Artistas Latinos by Lokomotion Comunicacion Global

Enciclopedia Iberoamericana de Artistas Plรกsticos Contemporรกneos

AUTORES

La presente edición de esta obra ha sido realizada por el Departamento de Arte de QCC Art Gallery. Director Faustino Quintanilla Dirección de la Edición y Arte Internacional. Marta Sozzi martas@sinectis.com.ar Edición

León [España] José Manuel Álvarez napsa@editorialnapsa.com

Dirección Redacción de Textos Yolanda Guerrero yolaguerrero@hotmail.com Traducción Diego D´ellera Corrección de prólogos Noemí Iris Sozzi Profesora Universidad de El Salvador Diseño y Maquetación LOKOMOTION COMUNICACIÓN GLOBAL info@lokomotion.es Agradecimientos Críticos de Arte Rosa Faccaro Silvia Pellegrini Joan Lluis Montané Luis García Martínez Relaciones Públicas: Marta Sozzi © 2004 Impreso en España Printed in Spain

Queda rigurosamente prohibida, sin la autorización escrita de los titulares del copyright, bajo las sanciones establecidas por las leyes, la reproducción total o parcial de esta obra por cualquier medio o procedimiento, comprendidos la reprografía y el tratamiento informático así como la distribución de ejemplares mediante prestamos o alquileres públicos.

AUTORES CREDITOS

Integrantes de la Enciclopedia Iberoamericana de Artistas Contemporáneos

Abelló i Prat, Joan Acebuch Gomez Ortega, Jesús Acevedo Borredo, Fanny Aguirre Restrepo, Carlos Angeles Mario, José Armas Ponce, Enrico Arricivita, Inmaculada Astorga Ruiz, Javier Azofeifa, Rafael Azuaje, Eduardo

15 16 17 18 19 20 21 22 23 24

Carlos Cuenllas

Davaroff, Mariano Del Río, Paul D´Ippolito, Norma Dubin, Celina

59 60 61 62

Echenique, Inés Eidman, Mimo Eizaguirre, Juan

63 64 65

Balagura, Saúl Barcons, Ana María Basola, Carlota Bello, Graciela Benaim, Ricardo Bigatti, Antonio Blázquez, Francisca Boffi, Alicia Boscan, Nelson Bosco, Roberto Bosque, Marcelo (Marcellux) Brunés, Fina

25 26 27 28 29 30 31 32 33 34 35 36

Falgueras, Nacho Farnell, Gabriela Flores, Mario Forner, Raquel

66 67 68 69

Cappellini, Nélida Caruso, Fernanda Casanova, Patricia Casaravilla, Luis Cascarini, Roberto Castillo Arvayo Natchío, Ignacio Castro, Elena Castro, Telma Carrera, Charo Caymes, Elsa Cinat ,Mariano Ciriza, Carlos Clemente Cocero Pilar Cohen, Sara Colombo March, Jorge Conti, Marly Corbalán, María Alejandra Corral, Santiago Costa, María Estela Costucica, Raúl

37 38 39 40 41 42 43 44 45 46 47 48 49 50 51 52 53 54 55 56 57

García de la Nuez, Carlos García Espina Martinez, Agustín Gandsas, Alberto González, Adela Gonzalez Soca, Alejandra Grüneisen, María Isabel Grüneisen, Teresa Guayasamín, Oswaldo Gurlekian, Torós Guzmán, Olivia

70 71 72 73 74 75 76 77 78 79

Hecht, Claudia Herrero, Any

80 81

Jaimes, Alex

Kravichck, Laly

Lambré, Laura Liberti, Juan Carlos Lucero, Santiago Lueza, Cecilia Luna, Carlos

84 85 86 87 88

Mac Entyre, Eduardo Maldonado, Elizabeth Manteiga Varela, Francisco Mariño Belascoain, Consuelo Martín Lozano, José Vicente

89 90 91 92 93

AUTORES CONTENIDOS Enciclopedia Iberoamericana de Artistas Plásticos Contemporáneos 4 -

Matheu, Leonel Matus, Margarita Mendoza Alarcón, Luis Molina Leal, Mirtha Monastersky, Natalia Montes de Oca, Antonio Muñoz, Luis

94 95 96 97 98 99 100

Nakauchi, Julia Neyman Zerda, Alina Nierman, Leonardo

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Olivé, Tomás Ortigüela, Edelweis Oviedo, Ramón

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Pego, Teresa Pannier, Luis Perdomo, Felix Plá, Eduardo Polessello, Rogelio Poloto, Silvia Pombar, Marina Ponce, Hoffmann Juan de Dios Prats, Carina Puchalt, Paco Pujía, Antonio

107 108 / 109 110 111 112 113 114 115 116 117 118

Quilichini, Patricia

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Ramirez Saavedra, Ricardo “Raasa” Riedel, Verónica Riera, Máximo Rimonda, Mimí Risso Mann, Jorge Rodríguez Amat, Jordi Rodríguez Amiana, Enriquillo Rodríguez, Eugene Rodríguez Gauna, Beatriz Rolandelli, Susana Romero Luceño, Angela Rosel ,Daniel Rossiano, Rita Rousso, Carola Ruwette, Cecilia

120 121 122 123 124 125 126 127 128 129 130 131 132 133 134

Salinas, Marta Salmerón Fernandez, Manolo Sánchez Juarez, Juan Santa Cecilia, María Saporiti, Patricia Seminario, Betty Serafini, María Concepción Silverstein, Laura Socas, Martha Sorondo, Alejandro Sozzi, Marta Stadt Keller, Rosita Storni, Sol Suaznabar Solari, Marcelo

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Tadei, Osvaldo Tarrac, Angel Tiano, Alicia Torres Borrego, José Rubén “Torrego” Torres, Berenice

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Valtier Zuma, Savio Van Der Elsakken, Elgen Vasquez, Jaime Vega, Mónica Villalobos, Elsa Villanueva Blanco, Carlos Villegas, Olger Vivar, Carlos Von Lipka, Irene

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Weiszkopf, Paula West Ocampo, Alfredo

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Zagaglia, Hilda Zanón, Mariza Zapata Castellanos, Giovanni Zucaro, Beatriz

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CONTENIDOS AUTORES

Que esta obra sea solo un grano de arena más de una gran montaña que entre todos construyamos. José Manuel Álvarez. Editor

