LARrevista 3 by LARMAGAZINE

Año 0, Núm. 3 Octubre - Noviembre - Diciembre 2010

LARrevista

Dirección Catalina Restrepo Leongómez Director de arte Jorge Carrera Necoechea Editora Rocío García González Colaboradores Adriana Restrepo Floria González Semíramis González Portada Isak Kanarek fotografías: Cortesía de los artistas Agradecimientos: Isak Kanarek Alfadir Luna 0

EDITORIAL

De autopromoción y sus maneras

¿Cómo buscar espacios y oportunidades hoy en día? Me lo he preguntado, desde que decidí que quería tener que ver con el arte; y de seguro no he de ser la única. Pero al final, me doy cuenta de que es más fácil de lo que pensaba; que realmente no era necesario torturarse, pensando en cómo llegar a los ojos de los que deseas que vean lo que haces. Claro, no puedes mostrar lo que haces si no está bien hecho; hay que tener un poco de respeto por aquellos ojos que lo verán y por nuestra persona. Por fortuna somos parte del S.XXI y de sus maravillosas y no tan maravillosas

aportaciones a la humanidad, que junto con el fenómeno de la globalización; han hecho que, el trabajo de los que pretendemos hacer arte se vea beneficiado. Porque también es importante resaltar que, las nuevas alternativas que facilitan nuestro trabajo, como: las páginas web, redes sociales y cuentas de correo electrónico; no son cualquier cosa. Lo que el concepto Internet encierra, no sólo implica navegar y encontrar datos en el ciberespacio, es entender que existe una invaluable herramienta de trabajo. 1

EDITORIAL

Actualmente se habla de autopromoción, pero ¿Cómo entender el concepto de autopromoción hoy en día separándolo de lo que es Internet? Siendo la efectividad de las redes sociales, la manifestación más evidente de este fenómeno. Poniendo al alcance -de todo aquel que posea: una computadora, una cuenta de correo electrónico, y 10 pesitos por el uso de internet una hora, en caso de no tenerlo en casala oportunidad de acceder al infinito mundo de la web y sus infinitas posibilidades. Permitiéndole al usuario, en este caso al artista y/o persona relacionada con el arte; autopromocionarse, mostr su trabajo a todo aquel que por iniciativa propia o accidente, llegue a su perfil en alguna red social o alguna página web. Es por esto que, en esta tercera edición presentamos un artículo escrito por una de nuestras colaboradoras internacionales, Semíramis González; crítica de arte española. En el cual se describen una serie de proyectos, que comparten el afán por la autopromoción, proyectos que han surgido alrededor del mundo, bajo la premisa de impulsar la creación de nuevos espacios de exposición.

internacionales. La periodista colombiana Adriana Restrepo que nos cuenta detalles de “Proyecto Japón”, de la artista Miho Hagino y su novio Taro Zorrilla, mostrándonos una perspectiva más cercana al porqué de esta iniciativa y destacando una de las historias más fuertes que los creadores del proyecto encontraron durante el proceso. En esta edición tuvimos también la oportunidad de conocer y entrevistar a Isak Kanarek, coleccionista de arte; dando la casualidad de que acerva, dentro de su extensa colección, piezas de cuatro de los artistas que presentamos a ustedes en esta edición. Su casa alberga maravillosas piezas de arte popular, moderno y contemporáneo; entre las que podemos encontrar, piezas de: Iván Villaseñor, Javier Gutiérrez, Carlos Pérez Bucio y Emilio Rangel; artistas que integran la sección de actualización de portafolios, además de Juan Antonio Sánchez Rull.

Y para terminar, les recomendamos un nuevo espacio de arte contemporáneo TOKIO29 y el nuevo proyecto que estamos desarrollando en Living Art Room: LARdocs, documentales cortos en los Al mismo tiempo, presentamos otro artículo cuales cada artista habla y explica los escrito por otra de nuestras colaboradoras conceptos con los cuales trabaja y el 2

EDITORIAL

contexto en el cual se desarrolla su obra. Un ejemplo de trabajo en grupo y de la utilización de recursos para lograr una mejor promoción de los artistas.

En esta tercera edición de LARrevista damos a conocer los nuevos portafolios de artista de Christophe Boufill, Floria González, Pablo Cotama, Alejandra España, Mar y Sol Rangel y Julio pastor.

Esperamos que disfruten LARrevista

Rocío García González Editora LARrevista www.livingartroom.com

COLABORADORES

COLABORADORES Adriana Restrepo

Floria González

Semíramis González

Destacada periodista de nacionalidad colombiana. Empezó su carrera trabajando para la revista Gatopardo y Rolling Stone Latinoamérica. Ha trabajado para editoriales tan importantes como Condé Nast, siendo editora de la Revista Glamour y para la reconocida editorial alemana Bauer; desempeñándose como directora en una publicación especializada en cultura adolecente. Actualmente, escribe de manera independiente para distintos medios.

Fotógrafa y cineasta regiomontana que, además de tener una excelente obra como artista, ha trabajado con diferentes disqueras haciendo el arte y la fotografía para varios discos. Natalia Lafourcade, Moderato, Juan Manuel Torreblanca y Camila, entyre otros; son algunos de los artistas que han sido retratados por Floria. También, ha estado a cargo de la dirección de varios video clips; y esta por realizar dos cortos y un largometraje bajo su dirección, con guiones de su autoría.

Crítica e historiadora de Arte, española nacida en Asturias. Especializada en arte medieval europeo, Land Art y arquitectura sostenible; compagina sus estudios con la labor de redactar críticas de arte para catálogos, revistas y varias galerías. Su interés por promover y difundir el arte la han llevado a impartir clases de arte a niños, para impulsar la creación de nuevos públicos.

* Imagina T

www.gdegato.com

semiramisenbabilonia.blogspot.com

CONTENIDO

CONTENIDO Nuevos Portafolios de Artista P:08 Floria González REALIDAD O FICCIÓN P:20 Alejandra España NATURALEZA P:032 Julio Pastor VIDA COTIDIANA P:46 Christophe Bouffil ON THE ROAD P:62 Mar y Sol Rangel AUTORRETRATO P:70 Pablo Cotama PINTURA DESBORDADA Entrevista P:82 ISAK KANAREK por Catalina Restrepo Actualización de portafolios P:96 Carlos Pérez Bucio P:106 Javier Gutiérrez P:118 Iván Villaseñor P:132 Emilio Rangel P:142 Juan Antonio Sánchez Rull Artículo P:154 PROYECTO JAPÓN por Adriana Restrepo Especial P:162 ARTE Y NUEVAS FORMAS DE EXPOSICIÓN por Semíramis González Proyecto P:168 Primer documental LARdocs Recomendado P:170 TOKIO 29 por Catalina Restrepo

LARrevista

NUEVOS PORTAFOLIOS

NUEVOS PORTAFOLIOS DE ARTISTA

Christophe Bouffil (Francia) (México) Mar y Sol Rangel Floria González ( México) (México) Pablo Cotama Julio Pastor (México)

FLORIA GONZÁLEZ

Serie Mirreal, 2006

FLORIA GONZÁLEZ

FLORIA GONZÁLEZ Realidad o ficción

Artista que creció en la zona norte de México, por lo cual su trabajo se ve fuertemente influenciado por la cercanía con los Estados Unidos. Su producción se enfoca a la fotografía y el video, sin embargo, daremos prioridad a su trabajo fotográfico. En sus series, se percibe su constante interés acerca del lado oscuro y el lado claro, de los cuales se compone cada decisión que tomamos en la vida. Su técnica es muy cuidadosa, por medio de los sets que construye y la iluminación, logra resaltar el aire cinematográfico que sus imágenes poseen.

documentación de imágenes; en donde lo que se ve puede o no ser verdad. Empleando el recurso estético del cine, en donde las imágenes se encargan de narran una historia. Esto, se puede observar claramente en su serie EsTOYco (2008-2009), en la que presenta varios retratos de personas acompañadas de objetos, los cuales adquieren una gran importancia en la narrativa de la imagen. Este trabajo, surge del interés de la artista por fotografiar al individuo con un juguete de su niñez, como un elemento que más tarde definiría su vida adulta.

