LARrevista 004

AĂąo 0, NĂşm. 4 febrero -marzo - abril 2011

LARrevista

Dirección Catalina Restrepo Leongómez catalina@livingartroom.com Director de arte Jorge Carrera Necoechea jorge@livingartroom.com

Textos Jaime Cerón Andrés Gaitán T. Guillermo Kahlo

Editora en Español Rocío García González editor@livingartroom.com

Portada Utero, 2010, Francesca Dalla Benetta foto Gerardo Castillo www.lamarmotaazul.com

Editor en Inglés Daniel Vega serapiu@hotmail.com

Fotografías: Cortesía de los artistas

Colaboradores Semíramis González Leonel García Gonzalo Ortega Adriana Salazar

Agradecimientos: Gonzalo Ortega Floria González Daniel Vega Arturo Medina

www.livingartroom.com

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EDITORIAL

EDITORIAL Celebrando muchas cosas

Este es el primer número de LARrevista del año 2011. Es muy especial para nosotros porque, además de ser la cuarta edición, celebramos ya cinco años desde que inició este proyecto para la difusión y promoción de artistas por medio de portafolios en la red. En un principio esta iniciativa se llamó GALER_A, pero hace un año y medio se renovó, y renació más ambiciosamente como Living Art Room. Para mí personalmente es difícil expresar lo orgullosa que estoy de lo que hemos logrado artistas, curadores y colaboradores. En especial quiero agradecer a Jorge

Carrera, quien además de ser un gran artista es quien hace posible gran parte del trabajo tras bambalinas de Living Art Room. Me emociona pensar en lo que se convertirá esta plataforma en algunos años más, teniendo en cuenta todo lo que hemos logrado en este corto tiempo: una revista bilingüe, documentales de artistas, exposiciones virtuales, portafolios de curadores, etcétera. Todas estas cosas que antes fueron ideas son hoy una realidad.

Estoy feliz de pensar en el crecimiento y la experiencia que hemos adquirido

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EDITORIAL

todos los miembros de Living Art Room, algo que compartimos cada vez que nos reunimos para actualizar portafolios, desarrollar ideas nuevas o comentar avances.

Lo menciono porque justamente en esta ocasión presentamos a Saúl Sánchez (uno de los primeros portafolios que produje cuando empecé GALER_A en Colombia) y Tania Ximena, la primera artista que conocí cuando llegué a México hace tres años y medio. También en esta edición se presenta el portafolio del curador Gonzalo Ortega; otro logro importante que hoy celebro con el corazón, pues no sólo es una persona muy cercana al proyecto, sino porque también es responsable de muchas de las cosas buenas que Living Art Room tiene para ofrecer hoy en día. Él ha sido un consejero increíble, alguien a quien personalmente le he aprendido muchas cosas y que en el camino se ha convertido en un amigo incondicional. Sólo espero que este portafolio pueda traerle muchas cosas buenas en retorno.

Hablando de Gonzalo Ortega, este número de LARrevista tiene el privilegio de publicar un ensayo suyo sobre migración y arte actual, en

el cual habla acerca de un proyecto titulado “Homeland” del artista Raúl Cárdenas, así como de otra iniciativa similar de los artistas Miho Hagino y Taro Zorrilla que lleva por nombre “PROYECTO JAPÓN”. Siguiendo esta temática, nuestra colaboradora internacional Semíramis González escribió además un artículo en el cual revisa proyectos de diferentes artistas que se destacan por su compromiso social.

Rochelle Costi nos muestra suproyecto Residencia que presentó en la pasada Bienal de Sao Paulo. Por otra parte, la artista colombiana Adriana Salazar nos narra su experiencia en esta misma Bienal, en la cual participó con una pieza en una muestra paralela al circuito y expone su opinión crítica frente a lo que este evento internacional representa.

LARrevista presenta también en esta ocasión los portafolios de nueve artistas nuevos: de Colombia, Juan Carlos Delgado, Daniel González y Carolina Rodríguez; de México: Cynthia Araf, Carmen Mendoza e Isabel Rojas; y de Italia, Francesca Dalla Benetta, cuya escultura aparece en la portada de esta edición.

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EDITORIAL

Leonel García, músico mexicano muy reconocido, se subió al tren de LARrevista;algo que nos encanta y le damos la bienvenida. Desde ahora estará a cargo de una nueva sección en la que escribirá sobre la relación entre la música y el arte contemporáneo, por ejemplo en colaboraciones para portadas de discos, videos e instalaciones en conciertos. Nos hablará de artistas que hacen música y músicos que también son artistas; es decir, la escena multidisciplinaria en la que nos movemos hoy en día. En esta edición,

Leo (como le dicen sus amigos), nos presenta dos álbumes que compró sólo por su portada y que resultaron ser dos de sus bandas favoritas: Avi Buffalo y The Avett Brothers. Supongo que no se puede juzgar un libro por su portada, pero un CD ... ¡seguro que sí!

Espero que les guste leer y ver esta edición, tanto como el equipo y los colaboradores de LARevista disfrutamos haciéndola. Este número es una celebración, una fiesta a la que todos están invitados.

Catalina Restrepo Leongómez Directora de Living Art Room www.livingartroom.com

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COLABORADORES

COLABORADORES Gonzalo Ortega

Comenzó su carrera como curador del Museo de Arte Carrillo Gil. Durante este periodo llevó a cabo exposiciones con artistas tan reconocidos como Miguel Ventura, Gustavo Artigas y Héctor Zamora entre otros. Estudió su maestría en Kunst im Kontext (arte en contexto) en la Universität der Künste Berlin, Alemania. Hoy en día es el Coordinador del Museo Universitario de Ciencias y Arte (MUCA Roma) en la ciudad de México. Recientemente concluyó con éxito Residual, un proyecto bi-nacional entre México y Alemania. livingartroom.com/gonzalo_ortega

Leonel García

Semíramis González

Leonel García o León Polar- como es su nombre artístico- es un reconocido músico y compositor mexicano.

Ex-integrante del duo Sin Bandera, agrupación que ganó premios tan importantes como el Grammy Latino, Billboard, Lo Nuestro, Mtv music awards, entre muchos otros. Su colección de discos asciende a los 10.000 y contsantemente viaja a diferentes festivales de Lationoamerica y Estados Unidos para conocer nuevas bandas.

Con una marcada influencia Folk, Leonel estrena su última producción discográfica llamada TU que ya está a la venta.

Crítica e historiadora de Arte, española nacida en Asturias.

Especializada en arte medieval europeo, Land Art y arquitectura sostenible; compagina sus estudios con la labor de redactar críticas de arte para catálogos, revistas y varias galerías.

Su interés por promover y difundir el arte la han llevado a impartir clases de arte a niños, para impulsar la creación de nuevos públicos.

leonelgarcia.com

semiramisenbabilonia.blogspot.com 4

CONTENIDO

CONTENIDO Columna P:04 Arte y compromiso Social SEMÍRAMIS GONZÁLEZ Nuevos Portafolios de Artista P:17 Juan Carlos Delgado HUELLAS, DESTELLO, ENERGÍA Y RECUERDO SILENCIOSO por Andrés Gaitán T P:20 Cynthia Araf SOBRE LA FOTOGRAFÍA Y LA FOTÓGRAFA por Guillermo Kahlo P:042 Carmen Mendoza FAMILIA por LAR P:54 Daniel González HAND MADE por LAR P:68 Carolina Rodríguez APUNTES SOBRE EL DIBUJO por Jaime Cerón P:78 Francesca Dalla Benetta DE LO BELLO Y LO DEFORME por LAR P:88 Isabel Rojas AUTORRETRATO por LAR Opinión P:98 SOBRE LA BIENAL DE SAO PAULO por Adriana Salazar Actualización de portafolios P:104 Saúl Sánchez P:120 Tania Ximena Música P:132 SINESTESIA por Leonel García Nuevo Portafolio de Curador P:138 Gonzalo Ortega Especial P:142 TERRITORIOS DEL HOGAR por Gonzalo Ortega Proyecto P:156 RESIDENCIA de Rochelle Costi

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ARTE Y COMPROMISO SOCIAL

ARTE Y COMPROMISO SOCIAL por Semíramis González

Las manifestaciones artísticas contemporáneas no pueden omitir los problemas sociales de los lugares de donde se crean. A pesar de obtener una obra aparentemente independiente de estos hechos, lo cierto es que son fundamentales para determinar qué se crea y qué no.

espectadores, en una especie de “llamada de atención”; por último se encuentran ese grupo de artistas que paralelamente a su trabajo artístico desarrollan una labor social de forma alternativa y posiblemente de manera menos evidente.

En el siglo que vivimos no podemos sustraer nuestro quehacer diario de lo que ocurre en el resto del mundo; la era de las comunicaciones digitales, en la que todos accedemos con facilidad a personas del otro extremo del planeta, los problemas sociales, políticos, económicos…se han universalizado también, creando una

En algunos casos nos encontramos con artistas plena y conscientemente involucrados en proyectos sociales que permiten una interacción entre su propia obra y el entorno; en otros casos el artista denuncia a través de su trabajo una situación injusta e intenta crear conciencia en los

Bordo Póniente, fotografías cortesía RESIUDAL

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ARTE Y COMPROMISO SOCIAL

red cosmopolita que nos une y nos hace percibir y reflexionar sobre aquello que antes podría resultarnos lejano y ajeno.

limitado se ponen en funcionamiento, registrándose únicamente a través de vídeo y fotografía.

La crisis económica, la contaminación atmosférica, los abusos infantiles, las guerras, las catástrofes naturales, las drogas, la violencia de género…

Mismos problemas en sitios geográficamente dispares. Ante esto, es evidente que un artista no puede ignorarlo del todo, y que, en muchos casos, su implicación le convierte en un protagonista para el cambio.

Su carrera se caracteriza por hacer conocer situaciones ilícitas y abusivas a través de grandes proyecciones públicas sobre edificios para mostrar a los espectadores la otra cara de la realidad.

En el año 2000 acusó abiertamente las condiciones en las que trabajaban las mujeres en la región Tijuana-San Diego en el marco del Festival inSITE. Para ello realizó ex profeso su obra Proyección en Tijuana, en la que proyectó imágenes sobre el Centro Cultural de Tijuana denunciando la violencia familiar y los abusos quesufríanestas mujeres, así como las injustas condiciones laborales a las que se veían sometidas en la maquilas.

Este artículo busca poner de relieve todas aquellas acciones interesantes que suponen una forma de transformar el entorno, de convertir ciertas realidades que parecían abocadas al fracaso y conseguir así un cambio real y efectivo para una pequeña parte del mundo pero a la vez para todos: un pequeño paso para el hombre pero un gran paso para la humanidad.

Esta proyección nos recuerda a otras suyas, como Proyección de Hiroshima de 1999, donde mostró sobre el río Hiroshima las manos de supervivientes y nuevas generaciones tras el desastre nuclear, relatando su terrible experiencia, y con un telón del

KRISTOF WODICZKO (1943) Artista de origen polaco lleva a cabo acciones con una importante carga social y de denuncia, que durante un tiempo 7

ARTE Y COMPROMISO SOCIAL

fondo como el Domo de la Bomba Atómica. Las obras de Wodiczko tienen una clara intención de sensibilizar al espectador, de hacerle testigo y partícipe de lo que ocurre a su alrededor y que en muchas ocasiones ignora.

Sus proyecciones públicas evidencian el dolor oculto de la sociedad y manifiestan la necesidad de cambio colectivo a través de una conciencia por parte de toda la comunidad. http://torolab.org/

TOROLAB

y plantean cambiar los hábitos alimenticios a través de la conciencia ciudadana.

Torolab nace en 1995 y se trata de un grupo de artistas encabezados por Raúl Cárdenas (1969) que tratan de transformar la sociedad mexicana desde una óptica positiva y dinámica: más que denunciar, intentan convertir.

Además de este proyecto, Torolab ha participado recientemente en la muestra conjunta de Residual, donde el tema de la exposición trataba de mostrar el problema de los desechos y su reutilización, la cada vez mayor cantidad de basura y su posible uso de nuevo para frenar su degradación.

