 48.5 cm, Museo Nacional de Arte Antiguo, Lisboa.

Durero, Anciana con monedero, 1507, 35 × 29 cm, óleo sobre tabla, Kunsthistorisches Museum, Viena

MIGUEL ANGEL

Retrato de Miguel Ángel, Marcello Venusti. 1535.

Michelangelo Buonarroti (Caprese, 6 de marzo de 1475 - Roma, 18 de febrero de 1564), conocido en español como Miguel Ángel, fue un arquitecto, escultor y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica. Su vida transcurrió entre Florencia y Roma.

Desarrollo innumerables innovaciones incluyendo el "sfumatto" en las artes plásticas.

Creó una imagen de la grandeza y dignidad del hombre aún mayor que la que se supuso obtenida en la cultura griega

La Piedad, dibujo hecho a petición de Vittoria Colonna, 1538-44, Boston, Isabella Stewart Gardner Museum.

En su obra se mezclan la lírica y la melancolía, pero el rasgo más significativo es la fuerza dramática, el vigor físico y psíquico (terribilitá).

Están llenas de colosalismo y grandeza. En sus obras encontramos la plenitud y el equilibrio del Renacimiento y también la alteración dramática y poética de este equilibrio (manierismo). Tratan de temas universales.

En su formación artística resultaron básicos el estudio de la escultura antigua y el ejemplo de Donatello. En Bolonia se familiarizó con la obra de Jacopo della Quercia.

Miguel Angel, La Piedad del Vaticano (1498-99), escultura en mármol, 174 cm. Altura, Museo: Basílica de San Pedro del Vaticano.

Creaciﾃｳn de Adﾃ｡n, 1511 aproximadamente, fresco, Capilla Sixtina, Roma.

Miguel ﾃ］gel, La Sibila De Delfos (1508-1512); Fresco, 59,8 X 44,5 cm. Capilla Sixtina Vaticano Roma

EL GRECO

El Greco, Retrato de un caballero anciano, considerado autorretrato (1595-1600), Museo Metropolitano de Arte, Nueva York, EE. UU.

Doménikos Theotokópoulos, (Candía, 1541 Toledo, 1614), conocido como el Greco («el griego»), fue un pintor del final del Renacimiento que desarrolló un estilo muy personal en sus obras de madurez.

Su obra se compone de grandes lienzos para retablos de iglesias, numerosos cuadros de devoción para instituciones religiosas y un grupo de retratos considerados del máximo nivel. Con el tiempo evolucionó hacia un estilo personal caracterizado por sus figuras manieristas extraordinariamente alargadas con iluminación propia, delgadas, fantasmales, muy expresivas, en ambientes indefinidos y una gama de colores buscando los contrastes. Este estilo se identificó con el espíritu de la Contrarreforma y se fue extremando en sus últimos años.

El Greco, Visión de San Juan, 1608-1614, óleo sobre lienzo, 222.3 x 193cm, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York,

Residió diez años en Italia, donde se transformó en un pintor renacentista, primero en Venecia, asumiendo plenamente el estilo de Tiziano y Tintoretto, y después en Roma, estudiando el manierismo de Miguel Ángel.

El Greco, La desnudez de Cristo (El Expolio), 1577 y 1579, óleo sobre lienzo, 285 x 173 cm, Sacristía de la Catedral, Toledo

Detalle de El Expolio

El Greco, La crucifixión. 1597-1600. Óleo sobre lienzo, 312 x 169 cm. Madrid, Museo del Prado.

CARAVAGGIO

Retrato de Caravaggio, dibujado por Ottavio Leoni, 1621, Biblioteca Marucelliana, Florence.

Caravaggio, San Jerónimo escribiendo, 1608, Pintura al óleo, 117 × 157 cm, Catedral de San Juan, Valleta, Malta

Michelangelo Merisi da Caravaggio (Milán, 29 de septiembre de 1571 - Porto Ércole, 18 de julio de 1610) fue un pintor italiano activo en Roma, Nápoles, Malta y Sicilia entre los años de 1593 y 1610. Es considerado como el primer gran exponente de la pintura del Barroco.

Produjo mayoritariamente pinturas religiosas, Dos de los reproches habituales eran el realismo de sus figuras religiosas y la elección de sus modelos entre la gente de más baja condición.

Caravaggio creó una nueva forma de naturalismo, en la que combinó figuras cerradas con la observación física, dramática y teatral de los objetos, a lo que sumó el aprovechamiento del claroscuro, es decir, el uso de luces y sombras.

Fue el quien le dio al claroscuro la técnica definitiva, oscureciendo las sombras y transformando el objeto en un eje de la luz, cada vez más penetrante.

Estudio a Giorgione, Tiziano y Leonardo Da Vinci.

Caravaggio, El entierro de Cristo, 1602-1604. Óleo sobre lienzo, 300 × 203 cm, Pinacoteca Vaticana.

Caravaggio, Judit y Holofernes, 1598-1599, 55 x 76, óleo sobre tela, Galería Nacional de arte antiguo, Roma.

Caravaggio, Los discípulos de Emmaus; 1601-02, 195 x 139 cm). National Gallery, Londres

VELAZQUEZ

Autorretrato, Diego Velázquez, Hacia 1640, Óleo sobre lienzo, 45,8 × 38 cm, Museo de Bellas Artes de Valencia

Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (Sevilla, hacia el 5 de junio de 1599 - Madrid, 6 de agosto de 1660), conocido como Diego Velázquez, fue un pintor barroco, considerado uno de los máximos exponentes de la pintura española y maestro de la pintura universal.

Velázquez, Retrato del Papa Inocencio X. Roma, 1650, óleo sobre tela, Galleria Doria-Pamphili

En el taller de Francisco Pacheco adquirió su primera formación técnica y sus ideas estéticas.

En sus inicios sevillanos, su estilo era el del naturalismo tenebrista, al estudiar a los grandes pintores venecianos en la colección real, modificó su paleta, al viajar a Italia trabajo técnicas buscando luminosidad.

Toco todos los géneros, incluso los más extraños en España, como los temas mitológicos o el desnudo femenino.

Sus contribuciones más destacadas serian, el desarrollo de la perspectiva aérea y la consecución de la profundidad visual en el cuadro por la multiplicación de los planos de representación Manet se sintió maravillado con su obra y le calificó como «pintor de pintores» y «el más grande pintor que jamás ha existido».

Velázquez, detalle Las Meninas 1656-57, óleo sobre tela, 318 × 276 cm, El Prado

Velรกzquez, Venus del espejo, 1844-1848, รณleo sobre lienzo, 122,5 ร 177 cm, National Gallery, Londres.

Velรกzquez, Vieja friendo huevos , 1618, รณleo sobre lienzo, 100.5 x 119.5 cm, National Galleries of Scotland.

REMBRANDT

Autorretrato, 1659, óleo sobre tela, 84.5 X 66 cm. National Gallery of Art, Washington.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn (Leiden, 15 de julio de 1606 - Ámsterdam, 4 de octubre de 1669) fue un pintor y grabador holandés. La historia del arte le considera uno de los mayores maestros barrocos.

