1 Estetica fotográfica by Lisibeth

fotografía digital básica nivel I

profesor juan barboza

intoducción Fotografía La fotografía es el proceso de capturar imágenes y almacenarlas en un medio de material sensible a la luz, basándose en el principio de la cámara oscura, con la cual se consigue proyectar una imagen captada por un pequeño agujero sobre una superficie, de tal forma que el tamaño de la imagen queda reducido y aumentada su nitidez. Para almacenar esta imagen, las cámaras fotográficas utilizaban hasta hace algunos años exclusivamente la película sensible, mientras que en la actualidad se emplean, casi siempre, sensores CCD y CMOS y memorias digitales; es la nueva fotografía digital. El término fotografía, procede del griego φως phos ("luz"), y γραφίς grafis ("diseñar", "escribir") que, en conjunto, significa "diseñar/escribir con la luz". Es difícil establecer la paternidad de la palabra, y más aún determinar con exactitud quién haya sido el inventor de la técnica misma, ya que ésta contó con una larga fase preparatoria. Pero podemos decir que gran parte de su desarrollo se debe a Joseph-Nicéphore Niépce, y que el descubrimiento fue hecho público por Louis-Jacques-Mandé Daguerre, conocido también como Louis Daguerre, tras perfeccionar la técnica.

Historia de la fotografía La fotografía nace en Francia en el momento de tránsito de la sociedad pre-industrial a la sociedad industrial, favorecida por la innovaciones técnicas de la época. También influye en su nacimiento la filosofía positivista, que establece que cada elemento de la Naturaleza debe ser probado empíricamente. La burguesía es la clase social dominante del momento, que utiliza el retrato como instrumento de ascensión social, para equiparse o tratar de mejorar a la pintura de la nobleza. En 1816 Niépce obtiene la primera imagen negativa sobre papel con una cámara oscura. En 1826, él mismo, hace su primera heliografía, partiendo del betún de Judea. Se presenta en 1839 en la Academia de Ciencias y Bellas Artes de Francia, como fuente empírica de demostración de la realidad. Tenía utilidad científica, técnica, médica, astronómica, judicial, etnológica...podía ser usada como documento. Por eso, el periódico francés Lumiére dice que "a partir de hoy podremos viajar sin movernos". Ese mismo año, se divulga públicamente el descubrimiento del daguerrotipo, copia única hecha sobre una emulsión o soporte metálico, generalmente de cobre. El líquido, se aplicaba sobre el cobre, se fijaba y quedaba plasmada en él la imagen fotográfica. Casi todos los daguerrotipos eran colocados sobre un fondo liso y oscuro, con una iluminación difusa. Pero era un

producto demasiado caro, pesado, difícil de conservar y precisaba de un tiempo de exposición muy alto. En 1840 William Henry Fox Talbot inventa el primer negativo , llamado calotipo. Consistía en un negativo de papel copiado sobre otra hoja, que por contacto creaba un positivado. El papel se humedecía en una solución ácida de nitrato de plata, antes y después de la exposición y antes de ser fijada. Supuso, además, el invento de la copia fotográfica, ya que un único negativo podía dar lugar a varios positivos y su tiempo de exposición era mucho menor, de 1 a 7 minutos. En 1842 el astrónomo y químico inglés Sir John Frederick William Herschel (1792-1871) introduce el proceso de cianotipia. También fue el primero en aplicar los términos "positivo" y "negativo" a las imágenes fotográficas. En 1819, Herschel descubrió el poder solvente del hiposulfito de sodio en torno a las sales de plata insolubles, estableciendo un precedente a su utilización como un agente fijador en la fotografía. Informó a Talbot y Daguerre de su descubrimiento en 1839 y que éste podía ser utilizado para fijar imágenes de un modo permanente. Hizo el primer negativo de cristal a finales de 1839. Para mejorar la nitidez de estas imágenes y evitar las rugosidades del papel, en 1850 Blanquart Evrard emplea el papel de albúmina, que conseguía que la emulsión del papel no siguiese las imperfecciones, recubriéndolo con albúmina de huevo y nitrato de plata.