Uno de sus proyectos más interesantes es COMA/Fastfood, donde hacen públicos hechos como que en México aún existe una alta tasa de desnutrición mientras el 69% de la población sufre sobrepeso, llegando incluso a ser perjudicial para su salud.

Frente a la comida rápida y basura, tan de moda actualmente, su propuesta recupera la comida lenta, cada vez menos consumida,

www.torolab.org METEORO Proyecto impulsado por Claudia Fernández (1965) que nace con la intención de dar 8

ARTE Y COMPROMISO SOCIAL

Resulta sugestivo este propósito de cambio para personas marginadas, utilizando así la creación artística como una vía de scape y una nueva oportunidad de conseguir una vida mejor; el arte es un instrumento fundamental para el cambio social y en este proyecto de Claudia Fernández queda manifiesta esta faceta más social de la creación.

nuevas oportunidades a jóvenes en situación de marginación o de riesgo.

En Meteoro participan artistas plásticos, arquitectos, psicólogos, sociólogos, entre otros; y en conjunto buscan integrar a estos jóvenes a través de la creatividad, en talleres artísticos móviles que educan en la creación artística pero que también funcionan como bolsa de trabajo y centro de encuentro común para una realidad de incorporación; se enseñan labores como carpintería, o electricidad con profesionales que educan a los chicos.

SALVEMOS CUATRO CIÉNEGAS La iniciativa está integrada por varias organizaciones, como WWF, Fundación Carlos Slim y el proyecto ConcentrArte; este último busca educar a los niños a través del arte y la creatividad, trabajando también con niños hospitalizados y buscando crear una conciencia ambiental.

La iniciativa nació cuando la propia artista comenzó a relacionarse con jóvenes de la calle que buscaban aprender un oficio de cara a buscar un trabajo. A través de ahí la idea creció y supuso un interesante proyecto que consiguió incluso que algunos de los participantes dejasen las drogas, comenzasen a trabajar y cambiasen su vida completamente.

Para este programa la acción se basa en llevar a cabo actividades lúdicas y educativas que muestren a los niños la necesidad de preservar el ecosistema del valle de Cuatro Ciénegas (reserva de la biosfera) a través de cambios en el uso del agua, la reutilización de residuos y demás acciones ecológicas; para un mejor aprovechamiento de la iniciativa también se han incluido en el programa a personas adultas de cara a mostrarles la

Las obras resultantes se han expuestos en diferentes museos, como el Museo Tamayo de Arte Contemporáneo o incluso en países como Polonia.

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necesidad de reutilizar, cuidar el entorno, conservar los recursos naturales y llevar a cabo acciones limpias para mantener en buen funcionamiento el paisaje.

Su idea se basa en 365 intercambios de tiempo con reclusos de la cárcel de Santa Marta Acatitla de la Ciudad de México: el preso solicita una serie de acciones que son llevadas a cabo por el artista y viceversa. Esto supone, de alguna manera, una especie de libertad para el reo, que puede así acceder al exterior a cambio de cumplir con su parte del intercambio.

En algunos ejemplos encontramos casos de prisioneros que piden al artista visite a su familia o que busque a un hijo desaparecido.

A cambio, José Antonio les pide dibujos de diversos temas: tatuajes de otros presos, huellas de pisadas de determinadas zonas de la cárcel, etcétera.

http://www.concentrarte.org/concentrarte/ Salvemos_Cuatro_Cienegas.html www.livingartroom.com/rodrigo_imaz www.livingartroom.com/alejandra_espana

Este interesante intercambio juega con la valoración de la dignidad y el mutuo servicio a través de una especie de cadena de favores, sin que el dinero y la corrupción participen en el proyecto.

Fotos Rodrigo Imaz y Daniel Romero

TIME DIVISA

Como resultado, el propio artista se encarga también de exponer las obras obtenidas de los reclusos, que en ocasiones denuncian determinadas situaciones en la prisión como la comida fría que les sirven o la soledad que sienten.

El proyecto, nacido en 2005, está impulsado por el artista mexicano José Antonio Vega y busca reflexionar acerca de la exclusión-inclusión y el valor del tiempo frente al valor del dinero.

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ARTE Y COMPROMISO SOCIAL

Un microcosmos reconvertido ahora en arte, mostrándose así al público que desde fuera quiera acercarse a una realidad social normalmente ignorada.

clase de danza en grupo que nos aleja de la rapidez y el stress del mundo hoy.

Platform 2 realiza una serie de actos de forma salteada donde buscan crear diálogo entre el arte actual y el compromiso social. www.janemarsching.com/platform2 FUNDACIÓN PAISAJE SOCIAL Esta interesante idea está promovida por Miho Hagino y participan, entre otros, artistas como Jorge Carrera. La fundación se crea en 2009 y busca transformar el paisaje urbano a través de distintas intervenciones y acciones, con la intensión de mejorar la calidad de vida de los habitantes, a través del arte y actividades culturales.

Time Exchange 291 ( 2009) PLATFORM 2 Se trata de un proyecto para crear discusión en torno a cuestiones sociales.

Los diversos profesionales que integran el proyecto organizan talleres para niños y personas de tercera edad, servicios para ayudar a la comunidad y una colectiva donación de libros.

A través de talleres artísticos y actividades se proponen crear una conciencia sobre estos temas; entre sus acciones encontramos un foro para encontrar la iconografía propia de la degradación del medio ambiente (¿qué relacionamos con el cambio climático: el deshielo, las bolsas reutilizables, Al Gore…?) o una

Con iniciativas como esta se promueve la integración de distintos colectivos, así como un cambio real y efectivo para grupos sociales en riesgo de exclusión, ya sean niños en situación marginal o 11

ARTE Y COMPROMISO SOCIAL

ancianos que consiguen así evadir la soledad.

El arte se mezcla aquí con una realidad social activa, transformadora y que tiende al cambio positivo de todos, tanto de los propios artistas como de los participantes.

La degradación y el deterioro en el que se encontraba el inmueble, unido al hecho de que no existía un centro con estas características, impulsó a un grupo de artistas a darle un nuevo soplo de aire fresco al lugar.

Desde entonces, han conseguido celebrar festivales cinematográficos, talleres, exposiciones, etcétera; consiguiendo que la comunidad se convierta en parte y protagonista del cambio.

Todas las actividades que se realizan buscan que este entorno se involucre y sea partícipe de estas actividades, consiguiendo así, un lugar de encuentro, de cultura y de expansión. El barrio renueva su cara más conocida y su esplendor pasado a través de estas actividades artísticas, que interesan a estudiantes, trabajadores cercanos y vecinos.

http://paisajesocial.wordpress.com ANTIGUO DORMITORIO DE MONJAS Marisol Maza, artista mexicana, participa, de forma paralela a sus trabajos artísticos, en este interesante proyecto urbano.Un antiguo edificio conocido por su función anterior de “dormitorio de monjas” alberga desde hace unos años un auténtico centro educativo y cultural.

www.livingartroom.com/marisol_maza 12

ARTE Y COMPROMISO SOCIAL

PROCESIÓN PARA HOMBRE DE MAÍZ

UNIR

A

NEL AMARO (1946)

UN

Desde sus comienzos como artista, Nel Amaro se ha dedicado a disciplinas tan variadas como la poesía, la performance o incluso ha jugado con readymades siempre con un trasfondo crítico y político, defendiendo desde su posición artística su lugar de origen, Asturias, en el norte de España. Nel Amaro ha estado principalmente implicado con su tierra y su situación económica, con especial atención de las zonas mineras y su reconversión industrial, donde él reside.

También se ha involucrado en cuestiones sociales de defensa de los trabajadores, de los desempleados… Ha publicado varios libros de poesía y ha participado activamente en actividades artísticas, con performances, obras propias e intervenciones en edificios, calles y paisajes., entre otros.

Este interesante trabajo impulsado por el artista Alfadir Luna busca la integración de distintos mercados mexicanos situados en el mismo eje comercial.

A través de una procesión en la que se van añadiendo las diferentes partes del muñeco (cada mercado una), se celebra una fiesta con música, estandartes, baile, música, etcétera, que une a comerciantes de distintas zonas para conseguir una solidaridad común y una transformación del entorno, coordinándose en una actividad conjunta y lúdica.

Lee la entrevista completa que Semíramis le realizó a CatherineD’Ignazio/ kanarinka. sobre el proyecto Plataform2 http://livingartroom.wordpress.com Y lee la entrevista completa que Semíramis le realizó a Jorge cCarrera sobre su participación en los talleres de la Fundación Social http://livingartroom.wordpress.com

www.livingartroom.com/alfadir_luna 13

NUEVOS PORTAFOLIOS

NUEVOS PORTAFOLIOS DE ARTISTA

Carolina Rodríguez (Colombia) (Italia) Francesca Dalla Benetta Carmen Mendoza (México) (México) Isabel Rojas Cynthia Araf (México) (Colombia) Juan Carlos Delgado Daniel González (Colombia)

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Versailles 1 & 2, 2008

JUAN CARLOS DELGADO

JUAN CARLOS DELGADO Huellas, Destello, Energía y Recuerdo Silencioso Por Andrés Gaitán T.

Era un 6 de agosto, y según las huellas dejadas por el impacto de luz en los relojes de toda la ciudad, marcaba las 8:30 de la mañana. Podría decirse que era un día cualquiera para la gente de Hiroshima cuando un destello los acogió, (o acaso los sobrecogió?). Cuando una luz infernal se apoderó de toda la ciudad convirtiéndola en parte interior de un hongo cargado de energía destructora.

Esto duró apenas unos instantes… Seguramente los suficientes para que las sombras de las personas y de los objetos quedaran grabadas en el piso, en paredes y techos, en cualquier superficie que recibiera ese flash fotográfico de luz enceguecedora. Lo que ocurrió dentro del hongo quedó en el recuerdo silencioso de aquellas pocas personas que estaban protegidas de la luz incandescente. Pero… ¿cómo protegerse de la luz?

He destacado cuatro conceptos que me parecen fundamentales en el momento en que se hace el recorrido de esta exposición del artista Juan Carlos Delgado:“Huellas”, “Destello”, “Energía” y “Recuerdo Silencioso”. Todas ellas empiezan a tocarse unas con otras en diferentes instantes mientras se hace un recorrido desolador aunque poético, por el espacio de exhibición. Hay objetos, muebles en la mayoría de los casos, que han sido

recubiertos de una pintura con fósforo para hacerlos sensibles al recuerdo de la luz que en minutos los irradian. Alguien se para entre la luz y un cuadro o una silla o una mesa de noche o cualquiera de estos elementos, domésticos en su mayoría, y queda grabada de manera fantasmagórica esa presencia fugaz. Las luces se apagarán dejando en la oscuridad absoluta unos momentos retenidos en las superficies impregnadas de fósforo hasta que 17

JUAN CARLOS DELGADO

Sin Título, 2004

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JUAN CARLOS DELGADO

Object No.9, 2001

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JUAN CARLOS DELGADO

poco a poco empiezan a desvanecerse.

Esas memorias que se cargan en los objetos pueden ser tan fugaces como las que nosotros guardamos de nuestras experiencias; así mismo podríamos decir que esas memorias son tan silenciosas, desoladoras e inquietantes como el vacío que incitan estos objetos en el recuerdo.

Podría tomarse en cuenta los espejos del artista Anish Kapoor o las lecturas sobre la fotografía de Roland Barthes, como referentes que subraya Delgado en la articulación de esta instalación. Porque es cierto que hay algo de reflejo y de vacío a lo Kapoor y porque indudablemente hay mucho de memoria y de señalamiento de vestigios a lo Barthes. Sin embargo, hay una permanencia que hiere: ¿cómo la luz afecta nuestra percepción sobre las cosas?

