Revista sketch by Liced Aza Estrada

Revista Sketch es un medio pensado para que los artistas conozcan e intercambien técnicas y consejos con colegas de todos los continentes. Reportajes, entrevistas,mùsica, crónicas y toda una selección de textos que retratan la movida cultural alternativa los estilos de vida,pensamientos,desvarios y creaci0nes del artista que se expresan a través de las manifestaciones culturales emergentes en donde se pueden encontrar y disfrutar las mezclas que representan los diferentes artistas, sea graffiti, street art, arte urbano o arte callejero. Un medio de socialización e intercambio de conocimientos técnicos, artísticos, sociales y culturales, donde tienen cabida los expertos, nuevos artistas y todos aquellos interesados en conocer las manifestaciones culturales que se están produciendo.

staff

DIAGRAMACIÓN

Liced Aza Estrada

COLABORADORES

Ana Marìa Fries Gustavo Casadiego Catalina Obregòn Piedad Gomez Alonso Restrepo Jorge Vergel Ricardo Santamaría Felipe Villanueva Carlos Martinez

EDICIÒN FOTOGRÀFICA

Liced Aza Estrada

FOTOGRAFÌA

Marta Arango Edison Herrera Camila Gomez Ana Hennao Mugre Diamante Adrian Hernandez Franco Solarte Guillermo Aponte Sole Arciniegas Augusto Delgado Revista Bacanika

Contenido

noticias Esto también es arte: ejemplos de Street Art para debatir Los dueños de la calle

El dilema filosófico de conservar el arte callejero, según DJ Lu Graffitón

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deportes Gonoraiders ‘‘Patanería Responsable’’

Slako Colombia Slacklines: Equilibrio Total

El arte urbano revitaliza el barrio Santa Fe

Wepa y los surfistas de Ladrilleros

El viaje ancestral en el grafitti de Guache

“Pienso rodar hasta que sea muy anciano”

historias Asì son las trincheras de los artistas

MÚSICA El paìs de la Etnnia

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Música colombiana en Deezer, más allá del vallenato y el reggaetón

Florecita Rockera bajo la voz de Goyo,Catalina García, Andrea Echeverry

perfiles Ferizuku

Un moco muy dulce

Ledania

Elliot Tupac

recomendados De artista a concursante

Pegatina Criolla

“La Guía’’ Cómo hacer Musgo Graffiti paso a paso

Datos callejeros

Handiedan

Andre Calle

¿Cómo Hacer Un Escáner De Negativos Casero?

Ser artista no es dárselas de artista

Plantillas grandes plegables.

Dibujar Letras Graffiti guía sencilla para la estructura de la letra

SITIOS WEB

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AGENDA

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Esto también es arte: ejemplos de Street Art para debatir Las ciudades ofrecen un turismo diferente siguiendo a estos artistas urbanos.

os artistas de Street Art no suelen considerarse a sí mismo grafiteros, ya que la diferencia principal entre ambas disciplinas radica en que mientras un graffiti es comúnmente el apodo en forma de firma de quien lo realiza, el arte urbano va un paso más allá dotando al soporte en el que se realiza de un mensaje, una expresión, una interacción entre los elementos urbanos y sus creaciones. Cada vez más aceptado, es una forma de acercar el arte a todo el mundo, ya que sin darnos cuenta nos topamos con él caminando. O incluso lo vamos incluyendo en nuestros planes de viaje. Mucho más aceptado que el graffiti convencional, el Street Art nos acerca a diversas disciplinas plásticas y ha pasado a convertirse en todo un fenómeno, logrando atraer la atención hacia el arte de todo tipo de personas. No en vano, está en la calle, fuera de museos y salas de exposiciones, en cualquier rincón de cualquier ciudad. Tanto es así, que en muchas ciudades se realizan recorridos guiados a través de sus obras más destacadas, promocionando una forma de turismo en crecimiento: salir a recorrer las calles a la caza de la obra de artistas que en muchos casos, se están haciendo un nombre y son incluso requeridos por ayuntamientos de todo el mundo para que realicen trabajos en sus muros, edificios municipales etc. El Street Art no es algo nuevo ni todos quienes lo realizan tienen la misma forma de vestir, de ver la vida etc. Aquí nos quitamos los estereotipos y nos fijamos, por ejemplo, en el pintor vasco Ibarrola, que pintó un bosque haciendo que, según la perspectiva que tomemos, veamos líneas de colores o figuras (anamorfosis), o sus famosos Cubos de la Memoria en el puerto de Llanes, bloques de hormigón pintados con numerosos colores y patrones. Y ¿quién no recuerda por ejemplo la Cow Parade? Esa exposición de vacas de fibra de vidrio que sigue recorriendo el mundo.

Pasos de peatones Cualquier soporte urbano es adecuado para crear una obra de arte, haciendo que el trabajo y el elemento sobre el que se pinta o el más próximo a él interactúen a capricho del autor. Un proyecto más actual que ha tenido una gran trascendencia en ese sentido fue el realizado por el colectivo Boa Mistura en Madrid y Barcelona en el que, a fin de humanizar las ciudades, escribieron versos en los pasos de peatones. Tal fue la repercusión, que su nombre terminó de consolidarse y la gente organizaba tours para encontrarlos todos y fotografiarlos.

«Paisajes de Paz» Este grupo de artistas, realiza diversas intervenciones a nivel mundial y transforman edificaciones en desuso, para integrarlos en el entorno y dotarlos de significado más humano. Como los realizados con los antiguos nidos de ametralladora de las playas de Sa Rápita y Es Trenc, que se construyeron como defensa durante la II Guerra Mundial y quedaron abandonados. Boa Mistura hizo una intervención llamada «Paisajes de Paz», pintó de blanco (color típico mediterráneo) las construcciones bélicas y añadió versos del poema Cala Gentil del poeta mallorquín Miquel Costa i Llobera.

Obras en paredes También hay artistas urbanos que en sus obras callejeras pareciera que usaran las paredes como lienzos de cuadros tradicionales. Es el caso de Gonzalo Borondo que, a través de sus murales, nos transmite la impresión de que un gigante ha tomado los pinceles y ha creado cuadros melancólicos en los edificios. Esculturas en bronce Pero no solamente se trata de pintar. Al igual que el arte en los museos, que comprende diferentes espacialidades, el arte urbano también se vale de diversas técnicas. Es el caso por ejemplo de las esculturas en bronce que recrean oficios pasados o escenas de la vida cotidiana, y que los transeúntes aprovechan para fotografiarse interactuando con ellas, imitando sus poses etc. Proliferan en muchas ciudades siendo un reclamo turístico más.Se trata en definitiva de callejear cámara en mano, de investigar, de descubrir las ciudades desde un punto de vista diferente y vivir el arte fuera de los museos

NOTICIAS

los dueños de la calle Un nuevo libro reúne el trabajo de cuatro bogotanos que se dedican al Street Art, una expresión artística que cada vez es más popular en la ciudad.

l arte callejero o Street Art no es una práctica nueva: sus orígenes se podrían remontar al día en el que un hombre pintó por primera vez una figura sobre una pared. Es decir que existe casi desde el inicio de la historia del arte. Pintar sobre los muros de edificios y calles ha sido una constante desde el arte rupestre: durante el Imperio Romano, en el Renacimiento y en la Edad Media. Ya en el siglo XX, varios artistas, como Yves Klein o Jean-Michel Basquiat, hicieron obras en espacios públicos. De hecho, en París fue una práctica muy común entre ciertos pintores en los años cuarenta y cincuenta. Sin embargo, el Street Art como movimiento empezó en Filadelfia, Estados Unidos, en los sesenta. Entonces se conocía como ‘Bombing’: un grupo de artistas bombardearon los muros de la ciudad con mensajes de protesta. El movimiento se trasladó rápidamente a Nueva York, específicamente al Bronx, donde los jóvenes empezaron a rayar los muros de las estaciones de metro con todo tipo de imágenes. El boom de esta manifestación, que empezó a conocerse como grafiti, estaba estrechamente relacionada con el nacimiento de géneros musicales como el rap, el hip hop y el breakdance. “Son expresiones urbanas que están ligadas y no se pueden entender la una sin la otra”, Diego Jiménez, un grafitero que organiza desde hace cuatro años el Festival de Grafiti Tercer Mundo en Bogotá. Durante los ochenta, las autoridades neoyorquinas le declararon la guerra a los grafiteros y aplicaron medidas de represión muy fuertes en su contra. Esto obligó a que el polo del arte urbano se desplazara a París, Berlín y Londres. En Inglaterra se esparció por varias ciudades y alcanzó su cúspide en Bristol, donde Banksy, un famoso artista anónimo, empezó su carrera. En ese momento también se empezó a diferenciar entre grafiti y Street Art. El primero es una intervención rápida con pintura de latas de aerosol, mientras que el segundo es una intervención de un espacio urbano en la que se utiliza una técnica y materiales más profesionales. De hecho, para algunos, el Street Art se puede considerar como el ‘post-grafiti’.

“Son expresiones urbanas que están ligadas y no se pueden entender la una sin la otra” Hoy el arte callejero se exhibe incluso en museos y galerías. En Latinoamérica el grafiti llegó primero a Brasil. En São Paulo y Río de Janeiro se encuentran algunos de los artistas más representativos del género, como Pues también en los márgenes”, escribe Jaramillo. Los hermanos Otávio y Gustavo Pandolfo, llamados Os Gêmeos. En Colombia este movimiento empezó a surgir en los noventa y se consolidó en la década pasada. Hoy, en Bogotá –ciudad que, junto a Medellín, lidera el movimiento– hay varios espacios intervenidos y trabajan muchos artistas como Bastardilla, Deadbird, Seta, Chac y Zokos, entre otros.

Justamente la semana pasada se lanzó el libro Calle esos ojos, una publicación independiente que reúne el trabajo de cuatro de los artistas urbanos más reconocidos de Bogotá: Toxicómano, Dj Lu, Guache y Lesivo. El libro ya había sido presentado en la pasada Feria del Libro, pero los artistas decidieron hacer un nuevo lanzamiento en el que intervinieron un espacio de la Casa Ensamble, ubicada en el Parkway. Calle esos ojos tiene un prólogo del escritor Darío Jaramillo en el que afirma que la pintura ha encontrado una nueva vida en las calles.“Sin museos, sin galerías, acorralada por la moda y el culto a la firma, ¿dónde demonios se refugió el arte de pintar? Pues también en los márgenes”, escribe Jaramillo. Los cuatro artistas se conocieron hace ocho años gracias a su afición por el grafiti. Poco a poco fueron depurando sus técnicas y su estilo y decidieron armar un colectivo. Empezaron a intervenir espacios abandonados de la ciudad: “Nunca tenemos un lugar predeterminado. Simplemente vamos y pintamos en sitios abandonados y les damos vida. La calle es un lugar que nos pertenece a todos. Lo que pretendemos es que a través de la pintura se dé un vinculo, un diálogo entre los ciudadanos”, Toxicómano. Todos tienen estilos y técnicas diferentes: algunos utilizan el esténcil o la pintura en aerosol, mientras que otros trabajan con rodillo, vinilo y pinturas de agua. Todos coinciden en que hay un auge del movimiento en la capital. “En Bogotá se ha dado algo que no ocurre en muchas ciudades y es que se ha masificado el arte urbano. Hay muchos estilos y artistas, lo que nos habla de una descentralización de formas, técnicas y ubicaciones. Se pueden encontrar obras en Usme, Soacha, San Cristóbal o Chicó”, Lesivo. Aunque existe en casi todas las ciudades del país, en Bogotá se ha profesionalizado. Las zonas donde más se dan estas expresiones son en Chapinero, Suba, Engativá y a lo largo de la carrera 30. La idea de estos artistas es retomar las calles: “La calle se está usando cada vez más para el tránsito, para ir de un lugar a otro en su carro y no interactuar con nadie. La propuesta que yo tengo está precisamente enfocada en la visibilización de lo que ocurre allí”, le dijo a esta revista Dj Lu. Las prácticas del arte urbano todavía están prohibidas en la capital. Por eso estos artistas prefieren no dar sus nombres reales y tienen que trabajar en horas en las que la Policía no los detenga. Sin embargo, desde el año pasado la Secretaría de Cultura está impulsando un proyecto para que se legalice la intervención de ciertos espacios: es decir que habría unas zonas específicas en las que sería permitido pintar. Para los artistas esta es una buena iniciativa pero, como dice Diego Jiménez: “Contradice la esencia del arte callejero, que es la rebeldía”.

Banksy, el Picasso del Street Art Aunque es uno de los artistas más cotizados hoy en día, pocos le han visto la cara a Banksy. Es un enigma. Nació y empezó su carrera en Bristol, Inglaterra, y poco a poco empezó a convertirse en un referente de la resistencia civil y el ‘arte guerrillero’. Varios turistas viajan a Bristol y Londres para ver las primeras intervenciones. Su trabajo, hecho solo con moldes de cartón y aerosoles, ha llegado a galerías y museos de todo el planeta. Su documental, Exit Trough the Gift Shop, se convirtió en un fenómeno de taquilla y fue nominado el año pasado al premio de Mejor Documental en los premios Óscar. No se sabe mucho más de él. En 2003, The Guardian logró entrevistarlo cara a cara y publicó que Bansky parecía un joven común y corriente de cualquier suburbio londinense. El artista le confesó al diario que sus padres creían que era un decorador de interiores. Lo que no saben es que su hijo partió en dos la historia del arte urbano

NOTICIAS

El dilema filos贸fico de conservar el arte callejero, seg煤n DJ Lu El artista bogotano es uno de los curadores del Street Art Project de Google, abierto este martes.

Un rasgo distintivo del auténtico arte urbano es que suele ser anónimo l artista colombiano Dj Lu, uno de los ‘curadores’ de la nueva colección de arte urbano de la plataforma Art Project de Google, afirmó este martes a Efe que el proyecto le ha planteado una inquietud filosófica, pues “la esencia misma de este tipo de arte es desaparecer y lo que va a hacer es conservarlo”. Dj Lu, que quiere preservar su identidad, pues considera que un rasgo distintivo del auténtico arte urbano es que suele ser anónimo, es docente en una universidad bogotana y tiene 40 años, según dijo en una entrevista con Efe con motivo del lanzamiento hoy de Street Art (g.co/streetart), una nueva alianza de la tecnología y el arte de la mano del mayor buscador de internet del mundo. Street Art reúne 5.000 imágenes de obras de arte urbano de 15 países y es la última colección añadida al Art Project de Google, que desde 2011 ha puesto a disposición de la gente más de 40.000 fotografías de piezas artísticas de unos 400 museos e instituciones culturales de todo el mundo. Un rasgo distintivo del auténtico arte urbano es que suele ser anónimo Dj Lu y los otros tres miembros del colectivo Bogotá Street Art, que usan los nombres artísticos de Guache, Toxicómano y Lesivo, forman parte de un grupo de expertos de 15 países que han colaborado con Google en la creación de Street Art. De América Latina, además, han participado los grupos Buenos Aires Street Art, Estilo libre y Graffitimundo, de Argentina; São Paulo Street Art, de Brasil; dos “Museos a Cielo Abierto” de Chile, el de La Pincoya y el de San Miguel, y All City Canvas de México.Dj Lu señala que él, Guache, Toxicómano y Lesivo incorporaron a la plataforma 104 fotografías que representan obras de 70 artistas bogotanos, solo “una pequeña muestra” de las muchas obras de arte urbano que hay en la capital. Aproximadamente hay 10.000 personas, según Dj Lu, que “intervienen el espacio público” bogotano, entre grafiteros, artistas, carteleros o barristas (los miembros de las “barras” de fútbol que escriben mensajes), según quedó de manifiesto en distintas reuniones que sostuvo esta comunidad a raíz de un decreto municipal que regula su actividad. Los artistas de Bogotá Street Art se dieron a conocer en 2012, cuando editaron ‘Calle esos ojos’, un libro autogestionado y diseñado por ellos mismos sobre arte urbano, con una tirada inicial de 2.000 ejemplares que se agotó a los pocos días. “Ese libro nos abrió muchas puertas”, dice Dj Lu, y una de ellas fue la de participar en Street Art de Google. Entre las obras seleccionadas por ellos no hay grafitis ni carteles, porque consideraron que, al tratarse de un proyecto internacional, era mejor algo visual y no escrito, para evitar traducciones e interpretaciones.En cuanto a la temática de las obras, Dj Lu dice que es “diversa como lo es la ciudad” y destaca el hecho de que la política no tenga más “relevancia” que otras áreas en el arte urbano de Bogotá, teniendo en cuenta las particulares circunstancias de Colombia. La obra en la calle suele ser efímera y Street Art va a servir para preservarla para la posteridad, algo que al artista colombiano le plantea un dilema filosófico. Dj Lu calcula . 20 por ciento de las obras seleccionadas por su grupo para Google ya no existe, pues han sido borradas o tapadas y, por ello, está contento de que aun así vayan a estar disponibles para el público en Google Street Art, como ocurre con otras incluidas en el libro ‘Calle esos ojos’. Sin embargo, se pregunta si eso mismo no va contra “la esencia misma del arte urbano, que es desaparecer” y “la idea básica de libertad que encarna la práctica urbana”. Él mismo se responde: mientras no se traicionen “los pilares fundamentales” del arte urbano, entre los que destaca el que no haya jueces que decidan si una obra es buena o mala, como ocurre con los críticos en el arte tradicional, las iniciativas como Street Art son “muy válidas e importantes”

NOTICIAS

Graffitón El pasado viernes 5 de febrero, el grafitero Odyo fue gravemente herido al intentar ayudar a una mujer en aprietos. La cuenta en la clínica Marly asciende a 21 millones de pesos. Visaje Graffiti está organizando para este 19 de abril una subasta (con obras de DjLu, Chirrete Golden, Lesivo, entre otros) con el fin de recolectar ese dinero.

dyo (Cristóbal Segura Polo) aseguró que no quiere “armar más fama” con la situación violenta en la que se vio envuelto el pasado 5 de febrero al tratar de defender a una chica que estaba siendo golpeada por un grupo de hombres. La pelea se dio en la carrera séptima con calle 50, en Bogotá. El escritor de grafiti acababa de enviar a casa a una amiga que llevaba un par de tragos encima. Cuando se percató de lo que estaba sucediendo, le hizo el reclamo a uno de estos hombres. “En realidad no fue que me diera cuenta de que le estaban pegando y decidí meterme con mi súper capa asegura Odyo. Creo que cualquiera hubiera reaccionado de la misma manera. No soy un héroe”. En aspectos generales, todo pasó como se ha venido contando en Facebook: uno de los hombres rompió una botella de vidrió y cortó al grafitero en la axila izquierda, el mentón y también en la mano derecha. “Estuve al otro lado y volví. Perdí alrededor de tres litros de sangre”.Ya en el hospital, tuvieron que operarlo. La sensibilidad de los dedos anular e índice de su mano derecha, con la cual hace todos sus grafitis, se vio seriamente comprometida. Aunque se encuentra reposando en casa desde el sábado pasado, todavía debe esperar a que las terapias (que inicialmente durarán un mes) le eviten una nueva operación. “Quiero cerrar este capítulo”, dice. Junto a su familia decidió no empezar ningún tipo de acción legal contra el hombre que lo agredió. Está concentrado en su recuperación. “Empiezo un proceso duro de recuperación para ver si evito la cirugía. Lo bueno es que estoy estrenando cuaderno ferrocarril”, dice un mensaje que acompaña una de sus más recientes fotos de Facebook. “No tengo palabras comenta Ha sido una de las peores cosas que me han pasado en la vida, pero al mismo tiempo una de las más grandes, pues me he dado cuenta de que siempre tendré mucha gente apoyándome”. Apenas una hora después de haber salido del hospital, Odyo se enteró del boom que causó su accidente en la comunidad del grafiti bogotano. Si bien ahora cuenta con EPS, cuando fue remitido a urgencias no tenía el amparo de la seguridad social, razón por la cual su deuda con el centro médico en el que fue atendido es de 21 millones de pesos.