Tanto la literatura y el cine, son influencias Actualmente se encuentra haciendo la que se ven reflejadas en su trabajo; ya que preproducción de un largometraje creado a la ficción es un elemento importante en partir de un guión de su autoría. ambas. Aun, cuando de manera contraria la fotografía maneja ese carácter de registro veraz, sus series se transforman en la 9

FLORIA GONZÁLEZ

Serie MexTex, 2008-2009 10

FLORIA GONZÁLEZ

Serie EsToyCo, 2008-2009

FLORIA GONZÁLEZ

Serie Caer/To Fall, 2009

Serie FIN…/The End…, 2007

FLORIA GONZÁLEZ

Fraum Blaum, 2009- 2010

FLORIA GONZÁLEZ

Fraum Blaum, 2009- 2010 Serie FIN…/The End…, 2007

FLORIA GONZÁLEZ

Serie Mirreal, 2006

FLORIA GONZĂ LEZ

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Animales del Bosque, 2009 Obra Realizada con el apoyo del FONCA con su Programa de Intercambio de residencias

ALEJANDRA ESPAÑA

ALEJANDRA ESPAÑA Naturaleza

El interés por la naturaleza y sus formas es la base de la obra de Alejandra España. En su producción se pueden apreciar animales, plantas, fósiles, etcétera; elementos que siempre aluden a la naturaleza. Y aunque, sus composiciones puedan resultar visualmente caóticas por la cantidad de elementos que maneja, su propuesta tiene un estilo propio. Alejandra al explorar diferentes técnicas, tanto gráficas como escultóricas; en su trabajo se pone en evidencia su profundo interés por los gabinetes de curiosidades, colecciona y archiva imágenes de libros antiguos de biología y botánica, que en ocasiones incorpora a manera de collage o con recursos como el transfer en varios de sus trabajos. Este ejercicio de recolectar es una actividad primordial para su trabajo, pues queda registro de esto en sus piezas. Sobre todo en su cerámica, ya que los objetos encontrados no solo se tornan elementos

que componen la obra físicamente; si no que, se sirve de materiales como ramas, piñas de árboles y piedras, que ella reúne, para crear texturas en el barro aun fresco y al final se convierten en parte misma de la obra en un gesto simbólico. En muchas de sus piezas incluye pequeños textos, denunciando la relación entre ser humano y naturaleza; propiciando reflexiones sobre la conducta humana con su entorno. Animales como cuervos, ardillas, zorros y osos, entre otros; son los protagonistas de sus composiciones. En otras, la artista brinda al espectador la oportunidad de interactuar y crear nuevos seres, como en su obra “Familia” en donde esculturas de cerámica de piezas intercambiables permiten que cada pieza se convierta en un extraño animal, un monstruo, un híbrido.

ALEJANDRA ESPAÑA

Buffon, 2007 24

ALEJANDRA ESPAÑA

Clan de os Osos, 2007 25

ALEJANDRA ESPAÑA

Sin títuo, 2007

ALEJANDRA ESPAÑA

Sin título, 2007

ALEJANDRA ESPAÑA

200 Cholugas, 2006

ALEJANDRA ESPAÑA

Monstruos, 2007 29

ALEJANDRA ESPAร A

Como me ves, te verรกs, 2007

ALEJANDRA ESPAĂ&#x2018;A

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JULIO PASTOR

Mi vida cotidiana en mi nuevo hogar, 2008-2009

JULIO PASTOR

JULIO PASTOR Vida cotidiana

Las acuarelas de Julio Pastor son verdaderamente impresionantes. Con una gran técnica nos presenta series en las que el artista dibuja espacios y objetos personales, que hablan de la memoria a través de los objetos. A diferencia de las fotografías, los dibujos pueden transmitir esa sensación de recuerdo; esas imágenes que están en la mente y que a veces no son tan claras, que pueden cambiar y en algún momento distar mucho de la imagen real o fotográfica, ya que involucran en gran parte los sentimientos y el estado de ánimo del momento en el fue vista por última vez.

como por ejemplo, “ Mi vida Cotidiana en mi Nuevo Hogar”, 2008-09, el artista nos muestra sus objetos, muebles...todo el entorno de lo que para él significa hogar; es decir, lo que siente como propio, aquello que tiene su huella, el lugar donde vive. Los recorridos son igualmente importantes en su obra, ya sean propios o los de alguien más. En uno de sus proyectos más poéticos, “Siguiendo la Sombra”, 2007, consistió en realizar registros - en fotografía instantánea y dibujo- de los lugares que Sophie Calle y el detective de la agencia Duluc (que ella misma, a través de su hija, contrató para que la siguiera un día de la primavera de 1981) visitaron. Por supuesto, este recorrido no está escrito al pié de la letra y Julio, en una misión detectivesca, busca en exposiciones, libros, textos, y todo lo que pueda para reconstruirlo y así, poder perseguir sus pasos.

En su serie “Retratos a Partir de Objetos Prestados”, 2008, se hace evidente el interés del artista por preservar una imagen de sus amigos a partir de sus pertenencias que, de una manera muy sutil, describen su personalidad o hablan de sus gustos, experiencias o intereses. Otras series, 33

JULIO PASTOR

Mi vida cotidiana en mi nuevo hogar, 2008-2009

Las experiencias en la vida de cada persona dejan huellas. Tanto los objetos como los lugares en los que vivimos son testigos de ellas y por medio de su obra, Julio rescata esas historias y deja plasmados esos recuerdos por medio de sus dibujos, pinturas y proyectos.

JULIO PASTOR

Explorando Groningen II, 2009 35

JULIO PASTOR

Explorando Groningen II, 2009

JULIO PASTOR

Evidencia, 2009

JULIO PASTOR

Evidencia, 2009

JULIO PASTOR

Retratos a partir de objetos prestados (Iztel), Â 2008 41

JULIO PASTOR

Retratos a partir de objetos prestados (Xiao Ling), Â 2008

JULIO PASTOR

Siguiendo a la Sombra, 2007

JULIO PASTOR

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CHRISTOPHE BOUFFIL

Serie On the Road, Patagonia, Chile, 1995

CHRISTOPHE BOUFFIL

CHRISTOPHE BOUFFIL On the road

a cabo la maravillosa hazaña de recorrer el continente africano solo y en motocicleta (en zig-zag). Actualmente está por presentar un libro, en el que ha trabajo a lo largo de unos cuantos años, llamado “Libres en Cuba”, una investigación gráfica acerca de diferentes aspectos de la sociedad cubana. Este contendrá textos, fotografías de retratos y paisajes, con el único objetivo de mostrar al mundo la alegría y sencillez que caracterizan al pueblo cubano. Este trabajo es ajeno a la intención de algún marco político-social, con el que frecuentemente se aborda a la cultura cubana.

El trabajo de Christophe Bouffil es cien porciento fotográfico. Tener siempre a la mano su cámara, es la razón por la cual consigue las impecables imágenes de las cuales está compuesto su trabajo. Cuenta con series muy extensas, pues toma fotografías en todo momento, en las que se pone en evidencia: su pasión por viajar, explorar y conocer culturas en cada rincón del mundo al que le sea posible llegar. Su amor y admiración por la naturaleza son una constante en las imágenes que captura. De temperamento aventurero es una de las pocas personas que han llevado 47

CHRISTOPHE BOUFFIL

Serie Mudanzas, nacimiento, 2000 Serie Libres en Cuba, 2008-2010

CHRISTOPHE BOUFFIL

Serie Libres en Cuba, 2008-2010

CHRISTOPHE BOUFFIL

Serie Libres en Cuba, 2008-2010

CHRISTOPHE BOUFFIL

Serie On the Road, Santa Laura, Chile, 2008 55

CHRISTOPHE BOUFFIL

Serie Desmedida, sala de jantar, 2009

Serie On the Road, Costa Chica, Guerrero, Mexico /MĂŠxico/ Mexique (2010)

CHRISTOPHE BOUFFIL

Serie On the Road,La Fé, Cuba, 2010

CHRISTOPHE BOUFFIL

Serie Libres en Cuba, 2008-2010

CHRISTOPHE BOUFFIL

Serie On the Road,Costa Chica, Guerrero, México, 2010

CHRISTOPHE BOUFFIL

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Blue Piano, 2005

MAR Y SOL RANGEL

MAR Y SOL RANGEL Autorretrato

El trabajo de Mar y Sol es en esencia pictórico; con una técnica impecable, nos muestra en sus extensísimas series retratos y close ups, personas cercanas a ella. Aunque sus imágenes son hasta cierto punto figurativas, su interés no recae en la representación, sino en el poder que tiene la imagen como tal y los procesos de selección que la mente lleva a cabo para retenerla o ser atraía por ella. Muchas de las imágenes que componen sus cuadros nacen a partir de un interés personal por fotografías que ella misma archiva, por las cuales ella siente especial atracción. Más allá de pretender descifrar la razón de esta atracción, busca transmitir, por medio de los encuadres y la técnica, “eso” que la llevó a pintarlas.