Delgado, nos hace notar que la luz que nos permite ver nuestro entorno, es más fuerte y penetrante de lo que suponemos. Que el cerebro recibe permanentemente haces de luz y que, de la misma manera que los objetos recubiertos de fósforo, captura instantes que se quedan congelados, produciendo significados, asociaciones y metáforas. Nuestro diario caminar se hace

bajo la luz del sol. Un sol que no se le puede mirar directamente sino que se hace visible en el reflejo que captura el cerebro de las cosas que nos rodean. No podemos ver el sol directamente porque nos quemaría para siempre tanto resplandor, no deberíamos ver un bombillo encendido porque nos dejaría ciegos por instantes mientras el ojo se adapta nuevamente a su entorno lumínico. De esta manera empezamos a encontrar que la luz como fuente de energía vital, es capaz de herir provocando otros estímulos paradójicamente imperceptibles. Algo que nos revitaliza, también nos enferma, y solamente hará esto si la retamos… si la miramos fijamente … si, por a lguna razón, nos acercamos mucho a ella.

La bomba de Hiroshima no es más que un pretexto sobre un haz lumínico que enfurecido se llevó decenas de miles de seres humanos. Los absorbió en un vacío de luz en forma de un hermoso hongo. Ese vacío absorbente y aquella luz incandescente son peligrosos. De ahí que me permita mirar la obra de Delgado como una relación ambigua entre la sutil, lo poético y hasta lo fantástico, con los 20

JUAN CARLOS DELGADO

recuerdos que uno no quiere revivir por fuertes, por insanos y por cargados de muerte y dolor.

A pesar de ello, es inevitable entrar por esos recorridos grabados en la memoria.

Hay referentes a hospitales, a cunas, a salas de parto a nacimiento, pero en un mundo de sombras que refleja con la misma vitalidad que los carga, una ausencia. Los cuerpos que hacen parte de la exposición son los de los espectadores que la recorren, pero solamente se harán plenamente visibles en el intercambio de miradas que se produce justo en el momento en que se apagan las luces y quedan las improntas de sus sombras en los muebles. La bomba de Hiroshima no es más que un pretexto sobre un haz lumínico que enfurecido absorbió toda una ciudad, como si el hongo hubiese invertido la vida en la luz que encerraba convirtiéndose en un gran espejo lleno de vacío. Es posible que en este recorrido estemos entrando a ese tipo de espejos que absorben y que anuncian un mundo paralelo al que habitamos, lleno de huellas extrañas, de luz fantasmagórica y de silencio avasallador.

Sin Título 2001

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Sin TĂ­tulo, 2008

JUAN CARLOS DELGADO

Sin Título, 2002

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JUAN CARLOS DELGADO

Sin Título, 2002

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Portholes, 2010

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www.livingartroom.com/juancarlos_delgado

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CYNTHIA ARAF

Serie construccion I, 2010 30

CYNTHIA ARAF

CYNTHIA ARAF Sobre la fotografía y la fotógrafa Por Guillermo Kahlo

La fotografía tradicionalmente ha transitado por dos caminos. En primera instancia ha sido una especie de testigo de los hechos a través de la historia. Lo cual ha sido la constante reafirmación de sus orígenes y su esencia. Ningún otro medio ha tenido la credibilidad de la fotografía. La otra senda ha sido abrir la posibilidad a la expresión de la interioridad del artista.

la foto-secesión a esta vertiente del arte fotográfico se le definía como equivalencias.

Un paralelo entre los objetos y la interioridad.

Lo que existe en el mundo, una vez que pasa a través de la óptica de la cámara, y sobre todo mediante la sensibilidad del fotógrafo, puede transformarse al punto de convertirse en el reflejo de la experiencia más privada, una manifestaron de la memoria de los sentimientos, de todo aquello que es fugaz en el tiempo, pero no en el arte.

Tina Modotti podía a partir del pétalo de una flor apelar a nuestra emociones y mover nuestra imaginación.

El trabajo de Cynthia, de algún modo se injerta en esta segunda vertiente, teniéndote como es en el caso de todo creador serio, su propia definición. También asocio su obra a la vena de las grandes mujeres fotógrafas.

Igualmente Cynthia se aproxima a las pequeñas y grandes cosas, para darles una nueva resolución a través de su trabajo.

Su mundo interior está conformado y representado por imagines de edificios En la tradición norteamericana durante descomunales en construcción o bien de 31

CYNTHIA ARAF

los más pequeños detalles en los objetos de la vida cotidiana. En su trabajo el peso de las cosas es crucial, aunque se trata de un peso metafísico. A partir del peso desprende otros muchos valores, la inmanencia o la fluidez, la quietud y el movimiento.

los objetos contundentes a partir de restar todo aquello que no es fundamental a una imagen hasta llegar a la esencia misma, al alma de las cosas.

Sólo lo que es esencial puede llegar a tocar nuestro corazón, este trabajo no es la excepción. Es una victoria sobre el tiempo.

Su trabajo no detiene el tiempo de las cosas sino más bien se los devuelve. Provee de vida a aquellas cosas que no la tienen. No importa si se trata de un textil suspendido en el aire, o una rígida estructura de acero o el acercamiento a una textura par a resaltar el colorido. A partir de sus fotografías se escucha como silba el viento, a partir del viento la sugerencia de que el tiempo se consume pero no se agota.

La vida humana discurre también en estos ámbitos, necesitamos plantarnos y crecer, ser fuertes y permanentes como una edificación y requerimos también de fluir, de volar. Ambas cosas son el origen de nuestros temores y también, al mismo tiempo de aquello que nos da la paz interior y la certeza.

Cynthia es una artista porque su trabajo nos cuenta historias entre líneas, nos susurra al oído. A partir de la historia de las cosas nos cuenta la suya propia y a partir de su propia historia nos aproxima a la nuestra.

Los objetos se vuelven contundentes no por su escala original o por su importancia en la vida humana si no por su presencia callada en estas imágenes.

Decía Susan Sontag que la fotografía es el arte de la abstracción. El trabajo de esta artista se apega a esta premisa y vuelve

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CYNTHIA ARAF

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Serie Agua, 2010

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Serie Agua, 2010

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Animales del Bosque, 2009 Obra Realizada con el apoyo del FONCA con su Programa de Intercambio de residencias alejo, 2009

CARMEN MENDOZA

CARMEN MENDOZA Familia

La obra de Carmen Medoza es, en su mayoría, fotográfica, sin embargo en varios de sus trabajos el dibujo bordado está presente. Los temas que desarrolla en sus series tienen que ver con una relación directa a su familia y los espacios en los que vive. En su serie llamada Alejo, 2009, Carmen presenta una serie de retratos de sus papás y una serie de autorretratos.

El proyecto ha dado un giro que va más a lo editorial o a libro arte, ya que a las imágenes las acompañan textos que están bordados y que dan pistas sobre lo que se vive al interior de su familia; son comentarios de su mamá enfocados al hecho de haber decidido hacer una pausa en su matrimonio después de 38 años de casada. Su historia no es tan sencilla, pues su madre se encuentra atravesando una etapa depresiva en su vida; la situación que detonó esta serie es un comentario sobre las presionas alrededor de la cotidianidad,

el mismo matrimonio y la vida familiar. De alguna manera las fotografías - que además tienen un nivel de calidad altísimo- no tienen un carácter narrativo, sin embargo el espectador puede apreciarlas y descifrar por él mismo el contenido que tienen cada una de ellas.

Carmen, obsesionada con la técnica manual y el hilo, ha empezado un reto enorme; una animación cuadro a cuadro con dibujos bordados por ella actualmente lleva más de 300 y seguramente al terminar serán muchos más-, por medio de la cual indaga sobre la sicología del miedo.

También está en proceso una instalación de muebles de una recámara, a los que convierte en monstruos, recreando algunas de esas figuras extrañas que nacen de la imaginación infantil, cuando la luz está apagada, a punto de dormir solos en un cuarto. Con este mismo interés 43

CARMEN MENDOZA

por el miedo y lo tenebroso, realiza una extensa serie de imágenes de árboles que en la noche se alumbran con la luz de la ciudad. Es un estudio botánico de plantas que, con la atmósfera nocturna, crean ambientes solitarios que pueden inspirar miedo.

artista le da a las fotografías de su serie 550kms es diferente,. En ellas muestra paisajes rurales de Michoacán (el estado donde nació, una zona que se ha visto afectada por el narcoterrorismo de una manera sin precedentes) ,en los cuales se han encontrado cuerpos o han sucedido atentados. Estas fotos son tomadas días La violencia es otro aspecto que de alguna después, cuando ya parece que no hubiera manera está ligado con este sentimiento, sucedido nada, como una reflexión sobre sin embargo el tratamiento estético que la las huellas que con el tiempo se cubren.

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ALEJANDRA ESPAÑA

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www.livingartroom.com/carmen_mendoza

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Serie Bogotazo, 2007-2010

DANIEL GONZÁLEZ

DANIEL GONZÁLEZ hand made

Daniel Gonzáles es un artista joven de Medellín, una de las ciudades de Colombia más afectadas por la violencia durante diferentes momentos de la historia. Por medio de sus dibujos, hechos a partir de pólvora, habla de las imágenes que la violencia imprime en la memoria colectiva de las personas, que comparten un mismo contexto histórico, político y/o social.

El artista hace intervenciones urbanas, explosiones de dibujos hechos con pólvora frente a un público y piezas sobre papel o tela de imágenes emblemáticas, como archivos de fotografías que han aparecido muchísimas veces a través del tiempo y que son reconocidas de manera inmediata por alguien que conozca el contexto o lo haya vivido de cerca. Por ejemplo, El Bogotazo o la toma del palacio de justicia por el movimiento guerrillero M19.

sola perspectiva; él es consciente de que la visión que puede tener un habitante de la zona cafetera es muy diferente a la de alguien que viva en el Magdalena medio o incluso en Bogotá. Esta es una reflexión que se hace evidente en su más reciente proyecto llamado Hand Made, realizado de manera colectiva con la artista Beatríz Gutiérrez, bajo el nombre Grupo en Blanco. El proyecto consistió en suministrar bocetos de un armamento de artillería pesada, incautado por el ejército, a cuarto familias de diferentes municipios del país ( Ráquira, La Chamba, Caldas y El Cármen de Viboral), para que produjeran cerámicas con las formas de estas municiones.

Como describen los artistas, “el proyecto Hand Made habla de cómo silenciosamente la guerra transforma los contextos y Un factor importante en la obra de Daniel cómo las personas en su infinita capacidad es que no habla de la violencia desde una de adaptación logran transformarse, ad55

DANIEL GONZÁLEZ

Serie Bogotazo, 2007-2010

quirir nuevas habilidades, conocimientos, suplantar vacíos, las carencias, para sobrellevar las cargas que la situación impone”. Por una parte, se resalta el valor del trabajo hecho a mano por estas personas, quienes a pesar de la violencia siguen adelante con sus vidas y la guerra se convierte para ellos en algo cotidiano. Y, al mismo tiempo, hace referencia a las diferentes percepciones que tienen los habitantes de cada una de estas zonas

acerca de la guerra. Pues, además de tener un tipo de cerámica característica de su región, la guerra los ha afectado en áreas muy disímiles y, por lo tanto, han tenido que acoplarse a esta misma realidad a su menara: a unos los damnifica la fumigación de plantaciones ilícitas, a otros la falta de turismo por inseguridad y a otros los desplazamientos por toma de tierras o masacres.

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DANIEL GONZÁLEZ

Serie Bogotazo, 2007-2010

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Serie personas, 2008

DANIEL GONZÁLEZ

Proyecto Hand Made,2008

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DANIEL GONZÁLEZ

Proyecto Hand Made,2008

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Proyecto Hand Made,2008

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Proyecto Hand Made,2008

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DANIEL GONZÁLEZ

Proyecto Hand Made,2008

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DANIEL GONZÁLEZ

Proyecto Hand Made,2008

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DANIEL GONZÁLEZ

Proyecto Hand Made,2008

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DANIEL GONZĂ LEZ

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CAROLINA RODRIGUEZ

Dibujos en el Muro,2004-2007

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CAROLINA RODRIGUEZ

CAROLINA RODRIGUEZ Apuntes en torno al dibujo Por Jaime Cerón

El dibujo es una de las pocas labores constitutivas de la actividad artística que ha sido practicada casi por todas las personas ajenas al arte en algún momento de su vida. Incluso la lógica del dibujo hace parte de distintos campos profesionales dentro de los cuales el arte no es necesariamente el más central. Por esa razón, los artistas que trabajan actualmente dentro del dibujo han redefinido sus alcances conceptuales y han analizado con mucha más atención la amplitud cultural que rodea su práctica.

una cultura visual, mucho más amplia y significativa, que abarca distintas esferas del campo social y cultural. El dibujo, en ese orden de ideas, le permite un acercamiento relajado a las convenciones estéticas atadas al mundo del arte con mayúscula, así como una identificación y transformación de referentes culturales presentes en otros mundos.