Rembrandt haría suyos los géneros del retrato, el paisaje y la pintura narrativa.

Rembrandt, Mujer Bañandose, 1654, 61.8 x 47 cm, National Gallery, Londres.

Su pintura evolucionó de la suavidad de sus principios a un tratamiento posterior, más "áspero", que invocaba las cualidades del objeto mediante la calidad táctil con que figuraba en la pintura.

Las pinturas de Rembrandt adoptaron diversidad de tamaños, técnicas y estilos. La tendencia anterior a crear efectos de claroscuro dio paso a una iluminación frontal y a mayores y más saturadas zonas de color.

Simultáneamente, las figuras empezarían a disponerse paralelamente al plano del cuadro.

Lieven, Rubenz y Tiziano, influyeron en sus obras.

Rembrandt, Mujer en la cama, 1645, 81 x 68 cm, Scottish National Gallery

Rembrandt, La novia judía, 1666, óleo sobre tela, 21,5 cm × 166,5 cm, Rijksmuseum, Ámsterdam.

Rembrandt, Los síndicos de los pañeros, 1662, Óleo sobre tela, 191.5 x 279 cm, Rijksmuseum Amsterdam

GOYA

Francisco de Goya, Autorretrato (1815), 1815, Óleo sobre lienzo a partir de un fresco 46 × 35 cm, Museo del Prado, Madrid, España.

Francisco de Goya y Lucientes (Fuendetodos, provincia de Zaragoza, 30 de marzo de 1746 Burdeos, Francia, 16 de abril de 1828) fue un pintor y grabador español. Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo. En todas estas facetas desarrolló un estilo que inaugura el Romanticismo. El arte goyesco supone, asimismo, el comienzo de la pintura contemporánea, y se considera precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX. Una enfermedad en 1793 le lleva a acercarse a una pintura más creativa y original, que expresa temáticas menos amables que los modelos que había pintado para la decoración de los palacios reales. Una serie de cuadritos en hojalata, a los que él mismo denomina de capricho e invención, inician la fase madura de la obra del artista y la transición hacia la estética romántica. Además, su obra refleja el convulso periodo histórico en que vive, particularmente la Guerra de la Independencia Su obra culminante es la serie de pinturas al óleo sobre el muro seco con que decoró su casa de campo (la Quinta del Sordo), las Pinturas negras. En ellas Goya anticipa la pintura contemporánea y los variados movimientos de vanguardia que marcarían el siglo XX. Para su aprendizaje viaja a Italia, donde estudia las obras de Guido Reni, Rubens, El Veronés o Rafael, entre otros grandes pintores. Velázquez también influyo en sus obras.

Goya, Perro semihundido, entre 1820 y 1823, óleo sobre lienzo 131 x 79 cm Museo del Prado

Goya, Viejos comiendo sopa. 1819-1823 Ă“leo sobre muro trasladado a lienzo. 49,3 x 83,4 cm

Goya, Detalle de los frescos de la ermita de San Antonio de la Florida.1798, fresco, San Antonio de la Florida

JOSEPH MALLORD WILLIAM TURNER

Turner, Autorretrato, 1799, óleo sobre lienzo, 74,3 x 58,4 cm, Tate Britain

Joseph Mallord William Turner (Covent Garden, Londres, 23 de abril de 1775 - Chelsea, Londres, 19 de diciembre de 1851), pintor inglés especializado en paisajes. Fue considerado una figura controvertida en su tiempo, pero hoy en día es visto como el artista que elevó el arte de paisajes a la altura de la pintura de historia.

Joseph Mallord William Turner, Aníbal cruzando los Alpes, 1810-1812, Óleo sobre lienzo, 144,7 cm × 236 cm, Tate, Londres

Es comúnmente conocido como el pintor de la luz.

Turner es un pintor romántico interesado en la filosofía sublime; retrata el asombroso poder de la naturaleza sobre el ser humano. Fuegos, catástrofes, hundimientos, fenómenos naturales son descritos por el pintor. En sus lienzos, constata que la humanidad no es más que un conjunto de peones de la Naturaleza.

Su peculiar estilo de pintura, el cual se caracterizaba por el uso de técnicas exclusivas de la acuarela en la ejecución de sus obras pictóricas al óleo, generaba luminosidad, fluidez y efectos atmosféricos efímeros.

Los impresionistas estudiaron cuidadosamente sus técnicas, para dilucidar el poder de sus lienzos. En la era del arte moderno, hasta el arte abstracto se ha visto influenciado por él.

Thomas Girtin, fue uno de sus profesores, con el aprendió el uso de las acuarelas.

Turner: "Amanecer con monstruos marinos". 1845 - Londres, Tate Gallery

Turner, El último viaje del Temerario remolcado a amarre para su desguace, 1839, óleo sobre lienzo, 90,7 × 121,6 cm , National Gallery

Turner, Lluvia, vapor y velocidad - el ferrocarril de Great Western , 1844, óleo sobre lienzo, 91 × 121,8 cm, National Gallery

JEAN-AUGUSTE-DOMINIQUE INGRES

Ingres, Autoretrato a los 24 años, 1804.

Jean-Auguste-Dominique Ingres, más conocido como Dominique Ingres, (Montauban, 29 de agosto de 1780 - París; 14 de enero de 1867), fue un pintor francés.

Ingres, El baño Turco, 1962, óleo sobre tela, 108 × 110 cm, Museo del Louvre.

Ingres no es, en sentido estricto, neoclásico ni académico, sino un ferviente defensor del dibujo. Resulta a la vez clásico, romántico y realista. Constituye un claro exponente del romanticismo en cuanto a los temas, el trazo abstracto y las tintas planas de intenso colorido.

Algunas de sus obras se enmarcan en el llamado «Estilo trovador», inspirándose en el ideal estético griego y gótico. Igualmente, es ejemplo de orientalismo, pues muchos de sus cuadros están dominados por un sentido irreal del exotismo propio del siglo XVIII. Su obra se divide, esencialmente, en tres géneros: la pintura histórica, el retrato y el desnudo femenino.

La galería de retratos que dejó constituye un testimonio muy valioso de la sociedad burguesa de su tiempo, del espíritu y las costumbres de una determinada clase a la que él pertenecía, reflejando las virtudes y sus límites.

En su estilo influyeron Rafael y el Quattrocento italiano.

Ingres, La Bañista, 1808, óleo sobre tela, 146 x 98 cm, Museo del Louvre.

Ingres, La gran Odalisca, 1814, óleo sobre tela, 91 × 162 cm, Museo del Louvre

Ingres, Mademoiselle Jeanne-Suzanne-Catherine Gonin, 1821, óleo sobre tela, Museo de Arte Taft

Schiele, Muchacha de pie con tela de cuadros, 1910.

Capítulo 2 10 artistas del arte desde el período moderno

-considerado desde “El desayuno sobre la hierba” (1863) de Eduard Manet hasta 1960.