Los organizadores de la galería Visaje Graffiti Colombia convocaron de manera inmediata a todos los escritores de grafiti interesados en ayudar a Odyo. Por eso el próximo viernes, desde las 5:30 p.m. en la calle 43 #18A-10, se espera recolectar esa cifra por medio de una subasta de obras. Hasta el momento, 14 artistas se han unido a la causa, donando piezas que tienen, cada una, un valor comercial de más de un millón de pesos. DjLu, Tone, Senil, Koch1, Ceroker, Chirrete Golden y Lesivo, ya han hecho sus donaciones. En Visaje Graffiti son conscientes de que recolectar los 21 millones de pesos no es una tarea sencilla. Esperan lograrlo, pero desde ya prevén el uso de internet para seguir subastando las obras que no sean vendidas este viernes

En uno de estos espacios se hacen cabezas humanas en cerĂĄmica para sembrar plantas. En otros hay Ăłleo, geometrĂa, escultura, carboncillo y, sobre todo, trasnocho y ganas. Sin importar el tipo de obra, en estos seis talleres bogotanos se atrincheran algunos artistas para darles vida a sus creaciones.

historias

sta galería/taller funcionó durante tres años (de 2009 a 2012) en el hotel 104 art suites. Después, Mauricio Gómez Jaramillo, su fundador, decidió alquilar una casa de mediados del siglo pasado en el barrio San Felipe. Arregló la galería en el primer piso y después se le ocurrió la idea de subarrendar las cuatro alcobas restantes (en el segundo piso) a artistas que desearan tener su propio taller. Francy Jiménez, Camila Duque y Gabriela Castillo trabajan en el primero. Catalina Hoyos García, Juan Sebastián Testa y Snyder Moreno, artistas plásticos egresados de la Universidad Nacional, ocupan otro de los cuartos. “A los artistas, como a cualquier otro profesional, les interesa tener un espacio en donde puedan trabajar con tranquilidad —dice Mauricio—. Los talleres les permiten martillar, taladrar, etcétera, sin estar incomodando en sus casas”. Alice Jiménez y Ana María Lozano, ambas estudiantes de la Universidad Javeriana, alquilaron otra de las alcobas. “Si los artistas me presentan un buen proyecto —asegura Gómez Jaramillo—, existe la posibilidad de que este sea exhibido en la galería”. Por estos días, 12:00 cuenta con un taller libre. En 2012, el taller número tres de la facultad de artes de la Universidad Javeriana desapareció para siempre. Carolina Fuenmayor y Diego Ayerbe, artistas visuales de dicha institución, necesitaban un espacio para trabajar. El profesor y pintor Alfonso Álvarez les ofreció el espacio que ocupan actualmente ellos y otros nueve artistas en el barrio La Soledad, con una condición: que se comprometieran a sacar adelante el proyecto. Cada uno de los miembros responde por una parte del alquiler de la casa. La especialidades de los artistas de Taller Trez son la ilustración y el grabado (en MDF, en linóleo y huecograbado). El tórculo que se ve en esta imagen es quizás la herramienta más importante del taller, ya que les facilita la producción de sus obras exhibidas en la planta baja de la casa. “El taller nos permite dedicarle más tiempo al trabajo manual y ser más juiciosos con la técnica”, asegura Felipe Celis, integrante del taller y artista visual de la Javeriana. Gabriel permanece todo el día en el taller. Lo considera un refugio en el que puede caminar de un lado a otro, buscando la manera de materializar alguna idea que tenga en la cabeza. Estudió artes plásticas en la Universidad Jorge Tadeo Lozano y vivió una temporada en Europa. Tiene 60 años y durante su trayectoria ha entendido que la rutina sí o sí lleva al aburrimiento. “Para evitar que eso suceda, primero hago un poco de cerámica, luego un poco de pintura y, finalmente, algo de oficio y jardinería”, cuenta Gabriel. Uno de sus tesoros es un horno de cerámica, sin este, Gabriel difícilmente podría fabricar las minicabezas que abundan en su taller y en las cuales siembra plantas de distintos tipos.

Esto es lo que uno puede encontrar en los cajones de un viejo mueble que hay en el taller de Gabriel. Uno de los atractivos de este taller, fundado por el artista plástico Camilo Calderón, es la realización de sesiones de dibujo y pintura. Los grupos trabajan con modelos que, como en las películas, permanecen desnudos en una posición fija por un buen rato. Este es Camilo en acción. Explica que los modelos son profesionales y que las sesiones duran entre dos y tres horas. “No tenemos un perfil de modelo específico. Nos gusta variar: que una semana sea una mujer, otra un hombre, pero que siempre tengan contexturas distintas”. Taller Trescientosuno comenzó labores en 2011 con el objetivo de alejar a los artistas de “espacios neutros”, como lo puede ser la academia. Actualmente hay seis artistas recibiendo clases personalizadas con Camilo. El espacio, sin embargo, está dirigido tanto a artistas como personas interesadas en un primer acercamiento al dibujo. En Trescientosuno persiste un aire de arte clásico. En uno de los salones —sobre una repisa— hay bustos en cerámica que rememoran las tradicionales esculturas griegas. Durante el día, esta artista plástica de 35 años, que estudió en el Fashion Institute of Technology (FIT), de Nueva York, organiza su material de trabajo: óleos, pinceles, hilos de color rojo, azul, naranja, y un telar situado justo en la zona por donde más luz le entra al taller. Este gato acompaña a Ana María en sus largas jornadas de trabajo.“El taller no ofrece títulos ni nada por el estilo. Aunque en últimas apela a la autodisciplina de los artistas, yo siento que los integrantes, salvo casos excepcionales, rápidamente forjan un vínculo muy estrecho con el taller”, asegura Camilo. Suele escribir mensajes en las paredes: ideas o descubrimientos que surgen a medida que avanza en sus investigaciones. “El taller es un universo para pensar; yo creo que es esencial para cualquier artista, joven o viejo”, asegura Ana María.

Estudios Las Nieves Durante el día, esta artista plástica de 35 años, que estudió en el Fashion Institute of Technology (FIT), de Nueva York, organiza su material de trabajo: óleos, pinceles, hilos de color rojo, azul, naranja, y un telar situado justo en la zona por donde más luz le entra al taller. . Suele escribir mensajes en las paredes: ideas o descubrimientos que surgen a medida que avanza en sus investigaciones. “El taller es un universo para pensar; yo creo que es esencial para cualquier artista, joven o viejo”, asegura Ana María. Ana María empieza a crear cuando cae la noche y el silencio es absoluto. Como muchos artistas, ella siente que en ese momento, más que en cualquier otro, su capacidad artística se eleva. También tiene un pedazo de pared dedicado a la elaboración de sus obras: lo llama ‘Construcción de universos’.

“El taller no ofrece títulos ni nada por el estilo. Aunque en últimas apela a la autodisciplina de los artistas, yo siento que los integrantes, salvo casos excepcionales, rápidamente forjan un vínculo muy estrecho con el taller”

Las Nieves funciona en un edificio de siete pisos que estuvo abandonado por más de 20 años y que antes era destinando a la producción textil. Celia Sredni de Birbraguer, su directora, se encargó de recuperarlo: dispuso 14 talleres para artistas y una galería llamada ArtNexus, que organiza cuatro exposiciones anuales. Rodrigo Echeverry, quien tiene 40 años y es artista plástico de la Universidad Nacional, ocupa uno de los talleres del piso tres desde hace cinco años. Rodrigo tiene en su espacio un par de sofás, un espejo, muebles para guardar herramientas y un equipo de sonido. Lo que más sobresale en su taller es una serie de figuras tridimensionales construidas a partir de pequeñas láminas de madera. Estas figuras hacen parte de su más reciente trabajo. Jaime Franco, un poco más veterano que Rodrigo, está en el cuarto piso. En Las Nieves convergen dos generaciones de artistas: mayores de 50 años y menores

historias

A finales del año pasado Guache ideó un festival con arte y música urbana para renovar la cara de uno de los sectores más inseguros de Bogotá. Este boyacense, junto a otros muralistas colombianos e internacionales, hizo parte del Festival Revitalización, organizado por la Secretaría Distrital del Hábitat.

etrás del Cementerio Central, exactamente en la Calle 24 entre Carreras 17 y 19, se pueden ver murales hechos por algunos de los nombres más reconocidos del arte urbano. Esta expresión artística fue posible gracias al Festival Revitalización, con la cual se quisieron rescatar algunas de las fachadas del barrio Santa Fé, en la localidad de Los Mártires. Para recuperar estas paredes, Guache promovió el festival –realizado entre el 27 de noviembre y el 5 de diciembre del año pasado- y eligió directamente a los exponentes, entre los cuales había artistas y colectivos nacionales e internacionales. El evento fue apoyado y organizado por la Secretaría Distrital del Hábitat y contó con la participación de los muralistas colombianos La Pulpa, Vital, Tonra, Ark, Dexs, Crudo, Ceroker, Dexpierte, Franco, Guache, Jean Zapata, Kav Crew, Ledania, Lesivo, Surbeat, Rúben Romero, Ródez & Nómada, Nice y Malegría. La representación extranjera estuvo a cargo de los argentinos Pol Corona y El Marian; la brasilera Nina Moraes; el ecuatoriano HTM; los chilenos Aner, Brigada Negotrópica, Tikay y Charquipunk; el italiano Ericailcaine; el paraguayo Oz Montania; el venezolano El Kalaka; el peruano Olfer y la panameña Marta Noemí Noriega

El viaje ancestral en el graffiti de Guache La obra de este artista ha transitado por distintos formatos y técnicas durante los últimos doce años. Su rescate del pensamiento indígena a través del muralismo está en las calles de varias ciudades de Latinoamérica y Europa.

levo toda la mañana pintando y haciendo bocetos; estoy esperando que acaben de arreglar los andamios para poder terminar de pintar hoy”, le dice Guache a uno de sus ayudantes en la azotea de un edificio ubicado en la carrera 13 con calle 13, en San Victorino. Este es el último día de trabajo en “La Palenquera”, una réplica que este artista hizo de la obra del bogotano Fernando Oramas, y que le tomó casi todo el mes de enero. Óscar González (Guache) dibuja desde niño y todo el tiempo está creando. En su pequeña libreta tiene un boceto de Bogotá con un humo negro que sale de la montaña.Con su padre, un pintor aficionado, elaboró “El Tótem de Siempreviva”, un homenaje a Sandra Catalina Vásquez, la niña de nueve años que, en 1993, fue violada y asesinada por un oficial de policía en la estación de Germania, en el centro de Bogotá. “Siempre me he considerado una persona llena de un pensamiento crítico. Desde el colegio ya me interesaban la música y las artes; para mí el arte es la búsqueda de la libertad”, dice Guache. Su destreza para dibujar y el hambre de comics y novelas gráficas que tenía lo llevaron a crear sus propias historietas. Al entrar a estudiar Diseño Gráfico, primero en la Universidad Nacional y luego en la Tadeo, encontró gente con sus mismas ganas de editar fanzines y otras publicaciones independientes. Es entonces cuando se familiariza con la serigrafía, a la que siguieron sus otras dos pasiones: el esténcil y el graffiti. En el 2004 comenzó a pintar sus primeros muros callejeros con el tag Mefisto. “Al inicio lo hacía más por hobby -dice-. Con el tiempo me fui metiendo con murales y proyectos que requerían más tiempo”. Mientras hacía graffiti en sus ratos libres, se ganaba la vida enseñando Diseño en la Tadeo, la Central y los Libertadores. Tuvo la oportunidad de colaborar con comunidades indígenas del Amazonas y el suroccidente del país. Luego de esa experiencia comenzó a incorporar el pensamiento indígena en su trabajo, aportándole a este un estilo nuevo. Con sus murales y dibujos Guache busca alejarse del exotismo indigenista. La simbología animal también es parte fundamental de los aborígenes y por eso están en buena parte de su trabajo, representados como tótems sagrados.

En el 2008 Mefisto desaparece y nace Guache. “En nuestra cultura se le dice guache a una persona grosera y brusca, pero en verdad la etimología de esa palabra es muisca y significa ‘varón’ y ‘guerrero’. Quise reivindicar ese significado que estaba sepultado”. Para sus murales, grabados, dibujos, cuadros y acuarelas, Guache hace series con un contenido específico, basadas en los estudios de los elementos de algunas culturas indígenas. “Mis tópicos cambian cuando hago exploraciones de temas, según lo que veo en mis viajes o lo que aprendo con las tribus. Me enfoco en uno y de vez en cuando los combino. He trabajado con rostros indígenas y la serpiente amazónica. Ahora estoy con el maíz”. Así como con “El Tótem de Siempreviva”, Guache quiere que sus trabajos no dejen de tener un trasfondo, no para contárselo al público sino para sentirse coherente como artista. En sus proyectos de gran formato lo ayudan Jemay Cañon, Ricardo Torres y Sergio Cifuentes. “Oficialmente estamos trabajando los cuatro en estos proyectos grandes desde mayo del año pasado, pero antes ya habíamos colaborado en barrios y en otras cosas. No somos solo colaboradores, somos amigos”, dice Jemay.

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Así como con “El Tótem de Siempreviva”, Guache quiere que sus trabajos no dejen de tener un trasfondo, no para contárselo al público sino para sentirse coherente como artista. En sus proyectos de gran formato lo ayudan Jemay Cañon, Ricardo Torres y Sergio Cifuentes. “Oficialmente estamos trabajando los cuatro en estos proyectos grandes desde mayo del año pasado, pero antes ya habíamos colaborado en barrios y en otras cosas. No somos solo colaboradores, somos amigos”, dice Jemay. Este cuarteto ya está trabajando en otro proyecto: la instalación de un mosaico de cerámica en el Centro de Memoria, Paz y Reconciliación, que estará listo a finales de febrero. Luego de trabajar en una iniciativa de recuperación de espacios a través del arte urbano, en barrios como Las Cruces, Egipto y San Bernardo, estuvo a cargo de la curaduría y producción del Festival Revitalización. Además de la selección de artistas, Guache diseñó el cartel del evento: “Escogí el colibrí porque a pesar de ser un animal tan pequeño e indefenso está lleno

“Nosotros vamos a seguir pintando con o sin Peñalosa”

Mural hecho en el Festival de Streetart Latidoamericano 2014, Lima de magia y belleza. Es una comparación con el arte urbano; aunque para mucha gente estos sean solo rayones en las paredes, en el fondo hay mucho contenido y simbolismo”. A sus 35 años este boyacense no tiene planes de dejar de pintar en las paredes de Colombia o de cualquier otro país donde tenga la oportunidad hacerlo. Cree que el mural todavía tiene la misma naturaleza de sus inicios, en México. Sin embargo, admite que la atención de la gente se ha desviado por las tecnologías de la información y la comunicación. Proyectos como “La Palenquera” y Revitalización contaron con el apoyo de la Alcaldía de Bogotá, sin embargo todavía no se sabe si la administración de Peñalosa continuará con iniciativas de este tipo. Al respecto Guache dice: “Hay una política neoliberal y privatizadora que está en contra de la perspectiva humanista del arte, pero nosotros vamos a seguir pintando con o sin Peñalosa”.

sino para sentirse coherente como artista. En sus proyectos de gran formato lo ayudan Jemay Cañon, Ricardo Torres y Sergio Cifuentes.“Oficialmente estamos trabajando los cuatro en estos proyectos grandes desde mayo del año pasado, pero antes ya habíamos colaborado en barrios y en otras cosas. No somos solo colaboradores, somos amigos”, dice Jemay. Este cuarteto ya está trabajando en otro proyecto: la instalación de un mosaico de cerámica en el Centro de Memoria, Paz y Reconciliación, que estará listo a finales de febrero. estuvo a cargo de la curaduría y producción del Festival Revitalización. Además de la selección de artistas, Guache diseñó el cartel del evento: “Escogí el colibrí porque a pesar de ser un animal tan pequeño e indefenso está lleno de magia y belleza. Es una comparación con el arte urbano; aunque para mucha gente estos sean solo rayones en las paredes, en el fondo hay mucho contenido y simbolismo”. A sus 35 años este boyacense no tiene planes de dejar de pintar en las paredes de Colombia o de cualquier otro país donde tenga la oportunidad hacerlo. Cree que el mural todavía tiene la misma naturaleza de sus inicios, en México. Admite que la atención de la gente se ha desviado por las tecnologías de la información y la comunicación

iércoles 28 de enero de 2015, Carulla de la calle 85. Son las 8:20 de la noche: buen clima y tráfico regular. Gonoraiders, un combo de jóvenes locos por la bicicleta fundado hace más de un año por Jay Ty, en Bogotá, está listo para rodar. Una o dos veces por semana, casi siempre los miércoles, salen a promover lo que su fundador denomina patanería responsable. Esta noche no será la excepción. El parche toma la carrera 15 hasta la calle 100 y allí enfilan sus pedalazos sobre el nuevo puente de la 106, por la Universidad Militar. La brisa nocturna, como siempre en la capital, parece un soplo glacial. Finalmente hacen una parada en la calle 142 con autopista. ¿Cuántos kilómetros van? Allí ingresan a una tienda bien rockera, comen pizza y toman pola; se cagan de la risa porque de eso se trata Gonoraiders: “la gran amistad que se ha formado entre sus integrantes ha servido como respaldo al momento de rodar. Sin embargo, creamos lazos de amistad y compañerismo con otros parches ya que la bici une a toda la ciudad”, asegura Jay. Trabajan de noche y de manera clandestina. Deben hacerlo rápido y mantenerse invisibles. Detrás suyo, en los muros de las avenidas, dejan imágenes o mensajes en letras de molde: “La ciudad raya, raya

la ciudad”, o: “Quién ha dicho que las paredes no hablan”. Más adelante, a la vuelta de la esquina, plasman el rostro de George W. Bush adornado con las orejas de Mickey Mouse y la leyenda: “Disney Wars” (la guerra de Disney). O pegan en los tubos de los semáforos una figura que, si se mira con cuidado, le arranca al peatón una sonrisa, una cara de sorpresa o, en el peor de los casos, un suspiro de indignación. Lo llaman arte callejero y se trata de un movimiento que poco a poco invade las calles de las principales ciudades del mundo y de Colombia. Su origen se remonta a los primeros graffiti, cuando los pandilleros y activistas neoyorquinos pintaban sus nombres en las

deportes paredes, los teléfonos y los baños públicos. Más tarde se vinculó al movimiento punk de finales de los 70 en Londres. Pero fue a partir del 11 de septiembre de 2001 que tuvo un renacimiento inesperado. Desde entonces, “el virus se regó por todo el planeta”, dice Juan Esteban Duque, de Populardelujo, un proyecto colectivo colombiano que investiga la gráfica callejera. Hoy, a través de Internet y gracias a las cámaras digitales, es posible apreciar el arte callejero de Sydney a Berlín y de Los Ángeles a Moscú. Y en Bogotá, en el Museo de Arte Contemporáneo, se llevará a cabo del 28 de mayo al 23 de junio Desfase, primer asalto, hasta ahora la muestra más grande de esta tendencia en el país, con invitados de Brasil, Argentina y México.