Para analizar sus obras es importante considerar que su parecido con la morfología gráfica de las imágenes hechas por los niños, tiene un sesgo crítico que se origina en el cierto desdén que caracteriza el rumbo e intensidad de sus trazos. Cuando un niño intenta representar cualquier hecho en un dibujo trabaja duro, con esfuerzo y con muchísima dedicación que llegan a

Carolina Rodríguez ha asimilado el dibujo a estos códigos amplificados y por ese motivo sus imágenes parecen cercanas a diversos referentes culturales a la vez.

Sus dibujos no se circunscriben de ninguna forma al terreno convencional del arte (o a la historia del arte) sino que dialogan con 69

CAROLINA RODRIGUEZ

resultados formales que podemos ver ponen una suerte de mímica cultural que podría conectarse con las ideas propuestas (no sin miopía) como descuidados. por Georges Bataille respecto al parecido Cuando una artista como Carolina entre las imágenes infantiles y el arte Rodríguez propone trazos cercanos en primitivo (la pintura rupestre sobre todo) apariencia a los de los niños, evidentemente que mostraban que el juego que se mueve está empleando otro tipo de principios tras la representación tiene que ver con de configuración, que responden a otros placeres positivos y negativos. Después intereses. Por eso sus dibujos desnaturali- de todo no se puede crear un dibujo sin zan la idea de imitación en el arte, y pro- destruir una superficie vacía.

Waiting for perfection,2008

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CAROLINA RODRIGUEZ

Playing with me, Playing with me, 2001-2004

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CAROLINA RODRIGUEZ

¿Y sí así fuera?, 2007

¿Y sí así fuera?, 2007

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CAROLINA RODRIGUEZ

Reinas de belleza 2010 73

CAROLINA RODRIGUEZ

Reinas de belleza 2010 74

CAROLINA RODRIGUEZ

Reinas de belleza 2010

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CAROLINA RODRIGUEZ

Dibujos en el Muro,2004-2007

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CAROLINA RODRIGUEZ

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Metalove,2010

FRANCESCA DALLA BENETTA

FRANCESCA DALLA BENETTA Belleza no convencional

Francesca Dalla Benetta es una artista Italiana que vive y trabaja actualmente en ciudad de México. Llegó al país por cuestiones de trabajo cuando la contrataron como Make-up artist de la película Apocalypto (2006) de Mel Gibson, siendo indiscutiblemente uno de los aspectos más destacados de la producción. El conocimiento de técnicas y materiales que la artista ha aprendido gracias a su trabajo en la industria cinematográfica ha sido determinante para la producción de sus proyectos personales. El trabajo bidimensional - dibujo y pintura- de Francesca es verdaderamente impresionante, sin embargo son sus esculturas las que acaparan la atención por el nivel de caracterización que logra en cada una de ellas, pues hasta el más mínimo detalle está realizado a la perfección.

conceptos relacionados con la simetría o deformidad de los cuerpos.

Por medio de sus esculturas reproduce en creaturas monstruosas con rasgos físicos cercanos a la anatomía humana y que aluden o transmiten sensaciones ligadas a lo que muchos suelen llamar belleza interior.

Sutilmente por medio de su obra, Francesca hace una relación sobre la apariencia física de las personas y la crueldad que implica el rechazo por deformidad, enfermedad o condición física/mental que define el exterior de una persona. Un ejemplo de esto puede ser innconcenza, 2009, una de sus piezas en la que la artista presenta un busto de un personaje parecido a un alien – semejante a como se muestran en películas de ciencia ficción- sin embargo, está pieza está inspirada en un niño con Síndrome de Francesca propone una reflexión en progeria. torno a lo que se considera bello o feo, 79

FRANCESCA DALLA BENETTA

Costume di pollo, 2010 FotoGerardo Castillo

En los últimos meses Francesca ha estado desarrollando un proyecto de intervención en el espacio público que consiste en dejar algunas de sus piezas en lugares transitados y registrar las reacciones de las personas que la ven. En un primer experimento dejó una de sus esculturas gigantes en un camellón de la calle de Orizaba - en la colonia Roma, ciudad de México, en esta oportunidad pudo comprobar que en los seis días que permaneció en el lugar no sufrió ningún daño, lo que sugiere una reacción

positiva del público frente a la obra; además, consiguió la atención de varias personas que encontraron el proyecto investigando en interntet y lo más anecdótico de todo una persona totalmente ajena a la artista defendió la pieza ante la orden de las autoridades de la delegación que insistían en decomisarla. Aunque finalmente se la llevaron, la pieza pudo ser recuperada gracias a la oportuna ayuda de una espectadora que pasaba.

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FRANCESCA DALLA BENETTA

Madre,2010 81

FRANCESCA DALLA BENETTA

Gorde, 2010 FotoGerardo Castillo 82

FRANCESCA DALLA BENETTA

Metalove 2010 FotoGerardo Castillo 83

FRANCESCA DALLA BENETTA

Sin Título, 2010 FotoGerardo Castillo

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FRANCESCA DALLA BENETTA

ARGEL 2010 FotoGerardo Castillo

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FRANCESCA DALLA BENETTA

Inncocenza, 2010

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FRANCESCA DALLA BENETTA

www.livingartroom.com/francesca_dallabenetta

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Reverse deja vu, 2010

ISABEL ROJAS

ISABEL ROJAS Autorretrato

Isabel Rojas, es una artista recientemente graduada de la Escuela Nacional de Pintura y Grabado “La Esmeralda”, México. Como parte de su trabajo final en la exposición de egresados, se destacó por el notable nivel de calidad en su pieza, una escultura morada gigante semejante a una explosión; la cual brindaba al espectador la oportunidad de asomarse por un agujero y,

desde un plano subjetivo, ver el reflejo del cuerpo de la artista (hecho en silicona) en el centro de un cuarto sosteniendo una máscara. La experiencia que Isabel propone con su instalación, se asemeja a lo que sugiere el director Spike Jonze en su película Being John Malkovich, 1999. En varias de sus piezas, se percibe el como ella aborda y desarrolla inquietudes en 89

ISABEL ROJAS

relación al reconocimiento del cuerpo, de los aspectos físicos que nos determinan como seres humanos únicos e irrepetibles.

Isabel es una persona introspectiva, que a través de su trabajo cuestiona la apariencia física del cuerpo como contenedor de la mente y los pensamientos. Más allá del autorretrato, sus imágenes cuestionan la premisa de si su cuerpo no fuera el que ella ve reflejado en el espejo; ¿Qué pasaría si ese “envase” cambiara, seguiría siendo ella?

Por esta razón sus trabajos están ligados a las cosas que no se pueden explicar pero que son reales, a aquello que no se percibe pero existe, como pueden ser los pensamientos que mientras no desemboquen en acciones no pueden ser mesurables o incluso percibidos.

Esto mismo sucede con los sentimientos, los miedos o las fobias. En otras de sus piezas como Sin Título, 2010, Isabel hace esculturas que recrean texturas, que aunque ella misma no entiende el porqué, le desagradan a tal grado que podrían considerarse fobias; como por ejemplo, la lengua de los gatos o el callo de vaca: en general superficies ásperas, secas y visualmente saturadas.

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Reverse deja vu (escultura interior), 2010

Reverse deja vu (boceto), 2010

ISABEL ROJAS

Reverse deja vu, 2010

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ISABEL ROJAS

Larva with holes in the holes, 2008

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ISABEL ROJAS

Larva with rakes, 2008

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ISABEL ROJAS

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ISABEL ROJAS

erie Texturas 2009 95

tres tristes tigres, 2010

ISABEL ROJAS

www.livingartroom.com/isabel_rojas

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ADRIANA SALAZAR Sobre la bienal de Sao Paulo

www.livingartroom.com/adriana_salazar Mi primera visita a Sao Paulo fue hace dos años, justo en el momento en el que estaba abierta al público la controvertida “Bienal del vacío”.

Al visitar la Bienal en esta primera ocasión, hablé con algunos artistas locales para saber de dónde venía toda esta idea de vaciar el espacio de obras. La Bienal, según entendí, es un evento condicionado políticamente, sujeto siempre a cuestiones de poder y conflictos de intereses.

Por esa razón, decían los brasileros, se encontraba en una profunda crisis, y lo que se mostraba en esta bienal vacía, antes que ser una 98

propuesta curatorial, era el resultado de esta crisis, un vaciamiento que mostraba lo que se encontraba detrás del evento.

Aunque como visitante me quedó de esto una experiencia de decepción, me gustó mucho ver el edificio vacío, y ver lo grande y sólida que es la arquitectura brasilera.

De esta Bienal hubo dos cosas que valió la pena ver: una muestra de videos que precedía la entrada, en la que pude ver sucesivamente muchas piezas icónicas de videoarte, documentales y videoclips. La otra fueron los muebles de Gabriel Sierra.

Opinión Al visitar Sao Paulo una segunda vez, tenía ya este contexto en mi cabeza, y no tenía expectativas de encontrar en ella grandes obras.

Quería más bien, al visitarla, mirar cómo había evolucionado este problema de la Bienal como reflejo de una situación particular del arte. Me encontré con algo muy diferente a esta exposición del vació que había visto hacía dos años.

los visitantes se perdían.

Fue difícil recorrerla, y no puedo decir que la experiencia haya sido placentera o divertida.

A los pocos minutos de empezar a andar entre las obras, me perdí de los amigos con los que venía, y no los volví a encontrar hasta mucho después. Durante un tiempo di vueltas en círculo en el segundo piso, sin encontrar la salida.

Los tres pisos de la Bienal estaban completamente saturados de obras, y el recorrido que propusieron entre ellas fue muy particular.

El diseño de la exposición planteaba una especie de laberinto a través del cual el espectador debía circular.

Este “laberinto” estaba lleno de ángulos agudos, corredores ciegos y paneles encontrados entre los cuales

Creo que la decepción de la primera vez fue reemplazada por una mezcla entre angustia y claustrofobia.

La idea de hacer una bienal “política”, además, me pareció redundante e innecesaria.

Yo creo que todo arte es político, y esto último lo han dicho y pensado muchas personas de muchas maneras.

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El mismo curador de la Bienal lo dijo alguna vez en una entrevista. En este intento de “hacer política”, o de “mostrar la política”, las “obras” pierden sentido con la velocidad en que suben y bajan los gobiernos: esto se hizo muy evidente en la obra de Roberto Jacoby, quien apoyaba desde la Bienal la candidatura de Dilma Rousseff con manifestaciones y propaganda.

Ahora que Dilma es presidenta de Brasil, no sé si su gesto siga teniendo la misma fuerza.

Sin embargo, para no parecer una espectadora amargada y negativa, vi algunas piezas importantes de arte brasilero que me gustó mucho ver, como la recreación de Divisor de Ligia Pape y algunas otras cosas. Y de nuevo, me pareció que lo más importante era poder ver y experimentar un estado 100

de la situación del arte en un lugar como Brasil.

Fue afortunado, además, poder participar en una exposición en Sao Paulo al mismo tiempo. La obra que presenté la había hecho en una residencia artística en Sao Paulo, hacía un año exactamente.

En esta residencia trabajé sobre la samba y el cuerpo: descubrí cual es la relación entre el uno y el otro, y cómo ha cambiado desde el origen de la samba en la época de la esclavitud.