ÉDOUARD MANET

Édouard Manet (fotografía por Nadar h.

1910)

Édouard Manet (23 de enero de 1832 - 30 de abril de 1883) fue un pintor francés, reconocido por la influencia que ejerció sobre los iniciadores del impresionismo.

Manet, Un bar en el Folies-Bergère, 1881-1882, óleo sobre lienzo, 96 × 130 cm, Courtauld Institute of Art.

Pese a que se le considera uno de los padres del Impresionismo, nunca fue un impresionista en el sentido estricto de la palabra. Por ejemplo, jamás expuso con el grupo. Al principio su notoriedad se debió más a los temas de sus cuadros, considerados escandalosos, que a la novedad de su estilo.

Los temas de sus obras pueden incluir en una misma pieza, retrato, paisaje, desnudo y bodegón.

Estudio a los clásicos, pero Velázquez fue uno de sus favoritos.

Manet, Claude Monet en un barco en el Sena en Argenteuil, 1874, óleo sobre lienzo, 80 × 98 cm, Neue Pinakothek.

Manet, "Desayuno sobre la hierba", 1863, óleo sobre lienzo, 208 × 264 cm , Musée d'Orsay

Manet, Olympia, 1863, óleo sobre lienzo, 130 × 190 cm, Musée d'Orsay.

CEZANNE

Autorretrato sobre fondo rosa, 1875, 66 × 55 cm, Museo de Orsay (París)

Paul Cézanne (19 de enero de 1839 - 22 de octubre de 1906) fue un pintor francés postimpresionista, considerado el padre de la pintura moderna, cuyas obras establecieron las bases de la transición entre la concepción artística decimonónica hacia el mundo artístico del siglo XX, nuevo y radicalmente diferente.

Sin embargo, mientras vivió, Cézanne fue un pintor ignorado que trabajó en medio de un gran aislamiento. Desconfiaba de los críticos, tenía pocos amigos y, hasta 1895, expuso sólo de forma ocasional. Fue un «pintor de pintores»,1 que la crítica y el público ignoraban, siendo apreciado sólo por algunos impresionistas y, al final de su vida, por la nueva generación.

Cézanne, Cesto de manzanas, 1890, 65 x 80 cm, Art Institute (Chicago).

manifestó un interés progresivo en la representación de la vida contemporánea, pintando el mundo tal como se presentaba ante sus ojos, sin preocuparse de idealizaciones temáticas o afectación en el estilo. Luchó por desarrollar una observación auténtica del mundo visible a través del método más exacto de representarlo en pintura que podía encontrar.

Con este fin, ordenaba estructuralmente todo lo que veía en formas simples y planos de color.

Fue influido por obras de Caravaggio y Velázquez, pero principalmente Eugène Delacroix, Gustave Courbet y Édouard Manet.

Cézanne, Fumador de pipa, 1891, 91 × 72 cm, Museo del Hermitage (San Petersburgo).

Cézanne, Los jugadores de cartas, 1890 - 1892, 134 x 181,5 cm, Barnes Foundation (Merion)

Cézanne, Las grandes bañistas, 1906, 208 × 251 cm, Philadelphia Museum of Art (Filadelfia).

MONET

Claude Monet en el año 1899

Oscar-Claude Monet (14 de noviembre de 1840 en París - 5 de diciembre de 1926 en Giverny) fue uno de los fundadores de la pintura impresionista. El término impresionismo deriva del título de su obra Impresión, sol naciente, creada en 1872.

Monet desarrolló el concepto de las «series», en las que un motivo es pintado repetidas veces con distinta iluminación. Ningún pintor del grupo fue tan puramente impresionista como Monet.

En su obra el factor dominante es un claro esfuerzo por incorporar el nuevo modo de visión, sobre todo el carácter de la luz, mientras que la composición de grandes masas y superficies sirve únicamente para establecer cierta coherencia, fue el que con más énfasis practicó el plenairismo, es decir la práctica de la pintura al plein-air.

Monet, Camille Monet en su lecho de muerte, 1879, óleo sobre lienzo,90 × 68 cm, Musée d'Orsay, Paris.

"El motivo es para mí del todo secundario; lo que quiero representar es lo que existe entre el motivo y yo". Claude Monet La obra de Monet acompasa la influencia de varias influencias estilísticas.

Monet, Nenúfares, 1899.óleo sobre lienzo, 88.3 × 93.1 cm Musee d'Orsay, Paris.

Monet, Impresión sol naciente, 1872, óleo sobre lienzo, 48 × 63 cm, Musée Marmottan Monet, París.

Monet, Nenúfares, 1899, óleo sobre lienzo, 1920-1926, 219 × 602 cm, Musée de l'Orangerie, Paris.

VAN GOGH

Autorretrato con sombrero de paja,Invierno 1887-1888, óleo sobre lienzo, 40,6 × 31,8 cm, Museo Metropolitano de Arte.

Van Gogh, Lirios, 1889, óleo sobre lienzo, 28 × 36.6cm, Getty Center.

Vincent Willem van Gogh (Zundert, Países Bajos, 30 de marzo de 1853-Auvers-sur-Oise, Francia, 29 de julio de 1890) fue un pintor neerlandés, uno de los principales exponentes del postimpresionismo.

Estuvo presente en el impresionismo, postimpresionismo, expresionismo y fauvismo.

La técnica que empleaba era diferente según el efecto que quería conseguir, cubría los planos con colores claros, mientras que en otros cuadros ponía pinceladas amplias y a veces perfilaba todo el dibujo con trazos gruesos. En otras ocasiones, trabajaba con un pincel duro rayando todas las formas, según le interesara, acentuaba las líneas o el color, El trazo con movimiento rítmico lo repetía tanto en los dibujos como en las pinturas.

Van Gogh, La iglesia en Auvers-sur-Oise, 1890, óleo sobre lienzo,94 × 74 cm, Musée d'Orsay, París.

Van Gogh, Campo de trigo con cuervos, 1890, pintura al ﾃｳleo, 50 x 100 cm, Museo Van Gogh, ﾃ［sterdam.

Van Gogh, Mujer en el Cafﾃｩ de Tambourin, 1887-1888, ﾃｳleo sobre lienzo, 55,5 x 46,5 cm, Van Gogh Museum

PAUL KLEE

Fotografía de Paul Klee en 1911

Paul Klee (Münchenbuchsee, Suiza, 18 de diciembre de 1879 - Muralto, Suiza, 29 de junio de 1940) fue un pintor alemán nacido en Suiza, que desarrolló su vida en Alemania, cuyo estilo varía entre el surrealismo, el expresionismo y la abstracción.

Klee, La casa giratoria, 1921, Óleo sobre tela, 37,5 x 52,2 cm., Thyssen-Bornemisza, Madrid, España.

A lo largo de su vida, Paul Klee usó el color de maneras variadas y únicas, y mantuvo con él una relación que progresó con el tiempo. Para un artista que amaba tanto la naturaleza parece algo extraño que en sus comienzos Klee despreciara el color, creyendo que no era sino una decoración.