Esta Enciclopedia Iberoamericana de Artistas Plásticos Contemporáneos surge desde la intención de aunar en un solo volumen, de forma concisa y manejable, una meticu losa selección de los artistas más representativos del arte iberoamericano. Desde la firme creencia de esta editorial en un proyecto asequible, en el que doctos, aficionados y profanos tengan un igual acceso a los planteamientos que en ella se reco gen, este libro se ha elaborado partiendo de la sencillez, con una organización clara y concisa, bajo la única preten

AUTORES PROLOGO EDITORIAL NAPSA Enciclopedia Iberoamericana de Artistas Plásticos Contemporáneos 6 -

sión de manifestar claridad y objetividad en una visión renovada de los planteamientos estéticos que rigen los movimientos artísticos de este siglo XXI. Valga esta primera incursión por el arte iberoamericano como un anticipo de un próximo volumen en el que los textos será tratados en versión bilingüe español e inglés, dada la intencionalidad de un proyecto de difusión y aper tura de esta manifestación tan unida desde sus orígenes al hombre, que ha sabido crecer en el tiempo acompañándo lo en cada uno de sus pasos, en una evolución paralela

donde intelecto y pasión han contribuido a crear sueños y realidades.

testimonio de esto, en la persona de Mario Flores, con la que esta editorial se solidariza.

Invitamos a todo aquel que se acerque a estas páginas a navegar en su interior, a conocer a sus artistas y a su obra, y a comprender en la medida de lo posible, esta materiali zación de un sueño en el que han creído el más de un centenar de personas que lo han hecho posible desde sus pinceles, desde sus talleres, desde sus provincias, desde sus países, desde la libertad de sus sueños, que no siempre es la de sus creadores, y en estas páginas se contempla un

Por ese sentimiento común que a todos nos une, quienes firmamos cada una de las líneas y cada una de las obras que aquí se recogen, y nos aventuramos a decir que tam bién une a aquellos que toman esta obra en sus manos, creemos necesarios muchos libros como este. Muchos libros en los que la creatividad humana sea tratada en la medida en que las creaciones artísticas son un enriqueci miento para la humanidad.

PROLOGO AUTORES

Algunos trabajos despiertan mi sensibilidad y hacen latir mi corazón Marta Sozzi

Quiero comenzar estas palabras agradeciendo a la QCC Art Gallery de la Ciudad Universitaria de New York por brin darme la oportunidad de poner a prueba mis conocimien tos, constancia y capacidad de trabajo, al otorgarme la selección de artistas plásticos de su primera Enciclopedia de artistas Iberoamericanos Contemporáneos. Esta publicación formara parte del próximo ciclo programático de su Museo y es un honor para mi realizar tan delicada tarea. Conocí al Profesor Faustino Quintanilla hace aproximada mente 10 años, cuando recién llegaba a Nueva York para exponer mis obras. Desde ese día, se convirtió en una per sona de importancia en mi carrera. Inmediatamente me di cuenta de su amplia formación cultural, trabajo y generosi dad. En diciembre de 2002, sentados en el comedor de la Universidad, me propuso armar esta Enciclopedia. Me pare ció una tarea de mucha responsabilidad, pero ante su insis tencia considere que debíamos intentarlo. Era una tarea demasiado tentadora para rechazarla dos veces, ya que sien AUTORES PROLOGO MARTA SUZI Enciclopedia Iberoamericana de Artistas Plásticos Contemporáneos 8 -

to por el arte una verdadera pasión, sobre todo si se trata de conocer nuevos valores que incursionen en esta disciplina con respeto y profesionalidad. En este momento no puedo dejar de recordar mi infancia. Vaya este homenaje a mis queridos padres, que hicieron del Arte un culto y nos enseñaron, a mi hermana y a mi, a respe tarlo, amarlo y conocerlo. Hoy que ya no están aquí, seguro que sonríen felices al contemplar a sus dos hijas, imbuidas en cuestiones artísticas. La idea de realizar una Enciclopedia de Artistas Plásticos Iberoamericanos Contemporáneos surgió con el fin de poner al alcance de estudiantes, profesores y el publico en general la reciente producción plástica de los diferentes países Ibe roamericanos en los últimos años del segundo milenio y el comienzo del que recién empieza. Muchas veces me he quedado asombrada al mirar algunos

trabajos que llegaban a mis manos, despertaban mi sensibi lidad y hacían latir mi corazón con fuerza, por la belleza que estaba contemplando. Es que no hay limites para la belleza y cada siglo nos deja de esos hacedores llamados genios, pero eso solo la historia lo dirá, con el correr del tiempo. Quiero explicar que, para realizar la selección de los artis tas incluidos en esta obra, tuve en cuenta exclusivamente la calidad de su trabajo, después de una observación minucio sa y, por supuesto, objetiva, ajena a toda preferencia, gusto personal o lazo afectivo. La Enciclopedia reúne un centenar y medio de exponentes de varias generaciones y tendencias. Al seleccionarlos, no fue nuestro objetivo mostrar las concepciones más audaces, ni las ultimas experiencias que se dan en estos países, sino que sobre la plataforma la obra madura de los Maestros qui simos dejar aflorar planteos y desarrollos de obras emergen

tes, sin dejar de lado las figuras intermedias que con su experiencia permiten la proyección del Arte. Recordemos que, un siglo antes de cristo, Ciceron nos decía que la Histo ria es maestra de la vida y cualquiera que haya sido la exis tencia de los hombres en la tierra, es indiscutible que se la mida en pasado. Las experiencias de los que nos han antece dido marcan el camino mas seguro en que podemos basar para construir el futuro. Es nuestra intención rever y actualizar con toda seriedad y respeto, periódicamente, esta obra y tratar de mejorar siem pre, porque la experiencia es una buena amiga y el estudio permanente para mantenernos informados, también. Espero que, influidos por el trabajo de tantos artistas de Ibero América, otros futuros exponentes encuentren, miran do este libro, inspiración para seguir enriqueciendo las Artes Plásticas.