En su obra, también es muy importante el sentido que tiene para ella el autorretrato. Aunque en su obra aparezcan “otros”, al final termina siendo una referencia a ella misma; sobre cómo termina pareciéndose a cada una de las personas retratadas y viceversa. Otro aspecto que hay que tener en cuenta sobre esta artista es que, aunque cada cuadro es una pieza independiente, la relación de estos con el espacio y con lo que está al rededor es una constante inquietud y en sus proyectos expositivos siempre busca que exista una lectura de su trabajo, no como piezas separadas, sino como una gran instalación.

MAR Y SOL RANGEL

Serie Autorretrato, 2009 65

MAR Y SOL RANGEL

Serie Autorretrato, 2008 66

MAR Y SOL RANGEL

Serie Autorretrato, 2010

MAR Y SOL RANGEL

Serie Autorretrato, 2009

MAR Y SOL RANGEL

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PABLO COTAMA

Citric cherry fruit fly, 2006 70

PABLO COTAMA

PABLO COTAMA Pintura desbordada

El trabajo de Pablo Cotama, es principalmente de carácter pictórico y su proceso creativo se ve fuertemente apoyado en un profundo dominio de la técnica. Lejos de ser un pintor purista, Cotama hace uso de texturas y elementos tridimensionales asemejando chicle derretido en sus pinturas; por medio de la utilización de colores neones, logrados con materiales plásticos, se aleja de la idea de pigmento tradicional sobre el lienzo. En sus imágenes resaltan elementos recurrentes, como: muñecos infantiles de acción, perros chihuahueños, viñetas de comics; entre otros. La mayoría de sus composiciones se refugian en una estética pop, haciendo referencia a juguetes de moda o imágenes comerciales. La mayoría de su trabajo es en gran formato, en los cuales el uso de texturas y el dominio de la técnica se han incrementado, a tal punto que; más allá de

relieves la pintura se convierte en una experiencia tridimensional. Esta característica ha sido llevada por Cotama al extremo, pues su pintura desborda los límites del bastidor e inunda con sus formas el espacio en el que se expone. Adicionalmente añade objetos y formas que se desprenden del formato y se acercan a lo escultórico. Su proyecto Momentum Banana llevado a cabo en el 2010, es un claro ejemplo de ello, el artista se vale de nuevas técnicas en las cuales ya no es necesario el bastidor y la pieza se convierte en una especie de explosión de imágenes que se escurre por una superficie vertical plana (pared) y continua en el piso; de donde emerge un cúmulo de objetos tridimensionales.

PABLO COTAMA

Etéreo botarga, 2009 72

PABLO COTAMA

De las cuatro nobles verdades chihuahue単o, 2007

PABLO COTAMA

Guitarrista, 2007

The joy of the painting muerta, 2008 74

PABLO COTAMA

Ecce homo rock and roll, 2008 75

Del hombre que siempre canta su canci贸n , you can麓t always get what you want, 2010

PABLO COTAMA

Un solo tiro, 2010 78

PABLO COTAMA

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fotografías de Floria González pintura de Carlos Pérez Bucio

ISAK KANAREK

COLECCIONISTA Entrevista al arquitecto Isak Kanarek

¿Dese hace cuanto coleccionas arte? pero quizás más de 15.000, entre ellas más de 3000 máscaras de danza danzadas. Popular, contemporáneo, moderno… ¿Y cómo es tu relación con tus piezas? Lo pregunto porque en tu casa vives rodeado por ellas, ¿Me gustaría saber si te relacionas más con lo que representa cada una o con el objeto en sí?

Desde toda la vida, yo me acuerdo que desde los 8 años iba los domingos al malecón (soy veracruzano) a comprar arte popular. Desde estos animalitos que les pegaban piedras preciosas, que les llamaban “mackech”, que eran como joyas vivas; ceniceros con escorpiones, ya sabes.

Como decía Nietszche: “ la vida sin arte sería un error”, yo considero que estos me ¿Cuántas piezas acervas? ¿Las tienes estructuran el día, estos como entes. catalogadas? Me parece interesante tu colección porque Yo creo que eso está en un eterno proceso, considero que tiene una línea muy definida, 83

ISAK KANAREK

por las piezas que conozco que has que hay cinco en el mundo… pero es que adquirido. ¿Es algo que se fue dando, o en el arte popular puede haber una pieza que no valga nada pero también me interesa desde un principio lo tuviste muy claro? y me gusta. No sé, me la pones muy difícil. Yo no creo que hilo conductual de esta Alejandro Colunga es uno de mis artistas colección esté muy estructurado porque favoritos. sumo lo que me gusta, quizás a veces no ¿Tienes en tu casa una pared o un lo que puedo. espacio en el cual ubicas lo que más te gusDe tu colección ¿cuáles consideras que son ta? O simplemente está repartido por toda la casa. tus piezas destacadas, tus consentidas? Creo que el chango de Emilio es muy El pasillo que va a mi recamara me divertida, un centurión que es una máscara interesa, pero la pared en la sala donde

ISAK KANAREK

tengo las coras las disfruto mucho. Este colombiano que ocupa la pared de mi sala, Leonel Góngora, también me gusta mucho ¿Has podido identificar algo en común que tengan las piezas al momento de adquirirlas, cuando dices “¡Va!, esta es” o siempre es algo diferente? Hablando de máscaras el común denominador sería que estuviera danzada y de preferencia que sea un ejemplar con mucha edad, pero los objetos coloniales me encantan; esta parte de la historia de este pedacito de latinoamérca. ¿Y en cuanto a arte contemporáneo? Ellos me capturan de diferente manera; escultura de Emilio Rangel creo que con todas esas nuevas ideas, esa ¿Conoces a Pedro personalmente? frescura, eso de que todo se vale y que forma parte de un ritual de un proceso, eso Sí, claro. Es arquitecto igual que yo ¿Te es lo que se me hace divertido. gusta? De tu colección de arte, ¿Cuál es el artista Sí, me encanta. Tiene justo esta esencia, lo del cual más piezas tienes? que me gusta del trabajo de Carlos Pérez o Javier Gutiérrez que no les da miedo Alejandro Colunga o Pedro Firedeberg, hacer algo diferente, atrevido y lo hacen son artistas con los que me reinvento y me muy bien. reconcilio. Sí, es osado, divertido. 85

ISAK KANAREK

Isak, otra cosa que me llamó la atención de tu colección es que no siempre coleccionas el artista que expuso en un museo o en una galería, sino que te guías mucho por la recomendación de los mismos artistas y les preguntas “Oiga ¿a usted quién le gusta?”.

