Curso: Arte y Comunicación lll Asignación: Movimientos de Vanguardia Grupo del Aula: 35051 Grupo: 2 Alumno(s): Pamela Rodríguez 2013- 1902 Estephany Pérez 2013- 1994 Loren Peña 2013- 2753 Isabela Ovalles 2013- 1935 Arisleiny Rosario 2013-2537
ÍNDICE 1. Historia del Op Art o Arte
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Cinético 2. Como Funciona el Op Art
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3. El Futurismo
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4. El Hiperrealismo
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5. Características del Hiperrealismo y Pintores
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1. Op Art El Arte Óptico es un movimiento pictórico nacido en los Estados Unidos en el año 1958, conocido mayormente por su acepción en inglés: Op Art; abreviación de Optical Art. El Arte Óptico es una corriente artística abstracta, basada en la composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas. Se utilizan estructuras de repetición con un orden claro. Frente a otras tendencias racionales, el Arte Óptico se basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inéditos. Se trata de un arte impersonal, técnico, en el que queda abierta, a veces, la posibilidad de que el espectador modifique la configuración que ofrece. Surge como una derivación de la abstracción geométrica. El Op-Art se caracteriza por varios aspectos:
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La ausencia total del movimiento real, todas sus obras son físicamente estáticas, lo cual lo diferencia del Arte cinético. ● Se pretende crear efectos visuales tales como movimiento aparente, vibración, parpadeo o difuminación. ● Usa los recursos de líneas paralelas, tanto rectas como sinuosas, contrastes cromáticos marcados, ya sea poli o bicromáticos, cambios de forma y tamaño, combinación y repetición de formas y figuras, entre otros recursos ópticos. Usa también figuras geométricas simples, como rectángulos, triángulos y circunferencias en tramados, combinaciones o formaciones complejas. ● En muchos casos el observador participa activamente moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente. ● Se usa el acrílico para obtener superficies lisas, limpias y muy bien definidas. ● El artista del Op-Art no pretende plasmar en su obra sensaciones o situaciones, no existe ningún aspecto emocional en la obra. Representantes del Op-Art: ● ● ● ● ●
Víctor Vasarely Jesús Rafael Soto Bridget Riley Kenneth Noland Lawrence Poons
Victor Vasarely, Vega-Nor, 1969
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Bridget Riley, Arrest 1, 1965, Emulsion on Canvas
Kenneth Nolan, Blue Extend,1962
Arisleiny Rosario 2013-2537
2. ¿Como Funciona el Op Art? El Op Art se basa en la composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas, o sea que funciona para crear ilusiones ópticas, ya sea
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como si se esta moviendo, estan dando vueltas en circulos, estan viniendo hacia a ti, etc. Hay casos en las que estas ilusiones con las líneas y fondos forman alguna figura. Por Ejemplo las siguientes imágenes:
Bridget Riley, Britannia (1961) emuslion on cardboard, 56×61
Víctor Vasarely – “Broey Neg” (1989)
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Víctor Vasarely – “Zebras Playing”
Isabela Ovalles 2013-1935
3. El Futurismo El Futurismo es un movimiento literario y artístico que surge en Italia en el primer decenio del S. XX mientras el Cubismo aparece en Francia. Gira en torno a la figura de Marinetti,
Filippo Tommaso Marinetti/ Altervista.org
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quien publica en el periódico parisiense Le Figaro el 20 de Febrero de 1909 el Manifiesto Futurista. Proclama el rechazo frontal al pasado y a la tradición, defendiendo un arte anticlasicista orientado al futuro, que respondiese en sus formas expresivas al espíritu dinámico de la técnica moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades. Fue llamado así por su intención de romper absolutamente con el arte del pasado, especialmente en Italia, donde la tradición artística lo impregnaba todo. Quieren crear un arte nuevo, acorde con la mentalidad moderna, los nuevos tiempos y las nuevas necesidades. Para ello toma como modelo las máquinas y sus principales atributos: la fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el movimiento y la deshumanización. Sus ideas revolucionarias no deseaban limitarse al arte, sino que, como otros muchos movimientos, pretendían transformar la vida entera del hombre. La estética futurista difunde también una ética de raíz machista y provocadora, amante del deporte y de la guerra, de la