“Nuestro interés afirma es poner en circulación imágenes que permitan abrir espacios de comunicación con medios alternativos. No nos interesa involucrarnos con mensajes cerrados, sean políticos, religiosos o comerciales, sino todo lo contrario: queremos proponer mensajes abiertos, cosas que pongan a pensar a la gente, que la confundan, que le generen preguntas. Y en esa medida, que más gente se meta en el cuento y comparta sus imágenes”

No resulta fácil dar una definición exacta del street-art, pero existen ciertas características que lo distinguen del arte de museo o de otras expresiones populares. En primer lugar, se trata de una tendencia urbana. Es anónimo, y por lo general sus autores no tienen afán de figuración ni buscan volverse ricos con su arte. Es efímero, ya que las obras perecen cuando los dueños de las paredes rayadas deciden pintarlas de blanco y dejarlas listas para que vengan nuevamente los artistas. Aunque sus exponentes dicen que va más allá de las consignas ideológicas, el arte callejero es sin duda la expresión de una contracultura y de una resistencia. Muchas corrientes tienen fuertes componentes políticos, de ahí que se

Otros tienen un fin anticorporativo y pretenden hacer una crítica a la sociedad de consumo por medio de la ironía. “A nosotros nunca nos preguntaron si queríamos vivir en un mundo bombardeado por la publicidad”, afirma David Henao, Pero cada vez se utilizan más, y ya hay gente interviniendo las calles con tiza, óleo, carboncillo, o bien con objetos en tres dimensiones como inflables o dummies. Claro está que para muchos ciudadanos neuróticos no es más que puro vandalismo: “Esos ‘manes’ lo que hacen es tirarse las paredes, y con lo cara que está la pintura...”, alega Álvaro Muñoz, taxista. Pero los artistas callejeros se toman muy en serio su trabajo. Stinkfish, diseñador gráfico e integrante del colectivo Excusado Printsystem, de Bogotá, sostiene que el arte callejero busca ante todo generar inquietudes. “Nuestro interés -afirma- es poner en circulación imágenes que permitan abrir espacios de comunicación con medios alternativos. No nos interesa involucrarnos con mensajes cerrados, sean políticos, religiosos o comerciales, sino todo lo contrario: queremos proponer mensajes abiertos, cosas que pongan a pensar a la gente, que la confundan, que le generen preguntas. Y en esa medida, que más gente se meta en el cuento y comparta sus imágenes”. Con el tanque lleno, buscan la avenda Las Villas, por Portoalegre, hasta la Suba. Recorren varios barrios, buscando la mejor ruta para llegar al punto final: el Centro Comercial Titán Plaza. En estas salidas nocturnas intentan vestir de negro, usando luces y reflectivos por temas de seguridad. Vale la pena resaltar que las redes sociales de este grupo urbano le siguen la pista a eventos ciclísticos para estar en la jugada y competir. En ellas también hay contenido humorístico y espacio para “denunciar a las ratas que roban a nuestros compañeros”. Después de varias horas finalmente llegan a la meta; una de tantas que alcanzarán este año como equipo

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Slako Colombia Slacklines: Equilibrio Total En la búsqueda de la armonía espiritual y ambiental, Andrés Díaz ideó, inspirado en su deporte favorito, un programa de retiros a diferentes regiones del país para hacer yoga, sembrar semillas nativas y, por supuesto, practicar slackline.

n la práctica de esta rutina deportiva el equilibrio corporal es necesario, pero para conseguirlo es fundamental trabajar primero en la armonía mental y espiritualidad. Los Retiros Slackline son una manera innovadora de promover diálogos en torno a la ecología, la paz y la armonía con la naturaleza. Andrés Díaz creó en 2012 Slako, una empresa dedicada a la comercialización de equipos importados para la práctica de un deporte que consiste en atravesar una cuerda floja que generalmente son árboles. Slako les da a sus compradores indicaciones claras sobre el uso correcto de las cuerdas y el respeto al medio ambiente que se debe tener, ya que por imprudencia algunos practicantes novatos han tumbado árboles. “Empezamos a irnos a algunos parques a ver cómo estaba la movida del slack. A los que veíamos que estaban haciendo malas prácticas los instruíamos, les indicábamos cómo hacer un buen uso del equipo y del espacio” Poco tiempo después, Andrés abrió el centro de enseñanza Equilibrarte, un espacio en el que alumnos e instructores se reúnen varios días a la semana para estudiar el arte del equilibrio y de la concentración mental. Luego comenzó a programar retiros a La Vega, Cachipay, Medellín y Palomino. Durante los retiros se realizan ejercicios mañaneros de yoga y slackline, ecocaminatas, semilleros y talleres sobre alimentos y árboles nativos. El último viaje duró siete días y tuvo como destino Santa Marta. Asistieron 25 personas, incluyendo a los cinco coordinadores y a la chef. “Fue al lado de un río, en una reserva natural, con buen parche, en un ejercicio que te enseña a mantenerte de pie, a levantarte si te caes y a seguir tu camino”, cuenta Andrés, quien quiere que en unos años la gente en las ciudades aprenda a interactuar con los parques respetuosamente y que cada día más personas se unan a sus viajes para recorrer, conocer y cuidar los increíbles escenarios naturales del país

“Andrés Díaz creó en 2012 Slako, una empresa dedicada a la comercialización de equipos importados para la práctica de un deporte que consiste en atravesar una cuerda floja amarrada a dos puntos fijos, que generalmente son árboles”

Wepa y los surfistas de Ladrilleros

El oleaje del mar Pacífico colombiano inspiró a dos jóvenes caleños a crear un proyecto de formación en surf que instruye a niños y adolescentes para que se conviertan en maestros de las olas.

tres horas de Cali están las playas de Ladrilleros, Juan Chaco y La Barra, ubicadas en una de las regiones más vulnerables del país. El oleaje majestuoso de sus aguas agitadas provocó tal entusiasmo en Teo Mejía y Sebastián Gómez, que no les resultó difícil tomar la decisión de embarcarse en un proyecto con el que esperan que esta zona turística se convierta en un destino para los aficionados a este deporte. A través de su tienda Wepa Longboards, estos caleños están socializando una iniciativa que arrancó a comienzos de 2015 con la intención no solo de incrementar el turismo en esas playas cercanas a Cali, sino de poner un grano de arena en la reducción de problemáticas como el sedentarismo en los jóvenes de estas comunidades. Surf Ladrilleros es el nombre de este proyecto que dona tablas de surf a la vez que ofrece clases especializadas en esta disciplina deportiva, brindando así herramientas para el desarrollo socioeconómico de la región. “Los niños nos reciben siempre con mucha alegría cuenta Teo. Nos piden que les enseñemos más, nos dan reporte de las olas y siempre nos hacen sentir muy bien”.

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“El oleaje majestuoso de sus aguas agitadas provocó tal entusiasmo en Teo Mejía y Sebastián Gómez, que no les resultó difícil tomar la decisión de embarcarse en un proyecto con el que esperan que esta zona turística se convierta en un destino para los aficionados a este deporte” Una de las tareas más apremiantes de la fase inicial en la que se encuentra Surf Ladrilleros es buscar apoyo de marcas o entidades interesadas. A cambio de las colaboraciones, Wepa publicita en sus tablas y en las camisetas de los instructores los nombres de sus aliados. “Imaginamos una comunidad surf en Ladrilleros –dicen Teo y Sebastián–. Una escuela con tablas de alquiler para que las personas de Cali y sus alrededores lleguen a aprender y se genere un ingreso para los locales. Imaginamos también un documental sobre el proyecto, por medio del cual podamos mostrarle la idea a todo el mundo”. Colombia Joven halló gran relevancia en el componente creativo y en el aporte social de esta iniciativa. Por eso formará parte de la categoría de Deportes en Xpo JovenES 2015.

¿Qué es Xpo JovenEs? Es la primera feria especializada en juventud que sirve de plataforma estratégica para contribuir al posicionamiento de las y los jóvenes como la clave para la transformación del país, destacando de ellos cómo su quehacer aporta al desarrollo y la paz de Colombia. Esta primera versión se lleva a cabo gracias a un trabajo intersectorial de la Dirección del Sistema Nacional de Juventud “Colombia Joven” de la Presidencia, con los ministerios de Cultura, Educación y Agricultura; el Servicio Nacional de Aprendizaje, Sena; y la Cámara de Comercio, y cuenta con importantes aliados del Gobierno Nacional, la Cooperación Internacional, la empresa privada y la sociedad civil organizada, en torno al objetivo común de creer en el potencial creativo, innovador y trasformador de la juventud colombiana

“Pienso rodar hasta que sea muy anciano” Hernando Ruíz tiene 64 años y desde hace tres practica el longboard. Su meta es participar en el Maryhill Festival of Speed, una de las competencias de mayor relevancia de este deporte. Acompañamos en una de sus rodadas al longboarder más cucho de Colombia.

omina la tabla. Como los profesionales, cruza las manos detrás de la espalda e inclina su cuerpo para ganar equilibrio y, en caso de ser necesario, esquiva carros y buses en calles por las cuales no hay ciclorruta. A veces se suelta de manos para reclamarles, de manera calmada, a los conductores que sobrepasan el límite de velocidad. Se desliza todos los domingos por la ciclovía de la calle 26, en una tabla larga con una aerografía de la cara de Jim Morrison en la parte de abajo. Usualmente, rueda desde la Biblioteca Nacional hasta el Aeropuerto El Dorado, a unos 25 kilómetros por hora, y se hidrata por medio de su Camelback, un maletín con un sistema de hidratación especializado. Su meta es participar en el Maryhill Festival of Speed, denominado por los patinadores como la “Copa Mundial de longboard”. El evento se celebra desde hace nueve años en Maryhill, un pueblo ubicado al noroeste de Estados Unidos, en una bajada de tres kilómetros de longitud, con curvas tan cerradas que, vistas en un plano cenital, parecen herraduras de caballo. En un video promocional del festival se muestra a un patinador que pierde el control en una de las curvas y va a dar contra una hilera de cubos de heno que supuestamente sirven de parachoques. Minutos después llega una ambulancia que lo lleva a urgencias.

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Maryhill es, además, la mismísima antesala del infierno en junio, cuando se realiza la carrera bajo una temperatura de hasta de 45 grados centígrados. En el mismo video del patinador lesionado hay una imagen de la yema de un huevo “fritándose” sobre la carretera. Así de caliente es Maryhill. Yo me enfrentaría a todos esos obstáculos dice Hernando. El longboard es un deporte para peladitos agrega, quitándose la gorra negra que usa a diario, distinta a la pañoleta que se pone cuando rueda, y señalando con el índice derecho la calva prominente que deja al descubierto. Se ha caído varias veces de la tabla, pero nunca se ha lesionado de gravedad. La primera vez fue en Ibagué, en una bajada de unos 18 kilómetros, entre la cárcel de Picaleña y un peaje. Tras perder el control en una curva, amortiguó el golpe contra la maleza que bordeaba la carretera. No se asustó. Tiene familia en Ibagué y, siempre que tiene la oportunidad, patina en el mismo lugar de la caída.

Adriana, su esposa, es maratonista y ha competido en Buenos Aires y Berlín. Desde su visión de atleta, considera que Hernando puede llegar a patinar en Maryhills, siempre y cuando inicie la preparación con un año de antelación. Tendría que adquirir un poco más de masa muscular y ya. Es normal que jóvenes y viejos se sorprendan cuando lo ven en la tabla, pero está en perfectas condiciones.La vez pasada alcancé por la ciclovía de la 26 a un niño gordito, de unos 12 años, que iba en bicicleta dice Hernando. Me miraba y me miraba, hasta que por fin se atrevió a decir: “Vecino, ¿cierto que la vida hay que disfrutarla así uno esté en las últimas?”. Casi me caigo, pero de la risa. Cuando no está rodando, está viendo videos en los que los mejores patinadores de tabla larga del mundo tratan de romper el récord de velocidad, que actualmente está en 130 kilómetros por hora. Evita ver las caídas para no sugestionarse.

“La vez pasada alcancé a un niño gordito de unos 12 años que iba en bicicleta. Me miraba y me miraba, hasta que se atrevió a decir: ‘Vecino, ¿cierto que la vida hay que disfrutarla así uno esté en las últimas?’. Casi me caigo, pero de la risa” Ruíz nació en Somondoco (Boyacá) y a los 8 años se trasladó con sus padres y sus cinco hermanos a Bogotá. Recién llegó a la ciudad, su padre, quien trabajaba en Bavaria, fue víctima de un atraco en el barrio San Carlos que le costó la vida. Años después, a uno de sus hermanos mayores lo mataron en la Universidad Nacional “en circunstancias extrañísimas”, según cuenta Hernando. La tabla me regula, me calma asegura. Durante 20 años, Hernando dirigió la Fundación Reciclarte, ubicada en la Iglesia de San Cayetano, en la Localidad de Kennedy. Allí, junto a varios grupos de jóvenes, construía instrumentos y creaba formas de arte cinético a base de desechos reciclables. La fundación participó en varias oportunidades en la sección de comparsas del Festival Iberoamericano de Teatro.Allí pogueábamos dice Hernando. En 2011, Reciclarte integró la delegación colombiana invitada a exponer su trabajo en el Smithsonian Folklife Festival, en Washington, un evento que reúne lo mejor del patrimonio cultural de distintos países.Fue una experiencia muy bacana, pero cuando regresé al país, Reciclarte y otras fundaciones fueron amenazadas por un grupo criminal que prefiero no mencionar. Parte del comunicado con el que ese grupo infundió el miedo decía: “Hoy damos limpieza a todas las sucias organizaciones que se interponen en nuestro paso”.Hernando perdió el espacio. Trató de arrumar en una bodega los instrumentos y obras hechas por jóvenes de la fundación, pero el arriendo lo absorbió y quedó en bancarrota. Finalmente donó entre 500 y 600 vestuarios e instrumentos a un grupo artístico del Distrito de Aguablanca, en Cali. Por eso yo me subo a la tabla. Luego de perder la fundación me dije: “Tengo que conservarme físicamene para poder seguir en la situación que sea”. El éxtasis que se siente al sortear cada obstáculo es inigualable. Pienso patinar hasta que sea muy anciano

EL PAÍS DE LA ETNNIA Gracias a La Etnnia pudimos transformar el concreto en muros orgánicos que respiran y nos miran.

a Etnnia presenta su canción “Mi País” junto a Li Saumet, cantante de Bomba Estéreo. Un tema producido por Spkilla, canción extraída del álbum Universal (2016), el nuevo trabajo de La Etnnia, en el cual también encontramos colaboraciones con artistas nacionales como Alerta Kamarada o Doctor Krapula, entre otros. Tres voces se unen al unísono para contarnos una historia que arranca décadas atrás, cuando sus padres llegaron al barrio de Las Cruces como inmigrantes. Desde su legendario “El Ataque del Metano”, el primer disco de rap hecho en el país, publicado ya hace 21 años, hasta su recientemente lanzado “5-27 Internacional” que los termina por consolidar como un combo de talla mundial, los Pimienta revelan cómo crearon su fuerza subterránea, hablan fuerte sobre la escena y reflexionan profundo sobre su legado. En sus propias palabras, esta es la historia de los tres hermanos que se atrevieron a formar la primera banda rap colombiano. El 5-27 sigue representando. Nuestro papá era de la Costa Atlántica y nuestra mamá era de Boyacá. Ellos llegaron como inmigrantes a la ciudad y se asentaron en Las Cruces, que para entonces ya era un barrio popular. Gente muy trabajadora, humilde, que llegó a un barrio con mucha historia pero que se estaba deteriorando.

prar los discos. Los sencillos por lo general tenían por un lado la canción y por otra la pista instrumental. Nosotros usábamos éstas para improvisar las letras que estábamos escribiendo porque no teníamos nuestra propia música. Luego ya nos conseguimos las tornamesas con un mezclador y unos bafles, y luego un sintetizador y una caja de ritmos. Todo fue autodidacta. Las máquinas se aprendieron a manejar solas porque ni catálogo teníamos. ¡Las prendimos y pum! Y ahí fue que se empezó a maquetiar El ataque del Metano.Por el 94, teníamos un bar en La Candelaria, el primer bar de rap que existió en Colombia. Se llamaba Homeboy. Ahí nosotros hacíamos fiestas todos los sábados y siempre se llenaba. Con eso reunimos fondos y nos concentramos en sacar El Ataque del Metano. Cuando cerramos el bar ya teníamos muy avanzado el proyecto. Incluso en algún punto alcanzamos a sonar canciones en el bar, temas inéditos que estaban grabados sobre pistas. Cuando la fiesta estaba prendida colocábamos una canción nuestra y toda la gente se enloquecía. Ese bar duró dos años.