¿De dónde sacaste esa estrategia?, fue algo instintivo o fue una especie de lección que fuiste aprendiendo con el tiempo? Yo creo que quien más sabe de arquitectura son los arquitectos, y quien sabe más de arte 86

ISAK KANAREK

son los artistas sin duda. Ellos me ayudan a intuyes o lo que puedes ver por ejemplo en coincidir, me acercan al objeto, me invitan internet? a cuestionarme que hay varias maneras de arte y que todas se valen. Fíjate que sí, me valgo de todos los medios; pero es un hecho que me interesa conocer Me gusta litigar sobre las cuestiones que a al personaje que inventa esto que le llama ellos les importa del arte y creo que a mí arte. también. El ser arquitecto no me aleja tanto de ser artista y la polémica entre nosotros ¿Nunca consideras a un equipo curatorial, me parece muy reconstructiva. o asesores para la adquisición de tus piezas? Y ahora, hablando sobre esa relación directa con los artistas, que evidentemente Jamás. Los conozco y son mis amigos es una ventaja porque te permite llegar a artistas magníficos que no necesariamente ¿Qué opinas de colecciones que son tan son los que están de moda, pero en algún grandes que sí requieren de todo un momento ¿te preocupa encontrarte con sistema? alguno que aproveche la venta de taller para subir y bajar los precios y que afecte Pues que se le puede olvidar al coleccionisasí el potencial de tu inversión? ta hasta lo que compró. Yo creo que uno se tiene que involucrar, pero fíjate que no Yo no tengo curadores detrás, he cometido tengo duda de que los objetos tengan muchos errores, pero yo creo que es “part voluntad, que más bien ellos decidan estar of the life”, pero te repito; yo acervo lo que contigo que tú con ellos. Por platicarte una me gusta y me mantengo muy al margen de historia, hablando de Fernando Botero; una lo que seria conveniente o inconveniente a amiga ahorró y ahorró para el momento en nivel inversión el que llegara Botero a este país; tuvo su exposición en el museo Tamayo pero él no Pero ¿cómo es tu relación con las galerías? vino, no sé por qué; y antes Beraja, dueño ¿las frecuentas o te guías solo por lo que de la galería Misrachi la había invitado a 87

ISAK KANAREK

pintura de Javier Gutiérrez

La diferencia es que en una el sentido comercial y de mercado es más directa, en una feria hay tantas piezas por cada stand que ya no sabes ni qué es qué. Las bienales, aunque tienen también un poder importante sobre el mercado, su tirada va más a lo curatorial, y su importancia recae en avalar propuestas y artistas en el medio artístico internacional.

ver una colección de nueve piezas de Pedro Coronel, y yo le dije a mi amiga, no quiero Pedro Coronel, yo quiero Fernando Botero. Curiosamente dejó separadas dos, pero en su mente, y se vendieron todas menos las que ella quería, Botero no vino, no tiene Botero pero si Pedro Coronel. Es curioso ¿no?, es como cuando tienes una novia de 10 años y te casas con la de dos semanas.

Y qué prefieres ¿una feria de arte contem- A pesar de esto que es tan primitivo y que poráneo o una bienal? considero elegante igual que las bienales… es lo mismo, es lo mismo, sólo que es una No entiendo cuál es la diferencia. manera elegante de obtenerlo 90

ISAK KANAREK

pintura de Iván Villaseñor

De las veces que te han pedido piezas el tema principal, entonces imagínate que prestadas ¿hay alguna exposición que como en una tercera dimensión extra está la charola que ellos pintaron y la puedes ver. recuerdes mucho, que te haya gustado? Y creo que a otros museos de arte popular Vuelves a caer en un terreno poco objetivo les gustó mucho la propuesta del MAM en porque nace mucho del sentimiento. Nos el marco del bicentenario. topamos constantemente con historias en las que esto no vale pero emocionalmente ¿En algún momento te gustaría exponer me encanta y si le encanta a alguien más y toda tu colección en algún museo o lo expone… imagínate cómo se siente eso. extrañarías mucho tus piezas y no las Fíjate que ahora en el MAM de la ciudad de prestarías todas al tiempo? México, me da mucho gusto ver fusionada la idea de arte y arte popular. El tema en Dicen que la gloria sin gente no es gloria, si muchos cuadros de Diego y Frida ese era me atrevería, sí me gustaría. Y me 91

ISAK KANAREK

gustaría que fuera antes que me muriera por contraste porque envidio mucho de lo que supuesto. tienen pero seguro ellos envidian mucho de lo que tengo. ¿Qué otras colecciones de amigos o que conozcas admiras o te llaman mucho la Hablando sobre Carlos Pérez Bucio, Iván atención? Villaseñor, Javier Gutiérrez y Emilio Rangel, los cuatro artistas que forman Sin duda la colección de Ruth Lechuga que parte de tu colección y que coincidencialme tocó conocer y que ahora hace parte del mente presentamos en esta edición de la Franz Mayer pues es envidiable por la revista sus actualizaciones de portafolios, calidad y la cuantidad; pues toda esta ¿Podrías decir qué es lo que más te gusta manera de ella de seleccionar lo que ella de cada uno? llevó un museo del nivel de Franz; que acompañaba con un antecedente histórico, Yo creo que el oficio sin duda que tienen, una foto o con un libro, definitivamente es toda esta frescura de hablar con su propio envidiable. Podría mencionar en el arte lenguaje, y esta manera en que se popular sin duda lo que podría tener consideran artistas y toda esta emoción de Cándida Fernández de Banamex o arriésgate de no saber qué va a pasar con Teresa Pomar, la misma Pilar Fosado, hasta ellos y conmigo. el extinto Monsivais. Eso me lleva a un

Ficha 92

ISAK KANAREK

Pero en el sentido de promocionar a los artistas, tú por ejemplo que tienes ese ojo clínico y que no te dejas llevar por lo que dicen las galerías, los museos, las revistas. Una vez que los coleccionas, ¿sientes la responsabilidad de ayudarlos? Yo respondería a eso y sin temor a equivocarme que lo bueno no tiene época, que lo bueno siempre ha sido lo bueno. Ficha Seguramente siempre habrá tendencias En particular, pues Pérez Bucio es un y serán superadas, y se pondrán de moda excelente dibujante pero no es mejor que otras cosas pero lo bueno es lo bueno. Iván Villaseñor seguramente, pero con diferente ironía. Emilio sin duda tiene un Desde tu punto de vista ¿cuáles son los carácter escultórico innegable; y Javier errores que puede cometer un Gutiérrez que yo lo adopté siendo argentino coleccionista? y creo que está haciendo carrera en México como muchos otros fenómenos en la Mi amiga Margarita Orellanes de Artes de historia, digamos Leonora, etc. Javier es México dice que tiene que ser muy claro el muy elegante, tiene lo suyo también. hilo conductual. Quizás no seguir una línea; pero tú nunca esperas ver en una colección Hablando del papel del coleccionista ¿Tú un arte clasificado, lo clasifica la vida, es sientes que tienes una responsabilidad en una manera de defenderse. el medio del arte? Un error sería comprar lo que no te gusta Sin duda, lo que pasa es que no es pero te conviene. Por ejemplo, yo no sé si protagónico, yo creo que tu labor humilde- en el rango comercial, el hecho de tener a mente es acervar lo que tú puedes acervar un artista de diferentes maneras y fases sea perfectamente. muy conveniente; pero yo creo que hay 93

ISAK KANAREK

épocas de artistas que yo no coleccionaría podría haber coleccionado máscaras aunque el artista me interese y me guste. africanas que respeto muchísimo aunque el folklor mexicano es algo con lo que me ¿Qué consejo les darías a los nuevos identifico muchísimo, pero con toda esta coleccionistas, o a la gente que está a pasión es más fácil adquirir lo que tienes penas sacándole el gusto a esto de cerca que lo que no tienes tan cerca. Yo no coleccionar arte? siento lo mismo el éxito de un noruego que el éxito de un mexicano. Yo creo que tienen que aprender a vivir con lo que deciden vivir, y creo que es bien importante que si vives en México pues consumas arte mexicano. Porque digo, yo

ACTUALIZACIÓN PORTAFOLIOS

ACTUALIZACIÓN PORTAFOLIOS DE ARTISTA

Carlos Pérez Bucio (México) (Argentina) Javier Gutiérrez Iván Villaseñor (México) (México) Emilio Rangel Juan Antonio Sánchez Rull (México)

CARLOS PÉREZ BUCIO

Tits, 2009 96

CARLOS PÉREZ BUCIO

CARLOS PÉREZ BUCIO A través de mi obra celebro lo mejor y lo peor la naturaleza humana, aludiendo constantemente a aspectos fundamentales de la misma, como el sexo, religión y política. Estos temas me permiten burlarme no sólo de la sociedad en la que me desenvuelvo, sino del mundillo del arte dominado por la solemnidad y lo políticamente correcto. No seré yo quien contribuya a alimentar esta actitud elitista; mi interés radica en evidenciar lo valioso de ciertas manifestaciones artísticas consideradas menores, como la caricatura (sobretodo la mexicana y la francesa desde el siglo XIX) y el cómic. En el dibujo satírico he encontrado el vehículo ideal para transmitir mis descontentos y gozos de una manera contundente, evitando caer en lugares comunes. Suelo ser muy riguroso con los símbolos y la iconografía, a la que respeto mucho. Sin embargo mi proceso de pintar siempre es divertido: nada me gusta más que la exageración y la monstruosidad.

