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LARREVISTA

.012 Publicaci贸n de Living Art Room Objetivo profesional del arte Num012 路 jul ago sept 2013

CONTENIDO Catalina Restrepo Leongómez catalina@livingartroom.com DIRECCIÓN

Publicación de Living Art Room Objetivo profesional del arte Num012 · jul ago sept 2013

Daniel Vega serapiu@hotmail.com EDICIÓN

Judith Memun jmemun@gmail.com DIRECCIÓN DE ARTE

Colaboradores

Emilio Rangel María Fernanda Barrero Daniel Vega Emireth Herrera

Agradacimientos Gonzalo Ortega Julia Ortega Emireth Herrera

Fotografías

Cortesía de los artistas Museo MARCO Monterrey Alice in Chains Facebook fanpage Floria González, sMother, 2012

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004 Editorial

El objetivo profesional del arte contemporáneo

056 Floria González 068 Juan Antonio Sánchez-Rull 080 Saúl Sánchez

008 Artículo

090 Alejandra Alarcón

El arte según dios me dio a entender por Emilio Rangel

104 Rodrigo Facundo 114 Isabel Rojas

016 Nuevos Portafolios de Artista 018 Tahanny Lee Del reflejo al agujero. La obra de Tahanny Lee por Emireth Herrera

036 Artículo

Los mundos dentro y fuera de la piel por María Fernanda Barrero

044 Actualización de Portafolios de Artisas 046 Emilio Rangel

124 Recomendado

Mesocosmos MARCO Monterrey

134 Actualización de Portafolios de Curador 136 Gonzalo Ortega

150 Invitado Especial

Amanda Watkins

160 Música

El regreso de Alice In Chains

EDITORIAL El Objetivo Profesional del Arte Contemporáneo El objetivo profesional de los médicos, abogados, astrónomos, ingenieros, diseñadores es perfectamente claro e indudable. En el arte contemporáneo ese objetivo no es tan evidente, o al menos pareciera que cada colega tiene uno que se supone es el mismo que el del otro. Yo no estoy tan segura de eso. Sospecho que hay quienes consideran el objetivo profesional del arte una cosa diametralmente diferente a la de quien se encuentra al lado. Con esta doceava edición de LARREVISTA, me propongo traer a la mesa el tema, no para señalar, criticar o generar un debate que explote en Facebook, sino para invitar al lector a hacer una revisión y para que sea capaz de responderse a sí mismo: cuál es ese objetivo, esa finalidad del profesional del arte.

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Qué delicado tema ¿o no?. Me parece importante parar un segundo y preguntar: ¿qué es lo que hace un artista y para qué lo hace? Esto con la única intención de entender si en verdad todos estamos en la misma página o si, en cambio, nos encontramos en una torre de Babel.

El campo profesional del arte —como cualquier otro— es competitivo, pero en los siete años que llevo trabajando nunca me había parecido tan hostil como en los últimos meses. Tal vez esto se deba a que ya no vivo en Ciudad de México, donde tienen lugar un millón de eventos culturales a la vez y ahora me entero de los problemas desde la distancia; o quizás se deba a que con el tiempo he conocido muchas más personas y

ahora entiendo mejor quiénes son los protagonistas de los conflictos; o tal vez también influya que el efecto facebookiano —que le permite a cualquiera hablar de cualquiera y enterarse de todo— me ha vuelto a mí (como a los demás usuarios de la red) más crítica y consciente de lo que pasa.

Ver el actual boom de plataformas y de iniciativas que se dedican a criticar y descalificar, agresiva o intelectualoidemente casi todo lo que se hace, me hace sospechar que esto se debe realmente a que las plataformas de información han permitido que todo el mundo esté enterado de lo que pasa, y por lo tanto que la gente no “coma cuento” tan fácil. Antes, lo que decía un curador raramente se cuestionaba como ocurre hoy; los espectadores se quedaban como conejos en carretera cuando les ponen las luces altas pensando “no entendí nada, pero como quien lo ha dicho es un erudito, mejor me hago el que sí”.

Actualmente, para los artistas es mucho más ágil encontrar información y documentación; lo que

ha facilitado y validado los procesos de investigación, de formato o de corriente artística, que aparentemente son muy diferentes. Me parece que ahora el arte —de contexto social, conceptual, minimalista, hiperrealista, efectista, futurista, ilustracionista, arte callejero, urbano, tecnológico, ocurrente, performista, ocultista, etc.— convive en un tipo de pozole donde cada cual está muy convencido de lo que es el arte, pero rara vez se le pregunta al de al lado: ¿y, para usted qué es?. Todos se aferran a una idea, y esas posturas demasiado firmes invalidan, sin temor, el trabajo de los demás sin mayor titubeo.

Hace poco, preparando una clase de fotografía contemporánea, les quise mostrar a mis alumnos el trabajo de Bárbara Kruger y me topé con un video en el que la artista dice “Art is the creation of commentary whether it’s visual, music or writing. It’s sort of the way that artist figures out how to visualize, textualize or musicalize their experience of the world“ (el arte es la creación de un comentario, sin importar si éste es visual, musical o escrito. De alguna manera, el artista www.LivingArtRoom.com

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encuentra la forma de visualizar, textualizar o musicalizar su experiencia del mundo). Esta definición me vino como anillo al dedo, pues sin entrar en mayor detalle se ajusta perfecto a como yo veo las cosas. Es justamente a partir de esta visión que yo busco y promociono a artistas, quienes con sus propuestas conjugan ideas que hacen posible entender sus experiencias del mundo; que crean cápsulas del tiempo que en unos años serán abiertas y hablarán de los ánimos y del contexto en el que les tocó vivir. Aquello que los historiadores pueden escribir en datos y fechas, los artistas lo plasman de otra forma: como el sentir de su época. Solo quien es muy sensible y con la lucidez necesaria puede conjugar códigos visuales que se traduzcan en obras de arte acertadas, directas y claras. Son estos artistas a quienes en lo personal me gusta seguir.