violencia y del peligro. La característica principal del futurismo es la plástica del dinamismo y del movimiento. El efecto de la dinámica se transmitía en vibrantes composiciones de color que debían producir un paralelismo multisensorial de espacio, tiempo y sonido. Al principio, se valieron para la realización de sus objetivos artísticos de la técnica divisionista, heredada del neoimpresionismo y más tarde se aplicó la técnica cubista de abstracción como procedimiento para desmaterializar los objetos. A partir de estas premisas, la representación del movimiento se basó en el simultaneismo, es decir, multiplicación de las posiciones de un mismo cuerpo, plasmación de las líneas de fuerza, intensificación de la acción mediante la repetición y la yuxtaposición del anverso y del reverso de la figura. Los pintores extraen sus temas de la cultura urbana, máquinas, deportes, guerra, vehículos en movimiento, etc., eliminando progresivamente todo populismo o simbolismo. Umberto Boccioni Cultivó el puntillismo en algunas ocasiones, en otras empleó la línea curva, y más tarde, las rectas. En La ciudad se levanta su dinámica es curva, mientras que La fuerza de la calle o Dinamismo de un ciclista se organizan en disparatadas rectas, formalmente próximas al cubismo, pero diferenciadas en su aspiración a un movimiento frenético, casi desesperado. Autoretrato/ Wikipedia
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Dinamismo del Ciclista/ Wikipedia
Visioni simultanee/ Wuppertal.com
Idolo Moderno/ Arthaneum.com Giacomo Balla
Sus primeras obras, Interpretaciones Iridiscentes, Vuelos rápidos y Líneas de velocidad dieron el impulso y ritmo a las experimentaciones de los primeros años del futurismo. Giacomo Balla/ Wikipedia.com
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Trabajó fundamentalmente sobre los aspectos ópticos del movimiento en obras como:
Auto en Course/ Bittleston.com
Velocidad de una Motocicleta/ Bittleston.com
Gino Severini
En Pan Pan en Mónaco conserva parte la de figuración para fragmentarla y destrozarla dentro de sus ritmos vertiginosos. Su pintura más importante es El tren blindado y Bal Tabarin es otra de sus obras más características.
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1913/ Pasqualeart.org
Pan Pan en M贸naco/ ArteCultura.blogspot.com
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El Tren blindado/ Es.Wahooart.com
Bal Tabarin/ Flickr.com
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Carlo Carrá Se Interesó por el divisionismo de Seurat y su evolución posterior lo llevó hacia la pintura metafísica. Funeral del anarquista Galli.
Carlo Carrá/ theartscouncil.org
Funeral del anarquista Galli 1911/ Futurismo.blogspot.es
El movimiento futurista falleció con la Primera Guerra Mundial, sus miembros se fueron dispersaron en varias direcciones. El futurismo fue un paso más en la marcha del arte contemporáneo en su proceso de desintegración de la forma y el eslabón inmediato al dadaísmo y al surrealismo.
Pamela Rodríguez 2013-1902
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4.El Hiperrealismo El Hiperrealismo se define como una corriente artística iniciada en los Estados Unidos en la década de 1960 y que se basa en la reproducción detallista y casi fotográfica de la realidad. El término hiperrealismo, proviene del francés Hyperréalisme, y a su vez del término del fotorealismo, acuñado por Louis K. Meisel en 1969. También se puede llamar superrealismo, el nuevo realismo o realismo focus sharp. El Hiperrealismo busca mantener en la pintura la conexión con la visión fotográfica del encuadre y la traducción fiel de la escena. Por tanto, los temas son representados con exactitud minuciosa e impersonal en los detalles, por medio de una agudeza óptica llevada a cabo con tal virtuosismo técnico, que supera la "visión" del objetivo fotográfico. El Hiperrealismo tiene un origen en la tradición pictórica estadounidense. El arte pop es el precursor inmediato del hiperrealismo, pues toma la iconografía de lo cotidiano, se mantiene fiel a la distancia de su enfoque y produce las mismas imágenes neutras y estáticas. Pretende ofrecer una versión minuciosa y detallada de las imágenes. Los artistas hiperrealistas tratan de buscar, con el más radical de los verismos, una transcripción de la realidad usando los medios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes. Consiguen con la pintura al óleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la fotografía. En América del Norte, donde el Pop Art había arelado profundamente, el hiperrealismo se trabajaba a partir de la reproducción pintada de los objetos de consumo
y
de
las
imágenes
publicitarias
correspondientes.