Lo propio de las dictaduras y de los sistemas políticos más corruptos es la apropiación, la intervención, la descontextualización, el parasitaje (burocracia y proliferación de intermediarios sin valor social). Todas estas prácticas también son muy comunes en los discursos contemporáneos del arte. En eso se parecen mucho dictadores y artistas. Mientras vivía en Francia me identifiqué con la extrema derecha en su combate en pos de la libertad de expresión, la cual considero debe ser total, por más desagradable que sea. La extrema derecha en Francia asume de manera descarada, brutal, a veces ofensiva, lo que mucha gente piensa en privado pero no se atreve a demostrar en público por ser políticamente incorrecto. Por eso yo soy como la extrema derecha: mi pintura puede ser incómoda, si se quiere grotesca, pero nunca condescendiente.

CARLOS PÉREZ BUCIO

Rat, 2009 98

CARLOS PÉREZ BUCIO

Teen, 2009 99

CARLOS PÉREZ BUCIO

Niña buena, 2010 100

CARLOS PÉREZ BUCIO

Virilidad, 2009 101

CARLOS PÉREZ BUCIO

King of Fashion, 2009 102

CARLOS PÉREZ BUCIO

Hombre casadero, 2010 103

CARLOS PÉREZ BUCIO

Piercings for idiots, 2009

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CARLOS PĂ&#x2030;REZ BUCIO

www.livingartroom.com/carlos_perezbucio

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JAVIER GUTIÉRREZ

Coral, 2010

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JAVIER GUTIÉRREZ

Nació en Córdoba, Argentina, vive y trabaja actualmente en la ciudad de México. Su propuesta es principalmente pictórica, aunque en ocasiones realiza algunas instalaciones y objetos. Su estética está fuertemente ligada a la caricatura y la ilustración. El artista, aborda su obra desde una visión tanto ecléctica como irónica, generando en ocasiones escenarios grotescos y absurdos. Por ejemplo, en algunas de sus pinturas se pueden ver animales

(osos, conejos, venados, etc.) representados como caricaturas de un cuento infantil, como tiernos animalitos del bosque; pero atacando a los humanos, como sucedería en la vida real. Sus imágenes suelen ser fuertes y violentas. El artista maneja muy bien la composición y defiende su estética de tal manera que, hoy por hoy, es considerado como artista promesa por reconocidos curadores que han visto su trabajo. 107

JAVIER GUTIÉRREZ

Pandemia, 2009

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JAVIER GUTIร RREZ

Todo se estรก calentando, 2010

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Epidemia, 2009

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Plantas de poder, 2008 112

JAVIER GUTIÉRREZ

Recursos naturales, 2009

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JAVIER GUTIÉRREZ

K ung fu, 2010

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JAVIER GUTIÉRREZ

Hociquito de ratón II, 2009

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JAVIER GUTIÉRREZ

Retrato de familia

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JAVIER GUTIĂ&#x2030;RREZ

www.livingartroom.com/javier_gutierrez

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IVÁN VILLASEÑOR

China girl, 2010 118

IVÁN VILLASEÑOR

La obra de Ivan Villaseñor es netamente gráfica y su conocimiento sobre la técnica es impresionante y estricta; algo que muchas veces se extraña en la pintura contemporánea. Para sus dibujos Iván prepara el soporte con Creta y media Creta, una técnica que se utiliza desde hace algunos siglos y que consiste en utilizar cola de conejo como aglutinante para que los colores duren por cientos de años. Sus

imágenes recuerdan composiciones de pinturas del renacimiento y están cargadas de erotismo y fantasía. Sus personajes cuentan con rasgos muy finos y a la vez exagerados, acercándolos por momentos al hiperrealismo. Por lo general están situados en medio de paisajes mágicos repletos de exuberantes plantas y hongos gigantes 119

IVÁN VILLASEÑOR

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IVÁN VILLASEÑOR

Gothic girl, 2010 121

IVÁN VILLASEÑOR

Girl, 2010 122

IVÁN VILLASEÑOR

China girl, 2010 123

el advenimiento de la glaseaci贸n, 2010

Plegarias para un cazador, 2010

IVÁN VILLASEÑOR

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IVÁN VILLASEÑOR

Bosque azul, 2009

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IVÁN VILLASEÑOR

Depredator girl, 2010 130

IVÁN VILLASEÑOR

www.livingartroom.com/ivan_villasenor

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EMILIO RANGEL

Tinkerbell, 2010 Hombres contemplando, 2006 96

EMILIO RANGEL

Emilio Rangel es un artista que se destaca por tener una habilidad técnica envidiable. La mayoría de su trabajo es tridimensional, en el que se destacan las esculturas de changos fisicoculturistas y changas modelos de Victoria´s Secret. La primera obra que conocimos de Emilio fue “El árbol genealógico del Ravamoso”, una serie de esculturas en pequeño formato de varios personajes de caricatura que se

derivan de las formas reales de algunos animales, como la mosca, el oso, la vaca y el ser humano, hasta terminar en un personaje llamado Ravamoso. Su trabajo está muy relacionado con la caricatura del hombre reflejado en los animales y con un humor casi negro logra criticar ciertos aspectos de conducta general humana.

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Árbol genalógico del Ravamoso, 2008

EMILIO RANGEL

Bella y bestia, 2010 136

EMILIO RANGEL

Sebastian, 2009 137

EMILIO RANGEL

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EMILIO RANGEL

Marmotas oficinistas, 2010

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EMILIO RANGEL

Serie cristos, 2010 140

EMILIO RANGEL

www.livingartroom.com/emilio_rangel

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JUAN ANTONIO SÁNCHEZ RULL

Serie Las Vegas, 2010 142

JUAN ANTONIO SÁNCHEZ RULL

JUAN ANTONIO SÁNCHEZ RULL Las imágenes fotográficas de Juan Antonio Sánchez Rull sorprenden por sus encuadres perfectos, perspectivas atípicas, al igual que por su luz y sus texturas. Cualquier aspecto técnico o de composición dentro de sus series, como por ejemplo la decisión de utilizar blanco y negro únicamente o mostrar una perspectiva vista desde arriba; responden siempre a una intención muy clara, evidencia de un proceso creativo muy meticuloso. Durando una larga temporada trabajando en cada uno de sus proyectos. Con su serie “la playa”, realizada entre 1995 y 2009, compila imágenes de individuos disfrutando del sol y del mar. Este trabajo evoca una especie de atemporalidad, que resulta en la imposibilidad de ubicar si las imágenes fueron tomadas recientemente o en décadas pasadas. La mayoría de sus imágenes parecen anular la presencia del fotógrafo, como si los

personajes nunca se hubieran dado cuenta de ser capturados. Esta característica, le permite a Sánchez Rull posicionarse como una presencia omnisciente, como si fotografiara desde lejos o como si se hubiese escabullido de manera invisible. Con mirada incisiva, evidencia una curiosidad casi científica, como queriendo esclarecer los misterios de diferentes contextos; es el caso por ejemplo, de su serie sobre primates en el zoológico. En la que, nos muestra escenas de diferentes especies de simios en su contexto pseudonatural. Igualmente su serie “Francotirador vulnerable”, nos muestra la planeación urbana y el tránsito de personas en ciudades modernas. En la mayoría de los casos se evidencia una profesionalización del voyeurismo, perfeccionando obsesivamente todos y cada uno de los aspectos de este. 143

JUAN ANTONIO SÁNCHEZ RULL

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JUAN ANTONIO SÁNCHEZ RULL

Series: Las Vegas, 2010

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JUAN ANTONIO SÁNCHEZ RULL

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JUAN ANTONIO SÁNCHEZ RULL

Series: Las Vegas, 2010

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JUAN ANTONIO SÁNCHEZ RULL

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JUAN ANTONIO SÁNCHEZ RULL

Series: Las Vegas, 2010

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JUAN ANTONIO SÁNCHEZ RULL

Series: Las Vegas, 2010

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JUAN ANTONIO SÁNCHEZ RULL

Series: Las Vegas, 2010

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JUAN ANTONIO SĂ NCHEZ RULL

www.livingartroom.com/juanantonio_sanchezrull

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PROYECTO JAPÓN

Regla de Tres, galería nueveochenta, 2009 154

PROYECTO JAPÓN

PROYECTO JAPÓN por Adriana Restrepo

Los japoneses Miho Hagino y Taro Zorilla, se han dedicado a encontrar y recolectar las enseñanzas y memorias de los emigrantes japoneses en México. Su trabajo consiste en una serie de fotografías y videos, que podrán ser vistas a finales de este año; en El Museo del Chopo en la Ciudad de México.

