La Voz en Color (diciembre2011)

nº 01 01/12/11

The Strokes, Benicásim y LVC Simmer Down La influencia de la música electrónica en el panorama Alternativo.

Mi ardiente Norte

No nos abandones NorthernSoul

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Simmer Down 4 The Strokes, Benicassim y LVC 7 La influéncia de la electrónica 10 KASABIAN 12 Mi ardiente Norte 16 ¿Qué Frontera?

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Simmer Down!

Hace 30 años nos abandonaba Robert Nesta Marley Booker también conocido como Bob Marley. Un cáncer pudo con este artista el 11 de Mayo de 1981 a la temprana edad de 36 años. Hijo de una afro jamaicana y un jamaicano blanco de descendencia inglesa, este músico nacido en una pequeña ciudad de Jamaica es todo un icono de la música de su país. Hoy en día su museo, donde descansan sus restos, es una de las atracciones de la isla y las recopilaciones de su obra que salen al mercado aun siguen vendiendo gran cantidad de copias, de hecho su discográfica Island / Tuff gong ya anuncio un nuevo recopilatorio para conmemorar esta fecha. por Junior Braithwaite, Beverley Kelso, Bunny Livingston (conocido como Bunny Wailer), Winston Hubert McIntosh (conocido como Peter Tosh) y Cherry Smith acompañados en numerosas ocasiones por los hermanos Carlton y Aston Barret procedentes del grupo Skatalites.

En esta época trabajaban con el célebre productor Corxone Dodd en su mítico sello studio one records. Son años de Ska y el Rocksteady ademas de cambios políticos en la isla ya que Jamaica alcanzaría su ansiada independencia. Estos géneros son el germen del Reggae. El ska se trata de la música jamaicana de mediados de los años 60, una mezcla de la música de la isla,claypso mento, con la que llegaba desde los cercanos Estados Unidos como el rhythm and blues. El rocksteady se dio en un par de años entre el 67 y 69, se ralentiza el ritmo del ska y aparecen tríos influenciados por el soul. En esta época la isla tendría una producción musical increíble, de los Wailers saldrían canciones célebres como “hooligans” “Simmer down” o “Im still waiting” ademas de canciones que retomaría Bob Marley en un futuro como “I´m gonna put it on”, “Stop that train” o la mítica “one love”.

Bob Marley fue el primero en dar el gran salto al mercado mundial. Aunque la música jamaicana estaba muy ligada con su antigua metrópoli, Reino Unido, y artistas como Jimmy Cliff con su película “The harder they come” habían intentado este cometido ninguno consiguió tal volumen de ventas. El propio Toots Hilbert líder de los Toots and the maytals llego a acusar a la discográfica de estar detrás de su encarcelamiento en el 69 por posesión de marihuana, de ahí el célebre tema “54 46 was my number”, por la posibilidad de hacer sombra al artista (Bob Marley).

Marley se convirtió en un símbolo para todo el mundo ya que fue el primer artista de un país del tercer mundo en alcanzar ese éxito a nivel mundial. Las discográficas con este resultado metieron al Reggae en un nuevo género que bautizaron “musicas del mundo”. Un término ambiguo que abarca desde el Folk hasta la bossa nova pasando por el afrobeat pero que empujaría artistas a una proyección mayor.

Su obra empieza con los Wailers, grupo formado en 1963 4

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En 1970 abandonan a Dodd que no destacaba por su buena relación con los grupos. The Toots and the maytals dan forma al nuevo género llamado Reggae con su “Do the reggae”. Es entonces cuando las Wailers caen en manos del guru musical Lee Perry, artífice de grandes obras como el “War in a Babylon” de Max Romeo. Este productor es el que empujo a Marley a lo que sería la forma de cantar que luego seguiría. Lee Perry en su famoso estudio black ark les produce temas como “Duppy conqueror” y “my cup” donde se puede observar el cambio radical del grupo. Mas tarde llegaría otro gran éxito como es el “small axe”, todo ello para el sello “The upsetter” El reggae se ralentiza llevando a cabo otros géneros como el Roots, todo este cambio esta ligado con la aparición del rastafarismo en el ámbito cultural. Bob Marley después de esta etapa de madurez musical ficha por Island una filial del gigante discográfico Universal, aquí es donde empieza el verdadero éxito de Marley fuera de la isla. Chris Blackwell es el productor que se hace cargo del grupo. Kaya Uprisin Exodus son discos de esta época que va desde el 73 hasta el final de sus días con su obra póstuma Confrontation. En esta nuevo proyecto es donde sus letras reflejan una preocupación social y trata temas como el panafricanismo. Así se convierte en occidente toda una figura del tercer mundo.

Sus giras por Europa y Estados Unidos son célebres, así lo reflejan sus discos como el “live¡” o el “Babylon by bus”.

Cabe destacar a las I theres, las tres coristas que acompañaban al cantante. Judy Mowatt, Marcia griffths y Rita Marley tres pesos pesados de los primeros años del Reggae.

Aunque la imagen de Bob Marley con el tiempo se fue asociando con la imagen comercial de la isla, esa imagen de Jamaica “no problem” y el porrito, Bob Marley es una de las leyendas de la isla, un artista que coloco a su isla y a su música en la mira de todo el mundo. Una isla donde los medios tecnológicos no acompañaban pero el amor a la música de su gente y unos músicos que siempre han derrochado originalidad y buen hacer convierten a esta pequeña parte del mundo en uno de los sitios mas influyentes.