Con el tiempo Klee cambió de idea y llegó a manipular el color con una enorme precisión y pasión, hasta tal punto que terminó enseñando teoría del color y de su mezcla en la Escuela de la Bauhaus. Esta progresión, por sí misma, es de gran importancia porque le permitió escribir sobre el color con una mirada única entre sus contemporáneos.

En 1911 Wassily Kandinski y Franz Marc fundaron en Múnich un grupo de artistas vinculado al expresionismo. Paul Klee no era oficialmente miembro de esta asociación, pero con todo se sentía muy unido al círculo de artistas que la integraban y participó en sus exposiciones.

Klee, De Carreteras y Caminos, 1929, Óleo sobre lienzo.

Klee, Globo rojo, 1922, Ă“leo sobre gasa tiza-priming, 31,7 x 31,1 cm, Museo Solomon R. Guggenheim.

Klee, Noche azul, 1937.

MODIGLIANI

Modigliani, Autorretrato, 1919, Óleo sobre tela.

Amedeo Clemente Modigliani (Livorno; 12 de julio de 1884 - París; 24 de enero de 1920) fue un pintor y escultor italiano, perteneciente a la denominada Escuela de París.

Modigliani, Jeanne Hébuterne, 1919, óleo sobre tela, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York.

Arquetipo del artista bohemio, en su vida hubo estupefacientes, alcohol, mujeres, pobreza y enfermedad, y sólo alcanzó la fama después de muerto.

Posee su propio estilo, pintó solamente figuras humanas: desnudos y retratos; con una refinada estilización, formas elegantemente alargadas, un cálido colorido, casi sin contrastes entre luces y sombras. Al mismo tiempo, sabía reproducir la personalidad del retratado con gran agudeza. Pintaba a sus personajes sin pupilas.

Fue influido en principio por Toulouse-Lautrec, Amadeo encuentra inspiración en Cézanne, el cubismo y la época azul de Picasso, asi como en Klimt y Brancusi.

Modigliani, Desnudo, 1912, Óleo sobre lienzo, 92,1 x 60 cm, Courtauld Institute Galleries, Londres.

Modigliani, Desnudo recostado, 1917, óleo sobre lienzo, 73 × 116 cm, Museo de Arte Moderno, Nueva York.

Modigliani, Madam Pompadour, 1 915, óleo sobre lienzo, 61 x 50,4 cm., Instituto de Arte de Chicago.

EGON SCHIELE

Schiele, Autorretrato con los dedos aplastados, dibujo, 1911, 525 mm x 280 mm. Leopold Museum, Austria.

Egon Leo Adolf Schiele más conocido como Egon Schiele (Tulln an der Donau, Austria, 12 de junio de 1890 - Viena, Austria, 31 de octubre de 1918), fue un pintor y grabador austriaco.

Una de las características más fuertes en la pintura de Schiele es la destreza y la firmeza de su trazo, el cual seguía una vez comenzado sin treguas, hasta el final sin ninguna corrección posterior.

Schiele, La Familia, 1918, óleo sobre lienzo, 152.5 × 162.5 cm, Gallery Belvedere, Austria.

La atención artística de Egon Schiele se centró principalmente en la figura humana, especialmente la femenina. Su temática asume una altísima tensión emotiva en la sensualidad que se vuelve obsesión erótica, junto al tema de la soledad angustiosa. Schiele utilizaba una línea cortante e incisiva para expresar su propia realidad y para mostrar impetuosamente la dramática destrucción física y moral del ser humano. El color adquiere un valor autónomo, no naturalístico.

Siempre admiró a Gustav Klimt y de él adoptó sus principios creativos, en cuanto a acentuar el dibujo de sus pinturas con unas líneas gruesas, especialmente en la representación del cuerpo desnudo.

Egon Schiele, Pareja Sentada, 1915, brush, acuarela, lápiz, cuño, montado sobre cartón, 1915, Museo Albertina , Viena

Schiele, La muchacha y la muerte (Egon y Wally), 1915, óleo sobre tela, 150.5 × 180 cm, Gallery Belvedere, Austria

Schiele, Mujer sentada con la pierna izquierda levantada, 1917, dibujo, National Gallery Praga.

Schiele, Muchacha desnuda con el pelo negro, 1910, acuarela, 56 x 32,5 cm, Albertina, Viena.

LUCIO FONTANA

Lucio Fontana fotografiado por Lothar Wolleh

Lucio Fontana fue un pintor, ceramista y escultor italo-argentino nacido en Rosario el 19 de febrero de 1899, y fallecido en Comabbio, Italia, el 7 de septiembre de 1968.

Lucio Fontana. ‘Concepto espacial’, 1958. Papel perforado y teñido sobre lienzo

Fontana fue un visionario, dado que se adelantó a muchos debates artístico-filosóficos que se desarrollan en las décadas finales del siglo.

Crea el Movimiento Espacialista y presenta sus ideas en varios manifiestos. En ellos defiende la superación de los límites entre pintura y escultura y la desmaterialización de la obra de arte. Mantiene la necesidad de integrar todos los elementos físicos (color, sonido, movimiento y espacio) en una unidad ideal y material.

Plásticamente expresa estas ideas con la serie de cuadros con perforaciones, iniciada en 1949, y más tarde con cortes. En ambas series existe un factor común: el cromático. Las telas son pintadas con un solo color, extendido uniformemente por toda la superficie.

Lucio Fontana, Spaziale Concetto, La fine di Dio , 1963.

Fundación Lucio Fontana. Colección privada

Lucio Fontana, Venecia era toda de oro, 1961, Pintura alquĂ­dica sobre lienzo 149 x 149 cm, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.

Lucio Fontana, Concepto espacial. 1959. 100 x 125 cm. Galleria d'Arte del Naviglio, MilĂĄn.

MARK ROTHKO

Mark Rothko en su estudio, 1961.

Marcus Rothkowitz (Daugavpils, Letonia, 25 de septiembre de 1903 - Nueva York, Estados Unidos, 25 de febrero de 1970), conocido como Mark Rothko), fue un pintor y grabador nacido en Letonia, que vivió la mayor parte de su vida en los Estados Unidos.

Mark Rothko, Rojo Negro blanco sobre amarillo 1955

Fue uno de los máximos representantes de la abstracción americana. A través de su personal lenguaje pictórico, que enlazaba con la tradición europea de lo sublime, el artista quería expresar las más básicas emociones universales, como la tragedia o el éxtasis Son frecuentes en sus obras los grandes formatos que envuelven al espectador, con la finalidad de hacerle partícipe de una experiencia mística, ya que Rothko daba un sentido religioso a su pintura.

A través de Weber, empezó a visualizar al arte como una herramienta de expresión emocional y religiosa. Entre sus influencias estuvieron las obras de los expresionistas alemanes, Paul Klee, Georges Rouault y de Avery.

Mark Rothko, Sin título (Verde sobre morado), 1961, Técnica mixta sobre lienzo. 258 x 229 cm, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.