PROLOGO AUTORES

Las enciclopedias se convierten en imprescindibles para entender el arte Luis García Martínez. Director Dpto. Arte y Exposiciones Instituto Leonés de Cultura (León.España)

El conocimiento artístico de cada época o periodo histó rico es fuente clave para poder reconstruir la cultura y pro fundizar en un mejor conocimiento del hombre en su con texto social e histórico. Este saber funciona, básicamente, como una herramienta de trabajo que facilita una aproxi mación y comprensión más adecuada de la realidad. Esa realidad humana, que no es aséptica ni pura y que tiene, primordialmente, un sentido global e integrador, incorpora estructuralmente el hecho artístico como un elemento más que la configura, el cual se ha convertido, en diferentes momentos históricos, en motor de transformaciones sustan ciales para la sociedad. La acción artística, tomada en sí misma como proceso creativo permanente a través del tiempo y de la evolución del hombre, ha sido sometida a múltiples tensiones y modificaciones conceptuales, según

AUTORES PROLOGO INSTITUTO LEONÉS DE CULTURA Enciclopedia Iberoamericana de Artistas Plásticos Contemporáneos 10 -

los diferentes posicionamientos teóricos marcados por los diversos periodos históricos. Mas es preciso diferenciar dos grandes posiciones o enfo ques relativos a la creación artística y, más en concreto, al ámbito de la creación plástica: la primera, parte de un pro nunciamiento genérico sin cabida para la individualidad como tal, así somos conscientes del profundo desarrollo cultural generado por sociedades en conjunto: el mundo Micénico, Egipcio, Cretense etc.; la segunda, se centra en el hombre como persona creativa. En esta última postura, que da prioridad al hombre frente al universo haciéndole prota gonista máximo del desarrollo histórico y cultural, se encontraría esta propuesta de diccionario o enciclopedia que recoge a un buen número de artistas actuales, la reco

pilación de esas figuras individuales destacadas. Las raíces del pensamiento enciclopédico, como ordenamiento del conocimiento humano referido a un tema en concreto, se hunden en el renacimiento y en la ilustración, siendo el ejemplo más directo, en referencia a los artistas, la obra realizada por el polifacético pintor y arquitecto italiano Giorgio Vasari ( Arezzo 1511- Florencia 1574). Vidas de los más excelentes arquitectos, pintores y escultores ( 14451450) Esta obra se convirtió en imprescindible para enten der el arte italiano de la época: en primer lugar, porque recogía una amplísima documentación relativa a los crea dores más destacados del momento y, en segundo lugar, sobre todo, por la aproximación que planteaba a la obra de los artistas. Por otro lado, la creación de diccionarios o enciclopedias temáticas tiene gran importancia como

herramienta de trabajo para los críticos e historiadores, dado que cumple con varias funciones básicas: recopila la documentación elemental sobre los creadores referidos en estas publicaciones, facilita una aproximación básica a su trabajo y destaca, al mismo tiempo, la función didáctica que aporta este tipo de obras para cualquier aficionado al mundo del arte. En la sociedad actual, ante la saturación informativa, es cada día más primordial que los conoci mientos sean, dentro de lo posible, sencillos y sintéticos. Sin duda, debemos congratularnos por esta nueva aporta ción al amplio y vasto panorama bibliográfico, que centra su interés en los artistas plásticos, obra que pretende aportar una visión actualizada de la realidad creativa contempo ránea.

PROLOGO AUTORES

Enciclopedia Iberoamericana de Artistas Plásticos, una meticulosa selección Joan Lluís Montané

Hasta conseguir hilvanar de forma correcta el contenido actual de la Enciclopedia Iberoamericana de Artistas Plásticos que ustedes tienen en sus manos se ha tenido que realizar un esfuerzo exhaustivo de investigación, selección y desarrollo entre un cuerpo de creadores de gran calidad de toda América Latina y zonas de Estados Unidos con predominio y presencia abundante del idioma español, así como de artistas de España y Portugal, que se han destaca do desde los albores del siglo XIX al presente. La conocida artista plástica argentina y curadora de muestras internacionales en Estados Unidos, América Latina y Europa Marta Sozzi junto con el reconocido exper to internacional Faustino Quintanilla, han llevado a cabo la ingente tarea de hallar respuesta a sus ambiciosas propues tas de aglutinar lo más selecto del arte latino de todos los tiempos. Para ello han concentrando sus esfuerzos en la diversidad de propuestas, en la complejidad de lenguajes y en la elaboración conceptual y técnica de una creación marcada por la calidad y la especificidad de la propuesta. En este sentido es de agradecer este notable esfuerzo por que actualmente no existe ninguna obra escrita que posea la capacidad de reunir artistas latinos con proyección inter nacional, cuyos trabajos constituyen una muestra clara de las corrientes más actuales y también determinan los oríge nes modernos del arte de hoy. Así, el presente tomo de la Enciclopedia transita del impresionismo y el estallido del color; de la base cromática salvaje a la percepción icónica de los pueblos primitivos interpretados por la exuberancia de planteamientos de la vanguardia histórica; del futurismo, cubismo, surrealismo, dadaísmo al fovismo, pasando por las pretensiones del arte abstracto, la incidencia del informalismo y del expresionis mo. También hallamos la presencia del diálogo entre la per

cepción geométrica y el constructivismo, la esencialidad de la forma y la reacción con respecto a lo construido. Destaca la presencia de la geometría y la abstracción material basada en la incidencia del color, el constructivismo, la necesidad de instaurar una formulación controlada, en la que el color y la línea establecen unos parámetros de colaboración. La obra plantea desde la facilidad por recuperar antiguos postulados procedentes de los aportes de las civilizaciones incas, maya y azteca a los preceptos emanados de los actuales chamanes. Los creadores latinos profundizan en una amplia variedad de iconografía, unos procedentes de la cultura indígena, (los yorubas en el caso de Cuba); otros de la africana; o bien de la mixtura de las distintas civiliza ciones y la influencia de Estados Unidos y Europa Occi dental. Es un recorrido de las corrientes del pensamiento univer sal y la aparición del arte naïf, pasando por el aporte medi do de lo conceptual y el minimalismo como nueva filoso fía, de la transvanguardia al neo-expresionismo, sin olvi darnos de la incidencia del povera, para arribar a las insta laciones y toda su carga teórica enfrascada en la multipli cidad de lenguajes, compaginadas con la percepción de la imagen, la calidad intrínseca de lo reflejado dinámico del videoarte y la aparición del arte digital. Se trata de hallar las contribuciones de artistas que no olvidan el pasado, que poseen una adscripción a la historia reciente, que se interesan por el diálogo, que perciben la particularidad de lenguajes de la época actual, pero que tampoco renuncian a los aportes de los istmos. Aún hay demasiados prejuicios que derribar, en el sentido de que hay que intentar alcanzar una gran variedad de propuestas, en línea con el arte más libre, prescindiendo de los puris mos que sólo consiguen un elitismo excluyente. Es más, yo