Por Diego Aracil

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The Strokes, Benicassim y LVC.

Se ha escrito mucho, Han corrido ríos de lenguas (¿sucias?) sobre ello, han habido opiniones ligeras, opiniones críticas o incluso justas. Algunos parece que repentinamente han descubierto el arte de criticar aun no estando en posición ni usando parámetros válidos. Otros muchos, como nosotros, sabemos toda la verdad sobre The Strokes en Benicassim.

Se consolidaba la noche en Benicassim y en el recinto de conciertos no cabía un alfiler apenas media hora antes de la actuación. Muchos de los asistentes oscilábamos entre la espectación y el nerviosismo trascendental de ver al grupo de nuestra época por excelencia. Otros simplemente reían. Cuarto de hora más tarde comenzaron a proyectarse los primeros motivos luminosos del escenario. 11 años después los había. “No hay un escenario pequeño, ni un universo entero desprendido de la fosa séptica e industrial NY serigrafiado en nuestras mentes, ni en las suyas. La mayoría de toda esta gente no tiene ni idea de

lo que significó que Dylan finalmente accediera a entrar en la factory a ser filmado, ni de que Television miraran a los 70’s con la misma simpatía que un padre observa soplar las velas de cumpleaños a su hijo”, pensé yo. Mientras tanto, ellos simplemente reían.

Minutos después la retirada del último probador de sonido, antecedía la mejor hora y cuarto de una vida, al menos como melómano. El escenario se poseía de luces en formas puntiagudas rojas y naranjas, y de esa manera los ví. Se trataba de New York City Cops, se trataba de estar viendo a los Strokes en directo, y se trataba de 7

que una vez más estaban ahí. 10 años después y Casablancas con su chupa de cuero negra, sus gafas y por supuesto su acritud. Desplegados pero compactos y por supuesto inmóviles, ejecutando con la exquisitez de la imperfección el elixir y pulpa de nuestra generación, del milenio, y de la cultura popular. New York City Cops, Reptilia, taken for a fool, modern age...todos ellos origen y ocaso de nuestra generación. Generación finalmente amputada por la cultura mosaico, la banalidad generalizada por el hecho de querer formar parte sin involucrarse, por la pose, el culto a la imagen sin incubar rastro de noción estética, y por

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supuesto sin tener nada que ver culturalmente a lo que acaban por inmiscuirse, prostituyendo la última gran escena musical. Mientras tanto, ellos simplemente reían.

No obstante ellos aquella noche estaban ahí, postrados en el tiempo y espacio, la imagen de Julian Casablancas perpetuado en mi retina como el puente. Su voz, posición e hipertérrita mirada tupida, supuso mi puente hacia lo verdaderamente efímero.Hace más de una década que ellos devolvieron el rock a la juventud, al arte y a la calle.Un paradigma musical y estético llevado a cabo en una década y cuatro discos de perspicacia, originalidad, espontaneidad y una congelada mirada atrás personificando para sí el grito de ruptura entre las bambalinas obsoletas y mil veces descorchadas del rock de entonces (anterior a ellos), y el sucio sótano, la voz refrigerante y sobre todo la inquietud que junto a ellos trajo la última década. Sus canciones fueron ejecutadas con la misma precisión que siempre, ni más ni menos. No movió ni un dedo más del que había movido en un escenario durante su trayectoria. Llegados a este punto, su imagen imperturbable congela-

ba la sensación de que nada había cambiado en ellos. La corriente que ellos habían creado habría muerto mientras ellos comunicaban su defunción jugando a crearla de nuevo, como si nada hubiese ocurrido y todo eclosionase aquella noche. Podría ser que eso fuera lo que nos quisiesen relatar: Esta subcultura, generación, corriente o como quieran llamarlo se ha echado a perder en el momento en que ella se ha dado cuenta de sí misma y en el momento en el que se fuerza. Ellos entonces la hicieron posible y se mostraron ajenos a su involución.

Después de una hora y cuarto, el grupo abandonaba el escenario con Julián Casablancas arrojando su guitarra al suelo. No hubo despedida, ni saludos, ni una mueca de agradecimiento porque no tienen que dar gracias a nadie. Solo hubo algo que gran parte del morboso público que allí habitaba nunca llegará a comprender, y no es otra cosa que Los Strokes y la cultura a la que aquellos que los critican llegaron tarde, mal y nunca. Mientras tanto siguen riendo.

Por Luís Torrijos.

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La influéncia de la electrónica A estas alturas de la vida todavía hay gente que no sabe de dónde vienen esos retoques sonoros, esas atmósferas imposibles y esos sonidos que hacen que las bases de muchas de las mejores canciones de nuestros grupos preferidos suenen así. Pues bien, hoy hablaremos de la influencia de la música electrónica en el pop, rock y subgéneros.

Gracias a grandes mitos de la electrónica como los alemanes Kraftwerk, hemos visto a lo largo de los años cómo numerosos grupos han tomado influencia de éste estilo.