En 1851 se presenta el colodión húmedo, una especie de barniz que se aplica a las placas. Sobre éste se extiende la emulsión química, así como una placa de cristal, superficie transparente y pulida, permitiendo la obtención de imágenes nítidas en negativo o, incluso, positivo. Se llama "colodión húmedo" porque la placa ha de permanecer húmeda durante todo el procedimiento de toma y revelado de las imágenes. Esto suponía que los fotógrafos tenían que llevar consigo el laboratorio fotográfico a fin de preparar la placa antes de la toma y proceder a revelarla inmediatamente. Se generalizó así el uso de tiendas de campaña y carromatos reconvertidos en laboratorios para los fotógrafos que trabajaban en el exterior. En 1871 nace el gelatino-bromuro, que supone el empleo de una placa de cristal sobre la que se exitiende una solución de bromuro, agua y gelatina sensibilizada con nitrato de plata, que ya no necesita mantener húmeda la placa en todo momento, lo que pone fin a uno de los grandes inconvenientes del colodión húmedo. Con esto, se rebaja el tiempo de exposición a un cuarto de segundo, lo que permite acercarse al concepto de instantánea fotográfica. En 1880, el francés León Favre solicita patente para su nuevo sistema de color en la fotografía. En 1888, George Eastman lanza la cámara Kódak. Su gran éxito comercial fue la introducción en el mercado del carrete de papel fotográfico, lo que provocó la sustitución de las placas de cristal empleadas hasta el momento. Posteriormente, lanzó el carrete de celuloide que terminó por emplear una protección que permitía su extracción y colocación bajo la luz ambiente.

En 1931 se descubre el flash electrónico, que se utiliza sobre todo cuando la luz existente no es suficiente para tomar la fotografía con una exposición determinada. El flash es una fuente de luz intensa y dura, que generalmente abarca poco espacio y es transportable. En 1948 nace la fotografía instantánea de Polaroid: una cámara que revelaba y positivaba la imagen en tan solo 60 segundos. Finalmente, en 1990, comienza la digitalización del ámbito fotográfico: las imágenes son capturadas por un sensor electrónico que dispone de múltiples unidades fotosensibles y desde allí se archivan en otro elemento electrónico que constituye la memoria.

“Lo que convierte a la fotografía en una extraña invención -con consecuencias imprevisibles- es que su materia prima fundamental sea la luz y el tiempo”. John Berger: Otra manera de contar (1982).

La fotografía es una mezcla de factores, que requieren dedicación... Tecnología (Equipo)

Técnica Fotográfica (Saber hacer)

Criterio (Educación visual

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El dominio técnico implica conocer los alcances y limitaciones de un equipo para comprender el rango de posibilidades que ofrece. La técnica fotográfica se refiere principalmente a la comprensión del proceso fotográfico y el aprovechamiento y manipulación de la luz.

El impacto de la imagen

Todas las buenas fotos tienen algo en común: generan en el espectador una fuerte reacción emocional, ya sea de alegría, tristeza, repulsión, o simple placer visual.

Composición Fotográfica Aprender a observar es indispensable para obtener buenas fotos El estudio de la composición es la forma de educar el ojo fotográfico Componer es organizar las formas dentro del espacio visual disponible, con sentido de unidad, de forma que el resultado sea armonioso y estéticamente equilibrado

La composición es la estructura del lenguaje visual que nos permite comunicar el mensaje Una buena composición es aquella que dice lo que el fotógrafo quiere expresar

Reglas de Composición (elementos) En las reglas de una buena composición, vamos a encontrar dos aspectos a considerar: Los elementos a jugar en la composición: La atracción de la atención hacia el centro de interés, el motivo de la imagen. La textura y sensaciones de tacto que puede evocar la imagen. La forma y el volumen de los objetos, así como la sensación de profundidad de éstos en la escena.

El contraste como elemento de atracción y resalte: contraste en el tono, el tema, los motivos,... La fuerza del color o su ausencia.

Reglas de Composición (herramientas) Para trabajar estos elementos, para moldear y transmitir mensajes en este lenguaje visual, el fotógrafo tiene a su disposición múltiples herramientas: Encuadre del motivo y su entorno Colocación de los objetos dentro del encuadre

la regla de los tercios la regla del horizonte la ley de la mirada

Enfoque total o selectivo profundidad de campo

El Encuadre El encuadre es aquello que el fotógrafo sitúa dentro de la fotografía, la porción de escena que elige captar. En toda escena suele existir: motivo (aquello que deseamos destacar, el centro de interés, el sujeto y/o circunstancia a fotografiar) fondo (aquello que rodea, sirve de marco circunstacial o refencia que da sentido al motivo). Para resaltar el motivo el fotógrafo debe llenar el encuadre con él, esto es, hacer que ése sea el objeto principal en la escena; de este modo excluiremos del encuadre otros objetos que puedan distraer la atención del espectador sobre lo que el fotógrafo ha seleccionado.