AUTORES PROLOGO Asociación Española e Internacional de Críticos de Arte Enciclopedia Iberoamericana de Artistas Plásticos Contemporáneos 12 -

diría que lo importante es unir a los puristas dentro de la variedad y complejidad laboriosa de la creación de hoy, para no caer en el otro extremo. De ahí que los autores de esta Enciclopedia Iberoamericana de Artistas Plásticos no hayan pretendido ser exclusivos en las ideas ni en los con ceptos aplicados al arte; sino, en todo caso, rigurosos en la selección de los artistas, en la percepción del hábeas teóri co que haga, como de hecho se ha conseguido con este manuscrito, el primero de una serie que se presume de capital importancia y, especialmente singular, coherente mente con las propuestas hispanolatinas de esta área de la cultura universal que se institucionaliza por ella misma y que se recrea en la diversidad, para hallar la respuesta más adecuada a sus anhelos de libertad. De ahí que, más que un aporte exclusivista, que pueda ser tildado de excesivamente excluyente con respecto al arte internacional, lo que se pretende es interpretar la gran riqueza que existe en la percepción, creación y producción del arte latino de hoy. Dentro del contexto planetario cada vez son más las muestras, individuales y colectivas de artistas latinos, así como de creadores encuadrados dentro del circuito profe sional mundial de galerías. Ferias y celebraciones abren apartados al arte latino, como ocurrió en Madrid hace unos años en el caso de la feria más emblemática y característica de nuestro panora ma actual (ARCO). También, hay una mayor dinamicidad en la formación y en la celebración de cursos, cursillos, seminarios, convenciones, reuniones y actos entre los paí ses americanos y España, por ambas partes. La aparición de las nuevas tecnologías, la irrupción en el mercado de creadores que apuestan claramente por la innovación, hace que los lenguajes se confundan y se fun dan apareciendo otros nuevos.

En un mundo cada vez más unificado el mestizaje es la solución y la mejora de las propuestas. De ahí que este tomo sea el principio de una serie de libros que vayan pro fundizando, constatando y promocionando el arte latino universal, que forma parte indisoluble de la cultura del mundo. De lo local a lo nacional; de la percepción de la realidad estatal a la supranacional y a la visión cosmopoli ta de ideas, conceptos, realizaciones y propuestas. Está claro que la universalidad del arte no permite loca lismos, pero, en sí mismos, estos explican la existencia de lo universal. Formamos parte de un todo, que se elabora y reelabora de forma constante, siendo la expresión artística el tabú que desvela las posibilidades del tótem y que cons tituye el refugio de la espiritualidad en un mundo domina do por la presencia salvaje de la especulación. En este aspecto de la cuestión el papel del artista contemporáneo es el de conservar la identidad de la presencia de la propia libertad, a partir de enseñorearse de la esencia de la misma, cada uno de ellos desde su punto de vista particular. Los istmos han muerto, como puede verse y constatarse con la lectura de este libro, pero ello no significa una renuncia a la historia, un doblegarse a lo experimental sin tener en cuenta el poso del pasado, sino todo lo contrario. La historia nos enseña a no ser totalitarios, porque los regí menes que lo han sido no son historia hoy, sino sombras de un ayer que nadie desea que vuelva. De ahí que el artista sea el gran sacerdote de la paz y que los latinos constituya mos el aporte artístico más fresco y determinante del arte actual, en el sentido de ser más libres en un sistema de mercado señalado por la estructuración. Lo latino es el fervor dela pasión universal hecho arte.

PROLOGO AUTORES

ABELLÓ i Prat, Joan. Pintor catalán, nacido en 1922 en Mollet del Vallés, pro vincia de Barcelona, Cataluña, España. Joan se define a sí mismo como "un pintor del Vallés". Es allí, en su localidad natal donde se encuentra su Casa Museo, poblada de obras y recuerdos del artista y sus ami gos: ni más ni menos que Picasso, Dalí, Miró, Tàpies... y como no, de sus maestros, aquellos quienes le instruyeron en los fundamentos de la pintura: Joaquín Mir, Pruna, Pellicer. Todos ellos reciben perpetuo homenaje en las pare des y rincones de esta casa. También allí, en Mollet, se encuentra su Museo, constituido a base de obras que el artista ha ido donando al municipio. Joan Abelló, tan vinculado a su localidad, no ha renuncia do, sin embargo, a viajar, a conocer el mundo y tantas cul turas con tanto que ofrecer. Contando setenta años, se embarca en una vuelta al mundo que le permite recoger influencias e inspiración de otros lugares, otros cielos: Egipto, Tailandia, La India... y así mismo, que otros lugares le conozcan a él. Ha realizado exposiciones en las más importantes capita les artísticas: Londres, París, Moscú, Nueva York, y un largo etcétera. La obra de Joan Abelló, que él enmarca en su propia corriente artística: “el explosivismo”, ha sido protagonista de alabadoras críticas de multitud de personalidades tanto en diarios y revistas como libros, y así sirva como ejemplo y colofón la sentencia que Antoni Puigverd publicó en el catá logo de Girona: "quizá la palabra que define con más justi cia la obra de Joan Abelló es la palabra honestidad". Decir que la pintura de este reconocido artista recoge influencias de maestros como Van Gogh sería repetir una vez más lo que tantos otros han dicho, y de algún modo es inevitable no hacerlo, no pensarlo ante cualquiera de sus coloridas y violentas obras. De su pincelada caótica en apariencia, empastada, surgen paisajes, vistas de ciudades, de campos, donde el mínimo detalle es sustituido por la grandeza de un golpe de pintura. Una obra que nace de un ejercicio de observación sólo fruto de una vida dedicada a transmutar la realidad, en un proce so de síntesis con el que es absorbida a través de ojos exper tos, para ser genializada sobre el lienzo. ‡

Joan Abelló i Prat vperez@molletvalles.net Museu Abelló C. Berenguer III, 122 -08100 Mollet de Valles, España.