En
esta
línea
encontramos la reproducción manual de fotografías, lo que constituye la esencia del hiperrealismo americano. En Europa, el hiperrealismo no suele tener connotaciones del Pop Art y se impregna de un lirismo casi surrealista.
Loren Peña 2013-2753
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5. Características del Hiperrealismo 1. Los temas son representados con exactitud minuciosa e impersonal en los detalles, por medio de una agudeza óptica llevada a cabo con tal virtuosismo técnico, que supera la "visión" del objetivo fotográfico. 2. En algunos casos se utilizan grandes tamaños de cuadros y pintura plana, que aspiran a producir la impresión de inmensas ampliaciones fotográficas. 3. Se acerca a una supuesta objetividad visual en la representación de retratos, naturalezas muertas, interiores y paisajes, a través de un singular método de trabajo que compagina técnica y disciplina. 4. Intervienen los más modernos recursos infográficos junto a una superficial aplicación del color, por medio de veladuras y empastes y una destreza en el atrapamiento de la luz en el lienzo.
Características de la Pintura Hiperrealista Uno de los rasgos identificativos de la pintura hiperrealista es el acabado limpio y cuidado de las obras, cuyos artistas se esfuerzan por reproducir de una forma exacta y meticulosa, tanto en lo que respecta a la forma, como a la luz y al color. Otro de los rasgos identificativos es el esfuerzo que hace el artista por no dejar rastro alguno del pincel, siendo este detalle, de hecho, uno de los aspectos más frecuentemente comentados en las exposiciones de pintura hiperrealista. Una tercera característica es la representación de los motivos en el plano detalle a gran escala, con lo que se consigue un cierto nivel de abstracción, teniendo en cuenta que se separa el motivo de su entorno.
Características de la Escultura Hiperrealista Recoge temas cotidianos, con un toque de humor, señala los aspectos más banales de la vida y gracias a nuevos materiales como la fibra de vidrio que da una gran realidad. Las esculturas aparecen a escala humana, y una vez colocadas en las salas de exposición se entremezclan con el público, jugando con el engaño al espectador.
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Principales Exponentes de la Pintura y Escultura Hiperrealista ❏Chuck Close (Pintura) Para crear sus obras, close pone una malla sobre la foto y sobre el lienzo y copia celda por celda. Sus primeras herramientas incluyen un pulverizador, retazos de tela, cuchillas, y una goma de borrar montada sobre una máquina taladradora. Su primer cuadro con este método fue su gran Autorretrato, una ampliación de su cara en blanco y negro sobre un lienzo de 2.73m por 2.2m, realizado durante 4 meses en 1968.
“Mark” - Chuck Close
❏Richard Estes (Pintura) Sus cuadros consisten generalmente en retrospectivas de ciudades alejadas y en paisajes geométricos de ambiente urbano en donde los automóviles, formas de vestir, carteles publicitarios y escaparates, representan en ambiente de la época. Una de las características de su pintura es la compleja utilización de las superficies con luz refractada, desde 1967 comenzó a pintarlas, y desde entonces le han acompañado en sus obras, edificios reflejados en estructuras cristalinas y lisas como los escaparates, ventanales, etc. A veces también produce reflejos deformados y a veces difuminados en superficies no lisas y uniformes como son las olas de agua en movimiento.
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❏Duane Hanson (Escultura) Es uno de los precursores más reconocidos de finales del Siglo XX y precursor del Hiperrealismo. El tema principal de la obra de Hanson es la persona, por lo que para realizar la mayoría de sus esculturas elegía un ciudadano medio, anónimo, de cualquier edad. <-- “Traveller” - Duane Hanson En su búsqueda de la singularidad de lo cotidiano, captura estereotipos de la sociedad americana de los años 70 a los 90 y recrea figuras de personas corrientes en actitudes.
“Old lady”
“Dockman”
“Seated artist”
❏Ron Mueck (Escultura) Las esculturas de Mueck reproducen fielmente los detalles del cuerpo humano, pero juega con la escala para crear imágenes que nos sacuden.
“Boy” - Ron Mueck
“Es una niña” - Ron Mueck
Estephany Pérez 20131994
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