En esta edición Emilio Rangel y Maria Fernanda Barrero, dos artistas de Living Art Room, nos cuentan de manera muy personal lo que para ellos es el arte, su objetivo, y cómo eligieron esta profesión entre tantas. También presentamos un nuevo portafolio, el de Tahanny Lee y presentamos la actualización de los portafolios de Floria 6

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González en portada, Alejandra alarcón, Rodrigo Facundo, Isabel Rojas, Saúl Sánchez. Además, presentamos la actualización de portafolio de curador de Gonzalo Ortega.

Nuestra invitada especial esta vez es la diseñadora de modas inglesa Amanda Watkins, quien tiene una visión muy cercana al arte en la aproximación que tiene sobre sus diseños. Y como siempre, nuestro queridísimo editor Daniel Vega nos presenta un artículo sobre música, en esta ocasión sobre el último trabajo y la trayectoria de la banda Alice in Chains.

Como siempre, esperamos que disfruten esta edición, que con esta, cumple tres años.

Catalina Restrepo Leongómez Directora y fundadora Living Art Room www.livingartroom.com

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SEGÚN DIOS ME DIO A ENTENDER POR EMILIO RANGEL

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¿Qué es el arte?

Arte es el término inventado para describir una experiencia estética.

Una experiencia estética es una percepción sensorial armónica o bella. Y la belleza es subjetiva.

Para entender el arte primero que nada hay que estar conscientes de nuestra relación con él. Aprender a apreciarlo es parte fundamental en nuestras vidas. Sin embargo, muchas veces es olvidado o ignorado, pero siempre está presente y latente; es tan vasto que nos sobrepasa, nos inunda y se nos dificulta verlo, de la misma manera que no puedes ver el bosque por tantos pinches árboles.

Arte es un término ambiguo e inconsistente, un intento SI LLEGA A SER DIFÍCIL VER AL ARTE EN LOS LUGARES EN LOS QUE SE ENCUENTRA, HAY QUE de englobar algo tan grande que es incomprensible, y tan UBICARLO EN LOS LUGARES EN LOS QUE presente que es innegable.

APARENTEMENTE NO ESTÁ PRESENTE.

El arte, en el caso de un artista de cualquier disciplina, es un trabajo de tiempo completo. Hay horarios en los que se labora, pero no hay horarios definidos para la concepción o maduración de una idea; lo que vulgar y vagamente se conoce como inspiración, correctamente denominado proceso artístico, se materializa en lo que conocemos como producción artística, que es diferente del concepto “arte”. www.LivingArtRoom.com

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Si llega a ser difícil ver al arte en los lugares en los que se encuentra, hay que ubicarlo en los lugares en los que aparentemente no está presente. Ese es un ejercicio esporádico que realizo mientras cago por la mañana. ¿Cómo sería el mundo sin arte? Creo que sería un mundo sin moda, sin escaparates, sin ritmos, sin poses ni

pecie del orden animal despojada de toda frivolidad, adaptarnos a nuestro entorno, y como un mamífero más vivir en absoluta armonía con la naturaleza. El único inconveniente es que no seríamos conscientes ni sensibles de tanta belleza que nos rodea, de los hermosos atardeceres en otoño sobre la azotea de nuestro edificio, de la magnífica y potente fuerza de un motor, de ...NO SERÍAMOS CONSCIENTES NI SENSIBLES DE las chingonas y precioTANTA BELLEZA QUE NOS RODEA, DE LOS HERMOSOS sas nalgas de nuestra pareja, de lo fregón ATARDECERES EN OTOÑO... DE LAS CHINGONAS Y que nos queda el saco PRECIOSAS NALGAS DE NUESTRA PAREJA. que vimos exhibido sobre un maniquí en composición. Y quizás en un mundo sin arte, el el aparador, ni de lo espectacular e imponente orden natural de nuestra condición como homo que resulta encontrarte ante una pintura expresapiens nos llevaría a construir —con nuestros sionista abstracta de gran formato, a la que no le medios— herramientas para sobrevivir, y con encuentras ni una jodida forma ni lado, pero que ellas, edificar fortalezas para darnos refugio. Y así te provoca, te desconcierta y te cuestiona. como la mariposa crea un hermoso capullo que la protege mientras transcurre su metamorfosis, A la ya clásica pregunta de la historia: “¿Qué es nosotros crearíamos estructuras complejas que el arte?”, el gran artista Bruce Nauman responde sostendrían nuestras ciudades y civilizaciones, sencillamente con la frase: “Arte es lo que hace y nuestras proezas tecnológicas y dominio sobre un artista”. las ciencias sería absoluto. Podríamos, como es10

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¿Qué es un artista?

El autonombrado “artista” es, idealmente, un sujeto sensible que dedica su vida a recrear sus experiencias estéticas e intereses filosóficos o conceptuales, y a traducirlos mediante la elaboración de un proyecto en una investigación formal, auditiva, visual, gustativa o conceptual, catalizado con un dominio técnico o mental que desemboca en una obra artística.

la sociedad la que finalmente decide a quién dar el reconocimiento de artista y a quién no. Pero esto es sólo la perspectiva desde el plano social, pues desde el plano personal todos podemos hacer un dibujito y decirnos “soy todo un artista”, pero este sería el momento de dar el siguiente paso: vivir de ello y para ello.

Desde mi perspectiva, la figura del “artista supremo” es el músico. La música es el arte universal que sublima al espíritu. Jamás un artista de cualquier otra disciplina podrá tener en vida tal contacto con el espectador, como lo tuvo Freddie Mercury al hacer corear estadios enteros, o Janis Joplin, que se volvió un ícono de su generación en su corta vida. Por eso cuando

En el mundo del arte existen diferentes disciplinas nombradas “bellas artes”, como lo son la escultura, pintura, música, danza, teatro, arquitectura, literatura y cine, que se derivan de los primeros oficios dedicados a la recreación espiritual y estética de algún JAMÁS UN ARTISTA DE CUALQUIER OTRA DISCIPLINA sector de la sociedad. Estas son las disciplinas seleccioPODRÁ TENER EN VIDA TAL CONTACTO CON EL nadas por la sociedad para ESPECTADOR, COMO LO TUVO FREDDIE MERCURY delimitar los campos de acAL HACER COREAR ESTADIOS ENTEROS ción y producción artística; toda persona dedicada a la realización de proescuchamos la palabra “artista”, inevitablemenducciones dentro de estas categorías, más allá te nos viene a la cabeza la imagen de un cantande su autoproclamación como artista, recibe una te o un músico, aunque pudiera tratarse de un primera validación por parte de la sociedad. Y es arquitecto o un cineasta. www.LivingArtRoom.com

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Todas las disciplinas artísticas funcionan tal como la estructura del mundo de la música. El personaje del “artista” se vuelve relevante a través de la aclamación del público, quien estará dispuesto a pagar más por verlo si dicho artista es mayormente aceptado en el gusto general, erigiéndolo como un estandarte dentro de las figuras notables de la sociedad cuya única consecuencia es la trascendencia.