En el caso del pop, en los 80’s es imprescindible citar a dos de los grupos que más han tenido que ver en la evolución de la música electrónica popular: OMD y DEPECHE MODE. Ambos introdujeron, sobre todo, sonidos techno; y no podrían sobrevivir sin la presencia del MIDI en sus trabajos. Hoy, son de los que todavía crean gran espectación y son fuente de inspiración para muchos músicos y productores.

Para hablar de la influencia de la electrónica en el rock nos remontaremos a los 80’s, de nuevo, para observar su aplicación total, a sabiendas de que ya en los 60’s grupos como Pink Floyd y Velvet Underground ya utilizaban utensilios electrónicos en sus creaciones musicales.

Aunque el rock de los 80’s fuera un estilo totalmente envuelto por grandes figuras como: ACDC, Metallica o ‘Los Maiden’, de gran calidad; hubo algunos que decidieron apostar por introducir nuevos sonidos que mejorarían la calidad de sus tracks. Los pioneros fueron la banda de metal industrial: MINISTRY, se atrevieron a mezclar la electrónica con punk, dando más vida a sus guitarras y más potencia a su voz con magníficas distorsiones.

A principio de los 90’s podemos remarcar otro de los grandes grupos de rock que da el paso de utilizar el recurso de la electrónica, U2, la banda irlandesa rompe con tracks como “Zoo Station”, en el que predominan las distorsiones de guitarras y voces, también.

No podemos dejar pasar los 90’s si mencionar al multiinstrumentalista, compositor y productor Trent Reznor, uno de los creadores musicales más influyentes de EEUU. Comenzó con 10

el proyecto de su banda “Nine Inchn Nails”, abarcando una amplia tesitura de estilos: desde el techno hasta el rock industrial, pasando por estilos como el ambient y el Drum and Bass. También fue él quien descubrió a Marilyn Manson y produjo sus 3 primeros discos.

Actualmente podemos decir que el pop ha cambiado, que el rock ha evolucionado y que ambos lo han hecho para mejor. No podemos hablar de una fusión de estilos negativa porque lo único que conseguimos mezclando la electrónica con los estilos tradicionales es una indudable mejora.

Tanto grandes productores de electrónica como grandes mitos del rock se han apoyado en la influencia de estilos y han hecho cosas muy grandes. Podemos analizar el caso del grupo de Thom Yorke: Radiohead.

Por Santy Otero.

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KASABIAN París 22/11/2011

París, Le Zenith, 22 de noviembre de 2011.

El ambiente está cargado en Le Zentih esta noche. París alberga numerosos espectáculos cada día. A pesar de tener a Jamiroquai sonando a escasos kilómetros, los de Leicestershire arrastran, una vez más, a su marabunta intermitente. Intermitente porque nos tienen acostumbrados a reunir a un público poco exigente y fluctuante. Esta es su noche. En la Ciudad de la Luz. O de las Ratas.

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LVC Son las 20:00 de la noche y una tímida cola se deja ver desde las 18:00.

Algunos preferimos ponernos hasta la bandera con vino bordelés y aprovechar nuestra compañía vasca para arrastrar nuestros cuerpos destartalados hasta los pies de Pizzorno. Como estaba previsto, suenan The Subways.

Estimo unas veinte personas. Kasabian está por llegar. “Rock and Roll Queen”. No podía ser de otra forma.

Comienza el espectáculo en la última canción de estos pobres teloneros enemigos de la creatividad y del trabajo duro. La Rubia sabe de lo que hablo.

Se menea y nos menea. ¿Nos hemos vuelto locos? Tal vez. Kasabian está por llegar, me reitero.

Una hora después del cierre de puertas inunda el anfiteatro una espesa luz blanquecina que ilumina los rostros demacrados de los asistentes. ¿Alguien dijo rock and roll? Son las 21:00.

Retumba en la sala un acorde menor sintetizado. Huele a la misma Inglaterra moderna que vio crecer a la vanguardia del sonido europeo a principios de siglo. Todo alcanza otro color y todos los colores toman sonido. Está sonando. Está sonando. Nos están engañando con “Club Foot” porque algunas sonrisas cortan el aura. Sabemos cuál es la realidad y se llama “Days Are Forgotten”. Estos cabrones saben lo que hacen. Lo que parecía muerto tornó a la vida y lo que parecía insípido tomó sabor. Le Zenith se levanta para recibir a sus estrellas y el primer single de su último trabajo nos mezcla a todos con todos. Tom Meighan lucha con su alter ego mirándose a sí mismo en el reflejo de sus gafas. Veinte minutos son suficientes para desnudar su vista y soltar un tímido “Now I can see you”. Lo cierto es que no. Lo cierto es que no ve nada. Por eso es co-líder en Kasabian y porta los valores de los restos de la Generación Beat en sus versos.

La temperatura es extrema en medio del frío seco parisino. Quema el hard rock de “Shoot The Runner” y su puente machacón. Las voces se mezclan. El sonido es perfecto y la electrónica de Pizzorno, impecable.

Estos no son los Kasabian de 2009.

La voz toma tintes sombríos a mitad de canción y los solos de guitarra nos hacen tiritar. Aunque digo, la temperatura es extrema. Es momento de enamorarse en la Ciudad de las Ratas.

tad de los asistentes están semidesnudos y ahí arriba lucen chaquetas de más de cien euros, bien puestas y bailonas, sobre caderas rockandrolleras que saben, mejor que nadie, lo que significa rodar en este oficio.