BACON

Bacon, autoretrato, 1971.

Francis Bacon (Dublín, Irlanda, 28 de octubre de 1909 - Madrid, España, 28 de abril de 1992) fue un pintor anglo-irlandés de estilo figurativo idiosincrásico, caracterizado por el empleo de la deformación pictórica y gran ambigüedad en el plano intencional.

Francis Bacon realizó algunas de las pinturas más desgarradoras del arte contemporáneo.

Bacon, Estudio del Papa Inocencio X de Velázquez. Óleo sobre lienzo, 153 x 118 cm. 1953. Des Moines Art Center.

Los cuadros de Bacon tienen influencia de Munch en los trazos y de las tonalidades de Van Gogh; también se percibe la influencia de Goya ya que plasmó la angustia en sus cuadros. En sus cuadros trabajó la representación de la figura masculina o femenina, que por lo general aparece de forma desfigurada e incluso de forma aterradora, en espacios cerrados y oscuros.

Los retratos y autorretratos son una gran parte de sus pinturas. A lo largo de toda su carrera Bacon recurrió al informalismo, al expresionismo y al surrealismo, pero sus cuadros pertenecen al racionalismo, nunca perteneció a ningún movimiento artístico.

Simplemente prosiguió lo que él consideró una línea pictórica postpicasiana, siguiendo la vía abierta que Picasso dejó con la figuración y la representación obsesiva del cuerpo humano.

Bacon. Dos figuras en la cama con asistentes. Tríptico. 1968.

Panel central. Colección particular.

Bacon, Triptych, 1973.

Bacon, retrato de George Dyer en bicicleta, 1966, 贸leo y pastel sobre lienzo, 198 x 147,5 cm.

Rauschenberg, Robert: Estate (1963). Rauschenberg, a master of collage.

CapĂ­tulo 3 10 artistas del perĂ­odo posmoderno (desde 1960-hasta nuestros dĂ­as).

RALPH HOTERE

Fotografia Ralph Hotere

Ralph Hotere fue uno de los artistas más importantes del arte contemporáneo de Nueva Zelanda. Nacido en Northland (11 agosto 1931 hasta febrero 2013), ha vivido y trabajado en la bahía de Carey, Otago desde 1969. Fue dibujante y grabador de talento excepcional. Sus obras muestran reacciones de Hotero a las cuestiones sociales y ambientales, tanto locales como globales. Su serie “Sangro” es un monumento a su hermano, quien lucho en la Segunda Guerra Mundial; su serie “Polaris” fue su respuesta a la amenaza de devastación por las ojivas nucleares de los misiles; y la serie “Aromoana” fue el resultado de su preocupación por el impacto ambiental negativo de la construcción de una fundición de aluminio en Aromoana en Otago.

Hotere, Lo negro sobre lo oro, pan de oro y técnica mixta sobre vidrio, 1992, 990mm x 455mm. Colección Auckland.

Hotere utiliza imágenes sin compromisos fuertes para transmitir potentes mensajes visuales y emocionales. Su toque es dar a cada imagen la estética requerida para transformar una superficie cotidiana en una impresionante y potente obra de arte.

Utilizando los restos carbonizados de un arrastrero severamente dañado por el fuego, creo en 1985 su principal instalación Negro Phoenix, que ha alcanzado el estatus de leyenda. Hotere es también muy conocido por sus pinturas de palabras que empezó a principios de 1960. Estas obras documentan tanto el dialogo artístico y personal entre él y sus amigos.

Hotere, Hacia Aramoana, pastel al óleo sobre papel, 1981, 500mm x 400mm.

Hotere, Midnight Oil, Laca sobre cuatro paneles de acero, 250 x 360 cm

GERHARD RICHTER

Gerhard Richter 1970, fotografía de Lothar Wolleh.

Gerhard Richter (nacido en Dresde el 9 de febrero de 1932) es un artista alemán.

Después de realizar murales, Richter inició una nueva fase en su carrera. Estando en la Staatliche Kunstakademie de Düsseldorf (1961-64) descubrió el expresionismo abstracto y una serie de tendencias de vanguardia, formando lazos de amistad con otros artistas de su generación como Sigmar Polke. Se identificaba como artistas del pop art alemán, pero fue también, durante un breve periodo, iniciador de una variante satírica del pop a la que llamaban «realismo capitalista».

Richter, Abstraktes Bild (712)

A inicios de la década de los años setenta, evolucionó para una pintura monocromática sobria que evocaba la corriente minimalista. A principios de los ochenta cambia a colores brillantes y atrevidamente delineados. A lo largo de toda su carrera, Richter ha cultivado en su trabajo un estilo sutilmente romántico y aparentemente antimodernista.

La producción artística de Gerhard Richter puede clasificarse en tres categorías: figurativa, esto es, todas las pinturas que se basan en la fotografía o la naturaleza; constructivista, trabajo más teórico como tablas de color, paneles de vidrio y espejos; y abstracta, casi todo el trabajo realizado desde 1976 excepto bodegones y paisajes.

Rihter, Wand (Muro), 240 x 240 cm.

Hotere, "Pintura Negro" de 1969

Gerhard Richter, Untitled 03.09.89 , 1989, Ă“leo sobre papel , 21,6 x 27,9 cm, David Nolan Gallery, Nueva York

Richter trabajando con su espĂĄtula.

CARMEN LAFFÓN

Carmen Laffón

Carmen Laffón de la Escosura (Sevilla, España, 1934), pintora y escultora figurativa.

Premio Nacional de Artes Plásticas. Recibió el nombramiento de Hija Predilecta de Andalucía en el año 2013.

Su pintura destaca por su minuciosidad, se dice que la suya es una pintura de intimidad, del mundo cotidiano. Laffón ha ejercido una fuerte influencia en la pintura andaluza. Su pintura intenta plasmar la intimidad de las cosas cotidianas idealizándolas, en cierta medida, pero tratadas de forma absolutamente realista. Hay que destacar dos características importantes en su pintura, la primera de ella es el personal cromatismo de sus cuadros, y la segunda es el particular clima de sus cuadros. Usa frecuentemente el toque de luz, que es capaz por sí solo de crear una ilusión especialista.

Carmen Laffón. Cepas, 2006-2007. Escultura. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid

Se dedicada principalmente al paisaje, aunque no desprecia los géneros clásicos que también trabaja.

Laffón ha bebido de la creación de otros artistas, pero siempre esa influencia la ha adaptado a su estilo, a un estilo único.

Laffón ha contribuido a visibilizar a la figura de la mujer en el mundo del arte y a “romper moldes”. Fue la primera mujer en ganar el Premio Nacional de Artes Plásticas en 1982, en pintar el cartel de la Semana Santa de Sevilla de 1983 y de la Real Maestranza de Caballería, en 1993

Carmen Laffón, Homenaje a "El Coli". 1.964.