¿Qué es una obra?

Una obra puede ser un sonido, o un edificio; dependiendo de la disciplina mediante la cual fue producida, esta puede ser artística o no.

El objeto artístico, “pieza” u “obra”, se refiere al producto del ingenio de un artista. La obra artística, resultado de un proceso y una producción, se devela al mundo como un objeto de culto con alto valor simbólico, espiritual y económico.

Tiene la finalidad de sublimar los sentidos y engrandecer el espíritu, aunque también puede 12

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volverse, con el paso del tiempo y dependiendo de la aceptación del público, un ícono.

Enfrentarte a consumir arte contemporáneo es muy similar a ir a una tienda de chácharas y toparte con algo que llama tu atención; realmente no sabes bien qué es, pero te LA PRESENCIA DEL genera una atracOBRA ES FUNDAMENT ción incomprensiDEL MUNDO, PERO ble y, así nomás, te gusta. No sabes NADIE SERÁ CAPAZ D para qué es pero EL lo quieres, y preguntas al tendero qué es; él, como poseedor actual, idealmente te dirá de qué va, y ese discurso puede orillarte a comprar el objeto, o puede desencantarte.

Así es como se vende una pieza de arte en el plano económico, mediante una conjugación de atracción y un buen discurso.

En una obra, la primera impresión es lo que más cuenta, la mayoría de las veces; entre más sólida sea la pieza, podrá ser leída con mayor facilidad por un público extenso, lo cual es uno de sus

objetivos. La presencia del público en la producción de una obra es fundamental. Puedes ser el artista más chingón del mundo, pero si vives de ermitaño en un bosque nadie será capaz de apreciar el producto de tu ingenio. El secreto es compartir: las sociedades y civilizaciones se

puede sucumbir a la monotonía de un proceso de ejecución vacío y sistemático. La pasión es el caos que afecta todo orden mental, y produce la organicidad necesaria para que la obra pueda germinar y convertirse en un vínculo entre el imaginario del artista y su público.

Antes la obra solía representar lo notable, pero ahora vuelve notable lo que representa. Este giro de función de la obra se debe al largo proceso evolutivo del que el arte ha sido objeto con el paso del tiempo, y de la autonomía que fue ganando como una rama de la historia.

Esta independencia dio origen a la idea del arte por el arte; de ahí que las producciones artísticas tiendan a ser autorreferenciales, lo que genera un hermetismo del medio artístico en general.

L PÚBLICO EN LA PRODUCCIÓN DE UNA TAL. PUEDES SER EL ARTISTA MÁS CHINGÓN O SI VIVES DE ERMITAÑO EN UN BOSQUE DE APRECIAR EL PRODUCTO DE TU INGENIO. SECRETO ES COMPARTIR. construyen en base a eso, y justo de la aceptación del público se deriva el valor simbólico de la obra como imagen, estructura o composición.

Esta aceptación se traduce a su vez en términos capitalizables en muchos sentidos.

La producción de una obra artística, aparte de estar constituida por un proceso mental y otro técnico, funciona como cualquier proyecto de cualquier disciplina. Su factor más importante siempre es la pasión, pues sin ella un proyecto

En palabras de Viviana Martínez: “La finalidad de una obra artística es insertarse en el imaginario colectivo para trascender y formar parte de la historia”.

Publicado previamente en la revista Indrks

www.LivingArtRoom.com

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LARREVISTA EDICI

011

010

Intercambios.

MĂŠxico-Colombia

Las no capitales del arte

http://issuu.com/livingartroom/docs/larrevista011

http://issuu.com/livingartroom/docs/larrevista010

IONES PASADAS

009

008

Referentes y procesos

Celebrando dos aĂąos.

Historias de ĂŠxito

http://issuu.com/livingartroom/docs/larrevista009

http://issuu.com/livingartroom/docs/larrevista008

S S O O I V L O E F A U T NR A O P E IST D RT A

Tahanny Lee México

Del reflejo al agujero. La obra de Tahanny Lee por Emireth Herrera

Las cosas perdidas, 2012

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Tahanny Lee

www.livingartroom.com/tahanny_lee

Del reflejo al agujero. La obra de Tahanny Lee Entrevista por Emireth Herrera

Emireth Herrera: Cuéntame de qué trata tu producción artística.

Tahanny Lee: Bueno… mi producción artística… es extraño contestar así. Supongo que surge de un proceso de introspección. Me he dado cuenta de que mi proceso creativo parte mucho de una especie de auto-reconocimiento constante a partir de las representaciones visuales, y en un punto, de mi intimidad; de esas vivencias o sucesos que han pasado en mi vida, que me han marcado. Habla un poco del dolor, que creo que es algo universal.

Para mí, al menos en mi intimidad, hay dos sucesos muy importantes que me han marcado: uno fue la separación de mis papás, que todavía no se terminan de divorciar desde más de 6 años; el segundo fue la muerte de mi hermana en un accidente hace poco más de año y medio. Creo que busco definir mi identidad a partir de mi obra. Todo el proceso creativo, desde la idea inicial hasta lograr la representación visual, me permite redefinirme todo el tiempo, acercarme de alguna manera para después alejarme, una vez que el objeto está ahí afuera, y generar un sentido para mí. Me gusta mucho porque al www.LivingArtRoom.com/tahanny_lee

final, al estar hurgando y rascando constantemente en las heridas te vuelves autora pero al mismo tiempo el objeto, y al final, el espectador de tu propia obra.

EH: ¿Cuáles son las estrategias que aplicas en tu proceso creativo? Al tener fotografía, poesía, performance, pintura, ¿cómo es que eliges entre estas expresiones?