“Velociraptor!”, el quinto tema del álbum al que da nombre, prosigue a los disparos y a los corredores y todos volamos y Ian Matthews percuta impecable sobre su humilde herramienta de trabajo. Técnica, credibilidad y saber estar son las palabras que merece en este punto del espectáculo. La llamada a la psicodelia se ha hecho realidad una vez más. Son las 21:20.

Todos lo esperamos y ellos responden. Vibra “Underdog” y Sergio vuelve a incrustar su trayectoria sonora en nuestros cerebros. No sé si aquí nos va más rápido la cabeza o el corazón.

Están limpiando su nombre y haciendo honores a las críticas positivas que les han ayudado a continuar. Son pocas. Y es normal. Y justo, también.

Pero acaban de interpretar la canción que mejor los define y, sí, Meighan se ha quitado las gafas. Quiere ver a su público y se muestra agradecido.

Ha aprendido también a interpretar el cortés “merci beacoup” de la sociedad gala. Esto es lo mejor después de 1789. Pero la sangre es sudor. La mi-

Se hace la luz entre el sonido intrincado que responde a la bandera de la banda con el bajo percutivo de Edwards. Es muy bueno. “Where Did All The Love Go?”. Todos los asistentes tararean algo cercano a la letra reivindicativa que les dio el número 30 en Reino Unido hace escasos dos años.

La música sigue su rumbo, Meighan saca a relucir su pandereta. Le encanta. Y a nosotros, también. “In this social chaos/there’s violence in the air/ gotta keep your wits about you/be careful not to stare” son las líneas que marcan el punto de inflexión acústico del concierto, aderezado ya con un fuerte componente político. Éste alza su puño izquierdo. ¿Se le habrá olvidado que está en la nación que nutrió a las corrientes liberales inglesas de política fáctica, de política real? El público no responde.

Sólo quiere encumbrar el alma colectiva a los niveles más altos del escepticismo sonoro. Dicho, y hecho.

Vienen “I.D” y “I Hear Voices”. Es un buen momento para hacer comparati-

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LVC va y analizar la calidad de las arrugas de la banda. Juzguen ustedes mismos en sus casas. Siete años de crecimiento.

Nos gusta el resultado. El tono pálido del juego de luces del comienzo ha pasado a ser un epíteto de la temperatura y ahora el rojo rallado deja entrever a Sergio reposar su guitarra (una de ellas; ya ha sacado cinco diferentes) para coger su acústica. Esto tiene un nombre y se llama “Thick As Thieves”. Retumba un Mi menor en Le Zenith. Uña y carne, así se empasta un buen directo. Y ellos lo están consiguiendo.

“Take Aim” queda ejecutado con precisión y, su sonido encrudecido, se me hace más una coda que una introducción.

Esa guitarra merece los aplausos de toda esta sala. Algunas aplauden con sus senos. Me he despistado unos segundos.

Pero no puedo parar de bailar. “Oh take aim now/oh take aim now!” Nuestros esqueletos están preparados para la batalla. Ahora sí, “Club Foot”. Volvemos al minuto cero. Potencia.

Ruido. Gritos. Berridos. El primer éxito del grupo convierte el anfiteatro en un festival de carne y flujos. ¿Vamos a explotar? Sin duda, sí. Los coros los hace el público. Es un honor.

Aunque no oigo los primeros nueve segundos de fatiga compositiva en “Re-wired”, noto ya el bajón que necesitan algunos asistentes. Cumplen con su trabajo. Nos llevan a las aristas del rythm and blues y gemimos todos en cada estribillo. Los micros se han acoplado dos veces durante unos segundos. Despidan a ese técnico de sonido. Pizzorno mira sus manos. Todos miramos sus manos. El viento metal nos golpea las sienes. Algunos ya han caído. “Empire” es un buen arma contra eso. Destaco el juego de percusiones, impecable como en estudio. De nuevo Matthews merece todos nuestros respetos. Yo por dentro le hago la

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ola. Ellas están embobadas con Tom, que ha empezado a trincarse al viento, o como se llame el azufre que estamos respirando. Necesitamos respirar hondo. La luz adquiere tonos verdes y esa atmósfera en que se cultiva el siguiente tema reposa sobre nuestras retinas ahora. Si Oasis suena a The Beatles y Kasabian suena a los de Manchester, el plato está servido: “La Fee Verte” trasforma la soberbia en apaciguamiento. La velocidad reposa ahora en la goma de nuestros zapatos. Efectivamente, todos vamos puestos de ácido y no lo sabemos. Lucy se deja ver y a los dos minutos siguientes todos danzamos alrededor de un cielo de diamantes. Verde oscuro o verde claro. Pero Verde.

“Processed Beats” no cuaja en el ambiente y la escucha se ha vuelto palabras. La gente quiere la siguiente, pero ellos se lo pasan mejor que en ninguna otra. Aquí es donde se palpa el trabajo interno de una banda. La influencia de Karloff es feroz. Ascienden de nuevo, cronológicamente, y vuelven a sumergirnos en las aguas más kasabianas con “Fast Fuse”. Para algunos, el concierto empieza a ser pesado. Para otros, es ahora el momento de observación de maduración en términos de interpretación. La voz sigue intacta, como al principio. Los redobles de Ian estás calientes, intangibles. Los más críticos estamos comiéndonos la garganta. Caen…, y vuelven a subir como la espuma. Suena a martillazos. Esto sí es rock alternativo. Viene Dick Dale. El mísimo Dick Dale, y, como no podía ser de otra forma, empieza en Mi. De nuevo. Suena “Miserlou”, una versión atrevida y fuera de contexto pero que consigue reenganchar a los que habían volcado. Todo vuelve a su sitio. Los reyes se coronan. No paran los aplausos. Yo estoy muy cachondo.