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PROYECTO JAPÓN

“Cuando logras entender quién eres, empiezan a suceder muchas cosas buenas”

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PROYECTO JAPÓN

“El 9 de agosto de 1945, la historia de Nagasaki debía ser otra, pero contó con muy mala suerte. El avión que traía la bomba atómica (Little Boy) se quedó sin gasolina y al no poder llegar hasta su destino final, fue soltada a la orilla de esta ciudad. El calor llegó a los 6.000 grados centígrados y lo único que recuerdo fue oír un sonido horrible y una luz tan fuerte como la que causarían 1000 relámpagos al tiempo. Esa mañana, yo no había salido a cazar libélulas a las montañas con mis amigos y quizá eso me salvó. Cuando la bomba cayó, mi mamá alcanzó a cubrirme con su cuerpo y en cuanto pudimos corrimos, junto a mi hermana, al refugio de la comunidad. Durante varias noches, vimos la ciudad en llamas y a la gente sufrir y morir; como varios de mis amigos. Pero lo que vi después, fue aún peor. En Nagasaki la comida se había agotado y estábamos muriendo de hambre, por lo tanto, mi mamá nos llevó hacia el campo; allí era el infierno mismo y no podría describir la pesadilla, ni las cosas terribles que habían sucedido”.

de la bomba atómica y la destrucción de Hiroshima y Nagasaki; con la promesa de nunca casarse ni tener hijos, que pudieran heredar la desgracia de la radiación, y con la consigna de vivir según los preceptos de su cultura. Aunque, inmerso en un país de costumbres distintas y muchas veces opuestas. “Debemos trabajar y ser honestos, para servir a nuestro país de origen y a los demás”.

Como él, 111 inmigrantes japoneses de primera, segunda, tercera y cuarta generación; forman parte de Proyecto Japón. Un esfuerzo artístico y social emprendido por Miho Hagino (artista plástica) y Taro Zorrilla (arquitecto), desde el año 2008. Que no posee otra intención más que, recoger las memorias, los sentimientos y las vivencias de aquellos que partieron de Japón en busca de una vida mejor; cuando en su país las condiciones no eran favorables. O aquellos que nacieron aquí y han escuchado durante años los relatos de sus ancestros, idealizando ese Este, a pesar de su naturaleza, no es el final mundo lejano; pero propio a la vez. sino el principio de una historia. Yamashita Yasuaki, artista japonés de cerámica y “Honestidad es la mayor prueba de amor y pintura, llegó a México después de la caída una gran satisfacción que podemos 157

PROYECTO JAPÓN

brindar a nuestros padres: ser honestos con Zorrilla, quien nacido en México pero de ellos y con todo el mundo”. madre -y fuerte educación- japonesa; compartía con Miho el interés por las Miho nació en Japón y llegó a México por migraciones. Él además, había trabajado primera vez en el año de 1994. Desde con los mexicanos en Estados Unidos. entonces, quedó cautivada ante la gente, los Decidieron entonces, como compañeros colores y los sabores de este país exótico; de fórmula, unirse y empezar a viajar por del que no sabía nada. Dos años más México para reencontrar a su gente. tarde, regresó e ingresó a la Escuela de Arte; Llegaron a Chiapas, Guadalajara, Veracruz mientras tanto, estuvo yendo y viniendo de y muchos otros lugares; donde su modus México a su país comparando, investigan- operandi, consistía en: bajarse del camión, do, descubriendo y creando. tomar las páginas blancas de la ciudad y En 2005, mientras producía el concierto buscar los apellidos japoneses. Entonces, de una reconocida pianista, conoció a Taro ahí iniciaba la recolección de recuerdos e

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historias. “Para que seamos útiles a este país, debemos trabajar mucho, como nuestro padre nos enseñó”. Estos hombres y mujeres, casi todos con rasgos orientales y acento indudablemente mexicano, han aprendido a vivir según la filosofía japonesa, la cual es mucho más fuerte aquí, del otro lado del mundo, que en Japón, donde la modernidad -al igual que en cualquier otro país- inevitablemente ha ido cambiando los principios y encontrando nuevos valores. “Estas personas han crecido bajo una educación muy estricta, creyendo en el honor, en el respeto a los mayores, en el trabajo duro, en la puntualidad, en la honestidad, en la unión de la familia. Y quizá en ocasiones sus valores inquebrantables chocan con la idiosincrasia informal del mexicano”, asegura Miho. Sin embargo, lo interesante

es esa mezcla, que ha nacido un poco a la fuerza. Ver como dos culturas disímiles aprendieron a coexistir y llevarse con armonía. Algunos emigrantes sólo sueñan con volver al país honrado y apacible del que hablan sus padres y abuelos. Pero muchos otros, por el contrario, descubrieron en México un país alegre, apasionado y amistoso, en el que han podido desarrollar una vida tranquila. Como el mismo Yamashita, quien después de haber vivido la peor catástrofe, encontró aquí el lugar ideal para salir adelante y reconstruir su vida. Por supuesto, sin odios ni rencores, como le enseñaron sus padres. “ Mi padre decía: ‘la única cosa que puedo heredar a ustedes es la buena educación, para que sean buenas personas y honestos, y ustedes también lo transmitan’”. De este trabajo, investigativo y detectives-

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PROYECTO JAPÓN

co, nació una serie de fotografías (retratos en blanco y negro) y videos; en donde estas personas recuerdan o imaginan la vida maravillosa del Japón. Los artistas, decidieron no incluir los nombres de quienes dan su testimonio, ni las edades, ni las profesiones...sólo los recuerdos. Para que este trabajo, funcione como la memoria colectiva de un grupo. “No buscamos presentar este trabajo en una galería, sino en un lugar público, donde la gente esté desprevenida y se encuentre casi por accidente con nuestra obra y por tanto, no sienta el afán de pensar nada frente a lo que ve”, asegura Taro.

La exposición se ha presentado en León Guanajuato, Guadalajara y dos veces en la Ciudad de México; una de ellas en el aeropuerto de la ultima mencionada. Dentro de los planes, está llevarlo al Museo de Migrantes Japoneses en Los Ángeles y al Museo de Información e Historia de Migrantes Japoneses Brasileños en Japón (en el antiguo edificio, donde los japoneses se preparaban para iniciar sus viajes sin retorno hacia América). En el mes de diciembre, esta exposición será presentada en el Museo del Chopo en la Ciudad de México y muy pronto estará consignada en un libro; que incluirá las 111 fotografías y las mejores frases obtenidas de las “Debemos tratar de hacer todo mejor y ser entrevistas. mejores personas”

www.livingartroom.com/miho_hagino www.haginomiho.blogspot.com/2009/05/proyecto-japon.html

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ARTE Y NUEVAS FORMAS DE EXPOSICIÓN por Semíramis González

Bordo Póniente, fotografías cortesía RESIUDAL

ARTE Y NUEVAS FORMAS

La exhibición de arte: un poco de historia. Tradicionalmente y a lo largo de la historia hemos visto una evolución en las formas y lugares donde los artistas daban a conocer sus obras. En la Grecia Antigua el ágora era el lugar señalado para exhibir las esculturas con un fin cívico; en la Edad Media, y con el nacimiento del cristianismo, fue la iglesia el recinto que se encargó de albergar muchas de las creaciones artísticas; posteriormente, durante el Renacimiento, los mecenas que encargaban obras las expondrían en sus casas y durante la etapa Barroca hay de nuevo una vuelta al arte cívico y público, además del religioso y privado, que continuó su crecimiento; recientemente, y ya en el siglo XVIII, nacieron las Academias y los Salones Oficiales, donde sólo cabían aquellas obras aceptadas, es decir, que seguían las normas establecidas por esas Academias, eran las llamadas “académicas”.