TL: Nunca parte de lo formal. Es raro que quiera hacer una pintura o una fotografía, sino todo lo contrario. Lo veo como algo muy natural, como cualquier persona que va avanzando, viviendo. Pasan cosas en tu vida y las vas analizando, y todo el tiempo tenemos una voz en off que narra lo que está pasando. Entonces la estrategia, si tuviera que haberla, se vuelve una maña de hacer pausas, casi una rutina en la que estás al pendiente de lo que piensas y lo que pasa a tu alrededor, lo que genera un interés en ti. Me pasó hace poco; encontré un cuaderno de dibujo de mi infancia, de reyes y reinas del mundo, y estaba coloreado por mi papá, mi mamá, mi hermana y yo.

924 días después, 2013

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Supongo que es saber detectar ese tipo de señales, recuerdos y sucesos que están ahí todo el tiempo y de apoderarte de ellos de alguna forma para interpretarlos.

Hace poco terminé una pieza que habla de la separación que ha habido entre mi papá y yo a partir de la muerte de mi hermana. Éramos muy allegados y platicábamos mucho; de pronto murió Tamara, y hubo un entendimiento mudo en el que cada quien vive su proceso aparte, “a mí, hija, me duele verte dolido”, y “a mí, papá, me duele verte dolida”. En esta pieza tomé todo los posts que mi papá escribió en Facebook a partir de la muerte de Tamara, porque es de esos señores que escriben sus filosofías ahí. La pieza en sí habla de eso, de cómo de alguna manera lo abandoné y mi única relación con él es darle “likes”. Un amigo me pregunta por qué quiero tener esos trofeos tristes en la pared; creo que es chistoso porque es como prepararme para ir al psicólogo, pensar en todo lo que está pasando, en lo que me duele y me afecta. Creo que esa sería mi estrategia.

924 días después, 2013

EH: Hay un fragmento en tu pieza …Calling que me llamó la atención en especial: “solo a través del espejo de nuestra percepción creamos una versión de la realidad…”. ¿Consideras que en esta www.LivingArtRoom.com/tahanny_lee

etapa de tu producción sale a relucir el sentido de esta frase?

la que reconstruyes historias uniendo el pasado con el presente. ¿Podrías hablar sobre esta obra?

TL: Creo que de alguna manera sí… es curioso porque también podría decir que no. Por ejemplo, creo que la fase por la que estoy pasando (que me encanta) tiene que ver con la teoría del espejo de Lacan, lo que él llamaba enajenación.

Es una representación de ti, te estás viendo en el espejo. Él decía: “como niños se ven al espejo”, solo se reconocen por un instante, y ese instante es efímero. Creo que la realidad está constantemente frente a ti, pero es una realidad que se va; es entonces cuando hay una introspección, después lo generas, pero lo que me encanta es que al final te enajenas. Es un acercarte para luego alejarte, si tuviéramos que llamar realidad a este acercamiento. Resulta interesante hurgarle a la realidad para crear una ficción, que una vez que está afuera adquiere múltiples significados que ya no me pertenecen; son parte de mí, pero una vez que están afuera se vuelven orgánicos.

TL: Hubo un agujero me gusta mucho. Se dio de una manera casi casual, pero al final sucedió eso: pasado, presente y futuro se difuminaron. Los fragmentos que ves en la pieza están en círculos.

Está una mujer encandilada con el sol, y en el círculo hay fragmentos del coche en el que se accidentó mi hermana. Para esto, pegué la foto frente a mí preguntándome: “¿qué voy a hacer con ella? ¿Cómo la voy a desmenuzar?”. Lo que hice fueron mini acercamientos para lograr desfragmentarlo todo. Pero también tengo la manía de coleccionar fotos, porque es parte de mi trabajo y mi rutina: me encargo de las redes sociales en una empresa, por lo que todo el tiempo estoy viendo blogs de lo que tú quieras.

Imagen que veo, imagen que guardo, y tengo más de seis mil en mi computadora. Entonces, por curiosidad busqué la imagen que había bajado exactamente un año antes de que Tamara falleciera. Se me puso la piel chinita porque la imagen era de una chava que se parecía demasiado a ella, aunque no se le veía la cara, pero sí el porte. Se la enseñé a mi mamá y dijo:

EH: Como otras piezas, Hubo un agujero consiste en fragmentos que se convierten en composiciones, que se van uniendo entre sí. Se trata de una obra en 22

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........Calling, 2013

“¡No manches, es Tamara!”. Por eso la composición de la chava, con cada uno de los fragmentos del coche.

to suceso pasado. Estás gritando tu estado de ánimo, lo que tiene que ver con cómo vas a afrontar lo que sigue.

El análisis se vuelve predicción a la hora de que tratas de definir un sentimiento, o de igual manera, se trata de la emoción que te provoca cier-

EH: ¿Cuál fue tu experiencia dentro de Performance y Processes con las piezas 924 Días Después y Ceremonia de Despedida N°1? www.LivingArtRoom.com/tahanny_lee

cosas rimbombantes; lo que hice fue tomarme todo el día. Da la casualidad de que llevaba mucho tiempo sin pintar, entonces limpié mi cuarto y quité absolutamente todo lo que había.

Colgué una lona gigantesca que cubría una pared y me dediqué a pintar. La pieza es el registro de esta ceremonia.

EH: ¿Y fue exactamente ese día?

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TL: Empecé Ceremonia de Despedida N°1 antes que 924 Días Después. Sí hubo un proceso que me llevó a las piezas, que son como rituales. 924 en específico fue el más “ritual” de todos. El 5 de noviembre de 2012 Tamara cumplió un año de fallecida, y decidí planear una ceremonia de despedida. Realmente no hubo chamanería ni 24

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TL: Exactamente. Esta pieza es la reseña del ritual. Y la otra, fue muy extraño porque me di cuenta en un momento, hace como dos meses, que seguía usando el vestido que me había puesto para el funeral de Tamara; me lo seguía poniendo como si fuera cualquier vestido, nunca le puse atención, me lo ponía y me iba al trabajo.