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Todos lo estamos. ¿Puede haber un tema más acertado que “Goodbye Kiss”? No. Nuestros deseos se hacen realidad y el concierto alcanza el vértice melódico que algunos esperábamos. No se ve ningún mechero. Pero nos sobran las ganas de seguir con esto. Algunos lloran por dentro, otros se mueren de humor y en todas las caras iluminadas por lo artificial de la noche se ve comodidad. Esto no puede terminar así y acierto en mis predicciones. Tom pregunta que si sabemos cómo se llama lo que suena. Van a hablar de prostitutas polifónicas. Van a cerrar, ahora sí, con “Lost Soul Forever”. Todo el componente rítmico que ha marcado la evolución del directo queda ahora roto con los bailes del público. Estamos volviéndonos locos. Están cerrando como auténticos mesías. Lo están haciendo para regresar a tocar lo que todo el mundo quiere oír, pero aún no lo sabemos.

Después de un rápido lapsus de oscuridad tras la coda del tema carcelero, todas las gradas se levantan para recibir lo que hace falta: una dosis de fuego. “Fire” nos quema, “Fire” nos golpea, “Fire” nos mueve, “Fire” arde en nuestras tráqueas y Meighan canta el ya asentado relleno del estribillo –desde Glastonbury en 2009- que afirma su creencia en lo que hace. “Lo sé, lo siento, lo quiero, tan real…”.

“Real”, la última palabra para un concierto que reafirma el status de un grupo sólido y trabajador. Pizzorno ha cogido unas maracas negras, Tom lo acompaña a capella, se despiden frenéticamente versionando “Michelle”. Tiran por la borda parte de la desembocadura del directo, pero nos hemos quedado muy a gusto. Resuenan en nuestras conciencias como reposa en nuestras retinas la llama que los mantiene vivos. Kasabian no ha fallado como otras veces. Kasabian ha demostrado.

Kasabian nos ha follado.

Por Francisco Garcia Castellano

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Mi ardiente Norte “Recuerdo aquellos jóvenes anglosajones. Ladraban hambrientos en su búsqueda de ligues, grupos ruidosos de rock and roll y lugares donde los sirvieran coktails que los enervara asalvajadamente”.

Señora: No. Paralelamente a la estridencia garajera y a la explosión de los grupos de guitarra, a mediados y finales de la década de los 60, la música negra se colaba entre los transistores musicales de las familias blancas, especialmente en Gran Bretaña. Obviamente estamos hablando, sobre todo, del Northern Soul.

Asociado al movimiento mod, el Northern Soul se trataba de un subgénero dentro del soul en pos de compaginar una electricidad rítmica que no ofrecía el soul de la motown, con la profundidad, sensibilidad y riqueza compositiva que el género conllevaba. La definida inquietud modernista en la búsqueda de artistas, grupos y sonidos que conformen el cuerpo total del iceberg de toda la música que escuchaban, hizo patente el interés de esa generación en ahondar en músicos del soul más oldie, desconocido y propulsor de alternativas musicales originales, sin perder de vista el omnipresente sello motown.

La devoción por este sonido y pertinente apertura cultural por parte de los jóvenes blancos (y negros) Británicos fue más notoria en el norte del país -de ahí Northern Soul- donde se dieron a conocer los clubs más exclusivos, conocidos y prolíficos de northern soul como “The Twisted Wheel”, “The Wigan Casino”.

Siendo estos lugares verdaderos santuarios donde artistas y grupos como Ohio Players, Billy Preston, The Velvettes o Terry Callier llegaran a los oidos de todo aquel que quisiera acercarse.

Por Luís Torrijos

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¿Qué Frontera?

Analizamos los nuevos trabajos de Antònia Font, Manel y Els Amics de les Arts

Antònia Font es un grupo nacido en Mallorca, ha conseguido algo casi imposible, que un grupo isleño sea el grupo más influyente en la nueva música catalana, e incluso ser muy influyente en el pop independiente español.

Sus melodías han sido siempre, diferentes, experimentales e impresionantes. Han sacado a lo largo de su carrera 7 Discos, 7 obras de arte, el último : Lamparetes, autoproducido y que como vereis a continuación es una barbaridad de trabajo, fruto de haber estado casi 3 años sin decir ni mu, ni conciertos ni colaboraciones, la única prueba de que seguían existiendo es la carrera en solitario de su guitarrista: Joan Miquel Oliver.

Lamparetes cuenta con 14 temas, que un antoniafontmaniaco definiría como “Muy Antònia Font y muy Joan Miquel Oliver” veamos entonces el disco en si, como nos gusta, tema por tema.