Rechazados, una alternativa a esos salones oficiales que no aceptaban ciertas propuestas más rompedoras y menos clasicistas. Se trata de una alternativa que unía a artistas, escritores, filósofos…para llevar a cabo una forma diferente de exponer arte sin por ello pasar por los cánones oficiales. La evolución ha sido constante: desde aquellas propuestas que buscaban mostrar su arte sin por ello seguir las directrices académicas, hasta hoy en día, en pleno siglo XXI.

En la llamada era tecnológica los cambios no podían estar más presentes: además de las nuevas vías de comunicación, como Internet, capaz de superar barreras geográfico-temporales, los artistas han recurrido a multitud de vías a través de las cuales mostrar sus obras y hacerse un nombre en el amplio espectro artístico de Sin embargo, y ya en el siglo XIX, se hoy. produce un cambio interesante y que puede ser un antecedente importante al Al fin y al cabo, ¿no es demasiado estático caso que nos ocupa: ante el rechazo que pensar que sólo un museo o una galería son sufrían muchos artistas (Monet y Manet los únicos que exhiben arte en un mundo entre otros), se crean los Salones de los tan cosmopolita como el que nos toca vivir? 163

ARTE Y NUEVAS FORMAS

Las nuevas formas de exponer arte Recientemente, desde la generalización en el uso de Internet, han proliferado multitud de nuevas formas en que un artista presenta su obra: galerías virtuales, páginas web, foros… pero, ¿supone esto que estamos ante el fin de la galería o el museo físico? En mi opinión no. Lo interesante de este siglo XXI y de todos los avances tecnológicos que ha traído consigo, es que se pueden seguir creando nuevas vías en la exhibición de arte, sin por ello suponer una muerte de las galerías como espacio físico. Y este artículo va de eso: qué hay de nuevo en la forma de exponer arte, tanto física como virtualmente. Y ante todo, es importante no olvidar que Internet nos servirá de informador incluso de las galerías como espacios, ya que gracias a esta herramienta podemos conocer qué se está exponiendo ahora mismo en la otra parte del mundo, incluso acceder a fotos, vídeos y en algunos casos, a visitas en 3D.

conocer y crear nuevas formas de acercarse al público. Es precisamente éste, el público, otro factor importante a la hora de entender las nuevas vías de mostrar arte, ya que se trata de un público más informado y conocedor de las nuevas creaciones artísticas: estos espectadores pueden acceder en un click a toda la trayectoria profesional de un artista o bien leer críticas a su obra o incluso entrevistas con él, ¿alguien se imagina esto en plena Edad Media o durante el Renacimiento? Esta cercanía con los artistas, que no supone necesariamente ser física, da una poderosa herramienta al espectador: ser conocedor de lo que va a visitar y ser más crítico con las obras.

Por eso, en este artículo se busca resumir y acercar al lector algunas de las propuestas más interesantes que actualmente están funcionando, algunas a nivel mundial y otras a nivel local, pero que, en cualquier caso, están sirviendo como nuevas formas Los artistas que trabajan en medio de esta de promocionar a artistas desde una ingente cantidad de medios comunicativos, perspectiva fuera de los museos y grandes han tenido que arreglárselas para darse a galerías. 164

ARTE Y NUEVAS FORMAS

ARTIST RUN SPACES Una interesante propuesta, que busca tramitar y exponer obras de artistas fuera de las órdenes de las galerías privadas o públicas. Este tipo de espacios son gestionados por los propios artistas, y sirven para reunir a los distintos autores, fomentar una colaboración mutua y además; darse a conocer por el público. Originalmente nacen en Glasgow, en los años 90, pero pronto serán protagonistas de un increíble crecimiento; apareciendo este tipo de espacios en ciudades como: Londres, Australia, Berlín, Edimburgo y en algunas mas de los Estados Unidos; como Nueva York y San Francisco. En muchos de los casos se facilita la creación artística a través de becas y patrocinios a los artistas, que les permiten trabajar y exponer; además de entrar en contacto con otros artistas. UNIÓN DE ASOCIACIONES DE ARTISTAS VISUALES www.uaav.org La UAAV es una organización estatal española, que coordina a siete asociaciones de artistas existentes en diversas comunidades de la Península; tales como Asturias, Castilla-León, Madrid, Galicia, entre otras. Creada en 1996 y teniendo actualmente, en el cargo de Presidenta de la organización a Francesca Llopis y Luis Gordillo, en el cargo de presidente de honor. Su objetivo principal, es coordinar a las diversas asociaciones englobadas y tratar de crear otras en aquellas comunidades en las que no existen. Además, intentan revalorizar la imagen del artista fomentando las mejoras económicas y culturales de los creadores; intentando también

unir y conectar a diversos artistas para fines comunes. Principalmente, les interesa que las instituciones y administraciones sean sensibles al arte que se está produciendo y colaboren en el desarrollo y difusión del mismo. Podemos decir que, la UAAV trata de dar un valor social al artista; mejorando así su labor profesional y su reconocimiento público. Propiciando así, un contacto efectivo entre la sociedad, las instituciones y los artistas. LA RESIDENCIA www.laresidencia.org Uno de los proyectos que más me sorprendió durante la realización de este artículo, fue este. La Residencia se sitúa en una antigua mansión familiar de 1930, que ha pasado de ser vivienda a escuela de bachillerato, después a orfanato y actualmente; desde el 2003, la sede de esta peculiar escuela. Con el fin de: dar cabida a los artistas, permitir que conozcan otros sitios donde crear y además, poner en contacto a creadores de distintas nacionalidades; se crea La Residencia, emplazada en Bogotá, Colombia. Su objetivo bebe de dos fuentes: por un lado, otorgan al artista la posibilidad de conocer la ciudad y desarrollar trabajos en ella; y por otro, acercan estas creaciones al público bogotano. Dependiendo del trabajo que el artista realice, la estancia oscila entre 15 días y 2 meses; aquí se le da cabida a fotógrafos, músicos, artistas plásticos; decir, cualquiera que desarrolle un proceso creativo. Además, La Residencia tiene espacios propios para exponer las obras, dar conciertos y ofrecer al público demás actividades culturales. El proyecto también cuenta con una librería, tienda 165

ARTE Y NUEVAS FORMAS

de discos, cafetería y talleres. En mi opinión es una de las alternativas más interesantes para cualquier artista, alentando el trabajo multidisciplinario, en contacto con otros. Además, supone una buena manera de acercar al público de Bogotá el arte contemporáneo, reuniendo a espectadores y creadores en un mismo espacio. LA CASA DE LAS NOVIAS Este interesante proyecto nace en el 2005 en Ciudad Juárez, bajo la dirección de Perla Montelongo; actualmente coordinadora del Programa de estudios online Visions of Art, junto con un grupo de estudiantes de la Licenciatura en Artes Visuales de la Universidad Autónoma de Ciudad Juárez. Su interés, se centra en dar la oportunidad a jóvenes artistas de tener un espacio expositivo; que les permita darse a conocer y acercar al público estas nuevas propuestas. El proyecto estuvo en funcionamiento durante dos años, apoyado económicamente, primero, por el Departamento de Arte de la UACJ y después por una beca del Instituto Chihuahuense de la Cultura. A lo largo de este tiempo se llevaron a cabo 24 exposiciones, que contaron con la participación de artistas mexicanos; así, como de talla internacional. También, se genero intercambio con la Universidad de las Américas (Puebla) y La Universidad de Texas en el Paso (EUA). Teniendo como miembros a lo largo de dos años, a: Erick Nungaray, Alejandro Chairez, Luisa Ríos, Diana Gines, Enrique Valdez, Jonathan Ramos, Miguel Pérez, Guillermo Sarandingua, Onir Roo, Claudia Hidalgo, Víctor Pagoaga, Roció García, Adriana Román y Tomás Contreras.