Produje un móvil en el que un par de zapatos viejos bailan samba solos, activados por un sensor de movimiento. Fue importante que este proyecto haya regresado a su lugar de origen.

Samba, 2010

ACTUALIZACIÓN PORTAFOLIOS

ACTUALIZACIÓN PORTAFOLIOS DE ARTISTA

Saúl Sánchez (Colombia) (México) Tania Ximena

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SAÚL SÁNCHEZ

Regresivo- Progresivo, 2008 104

SAÚL SÁNCHEZ

SAÚL SÁNCHEZ Por Catalina Restrepo

Saúl Sánchez es un artista reconocido en Colombia por sus impresionantes pinturas hiperrealistas y aunque su trabajo es técnicamente impecable, su propuesta se dirige siempre a una línea conceptual.

Es muy común encontrar en sus primeras obras el uso de juegos de palabras, por ejemplo: “embotellamientos” (2004), consiste en una serie de tapas de botellas en las que pinta escenas de coches en un embotellamiento, un camión atascado en el barro, o un montón de taxis que bloquean la calle. Incluso en algunas de las tapas todavía se perciben las cuadrículas miniatura y los pequeños trazos hechos por el pincel de un solo pelo.

personalidades de la realeza, como la reina Elizabeth o Carolina de Mónaco, en un contexto surrealista, pues nos las presenta rodeadas de sardinas u otros iconos que de alguna manera se asocian con la monarquía. Esta serie señala con un sentido del humor muy agudo la paradoja de lo poco real que hay en la “realeza”. En otro de sus proyectos titulado “La grandeza del regente” (2003), Sánchez presenta una serie de retratos de presidentes de Colombia pintados en cajas de fósforos.

La imagen de cada presidente reemplaza en este trabajo al logo y la tipografía de una marca muy popular de fósforos de ese país llamada “El Rey”. Con esto sugiere que la política en este país no dista de este modelo En la mayoría de sus proyectos es común arcaico de gobernar. encontrar imágenes que representan a personas, gobiernos, situaciones, etc., Saúl también ha desarrollado proyectos en las que se manifiesta el uso del poder, que abordan críticamente temas políticomo por ejemplo: miembros de la realeza, cos y del manejo del poder valiéndose de presidentes, embajadas e incluso la medios como la fotografía, la creación figura del coleccionista de arte. En su de objetos e instalaciones. Su proyecto serie llamada “I-Real” (2004), retrata denominado “You are Here” (2007), co105

SAÚL SÁNCHEZ

Relga de Tres, 2009

menzó como una reflexión personal sobre la definición de fronteras entre países, y sus embajadas en el exterior, justo en un momento en el que él y su esposa buscaban obtener una visa para entrar a los Estados Unidos (la más difícil de conseguir para los colombianos). El proyecto consiste en una serie de pinturas de chimpancés, cuya postura alude a signos de ubicación como: aquí, allá, alrededor, encima, debajo, etcétera.

Estas señas son lo primero que los seres humanos aprendemos con el fin de comu106

nicarnos y ser conscientes del lugar en el que existimos. También dispuso flechas rojas que decían “You are Here” (como las que se pueden encontrar en los mapas turísticos), un signo que señala el lugar donde uno se encuentra, en el que uno desea estar o en el que nunca se estará.

En el lugar de exposición (la galería nueveochenta de la ciudad de Bogotá) dispuso pinturas de gran formato que contenían la imagen de las puertas giratorias de seguridad, las cuales se encuentran comúnmente en las embajadas)

SAÚL SÁNCHEZ

(Fragmento de la tela) Relga de Tres, 2009

y que controlan fuertemente quién entra y quién sale. Saúl crea un diálogo acerca de la existencia, las fronteras, el tiempo y la frustración. Por un lado, se refiere a las fronteras geográficas y políticas, pero también nos lleva a una connotación mental y espiritual. Este proyecto evolucionó cuando finalmente llegó a Nueva York y tomó fotografías de la flecha roja en las calles de la ciudad, y pocos meses después lo hizo también en París.

Actualmente Saúl está trabajando en proyectos que hacen referencia al papel actual de la pintura en un campo en el que participan diferentes figuras, como: galerista, artista y coleccionista, entre otros. El propósito de su “Regla de Tres” (2008) fue pintar un rollo de tela y venderla en secciones de acuerdo con las 107

medidas del corte que el coleccionista deseaba. La acción tuvo lugar en medio de una cena ofrecida por el galerista y donde los coleccionistas podían ordenar la cantidad de tela que querían comprar. Esta acción fue muy controvertida, pues de alguna forma los compradores podían sentirse presionados a comprar algo que no podían ver antes de pagarlo. El proyecto detonó reflexiones en torno al papel del coleccionista y la obra de arte como objeto del deseo. Con esta pieza la pintura como tal pierde muchas de las atribuciones que se le han dado a través de la historia, en cuanto a la importancia de la imagen que contiene, representación de la realidad, composición, o uso del color. En cambio se convierte en un objeto que es valorado más por la idea que plantea, por su postura crítica o planteamiento conceptual.

SAÚL SÁNCHEZ

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Relga de Tres, 2009

SAÚL SÁNCHEZ

(Fragmento de la tela) Relga de Tres, 2009

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(Fragmentos de la tela) Relga de Tres, 2009

SAÚL SÁNCHEZ

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SAÚL SÁNCHEZ

You are Here Paris, 2007

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SAÚL SÁNCHEZ

You are Here, 2007

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SAÚL SÁNCHEZ

You are Here, 2007

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SAÚL SÁNCHEZ

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SAÚL SÁNCHEZ

Embotellamientos, 2004 117

SAÚL SÁNCHEZ

Dislocaciones, 2002-2004

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SAÚL SÁNCHEZ

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TANIA XIMENA

Iba hacia allรก I, 2009

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TANIA XIMENA

TANIA XIMENA

Tania Ximena nos enfrenta a uno de esos casos en los que cuesta trabajo definir si se trata de dibujo o pintura. Pero este afán de querer clasificar todo resulta absurdo cuando uno se sumerge en el delicadísimo plano imaginativo y de interpretación de la naturaleza al que ella nos invita. Sus paisajes representan simultáneamente la génesis del mundo y la presencia esporádica del ser humano en él, como es el caso de unos pies que se craquelan al igual que la tierra seca sobre los que descansan, en

“Copa de árbol”, de su serie espacio intransitable, 2006.

Es imposible dejar de advertir la reflexión existencial que apasiona a Tania cuando uno lee los títulos de sus obras, por ejemplo: Bajar a la tierra, Resurgimiento, Intrusión, La noche que habitamos, etc.

Todos ellos parecen conceptos herméticos e inaccesibles que aluden a algo más allá de nuestra comprensión e involucran siempre, de alguna manera, la participación humana en un contexto que la rebasa.

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TANIA XIMENA

Serie La sustancia de los finos รกtomos, 2009

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TANIA XIMENA

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At night, the black dream in our eyes I, 2010

TANIA XIMENA

Ojo de catacumba, 2008 126

TANIA XIMENA

Der Spaziergang 2008 127

TANIA XIMENA

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TANIA XIMENA

Ficha The woods on fire, 2009 129

TANIA XIMENA

The woods on fire, 2009 130

TANIA XIMENA

www.livingartroom.com/tania_ximena

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SINESTESIA

SINESTESIA por Leonel García

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SINESTESIA

BREVE HISTORIA DE LA EVOLUCIÓN DE MI MECÁNICA PARA COMPRA DE FORMATOS MUSICALES

Cuando era niño, llegaba a la tienda con la idea fija y la decisión tomada acerca de qué disco habría de adquirir, la oferta era vasta, pero no como lo es hoy. Mantenerse actualizado en la música en estos días, es una tarea mucho más complicada, los medios digitales abrieron la puerta a miles de proyectos que dejaron de necesitar a las grandes discográficas para existir, por lo que en esta época en que las compañías de discos más grandes se declaran en dramática crisis, la oferta musical es excéntricamente enorme.

Llegar a una tienda de discos como Amoeba en Los Ángeles o Waterloo en Austin, es más que una misión predeterminada, una aventura sorprendente y es ahí donde la parte visual de los discos ha tomado una relevancia diferente, nueva y trascendente y una de las resultantes de esta necesidad visual aunada a una inusitada libertad creativa, posible gracias a las pequeñas pero exitosas compañías que se hacen llamar independientes o alternativas, es la creciente y directa relación entre artistas visuales y músicos.

Llevo aproximadamente veintitrés años comprando discos. Comencé ahorrando mis domingos para comprar un L.P. en Comercial Mexicana para después dar paso a los cassetes en el mercado de las Cibeles en la colonia Roma hasta la, para nosotros innovadora y gloriosa, llegada de los discos compactos, que adquiriéramos los fines de semana en el enorme Mercado del Disco que estaba a un costado de la plaza Garibaldi, aprovechando los precios especiales que encontrábamos.

La relación con los discos ha cambiado de muchas formas desde entonces, no solo por los diferentes formatos que han aparecido, o por haber tenido la oportunidad de participar en la grabación de algunos en mi vida, sino por el cambio que sucede en la mente con los años de exposición al objeto, al disco, al L.P, que está por cierto de vuelta, o a la foto que aparece como portada en los discos que se compran de manera digital.

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SINESTESIA

COMPRAR MÚSICA POR LOS OJOS

to que aquí comienza y que tiene como finalidad la de comentar las producciones musicales que han llegado a mí por el ojo y han resultado después gratas experiencias auditivas.

El arte visual tiene una poderosa voz que puede sin duda sintetizar conceptos o al menos, si no es lo que se busca, transmitir emociones a gran velocidad y con mucha profundidad, por lo que un sinnúmero de bandas y artistas musicales en el mundo han encomendado a sus colegas fotógrafos, pintores y artistas gráficos, la parte visual de sus trabajos sonoros, entendiendo que ante la falta de medios masivos de promoción y publicidad, es vital que el primer mensaje recibido por el público ,o sea las imágenes que visten al disco, sean las más efectivas y congruentes, por lo que algunos compradores asiduos nos hemos entrenado de manera hasta ahora para mi inconsciente, a hacer una lectura de las portadas de los discos tratando así de detectar el sonido interesante que queremos llevar a casa y usar así estas imágenes para evitar quedar extraviados para siempre en el interminable laberinto de pasillos físicos y virtuales que plantea hoy el mercado musical.

SINESTESIA

La sinestesia es en pocas palabras la involuntaria combinación de los sentidos en el proceso de la percepción, asunto que sucede a algunas personas de forma notoria y posiblemente a muchas personas de manera más sutil. Los músicos a punto de poner imágenes a su disco mirando una fotografía o una pintura o un collage o cualquier combinación, están escogiendo el primer portador del mensaje sensorial que llegará a un posible escucha, por lo que cuando lo hacen con el interés suficiente, estarán seleccionando algo que suene como su música al ser visto, algo que nos lleve al mundo emocional o intelectual que los artistas han creado para nosotros en su música.

Y para inaugurar esta sección, comenzaré con un disco que compré en acetato el año 2009, lo que me lleva a decir que no pretendo comentar en este espacio acerca de ningún trabajo que no haya escuchado

Suena bizarro, pero creo que es real y si a alguien le ha pasado lo mismo, tal vez se sienta interesado en este experimen134

SINESTESIA

por completo y que no me haya causado una fuerte emoción, así que volviendo al relato, decía que lo compré en acetato y mi primer encuentro con él provino de la curiosidad que me causó la obscura pintura que llevaba por portada, la que mostraba a una mujer acompañada de un cráneo humano, una obra que parecía provenir del pasado, de lo clásico.

Al acercarme me encontré con que se trataba del nuevo disco de una banda ya muy querida por mí, llamada The Avett Brothers, lo que antes me hubiese parecido una coincidencia, pero ya no.

punk que no se aleja ni un instante de las llanuras, las montañas, los ríos y la tristeza feliz del country americano.