-Me Sobren paraules: Tema festivo, con su comienzo ya intuyes que el disco que tienes en la mano ha sido una buena compra. Una vez más los mallorquines han demostrado poder hacer letras complejas que llegan a los que la escuchan, hablando de algo cotidiano. De principio a fin la canción te invita a saltar, no descartamos que se pueda convertir en un hit de este verano, al menos en Mallorca y Cataluña. Lo que es seguro es que aunque no sea conocido por el fiestero de verano, no podrá evitar ponerse a saltar y hacer coros de esta pequeña obra de arte de apenas 3 minutos.

-Coses Modernes: Antònia Font, normalmente eligen con exactitud el orden de las canciones de sus discos, y este es un buen ejemplo, si le das al play y te pones a hacer otra cosa pensarás que esta canción es una continuación de la primera.

Mantienen el ritmo del disco imparable, y este tema si que es MUY Antònia Font.

-Islas Baleares: Empieza el viaje por la mente de Joan Miquel Oliver, sin perder la esencia de las dos primeras canciones empieza esta “oda” a las Baleares. Canción descriptiva de distintos paisajes de las Islas. Lo que no sabemos desde aquí es si es casi una crítica a la globalización de los pequeños paraísos baleáricos, lo decimos por el estribillo, cantado en un castellano alemanizado e incluso se simula que esta borracho. En todo caso, si conseguimos una entrevista con el grupo, será de las primeras dudas que despejemos.

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LVC -Abraham Lincoln: Empieza a complicarse el hablar de algo que hay que escuchar para describirlo. Poco a poco a medida que avanza el disco, nos vamos suemergiendo en el universo Font, canción de las de antes, de las que en un directo pueden hacerte volar, pero que escuchándola no sabes si te están tomando el pelo.

-Clint Eastwood: Fue lo primero que nos enseñaron de su primer trabajo, tiene una parecida a su canción anterior de El astronauta rimador pero suena más profunda y más trabajada, la letra es una obra de arte que nos canta la falsa historia del cineasta americano, frases perfectas como: Arriba, dos homes se li atraquen i l’investiguen volen sebre on es en Morgan Freeman, que es el negre de Million Dollar Baby, do you know? may be // Llega, dos hombres se le acercan y le investigan, quieren saber donde esta Morgan Freeman, que es el negro de Million Dollar Baby, do you know? may be.

-Icebergs i guèisers: Una vez más juegan con la transición entre tema y tema. Esta canción se convertirá seguro en uno de los nuevos himnos de Antònia Font, sobre todo para los nuevos adeptos, musicalmente es perfecta.

-Calgary 88: Será la nueva wa yeah! ?

Desde luego el juego entre la electrónica y la melodía vocal es parecida.

Este tema, va siendo poco a poco la confirmación de que nos encontramos ante un buen trabajo de los isleños, no sabemos si volverán a llenar teatros en Madrid, pero desde luego este disco sepas o no sepas catalán, no te va a dejar indiferente.

que nos tienen acostumbrados.

-Boreal: ¿El nuevo Batiscafo Katiuscas? No os podéis imaginar lo difícil que esta resultando hacer este análisis, estamos completamente seguros que Joan Miquel Oliver compuso temas como estos para poner difícil el encasillamiento del disco y por consecuencia del grupo.

-Es Canons de Navarone: Afirmamos desde La voz en Color que Antònia Font odia los fade outs y compone sus canciones para ser escuchadas seguidas en el disco, así que olvidaros de poner el aleatorio en el ipod/ itunes. Es un muy buen tema, con el que seguimos la tendencia creciente del disco, de menos a más? no. De más a menos a más el disco en sí es como una ola del mar, viene y va, pero siempre quieres que vuelva.

-Carreteres que no van enlloc: Suena como el temazo del disco, musicalmente lo vale, liricamente es muy Antònia Font. Desde La voz en Color, podemos decir que es uno de los grandes temas del disco, ¿el mejor? puede, pero como cualquier disco de Antònia Font necesita algunas escuchas para acabar de descubrir todos los pequeños matices que esconden entre sus acordes. Eso sí, de primeras este es el tema del disco.

-Pioners: No nos atrevemos a afirmar que no han hecho nada nuevo, ya que todo lo que escuchamos del disco nos recuerda a trabajos anteriores, pero lejos de ser algo negativo, es algo que en nuestra opinión es muy positivo, ya que es la confirmación de que: ¡¡¡Han vuelto!!! Este tema no es sino una prueba más de que siguen estando igual de colgados que siempre haciendo la misma música espectacular 18

-Es far de Ses Salines: Historia épica, personal y que transmite toda la ternura que cuenta su historia, como huirías de la tercera edad, cuando tienes la vitalidad suficiente como para seguir disfrutando de los pequeños placeres que te brinda Mallorca, esos paseos, esos faros, esas playas magnificas.

Es una canción que canta a la vida, a no rendirse ante una supuesta vejez. Se ha convertido en nuestro tema favorito, esperamos también que alguien haga un buen video para esta canción, esperamos no tener que ser nosotros.

-Sospitosos: Se va acabando el disco de Antònia Font, y ya tenemos ganas de volver a empezar a escucharlo, esta canción es la coronación del disco en si, cuando ya llevas 13 temas escuchados te sorprendes que aún queden buenos temas.

-Minutos Musicales: Tema instrumental, que invita a pensar que tras esta larga pausa, no nos volverán a hacer esperar tanto tiempo.