Pero de repente un día me cayó el veinte. Estaba fumando en la terraza de mi trabajo, me vi en el espejo y me dije: “otra vez el vestido”. Me lo quería quitar en ese momento. No conozco las etapas del duelo y no me interesa estudiarlas, pero fue esa sensación de shock, de darme cuenta que había alargado el duelo todo este tiempo y ni siquiera había querido concientizar el hecho de usar el vestido. Y coincidió con la vi-

soltarlo, compartirlo y que alguien más lo llevara, físicamente. La idea inicial era convocar a muchas mujeres, con la limitante de que debían tener una hermana menor. Realicé la pieza en colaboración con Priscila Mier, quien tomó las fotografías. Quería que las mujeres se pusieran el vestido mientras yo les contaba la historia de lo que tenían puesto, y tomar la serie simultáneamente. Puede parecer cruel, pero me parecía muy interesante ver la reacción de alguien más ante algo tan íntimo, y en tiempo real.

Entonces Octavio me dijo: “¿Por qué no te lo pones tú? Haz la ceremonia, despídete del vestido, ¡pero úsalo! Agarra al toro por los cuernos; es tu duelo, así que despídete de él”.

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sita de Octavio Avendaño (crítico y curador de arte), a quien le había platicado que quería deshacerme del vestido y efectuar una ceremonia para, de alguna manera, agarrarlo y soltarlo.

Me di cuenta de que había alargado el duelo simbólicamente por año y medio, y mi idea era

Primero pensé en regresar a Torreón y hacer las fotografías en mi casa, pero no tenía sentido, pues ese lugar no tiene para mí ninguna relación con mi hermana. En realidad, el último lugar donde vivimos juntas fue aquí, en Monterrey.

Ella estuvo aquí y en vacaciones regresó a Torreón. Estando allá de vacaciones le ofrecieron una beca de arquitectura en una universidad privada. La volví a ver allá por última vez, y falleció meses después. www.LivingArtRoom.com/tahanny_lee

Al final decidimos hacerlo en el último lugar donde había vivido con ella, que era la casa de mi ex. ¡Estuvo bien cardiaco! Fue regresar a un lugar muy pesado emocionalmente, un cuarto, era mucha carga en un solo lugar. Curiosamente, el cuarto donde había dormido Tamara era ahora el cuarto de mi ex. Cuando llegamos nos encontramos con que habían quitado el clóset que era de Tamara, y ahora solo quedaba un hueco. ¡Haz de cuenta que mandado hacer! El espacio vacío simbolizaba lo que ya no estaba. Así hicimos la sesión fotográfica, y Octavio me dijo: “déjamelo todo a mí”. En un inicio pensé que me iba a sentir ridícula con el vestido frente a la cámara, que me iban a hacer reír. Pero empecé a llorar. Al final ni lo rompí ni lo tiré. Ahorita estoy haciendo ........Calling, 2013

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otra pieza con él, aunque siento que sí me despedí emocionalmente. Físicamente, el vestido sigue ahí, pero ya no me lo volveré a poner.

EH: ¿Crees que el realizar estos actos está relacionado con tu formación en la danza y el ballet? ¿Crees que tu obra tenga algo que ver con el acto performativo y la expresión corporal?

TL: Sí, aunque no lo había visto así. Estoy consciente de que todas las piezas implican un involucramiento. Creo que, restándole un poquito de importancia al aspecto físico, es un involucramiento completo, porque hablo de mí y mi intimidad desde un grado introspectivo. Si lo tuviera que relacionar con la danza lo vería más como algo no tan físico, más textual, donde sí existe esta conciencia absoluta de mi estado de ánimo, el saber cómo controlarlo para ponerme en determinado humor y poder hacer lo que hago. Por ese lado creo que sí me gusta la analogía… está padre.

EH: Ahora tengo curiosidad por saber qué es lo que sigue con el vestido.

TL: El vestido es para mí la conclusión. Pasó todo el ritual en el que se registró la despedida emocional. Ahora la despedida física es básicamente colgarlo, enmarcarlo y ponerlo donde corresponda. Quiero hablar un poco de la manera en la que arrastré el duelo por tanto tiempo, por eso lo deshice y lo alargué con más hilos negros para transformarlo en un vestido mucho más largo, representando esta extensión innecesaria (o necesaria, tal vez).

EH: Para terminar, por favor platícanos sobre tu siguiente proyecto.

TL: Tengo muchos (risas)… Al principio me daba el temor de que siempre estoy hablando de mi intimidad, en específico de los dos sucesos que ahorita me generan toda esta gasolina para producir. Me preguntaba qué iba a pasar en el momento en que saliera, que es cuando uno quisiera ponerles la etiqueta de sanación… bueno, tampoco me puedo separar mucho de ahí porque lo terapéutico es catalizador.

Tengo varias cosas, y aunque no sé cuánto tiempo podré estar en este estado de ánimo, creo www.LivingArtRoom.com/tahanny_lee

que de alguna manera te educas a estar consciente de todos los recuerdos que se catalizan ahora.

Tengo el proyecto del vestido del funeral, otro que estoy haciendo con todas las fotos de perfil de Tamara, otro con el libro de las reinas y reyes que me encontré. También otro proyecto que me da gusto hasta cierto punto: cuando estuve en la carrera trabajé con videos familiares, que son recomposiciones, y forman la serie Betamiloides, que quiero retomar. También estoy haciendo un estudio de genealogía, porque para mí no hay nada que me haga más sentido que volver a ti mismo a partir de la función que tienes en tu familia, que es tu círculo más cercano.

Siento que todo lo que viene después de ahí, como la interacción con tus amigos, en sociedad, etc., es una réplica del lugar que tienes en esos lazos cortitos de sangre.

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Hubo un agujero, 2012 www.LivingArtRoom.com/tahanny_lee

El entretanto, 2011

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Las camas, 2012 www.LivingArtRoom.com/tahanny_lee

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Betamiloides, 2009 www.LivingArtRoom.com/tahanny_lee

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Las cosas perdidas, 2012 www.LivingArtRoom.com/tahanny_lee

Los mundos dentro

o y fuera de la piel por MarĂ­a Fernanda Barrero

Quizá porque nací en una familia de comerciantes y científicos donde el mundo se entendía a través de la razón, la ciencia y la historia, o quizá porque soy irremediablemente curiosa (o necia como dicen) y eso me ha llevado a ver la vida como una eterna búsqueda con muchas preguntas y pocas —pero bellas— respuestas. O quizá porque mi educación en las ciencias y su inevitable rigidez me parecieron tan parcas y aburridas cuando descubrí la libertad, amplitud, y agilidad de las artes… Quizá por todo esto (y más cosas que no alcanzo a entender o escribir) concibo las prácticas artísticas como una investigación sobre la naturaleza de la existencia, y al arte como una red de conversaciones (materiales e inmateriales) sobre las preguntas y respuestas de estas investigaciones. Así, para mí, el arte es una metodología reflexiva y estética generada colectivamente.