En Las Cruces nació Jorge Eliécer Gaitán. De allá es la primera fábrica de tubos en Colombia, la primera ladrillera, la primera bomba de gasolina, la plaza de mercado más antigua de Bogotá… En su momento fue un barrio de clase alta, era como el centro en su época, tal vez lo que hoy es La Candelaria. El rap nos llegó por medio del cine. Por películas como “Breakdance”, “Electric Boogalo”, “Flashdance”. Pero la que más nos impresionó fue “Beat Street”. La vimos en el Teatro Embajador en el 84 y desde entonces es como si no hubiéramos salido de ahí. Fuimos juntos y éramos unos chamacos de 7, 12 y 14 años. Por esos días llegó al barrio un man que hacía giros como los que hacían en esa película, el man ya bailaba y nosotros ya teníamos medio la idea. Y ahí fue que arrancamos. Nos llamábamos los New Rappers Breakers. Éramos unas doce personas, más o menos, del barrio y de otros parches. En la ciudad habían otros combos como Los Cristancho o Los Heartbreakers, que fueron los verdaderos pioneros que nos influenciaron. En un principio el baile fue nuestra plataforma para arrancar con el rap, digamos que la primera etapa. Nosotros hicimos nuestra historia con la danza. Alrededor del 88-89 llegó el momento en que nos dijimos: “¿Sabe qué? Vamos a buscar otras alternativas dentro de la música”, entonces dejamos el baile y empezamos a escribir nuestras letras. Eso llegó, fue innato, eso nació con nosotros. Entonces escribimos y escribimos y al rato ya habían unas canciones y luego ya nos pusimos a pensar en cómo conseguirnos unas tornamesas para cantarlas. Por esa época en la 19 ya se conseguían vinilos , en las casetas de la calle. . Ahí fue que empezamos a com-

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El nombre salió por esos tiempos. “Etnia” hace alusión a lo indígena, a la familia, a la raza. Con el nombre queríamos decir que era algo muy familiar. De acá. Lo de las dos enes sí fue para diferenciarnos a nivel mundial, porque la idea siempre fue llevarlo más allá. La Etnnia internacional. Nosotros teníamos muy claro cómo queríamos sonar. Teníamos una propuesta que no se había presentado jamás en el país. Una propuesta que además ya estaba prácticamente hecha, con las maquetas montadas. Lo demás ya era hacerla como era en un estudio profesional. El Ataque lo grabamos en un estudio en la 100 con octava, con Germán Muñoz. Lo que hicimos fue invitar a unos músicos a tocarlas y a ensamblar la idea que teníamos. Era breve: con la caja de ritmos, por ejemplo, hacíamos los bajos, entonces le decíamos al bajista: “Vea, parce, queremos que nos haga este bajo”. Y así. Todo el 94 duramos en la producción de ese álbum. Y antes de lanzarlo, rayamos todas las calles: “Pronto el ataque del metano”. Entonces la gente empezó a asustarse: “¿Qué es el ataque del metano?” “¿Va a haber un ataque guerrillero? ¿Nos van a atacar?”. Rayamos hasta la embajada americana y nos cogieron. Nos llevaron presos a una estación de policía que quedaba al lado y después a limpiar la vaina…

“Vea, parce, queremos que nos haga este bajo” Nosotros creamos la expectativa de un ataque pero que al final era musical. Esa era la idea que queríamos manejar. Como dice la intro, “un ataque frontal a todo lo establecido”. El metano es un gas que se produce de la descomposición de las basuras. Queríamos hablar de la podredumbre de la sociedad. Algo que existía, que existe, pero de lo que nadie había hablado así como tan de frente Desde el principio, nosotros no nos pusimos a cantar líricas de Nueva York ni de Brooklyn ni nada de eso. Nosotros dijimos: “Vamos a narrar nuestra propia historia”. ¿Y cuál era esa historia? Pues la historia de nuestro barrio, Las Cruces, un barrio que estaba llevado. Que se deterioró porque se llenó de ollas. Y donde hay ollas, hay pillos... Nosotros nos propusimos narrar la realidad que veíamos, nada es dibujado ni inventado. Y no solamente la realidad de Las Cruces, sino la realidad del barrio a nivel Colombia, a nivel

Latinoamérica, a nivel global. Mucha de la lírica que nosotros planteamos toca muchas fibras en diferentes partes del mundo. Y es finalmente el barrio es el mismo en cualquier lado. En el 95 publicamos el álbum. Salió primero en casete. Nosotros llevábamos los casetes en maleticas de un lado para otro, por todas las tiendas, pegando cartelitos. En aquel entonces conseguimos tres puntos de venta: dejábamos 100 y los 100 se vendían en nada. Luego dejábamos 200 y los 200 se iban. Vendimos cualquier cantidad de casetes en toda Colombia. Y con lo que ganamos del casete luego hicimos el CD. El video de “La vida en el guetto” lo hicimosen el basurero con Mario Urrea. Fue un rodaje de varios días. Luego lo llevamos a los medios de comunicación y generó tremendo impacto. Nosotros no los hicimos pretencioso, nunca hemos trabajado pretenciosamente. Nosotros hacemos lo que sentimos, nunca nos hemos puesto a inventar. Por esa época Camilo Pombo tenía un programa que se llamaba “Esta noche sí” con Gloria Valencia y Pilar Castaño. El man era regomoso. Nos dijo “¡Ese video está del putas!” y luego lo sacó en una buena franja. Ahí fue que la vaina empezó a rodar. l lanzamiento del disco fue en Kalimán, el bar de Héctor Buitrago.

En ese entonces estaban Aterciopelados, La Derecha, Morfonia... esas bandas como de rock local. Nosotros éramos la banda de rap que estaba tratando de emerger. Igual no había escena. Habían bandas pero no había una escena tal y como la que supuestamente existe ahora. Nosotros nos acercamos a la escena del rock porque no veíamos otra alternativa. Incluso invitamos a 1280 Almas a hacer parte de una canción del Metano pero ellos no llegaron. Este público nos acogió. Por esos días tocamos en festivales de rock al piso, con La Pestilencia, con Kraken. En ese entonces no habían tantos radicalismos y sectarismos, tanta maricada como ahora. Nosotros siempre hemos pensado que el rap y el rock son hermanos… y seguimos pensando así. Por eso nos presentamos en Rock al Parque de esa forma, porque nosotros igual empezamos con los Beastie Boys, con “King of Rock”, con todo ese rollo. Entonces nos acercamos al rock nacional como un paso natural. Así pasó también en Nueva York. Mirando hacia atrás, El metano le dio un estatus y un nombre al hip-hop en Colombia y en el mundo. Y por eso ha trascendido en el tiempo. Si uno mira al Metano bajo el lente de la realidad actual, ninguna letra se queda atrás. Es un álbum atemporal porque en Colombia todo sigue igual. Nosotros simplemente plasmamos la realidad como la vivimos, tal cual. Más claro no canta un gallo. Es el entorno como se nos manifestó en ese entonces. Y es lo mismo hoy. Colombia es así. Nosotros solo tenemos la facultad de plasmar en canciones esa realidad. Esa descomposición social. En ese álbum hay historias de allegados, por ejemplo “Pasaporte sello morgue”… de amigos que uno conoció. Amigos que parcharon con nosotros en la época, que los mató la limpieza social. Gente que por X o Y razones pereció en las calles. Asesinos por naturaleza que mataban por deporte. Y no sólo en el barrio sino en muchas partes. Colombia es un país con miles de muertos al año. En el barrio vimos muchos espejos. Gente que comenzaba bien y que luego se iba yendo… consumidos, caídos en el bazuco. Como el Zebra, que canta con nosotros en el álbum. Él no era rapero, lo conocimos en el colegio y se le fue contagiando la vaina. Él también venía de un hogar humilde, de arriba de Las Cruces, con una familia un poco disfuncional. Al final el hombre cayó en eso… y se le quiso ayudar pero nada. Nosotros vivíamos en un barrio donde sucedían toda esa serie de cosas. Donde usted podía ser tentado pero donde también podía tomar sus decisiones. De eso se trata el libre albedrío. Nosotros decidimos hacer música y ser parte de la banda sonora de los acontecimientos. Nosotros pudimos expresar y canalizar todo eso por medio del arte y eso fue lo que hizo grande a La Etnnia 5-27. 5-27 era la calle donde vivíamos, la plaqueta donde nació La Etnnia como tal. Es la casa donde tuvimos nuestro primer estudio y también es el nombre de la primera canción que sonó y gustó y que se fue sola. Llegó a ser número uno en varias emisoras en todo el país. Ante todo, agradecidos con el público. Hay gente que es fiel que nos ha acompañado siempre. Hay gente que llegó hasta el tercer disco, otra hasta el último, hay quienes ya están pegados a este material nuevo. Y como en todo, hay detractores, hay críticos… Pero que no nos reconozcan nos tiene sin cuidado. Hay jóvenes y hay cuchos. Hasta nietos. Ya son tres generaciones las que están en el parche

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Música colombiana en Deezer, más allá del vallenato y el reggaetón La app francesa de streaming se alió con nosotros y eso es motivo de celebración. Para que comparta nuestra alegría, lo invitamos a conocer a los músicos nacionales que podrá encontrar en esta plataforma y que traen propuestas frescas, desde ‘psicosurf andino’ hasta sonidos africanos.

i revisa los artistas nacionales más escuchados en Deezer encontrará que hay muchos vallenateros y reggaetoneros. Pero eso no quiere decir que en esta app de streaming musical -disponible en 16 idiomas y con más de 35 millones de canciones- no vaya a encontrar sonidos nuevos y diferentes hechos por colombianos. Para celebrar nuestra nueva alianza con Deezer hicimos la tarea y nos sentamos a escuchar con propuestas alternativas disponibles en la plataforma. Póngale atención a lo que encontramos y empiece a armar su playlist, en la que podrá incluir ritmos colombianos mezclados con electrónica y géneros más vieja guardia como el pop y el rock.

La psicodelia andina de Ismael Ayende “Nos reunimos a hacer un álbum antes que ponernos a tocar en vivo”, recuerda Federico Tisnes, fundador y baterista de la agrupación bogotana Ismael Ayende. El resultado fue La Máquina Dispensadora (2013) y dos años después el EP Colón era una Isla. Estos dos proyectos suenan a ‘psicosurf andino’, como llaman a la mezcla de elementos del bossa, la cumbia y la música andina con rock y psicodelia. Los temas ‘Cirrus’ y ‘Ema 1’ son buenos ejemplos de este nuevo sonido. Gracias a su originalidad y buen performance se les abrieron las puertas del Festival Estéreo Picnic 2016, en el que estarán el viernes 11 de marzo en el escenario Pepsi Music. Antes habían estado en el Festival Yavería de 2014. La banda, además de Federico, está integrada por Valentina Blando, Juan Pablo Horna, Juan Manuel Osorio y Javier Velásquez. Todos son jóvenes de entre 25 y 29 años que esperan presentar su segundo disco en mayo o junio de este año.

Las Hermanas: baladas de siempre con intervenciones contemporáneas El proyecto se llama así, Las Hermanas, y no porque lo integre más de una persona, es sólo una: Diego Cuellar. Este artista visual bogotano, que hizo punk durante el colegio, empezó este proyecto en 2012. Su propuesta actual es una apropiación de la música ya que él la ve “como una arcilla a la que se puede manipular”. Por eso toma baladas clásicas y les añade efectos, más sonidos, más voces y mezclas con otras canciones. El nombre del proyecto surge pues le recuerda a Diego a unas ancianas que vio durante una tarde gris en Bogotá, una ciudad en la que ya se ha presentado en dos ocasiones: en el Sónar Bogotá 2015 y en Festival Centro de este año.Por ahora, Las Hermanas se prepara para lanzar 40 minutos de beats en casette, además de trabajar en su set para shows y seguir recopilando nuevos sonidos.

Las Avispas Africanas de Bucaramanga Esta banda bumanguesa fusiona jazz y rock con sonidos africanos desde 2014, año en el que Nicolás Rincón – también percusionista de Velandia y La Tigra- decidió lanzar su propio proyecto con cuatro músicos más: José Estupiñán, Manuel Preciado, Diego Naranjo y Adrián Abreo. De esa unión nació el primer EP de las Avispas Africanas, Zumbao, que incluye siete temas.

La Catedral de Sal neoyorquina Juliana Ronderos y Nicolás Losada forman Salt Cathedral, un dúo que canta en inglés y se formó en Estados Unidos pero que nunca han perdido el cariño por Colombia, donde ya ha estado en el Festival Yavería y en los Picnic Sessions previos al Festival Estéreo Picnic de este año. Su proyecto empezó a tomar forma cuando se conocieron mientras estudiaban Música en Boston. Antes de que se presentaran como Salt Cathedral, crearon otros proyectos que incluían más personas y otros géneros, aunque al final se decidieron por la electrónica. “Con la electrónica no tenemos límite y siendo un dúo podemos ser más autosuficientes”, reflexiona Nicolás.Hoy en día están en Nueva York y desde allí han producido sus dos primeros trabajos: Salt Cathedral y OOM VELT. También acaban de lanzar un nuevo single, ‘No Ordinary Man’, que hará parte de un nuevo álbum en el que están trabajando

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Florecita Rockera bajo la voz de Goyo,Catalina García, Andrea Echeverry El álbum en vivo de los Aterciopelados “Reluciente, Rechinante y Aterciopelado” nos regala una nueva versión con las voces de Catalina García de Monsieur Periné & Goyo de Chocquibtown. “Florecita rockera es inmortal. Es puente generacional y es el himno de las mujeres liberadas, dueñas de sí mismas. En coro de power femenino, el onix chocoano (Goyo) y la perla caleña (Cata Periné), se unen a la mamacita del rock colombiano, y suena a mujer, REbelde y REgia” dice Andrea Echeverri. Con este nuevo video Aterciopelados celebra el día Internacional de la Mujer, invitando a reflexionar acerca de los avances logrados y los no logrados, y a reconocer la determinación de las mujeres que han jugado un papel importante en la historia de nuestro país. El 8 de marzo de celebra el Día Internacional de la Mujer, un evento que conmemorar la lucha por los derechos igualitarios del género femenino desde épocas antiguas, en las que siempre se les vio como débiles e incapaces de realizar el mismo trabajo mental y físico del hombre en la sociedad. ‘Florecita rockera’ es una de las canciones más importantes y reconocidas que Andrea Echeverry y Héctor Buitrago han gestado en su exitosa carrera musical. Perteneciente a su álbum “El Dorado”, de 1995, la pieza se convirtió en uno de los estandartes que catapultó a los Aterciopelados como uno de los conjuntos más importantes del rock Latinoamericano en la década de los noventa. ”Florecita rockera es inmortal. Es puente generacional y es el himno de las mujeres liberadas, dueñas de sí mismas. En coro de power femenino, el onix chocoano (Goyo) y la perla caleña (Cata Periné), se unen a la mamacita del rock colombiano y suenan a mujer, Rebelde y Regia” dice Andrea Echeverri.

”Florecita rockera es inmortal. Es puente generacional y es el himno de las mujeres liberadas, dueñas de sí mismas. El video grabado en vivo en Bogotá, presenta una puesta escena que resalta la esencia particular de estas féminas, en medio de un entorno “reluciente, rechinante…” y reciclado. La banda lanza este sencillo para invitar a reflexionar acerca de los avances logrados y pendientes en el tema femenino, pedir cambios y reconocer la determinación de las mujeres que han jugado un papel importante en la historia de su país. El vídeo es el segundo sencillo del DVD en vivo Relucientes y Rechinantes, que los Aterciopelados esperan lanzar el próximo 8 de abril. El primero adelanto de este trabajo fue la versión de Luz Azul, con el español Macaco, lanzado en octubre del año pasado. Esta versión coincide con la conmemoración del Día Internacional de la mujer, que recuerda la importancia de la mujer en la sociedad a nivel mundial y la música latinoamericana

Ferizuku es un artista visual empírico que lleva varios años apropiándose de los muros de su Cartago natal, creando personajes e imágenes con influencia del arte pop y el urbano. Este artista vuelve lo estético algo crítico. Aquí hay un poco de su cabeza y su trazo.

perfiles

¿Qué hace en la vida real y en la imaginaria? En mi vida real trabajo como diseñador gráfico y serigrafista, ambos de manera independiente. Estampo camisetas, pego stickers, rayo paredes, rasgo papeles compulsivamente y todo esto siempre acompañado de buena música y alguna cerveza. En la imaginaria hago lo mismo pero en proporciones mucho mayores, también recojo todos los gatos que encuentro abandonados, toco en clubes nocturnos y robo bancos y supermercados.

¿Dónde estudió? A pesar de que desde pequeño he recibido educación artística y me paseé brevemente por la facultad de artes de la Universidad Tecnológica de Pereira (UTP), actualmente realizo mis estudios en la Universidad del Autoaprendizaje y he realizado diversos cursos en arte y diseño ya que nunca me he sentido cómodo con la educación formal y sus metodologías.

Gracias a este probé por primera vez que el arte puede cambiar el entorno de las personas y que eso era lo que quería seguir haciendo.

¿Cómo ha influido su ciudad natal en su trabajo? Más que nada en mi deseo de salir a la calle a intervenir los espacios y hacer obras cada vez más grandes, ya que es una ciudad relativamente pequeña donde poco se ven este tipo de cosas y hay un montón de sitios interesantes que se pueden aprovechar.

¿Qué trabajos lo llenan de orgullo? Hay un collage que realicé para una clase en la cual me sentía muy insatisfecho: debía

explorar el concepto de frustración, por lo que decidí aprovechar la oportunidad para expresar mi inconformidad con la clase y ver qué pasaba. Gracias a este probé por primera vez que el arte puede cambiar el entorno de las personas y que eso era lo que quería seguir haciendo. Hay otro trabajo que estoy realizando junto a mi amigo y colaborador M0ney, en el que exploramos el arte como herramienta de transformación cultural y ambiental. Ya hemos obtenido resultados muy interesantes, como la apropiación del espacio por parte

de los habitantes de la zona: han dejado de tirar las basuras en esos espacios y el lugar dejó de lucir abandonado.

¿Cómo es su proceso creativo? ¿Cuáles son sus mañas? Mi proceso creativo es caprichoso y poco metódico; lo primero que hago es tomar el concepto y tratar de imaginar cómo podría resolverlo y con qué elementos podría representarlo; pero pocas veces hago un boceto de como quiero que luzca. Después de tener esto claro me lanzo en la búsqueda de re-

ferencias para, posteriormente, pasarme al Photoshop y jugar con la composición. Por último trabajo en Illustrator y empiezo a vectorizar. Me gusta mucho jugar y ver qué pasa, intentar diversas cosas, hacer distintas versiones y encontrar nuevas ideas y métodos que pueda usar en el futuro. Un cumulo de influencias, creencias y referencias.

perfiles ¿Hay algún reto o desafío que tenga muchas ganas de realizar? Actualmente tengo muchas ganas de continuar con mi proyecto junto a M0ney y ver qué más cosas interesantes resultan de ello. También quiero intervenir unos espacios increíbles que se encuentran en mi ciudad y, cada vez que paso, es como si me sedujeran. A futuro me gustaría poder trabajar en algún proyecto relacionado con las bandas musicales que tanto admiro como Alcolirykoz, Los Petit Fellas o Kase O, viajar mucho, dejar mi huella en todos lados y hacer un montón de colaboraciones con otros artistas. El colectivo Callejero es un grupo de científicos antisociales, de-mentes audiovisuales y algunos punks con ánimo de lucro, que se encargan de combatir la estupidez, la ignorancia, la moral (sencilla y doble), las buenas costumbres, la fe y el orden, mediante sonoros atentados visuales.