A pesar de lo dicho en el punto anterior, es importante en el encuadre dejar un cierto margen alrededor del motivo para no atosigar la imagen. Este margen actuará como marco del motivo y, por tanto, deberá ser normalmente además igual por todos los lados de la fotografía.

La línea del HORIZONTE suele ser una referencia visual clave para el ser humano. Normalmente ésta debe mantenerse recta, horizontal. La percepción de una línea del horizonte inclinada suele llamar la atención y, si no está justificada, da al espectador la sensación de que los objetos se van a caer hacia ese lado, lo cual no suele producir buenas sensaciones.

Otro factor comunicativo importante en fotografía es la elección del FORMATO del encuadre. La mayoría de los elementos fotosensibles (películas o sensores de imagen) tienen un formato rectangular y habrá por tanto la posibilidad de elegir un encuadre horizontal, vertical o inclinado: cada uno de ellos transmite sensaciones diferentes y tiene su campo de aplicabilidad:

El encuadre HORIZONTAL sugiere quietud, tranquilidad y suele utilizarse normalmente para paisajes y para retratos de grupo.

El encuadre VERTICAL sugiere fuerza, firmeza y es el más apropiado normalmente para retratos (entre otras cosas porque los seres humanos somos más altos que anchos).

El encuadre INCLINADO transmite dinamismo y fuerza y suele utilizarse como recurso ocasional para resaltar estas cualidades en el motivo de la fotografía.

La Regla de los Tercios En fotografía, la regla de los tercios divide a una imagen en nueve partes iguales. Éstas están divididas por dos líneas imaginarias iguales de forma horizontal y dos más de forma vertical. Los cuatro puntos formados por las intersecciones de esas líneas pueden ser usados para efectos de alineación en fotografía. Esta técnica suele aplicarse tanto a los paisajes como a los retratos Puntos de intersección Los fotógrafos y pintores suelen utilizar los cuatro puntos de intersección para ubicar en ellos el centro de atención de la composición y así crear una imagen estéticamente agradable y balanceada. Normalmente el punto de atención o el sujeto principal se coloca en cualquiera de los cuatro puntos y si existiese un segundo punto de atención, éste se ubicaría al lado opuesto diagonalmente, es decir, el punto opuesto.

La Regla del Horizonte Señala que en el recuadro fotográfico deben trazarse, imaginariamente y con una finalidad referencial, tres bandas horizontales de igual anchura, tanto si se esta trabajando en posición apaisajada o vertical, y en la gran mayoría de las ocasiones, darle alrededor de dos bandas a la zona donde se encuentra el motivo principal, y más o menos una banda a la zona secundaria. Ahora bien, por lo general, la amplitud de ambos espacios va a depender de la mayor o menor importancia de cada uno de estos, pudiendo ser casi iguales si la relación entre el motivo principal y el secundario no es tan desequilibrado, hasta reducirse la zona secundaria a solo un pequeño borde si el motivo principal es muy destacado.

La Ley de la Mirada Señala que toda persona, animal o cosa, debe de tener dentro del recuadro fotográfico más espacio libre hacia su frente que hacia su atrás, independientemente de la amplitud de lo abarcado en el encuadre de toma.

Enfoque Selectivo Por profundidad de campo se conoce en fotografía, cine y televisión, el área enfocada que hay en una toma. Pudiendo comprender este espacio toda la imagen; solo una parte de ella, con una zona fuera de foco que pudiera hallarse por delante o por detrás de la parte nítida; o incluso darse el caso de que el área en profundidad de campo sea solo un estrecho margen, antecedido y seguido por un espacio en desenfoque. juan barboza ©2009

La utilidad práctica de este recurso estriba en que nos permite determinar selectivamente la región que queremos resaltar dentro del encuadre tomado, dejando el resto de lo fotografiado sin definición clara.

Perspectiva y ángulo de la toma El ser humano, por su propia constitución física, está acostumbrado a ver las cosas desde aproximadamente 1,60 m. de altura y de frente. Las imágenes así se captan de forma clara y descriptiva. La variación del punto de vista aporta perspectivas diferentes con elementos inesperados que a menudo captan más la atención. Es por esto que existen infinidad de recursos fotográficos en este sentido siendo la directriz general el que el fotógrafo debe estudiar el motivo y la escena buscando puntos de vista innovadores y/o más atractivos para el espectador.

Teniendo en cuenta esta premisa general existen ciertas técnicas ampliamente utilizadas entre los fotógrafos:

Toma a nivel: Es cuando la fotografía se realiza desde el mismo nivel del objeto tomado, ni por encima ni por debajo de él. Sirve para mostrar o describir algo de manera “natural” u “objetiva”.