AUTORES AUTORES

ACEBUCH Gómez Ortega, Jesús. Pintor nacido en 1958 en Cataluña, España. Jesús Gómez Ortega toma su nombre artístico, "Ace buch" de la palabra acebuche u olivo silvestre, como reflejo de su culto personal por la naturaleza en su estado más sal vaje. Tras una larga e intensa formación artística, Acebuch ejerce la docencia en la Escuela de Arte Municipal de Terrassa, Barcelona, en la que es profesor de Pintura realis ta y Grabado. Cuenta con gran reconocimiento en todo el territorio español, a raíz de sus numerosas exposiciones en las que ha dejado constancia de su talento y buen hacer en el arte de la pintura. Su obra forma parte de importantes colecciones e institu ciones públicas y privadas. Amante de la poesía, refleja su particular estilo y posición ante la vida en cada una de sus obras. Reconoce su gusto por hacer versiones sobre su propia obra, a la que considera una creación poética y resume ese estudio de sí mismo por medio de sus cuadros, porque afirma, preferir "renovar y pro fundizar a estar condenado eternamente a encontrar cosas nuevas". Esta sentencia de algún modo recoge también el gusto de este artista por la pintura realista, que de es introdu cida por sus manos en terrenos de gran simbolismo, aunque él mismo engloba bajo la denominación de "pintura alterna tiva". La obra de Acebuch refleja la gran experiencia de este artista, su visión del mundo que le rodea, creando con el pincel esa poética pretendida, que sólo es comprendida ante la visión de sus trabajados cuadros donde el artista vacía su espíritu. Su trazo firme, su dominio del dibujo y su lenguaje plásti co hablan en verso, un verso escrito con el pincel de la experiencia, con el color y la luz que colman sus composi ciones de realismo y magia creativa, que Acebuch sabe combinar con sus propios textos, en composiciones que entremezclan el trazo pictórico y la caligrafía. Una obra que deleita los sentidos para llenarlos de sosiego y calidez, de la mano de los sueños de un maestro.‡

ACEBUCH, Jesús Gomez Ortega acebux@terra.es Roig Ventura, 476 - 08226-TERRASSA (Barcelona) España

AUTORES AUTORES Enciclopedia Iberoamericana de Artistas Plásticos Contemporáneos 16 -

ACEVEDO Borredo, Fanny. Artista plástica de nacionalidad mejicana, aunque nacida en Campoalegre (Huila), Colombia. Cuenta con una amplia preparación artística que da comienzo en 1972 en la Escuela de Arte "Bruokdale College Parsippany" de Nueva Jersey, Estados Unidos. En la Ciudad de Méjico se formará en los talleres de reconocidos pintores y escultores como Arthur Cronengold, Lorraine Pinto, Xavier López, Rafael Contreras Montes de Oca o Patricia Cajiga. En 1995 tendrá la ocasión de realizar un taller de escul tura y pintura, en el Palacio Spinelli de Florencia, Italia. Ha realizado numerosas exposiciones a lo largo de Méjico, España, Italia, Estados Unidos, Cuba y Colombia, y ha recibido importantes galardones como el Premio de Honor Citta de Firenze, y la Medalla de Oro Lorenzo Il Magnifico en la bienal Internacional de Arte Contemporáneo 1999, Florencia, Italia, y en el año 2000 el Premio Italia Per L´Arte, en la Vetrina Internacional de Arte Contemporáneo, también en Florencia. En Méjico ha obtenido el Reconocimiento como Artista Plástico Internacional, además de diplomas que premian la calidad de su obra. La originalidad e innovación de la obra de Fanny, parte de la propia técnica que ella misma ha creado, y que reside, en el caso de la pintura, en dibujar sobre láminas de acríli co y tallar la imagen por el reverso, para después aplicar una luz que destaque esa tercera dimensión de la forma. Su escultura parte de la elaboración de bloques de acrí lico transparente, por medio de planchas adheridas, en los que posteriormente talla y pule manualmente sus diseños. El resultado son esculturas con el aspecto del vidrio, muchas veces combinado con bronce a la cera perdida, en las que la luz, nuevamente, juega un papel determinante. Borredo, como firma sus obras, se convierte así en la única artista que talla el acrílico, y lo hace hasta el punto de dotarlo de vida. Su obra, principalmente de carácter figurativo, se compone de inmensas joyas, en las que la artista atrapa la poesía de la luz, de su misticismo, para hacerlos partícipes de su arte, repleto de delicadeza y magia.‡

Fanny Acevedo Borredo Fax. 52 55 969479 Ahuehuetes Norte. 137 Bis. 10 (Bosque de Las Lomas) 11700 México City (México)

AUTORES

AGUIRRE RESTREPO, Carlos. Artista gráfico nacido en Santa Marta, Colombia, en 1968. Su formación artística da comienzo en 1983, en la Escue la de Bellas Artes de Santa Marta. A esta le sucede la Escue la de Bellas Artes de Cartagena, concretamente en el Taller Jean Pierre Accault. En 1996 se gradúa como Maestro en Artes Plásticas, en la especialidad de Grabado, por la Universidad Nacional de Colombia, Bogotá, y más recientemente, en el año 2002, cursará la IX Cátedra Internacional de Arte Luis Ángel Arango, en Bogotá. A partir de 1987 inaugura una extensa trayectoria expo sitiva, que llevará su obra por toda Argentina, Bogotá, ade más de Francia y España, lugares todos ellos en los que paso a paso, Carlos se irá ganando aceptación por parte del público y elogios por parte de la crítica, a medida que su obra irá adquiriendo y reflejando la personalidad propia de su creador. Carlos Aguirre, como dijo el crítico Ricardo Arcos-Palma, "ha demostrado no solamente destreza técnica, sino tam bién una actitud contemporánea. Ha demostrado que el asunto es de disposiciones: si tiene un computador en las manos él sabe qué hacer con el". La obra de Carlos Aguirre, encierra, dentro de lo novedo so de la técnica con la que es configurada, un planteamien

AUTORES Enciclopedia Iberoamericana de Artistas Plásticos Contemporáneos 18 -

to en cierto modo renacentista, en cuanto a lo que se refiere al tratamiento humanís tico de la figura humana, desde unos plan teamientos de conocimiento e investiga ción que avanzan más allá de la propia creación. Así el hombre es tratado conjugando los planteamientos más estéticos de su anato mía, en una serie de obras que quieren llegar casi hasta lo iconológico o religioso, hasta el estudio y la evocación que subya cen en cada una de sus imágenes y que hace que veamos en esa atemporal crea ción, vínculos con el pasado, con el pre sente y con el futuro, en lo que respecta al motivo, su tratamiento y su técnica. E ine vitablemente, al conjunto formal que esta blece, mediante el que crea el lenguaje del humanista e innovador creador que es.‡

Carlos Aguirre aguirrerca@hotmail.com Calle 22F, 37-29 Edificio C3, apart 702. Bogotá D.C. Colombia

ÁNGELES, Mario José. Artista plástico nacido en Santo Domingo, República Dominicana. En 1982 inicia estudios en Arquitectura, para, a los tres años y medio de estudiar esta licenciatura, dedicarse por entero a las artes plásticas, comenzando una intensa forma ción pictórica. Estudia Dibujo Básico con el Profesor Do mingo Liz y Roberto Flores, pintura con los maestros Guillo Pérez y José Félix Moya, y Conservación y Usos de Ma teriales de las Obras de Arte con el profesor John Padovani. En el año 2000 comienza estudios de Escultura en la Aca demia de Bellas Artes Jean Jacques Belliard, en Bruselas,