Carmen Laffón, La novia, 1960, Óleo sobre lienzo, 89,5 x 117 cm, Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid

HANNA WILKE

Hanna Wilke

Hanna Wilke fue una artista norteamericana (Nueva York 1940-1993) pionera en los años setenta de la aproximación feminista al arte y de la lucha por acabar con la inexistencia de la mujer en el ámbito artístico.

Se inició en el arte como escultora, técnica que practicó con materiales tradicionales (cerámica) y otros enteramente novedosos (chicle, goma de borrar, látex); pero además abordó con intensidad la performance, la fotografía, el vídeo, la pintura y el dibujo.

Criticada e incomprendida por sectores del feminismo más radical de la época, su cuerpo se erigió en el centro de su arte, su biografía personal fue su inspiración artística y su lucha política en el seno del feminismo constituyó el engranaje en el que se articuló su obra. La defensa de la diversidad cultural, religiosa o étnica, la denuncia tanto de la opresión de la mujer como del fanatismo feminista, la dignidad de la vida humana, el dolor, la enfermedad o la muerte.

Hannah Wilke, Gesture, 1974

Hannah Wilke, Venus Pareve, 1982-84 (Jewish Museum,NY)

Carmen Laffón, Coria del Río, 983-1985, Óleo sobre lienzo, 65 x 108 cm, Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid

Hannah Wilke, Corcoran Art Gallery, 1976

Hannah Wilke, Melancholy Mama, 1975

MANOLO VALDES

Manolo Valdes, Foto de Kike Palacio

Manuel Valdés Blasco conocido como Manolo Valdés (Valencia, 8 de marzo de 1942) es un pintor español residente en Nueva York (EE. UU.). Fue el introductor en España de una forma de expresión artística que combina el compromiso político y social con el humor y la ironía. Realiza obras de gran formato en la que las luces y colores expresan un sentimiento de tactilidad por el tratamiento dado a los materiales. Su obra fuerza a quien la observa a indagar en la memoria y buscar imágenes significativas de la historia del arte.

Manolo Valdés Pretexto V, 2004, collage

Reelabora, sirviéndose de distintos lenguajes vanguardistas, obras famosas de pintores como Velazquez, Picasso, Kandinski o Miró.

Manolo Valdés. Caballero. Grabado/collage.

Papel Velin Arches de 250 g.

170x98 cm.

Manolo Valdes, Beatrice II, 2002, collage

BILL VIOLA

Bill Viola

Bill Viola nace en 1951 en Nueva York.

Realiza sus estudios de arte en la Universidad de Siracusa, centro pionero en la utilización de nuevos medios de expresión. En aquel momento, el arte de épocas pasadas no despertaba en él interés alguno. A principios de los años 1970, el videoarte buscaba su lugar como forma artística autónoma y Viola fue testigo y partícipe de este proceso, influenciado por Bruce Nauman, Peter Campus, Vito Acconci, Nam June Paik, Joseph Beuys, Wolf Vostell, Frank Gillette, Ira Zinder, Juan Downey.

A finales de los años 1970 y principios de los años 1980, sus ideas y su capacidad técnica experimentan un impulso, debido en parte al desarrollo de los medios audiovisuales y a su propia evolución en el plano personal. Su perspectiva vital da un giro; como él mismo explica:

Bill Viola, Visitación, 2008. El vídeo de color de alta definición de pantalla de plasma montada en la pared; Intérpretes: Pam Blackwell y Weba Garretson, fotografía: Kira Perov.

“Para mí, el paso de las ideas sobre perfección social a la idea de autoperfección constituyó un momento muy decisivo. Adopté esta idea, integrándola con la performance y el body art y partir de entonces he trabajado con ella”.

Su inquietud espiritual le llevó a viajar por todo el mundo, realizando numerosas grabaciones.

Son las vídeoinstalaciones la parte más conocida de su obra. En ellas, aparecen de manera recurrente representaciones oníricas y temas como los ciclos vitales, el nacimiento o la muerte.

Bill Viola. Surrender (II)

Manolo Vlades, Menina

Bill Viola, Cinco ángeles para el milenio , 2001. i. Saliendo Ángel; ii. Ángel Nacimiento; iii. Angel Fire; iv. Ángel que subía;v Creación de Angel. Video / instalación sonora Cinco canales de color de la proyección de vídeo en las paredes en grande, cuarto oscuro, el sonido estéreo para cada proyección. Foto: Kira Perov

Bill Viola «Reflections»

ANTONIO SOSA

Antonio Sosa

Nacido en Coria del Río (Sevilla), en 1952, Antonio Sosa Suárez es un pintor y escultor con una amplia trayectoria que ocupa un lugar privilegiado en el arte contemporáneo.

Con una "estética personalísima", Sosa se adentra en el mundo de los sueños, haciéndonos partícipes de su imaginario, a través del dibujo, la pintura y la escultura.

Sosa, Medusa, 2012, 100 x 150 cm, Tinta, acuarela y temple sobre papel

Este pintor sevillano está considerado como uno de los artistas que ha posibilitado que nuevos lenguajes plásticos se familiaricen con la ciudad.

Cada objeto y figura de la obra reciente de Antonio Sosa está cargada de significado.

Algunos tienen o pueden tener una interpretación universal como símbolos arquetípicos de cualquier cultura, otros son particulares del lugar y también los hay que pertenecen al mundo privado del artista, aunque todos los sentidos están imbricados.

Un solo ejemplo: un juguete de su hijo puede ser un objeto banal de consumo en un mundo globalizado, pero también un tiempo compartido con alguien que también es Antonio Sosa.

Sosa, Un espacio de la duda, 2004, 106 x 114 cm, Tinta, temple y lápiz sobre papel

Sosa, Cristal de Ver贸nica, 2009, 114 x 136 cm, Tinta y acuarela sobre papel

Sosa, Semillas del pan, 2009, 550 x 150 cm, Escayola y ceniza

MIQUEL BARCELÓ

Miquel Barceló (©Claire Mineur)

Miquel Barceló Artigues (Felanich, Mallorca, 8 de enero de 1957) pintor español.

Figura entre los más cotizados y unánimemente reconocidos del panorama actual. Dotado de una formidable fuerza creativa, su obra abarca desde inmensas telas y murales hasta esculturas de terracota y cerámica. Su pintura, incorpora numerosos referentes culturales, entre los que cabe destacar en una primera etapa el trasfondo mediterráneo, y a raíz de su estancia en Mali, iniciada en 1988, el paisaje y la forma de vida africanos; más recientemente ha introducido en su obra complejas e intelectualizadas reflexiones sobre el entorno privado del artista, como su taller o su biblioteca. Otro ámbito destacado de su actividad artística es la ilustración de libros, capítulo en el cual ha ilustrado obras de Dante, Paul Bowles y Enrique Juncosa, entre otros.

Miquel Barceló, Encuadre con plato de uvas, 1992, Técnica mixta sobre lienzo, 252 x 306 cm.

En sus obras revela una preocupación por la investigación experimental. Una de sus principales características es el tratamiento de la materia pictórica, que plasma en sus cuadros para lograr efectos de relieve. Su obra refleja, desde un primer momento, un notable interés por los motivos procedentes de la naturaleza.