Este es el análisis de sus último trabajo, ¿qué conclusiones sacamos? Es un disco, que se va a tomar como referente en la carrera de Antònia Font, buen disco, buenos temas, y mejores músicos

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Nadie podría imaginar hace unos años que en Madrid se agotarían las entradas de un concierto de música en catalán, a casi dos meses de el mismo. Es el caso de Manel que con su nueva gira de presentación de 10 milles per veure una bona armadura ha batido todos los records esperados, desde la voz en color vamos a realizar un análisis del movimiento de música que existe ahora mismo en las zonas de habla catalana, grupos como Mishima, Antonia Font, Els Amics de les Arts y los propios Manel, están rompiendo toda barrera lingüística En esta primera parte de un artículo dividido en una trilogía analizamos al grupo Manel y su nuevo disco 10 Milles per veure una bona armadura tema por tema!!

- Benvolgut: Es la apertura del disco, es un tema magnífico en el que en una primera escucha podriais pensar que es una presentación al fan del grupo, pero cuando te paras a escuchar ves que es una carta al ex de una novia.

Canción tratada con maestría en un constante crescendo y con versos perfectos como: "Amagat en mentides, en dubtes emprenyadors, en cada intuïcio fugaç d'una vida millor, amagat en "som molt joves per tenir res massa clar " (Escondido en mentiras, en dudas empreñadoras, en cada intuición fugaz de una vida mejor, escondido en "somos demasiado jovenes para tener nada claro")

Esta apertura solo da paso a lo que es un disco mucho más maduro y trabajado que el anterior : Els millors professors europeus - La canço del Soldadet: Segundo tema, mucho más suave que el primero, es una oda a la vida, la canción de un soldadito que entre bomba y bomba escapa de la guerra, muestra el miedo del ser humano a la muerte, y poco a poco a medida que avanza el time de la canción vemos como ese soldadito podríamos ser cualquiera de nosotros, que ante una situación extrema solo querríamos dirigirnos a los seres queridos para poder abrazarlos un poco más, sin duda una de las perlas de este nuevo disco de los catalanes -El gran Salt: En nuestra opinión es de las canciones imprescindibles del 20

disco, cuando no hemos dado todo por una relación, un salto al vacío, sin saber que nos espera en el fondo del precipicio. Esta canción es sin duda una de las banderas de este disco, y seguro que en directo a más de uno nos pone los pelos de punta, el ritmo del acompañamiento, el tono de la voz, la atmósfera que crea en general la canción es algo irrepetible. Llegados a este punto no podemos darle al "stop" del disco ya sabemos que estamos ante una de las grandes obras del año.

-El boomerang: Algunos medios como jenesaispop (http://jenesaispop.com/) ha declarado que esta canción debería ser la canción del verano, ciertamente es un tema alegre, que invita a ser escuchado mecido por las olas del Mediterráneo, desde La Voz en Color, no lo vemos como EL gran tema

LVC del disco, pero por supuesto, sabemos que puede ser uno de los estandartes del grupo este verano del 2011 -La bola de cristall: El Captatio Benevolentiae del primer disco, una canción que en un principio pasará anónima y sin hacer mucho ruído pero el fruto de las escuchas la convertirán sin duda en la favorita de muchos, su rima, su tono, su todo demuestra una vez más la madurez del grupo liderado por Gillem Gisbert -Aniversari: Sin duda es el Single del disco, la puerta por la que entrarán los nuevos fans, sencilla, bonita, pegadiza y surrealista. Canción que llega a lo más profundo. Es imposible de analizar sin ver el fantástico videoclip que han realizado, un universo Daliano, de sueños y fantasías, esta canción consigue transportarte a esa parte de tí en la que las nubes aún guardan muchos secretos.

-Flor Groga: En nuestra humide opinión es la gran obra de arte de este nuevo regalo de los catalanes, no podemos dejar de escucharla, una y otra vez, ese principio demoledor con esos tambores, la voz de Guillem, todo es armonia no podemos decir mucho más que cerreis los ojos y escuchéis estos fantásticos acordes perfectamente cosidos a esta canción -Criticarem les noves modes de pentinats: "tema espectacular que brilla, principalmente, por lo que cuenta (“Y los momentos de mirar hacia atrás te harán gracia y te harán daño. Y quizá no seré tu amigo, ni tendré nada que ver con si eres o no eres feliz. Ya me veo en forma de recuerdo medio triste que se te cruza por la cabeza una mala tarde. Y quizá dormiré abrazadito a una mujer a la que casi no le habré explicado quién eres”)" via jenesaispop (http://jenesaispop. com/) No podemos estar más de acuerdo con ellos, tambien decir que es una canción de las que tienes que prestar más atención para poder captar perfectamente el Mensaje.

-El Miquel i l'Olga tornen: La canción con más vida del disco, alegre, acompañada por palmas y una magnífica voz femenina que es una compañera perfecta para la grave voz de Guillem, es una canción que de por si sola te da los motivos suficientes para escuchar el disco de nuevo, suena a final alegre, final feliz.