Bélgica. Ha realizado gran número de exposiciones, en un prin cipio en Ecuador y República Dominicana y posteriormen te, en su mayoría, en Europa, llevando su obra por Bélgica, España y Francia, y llegando hasta Beirut y Líbano, para formar parte del Salón "Coup de Coeur" en el Museo de la UNESCO. Ha recibido los reconocimientos de instituciones y gale rías como el Instituto Dominico Americano, la Galería de Arte Guillo Pérez, el Consejo Nacional para la Niñez (CONANI), todos ellos en la República Dominicana, ade más de la Ilustre Alcaldía de Guayaquil, Ecuador y del Pacours des Artistes de St. Gilles, Bruselas. El particular alfabeto de signos con el que Mario José con forma su obra, ha sido objeto de atención y de comentarios

Mario José Angeles (Rep. Dominicana. Agreg. Cult. en Ginebra) mariojoseangeles@hotmail.com 8 square de l'Europe 1150 Bruxelles . Rep. Dominicana C/ Madame Curie, Cond. Vizcaya c-4-1 Sto. Domingo (Rep. Dominicana) T. 1-809 381 0846

de importantes críticos, como es el caso de Marianne de Toletino, Vicepresidente de la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA), quien se refirió a él como "un artista dominicano del siglo XXI que rescribe las figuras rituales incisas o pintadas por artistas taínos anónimos del tiempo perdido y reencontrado". A este alfabe to de tintes primitivos, Mario José añade sus propios iconos, como el paraguas, que toma carácter simbólico, al ser conjugado con el resto de elementos. Su obra pictórica, en técnicas mixtas, goza de un cuidado acabado sobre el que se distribuyen incisos los moti vos, dando lugar a juegos texturales en los que no escatima en colorido, aplicado con la rapidez e intensidad del graffiti. Mario José cuenta, también, con obra fotográfica y escultórica. En estas nuevamente se observa ese gusto por rescatar toscas for mas de carácter totémico, de las que rescata ese carácter de modernidad latente, en su esquematismo abstracto.‡

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ARMAS Ponce, Enrico. Artista plástico nacido en Caracas, Venezuela, en 1957. La mayor parte de su formación la recibe en Francia, donde estudia Escultura y Grabado en la Escuela de Artes Decorativas de Niza y en la Escuela de Artes Decorativas de París, siendo becado en Artes Gráficas por el gobierno francés. También en París asistirá a los talleres impartidos por los artistas Etienne Martín y Carlos Cruz Diez. En su ciudad natal, Caracas, estudiará en el Instituto de Diseño Neumann, concurrirá a los talleres de Antonio Lazo, Alirio Palacios, Edgar Sánchez, Luisa Palacios, Manuel Espinoza y Luisa Richter. Actualmente es miembro directivo de la asociación Vene z olana de Artistas Plásticos, (AVAP), del taller de Artistas Gráficos Asociados (TAGA) y del Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz Diez, de Caracas. Muy reconocido en Venezuela, trabaja como artista exclusivo para la Galería Medicci. Escultor y pintor, ha mostrado su obra en numerosas oca siones y lugares, como, Venezuela, Colombia, Cuba, Espa ña, Francia y Estados Unidos, obteniendo siempre elogios

y aceptación para su obra escultórica o pictórica. La creación de Enrico Armas actualmente, y desde 1992, está enfocada hacia la pintura, en la que hace gala de un estilo personal y homogéneo, que lo hacen fácilmente identificable. Gusta de mezclar el color, investigar con sus posibilida des, fundirlo, crear gamas cromáticas que parten de un color y se convierten a lo largo de su desarrollo en otro, extendién dose como un fondo pictórico sobre el que Enrico coloca esquematizados elementos hacia los que cae la atención, caballos, árboles, letras, manchas geométricas que constru yen la composición como las piezas de un mecano. Y colorido. Azules, amarillos, naranjas, rojo, y rojo y rojo... Una pintura de gran valor plástico, que se modela con la pincelada, sobre la que también incide y dibuja, graba, hasta que va tomando cuerpo, más allá de los límites geo gráficos del lienzo, que queda sumergido en este mar de color, como si nunca hubiese existido.‡

Enrico Armas Ponce enricoarmas@hotmail.com Av. Tuy con Calle Ocumare . Quinta Lejarazu, Colinas de Bello Monte (Municipio Baruta) Caracas 1041, Venezuela

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ARRICIVITA, Inmaculada. Pintora española natural de Mélida, Navarra. La vida de Inmaculada Arricivita viene marcada por su vocación por la enfermería, estudios que cursará en Zarago za y que más tarde la llevarán hasta Madrid para ejercer su profesión. Así obtendrá una beca profesional gracias a la que pasará tres años en Argentina, la que considera su segunda patria, recorriendo el país hasta establecerse en Buenos Aires. Su formación pictórica es autodidacta. Así es como ha desarrollado su propia técnica, a base de empeño e investigación personal, con la que elabora su obra. Inmaculada pinta a base de técnicas mixtas y pintura al agua, principalmente sobre seda y papel. Cuenta con importantes premios entre los que podemos mencionar algunos de los muchos recibidos en Italia, como el Delfín de Oro 1999 en el IV Gran Premio por el Arte de Roma o el Primer Premio Selección de la Crítica en la I Muestra Internacional de Pintura Contemporánea de Rímini, Florencia, y también en Argentina, el Primer Premio de Pin tura en Técnicas Mixtas "Diógenes Taborda" del VI Salón Mercosur Internacional de Buenos Aires, en el 2001. Sus numerosas exposiciones han mostrado su obra por toda Italia, Francia y España, y forma parte de colecciones públicas y privadas no sólo de estos, sino también de Gran Bretaña, Egipto, Finlandia, Bélgica, Turquía y Estados Unidos. La pintura de Inmaculada Arricivita es un magnífico exponente de la abstracción. Su personal uso del color, sus combinaciones y mezclas parecen surgir de la inmersión del lienzo en una insondable laguna multicolor. No faltan grandes contrastes lumínicos que contribuyen a resaltar las creativas e imaginativas escenas que Inmaculada nos ofrece, como paisajes de un universo de ensoñadora atmósfera. Luz y color recogen todo el protagonismo, se deslizan, se mezclan, se funden, se empapan en sí mismos y dan lugar a complejas composiciones de gran viveza donde el agua, sin ser representada ni dejarse ver, es una constante. Esa sensación de humedad colma la composición y hace que parezca fluir ante nuestros ojos, por medio de unas evocadoras formas líquidas que invitan al espectador a nadar en ellas, a dejar teñir su espíritu.‡