Por cierto, la obra de la portada pertenece a uno de los miembros de la banda, situación que se hace cada vez más común; los artistas se tornan multidisciplinarios y retan cualquier antiguo paradigma al respecto de la creatividad, es cada vez más común encontrar músicos que pintan, pintores que actúan o cualquier combinación posible.

Producido por el afamado Rick Rubin, podría esperarse que el sonido de la banda se hubiese modificado tal vez un poco, pero no fue así. El mismo sonido del campo, la misma aparentemente simple nostalgia llenó el cuarto cuando al llegar a casa lo puse en la tornamesa. Rick Rubin no se metió con el sonido de los Avett, fue lo suficientemente sensato como para usar el viejo refrán que reza: “Si no está roto, no lo arregles”.

Gracias Rubin, por solo dedicarte a los detalles bellos, una banda que carga con un espíritu nutrido del rock y del 135

SINESTESIA

de la cubierta del CD, crearon en mí un sentimiento de nostalgia de tipo infantil y el disco confirmó y puso palabras a lo que en principio sentí. Con influencias obvias de MGMT, o al menos un parecido interesante, no deja de ser un disco que muestra una banda a seguir y que toca fibras con la ayuda de su capaz vocalista y fundador y sus canciones que se quedan dando vueltas en la cabeza tiempo después.

Avi Buffalo es un nombre poco común, aunque navegando por las tiendas virtuales una noche cualquiera me topo con decenas de nombre poco usuales, desde ahí comienza la cacería de buenas bandas y sonidos únicos, desde la fonética del nombre, que fue escogido y lleva de alguna manera una carga energética, y digo, “…de alguna manera”…, porque no existen aún muchas explicaciones válidas acerca de cómo funcionan las corazonadas, the hunch, las vísceras, este conocimiento interno e inexplicable que nos hace acercarnos a algo y no a otra cosa, y eso me pasó con ese nombre, Avi Buffalo.

La pieza de la portada es obra de la tecladista del grupo, de nombre Rebecca Coleman y me hizo imaginar el momento en el que los miembros de la banda miraron la pintura y decidieron usarla para su portada, tal vez después de decir: “That´s fucking sadly awesome”.

Tal vez por mi atracción inevitable hacia los animales o no sé por qué, pero lo que terminó por convencerme de que tenía que escuchar este disco y tal vez después poseerlo, fue la imagen de un ser al parecer humano de color rojo que peleaba por su vida con el mar junto a otros dos hombres más, mientras una misteriosa mano también roja movía unos extraños hilos de energía a su alrededor, al tiempo que un rayo de luz posiblemente de procedencia solar caía sobre nuestro hombre en peligro.

Para saber acerca de Avi Buffalo puedes ir a avibuffalomusic.com, o a la página de su compañía discográfica Sub Pop Records.

Nos vemos pronto y no olviden escuchar por los ojos.

La combinación del nombre y la imagen 136

SINESTESIA

Scott Avett es el autor de la pintura que lleva por nombre: Jullianne In Vain, y es un óleo sobre tela pintado en 2009.

Para ver más obra de Scott puedes ir a www.scottavett.com Para echarle un ojo a los Avett Brothers, podrías comenzar por www.avettnation.com y a disfrutar el futuro del country.

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GONZALO ORTEGA

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GONZALO ORTEGA

GONZALO ORTEGA Portafolio de Curador

Desde hace un poco más de tres años Gonzalo Ortega ha sido coordinador del MUCA Roma (Museo Universitario de Ciencias y Arte). Desde su llegada las inauguraciones en este museo han superado records de asistencia y este lugar es uno de los espacios más queridos y reconocidos de la ciudad de México, sobre todo por la colonia Roma.

Desde inicios de su carrera, gracias a su visión, inteligencia y trabajo constante, ha logrado materializar proyectos de proporciones titánicas. Como curador en el Museo de Arte Carrillo Gil llevó a cabo exposiciones emblemáticas como por ejemplo: Paracaidista de Héctor Zamora, Emergency Exit de Gustavo Artigas y El Dilema PMS de Miguel Ventura.

Verdaderas proezas que tomaron varios meses e incluso años de papeleo y planeación para lograrse.

En septiembre del 2010 concluyó con éxito Residual, intervenciones artísticas en 139

la ciudad, que realizó en equipo con la curadora Paulina Cornejo. Esta iniciativa reunió ocho propuestas de artistas alemanes y mexicanos, para desarrollar proyectos artísticos de inserción social; esto con el objetivo de generar conciencia sobre el manejo de la basura y los residuos bajo el lema “todos somos parte del problema y todos debemos ser parte de la solución”. El proyecto tuvo una duración de tres meses y se realizó gracias a la unión estratégica entre la UNAM y el Instituto Goethe de México.

En Living Art Room, nos sentimos verdaderamente orgullosos y felices de poder presentar su portafolio en nuestro portal y que desde ahora, Gonzalo haga parte -oficialmente- de esta gran familia; no sólo por el por qué valoramos profundamente su trayectoria, sino porque desde el inicio de Living Art Room ha estado presente, apoyando esta iniciativa y dándonos magníficos consejos.

GONZALO ORTEGA

www.livingartroom.com/gonzalo_ortega

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www.LivingArtRoom.com artists and curators porfolios Adriana Salazar, Antonio Ibarra, Carolina Rodríguez, Christophe Bouffil, Daniel González, Juan Carlos Delgado, Alejandra Baltazares, Alejandra España, Alfadir Luna, Carlos Pérez Bucio, Carmen Mendoza, Cynthia Araf, Diana María González, Eunice Adorno, Floria González, Francesca Dalla Benetta, Gonzalo Ortega, Isabel Rojas, Iván Villaseñor, Javier Areán, Javier Gutiérrez, Jiro Suzuki, Jorge Carrera, Juan Antonio Sánchez, Julio Pastor, Kanako Hayashi, Kerstin Erdmann, Lorena Moreno, Marisol Maza, Mar y Sol Rangel, Miho Hagino, Omar Rosales, Pablo Cotama, Raúl Cerrillo, Rochelle Costi, Rodrigo Imaz, Sayako Mizuta, Tania Ximena.

TERRITORIOS DEL HOGAR

TERRITORIOS DEL HOGAR Migración humana en la actualidad desde la perspectiva de artistas contemporáneos Por Gonzalo Ortega La migración es ante todo una actividad creativa, pero es también sufrimiento.

Vilém Flusser (1)

Raúl Cárdenas/ Torolab. Homeland, 2010 142

TERRITORIOS DEL HOGAR

Movimiento de placas tectónicas, cambios de presión atmosférica y temperatura, corrientes marinas y de viento, e incluso la trayectoria del planeta por su órbita alrededor del sol, han sido siempre una constante definitoria de las condiciones necesarias para que la vida surja o se extinga en la Tierra. Millones de años de este tipo de desplazamientos han influido en la evolución de una gran cantidad de especies que, de manera natural, responden también a esta lógica al migrar constantemente, interminable y obstinadamente de acuerdo a las temporadas del año. Pareciera como si la vida misma se definiera por la necesidad de desplazarse.

Una compleja red de causas y efectos físicoquímicos genera las condiciones necesarias para la supervivencia de especies animales y vegetales.

Desde el esparcimiento de semillas que viajan en el viento grandes distancias para conquistar nuevos territorios, hasta los miles de kilómetros que recorren ballenas, tortugas, búfalos y mariposas en búsqueda de mejores circunstancias para su alimentación y apareamiento. Estos organismos han debido evolucionar de tal manera que puedan realizar y resistir gigantescos viajes.

Incluso los seres humanos iniciaron su existencia como criaturas errantes. Nuestros antecesores debieron vagar por la Tierra millones de años en búsqueda de alimento; lo que permitió que se desperdigaran hasta en el último rincón de la misma. El inusitado momento en el que descubren la posibilidad de mejorar sus condiciones de vida

al asentarse en un lugar, controlando así la reproducción y crecimiento de animales y plantas -contenidos en un área determinada-, motivó un giro dramático en el destino de todo el planeta.

Como especie dominante, los seres humanos se han tomado el derecho de manipular el entorno, afectando a miles de especies al imponer sus reglas y modos de vida. Pero de la mano del asentamiento humano se suscitaron conflictos y violencia cuando determinados grupos ya establecidos debieron defender sus tierras frente a la llegada de otros con aspiraciones de arrebatárselas. La historia del ser humano puede ser descrita como una serie de intentos de apropiación de espacios desocupados -situación que rara vez ha implicado conflicto alguno-, y por la usurpación de territorios que les pertenecen a otros. Los desplazados no sólo han debido ir en búsqueda de otro lugar para vivir, sino que, a causa de diferencias ideológicas, políticas, raciales y religiosas, en muchas ocasiones han sufrido serias injusticias. Dentro de este aspecto la historia registra terribles hechos, como la esclavización y la comisión de vejaciones de todo tipo.

El establecimiento de clases privilegiadas, el ejercicio de poder (político, económico y religioso), el poderío militar de ciertos grupos, la inequidad en la distribución de recursos, la extorsión y amenaza de personas con elevados niveles de influencia, etc., son sólo algunas de los aspectos que han definido el destino de grandes cantidades de personas en desventaja. Todo lo anterior ha

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ocasionado un nuevo tipo de desplazamiento masivo de grupos humanos, muy distinto a aquél motivado por los ritmos vitales del planeta.

Pero el concepto de migración en la actualidad es muy vasto y requiere de una diferenciación minuciosa pues, de acuerdo al filósofo Vilém Flusser (Praga, República Checa, 1920-1991) la libertad en la toma de decisión es fundamental, no importando si uno decide ausentarse temporal o indefinidamente. Resulta además básico entender lo que significan la “patria” o la “tierra natal” para diferenciar la gama de emociones que los seres humanos pueden experimentar al alejarse de su hogar. Flusser se refiere al concepto alemán Heimat (2) para definir el vínculo afectivo y vital de los seres humanos con su lugar de origen; pero lleva esta noción un paso más adelante al argumentar que se puede establecer la propia Heimat incluso muy lejos del lugar de nacimiento.

Resulta creíble cuando lo anterior viene de un judío nacido en la antigua Checoslovaquia, educado dentro de la cultura alemana y emigrado a Brasil. El vínculo íntimo de uno con su entorno a través del lenguaje tampoco es representativo en la figura de Vilém Flusser, pues largas estancias en muy distintos países lo obligaron a “repatriarse” en al menos cuatro idiomas. Por lo anterior él se encontró en la posibilidad de diferenciar la noción de patria (Heimat) de la de “morada” o “vivienda” propia (Wohnung). Flusser argumenta la imposibilidad para las personas de asimilar los múltiples elementos asociados al pasado del lugar en el que viven, al preguntar, por ejemplo:

¿Es consciente un campesino provenzal en Robion de la estratificada historia de su tierra natal (en cuya estructura se entreteje un pasado paleolítico tardío, neolítico, litúrgico, griego, romano, visigodo, borgoñón, árabe, franco, provenzal, italiano y francés), en el mismo sentido en el que un agricultor nómada brasileño experimenta su “terra” o un miembro de una comuna Kibutz su reemplazo de Israel? (3) Según Flusser, sería más acertado decir que el ser humano ha sido siempre un ser “que habita” un lugar (ein wohnendes Wesen), en lugar de un ser arraigado a una patria (ein beheimatetes Wesen).

Los valores de la sedentarización -como la posesión, la repartición del trabajo y la nacionalidad- no son valores intrínsecos del ser humano, sino que se los debemos al establecimiento de la agricultura y la ganadería.

En cambio quienes carecen de estos valores -desterrados, refugiados, trabajadores extranjeros e incluso intelectuales y académicos emigrados-, en la mayoría de los casos no se perciben a sí mismos como marginados, sino en cambio como personas libres, poseedoras de un digno perfil emancipado. Los vietnamitas en California, turcos en Alemania, palestinos en los Estados del Golfo Pérsico y científicos rusos en Harvard no aparecen como víctimas a quienes hay que mostrar compasión y a quienes debe ayudarse a recuperar la patria perdida, sino como modelos que uno debería seguir. (4)

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Eunice Adorno Fraum Blaum, 2009 www.livingartroom.com/eunice_adorno 145

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Un país en las memorias

El arraigo, antes que brindar felicidad, significa una asfixia. Uno está atado a su tierra natal por cuerdas invisibles, ocultas, inconscientes, que generan sufrimiento en lo más íntimo cuando son cortadas o arrancadas. Quien debe distanciarse de su tierra natal experimenta una especie de colapso del universo. Pero cuando uno encuentra la posibilidad de replantearse la pregunta, de “¿libre de qué?” a “¿libre para qué?”, entonces el sufrimiento desaparece.