Queremos destacar la parte de diálogo que tiene la canción: -Olga t'he portat una Rosa -Jo a tu unes Margalides -Escolta, estava pensant, aquesta vegada es la bona no? - Va calla i dóna'm la mà (-Olga te he traido una Rosa - Yo a ti unas Margaritas - Escucha, estaba pensando, ¿esta vez es la buena no? - Va calla y dame la mano) -Deixa-la, Toni: Crea discrepancia, a lo mejor se la podrían haber ahorrado, pero nos fiamos de ellos, y sabemos que esta canción dura, se podrá escuchar y entre todos le acabaremos cogiendo cariño, no sabemos si en los directos utilizan esos "coros gregorianos" pero seguro que sin los coros, la canción adoptaría otra tónica.

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LVC

La historia de este disco es, sin duda, un cumulo de casualidades. Estar estudiando en Madrid no es un ventaja a la hora de descubrir nuevos grupos que canten en catalán. Navegando por la red, encontré una portada curiosa, era el disco Bed & Breakfast...Abrir Spotify, escuchar el opening ( Jean Luc ) y hacer el pedido por Internet y una vez en mis manos, no he podido olvidar ese viaje de tren acompañado de un Discman.

-Jean Luc: Es el single sin discusión alguna. Canción perfecta, rompe la norma del single fácil y flojo, al contrario, es de lo mejorcito que puedes encontrar en tan magnífico disco. Habla de algo que seguro que te ha pasado alguna vez, esa noche que creías mágica, sin posibilidad de fallo, pero no, te hacen un "Jean Luc" con todas las letras, himno pagafanta, y excelentísima canción.

-4-3-3: Una cita, un juego de estrategia sin duda, nunca podremos describir la tensión de una cita como se describe en esta canción de 4:33.

Preparación, inicio del partido, gol

en contra tensión final, victoria. Está canción seguro que puede hacer que vibres recordando esas agobiantes citas en las que no eras capaz de ver el final. Sin duda el disco, hasta este momento, es perfecto.

-Les Meves Ex i tu: Si fuese en inglés seguro que estaría petando todas las discotecas. Ahora en serio, probablemente nos encontremos ante el tema más pop del disco, el momento de dejarlo con una novia, sabemos que es duro, pero ten claro que siempre puede fallar. La canción en si se pega, ya sea por su estribillo por su final "Tu vius al planeta piruleta! (Vives 22

en el planeta Piruleta) -Liverpool: Hasta ahora el disco había empezado con un ritmo frenético, entra la primera canción lenta, pero aún así la emoción ya es máxima al llegar al primer estribillo. Me atrevería a decir que la canción está inspirada en la obra de Manuel de Pedrolo "Manoscrit del segon origen" Es el momento de los mecheros en alto, aún así, lejos de calmarte, esta canción te abre el apetito, queremos más.

-L'home que va matar Liberty Valance: La canción más floja del disco, aún así no dejan de revindicarla en los distintos directos que hacen, aun si no se

LVC aleja de la tónica general del disco, es una canción sin más, que en mi opinión sería una buena canción en un disco con malas canciones, teniendo las compañeras que tiene, es normal que esté eclipsada

especial, representa a la Amelie que hay en la vida de cada uno de nosotros.

-Super Bon Noi: Es la canción más inocente del disco, se puede resumir en el momento que sabes que ya haces todo lo que puedes pero aún así no lo consigues, letra divertida, melodía inolvidable.

-La merda se'ns menja: Si tenemos en cuenta que la primera escucha del disco fue en un tren de cercanías, el principio de la canción aparta cualquier duda sobre mi veredicto, es una pedazo de composición y tiene uno de mis versos preferidos de todo el disco: "I si plou no passa res, quin sonat va inventar es paraigües"(Y si llueve no pasa nada, ¿que loco inventó el paraguas?

-Armengol: La canción que desearas que llegue una vez que la hayas escuchado, si tienes un amigo que le gusta este grupo, te lo pasas genial cantándola a dúo en el coche, o si no es mucho pedir los amigos son cuatro, intentar imitarlos es lo más divertido que puedes hacer en un atasco. Obra maestra que anuncia un final apoteósico del que puede que sea el mejor disco del año pasado.

-L'home que treballa fent de gos: Otro single del disco, fantásticamente dura y divertida, ese personaje que consiguen presentarnos como un pequeño desgraciado pero al que acabas tomando cariño. Historia peculiar, canción exquisita.

-Bed & Breakfast: No existe mejor forma de acabar un disco que con esta canción, pura energía, y si dejas volar la imaginación verás un auténtico musical, la teatralidad se apodera de los músicos y ponen punto y final a un gran disco. Un 10 como una catedral a esta canción.

-Reykjavic: Es una de las baladas del disco, triste, muy triste, pero aún así no deja de ser bella. Comparaciones espectaculares, canción que no debes escuchar si estas pasando por un bache amoroso, porque consiguen calcar esa sensación de vacío que crea una separación, sea amistosa o forzada "Ens seguirem trobant al llit (nos seguiremos encontrando en la cama)"

Con esta última canción podemos dar por finalizado el análisis del disco de Bed & Breakfast pero os animamos a sumergiros en el mundo de Els amics, ya que cada disco que han publicado antes de este, es una maravilla.

Por Álvaro Cobarro

-Els binocles d'en Pere: Canción que escucharía siempre paseando un día soleado, de camino a una cita, es alegre, describe a una chica que, más de uno nos encantaría conocer, esa chica inexpugnable, imposible, y no por ser famosa, por ser

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