Como punto de partida, no soy escritora. Hago escultura y pretendo explorar mi contexto a través de mi práctica artística. Escribo aquí abiertamente desde la experiencia personal y la subjetividad, reconociéndola y abrazándola, sin pretensiones de argumentar o defender una idea. Escribo con la intención de compartir un punto de vista como muchos, y una fórmula personal que me ha permitido entenderme a mí misma como parte de un contexto; y entender también mi propia práctica artística como el puente esencial que me une con el otro, con el contexto, con ese espacio infinito y fascinante que existe más allá de mi interior y que a veces alcanzo a ver.

El arte es una metodología reflexiva y estética generada colectivamente

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Las palabras “investigar” y “vestigio” tienen un origen común: del latín vestigium, que significa la planta o la suela del pie y la huella que esta

dejaba en la tierra, y por lo tanto, la sospecha de una pista o el indicio de una verdad. Es decir, investigar es buscar las pistas para descubrir la verdad. Y para mí el intentar entenderme a mí misma, al mundo del que formo parte y mi relación con él, han sido el eje central de mi vida.

Enfrentarme y gozar de las artes no solo ha sido un descubrimiento maravilloso, sino una seducción total. Un territorio donde todo puede ser explorado a través del color, la luz, el espacio, el silencio, la reflexión, la percepción, el sentimiento, el pensamiento, la información, el conocimiento interdisciplinario, la vivencia personal o cualquier elemento que funcione para explorar, buscar, investigar e intentar entender los mundos dentro y fuera del ser.

Las prácticas artísticas y la actividad creativa permiten que cada quien entienda el mundo a su manera, que se lo apropie como pueda, con lo que sea, con sus propias reglas. Entonces se establece, por un lado, un diálogo personal e íntimo, único entre esa persona y su contexto; y por el otro, una conversación e intercambio con el posible receptor, es decir, todos los demás con quienes compartimos el mundo. De esta manera el arte se convierte en un vehículo para entendernos a nosotros mismos, entender dónde estamos parados y cómo es que inevitablemente estamos vinculados y somos interdependientes en nuestros sistemas de vida.

María Fernanda Barrero, Estrellas de la hierba, 2013 www.LivingArtRoom.com

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Y es aquí, en este punto de los espacios en los que vivimos, nos vinculamos y conversamos, que la frase de Maurice Merleau-Ponty no solo tiene una dimensión espacial, sino también artística y profundamente escultórica: “Hemos dicho que el espacio es existencial; también podríamos decir que la existencia es espacial”1.

Entonces se establece, por un lado, un diálogo personal e íntimo, único entre esa persona y su contexto; y por el otro, una conversación e intercambio con EL posible receptor Así, esta naturaleza espacial de la existencia nos regresa a la materialidad, al espacio, al cuerpo y los sentidos. Es aquí donde el arte como investigación nos ayuda a generar un puente entre las ideas y la materia, entre la mente y el cuerpo, entre lo material e inmaterial, y entre los mundos dentro y fuera de la piel.

1 Merleau-Ponty, Maurice (2005), Phenomenology of Perception. London: Routledge. Pg. 339.

María Fernanda Barrero, Estrellas de la hierba, 2013

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"EL ARTE ES UNO DE LOS MEDIOS DE COMUNICACIÓN ENTRE LOS HOMBRES" LEON TOLSTOI

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"NO ES NECESARIO CREER EN LO QUE DICE UN ARTISTA, SINO EN LO QUE HACE" DAVID HOCKNEY

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N O S I C O I A L Z I O F L A A T U R T O C A EP A D E IST D RT

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Alejandra Alarc贸n Bolivia

Emilio Rangel

Floria González

México

México

Juan Antonio Sánchez-Rull

Sául Sánchez

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Rodrigo Facundo

Isabel Rojas

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Emilio Rangel

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Baile, 2012

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Baile, 2012

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Baile, 2012

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La puta de Babilonia, 2012

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La puta de Babilonia, 2012 www.LivingArtRoom.com/emilio_rangel

Floria Gonzรกlez

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sMother, 2012 www.LivingArtRoom.com/floria_gonzalez

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sMother, 2012

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sMother, 2012 www.LivingArtRoom.com/floria_gonzalez

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sMother, 2012

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Yumiko II, 2012

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Yumiko I, 2012

Eita II, 2012

Kanako II, 2012

Eita I, 2012

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Juan Antonio S谩nchez-Rull www.livingartroom.com/juanantonio_sanchezrull

Jap贸n, 2013

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Jap贸n, 2013

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Saúl Sánchez

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Sin título, 2013

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Sin tĂ­tulo, 2013 www.LivingArtRoom.com/saul_sanchez

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Sin tĂ­tulo, 2013

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Sin tĂ­tulo, 2013

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Scale guide, 2013

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Estudio para cabeza de perro, 2013 www.LivingArtRoom.com/saul_sanchez

Alejandra Alarc贸n

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Ca煤stico, 2013

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CaĂşstico, 2013 www.LivingArtRoom.com/alejandra_alarcon

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Caústico, 2013

Caústico, 2013 www.LivingArtRoom.com/alejandra_alarcon

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Amorte, 2013 www.LivingArtRoom.com/alejandra_alarcon

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Los Ăşltimos minutos, 2013 www.LivingArtRoom.com/alejandra_alarcon

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Los Ăşltimos minutos, 2013 www.LivingArtRoom.com/alejandra_alarcon

Rodrigo Facundo

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RĂŠgimen de luz y sombra, 2013 www.LivingArtRoom.com/rodrigo_facundo