¿ Como fue su primera exposición de arte en Bogotá? El colectivo inauguró el miércoles la primera exposición que hace a título personal en la galería de arte Juan Salas de Bogotá..Con un total de 66 obras plasmadas sobre las ediciones de los principales periódicos del país, intentan que los ciudadanos recuerden los hechos más destacados que han marcado la vida de los colombianos durante los últimos tiempos. “Esta basada como tratando de contextualizar todas las pintadas que he hecho durante algunos años. También busco que la gente sepa a que se refiere cada pintada de las que hago en las calles”, afirma uno de sus miembros. En sus obras, que se pueden observar por las calles de Bogotá y otras ciudades del país, implementan la técnica del esténcil, que consiste en poner una plantilla sobre la pared y luego esparcir aerosol.Sin embargo, en la exposición Noticias de Ayer, por primera vez no utilizarán como canal de difusión las paredes sino que el esténcil será implementado en las hojas de los Sus grafittis están marcados principalmente por una estética punk, aunque en ellos se ven influencias de otros géneros musicales como el rap.“Los feos somos más, El mal paga, No estamos pintados en la pared, No pongas la otra mejilla y Trabajo sucio pero trabajo”, son algunas de las frases que se pueden encontrar en las obras de estos artistas callejeros. “Muchas veces las noticias pasan y aunque la gente reacciona de alguna manera en las redes sociales, de todas formas es un medio muy efímero. Quise que esta exposición fuera una manera de hacer perdurar esas denuncias. Un trino pierde relevancia en un segundo”

Para conocer mรกs sobre este artista visite: www.globalstreetart.com https://www.instagram.com/ferizuku/ https://www.facebook.com/ferizuku

levante aquĂ

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El Colectivo Guácala está conformado por Andrés Bolaños y Sebastián Sánchez, diseñadores de la Universidad del Valle. Su trabajo se desarrolla en el campo de la ilustración, la pintura mural y la intervención de objetos. A partir del vómito creativo, llevan lo orgánico y visceral a diversos lienzos.

¿Qué hacen en la vida real y en la imaginaria? En la vida real somos diseñadores gráficos e ilustradores. En el mundo imaginario pintamos gigantescos muros y fachadas de edificios con personajes divertidos.

¿Dónde estudiaron? Estudiamos en la Universidad del Valle, de ahí nos conocimos, después de arrancar con la producción de Guácala todo ha sido un continuo aprendizaje: desde una mañana en el bus hacia el trabajo hasta en las fiestas de baby shower de la primita.

¿Qué trabajos los llenan de orgullo? El trabajo que más alegría y satisfacción nos dio fue la ilustración para la banda Systema Solar, para la canción “Tucutucupacata” del álbum La revancha del burro. Imagínese despertar y abrir su correo electrónico y encontrar que uno de los integrantes de una de sus bandas favoritas le diga: “Me gusta su trabajo y quiero que diseñe algo para mí”. Esa frase nos dio una alegría infinita.

¿Podría definir o al menos aterrizar su estilo en una frase o serie de palabras? En alguna ocasión una amiga muy querida nos dijo algo para referirse a la producción de Guácala: “es un moco muy dulce”. De eso se trata siempre: de mostrar ese punto medio entre lo grotesco y lo tierno que resulte en una pieza cargada de humor.

¿Qué los inspira? Muchas cosas resultan inspiradoras: series animadas, la música, la comida, los chistes, las historias de los amigos, la tradición oral, películas, entre otras cosas.

¿Hay algún reto o desafío que tengan muchas ganas de realizar? En este momento nos fascinaría realizar alguna ilustración para Bomba Estéreo, que es una de nuestras bandas favoritas y le tenemos un profundísimo afecto

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edania es una ilustradora y muralista incansable cuya obra ya podemos considerar como uno de los orgullos de nuestro arte urbano local. Con sus piezas poderosas se ha ganado a pulso un espacio en la escena del graffiti latinoamericano. “Nimiedades” es el título de su nueva exposición individual, que estará abierta desde el 17 de marzo en Visaje Graffiti. Desde niña cantaba, tocaba la guitarra y experimentaba con vinilos y acrílicos. Cuando conoció el aerosol, hace siete años, a sus lienzos y libretas de dibujo se sumaron los muros de la calle. Ledania, o Diana Ordoñez, como la bautizaron sus padres hace 28 años, estudió Artes Visuales en la Universidad Javeriana. Hoy se codea con las firmas más reconocidas del arte urbano latinoamericano.

EN LA RUTA HACIA EL NEOMURALISMO

La etimología de su seudónimo la ha explicado infinidad de veces: es la unión de Leda, la célebre fémina seducida por Zeus en la mitología griega, y su nombre de pila. Pero “Ledania” no nació en su taller como un tag para firmar sus obras, sino en un café internet como un nickname de LatinChat, hace 13 años. Desde entonces lo ha usado para firmar desde cartas, lockers o pupitres del colegio, hasta los murales en los que pinta sus geometrías y animales imaginarios. Has dicho que por ser mujer tienes ciertas ventajas. La policía, por ejemplo, no te jode tanto como a tus colegas hombres. Pero más allá de eso, la típica dicotomía hombre-mujer en el arte parece incomodarte. Me molesta mucho el hecho de que la gente le tenga pesar a las artistas: “¡Eres mujer! ¿Cuéntame cómo empezaste?”. Las mujeres tenemos las mismas capacidades que cualquier hombre. Hace poco hablaba con un grafitero súper famoso de Colombia y me decía que nosotras la tenemos más fácil porque somos pocas. No hay muchas mujeres, porque precisamente venimos de una época en la que vivíamos en pro del hombre, como instrumentos de reproducción o las encargadas del hogar. Pero también odio esos grupos que dicen “somos mujeres, vamos a hacerlo todo juntas porque somos distintas”. Últimamente he considerado hacer neomuralismo: trabajos hechos a gran formato con graffiti, sin involucrarme directamente en el graffiti. Así como no me encasillo en el arte, tampoco quiero hacerlo por ser mujer.

“Pinto metáforas y busco cambiar el día de las personas, que imaginen algo distinto”. 55

perfiles ¿Qué pasó con el blog en el que publicabas lo que escribías? ¿Por qué dejaste de actualizarlo?

Hablemos del color en tu obra. Por lo regular tu trabajo es muy colorido, pero en ocasiones te vas por el blanco y el negro. ¿De qué depende uno u otro camino?

En realidad no dejé de hacerlo, solo que ahora lo hago como algo personal y no público. Antes vivía con mis papás y tenía más tiempo para escribir, hasta había hablado con una editorial para lanzar un libro con textos y obras mías. Algo que influyó en que escribiera menos fue que una vez alguien fue a arreglarme el computador y dañó el disco duro. Ahí se perdieron.

Comencé pintando en blanco y negro, porque en esa época hacía metáforas hacia el pasado. Llegó el punto en que la gente me conocía principalmente por estos dos tonos. Un día me desperté con ganas de cambiar de técnica e irme por un estilo distinto. Así llegó el color.

En tu trabajo como freelance, ¿cómo manejas el tema de la complacencia al cliente que te contrata para hacer una ilustración o pintar una pared? Siempre es difícil complacer, sea al que sea. Me gusta que mi trabajo no se vea prostituido con la idea del cliente y no concibo hacer obras con las que no me sienta a gusto. No toco temas políticos ni religiosos, mis obras tienen un legado más positivo y no me interesa involucrarme en un problema sino en una solución, una distracción para la gente que no va a una galería. Pinto metáforas y busco cambiar el día de las personas, que imaginen algo distinto.

Estos cambios los aplico a todo: mi trabajo, mi vestimenta, mi cabello y mis tatuajes. Me aburro de las cosas y después las retomo. Ahora estoy trabajando mucho con el blanco y negro de nuevo.

¿Improvisas mucho? Todo el tiempo. No me gusta que mi obra se encasille y siga una dirección artística en particular. Muchas veces ni siquiera les obedezco a mis bocetos. Hago un diseño y cuando llego al sitio me doy cuenta de que no es lo que esperaba. Amo improvisar y el rumbo que puede to-

“por amor al arte Me gusta vivir bien, viajar y comprarme mis cosas, no vivir en un cartón”.

mar el trabajo. Así como me he tirado varias piezas, siento que también he mejorado varias. Curiosamente al público le suelen gustar más mis improvisaciones. Cuando les muestro un trabajo que seguí al pie de la letra, su reacción es como “Ok”. Y en muchas de esas improvisaciones los protagonistas son los animales. En realidad no son animales, son demonios, o por lo menos así los veo. Últimamente sí he pintado muchos insectos, pero eso es por el gorgojo jirafa, una especie que se encuentra únicamente en un tipo de árbol de Tasmania. Cada cierto tiempo una de las hembras nace con el cuello largo y hace las mismas labores que los machos, sin sufrir ninguna discriminación. Así me siento: puedo no ser muy alta, pero soy capaz de hacer parte de actividades en las que hay principalmente hombres.

¿Y cuándo empezaste a trabajar geometrías? Eso salió cuando fui a una exposición de arte en donde había personas mayores trabajando con vitrales. Vi el trabajo de ellas y me gustó. Fue una etapa muy corta, pero la gente siguió recordándome por eso, hasta mi papá tenía diversas opiniones, porque creía que este trabajo con muchas puntas era bastante agresivo. Dejé de hacerlo porque me parecía que mucha gente me estaba imitando y este estilo se estaba convirtiendo en una moda.

¿Cómo te la llevas con la crítica? ¿Cómo recibes las opiniones de otros artistas, de los académicos o del público sobre tu trabajo? De mi papá y mis amigos siempre tuve buenas críticas, pero recuerdo que cuando era niña vivía en un barrio donde a la gente no le gustaba mi trabajo. Qué curioso es ver cómo le caes a la gente dependiendo de tu reconocimiento. Cuando salí en televisión.

En tu Facebook estuviste en contra del trato que te dieron en la Bienal de Asunción (Paraguay) del 2015. ¿Qué fue lo que pasó? No estoy de acuerdo con esa victimización de los artistas que dicen que hacen su trabajo “por amor al arte”. Me gusta vivir bien, viajar y comprarme mis cosas, no vivir en un cartón. El arte vale y a los creativos se les paga para darles vida a los lugares donde estamos, de lo contrario viviríamos en miserias visuales. Resulta que el año pasado estuve con otras artistas en una bienal de arte en Asunción, precisamente para hacer unos murales sobre el grito de libertad de la mujer. En Paraguay hay un problema enorme de machismo y en la calle ni siquiera se ven mujeres, todas están encerradas en la casa.No tuvimos las condiciones necesarias: nos dieron los materiales cuatro días tarde y me dejaron con otras ocho personas en un hostal, donde teníamos que hacer fila para bañarnos, mientras a un fotógrafo lo tenían en un hotel cinco estrellas por ir a colgar sus fotos.

¿Por qué te decidiste a exponer en la galería Visaje Graffiti? Visaje tiene una visión particular muy importante. Acá he visto propuestas increíbles de gente que ni sabía que exponía, por eso acepté. No me gusta exponer y las galerías ya me aburrieron, me cansé de que la gente vaya para verte a ti y no a tu obra. En estas exposiciones hay mucha rosca y tienen en cuenta a alguien sólo porque hace parte de algo. Por eso no me gustan tanto los crew de graffiti; muchos de ellos no se conocen y si lo hicieran se odiarían. La calle es un espacio libre donde cualquiera puede pintar.

¿Cómo te va con el trabajo colaborativo? Algo que me gusta de trabajar con artistas como Skore, Franco y Ark es que se nota lo que hace cada uno. Ese es el problema con varios artistas, no se sabía dónde empezaba uno y terminaba el otro. Las colaboraciones son como el sexo, si hay química todo fluye, ni hay necesidad de hablar

Elliot Tupac El peruano que llevó la estética “chicha” a las murallas.

e origen huancaíno crea y diseña desde los 12 años Lettering y Tipografías para Afiches Chicha; estos afiches que surgen en la década de los 80s dentro de un contexto social marcado por el fenómeno musical tropical andino o “chicha” con grupos importantes como los Shapis, Los Ovnis , Alegria, Vico y su grupo Karicia entre otros. Desde el 2004 “ELLIOT TUPAC” reivindica el arte de los Afiches Chichas y empieza a alternar con artistas plásticos del Perú y de otras partes del mundo; realizo murales para la película de Claudia Llosa “Madeinusa” y la galardonada “La Teta Asustada”. Este Año 2010 inicio el año realizando el diseño e impresión de la portada de la prestigiosa revista inglesa Creative Review “. En Octubre realizo tres importantes actividades en Chile: Workshop, charla y exposición, bajo el patrocinio de la Universidad Mayor de Chile, el suplemento “Somos” del diario el Comercio encargó el diseño e impresión de la portada. De esta manera son muchos los diseños para revistas Chilenas y del mundo con su estilo singular enfocado en la temática Chicha y su obsesión en las Tipografías.

Por estos días, el artista realiza un mural en la ribera norte del río Mapocho para el festival de intervenciones urbanas Hecho en Casa. En los 90, cuando Elliot Urcuhuaranga conocía a alguien nuevo y le contaba que en su tiempo libre le gustaba pintar carteles “chicha”, obtenía casi siempre de vuelta una mirada de desdén. En la década justo anterior, la música “chicha”, combinación de ritmos tropicales y andinos, había hecho furor en Perú y el papá de Elliot había aprovechado de instalar un taller donde diseñaba e imprimía los llamados carteles “chicha”, con los que se promovían los eventos musicales de dicho género. Eran anuncios de letras curvilíneas y colores fluorescentes que encendían cualquier muralla gris donde se pegaran. A los 12 años, Elliot diseñó sus primeros carteles y nunca más los dejó, a pesar de que la música “chicha” fue en declive. “Cuando estudiaba Comunicaciones, el estilo “chicha” era considerado chabacano, sin clase. Lo popular y local se despreciaba para admirar lo que venía de EE.UU. o Londres”. Incómodo con este menosprecio y convencido de su talento, el artista hizo un cambio radical: dejó la universidad, se hizo llamar Elliot Tupac y modernizó el taller familiar para vender el estilo “chicha” a grandes marcas, como Cerveza Cristal o Telefónica, lo que lo hizo conocido como el “rescatista del estilo chicha”. Hoy, Elliot Tupac (34) es reconocido en Latinoamérica por sus letras fluorescentes con las que pinta murales en toda Lima. El artista está ahora en Chile participando de Hecho en Casa, el primer festival de intervenciones urbanas que se lleva a cabo en la capital hasta el 25 de noviembre. Desde el domingo, Tupac está pintando un mural de tres metros de largo en la ribera norte del río Mapocho, a metros de la Escuela de Derecho de la U. de Chile, junto al colectivo local La Robot de Madera y al artista Charquipán. “En un extremo hay una niña recostada y en

el otro muchos animales salvajes, en medio estoy pintando la palabra “Equilibrio”. Preferí algo que fuese sencillo y que diera lugar a varias interpretaciones”, comenta el peruano. En los últimos años, Tupac realizó gráficas para las películas Madeinusa y La teta asustada, de Claudia Llosa, diseñó una portada para la prestigiosa revista de diseño inglesa Creative Review y expuso en Miami junto a otros cartelistas de talla mundial, como Obey The Giant, quien se hizo famoso por el retrato de Obama con la leyenda Hope, usada para su campaña presidencial. Fue en 2010, en un viaje a Chile, que Tupac dio su paso definitivo hacia el arte. “Aquí por primera vez sentí que mi trabajo era valorado dentro del diseño. También fui a Valparaíso, donde vi los murales y me sentí golpeado por eso”, dice Tupac. Cuando regresó a Lima se puso a pintar las calles en alianza con otros artistas: así nacieron trabajos como “Antes soñaba”, “Cómo será no ser peruano” o “Cholo power”, pintados en distintos lugares de la ciudad. “De a poco comprendí que mi trabajo no podía ser sólo capricho de colores bonitos, sino que debía tener un mensaje social y de identidad peruana”, dice Tupac.

“De a poco comprendí que mi trabajo no podía ser sólo capricho de colores bonitos, sino que debía tener un mensaje social y de identidad peruana” 59

perfiles Sobre él se puede decir que es un obsesionado de las letras. Le gusta ir por ahí haciendo trazos en su mente que lleva a la pantalla de su computador, a los muros, lienzos y carteles. Su exploración del ‘lettering’ –composiciones tipográficas libres– lo ha llevado a crear abecedarios completos. Los colores fosforescentes también han ido de la mano de sus creaciones. “A mí me sigue inspirando el tema de los matices de los bordados wankas”, explica Elliot.

Identificar un afiche de Elliot Túpac no es difícil. El artista huancaíno es conocido por elaborar desde hace ya varios años distintas piezas utilizando tipografía y colores representativos de lo que muchos conocen como “chicha” con tonalidades intensas que parecen resaltar de las paredes. Esta nueva representación de la cultura peruana llegó a Londres junto a su creador. Gracias al auspicio de la Embajada de Perú en el Reino Unido, Wasps Artists Studio y la Universidad de Newcastle, Elliot Túpac pudo realizar el mural “Fiesta Popular” en el famoso barrio de Notting Hill. Este vecindario londinense es conocido por su diversidad étnica y culturas además de ser el centro del Carnaval de Notting Hill, considerado el más grande del viejo continente. El mural de Elliot Túpac está muy cerca del

famoso mercado de Portobello. Un adolescente Elliot Urcuhuaranga le preguntó a su papá si podía estudiar en la Escuela de Bellas Artes. Le explicó que le gustaba el dibujo y el trazo de las letras. Desde niño cultivaba un gusto por el arte en el taller de carteles chicha que su familia dirigía. Pero don Fortunato no pensaba igual. Movió la cabeza de un lado a otro.

“A mí me sigue inspirando el tema de los matices de los bordados wankas”

“Yo nací en un taller, aprendiendo a hacer carteles. Hay que aclarar que no fuimos los precursores de la gráfica chicha. Nosotros, como muchos más, hacíamos los carteles que nos pedían las agrupaciones musicales. Pintábamos bodegas. Lo que fuera un trabajo era bien recibido”, explica Elliot sobre los inicios. Muchas veces le ha tocado aclararlo cuando académicos y estudiantes le preguntan por su trabajo. No le gusta que lo etiqueten como el precursor de algo. Se considera un exponente más de la cultura popular. Cuando se hizo conocido empezó a firmar como Elliot Tupac. Sin tilde. Asumió el nombre porque así quería llamarlo su padre. Pero en la Municipalidad de Ate lo disuadieron. “Lo van a discriminar, póngale otro”. Don Fortunato, práctico como siempre, resolvió: “Le pondré el de su hermanito que falleció: Elliot”.