Toma en Picado

Debido a la perspectiva que se produce el motivo se ve disminuido en tamaño, cuando se utilice sobre personas puede connotar en algunos casos poca importancia, debilidad o humillación.

Es cuando la imagen se toma desde una posición más alta que el objeto fotografiado, de arriba hacia abajo.

Toma en Contrapicado Es cuando la fotografía se realiza desde un lugar más bajo que el motivo tomado, quedando este más alto que la cámara. Debido a la perspectiva que se genera el objeto se aprecia engrandecido visualmente, puede en algunos casos connotar enaltecimiento, importancia o poder.

Toma en Cenital Es cuando la imagen se toma en un ángulo totalmente de arriba hacia abajo, en posición perpendicular con respecto al suelo, es decir, lo más extremo posible de una toma en picado. fernando lopez ©2008

Produce una gráfica sin perspectiva, que puede ser muy descriptiva si se aplica a objetos pequeños, e inusual e interesante si se usa con elementos grandes.

Elementos de la Toma Fotográfica

Color y Luz El control de la luz y el color por parte del fotógrafo es otra herramienta poderosa a la hora de transmitir sensaciones que van más allá de la percepción visual y para dirigir la atención. El color añade otro nivel de complejidad a la imagen bidimensional. Es por ello, un importante elemento compositivo. Sensaciones y emociones son transmitidas por el color con gran eficacia. La combinación de colores en la fotografía puede ser armónica o contrastante, según el efecto que se desee.

Gama Armonica o Análoga Se caracteriza por limitarse a combinar colores próximos en el círculo cromático. En razón de su parecido, armonizan bien entre sí. Este tipo de combinaciones es frecuente en la naturaleza.

Complementareidad o Contraste Es la combinación de colores opuestos en el círculo cromático

Estos colores se refuerzan mutuamente, de manera que un mismo color parece más vibrante e intenso cuando se halla asociado a su complementario. Estos contrastes son, pues, idóneos para llamar la atención y para proyectos donde se quiere un fuerte impacto a través del color.

Composicion Monocromatica Una armonía monocromática es aquella en la que la composición tiene una única tonalidad. Da la sensación de estar compuesto por un sólo color, aunque pueda tener diversos grados e intensidades.

Las composiciones monocromaticas le otorga mayor importancia a la forma y textura del motivo.

Elementos de la Toma Fotográfica Figura o Forma Comprende la estructura fundamental de la gráfica, la silueta general que se dibuja sobre el fondo.

Textura Es la superficie con distintos grados de rugosidad que con frecuencia recubre al volumen a manera de piel, puede ser desde casi lisa hasta con notorias irregularidades, evoca sensaciones táctiles.

Elementos de la Toma Fotográfica

Volumen Es la apariencia de tridimensionalidad de los objetos reproducidos, la simulada volumetría de éstos que produce la gráfica, la cual por lo general se haya rellenando a la forma.

Perspectiva Es la ilusión de profundidad espacial que puede generar la imagen, al reproducir a los distintos objetos cada vez de menor tamaño en la medida en que estos se alejan del primer plano, siendo la presencia de este elemento más notoria en los ángulos visuales amplios.

Elementos de la Toma Fotográfica Lineas de Composición Líneas conductoras Las líneas proporcionan un modo de dirigir la mirada del espectador Diagonales y curvas captan con facilidad la atención y añaden dinamismo Las paralelas al marco limitan el espacio mientras las diagonales lo amplían Las curvas guían al espectador con más suavidad y transmiten cierta armonía

Herramientas de la Toma Fotográfica

Espacio Negativo Consiste en mantener un fondo uniforme, sin elementos distractores, situando el centro de interés en alguna parte de la fotografía. Sirve como un elemento compositivo que nos permite reforzar el tema de una imagen. Este recurso se utiliza, a veces, para transmitir una sensación de aislamiento o de soledad. juan barboza ©2009

Enmarcar el motivo El uso de un marco ayuda a dirigir la mirada del espectador, añade profundidad, enriquece el discurso y es un muy utilizado recurso estético.

Herramientas de la Toma Fotográfica El ritmo y la coma Las repeticiones proporcionan un motivo interesante para la fotografía y su riqueza visual vendrá dada por el ritmo, que se marca estableciendo rupturas del patrón.

Llenar el encuadre El espacio del encuadre debe ser aprovechado lo mejor posible, evitando la inclusión de elementos distractores que compitan con el motivo central.