La artista Miho Hagino (Hokkaido, Japón, 1970) y el arquitecto y videasta Taro Zorrilla (Ciudad de México, 1980) son los creadores del Proyecto JAPÓN Un país en las memorias (2010), que consiste en 111 entrevistas a individuos (tanto japoneses radicados en México, como a personas de descendencia japonesa y japoneses radicados en Japón), que reflexiona sobre la relación de las personas con su país natal, y sobre la conformación de la identidad a partir de lo cotidiano. El resultado de esta investigación se traduce en un video documental y en algunas fotografías en blanco y negro de los entrevistados. La figura del emigrante ocupa un rol central pues, en palabras de los artistas: Las personas que nacen en una cuna binacional tienen una escisión de origen. (...) el espíritu forjado entre dos culturas distintas, busca día a día una identidad que tal vez les sea imposible hallar. Esas personas viven una profunda soledad.

Me descubría otro, y existía, ¡oh júbilo!, por fuera de aquellos. (...)

Como hombre, ¿me conocía? Estaba naciendo, apenas, y no podía saber como quién nacía.

Tal era lo que me faltaba aprender.

André Gide. El inmoralista. (5)

En su texto titulado Por una filosofía de la emigración (6), Flusser diferencia al emigrante del refugiado, al explicar que la mente de éste último es presa del contexto que debió abandonar, pues no ha tomado libremente la decisión de partir. Arrastra consigo a su patria, recordándola con una mezcla de resentimiento y amor. En cambio el emigrante ha trascendido su condición previa y ha tomado una decisión. El refugiado (encapsulado en sus tradiciones y en su cultura) se cierra al nuevo contexto; no aporta ni recibe nada.

Una tercera figura, la del inmigrante, se sitúa parcialmente abierta ante la nueva realidad. Los aspectos que le recuerdan por qué renunció a su lugar de residencia anterior son justamente aquellos que mejor puede asimilar de su nuevo contexto, e incluso en los que puede influir más activamente.

El compromiso que esto implica facilita el involucramiento con el nuevo lugar de residencia.

El Proyecto JAPÓN resalta eficazmente el sentir de quienes abandonan su país y su cultura materna y deben encontrar un nuevo sentido a su vida en un lugar lejano. Retrata también otro matiz, el de la experiencia de los hijos de inmigrados, quienes deben sobrellevar una identidad aún más fracturada, entre el deseo de sus padres y abuelos por conservar sus tradiciones y su enfrentamiento con la nueva realidad; una realidad que es mucho más la suya.

El texto del proyecto, escrito por Hagino y Zorrilla, incluye al inicio una cita al escultor americano / japonés Isamu Noguchi (Los Angeles, Estados 146

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Miho Hagino y Taro Zorrilla Proyecto Jap贸n, 2010

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Unidos comienza a recibirlos, distribuyendo grupos de Iu Mien en diversas ciudades de su costa oeste; un total de veinte mil. El grupo mayor -tres mil de ellos-, se establece en Oakland, en la bahía de San Francisco, donde comienzan un complicado proceso de adaptación; radical en todos los sentidos. Los roles de hombres y mujeres se transforman inevitablemente al adaptarse a su nueva realidad. Quienes antes eran reconocidos como grandes hombres dentro de su comunidad, ahora deben conformarse con puestos de conserjes u otros similares. Para muchos de ellos esta situación es percibida como denigrante. Además las leyes de los Estados Unidos los obligan a la monogamia, algo que trastoca dramáticamente su anterior rol social.

Unidos, 1904 - Nueva York, 1988) quien experimentó en carne propia un sentimiento de falta de pertenencia al haber crecido entre dos culturas: ¿Dónde es mi lugar de paz? ¿Dónde debo trabajar mi pasión y amor? … teniendo a dos países, habiendo crecido de dos maneras... ¿O pertenezco a todo el mundo?

Un pueblo sin memoria En el Estado de California en los Estados Unidos existen dos grupos migratorios importantes: los latinos y los asiáticos. Pero un grupo en específico destaca por su historia dramática: los Iu Mien.

Provenientes de una amplia región comprendida entre Laos, Tailandia, Vietnam y China, los Iu Mien son una extraña mezcla entre agricultores y nómadas, situación que supone en principio una contradicción. Cada determinado número de años (aproximadamente diez), debido a un ciclo chamánico abandonan su lugar de residencia y deben elegir otro. Su dialecto es además singular, pues es difícilmente comprendido por otros grupos de la región. Los Iu Mien no cuentan con escritura, por lo que sus tradiciones, historias y creencias se transmiten oralmente.

Las mujeres Iu Mien experimentan en cambio una transformación muy positiva, pues antes no contaban con participación alguna en la toma de decisiones, no tenían acceso a la educación, a la vida política o a la religión. Por esa razón muchas de ellas adoptan al cristianismo, con el único afán de tener acceso a una especie de vida espiritual.

Los hijos, en cambio, enfrentan una situación distinta, pues deben moverse entre dos mundos.

Aprenden un lenguaje diferente y les cuesta trabajo adaptarse, por lo que a menudo recurren al uso de drogas y alcohol, o en casos peores, se involucran con bandas criminales y terminan muertos o presos.

Durante la guerra de Vietnam, los Estados Unidos recurren al lenguaje de los Iu Mien para encriptar mensajes. Cuando los americanos son derrotados y deben marcharse, dejan atrás a sus desprotegidos aliados. Los Iu Mien padecen varios años de vejaciones gracias a su fallida alianza y son recluidos en campos de concentración en Tailandia.

Finalmente en la década de los ochenta Estados

Ante una situación compleja como la de los Iu Mien, el artista Raúl Cárdenas (Mazatlán, México, 1969), a través de su proyecto colectivo Torolab (7), 148

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desarrolla el proyecto titulado Homeland. Esta iniciativa documenta la difícil transición del pueblo Iu Mien, de una vida rural hasta su llegada y adaptación a los Estados Unidos. El título del proyecto se refiere a la noción de “territorio del hogar” (en contraposición con el concepto de “patria”), experimentada de manera muy singular por este grupo de nómadas que se sedentarizan y deben transformarse repentinamente en ciudadanos.

Homeland incursiona en la manera en la que se construyen y reformulan ideas con relación al lugar de pertenencia. La experiencia de nómadas, refugiados, migrantes, etc., le permite a Cárdenas y a sus colaboradores profundizar en todo aquello que influye en los seres humanos para identificarse con ese constructo denominado hogar.

El acercamiento a los Iu Mien por parte de Torolab intenta restaurar el sentido de pertenencia a la familia y al hogar mediante el contacto con sus tradiciones culinarias. Con la ayuda de estudiantes del San Francisco Art Institute y del East Bay Aisan Youth Center, se posibilitó la creación de una granja que le permite a una comunidad Iu Mien cultivar cebollas, mostaza, cilantro, calabazas, tomates, ejotes rojos, entre otras cosas, y fomentar la convivencia entre ellos. Con estos ingredientes les resulta viable conservar sus tradiciones, al igual que preparar platillos típicos de su cultura que de otra forma se perderían. El proyecto incluyó la construcción de un granero móvil que cuenta con una mesa y un mirador, un lugar de reunión. El objetivo de este sitio no es únicamente permitirles recordar sus historias antiguas, sino el de construir otras nuevas. La granja se convierte en un espacio de activaciones pedagógicas, instituto educativo, agencia cultural y zona de integración social.

Los Iu Mien evidencian una especie de pudor o pena de mostrar su cultura abiertamente al resto de la comunidad de San Francisco. Pero ¿cómo podrían interpretarse negativamente sus tradiciones milenarias? La fractura intergeneracional ocasiona esto. Los hijos de los Iu Mien prefieren a veces la comida rápida a sus platillos tradicionales.

Probablemente la desintegración de aspectos importantes de su identidad y de sus estructuras sociales los ha hecho replegarse. Por ello es que el proyecto se enfoca específicamente en elementos destacables de sus costumbres, y

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también en la creación de estrategias para la transición, al igual que para la traducción de sus valores y contenidos.

Parte fundamental del proyecto consistió en realizar los trámites requeridos por el estado de California para la obtención de licencias para el cultivo de alimentos orgánicos. Pero en el fondo esto consistió apenas en un inicio, pues la idea central es motivarlos a subsistir dignamente, de la mano del apego a sus costumbres. El proyecto busca también ayudarlos a integrarse a su nuevo contexto, permitiéndoles involucrarse en la vida económica y social de la ciudad. El proyecto Homeland es una estrategia para reforzar la identidad de los Iu Mien, dentro de un marco de convivencia plural como el que ofrece Oakland.

Busca crear su presencia activa dentro de la sociedad norteamericana. Por ejemplo, mediante el reconocimiento a la tradición culinaria Iu Mien.

The Iu Mien Farm Tapes Siglos siglos que vienen gimiendo en mis venas Siglos que se balancean en mi canto Que agonizan en mi voz Porque mi voz es solo canto y sólo puede salir en canto La cuna de mi lengua se metió en el vacío Anterior a los tiempos Huidobro, Vicente. Altazor. (8)

Lu Chieng, una mujer que vivió y dio a luz a su primer hijo en un campo de concentración en Tailandia, y a otros cuatro ya en los Estados Unidos, 150

se convirtió en la piedra angular de Homeland. El compromiso doble de conservar sus tradiciones y entender las posibilidades que le ofrece a su gente el nuevo hogar, la han convertido en una especie de ejemplo a seguir dentro de su comunidad. Lu es un legítimo agente social, y además es una de las figuras centrales de The Iu Mien Farm Tapes (9), una ramificación dentro del proyecto Homeland que consiste en un archivo sonoro que compila una gran cantidad de experiencias narradas por las mujeres de esta comunidad mientras cocinan.

Raúl Cárdenas recuerda: “… de repente Lu comenzó a cantar, y después de un rato me enteré que lo que ella narraba era una descripción de justamente ese momento en el que todos nos encontrábamos reunidos. Me di cuenta entonces de que su tradición oral se apoya en la poesía y en la música para crear archivos de memoria colectiva”. The Iu Mien Farm Tapes consiste entonces en la oportunidad de registrar esas historias, recurriendo además al uso de grabadoras de cassettes utilizadas por ellos en el pasado para intercambiar mensajes en una especie de sistema de correspondencia. Durante la estancia de los Iu Mien en campos de concentración las mujeres también comenzaron a hacer uso de este sistema y a grabar sus historias. En la tradición oral Iu Mien a cada personaje incluido en la narración es asignado un tema musical especial, mismo que adquiere una relevancia importante más allá de la sola verbalidad. Este archivo sonoro documenta historias terribles, mezcladas con los datos de las recetas y con un hermoso sentido de musicalidad, por lo que los cassettes se vuelven documentos híbridos muy complejos.

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Raúl Cárdenas/ Torolab. Homeland, 2010 151

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Como dije antes, los Iu Mien no cuentan con un sistema de escritura, por lo que su nivel de alfabetización es muy bajo. Según el antropólogo y etnólogo francés Claude Lévi-Strauss (Bruselas, Bélgica 1908 - París, Francia 2009), el conocimiento de la escritura diversifica en gran medida la posibilidad del ser humano de conservar sus saberes. Los pueblos que tienen este instrumento están en la posición de recurrir a conocimientos formulados en el pasado y de alcanzar rápidamente sus objetivos, mientras que los pueblos sin escritura están condenados a la memoria individual de sus miembros, cautivos de una historia tambaleante a la que siempre le falta la noción de su origen y, lo que es más grave, la posibilidad de planear su futuro. (10) La manera en la que Raúl Cárdenas despliega la información relativa al proyecto Homeland y The Iu Mien Farm Tapes, es mediante diversos módulos -o piezas de mobiliario- que contienen imágenes, videos, grabaciones de audio y todo tipo de información que contextualiza su interacción con esta comunidad. De esta manera posibilita la permanencia de aspectos y contenidos valiosos de la cultura Iu Mien, que serían muy difíciles de ser registrados únicamente por medio de un manuscrito.