Si mira hacia atrás reconoce que su entusiasmo por el cartel chicha y el ‘lettering’ se vio reforzado cuando llegaron los reconocimientos del extranjero. La revista inglesa Creative Review le encargó la portada de su edición de enero del 2010. En el interior del número iba un reportaje sobre el lenguaje visual chicha. Gracias a esa publicación un diseñador chileno lo encontró mientras navegaba en internet. Le envió una propuesta por Facebook. “Participamos en una feria de diseño. Nos gusta tu trabajo, queremos que

Una carrera en ascenso “Conocí a Susana Torres cuando ella vino al taller de mi familia. Preguntó quién hacía los diseños. Después de saludarme, me pidió que la ayude con la gráfica de un proyecto artístico. Dije que sí”, dice Elliot sobre su amistad con la artista plástica. Desde entonces –era el 2004– más artistas como Susana lo llamaban. Además de la empresa que tenía con su familia, iba creando una cartera de clientes. “El 70% de mi trabajo se fue convirtiendo en el diseño digital para empresas”. Poco a poco fue ordenando sus horarios y ahorrando. Quería viajar. Conocer otras ciudades y sus expresiones populares. Eligió Colombia y Chile.

hagas 10 diseños distintos. Te vamos a dar el texto y tú tienes libertad de diseño”, le dijo Pablo Castro, un diseñador chileno independiente. Cuando recibieron su propuesta le plantearon algo más. “Queremos proponerte una exposición en Santiago. Una charla en la Universidad Mayor de Chile y un workshop”. Quería que todo marchara de la mejor forma. Terminó por crear lazos muy fuertes con Chile, los presentaba en boceto digital.

Por su parte, Pablo Castro emprendió una campaña de difusión por todo lo alto. Le decía a Elliot que se iba a convertir en el ‘rock star del diseño’. Agradecía los cumplidos pero trataba de mantener los pies en la tierra. Cuando le tocó dar talleres a estudiantes chilenos ni siquiera salió a comer. Quería que todo marchara de la mejor forma. Terminó por crear lazos muy fuertes con Chile. Le encargaron portadas y otros trabajos. Los presentaba en boceto y en digital. “Eso me permitía entregar un producto final y cobrar lo que tiene que ser. Porque a veces la gente piensa de manera básica. Creen que si lo hago a mano alzada debe costar menos”, dice Elliot. En el 2011 participó de la feria de diseño Trimarchi en Mar del Plata. Fue uno de los que inauguraron la cita. “Allá fue una explosión. Había como 10 mil participantes por cada conferencia”, recuerda. Pero aún con toda esa corriente fuera del Perú lo cierto es que aquí no siempre reconocen su trabajo. “Me preguntan por qué cobro tanto si pinto en lugares públicos gratis. Por qué cobro si solo es un poco de tinta y papel. O por qué cobro por los talleres. Pero no se trata del dinero sino del respeto por lo que uno hace. Cuando voy a lugares humildes doy talleres gratuitos. Pero depende de quién es el público objetivo. No se puede regalar pan a quien tiene y yo, como dicen los cómicos ambulantes, no tomo sopa de aplausos”, dice Elliot. Pero reconoce que no todo es negativo. Hoy en día figuran en su currículum encargos importantes como los murales para las películas Madeinusa y La teta asustada de Claudia Llosa. Sus mensajes cortos y tomados de lo cotidiano hacen que la gente se enganche con ellos. Por eso en Pancho Fierro ha colgado una tela en la que dice: “Todas las Sangres... Pintamos Mejor”. Ese es su llamado a una mayor integración y revaloración de la cultura popular peruana. De la que es un indudable y orgulloso embajador

DE ARTISTA A CONCURSANTE Por mรกs artista que usted sea, si quiere solicitar apoyo financiero para hacer realidad esa idea que tiene en la cabeza, necesita pensar como concursante.

recomendados

o no me he ganado ninguna beca, residencia, premio o pasantía de las que ofrecen las entidades; lo que sé, lo sé porque trabajé en la oficina de convocatorias de una entidad pública. Desde ahí se hace un gran esfuerzo por que la gente participe y entienda qué se le solicita en cada uno de los concursos que se abre.

Así que haga la tarea. Cuando revise las bases y no le quede claro algún aspecto de la convocatoria, hay varias opciones para resolver sus dudas, como jornadas de información, llamar a la entidad (o directamente a la oficina de convocatorias) o escribir al correo de contacto: ellos le ayudarán a aclarar qué es un UPZ.

Sin embargo, por más que se repita, los participantes suelen caer en los mismos errores. Sabemos que los artistas son especiales. Está bien. Pero si no se cumplen los requisitos básicos del concurso al que se postula, ¿por qué piensa que merece ganárselo? ¿Porque su obra partirá en dos la historia del arte? Tal vez, ojalá. La cuestión es que para presentarse a un concurso son necesarios varios elementos y no sólo tenerse confianza en sí mismo.

3. Las reglas son las reglas

Eso sí, a veces se presentan situaciones particulares que cuestionan estos procedimientos, como el caso de la literata que no pudo recibir 45 millones, ¡por no firmar el formulario de inscripción! El problema ahí es que este formulario es una especie de contrato donde se aceptan las condiciones de la beca o premio a otorgar. Y como en todo asunto jurídico, si no hay firma, el documento pierde toda validez.

Los recursos que son destinados para los estímulos que ofrecen, por ejemplo, el Ministerio de Cultura o la Secretaría de Cultura, Recreación y Deporte de Bogotá, son dineros públicos. Sí, esa platica que usted, yo, sus papás, sus amigos, todos, contribuimos a través de los impuestos que pagamos. Así que cuando usted se salta algún requisito y no lo eligen como ganador, es porque la entrega de estos recursos responde a un proceso administrativo que garantice la destinación de los mismos con transparencia e igualdad –oh, el lenguaje burocráticamente correcto.

Tengo claro que cuando digo “jurídico” y “formulario”, ustedes se empiezan a marear. Entiendo que presentarse a una convocatoria no es fácil. De hecho, Rachel Mason, en un artículo presentado por Esfera Pública en 2014, habla del “artista como concursante”: presentarse a las convocatorias es casi un oficio que afecta la producción artística. Por eso comparto algunas recomendaciones. No garantizo nada, como afirmó el señor Jorge Caraballo Cordovez en su artículo “Cómo postularse una beca (y ganársela)”, pero sí les aseguro que algo de esto servirá cuando pasen sus propuestas a las oficinas de convocatorias o, en general, a concursos en estas cosas de la creatividad.

1. Hay que leer No hay de otra. La forma más efectiva de entregar lo que le piden en una convocatoria es saber qué le piden. Y esto sólo se conoce cuando se leen todos los apartes de las bases de un concurso. Si alguna de esas partes no se revisó con cuidado, tratando de entender en qué consiste el concurso y sus requisitos, en la evaluación sabrá por qué no lo seleccionaron entre los finalistas. Puede que alguien le haya contado sobre la convocatoria y usted confíe en la versión hablada. Sin embargo, saber en detalle en cuántas hojas debe presentar su proyecto, en qué fechas, con qué soportes debe radicar su postulación y en qué formatos (incluso hay detalles tan puntuales como el tipo de letra y el tamaño), sólo lo logrará en el momento en que se siente y examine punto por punto las condiciones.

2. Pregunte sin pena Tal como dice la tía: “no sea tímido”. Si usted no sabe qué es una UPZ, pues pregunte. Claro está, haga preguntas cuando se haya leído las bases del concurso (relea el punto anterior, por favor). Antes, va a perder el tiempo porque sólo querrá saber lo que ya está en las bases del concurso.

Al principio de este artículo dije que los artistas son especiales. Y que cuando les piden ciertos requisitos de la vida mundana, puede causarles un debate interno sobre qué es más importante: ¿mi obra o la copia de mi cédula al 150%?

Además, hay algo muy básico en cumplir con los requisitos formales: si usted no presenta alguno (ya sea la firma del formulario de inscripción o las tres copias de su propuesta en sobres separados), lo único que va a suceder es que salga en el primer filtro de evaluación… ¡sin que siquiera hayan visto su propuesta artística! Ahora, ciertos concursos permiten que usted entregue, después de la fecha de cierre, algunos documentos solicitados. Sin embargo, no se confíe. Si puede hacer la tarea en la primera entrega, hágala. Después algo se presentará con la impresora de la miscelánea del barrio y no logrará radicar ese documento.

4. Piense en el jurado Cuando se redacta algún texto el que sea, es común olvidar al lector. Y esto es mucho más habitual cuando hablamos de propuestas artísticas en las que, en muchas ocasiones, sus autores intentan traducir sus obras a un escrito con un lenguaje enredado e incomprensible. Si su propuesta no es clara para su mamá, hay problemas en el planteamiento. El texto es el único medio por el cual usted puede hablarle al jurado sobre lo que quiere hacer y si no es claro, ¿cómo pretende que sea seleccionado? Es cierto que algunos concursos solicitan fotografías, reels o bocetos para ilustrar lo que usted está imaginado realizar. Pero las palabras con las que explique el proyecto son fundamentales para que ese lector el jurado pueda comprenderlo. Trate de que un adulto responsable lea su propuesta y revise si ese performance objetual que transgrede la materialidad de las tendencias neofuturistas tiene sentido.

5. Calcule tiempos y espacios Cuando se prepare, comience a reunir los requisitos con varios días y si es posible, meses de antelación. Evite hacerle caso al colombianito que todos tenemos dentro. Si hoy leyó la convocatoria, y sabe que se cierra en dos meses, pues empiece a organizar su postulación hoy mismo. Todos estos trámites toman tiempo y hay que pensar en las posibles demoras que se presenten. Quién quita que su mamá no entienda su proyecto de performance objetual. Hay que hacer revisiones, ajustar y organizar el paquete. Cuando esté planeando la ejecución de su proyecto, piense en términos reales y no en los del artista que todo lo puede. Para esto hay varios programas de administración de proyectos (yo me quedé en Excel y Google Calendar) que pueden ser sus aliados para poner en tablitas cada una de las actividades con su respectivo tiempo de realización y espacio de exhibición. Es una ñoñada pero seguro este ejercicio lo ayudará, por si llega a ganar, a tener claridad sobre cada paso a seguir. Tenga en cuenta todos los aspectos de producción que sean necesarios para asegurar el desarrollo de su obra. Pregúntese cómo puede contar con los espacios que necesita, si le exigen permisos para esto, si los recursos dados son suficientes para tener listo el producto que quiere realizar… en fin: TODO.

6. Saque el contador que hay en usted En la revisión de las condiciones de la convocatoria, la curiosidad se enfoca en saber cuánta plata se dará. Sí, esta información es vital para imaginarse hermosos momentos de abundancia.No obstante, algunos concursos orientados al apoyo de proyectos de creación, formación, circulación o apropiación, exigen que el proyecto incluya el presupuesto donde se detalle cómo se van a destinar los recursos ofrecidos en el concurso. Para cumplir con este requisito, es vital que haya

recomendados pensado muy bien su proyecto como hablamos en el anterior punto, pero también que usted sepa cuánto cuesta realmente lo que necesita para ejecutar su proyecto. No es recomendable hacer cálculos a la ligera. Como, por ejemplo, incluir esa cifra que su prima le pasó cuando ella alquiló un andamio para pintar la casa. Hay que contactar a los proveedores que le ayudarán con los materiales o con los aspectos logísticos para ejecutar su proyecto. Saber directamente del proveedor cuánto vale un andamio de tres pisos para una semana, es muy diferente a la información que le dio su prima. Así mismo, recuerde que en los anexos de las cartillas, las entidades determinan cuáles son los gastos aceptables y no aceptables para incluir en el presupuesto. En otras palabras, si usted está pensando que con esa plata puede comprar la cámara fotográfica que tanto quiere, está confundiendo el objetivo de estos concursos.

7. Del dicho al hecho Digamos que usted se ganó el premio. Este es el momento de alegría pero también el de poner en marcha todo lo que planteó. Cuando sepa que lo seleccionaron, repase lo que propuso pues, desde el momento de la publicación de los ganadores, usted debe confirmar si asume el compromiso de ejecutar lo que prometió. Es por esto que si propuso el performance objetual no debe terminar haciendo una escultura de yeso. Si bien es cierto que en los proyectos pueden presentarse ajustes en el desarrollo y la ejecución, lo esencial en el mismo no se puede perder. Más de una vez los ganadores han tenido que devolver la plata.

8. ¿Y la foto? Además, en esta era en la que todos nos vendemos públicamente por internet, ¿cómo olvidar llevar registro del proyecto que realizó? Este material será su carta de presentación para futuras iniciativas y el soporte de que hizo lo que prometió. Ahora, si después de cinco años lo que hizo le parece una basura, no importa. Aquí lo que debe tener en cuenta es que es mejor que usted haya guardado esas fotos del performance objetual que no acordarse de lo que hizo y volverlo a hacer.

9. Mi archivo punto com Esta recomendación es parecida a la anterior pero con una pizca de ñoñez. Es posible que usted vuelva a presentarse a un concurso y de nuevo tenga que reunir los papeles que le piden. Esta tarea la puede evitar si crea un archivo virtual, en plataformas como Dropbox o Google Drive, donde tenga digitalizados todos los documentos para que no tenga que jugar al detective cada vez que se presente a un concurso. Igualmente, cada vez que usted haya sido seleccionado, cerciórese de guardar los documentos que soportan que usted fue ganador (como la resolución de ganadores, por ejemplo). De esta forma, cuando pase su hoja de vida a otro certamen, ya tiene listos los papeles y puede evitar hablar con la oficina jurídica a última hora.

10. Aprenda a ganar y aprenda a perder Si usted resulta ganador de una convocatoria, recuerde que asumirá unos deberes con la entidad. Tendrá que presentar informes, realizar sesiones de socialización, cumplir con trámites burocráticos para que le desembolsen el dinero… Mejor dicho, si es seleccionado, está bien que celebre pero prepárese para la fase de los trámites finales.Por otro lado, como asegura Ivonne Mendoza, anterior coordinadora del proceso de fomento de la Secretaría de Cultura, Recreación y Deporte de Bogotá, “la gente que pierde nunca consulta por qué le fue mal”. Si usted no fue elegido, saber en qué falló le puede permitir volver a presentarse y esta vez ganar, no se limite a decir que fue rosca o mala suerte. Si su propuesta fue evaluada, solicite los comentarios de los jurados cuando lo permita la entidad. Así sabrá, desde la mirada del jurado, qué hace falta, qué no incluyó o qué tiene que afinar

Nota final Querido lector, en caso de que usted esté leyendo esta última parte del artículo, es claro que le quedó grabado el primer punto de este decálogo. Qué alivio. Usted está un paso más cerca de ganarse un concurso del sector público cultural del país o incluso unas boletas para un concierto a través de una revista tan poco seria.

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Pegatina Criolla “Mi contribución al mundo es mi capacidad de dibujar. Quiero dibujar tanto como pueda y durante tanto como pueda.”

Según la RAE: Pegatina 1. f. Adhesivo pequeño que lleva impresa propaganda política, comercial, etc.

Criollo, lla. (Del port. crioulo, y este de criar). 4. adj. Autóctono, propio, distintivo de un país hispanoamericano…

DESCUBRIENDO LA INSPIRACIÓN “PEGATINA CRIOLLA es la traducción de un ente dibujado que ha sobrevivido de los egos, los fanatismo colectivos y las sonrisas de porcelana, que se mantiene cuerdo con sus amigos imaginarios y sus textos con mala ortografía y redundancias gramaticales”. Egresado en las artes de la publicidad hace más de 3 años, este bogotano es dibujante de historias diarias hace más de 8 años. El desconcierto y cierta desilusión se dejan ver en las esquinas de sus ilustraciones, en sus personajes con sombreritos, ocultando con pocos trazos los mismos mundos que insinúan. “La inspiración está en todos lados, desde tu casa hasta en el bus que coges para ir al trabajo, universidad o a visitar a la novia, la misma gente que se te atraviesa por la vida, los diferentes movimientos culturales que existen o que se inventan, la música y el mundo”.

SOBRE EL ESTILO Ante la pregunta evidente, afirma que: “Estilo no lo llamaría, sería mejor discurso dibujado, el estilo se lo dejo a los estilistas o a los fantoches que se hacen llamar artistas o ilustradores calificados por los premios y las galerías de pared blanca”. Sus composiciones de pocos colores resaltan estados de ánimo o hace énfasis en sus ideas y cosmovisión del mundo. “Uno llega a este discurso básicamente cometiendo muchos errores, es decir, dejarse llevar por la experimentación llamada bocetación y la experiencia cargada de insomnio con agua de panela y constancia”. Pegatina Criolla es un ilustrador cuyas imágenes tienen tanto fuerza como simpleza, y definir su estilo no es tan sencillo, pues como queda expresado en Tengo la regla axilar, reportaje publicado por VICE Colombia, es fácil acceder o sumergirse en sus ilustraciones, pero mientras más observamos esos personajes entre aterradores y adorables, los mensajes no explícitos se disipan, los detalles emergen a la vez que las obviedades se camuflan. “A mi discurso lo llamaría El diario del Pega”. En relación a la incorporación de textos en sus imágenes, “la idea es que el texto sea más llamativo que la imagen, ya que muchas veces la imagen habla por sí sola…pero quiero ir más allá de una bonita imagen y la complemento con textos pensados, es decir, hay una redacción previa o un primer texto que se va puliendo”.

EL FORMATO Y LA INFLUENCIA El trabajo del Pega discurre entre la virtualidad y la realidad, entre el papel y el muro, y su comprensión de los formatos pasa por su versatilidad y las posibilidades inherentes a cada formato, un “gusto” que se debe a “su adaptabilidad y a la infinita posibilidad que existe para interactuar con ellos”. “El papel es el mejor lienzo que puede existir, porque te apropias de él como si fuera una escultura, la puedes voltear, recortar, hablar con ella, y sobre todo experimentar. El muro es un reto de proporción, composición y armonía con el espacio”. Y sobre el trabajo digital dice que “es rápido pero a veces es algo muy frío y superficial”.

“Los tres formatos se complementan muy bien para hacer una imagen: puedes empezar con una simple línea en una hoja de papel y después duplicarla en tu ordenador, y por último componer una exquisita producción en el muro de la vecina”. Hablando de sus influencias, Ha tenido la oportunidad de conocer y compartir personalmente con algunos de sus colegas (“aquellos que hacen cosas increíbles”), que son a la vez sus principales referencias: Saga Uno, Ark, Jim Pluk, Dipacho y Electrobudista.

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TRES CONSEJOS DEL PEGA Si usted es niño, niña, joven, jovencita o adulto mayor, y quiere incursionar en este bonito oficio del dibujo: 1. Deje de decir “No sé dibujar”. Todos pueden hacerlo, todos pueden dejarse llevar por él. 2. Experimente y cometa muchos errores. 3. Dibuje sin pretensiones de grandeza y estrellato, solo diviértase

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“La Guía’’ Cómo hacer Musgo Graffiti paso a paso

ntes de entrar en nuestra guía en hacer graffitis musgo, vamos a hablar sobre el impacto de la pintura en el mundo del graffiti. Obviamente pintura no es el medio más ecológico para la expresión artística. Un número significativo de estos productos contienen sustancias que pueden ser perjudiciales para el medio ambiente, tales como plomo, cadmio, formaldehído, los CFC en la pintura de aerosol, y muchas otras sustancias tóxicas de manera similar. Una alternativa al uso de pintura es el uso de musgo en su lugar. Este medio no es sólo ecológico, sino también crece con el tiempo.