Este proyecto no fue un hito solo por ser original e innovador, sino que también supuso un importante impulso para la cultura en Ciudad Juárez; ya que a partir de su creación, la ciudad fue testigo de un fuerte crecimiento en materia artística. Aparecieron nuevos proyectos en la ciudad, se abrieron galerías, se inauguraban exposiciones e incremento el apoyo monetario, por parte del estado, a estos. Sin embargo, el proyecto ya no sigue en funcionamiento. E-V-A-N www.e-v-a-n.org E-V-A-N (European Visual Artists Network, Red europea de artistas visuales) funciona como una gran coordinadora de otras instituciones y asociaciones menores, con el fin de intervenir en las políticas de la Unión Europea, representando y promoviendo artistas. Promoviendo y propiciando el interés por parte de las instituciones, sobre los artistas europeos. Su campo de trabajo se enfoca en Europa, permitiendo acceder a esta organización a todas aquellas asociaciones que; representen en su mayoría a artistas visuales. Los objetivos de éstas (asociaciones), deben coincidir con los de E-V-A N; habiéndose creado de forma democrática y debiendo contar con estatutos legales. En el fondo se trata de una coordinadora a nivel internacional, pero siempre, dentro de los límites europeos. Conciliando políticas gubernamentales, de los países miembros, llevando a cabo actividades culturales y artísticas.

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ARTE Y NUEVAS FORMAS

PECHA KUCHA www.pecha-kucha.org El planteamiento de Pecha Kucha es innovador, así como efectivo. Se trata de, un formato de exposición que llega al espectador de manera rápida, práctica y directa. Su nombre, proviene del término japonés que imita los sonidos de una conversación (chit-chat). Pecha Kucha nace en Tokio en el 2003, de la mano de Astrid Klein y Mark Dytham; para mostrar las nuevas propuestas de jóvenes diseñadores y desde entonces su crecimiento ha sido imparable. Originalmente se creó con la intención de exponer las propuestas de artistas, fotógrafos, diseñadores, arquitectos y demás profesiones vinculadas al mundo del arte; incluso ha llegado al mundo de los negocios, utilizándose como una herramienta en mercadotecnia. Pecha Kucha permite mostrar 20 diapositivas a cada participante, durante 20 segundos cada una; es decir, un total de 6 minutos y 40 segundos. Normalmente, en cada celebración de Pecha Kucha, se presentan entre 9 y 14 presentaciones; haciendo un pequeño descanso entre cada una de ellas. Consiguiendo, con esto, que el público permanezca atento y que el artista o diseñador sea capaz de exponer su propuesta de manera concisa, interesante y rápida su proyecto. Además de, suponer un reto para mostrar nuevos proyectos que se quieran exponer de forma rápida y efectiva; Pecha Kucha permite la interrelación entre los artistas y participantes al finalizar las presentaciones. El éxito de esta iniciativa no queda en Japón, desde su nacimiento, este proyecto ha sido testigo de un

imparable crecimiento. Llevando a cabo, presentaciones de Pecha Kucha en países como: España, EEUU, Gran Bretaña, Dinamarca, Irlanda, Argentina, México; por mencionar algunos. OBJECT NOT FOUND www.objectnotfound.org Object Not Found nace como un proyecto promovido por artistas, en busca de la creación de una comunidad, propiciando redes para enlazar a los nuevos artistas con galerías, críticos y curadores de arte. Desde su comienzo, ha sido testigo de un incesante crecimiento. Esto, gracias a la buena acogida por parte del público; impulsando el surgimiento del programa de residencias. ONF, es una opción muy atractiva para creadores como: artistas plásticos, músicos, diseñadores gráficos, diseñadores de moda, etc. Ya que propone un punto de encuentro interdisciplinar, permitiendo el contacto de distintas modalidades artísticas; dando como resultado, una experiencia de formación mas enriquecedora. Sobre este proyecto, puedes leer una entrevista a Rubén Gutiérrez, fundador de Object Not Found. Lee la entrevista completa que Semíramis le realizó a Rubén Gutiérrez fundador del proyecto Object Not Found. http://livingartroom.wordpress.com

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TOKIO 29

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TOKIO 29

PROYECTO LARdocs

Como todo en Living Art Room, nuestro nuevo proyecto, LARdocs, nace con el objetivo de fortalecer e impulsar la difusión del trabajo de artistas contemporáneos. Siguiendo con la filosofía que nos caracteriza, presentaremos a ustedes un material audiovisual conformado por información clara y sencilla sobre el trabajo de algún artista. Charlaremos con los artistas en sus estudios, con el propósito de mostrarles a ustedes todos los pormenores que el proceso creativo envuelve; por medio de relajadas charlas en las cuales nos enteraremos de las influencias de su trabajo, el contexto en el cual se desarrolla su obra y las técnicas de las cuales se valen.

generar periódicamente este material audiovisual, para que sirva como una herramienta complementaria al portafolio de artista; para así facilitar al espectador, más elementos para la comprensión del trabajo de los artistas que están en nuestro sitio web.

Un aspecto importante, de esta iniciativa, es que los mismos artistas que hacen parte de Living Art Room se involucran en el proceso; siendo estos mismos los productores y realizadores de los documentales, de esta manera se fomenta y fortalece el trabajo en grupo, uno de los aspectos fundamentales al interior de Living Art Room. En esta primera ocasión presentamos el trabajo de Son millones las oportunidades que los artistas Omar Rosales, el cual se prestó como conejillo de tienen para conocer a curadores, coleccionistas, indias pocos días antes de partir a Hiroshima, a un galeristas y críticos; esto, en foros como bienales doctorado en escultura en resina y silicona, becado o ferias de arte contemporáneo. Sin embargo, son por el gobierno de Japón. Alfadir Luna prestó su sumamente pocas las ocasiones en las que el artista cámara y Jorge Carrera su tiempo, y equipo para tiene la oportunidad de mostrar su espacio de editar. trabajo y mostrar todo lo que se encuentra detrás de su producción; puntos fundamentales, para que el Siendo esta la primera muestra de LARdocs, no curador (coleccionista, galerista, crítico o teórico) nos queda más que invitarlos a que nos manden se familiarice con todos los elementos que integran sus comentarios y sugerencias. Y a que no dejen de el trabajo del artista. ver nuestro canal en Youtube : http://www.youtube.com/livingartroom Por esta razón nos hemos propuesto, la tarea de 169

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TOKIO 29 por LAR

TOKIO 29 surge a parir de la idea conjunta de Araceli Cortina (entusiasta del arte) y Catalina Restrepo (promotora de artistas), acerca de crear un espacio vivo y relajado para la promoción del arte, en el cual los artistas jóvenes tuvieran la oportunidad de presentar su trabajo de una manera más cercana y abierta al público. La intensión de este espacio, ubicado en la colonia Juárez, es brindar una propuesta fresca, alejada de la solemnidad de los convencionales recintos del arte; propiciando una interacción más cercana entre el artista y el espectador. Por tal motivo, Tokio 29 no es sólo una sala

dedicada a exponer muestras colectivas, la propuesta también se conforma de “open studios”; espacios destinados para habilitar como estudios de trabajo de los artistas, en donde el espectador, tendrá la oportunidad de apreciar de cerca los procesos que intervienen en la producción de su obra. El 2 de septiembre, Tokio29 abrió sus puertas con la exposición inaugural bajo el mismo nombre del proyecto; presentando la obra de siete artistas jóvenes, de los cuales seis son mexicanos y una japonesa. Todos ellos, con propuestas muy contemporáneas en su trabajo, dentro de las

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distintas técnicas como: pintura, fotografía y dibujo. La selección de obra, en este caso, no estuvo sujeto a un trabajo curatorial como tal; sino que se planteo esta primera exposición como una bienvenida al público, por parte de los artistas que estarán presentando su obra a lo largo del año, con una pequeña muestra de su trabajo. La exposición estuvo conformada por el trabajo fotográfico de Juan Antonio Sánchez Rull, algunos retratos del proyecto Fraum Blaum de Eunice Adorno (actual becaria del FONCA), piezas de Nieve Obscura, junto a una selección de esculturas en cerámica de la japonesa Miho

Hagino; pinturas y esculturas de Alejandra España, resultado de su reciente residencia en Banff, Canadá; los imponentes dibujos de Tania Ximena y una de las libretas de dibujos del reconocido artista Mauricio Limón. Finalmente Jorge Carrera, en el open studio, con registro fotográfico, videos y piezas de su más reciente proyecto urbanístico, Astromozaic.

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