Cultura dominante vs. multiculturalidad Muchos países desarrollados, especialmente los Estados Unidos, Inglaterra, Alemania, España, Francia; al igual que otros más de la Unión Europea, se han convertido en el destino de millones de inmigrantes legales e ilegales. La bonanza económica de estas naciones es un factor atractivo que motiva a que muchos decidan abandonar todo para probar su suerte. Pero cada vez se dificulta más esta posibilidad, pues los trámites migratorios se vuelven más estrictos y las fronteras son mejor vigiladas ante del paso ilegal de personas. Es algo común escuchar en medios de comunicación sobre las tácticas puestas en marcha para repeler a quienes intentan entrar en sus territorios, mismas que muchas veces ignoran los derechos humanos y sirven de argumento para cometer crímenes, e incluso asesinatos. La frontera entre México y los Estados Unidos es un triste ejemplo de este tipo de actividades. La propia Europa ha sido el escenario reciente de la expulsión masiva de Rumanos. Ante la pregunta: ¿por qué específicamente la expulsión de rumanos de Francia y no de otros grupos? Es evidente que este grupo resulta especialmente incómodo, pues se resiste a modificar sus modos de vida y tradiciones -erróneamente interpretadas como bárbaras y decadentes-, para adaptarse al modelo del ciudadano local.

En Alemania también, los así llamados “trabajadores huéspedes” (Gastarbeiter) -millones 152

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de turcos contratados en los años sesenta para reconstruir la economía del país con mano de obra accesible-, llevaban ya en el mismo título que les fue asignado la condena de un plazo determinado para regresar a su país. Sin embargo, después de varios años, muchos de ellos tenían ya una nueva vida y se rehusaron a partir. Sus hijos, crecidos con el idioma alemán, habían perdido el vínculo con la natal Turquía. La estancia de este grupo numeroso de extranjeros debió respetarse.

Asumir una actitud más estricta frente a la situación hubiera sonado peligroso, recordando claro la historia reciente de Alemania.

inmigrantes (en el sentido de su homogeneización).

“Si se quiere preservar una Europa de la diversidad y las identidades nacionales, al igual que una identidad colectiva, es necesaria una política de liderazgo, una base común de valores y convicciones.

Una política de liderazgo europea se relaciona necesariamente con nuestras raíces culturales comunes, nuestra historia y tradiciones religiosas” (12), son las palabras del Dr. Norbert Lammert, político de la Unión Cristiano Demócrata (CDU, por sus siglas en alemán) y presidente del Parlamento Alemán desde el año 2005. Sorprende este argumento por su ingenuidad, pues intenta anular el derecho de los inmigrantes de conservar su identidad, y se revela abiertamente como una postura en contra de la multiculturalidad, como si en realidad pudiera contenerse la inercia de transformación que han generado varios millones de turcos durante las últimas décadas en Alemania.

Ante tal escenario, y como una muestra de la resistencia a la hibridación cultural, comenzó a utilizarse en el ámbito político el término “cultura dominante” (en alemán: Leitkultur), para intentar detener el inevitable cambio. La noción original de la Leitkultur nada tenía que ver con esta desviación, ya que el concepto fue acuñado por un inmigrante sirio, Bassam Tibi (Damasco, 1944), experto en ciencias políticas, para definir un conjunto de valores occidentales, tales como: democracia, laicismo, esclarecimiento (Aufklärung) (11), derechos humanos y sociedad civil; al igual que otros asociados a la modernidad cultural (según las ideas del filósofo Jürgen Habermas), como: prioridad de la razón ante expresiones religiosas, democracia, pluralismo y tolerancia.

El artista Krzysztof Wodiczko (Varsovia, Polonia, 1943) se ha referido también a la degradación social que sufren los trabajadores huéspedes de Europa del Este en países desarrollados de la Unión Europea. En su instalación presentada en el pabellón de Polonia de la 53. Bienal de Arte de Venecia, los protagonistas son personas que proveen una eterna mano de obra barata y sacrifican sus derechos, a cambio además de un bajo sueldo y una marcada invisibilidad social.

Sin el derecho a contar con voz y participación, son reducidos a siluetas anónimas que proveen servicios. Wodiczko logra un mensaje político

El sentido original de la Leitkultur fue sesgado y manejado para fomentar la “integración” de

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muy claro por medio de un proyecto muy poderoso en términos estéticos.

Frente a cualquier escenario, el acto de migrar implica valor, compromiso y disposición al cambio.

Se disuelven nacionalidades y se construyen destinos. Al desplazarse se apuesta por la nada, pues nada pueden prometer lugares desconocidos.

Lo que motiva al migrante es la imaginación de algo mejor; pero lo que lo aterra es la incertidumbre de no saber qué pasará. El artista Bas Jan Ader (Winschoten, Holanda, 1942 – 1975)

se ha convertido en el emblema mismo del viaje hacia lo desconocido, pues perdió la vida al realizar su proyecto titulado In search of the miraculous. En 1975 decidió embarcarse en una pequeña nave desde la costa este de los Estados Unidos con destino a Irlanda y desapareció en el mar. Algunos suponen que él anticipaba ya un viaje sin retorno. La búsqueda de Bas Jan Ader de un “destino milagroso” se quedó en un anhelo humano truncado e imposible, pero fundamental para la imaginación. La necesidad existencial de creer que existe un lugar mejor.

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Notas y pies de página (1) Flusser, Vilém. Von der Freiheit der Migranten. Wohnung beziehen in der Heimatlosigkeit. Europäische Verlagsanstalt. Alemania, 2007. (p. 17). “... die Migration ist zwar eine schöpferische Tätigkeit, aber sie ist auch ein Leiden”.

(2) No existe un término para traducir al español la palabra alemana Heimat con el mismo sentido. Lo mismo ocurre con su traducción al inglés, en donde Homeland es la traducción más frecuentemente utilizada. Heimat también podría significar en inglés “Home” o “Region”.

La palabra Heimat es utilizada a menudo para describir una sensación de nostalgia. La raíz Heim, incluida en el término, significa en cierto modo “estar en casa” o la “casa familiar”.

(3) Ibídem (1). Wohnung beziehen in der Heimatlosigkeit. Europäische Verlagsanstalt. Alemania, 2007. (p. 16).

(4) Ibídem (1). Wohnung beziehen in der Heimatlosigkeit. Europäische Verlagsanstalt. Alemania, 2007. (p. 16 - 17).

(5) Gide, André (París, Francia, 1869 - 1951). El inmoralista. Editorial Argos, Barcelona, 1981. Traducción de Julio Cortázar. (p.51) Ibídem (p.49) … había creído renacer el mismo de antes, y agregar bien pronto mi presente al pasado; en plena novedad de una tierra desconocida podía engañarme en tal forma; aquí ya no. Todo me enseñaba lo que aún me sorprendía: que yo había cambiado.

(6) Ibídem (1). Für eine Philosophie der Emigration. (p. 31 - 34).

(7) Torolab es una plataforma artística e interdisciplinaria que tiene como objetivo el estudio de contextos específicos para el desarrollo de estrategias que mejoren la calidad de vida de las personas que en ellos viven. Raúl Cárdenas ha experimentado en carne propia un desplazamiento hacia otros lugares al vivir desde hace más de 15 años en la ciudad fronteriza de Tijuana y residir por períodos intermitentes en las ciudades de San Diego y San Francisco en los Estados Unidos.

(8) Huidobro, Vicente (Santiago, Chile, 1893 - Cartagena, Chile, 1948). Altazor. Editorial Premia, Puebla, México. Novena edición, 1992. (p.30).

(9) El proyecto Homeland y The Iu Mien Farm Tapes, surgen del trabajo en colaboración de Raúl Cárdenas Osuna, Julio Cesar Morales, y estudiantes del SFAI: Cal Volner, Erik Wilson y Tamiko Robinson.

(10) Lévi-Strauss, Claude. Schrift und soziale und politische Strukturen. Texte zur Medientheorie. Hsg. Helmes, Günther / Köster, Werner. Stuttgart 2002. El autor menciona una etapa en el desarrollo de la humanidad caracterizada por su enorme poder de invención, el neolítico, cuando aún no existía la escritura. Justo en esa etapa se descubrió la agricultura y la crianza de animales, al igual que muchas otras artes; los inicios de la arquitectura entre ellas. Durante el largo período neolítico los conocimientos se transmitieron oralmente entre las generaciones. En cambio, durante la época comprendida entre la invención de la escritura y el surgimiento de lo que conocemos como la ciencia moderna, puede decirse que los conocimientos “circularon” más que “se generaron”. Lévi-Strauss asocia además el surgimiento de la escritura a la jerarquización de castas y clases, y al nacimiento de regímenes totalitarios. La escritura como una herramienta de dominación. La hipótesis del autor supone que la función primaria de la escritura es la de facilitar la esclavización. Otros usos de la escritura, como manifestación intelectual y estética, son secundarios.

(11) El término Aufklärung se asocia a un movimiento europeo (principalmente en Inglaterra, Francia y Alemania) y humanista iniciado en el siglo XVIII, cuyo objetivo era dilucidar cualquier aspecto de la existencia, el mundo, la naturaleza y las creencias religiosas, con el uso pleno de la razón. Claramente este movimiento implica la continuación de discursos iniciados en el renacimiento y durante la reforma de Martín Lutero en la Alemania del siglo XVI. No existe un concepto en español que abarque correctamente el significado en alemán de Aufklärung, y frecuentemente se utiliza la palabra “Ilustración” para referirse a él. Sin embargo Aufklärung implica más un “esclarecimiento” de preguntas fundamentales que la referencia a un período específico de la Historia. El filósofo Immanuel Kant es probablemente el exponente más relevante de este pensamiento.

(12) “Wenn ein Europa der Vielfalt nationale Identitäten bewahren und dennoch eine kollektive Identität entwickeln soll, braucht es eine politische Letidee, ein gemeinsames Fundament von Werten und Überzeugungen. Eine solche europäische Leitidee bezieht sich notwendigerweise auf gemeinsame kulturelle Wurzeln, auf die gemeinsame Geschichte, auf gemeinsame religiöse Traditionen”. Dr Norbert Lammert (CDU). (Diario Die Welt, 13 de diciembre de 2005).

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Resid锚ncia, 2010.

Vista general de la exposici贸n Bienal de Sao Paulo 156

RESIDENCIA

ROCHELLE COSTI Residencia

‘Residencia’ es el registro de un conjunto de acciones de función indeterminada, situadas entre el proceso artístico y el uso cotidiano del espacio como vivienda. Por un lado es como el testimonio da la presencia de alguien que por allí se haya alojado, residiendo dentro de un ícono del proyecto moderno de arquitectura, por otro remite a una exposición inexistente de la cual traemos algunos vagos recuerdos.

Ese proyecto es el resultado de una experiencia realizada en el predio de la Bienal de São Paulo algunos días antes de que se empezaran las obras de expografía para la realización de la XXIX Bienal Internacional de São Paulo. El uso de elementos exóticos al contexto, fotografiados por ángulos no convencionales para espacios consagrados de arquitectura, provoca una sensación de inversión de la escala que pone dudas con relación al proceso de ejecución de las imágenes. Las ampliaciones de diferentes medidas y la organización irregular de las obras en la pared acentúan esa impresión.

www.livingartroom.com/rochelle_costi 157

RESIDENCIA

ResidĂŞncia- escada lateral

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ResidĂŞncia- cortina

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Residência- lagos

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ResidĂŞncia- paisagem

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ResidĂŞncia- escada subida

Residência- escada descida

Residência- reunião

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