Elegir el lugar adecuado Las áreas que están expuestas al sol durante todo el día no son propicias para el crecimiento de musgo. Musgo necesita una cierta cantidad de luz del sol con el fin de sobrevivir. Debido a que el musgo es técnicamente una planta, la zona también necesita ser lo suficientemente húmeda para permitir el acceso de musgo de agua suficiente para crecer. Una pared interior de la casa también se puede usar con tal de que satisfaga estos criterios. Si la mancha no recibe la luz del sol, una o más bombillas se pueden usar para simular la luz del sol.

Planificación La pieza pintada Buena obra de arte requiere preparación cuidadosa. Un sitio para los graffiti primera debe ser seleccionado. El sitio debe ser de un material que es lo suficientemente porosa para permitir que el musgo se arraigue. Un plan tentativo sobre cómo se verá a continuación, debe ser grabado en la pared elegida usando tiza. Esto asegurará que lo que se pone arriba no es fortuita o amateur pero algo que va a añadir un ambiente artístico de la zona.

Reunir los materiales Una vez que un plan tentativo se ha dibujado con yeso, ahora es el momento de recoger los materiales necesarios para batir a cabo la pintura de musgo “. El ingrediente más importante es musgo. Sobre un puñado o, al menos, dos matas de que sería suficiente, pero teniendo más no estaría mal. Moss no es muy difícil de encontrar. Es común en la mayoría de los lugares que reciben una cierta cantidad de luz solar tal como la pared de la valla. * También se necesitan dos tazas de suero de leche (El yogur puede ser utilizado como un sustituto). * 1 media una cucharadita de azúcar * 2 tazas de agua (cerveza también se puede usar en su lugar) * Un estándar Blender * Paintbrush * contenedor para el acabado producto * el jarabe de maíz también puede ser necesaria en algunos casos para aumentar la consistencia

Preparación del musgo para procesamiento Lave cuidadosamente el musgo. Asegúrese de que los trozos de suelo que se encuentran en sus raíces se eliminan por completo, o al menos tanto de él como sea posible. Los macizos de musgo se rompen aparte aún más en piezas más pequeñas. Esto hará que sea más manejable y más fácil para la licuadora para trabajar.

Mezclar todo junto Coloque el roto musgo de lavado, en la licuadora. Añadir las dos tazas de suero de leche, las dos tazas de agua, y la media cucharadita de azúcar. Mezclar esta mezcla hasta que es completamente lisa. Ahora, utilice el pincel para poner a prueba la consistencia de la mezcla combinada. Si se le escurre como la pintura con exceso de humedad, añadir el jarabe de maíz a continuación, mezclar de nuevo la mezcla. Repita este paso hasta que se alcanza la consistencia suficientemente viscoso. Si la mezcla es demasiado espesa, esto puede ser fácilmente remediado mediante la adición de agua.

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Una vez que la mezcla de pintura musgo tiene la consistencia deseada, la transferencia a otro recipiente con una tapa. Séllelo por el momento hasta que se produce una cantidad suficiente de esta pintura “mezcla. Si la mezcla se va a utilizar más tarde, guárdelo en el refrigerador.

Un cuchillo sin filo o incluso un trozo de madera dura se pueden utilizar para lograr esto. Algunas personas usan mangueras de agua de alta presión, pero esto requiere más experiencia y una mano más firme. Y quién sabe, podrías ser la próxima Banksy del arte del graffiti musgo.

Aplicar la pintura de musgo

Una vez que se haya completado el graffiti, almacenar el exceso en el refrigerador. Esto asegurará que un suministro está a la mano para su uso en días en que hay que añadir una capa adicional de musgo.

Un pincel es el medio más común de aplicación de la mezcla de musgo en la pared. Pulverizándola sobre la pared es otro método. El musgo, sin embargo, a menudo no tomar fuerza tan rápido como cuando se utiliza un pincel. El musgo se utiliza como pintura “es un ser vivo. El método más dura de pulverización en la pared no ayudará a que se arraigue con eficacia. El uso de un pincel es una forma más suave para aplicar la mezcla.

En resumen Musgo graffiti no es difícil de lograr. Se necesita una planificación cuidadosa como cualquier actividad artística. También se necesita tiempo para hacer la mezcla de pintura musgo y asegurar que el musgo arraiga y crece adecuadamente. El atractivo de restauración ecológica y la solidez de la pieza pintada producida es bien vale la pena sin embargo

El musgo ayudar a echar raíces y prosperar El primer par de semanas son críticas. El graffiti musgo debe ser empañado usando un pulverizador de agua una vez cada dos días para mantenerlo húmedo. En los días en que no se produce el rocío de agua, aplique una capa adicional de musgo pintar “mezcla. El mejor momento para poner un graffiti de musgo son las estaciones de primavera y otoño. Hay suficiente humedad en el aire para nebulización o la aplicación de una nueva capa de musgo de la pintura “puede hacerse una vez a la semana. Supervisar las pintadas de musgo sobre una base regular para asegurarse de que se mantenga húmedo. Esto animará a su crecimiento.

La eliminación de musgo pintada

Plantillas también se pueden utilizar para crear una imagen precisa o graffiti. Estos pueden ser cortadas de cartón de desecho por toda la casa con la forma deseada. Otro método consiste en cubrir toda la superficie con pintura de musgo “, permita que se arraigue y crezca, a continuación, recortar o eliminar partes de la misma para producir la pieza de graffiti.

Cuando uno se aburre del mural o una etiqueta, raspando el musgo no lo hará. Las pequeñas partículas de que todavía pueden permanecer para reproducirse. La forma más eficaz para eliminar por completo el musgo es rociarlo con jugo de limón . Esto matará el musgo y eficaz eliminarlo de la media. El graffiti también se puede modificar de esta manera. Utilice una plantilla de modo que sólo las áreas en las que el musgo se va a quitar se expone.

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Handiedan E

l arte de la artista holandesa Handiedan (1981) implica un recorte complejo y mezcla de pasta de montaje de equipo y collages escultóricos cortados a mano muy detallado, complementado por concienzudamente recogidos marcos ornamentales antiguos. Construir de varias piezas clásicas del cuerpo pin-up, la forma femenina se destaca sobre un telón de fondo de los diseños neoclasicismo barroco y victoriano. Todos los vaciados de las monedas internacionales y sellos, ornamentos antiguos de la partitura, naipes, vitolas, papeles asiáticos con artículos personales y dibujos. Intrincada y meticulosamente elaborado, los collages representan la acumulación gradual de ambas capas en su trabajo y su auto proceso de trabajo. Handiedan construye por primera vez su diseño digital a partir del material recogido collage y dibujos. Luego se vuelve a generar el diseño en un collage de múltiples capas meticulosamente cortados a mano con elementos añadidos con precisión. Un rompecabezas visual compleja y laberinto de capas collage y papel, indistintamente entremezclados, que destaca outin alivio. Handiedan trabaja en serie. Esto basta como una exploración personal ecléctica u opinión de viaje y el proceso de su diseño principal. Con cada pieza en cada papel, madera o metal oxidado antiguo, o un tamaño diferente, que contiene diferentes elementos de collage y detalles resultar en una historia, la emoción y la hora dimensión diferente dentro de cada pieza.Al tener una mirada más cercana a una pieza, la principal forma femenina estética y erótica funciona como el portador de las historias que se encuentra debajo

y sobre la superficie. A través de las capas de papel y collage fusionados con el fondo ornamental, pequeños objetos y rarezas interactúan con sus garabatos de caracteres y la pluma cartoonesque dibujadas acribillados a través de su trabajo de collage.

EN CONVERSACIÓN CON... HANDIEDAN Con el nuevo trabajo del artista holandés Handiedan, la apertura el sábado, 6 de abril de 2013. Handiedan crea piezas elaboradas collage tridimensionales a partir de un método de cortar y pegar de re-ensamblaje. A partir de la imagen icónica de la chica pin-up de la vendimia, popularizado en los años 30, el artista crea imágenes complejas a partir de una combinación de patrones, imágenes figurativas, y el símbolo. Sus materiales son vaciados de una amplia gama de divisas culturales impresa. Apropiándose de todo, desde los sellos, y de curso legal, a los patrones de papel de origami, y motivos de hoja de música histórica, la obra del artista es una combinación de re-diseño y la agregación. Sus composiciones de capas múltiples de transformada encontraron dos imágenes dimensionales, literalmente, re-imaginar que en un alivio. Instalaciones y la habilidad de Handiedan en el diseño gráfico, la ilustración y la fotografía, es inmediatamente visible en sus obras complejas. Gráficamente sofisticado, su ensamblaje real implica un componente escultórico muy detallada. El artista incorpora madera y otros materiales para aumentar las superficies y aumentar su dimensionalidad. A veces las obras se sienten como los puzzles visuales complejos, con elementos de dibujo y figurado de manera intercambiable entremezclados. El grado de complejidad y la profundidad es impresionante. Un pastiche de estilos históricos, el artista toma prestado desde el Barroco hasta el Neoclásico, y de la Victoria para las épocas de posguerra. Handiedan explora la belleza como un proceso de agregación y re-construcción, mientras se re-ensambla

recomendados los encontrados en composiciones altamente detalladas. El artista también incorpora elementos sutiles de dibujo tatuajes pequeños, y garabatos de tinta de bolígrafo aparentemente al azar para recordarnos de su agencia en la toma de la obra, y para interrumpir estratégicamente su ingeniosamente ilusiones re-utilizados. Internacionalmente exhibido, Handiedan ha demostrado ampliamente. Su trabajo es actualmente parte de una encuesta muestran Museo significativa titulado: HEY! Arte moderno y cultura pop II en Musée La Halle Saint Pierre, en París, Francia.

¿Dónde estás viviendo y trabajando en este momento? Vivir y trabajar en Amsterdam.

¿Por lo menos parte favorita de hacer arte? Y su parte favorita ...

Mi parte menos favorita sería plazos y mi parte favorita, ver un pedazo del collage de venir a la vida poco a poco y cómo evolucionan en un todo.

Medio favorito para trabajar con?

Collage. . De cualquier forma digital o manualmente Última muestra de arte / exposición que viste: Soy la honestidad debe decir que no he encontrado el momento de ver a cualquier espectáculos durante los últimos meses, debido a la creación de nuevo arte mismo. Yo sin embargo uno a la recepción de apertura de la “HEY! Arte pop moderna Cultuere “exposición en el Museo de La Halle St. Pierre en París, donde cuatro de mis piezas están a la vista en el momento. Al ver este espectáculo museo en persona realmente me dejó alucinado!

la forma femenina se destaca sobre un telón de fondo de los diseños neoclasicismo barroco y victoriano. Todos los vaciados de las monedas internacionales y sellos, ornamentos antiguos de la partitura, naipes, vitolas, papeles asiáticos con artículos personales y dibujos.

Si usted podría colaborar con un artista, vivo o muerto, ¿quién sería? MC Escher. Mi inspiración de antaño.

Colaborando con los elementos gráficos y illusional. Artista (s) que le inspiran?

Daniel Martín Díaz, Siscott, Silencio, Jeff Soto, Brian Dettmer, Sylvia Ji, Lindsey Carr, Eduardo Recife, Greg “Craola” Simkins, Anton Corbijn ... MC Escher, Picasso, Braque, Eduardo Paolozzi, Alberto Giacometti ...

¿a qué hora del día son lo más productivo?

En realidad todo el día. Siempre y mi correo electrónico se apaga. Actualmente escuchando? Principalmente techno, house, y Chill House

¿Cómo se toma su café ? Negro Americano

Última comida? Pollo al curry

últimos tres lugares donde ha vivido?

Sprang - Capelle, Breda y Amsterdam (Todo en los Países Bajos)

la última vez que viajó? Para donde? París, en enero

del sitio web al que más vergüenza que visite todos los días? Hmm ... supongo que no tengo ese tipo de sitios web ...

Una cita que se ha pegado con usted?

Ama lo que haces y haz lo que amas lo más triviales sabes,Cuando uno se mueve, el tiempo pasa más lento para el observador. Y si a uno le gustaría envejecer más lento, se tiene que mover en el espacio debido a las diferencias en la gravedad y la velocidad. Ir Einstein! La dilatación del tiempo, el espacio-tiempo.

GPA de escuela secundaria?

8 (cálculo de la escuela secundaria Europea)

Por lo menos artística premio que te han dado?

El único premio que se me ocurre es que he ganado un libro sobre los enanos durante una competición de colorear con temas enana cuando estaba trabajo más extraño que has hecho para pagar el alquiler de venta de queso en un supermercado de bricolaje, hágase una pregunta que no y responder a ella.

Guantes ... con o sin dedos: sin!

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sitio del artista: www.handiedan .com “universo elegante” Galería Thinkspace abril 6 a 27

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Andre Calle 86

sí es la forma de vida para el hombre que los artistas y los aficionados llaman calle Andre, el señor A. o Monsieur André. Su imagen icónica de una caricatura de cabeza redonda con sonrisa diabólica y el ojo X-guiño lo estableció como un artista de gran avance en un momento en el alfabeto proporcionó el material para el arte más graffiti. Al mismo tiempo, la élite lo conocen como André Saraiva, provocador, empresario de todo el mundo y narrador de voz suave. Es un jet set internacional con intereses comerciales en todos los rincones del club nocturno del mundo. Su cartera contiene diseños para los fabricantes de la alta costura y licores de lujo, e incluye el trabajo como consultor de la revista y hotelero. En agosto de 2011 artículo de GQ refuerza su condición de chi-chi.

Por cuenta propia de Andre, que ha marcado el señor A. un promedio de 10 veces por día durante más de 10 años. Otra leyenda Andre cuenta la historia de la época en que se disfrazó como un empleado municipal con el fin de obtener un mayor acceso a los espacios alrededor de París “el engaño le permitieron etiquetar hasta 50 imágenes en un solo día. Sea o no estas historias implican alguna licencia dramática, Andre menudo ha profesado que creó frenética y compulsiva. En la década de 2000, Andre estableció su serie “Amor de la pintada”. Estas obras destacadas expansiva rociado pintadas primeros nombres, a menudo enmarcado por hileras de pequeños corazones. Recibió rápidamente las solicitudes y luego comisiones para estos sujetos.

Andre pertenece a dos mundos a la vez, pero está claro que lo que su corazón pertenece. Descubrió su pasión en el graffiti y encontró un hogar en la luz nocturna de París. Décadas después de su primera bomba de color rosa, que sigue siendo esencialmente un niño de la calle, un niño de graffiti.

El nacimiento de Monsieur André Saraiva es parisina a modo de Suecia a través de Portugal. Sus padres huyeron de la revolución portuguesa y el dictador Antonio de Oliveira Salaz, estableciéndose temporalmente en Uppsala, Suecia. Andre nació allí en 1971. El momento sigue siendo incierto, pero Andre llegó a París en la primera mitad de la década de 1980 entre las edades de 10 y 13. Con un talento para el dibujo y el desconocimiento de la lengua francesa, André se hizo atraído por la cultura underground de los artistas de graffiti. Mirándolo años más tarde, Andre visto la expresión no verbal como una progresión lógica y natural para él. Él ganó notoriedad calle temprano para bombardear su nombre en rosa chillón. Eso fue durante la infancia de la pintada en París, cuando la mayoría de los artistas se concentraron en el etiquetado de las letras y los nombres con el fin de ganar la atención de los compañeros (sin, por supuesto, ganando atención por parte de la gendarmería). Andre ha hablado romántica y sentimental de aquellos primeros días, describiendo su existencia día a día como una forma de espíritu libre de la vida. De acuerdo con Andre, la comunidad de la calle de su tiempo llevó a cabo una gran visión, proclamando que el graffiti es “una nueva manera de dejar la ciudad respirar.” Una vez en cuando, se las arregló para ganar un poco de dinero de sus dibujos. En otras ocasiones, cuando tenía hambre, se había pato en un supermercado y ayudarse a sí mismo a lo que necesitaba. Las noches eran largas, y él y sus amigos buscaban cualquier tipo de refugio en el que tomar descansos “puntos calientes París eran los únicos lugares abiertos y discotecas pronto se convirtió en su segunda casa.

El trabajo de la firma Un contemporáneo de Zeus y Invader, Andre logró su estado popular en la década de 1990 gracias a la creación de la imagen de la firma del dibujo animado de, señor A. El nombre se ha convertido en intercambiables tanto para el artista y su caricatura. Sin registro oficial, el primer avistamiento se alega del señor A. personaje se produjo en 1994. A finales de 1995, con una sonrisa de Andre, guiño carácter había infiltrado en la lona urbana de París.

recomendados Celebridad Cuando descubrieron los coleccionistas de arte de la calle, descubrieron Andre y el señor A. también. empresas del artista, y aventuras, crecieron rápidamente con su nueva estrella. En 2004 se abrió la discoteca Le Baron en un antiguo burdel de París. En 2006 se convirtió en socio de un club de Tokio, así como de Nueva York notorio, semi-privada Beatrice Inn. Como imperio vida nocturna de Andre expandido, también lo hizo su arte comercial. Para el año 2009 corrió su propia boutique de París, y luego diseñó la etiqueta para la gama alta de Belvedere Vodka IX. Apareció en varias escenas de la película de 2010 de la calle del arte de Banksy “Exit Through the Gift Shop”, y llevó a cabo su primera exposición individual. Su trabajo ha sido exhibido regularmente en el interior a través de galerías y museos en ambos lados del Atlántico desde entonces. El éxito comercial ha impulsado el carácter del señor A. en el reino de los juguetes, adornos y prendas de vestir. Por mucho que el artista Andre alcanzado el graffiti influencia calle construida en gran volumen, que ha logrado el éxito empresarial con su instinto para subterránea elegante. lo acreditan la propiedad de bares de París, Tokio y Nueva York. Es dueño de piezas de hoteles, una revista y su propia línea de ropa. Ha sido consultor editorial y ha creado diseños para Givenchy y Louis Vuitton.