La pintura barroca, el art brut, el expresionismo abstracto norteamericano, el arte povera italiano, las obras de Joan Miró y Antoni Tàpies se cuentan entre las influencias que Barceló ha transfigurado en una formidable síntesis personal de índole neoexpresionista.

Miquel Barceló, Animal de Pintor, 1994, Escultura en Bronce, Fundición, 48 x 70 x 36 cm, Edición/Nº de ejemplar: 7/8

Miquel Barcel贸, Bodeg贸n, 1984, 贸leo y collage sobre lienzo, 207 x 237 cm.

BASQUIAT

Década de 1980, Expresiones de las emociones, identidad, Jean-Michel Basquiat,

Nacido en 22 de diciembre de 1960 en Brooklyn, Nueva York, Jean-Michel Basquiat se crió en las calles de dicho barrio, donde comenzó a crear feroces graffitis en las estaciones del metro de Lower Manhattan, firmando los mismos con el anagrama SAMO©, que significa "SAMe Old shit" (la misma vieja mierda).

En 1980, cuando contaba con tan solo 19 años de edad, Basquiat tomó parte en la exposición Times Square Show , atrayendo la atención de la crítica y prensa especializada.

Al año siguiente, expuso en el P.S.1, donde su éxito fue considerable, y donde comenzó su amistad con una de las personalidades más famosas y controvertidas de la época, Andy Warhol. Warhol y Basquiat se admiraban mutuamente, y colaboraron en casi un centenar de obras.

Basquiat, "Sin título" (figure JMB #1), (1982).

En 1983 Basquiat viajó a la ciudad italiana de Módena, donde asistió a su primera exposición individual. Este publicitado evento supuso un extraordinario éxito, convirtiéndolo en el artista afroamericano más respetado del momento. El 12 de agosto de 1988, Basquiat fue hallado muerto por sobredosis en su apartamento. Tenía tan solo 27 años de edad.

Estilísticamente, la obra artística de Basquiat es mucho más complicada de explicar que lo que un análisis superficial puede hacer pensar, y está inspirada en múltiples referencias, tales como artistas contemporáneos como Picasso o Pollock, la música jazz, la cultura del África primitiva, e incluso quizás el abuso de la heroína.

Basquiat, "Sin título" (1986).

Miquel Barcelo, CĂşpula Palacio de la ONU

Basquiat, "Scapula" (1983).

TRACEY EMIN

Tracey Emin en diciembre de 2007

Tracey Emin (Inglaterra, 1963) es una artista británica reconocida dentro del grupo de los Young British Artists.

Su disposición por enseñar detalles de su vida privada es uno de los sellos distintivos de su obra.

Las obras de Tracey Emin son conocidos por su inmediatez. Su arte es profundamente confesionario y ella misma se ha convertido en la encarnación del artista como un inconformista. Su imagen pública es fuerte e impredecible, pero al mismo tiempo, irradia un lado profundamente emocional y vulnerable.

Su exposición controlada del yo toma una forma en la excepcionalmente amplia gama de medios de comunicación - desde mantas apliques y costura, neones, videos, super-8 películas, fotografías, animaciones, acuarelas, esculturas, instalaciones y pinturas y dibujos intensamente personales. Uno de los aspectos de la obra de Tracey Emin reciben injustamente poca atención es su escritura aquí, ella empuja las fronteras entre la escritura como arte visual y las artes visuales como un texto, que nos obliga a repensar la situación de ambos.

Tracey Emin, My Bed (1998).

Los temas predominantes en su arte son el sexo violento, la maternidad, el aborto, su ciudad natal, la familia, la falta de escolarización, pasado sexual, así como su afinidad con el alcohol.

Sus influencias en su primer etapa fueron Edvard Munch y Egon Schiele, ella misma destruyo estas obras despues de un aborto.

Tracey Emin, I Whisper to My Past Do I Have Another Choice (2013).

Basquiat, "Sin tĂ­tulo" (1987).

Tracey Emin, I Whisper to My Past Do I Have Another Choice (2013).

Tracey Emin, Everyone I Have Ever Slept With 1963–1995 (1995)

Andy Warhol, autorretrarto 1956

CAPITULO 4

AUTORRETRATO

Autorretrato:

En su obra De la pintura, publicada en 1435, Leon Battista Alberti, a propósito del origen de este género artístico, evocaba a Narciso, enamorado de su propia imagen reflejada en el espejo del agua. El artista, en el uso del espejo para reproducir, trazo a trazo, su propia imagen especular, se convierte en su instrumento de sí mismo.

No obstante, en esta búsqueda de su propia esencia que toma la forma de un reencuentro con su imagen, muchos artistas reconocen la dificultad de realizar un retrato introspectivo: el propio es probablemente el modelo más refractario y complejo de analizar. Beckmann diría: "[...] el Yo es el mayor secreto del mundo; creo en un Yo en su forma eterna e indestructible".

Esta dificultad, inherente a una indagación introspectiva a través de la autorrepresentación vinculada a la cuestión del doble engendra para cada obra un manifiesto metafísico y pictórico.

Como en el caso del protagonista del mito de Ovidio, el artista roza la locura cuando reconoce en el otro la imagen de sí mismo. Así lo expresó Vincent van Gogh cuando, en una carta a su hermano, aludió a la complejidad de la práctica del autorretrato: "Se dice, y yo desde luego lo comparto, que es difícil conocerse a uno mismo, pero tan difícil como eso es pintarse a sí mismo".

El autorretrato es uno de los ejercicios de análisis más profundos que puede hacer un artista.

Implica escrutarse el rostro y conocerse hasta tal punto que la expresión que tenga en ese momento se traduzca en el dibujo o la pintura que aborda. En épocas pictóricas como el barroco o el renacimiento, una de las costumbres era que el artista se autorretratara dentro de un gran cuadro, para reafirmar su autoría o para dar a entender sus intenciones, como lo hizo Velázquez.

Un autorretrato no necesariamente implica un género realista. Tampoco implica necesariamente el término asociado a la pintura. Existe como recurso literario, muy próximo a la prosopografía y la etopeya.

Los autorretratos no son nunca simples imágenes reflejas de la persona, sino que el pintor desarrolla activamente lo que ve de su yo: aclarando, subrayando, a veces desvirtuando enigmáticamente.

Egon Schiele

Cerca de cien autorretratos fueron los que realizó Schiele, lo que demuestra que entre los pintores de su época fue uno de los que más observó «su propio yo», se captó en forma figurativa siempre.

Los rasgos más sobresalientes con los que se representaba eran la extrema delgadez de

Autorretrato con manguitos de rayas (1915). Dibujo, 49 x31

la figura, las contorsiones del cuerpo, un cabello corto y rebelde y una mímica casi tétrica. Seguramente el pintor habría leído a Friedrich Nietzsche, «Hermano, detrás de tus pensamientos y sentimientos se encuentra un poderoso soberano, un sabio desconocido que se llama Yo Mismo. Vive en tu cuerpo y es tu cuerpo.»