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RĂŠgimen de luz y sombra, 2013 www.LivingArtRoom.com/rodrigo_facundo

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Isabel Rojas

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De la serie Li, 2011-2012

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De la serie Li, 2011-2012

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De la serie Li, 2011-2012

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Voluntades duales y tripof贸bicas, 2012-2013 www.LivingArtRoom.com/isabel_rojas

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Voluntades duales y tripof贸bicas, 2012-2013 www.LivingArtRoom.com/isabel_rojas

RECOMENDADO

MESOCOSMOS Anibal Catalán Alex Dorfsman Thom

Curaduría Gonzalo Ortega. MARCO 14 j

mas Glassford Francisco Larios Mauricio Limón

jun - 13 oct 2013. Monterrey, México Mauricio Limón. Fotografía cortesía MARCO, Monterrey

www.LivingArtRoom.com 127 Anibal Catalán. Fotografía cortesía MARCO, Monterrey

Alex Dorfsman. Fotografía cortesía MARCO, Monterrey

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Francisco Larios. Fotografía cortesía MARCO, Monterrey

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NUEVOS VIDEOS

Dynamo. Paris, Francia http://goo.gl/6PBTLZ

Ukiyo e. D.F., MĂŠxico http://goo.gl/gCXlmh

LAR

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N O S I C O I A L Z I O F L A A T U R T O C R A EP O D E AD D UR

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Gonzalo Ortega MĂŠxico

Gonzalo Ortega

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Anibal Catalรกn, Mesocosmos, 2013. MARCO Monterrey www.LivingArtRoom.com/gonzalo_ortega

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Mesocosmos, 2013. MARCO Monterrey www.LivingArtRoom.com/gonzalo_ortega

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Mesocosmos, 2013. MARCO Monterrey www.LivingArtRoom.com/gonzalo_ortega

Antonio Pauc

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car, Ruta mística, 2013. MARCO Monterrey

Marcos Castro, Ruta mística, 2013. MARCO Monterrey www.LivingArtRoom.com/gonzalo_ortega

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David Gremard Romero

Miler Lagos

Santiago Borja

María García-Ibáñez

Miler Lagos

Pedro Reyes

Gabriel Rosell

Ruta mĂ­stica, 2013. MARCO Monterrey

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Ruta mĂ­stica, 2013. MARCO Monterrey www.LivingArtRoom.com/gonzalo_ortega

"¿QUÉ ES EL ARTE, SINO UNA MANERA DE VER?"

THOMAS LOUIS BERGER http://www.facebook.com/LARlivingartroom

NUEVOS VIDEOS Mesocosmos Monterrey, México

Dynamo Paris, Francia

Ukiyo e D.F, México

Micrographia / María García-Ibáñez Hong Kong, China

Pablo Cotama / Aquello que fue ya es y lo que ha de ser, fue ya Monterrey, México

Registro 03 Espejo reflejo Monterrey, México

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INVITADO ESPECIAL AMANDA WATKINS

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Me formé como diseñadora de moda en las escuelas de arte The Royal College of Art de Londres, y la Winchester School of Art, ambas en Inglaterra. Su enfoque artístico ha influenciado mucho en mi estilo, y es el aspecto más importante que tiene la moda para mí, es lo que le da a todo significado, contexto y alma. Siempre estoy en la búsqueda de cualquier cosa que me llame la atención, y los hallazgos más inesperados a menudo pueden desencadenar una línea de pensamiento y una idea; es un eterno proceso de investigación. Para mí, observar a la gente es un elemento importante del diseño de modas, así como mantener la mente abierta a todos los niveles de la sociedad.

sastrería que la ha hecho tan única a través de los años, donde todas las cosas se mezclan y se influyen unas a otras. Creo que esto es una parte importante del estilo callejero hoy en día. Aunque internet es una herramienta enorme, tam-

Londres es un verdadero crisol de culturas, así que siempre tomaba fotos en todas partes, desde las elegantes señoras mayores de Mayfair, hasta los musulmanes y bichos raros que se pueden ver en Speakers Corner los domingos por la mañana. El mercado de Brick Lane el domingo era genial, pero ya nunca he vuelto a ver algo sorprendente allí. Todo se ha vuelto muy aburguesado. Ahora parece no importar la variedad que Londres siempre fomentó, la libertad en la www.LivingArtRoom.com

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bién ha tenido un efecto nivelador sobre el estilo callejero, y creo que a veces —no siempre— se puede ver algo totalmente fresco y nuevo. Es muy raro que alguien decida tomar un riesgo y rebelarse como lo hicieron los punks; en general, es más emocionante alguien que no es demasiado conservador ni editado. El buen gusto es el enemigo de un diseñador. Las personas deberían mostrar su personalidad cada vez más a través de su estilo, tomar un riesgo y divertirse. Me gustó mucho el estilo fuerte de los Colombias (una grupo de la sub-cultura en Monterrey) cuando los descubrí; me encantó porque es más original que las cosas que vi en Londres. Fue realmente sorprendente e inesperado ser testigo de ese estilo en una ciudad tan conservadora.

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Siempre llevo un cuaderno de dibujo; es como mi diario visual, donde pongo todo lo que me interesa: recortes de revistas y periódicos, fotos viejas, cosas encontradas al azar y muchos bocetos y notas personales. Voy a los mercados en cualquier parte que me sea posible. Para mí es un tesoro ir a un mercado de pulgas y mirar a través de toda la basura y las cosas viejas para encontrar una pieza; existe cierta magia al descubrir algo en ello. Era genial ir a las tiendas de caridad en Inglaterra cuando todavía no se estigmatizaba la compra de segunda mano; se generó una cantidad asombrosa de objetos y prendas disponibles. A nadie le interesaba comprar este tipo de cosas, así que era barato. Ahora todos en Londres compran artículos vintage.

Me encanta hacer algo increíble en un vestido viejo, uno de esos que parece una causa perdida.