“El graffiti es más sobre la acción de su resultado.” Pero dedos y el pulgar de Andre cuentan la historia real, que muestra el impacto de la celebración de un cilindro metálico duro y presionando sus boquillas cientos de miles de veces. Llame a un riesgo laboral, un tatuaje mutantes gracias a la vida como artista de la calle de la vieja escuela. Se puede retrasar por una reunión de negocios, apareciendo tarde con las manos descoloridas. Si se le pregunta, Andre se encogía de hombros y explicar que es simplemente una dosis de pintura fresca, la evidencia de una pared que tienta al pasar. ¿Qué más puede hacer un niño de graffiti? Después de todo este tiempo, Andre no tiene otra opción. Como se explica claramente, “Una ciudad sin graffiti es una ciudad muerta”

sitio del artista: www.andrecalle.com

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¿CÓMO HACER UN ESCÁNER DE NEGATIVOS CASERO? le contamos cómo puede hacer un escáner de negativos con materiales que encontrará en su propia casa o en cualquier esquina.

o hace falta diploma para realizar este proyecto casero. Sin embargo, tenga en cuenta que si tiene problemas motrices o es menor de edad, le conviene ser asesorado por un adulto responsable. Lo primero que tiene que hacer es rebuscar en el cuarto de San Alejo o la miscelánea y conseguir los siguientes materiales: Caja de zapatos Alicates Cable Clavija Cinta negra Roseta Bombillo Hojas blancas Cartulina negra Negativos Marcadores Tijeras Destornilladores Regla Pegamento (aquí usamos cauchola) Cámara fotográfica digital Un programa de retoque fotográfico Cuando tenga todos los materiales asegúrese de que la mesa sobre la que va a trabajar sea estable (y que sirva para trabajar, que no sea delicada) para que no termine con un fuetazo en una nalga por andar dañando los muebles de la casa. Ahora tome la caja de zapatos. En la cara superior (tapa) coloque el negativo y con los marcadores haga los puntos de cada extremo de una de sus imágenes. Luego, con la regla una los puntos haciendo el rectángulo. Asegúrese de que sea de las mismas dimensiones que las de su foto. Lo siguiente que debe hacer es abrir la caja y, en la parte interna de la tapa, hacer dos líneas verticales de pegante como se ve en

el video y pegar una hoja blanca, pero solo los dos extremos para que la hoja quede ondulada hacia adentro de la caja. Esto hará que la luz sea pareja. Sigue el visor: tome la cartulina y corte una tira de diez centímetros de ancho, aproximadamente, y a lo largo corte varias pestañas, enróllela hasta que quede del tamaño apropiado para que se vea el agujero rectangular que le hizo a la tapa y péguela. Mientras se seca, tome otra hoja blanca y marque los puntos de cada extremo del negativo completo tres veces y hacia arriba. Doble en esas líneas y, antes de pegar, revise que su negativo se pueda mover sin problemas dentro de esta pieza (la idea no es que se quede pegado para siempre). Cuando el pegamento se seque, haga en el centro un rectángulo del mismo tamaño que el de la tapa de la caja que hizo anteriormente. Ahora pegue la pieza de papel blanco sobre la caja y que coincidan los dos rectángulos. Haga un círculo negro con un marcador del mismo diámetro del visor que hizo anteriormente. Aplique pegamento en las pestañas del visor y ubíquelo teniendo en cuenta que los rectángulos queden en todo el centro del cilindro. Ya está a mitad de camino. Viene la parte más importante, en la que debe tener más precaución. Tenga un extintor a la mano y déjese ayudar de alguien que sepa, no sea terco. Tome el cable y separe un poco las dos puntas de un extremo y con el alicate córtele un poco las puntas, pero solo la parte plástica, no el cobre del interior. Enrolle los pelos de cobre un poco para que queden todos unidos. Haga lo mismo en el otro extremo. Tome una de las puntas del

recomendados primer extremo y ubíquelo en uno de los extremos de la roseta y, con el tornillo, ajuste bien la parte de cobre. Haga lo mismo con la otra punta. Enrosque la otra pieza de la roseta y envuelva con cinta negra (aislante) toda la superficie inferior. Ahora quite el tornillo de la clavija y dele lugar a cada una de las puntas del segundo extremo y ajuste bien los tornillos, enrolle con cinta la parte interna que se aísle una punta de la otra y vuelva a cerrar la clavija. Ponga el bombillo en la roseta y conecte el cable en un tomacorriente con precaución: si llegan a salir chispas, quiere decir que no aisló bien los cables. No se asuste y desconecte rápidamente. Cuando todo ese paso se haya logrado correctamente, haga un orificio cuadrado en la caja por el que quepa el enchufe, deje el bombillo entre la caja y ponga uno de los negativos en la pieza blanca, verá su imagen con buena luz, en negativo. Tome la foto a la imagen, asegurándose de que esté bien enfocada. Baje la fotografía a su computador y, en el software que utilice, busque la opción de invertir el color, con esto podrá ver su imagen en positivo y trabajar los demás retoques que quiera realizar. Ya terminó y tiene su herramienta hecha. Pero ahí no termina el trabajo: reviva las memorias de su familia, sus recuerdos de infancia y enséñele a sus papás y abuelos esta técnica, se sentirán contentos de ver que se puedan revelar las fotografías con tanta facilidad

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Ser artista no es dárselas de artista Lograr un mérito artístico requiere toneladas de trabajo y de talento, no sólo creer en uno mismo o amar lo que se hace: las ganas y los impulsos sirven poco cuando la autoformación y las bases técnicas o teóricas apenas pasan de meras nociones.

aratustra, el memorable personaje creado por Friedrich Nietzsche, les ordena a sus discípulos que lo apedreen y después lo abandonen una vez haya concluido su temporada de aprendizaje mutuo con ellos. Impone esta violenta medida porque teme que los aprendices se aferren demasiado a las palabras del supuesto maestro y las tomen como el único camino, la única verdad; porque sabe que en el fondo si no desatan los lazos con el tutor, con el policía del conocimiento, jamás podrán hacer su propio camino en soledad y en búsqueda personal. La respuesta de los discípulos es predecible: no le hacen caso. Ni lo lapidan ni lo abandonan. Zaratustra termina huyendo. Toda relación pedagógica debería tener maestros como Zaratustra, personas que no se crean autoridades infalibles, y alumnos que no fueran dependientes ni serviles. Por desgracia en la vida real esto no siempre es así. Los que pretenden enseñar rara vez brindan herramientas para hacer un sendero autónomo. La mayoría de quienes reciben las sugerencias, los consejos del entendido, del profesor, le tiene miedo a controvertir lo aprendido y a emprender rumbos propios porque es doloroso, porque se puede fracasar. Y estamos en una sociedad de gente obligada al éxito: a nadie le está permitido errar o realizar intentos muchas veces.

No hay camino, dijo el maestro. Y si acaso hubiera un camino nadie podría hallarlo. Y si alguien por ventura lo hallara no podría enseñarlo a otro.

Estas deficiencias son pan de cada día dentro del mundo corporativo, algo incluso aceptado, casi normal. Sin embargo, cuando aparecen en las artes se vuelven aberraciones que hacen daño. La artista visual Marina Abramovic da una serie de tips o de consejos para artistas jóvenes en un vídeo muy popular: Esas palabras son un arma de doble filo. Porque triunfar y ser artista no son ideas que se lleven muy bien; lo saben quienes se dedican al arte en serio, no hay muchos aplausos, los reconocimientos son mínimos, las remuneraciones escasas. Y porque lograr un mérito artístico requiere toneladas de trabajo y de talento, no sólo creer en uno mismo, ni amar lo que se hace; las ganas, los impulsos sirven poco cuando la autoformación y las bases técnicas o teóricas apenas pasan de meras nociones. También hay que ver quién imparte esa cátedra débil. Abramovic es una profesional del performance y del arte escandaloso, gran parte de su obra está sustentada en golpes mediáticos. Si el arte se redujera a llamar la atención, Marina Abramovic sería ya la más importante artista de todos los tiempos. Ahora es una persona mayor y siente que debe aconsejar. Tiene todo el derecho. Lo imperdonable es la ilusión, la trampa, subyacente en sus exhortaciones. Como si Zaratustra deseara quedarse entre sus discípulos a hacerles las tareas, a impedirles el autoconocimiento y a recordarles que ser artista es simplemente amar ser artista. Las artes contemporáneas están repletas de entusiastas que aplican fórmulas exitosas, copian rutas andadas por otros o se empeñan en convencionalismos políticamente correctos. Flaco favor le hace la señora Abramovic a quienes pretenden escudriñar terrenos desconocidos, pues en últimas si hablamos de arte nadie posee la palabra definitiva, y nadie puede enseñar algo donde justo todos son y seguirán siendo eternos intentadores, aprendices. Lo dijo mejor, con la sencillez que lo caracterizaba, el poeta colombiano José Manuel Arango:

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plantillas grandes plegables. D

e vez en cuando, todos nos planteamos hacer algo grande. Sin embargo, a diferencia de las plantillas más pequeñas, estos son difíciles de ocultar y transportar, lo que presenta muchos riesgos y problemas. Así que aquí estoy proponiendo un método que ha funcionado para mí en el pasado, sobre todo se desarrolló a partir del sentido común. esto funciona mejor para mí que enrollar las plantillas, ya que muchos materiales “recordar” su forma, mantenerse rizado cuando estoy tratando de cinta a la pared. La clave de estas plantillas de plegado es tan barato, cinta de embalaje transparente no recuerda su forma, por lo que se puede utilizar para doblar pequeños segmentos más unos de otros. He aquí un ejemplo: Esta plantilla es de más de 6 pies de largo y se pliega a la mitad de un tamaño cartulina (22 “x14”) , ya que es grande y no muy alto detalle en la inspección cercana, ni siquiera se puede ver diferencias entre cartulina y cinta de embalaje en la final producto: Primero un pequeño mini-tutorial sobre cómo ampliar una imagen en Paint de Microsoft. antes de que yo muestro todas las fotos, permítanme decir que no todo el mundo va a disfrutar de esta forma de agrandar las cosas, porque cuanto más grande que lo convierten en el más grande de los píxeles obtendrá. Salvo que tenga una IMAGEN de muy alta resolución, SU IMPRESIÓN DE SALIDA será muy pixelada. así es como es. si no te gusta, usar Rasterbator o un as cartel o un proyector, que es probablemente la mejor opción. pero aquí va. En primer lugar, abra su imagen en la pintura. a continuación, ir a Archivo, Configurar página. Ahora se puede utilizar cualquiera de ellos, de que ambos trabajen. Yo prefiero usar las páginas de la función páginas porque me puede calcular sobre lo grande que yo quiero que sea. poniendo en porcentajes hace que sea un poco aleatorio. internet me dijo que este dinosaurio es de unos 12 pies de largo en la vida real, por lo que tendremos que hacer 13 páginas de ancho.

RECORDATORIO: Al imprimir, vas a disponer de un margen. DISMINUIR ellos tanto como sea posible para que que recortar PAGINAS MENOS

Una vez que haya establecido el tamaño, vaya a presentar, imprimir y imprimirlo. 9 × 13 es 117 páginas ... Afortunadamente, la mayoría de ellos eran blancos, así que tengo que volver a utilizarlos. Aquí están las páginas impresas antes de recortar. usar una regla a lo largo del borde y una cuchilla afilada. o un cortador de papel, si lo encuentra más rápido. A veces esto lleva mucho tiempo, a fin de ver una buena película mientras lo estás haciendo. Ahora viene la parte difícil: conseguir material a cortar esto de. en este ejemplo yo uso cartulina, pero me he dado cuenta de mylar y acetato de espesor también funcionan bien para las plantillas más detalladas . En primer lugar, decidir lo pequeño que quiere que su plantilla de plegar. cuanto más pequeño que desea, más de preparación que tendrá que hacer y cuantas más piezas que tendrá que cortar. Por esta plantilla, que he elegido para que se pliegue a 1/4 del tamaño cartulina. eso es 11 “x 14” Al cortar su cartulina, que no tiene que ser com-

pletamente recta 100%, pero los menos errores que hacen ahora, más fácil va a ser para usted más adelante en el camino. Aquí hay 2 cuartos piezas de cartulina. que ya están pegadas con cinta adhesiva con cinta de embalaje transparente, pero ya que no se puede ver. Voy a llegar a la parte posterior grabación. Una vez que tenga todas estas piezas cortadas, se puede sentar a cabo en su imagen impresa para hacerse una idea aproximada de la cantidad que va a necesitar. recuerde que debe dejar un poco de espacio entre ellos, aproximadamente la mitad de una pulgada o menos, de la cinta y para que se pueda doblar. Como se puede ver, todas mis piezas están en una forma de rejilla. Esto es clave para conseguir que su ESTARCIDO DOBLAR muy bien. esto significa que se puede doblar horizontal y verticalmente, y que los trozos de cartulina se sentará en la parte superior de uno al otro y las únicas partes que se doblan son la cinta entre ellos. Ahora que ya sabe cuántas piezas que se necesitan y en qué forma, puede comenzar a grabar el material juntos. dejar una buena, incluso brecha entre cada pieza, y la cinta de un lado, darle la vuelta, y la cinta al otro lado así que no es pegajosa. Estas son algunas de las piezas pegadas con cinta adhesiva con cinta adhesiva y cinta adhesiva, que no se debe utilizar. La cinta se debe utilizar para los mejores resultados es la cinta de embalaje transparente, y no del tipo que se anuncia como “usted puede rasgar en la mano - no hay corte necesaria ‘. Eso es una mierda y demasiado gruesa. cuanto más fina es, menos se va a mantener su forma plegada. Por lo tanto cuando se despliegan su plantilla, la cinta se sentará más plana en la pared y no se perderá ningún detalle entre las hojas de cartulina. Seguir añadiendo más y más hasta que esté en la forma que usted puede poner su imagen impresa sobre. El grabar juntos es la parte realmente mucho tiempo, complicado. tratar de conseguir la cinta lo más plana posible, sin ninguna arruga. si alinearlo correctamente y lo hace con cuidado, toda la plantilla debe estar plana. una vez que tienes todo el asunto hiciera juntos, se puede amarrar la imagen impresa a la misma. Ahora sólo hay que cortar a cabo y pulverizarla. se pliega a una grasa de 11 × 14, por lo que debe encajar perfectamente en una bolsa de mensajero. Y esto es todo. plantillas de plegado. Tenga en cuenta, que no es necesario para hacer las piezas que dejan pequeños o que la cantidad de espacio entre ellos. Experimento y me gustaría saber cómo va y / o ver los resultados

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dibujar Letras Graffiti

guía sencilla para la estructura de la letra Por “APM” 98

k, por lo que quiere escribir su nombre, que desea que se vea bien, no es un proceso simple para hacer esto, y lo que voy a compartir los conocimientos necesarios que la mayoría de los juguetes no tienen . Estructura de la carta es esencial en el graffiti, sin ella no tienes nada, no importa qué tan enfermo o su relleno es lo loco sus extensiones son, es todo sobre el bebé letras ...

por suerte, se golpeo en él y pasé más de un año sólidamente concentrarse en la construcción letra, cómo se hacen las letras, lo que funciona etc ... La última etapa que he explicado lata produce casi interminable cantidad de resultados para cada letra, y debe mantener todos los juguetes que hay bien y verdaderamente ocupados, y tomar su mindx fuera tratando de crear algo de mierda wildstyle que no es ni siquiera cerca de sus agarra ...

Vamos a echar una mirada en profundidad a cómo dibujar letras de graffiti derecha. Mira a su teclado, hazlo, hazlo ahora, se puede ver que las cartas que se componen de una serie de líneas? Por ejemplo la letra T se compone de 2 líneas, la letra H se compone de 3 líneas, etc ... Estas letras simples son los esqueletos en el que la va a construir y expandir, no se olvide que ...

Podría tarde en la actualización esto con una guía a las extensiones, y cómo desarrollar la última etapa de este aún más en materia fase wildstyle, aunque hay un par de razones que me retenía, 1. Es donde entra en juego el estilo, cada escritor tiene su propio estilo complementos y extensiones, no quiero algunos juguetes a partir de morder mi estilo ... 2. es donde entra en juego la experiencia ... Una vez que tenga la construcción carta clavado entonces, evidentemente, lo que necesita para seguir avanzando, pero si usted don ‘ t, entonces realmente no quiero ni que pensar en nada más hasta que tenga los principios básicos sólidos grabados en la parte posterior de sus ojos ...

Te voy a mostrar el proceso de cómo llegar desde los muy básicos a una carta bien estructurado desarrollado, usando mi carta favorita como ejemplo: M . La imagen muestra el proceso de obtención de una letra estilizada en el esqueleto, el estilo es una palabra muy fuerte, y es somthing que no se puede enseñar o aprender, solo se desarrolla a través de años de práctica ... En vez de ir hacia adelante y el uso de la final M como los huesos, te voy a mostrar cómo hacerlo con la más simple de la señora, la que está en el teclado!

En fin ... Espero que esto sea de alguna ayuda!

Ver cómo el M ha sido dividido en las 4 líneas diferentes que crea que, a su vez éstos en bares, justo hacia arriba simples rectángulos con esquinas de 90 grados perfectos, Wack ‘em todos juntos y se encontrara en una carta perfecta ... Simple ¿no? (Nota: Bosquejo se hizo en menos de un minuto - si desea crear esa letra perfecta obtener su gobernante a cabo) Ok por lo que es obvio que necesita para desarrollar la anterior hacia arriba sencilla, para que se vea más interesante y peinado y Graff como supongo ... No te adelantes y empezar a añadir algunos culo locas cosas raras en las esquinas, que sea sencillo, cortar la mierda ...La imagen de arriba es casi el mismo que el otro, excepto las barras han sido curvado, shortend, alargado, pero se han mantenido Allways la misma anchura que es crucial en el aprendizaje sobre la estructura de la carta ... Se podría llegar a bastante mucho de las variaciones de diferente cartas sólo por ir a través de las etapas anteriores y que éste, ahora experimentando con las longitudes de las barras o la forma en que la curva, el ángulo que se conectan, etc ... Como he dicho antes, aunque - que sea sencillo .... Ok por lo que esto puede parecer un gran paso, pero si se mantiene simple como que tienen en realidad no lo es ... Mira cómo la letra aún se compone de esos bares, todos ellos han retuvieron el mismo ancho creando un flujo de sólidos a través salida privado, pero esta vez han sido descompone ... en lugar de tener sólo dos barras de reunión, o una barra por sí mismo, he introducido otro bar al final de la misma ... este es sin duda la práctica, cuando entra en ella, viendo lo que funciona y lo que no ... no como se puede ver incluso he roto una barra a la mitad, sin embargo, si hiciera esto a los 4 bares que originalmente formaban la letra, al principio puede parecer un poco exagerado - o sería - tratar usted mismo un averiguarlo ... Realmente es difícil de explicar cómo la estructura de la carta trabaja en Graff, pero es de esperar que puede tener un cierto sentido de todo esto galimatías .... Creo que la regla principal es simplemente que sea sencillo ... Yo no tengo a nadie que me enseñe todo esto, así que fue a través de lo largo de la fase de dibujo y dibujo y el dibujo, incluso cuando se trataba de Simples que todavía se veía jodido porque yo no conocía los directores, que acabo de explicar ...

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Sitios web Wooster Collective www.populardelujo.com

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www.stencilrevolution.com

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Es la página web más completa sobre arte callejero en el mundo. Todos los días cuelga fotos de alguna pared recién rayada en cualquier parte del mundo. Además, tiene una enorme lista de links a los sitios de los mejores street-artists.

Stencil Kingdom Muy similar a la anterior pero dedicada exclusivamente al mundo del esténcil.

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Populardelujo La pรกgina del proyecto colectivo dedicado a investigar, proteger y estimular la grรกfica callejera.

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Agite Magazine De Estudio Agite, quizรกs el mรกs antiguo colectivo de arte callejero en Colombia.

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