Pero en su mayor parte no parecía tan orgulloso de su imagen, sino más bien mostraba lo patético de su estado ruinoso.

Autorretrato con el brazo torcido arriba de la cabeza – 1910

Salvador Dalí

Podemos decir, por regla general, que en sus autorretratos, Dalí se representa de forma narcisista ya que ocupa un lugar prominente en

el

espacio

individualidad,

pictórico

y

exalta

insinuándose

su ese

Autorretrato blando con bacon frito, 1941

exhibicionismo que le caracterizará a lo largo de su vida. Artista y obra se convierten en inseparables, es a la vez autor y protagonista tanto de su obra como de sus escritos. Según Robert Lubar: “Hablar del autorretrato en la obra de Dalí es, en gran parte, redundante, ya que Salvador Dalí - el hombre, el artista y la persona - es el sujeto y el objeto privilegiado de su trayectoria artística”.

Autorretrato cubista, 1943

Francis Bacon

Bacon pareciera preguntarse sobre lo que hay detrás de la apariencia, o ¿cuándo no hay apariencia que hay?

El pintor dice: “la mayor parte de un cuadro siempre es convención, apariencia y eso es lo

Autorretrato 1973.

que intento eliminar de mis cuadros. Busco lo esencial, que la pintura asuma de la manera más directa posible la identidad material de aquello que representa. Mi manera de deformar imágenes me acerca mucho más al ser humano que si me sentara e hiciera su retrato, me enfrenta al hecho actual de ser un ser humano, consigo una mayor cercanía mientras más me alejo."

Bacon

encuentra

el

ser

cuando

se

desentiende de la apariencia

Autorretrato 1971

Chuck Close

Chuck Close es capaz de ofrecernos estos grandes anti-retratros con aspecto de retratos, es decir, el aspecto externo de sus obras posee

una

claridad

manifiesta

en

lo

concerniente al parecido mimético con el natural,

no

obstante,

el

proceso

Autorretrato (1997)

de

elaboración, los métodos empleados, así como las escalas utilizadas derrumban el concepto clásico de retrato para convertirlo en producto de innovación absoluta.

Autorretrato (2004-2005)

Pablo Lobato

Sus personajes están construidos a base de geometría y colores planos, y resultan perfectamente reconocibles.

"Cuando busco ideas lo miro todo, incluyendo diferentes estilos de ilustración, fotografías, todo. Al final algo sale de esa mezcla."

Autorretrato

Autorretrato

Keith Haring

Haring incorpora a sus obras referencias relativas

a

los

nuevos

conceptos

de

reivindicación social de finales del siglo xx: la sexualidad, el feminismo, la diversidad étnica, el medio ambiente, etc.

Haring trató el tema de la homosexualidad, con obras fuertemente influidas por el cómic.

Creó un lenguaje claro y comprensible

Autorretrato

formado por iconos que representaban las tendencias de la sociedad de una forma cognitivamente genial. Algunos lo ven como el iniciador del “Arte Graffiti”. Dibujaba monitores y billetes de dólar irradiantes en un verde veneno, o corazones penetrados y punzantes tenazas negras para simbolizar el horror del sida.

Autorretrato

Robert Mapplethorpe

Robert Mapplethorpe, que las fotografió como pocos, recurrió también de manera reiterada al autorretrato para conservar algo de una vida sentida como efímera, y quizá por ello intensamente

vivida.

Algunos

elementos

formales en la manera de afrontar ambos temas son coincidentes: cruda luz frontal,

Autorretrato. 1980.

sencillez compositiva, encuadre equilibrado en un marco tendente al cuadrado, ausencia de énfasis, referencias clasicistas,...Son, a la vez, la irónica parodia de un hombre que trata de conocerse y una forma de buscar los ojos del futuro espectador. En contadas ocasiones recurre a algún elemento material -un mínimo atrezzo- que ayuda a completar al personaje hedonista que nos quiere contar algo (poco) de su vida

Autorretrato. 1988.

Andy Warhol

Sus autorretratos nos llevan a reflexionar sobre su poder de crear y de convertir imágenes ya existentes en iconos.

Sus Autorretratos son iconos de él mismo, y al mismo

tiempo

iconos

del

artista

contemporáneo.

Warhol jugó con su identidad, cambió su

Andy Warhol, La sombra, 1981, Serigrafía.TP 18/30. 96,5 x

nombre y transformó su apariencia física

96,5 cm

creando un personaje con traje negro y pelo rubio platino.

La sombra es un elemento que le inquietó, su valor plástico, pero también su misterio e inconsistencia. Andy Warhol recurrió a la sombra para cargar de significados simbólicos su imagen de personaje inventado.

Decía Warhol, «la razón por la que pinto así es que quiero ser una máquina, y siento que todo lo que hago y hacerlo como una máquina es lo que quiero hacer».

Andy Warhol, Sombra con gafas, 1981, Serigrafía.TP 27/32.

96,5 x 96,5 cm

Lucian Freud

Obsesionado por el cuerpo se retrata en multitud de ocasiones. Realiza en sus autorretratos interesantes juegos espaciales motivados por el lugar en el que él se coloca y, el lugar en el que se refleja su imagen.

Lucian Freud Reflejo con dos niños (Autorretrato), 1965 Óleo

En el título de esta obra Reflejo con dos niños

sobre lienzo. 91 x 91 cm Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

(Autorretrato), hace referencia al uso del espejo como instrumento para realizar la pintura. La perspectiva hacia arriba, el escorzo Forzado de Freud se debe a que el espejo está en el suelo, por eso podemos ver el techo y las lámpara. Los dos niños parece que se asoman al espejo/cuadro como a una ventana para ver qué ocurre dentro.

«Mi idea sobre el retrato proviene de la insatisfacción que siento por los retratos que se parecen a la gente. Me gustaría que mis retratos fueran de personas y no como ellas» Lucian Freud.

Autorretrato, 1981

Frida Kahlo

Algunos de sus autorretratos representan sus heridas físicas prácticamente como si fuesen psicológicas. De ahí que su obra navegue por corrientes oníricas, aunque ella inicialmente no fuese del todo consciente de ello.

En sus pinturas, Frida se representó en escenarios amplios, áridos paisajes o en frías habitaciones vacías que remarcaban su soledad. Los retratos más intimistas de cabeza o de busto se complementaban con objetos de significado simbólico. En cuanto a

Autorretrato con collar de espinas. 1933

los retratos de cuerpo entero se integraban en representaciones escénicas y enmarcaban su propia biografía: la relación con su esposo, como sentía su cuerpo, sus enfermedades consecuencia de su accidente juvenil, la incapacidad de engendrar hijos, su filosofía de la naturaleza y del mundo. Expresó sus fantasías y sentimientos por medio de un vocabulario propio con símbolos que precisan ser descifrados para entender su obra. Estas representaciones

rompieron

tabús

especialmente sobre el cuerpo y la sexualidad femenina.

. Autorretrato “La Columna Rota” 1944