Inmaculada Arricivita Plaza San Francisco 12 - 3 Dcha. (50006) Zaragoza España

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ASTORGA Ruiz, Javier. Escultor nacido en la ciudad de Méjico en 1964. Licenciado en arquitectura por la Universidad Iberoame ricana de Ciudad de Méjico, se especializó más tarde en la Universidad Central de Los Ángeles (UCLA), California Estados Unidos. En su labor como docente, ha impartido cátedras de escultura urbana, así como conferencias sobre escultura y la interacción de esta manifestación artística en el contexto urbano contemporáneo en distintas universidades de Méji co y del extranjero. Ha realizado más de cuarenta exposiciones individuales y colectivas en Méjico, ciudad en la que también cuenta con obra pública, y otras tantas muestras en el extranjero, en países como Francia, Noruega, España y China, para los que también ha realizado obra pública, entre los que pode mos destacar China, para el que realizó la escultura "Song of Spring Time", patrocinada por el gobierno de Chang Chun, durante el Simposio Internacional de Escultura Urbana, y las esculturas de Beijing "Horse of the Wind" y "Urban Tótem". Este mismo año, 2003, el gobierno munici pal de Fou-Zhou en China, le invitó de nuevo a realizar una escultura pública. También en Noruega cuenta con la obra pública "El Rey", expuesta de manera permanente frente al edificio de gobierno de la Comuna de Jorpeland. La obra de Javier Astorga se engloba formalmente en la abstracción, en la que prima el juego de la curva y la orga nicidad en ocasiones contrastada con planos más lineales que compaginan un ambiente compensado y lleno de con trastes. Se decanta por el trabajo en metal, material al que sus estudiados volúmenes dotan de gran plasticidad. Sus esculturas públicas, como buen conocedor de la teoría del espacio urbano, tienen la propiedad de integrase como un elemento intrínseco del entorno, sin romper en ningún caso la estabilidad espacial. En ese estudiado equi librio, sin embargo, sus obras no pueden evitar su protago nismo, en lo que respecta a la armonía que crean y a su propio valor, que inevitablemente hacen que la atención se centre sobre ellas, como la obra de arte que son.‡

Javier Astorga Ruiz jastoruiz@mexico.com Pedro Ramirez del Castillo n. 59 Bº de Sn. Pedro- Xochimilco.- Mexico D.F., CP16090 Mexico

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AZOFEIFA, Rafael. Pintor nacido en Costa Rica, en 1971. Su formación artística se centra en los estudios de Diseño Gráfico, conocimientos que han influido en buena parte de su obra, contribuyendo a la formación de su estilo perso nal. Así mismo, Rafael también ha recibido formación pictóri ca en diversas Escuelas de Arte, entre las que se incluye la Casa del Artista. Su viaje a Chile en 1985 será decisivo a la hora de estable cer su carrera artística, integrándose en el ambiente artístico del país, y realizando estudios de Bellas artes junto a recono cidos artistas locales, perfeccionándose y estableciéndose como una destacable figura en el panorama chileno. De ese modo, inicia una fructífera relación con la galería Borde Río, en la que expone en exclusiva entre 1991 y 1995. A su regreso a Costa Rica, en 1996, funda su propia empresa de Diseño Gráfico e Internet, obteniendo el reco nocimiento de la revista Newsweek, CNN y de distintos diarios y televisiones nacionales e internacionales. Ha realizado numerosas exposiciones colectivas e indivi duales entre 1991 a la actualidad, en las que su obra ha recibido elogios como los que le ha dedicado Fernando Bettancourt "el raciocinio y el prestigioso trabajo de años como diseñador gráfico salen a flote como una larva que duerme y espera, y despierta sin quererlo, por el sol o por la estación del año". La obra de Rafael Azofeifa encierra no sólo influencias de su relación profesional con el diseño gráfico, sino que el artistas deja de manifiesto que domina la pintura y que , al igual que el teclado, el pincel no encierra secretos para él. Así crea, compone, dibuja, dando lugar a obras donde la imagen es un fantasma que se filtra en el lienzo, a través del color, con el que elabora sugerentes atmósferas que nacen de este, de su pincelada y de su juego de fundidos, de las cromáticas brumas que lo colman. Rafael nos presenta su personalidad a través de su obra, su talento y su empeño por crear y expresarse, de ir más allá de

Rafael Azofeifa www.azofeifa.com

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AZUAJE, Eduardo. Pintor nacido en 1968 en Pariguán, Estado Anzoátegui, Venezuela. Estudia en la Escuela de Artes Visuales "Cristóbal Rojas" de Caracas, Venezuela, al tiempo que va desarrollando su interés por la pintura, volcando su talento en una investiga ción personal acerca de las diferentes técnicas y posibilida des, dando lugar a una completa obra que comienza a formar parte más de diez años de sucesivas exposiciones que dan comienzo en 1990 con varias muestras colectivas, realizando en 1991 su primera exposición individual bajo, el título "Reflejos Indígenas", en la Galería 125 de Caracas. Poco a poco, su obra recorrerá Venezuela, a medida que este artista se va consolidando, y llegará hasta Brasil, Fran cia y Estados Unidos. Entre los premios y recompensas que Eduardo Azuaje ha recibido, podemos destacar la Mención Especial en el Sa lón Municipal de Caracas, y el Premio Especial Armando

Reverón para un Artista Joven, también en Caracas. La obra de este artista es evocadoramente simbo lista, tanto en el tratamiento que otorga a la pintura como en los motivos que representa y que pueblan sus cuadros, sombríos y a la deriva en un mar de sensaciones quizás soñolientas o tal vez perdidas en las brumosas lagunas de la memoria. Eduardo Azuaje posee un manejo de la pintura suel to y trabajado, de quien sabe lo que hace y conoce el camino al que quiere dirigirnos. Sus fondos podrían ser por sí mismos la propia obra, por la calidad con la que son realizados, mezclando el color, fundiéndolo y creando uniformidad en la textura... pero la aparición del motivo central aporta riqueza lumínica, introduce modeladas sombras que contribuyen al onírico realismo de la escena, invitán donos a un recorrido por la atmósfera del sentimiento, a veces nublada y otras serena, pero siempre de la mano de una pintura bien realizada y sumamente

Eduardo Azuaje Galería Millenium (Venezuela) gonzalomontero@supercable.net.ve Av. Luis de Camoens Ctro. Clover . (1081) Caracas, (Venezuela)