Las cosas adquieren un sentimiento diferente cuando se les dedica un poco de tiempo, habilidad y consideración. Se convierten en algo especial cuando se hace evidente el toque de la mano que la vuelve una prenda original. Pienso que, de alguna manera, las cosas hechas a mano tienen más de un alma, y aunque no entiendo cómo se transmite, se logra traspasar de alguna manera. Desde que vivo en México he trabajado con un fabricante de sillas de montar, haciendo bolsos en piel y accesorios. Tal vez las hubiera podido encontrar en una fábrica de bolsas, eso hubiera sido mucho más fácil, pero me encantó el look utilitario y crudo de la materia prima que

le daba el talabartero. Desde entonces intento con billeteras, bolsos y carteras, utilizando sus habilidades y aprendiendo yo misma sobre el cuero en el camino.

Hacer las cosas a mano da tanto placer. Desafortunadamente, este elemento personal ha ido desapareciendo de nuestras vidas —muchas veces sin darnos cuenta—, pero pienso que lentamente, las personas empezarán a sentirlo también, reaccionarán y empezarán otra vez a buscar cosas que tengan ese toque especial.

Estoy muy emocionada de volver y comenzar un nuevo trabajo en la ciudad de México.

CONTACTO MANDAWATKINS@HOTMAIL.COM

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EL REGRESO DE ALICE IN CHAINS

por Daniel Vega

The Devil Put Dinosaurs Here es apenas el quinto álbum de Alice In Chains, en una carrera sólida que ya se acerca a su tercera década. Después de su regreso en 2009 con Black Gives Way To Blue, tras la prematura muerte por sobredosis del vocalista original Layne Staley en 2002, la banda se ha dedicado a tocar en escenarios de todo el mundo, y el nuevo álbum tiene un sentido más ajustado, como un traje hecho a la me-

dida. El sonido de Alice se ha ido refinando, manteniendo actualizado un estilo que patentó a principios de los noventas.

Varias de las canciones de este nuevo álbum son evoluciones naturales de sus trabajos anteriores: Voices, Low Ceiling, Scalpel y Choke podrían formar un moderno Jar Of Flies (1994), el clásico EP acústico, y las rockeras Phantom Limb, Stone www.LivingArtRoom.com

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Imagen tomada de https://www.facebook.com/aliceinchains

y Pretty Done tienen el punch de Dirt (1992), álbum definitivo de la banda, aunque la grabación añade una densidad en los graves que en sus momentos más intensos recuerda más al Doom Metal que al sonido clásico de Seattle.

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Se ha cuidado mucho el sonido de este disco; las pistas tienen tal brillo y presencia que se puede decir que algunas de ellas son las más accesibles en la discografía de la banda, pero ello no les hace daño, además de que el disco no queda

nada corto en ataques pesados. De hecho Alice In Chains ha ahondado en su lado oscuro con el paso del tiempo, y ejecuta con el aplomo necesario para reflejarlo, ni un poco menos. Este es un viaje psicodélico, con algunas paradas reflexivas en el camino.

aquí. Ver de nuevo Phantom Limb (tal vez uno de los temas más aplastantes de su discografía) y su solo intermedio; Cantrell lo canaliza con gracia y cadencia, sin atascar demasiado las bocinas, pero con la fuerza suficiente para enganchar al oído. Su enfoque es oscuro, con cierta calma tensa que hace que cada nota brille y respire entre la producción tan hermética de Nick Raskulinecz (Foo Fighters, Stone Sour). Lo mismo podemos escuchar en Stone, y en los temas más relajados del disco, tal vez con tintes más amigables. Por momentos se deja escuchar la agresividad de viejos clásicos como Them Bones o We Die Young, aunque hay que decir que las guitarras no suenan tan sucias y viciosas como antaño.

Las composiciones recorren territorios conocidos: escenas de arrepentimiento, desesperación y soledad, momentos de decisiones importantes, y el reconocimiento de emociones y errores cometidos.

En cuanto al sonido, las guitarras tienen gran equilibrio con la base rítmica, y tal vez el eslabón más débil se encuentre en la voz, a pesar de la buena conjunción que ha logrado Jerry Cantrell, guitarrista/vocalista y fundador, con el nuevo vocalista/guitarrista William DuVall. Las armonías son a veces algo difusas, y en ocasiones suenan artificiales. Es en este aspecto donde más se extraña a Staley, que creaba un ambiente sombrío con su estilo ominoso y sus letras desesperadas, sin abusar de efectos de estudio.

Muchos escucharán el álbum buscando el trabajo de Cantrell en la guitarra, y los solos no escasean

Líricamente, las composiciones recorren territorios conocidos: escenas de arrepentimiento, desesperación y soledad, momentos de decisiones importantes —cambiar o seguir igual— y el recowww.LivingArtRoom.com

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nocimiento de emociones y errores cometidos.

Además, hay un tono reflexivo, sobre todo en la segunda mitad del álbum. Las baladas tocan venas profundas, y Cantrell describe las cosas desde una nueva posición madura, cargando el peso de la experiencia, los logros y las tragedias.

Vale la pena darse un clavado en las letras.

hay entre los instrumentos y en la cohesión de los temas.

The Devil Put Dinosaurs Here no es el mejor disco de Alice In Chains, pero muestra la gran forma y química que tiene la versión actual de la banda, y la creatividad y sentido del gusto que aporta

Este es un viaje psicodélico, con algunas paradas reflexivas en el camino.

Hay un par de canciones de relleno, que de hecho no son malas, solo que parecen gravitar alrededor de círculos similares y pueden alargarse un poco.

Pero el disco se beneficia mucho de reproducciones repetidas, pues los temas a veces no son muy accesibles y las figuras no tan definidas. Lo cual resulta engañoso, pues las canciones buenas son muchas, y realmente buenas. Parece que la banda está en la misma página que dejó pendiente en 1995, cuando grabó su disco homónimo, último con Staley. Se refleja en la química que 164

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Jerry Cantrell a cada pieza. Son grandes canciones, de esas que te atrapan cuando las escuchas por primera vez, que parece que las has escuchado antes, pero que nunca se regodean en lo mismo y buscan expandir y redefinir el aclamado estilo de una de las mejores bandas de Rock que todavía camina por el planeta tierra.

Alice In Chains – The Devil Put Dinosaurs Here. Capitol, 2013. Producido por Nick Raskulinecz y Alice In Chains.

"EL ARTE ES INÚTIL, PERO EL HOMBRE ES INCAPAZ DE PRESCINDIR DE LO INÚTIL" EUGENE IONESCO

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