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BALAGURA, Saúl. Pintor nacido en Cali, Colombia, en 1943. Médico por la Universidad del Valle, Doctor en Psicolo gía por la Universidad de Princeton y Neurocirujano por el Albert Einstein Medical Center, Saúl Balagura da rienda suelta a su afición por la pintura en 1994, desde su estudio en Tesuque, Nuevo Méjico. Dividido entre la ciencia y el arte, Saúl también escribe poemas, con los que explica sus pinturas, formando ambos, pintura y poema, un tándem inseparable a la hora de acercarnos al universo artístico de Balagura. Se reconoce influido por Oswaldo Guayasamín, Willem de Kooning y El Greco. Entre las numerosas exposiciones de las que su obra ha formado parte, cabe destacar la muestra "Pinturas y Poe mas sobre el Holocausto" expuesta en los distintos museos sobre el holocausto de estados Unidos, entre los que pode mos mencionar el Museo del Holocausto de Florida, mu seo que editó un catalogo recogiendo la importante labor de este artista, "Clinging to Humanity: In Search o Hope", un canto a la libertad humana desde el expresionismo de la obra de este creador, donde cada pintura es acompaña da de un poema. La obra de Saúl Balagura es directa, expresiva y colorista, a veces dura, sin remilgos. Hace uso de los valores de la obra de arte como reivindicación, testimonio del pueblo, como documento que narra la verdad, que delata la injusticia, y lucha por el ser humano. Y para eso es objeti vo, no enmascara la tragedia: la delata, la lleva a sus cua dros y la transforma en colores vibrantes, agresivos, de pincelada violenta con la que narra el caos, en la que des carga su ira. Cuerpos que sufren, vencidos, fantasmas creados sobre lo que un día fueron cuerpos llenos de vida, mensajes crudos, el color de la muerte que todo lo entinta, que se derrama por el lienzo sin que nadie lo frene, con el dominio del pincel, la destreza y las ganas de crear que este artista posee. Su obra ataca al sentimiento, lo conmueve, lo revuelve para hacerlo reaccionar, manifestando así como el arte es capaz de provocar herir la sensibilidad para al mismo tiem po sensibilizarla.‡

Saúl Balagura saulbala@cybermesa.com P.O.Box 508, 35 Camino Sabio (Los Caminitos) Tesuque (New Mexico) 87574, USA.

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BARCONS, Anna Mª. Pintora catalana nacida en Ripollet provincia de Barcelo na, España, en 1941. Se forma artísticamente cursando estudios de Arte y Pintu ra al Óleo con el profesor Víctor Esteban Ripaux, pero sin duda su experiencia artística reside en los más de treinta y cuatro años que se ha dedicado a pintar al óleo, a investigar en sus posibilidades y a dominar esta técnica pictórica en las variantes de retrato al natural, composiciones y paisajes. Además de impartir clases particulares en su estudio de La Llagosta, Barcelona, también es maestra de pintura su casa del mismo Pueblo y en la Escuela de Pintura Toranto de Barcelona. Cofundadora y miembro de la Asociación "Grup Crea" de artistas plásticos vinculados a Mollet del Vallés, es también socia de la Asociación de Artistas Plásticos de Cerdanyola del Vallés. En su extensa trayectoria pictórica ha realizado numero sas exposiciones en toda Cataluña, en las que ha cosecha do merecidos premios, así como en Argentina, Italia y Estados Unidos, concretamente en Miami, como partici pante en el Homenaje a Frida Kahlo, y en la exposición "Catalonia Mediterrània", ambas muestras en el año 2002. Cuenta con obras permanentes en instituciones públicas como el Ayuntamiento de Canet de Mar, el Instituto del Cinema Català de Barcelona, o el Archivo Municipal del Ayuntamiento de la Llagosta, y otro gran número de obras Ana María Barcons mariangels.domenech@nike.com Escoles 40, La Llagosta 08120 Barcelona (España)

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en colecciones particulares. El crítico de Arte Ramón Casalé, miembro de la Asocia ción Internacional de Críticos de Arte, resumió la obra a Anna Barcons como "sinónimo de sentimientos, de emo ciones y de intimidades, y cada espectador que no conoz ca su trabajo podrá descubrirla, y el que ya la conoce, se emocionará igualmente". La obra de Anna Barcons se adscribe al realismo, pero no se estanca en él, de vez en cuando suelta las riendas de su pincel y deja que se adentre por los caminos del surrealis mo. Y entonces, de su cuidada pincelada y de su antigua amistad con el óleo, surgen composiciones mágicas, seres que salen de la fantasía y posan para esta artista. Magia que también flota en sus paisajes, en sus cielos y sus mares, en todo el ambiente que recrea y que reside en un tratamiento del color personal e inimitable. ‡

BASOLA, Carlota. Pintora argentina, nacida en Buenos Aires en 1945. Con una amplia formación pictórica, a base de trabajo e investigación, patente en su pintura, Carlota Basola es fun dadora del grupo de artistas plásticos "Tendencia", con el que ha organizado cinco Bienales de Pintura, Dibujo y Grabado en el Centro Universitario de Villa Ballester. En 1997 fue nominada Artista Representativa de la Muni cipalidad General de San Martín, por la exposición itine rante con la que su obra recorrió las distintas municipalida des de Buenos Aires. Su obra ha sido expuesta en numerosas ocasiones desde 1987, en exposiciones municipales, provinciales, naciona les e internacionales, así como ferias, entre las destacan Arte BA 95 Recoleta, en Buenos Aires, la feria Internacional Libramont de Bélgica o la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Firenze, Italia. Entre los merecidos premios y reconocimientos que esta artista ha obtenido, podemos mencionar los primeros pre mios obtenidos en el Círculo de Periodistas Gral. San Mar tín "Cuna de la Traición" con el Grupo Tendencias, en 1993, en el Salón de la Casa de La Pampa, en 1994 o en el Salón Nueva Figuración, entre un gran número de premios y menciones que suman cerca de cuarenta. Su obra forma parte de importantes colecciones e institu ciones en Argentina, Lituania, Estados Unidos, España y Grecia. La obra de Carlota Basola, en su mayoría confeccionada a base de óleo sobre lienzo, remite a una abstracción de planteamientos figurativos, en la que, al margen del tema a tratar, destaca su pincelada suelta y atrevida con la que modela las formas, aportando dinamismo a la composición. Los colores son trabajados, fundidos, dando lugar a un aca bado oscuro, envejecido, pero ágil, temática y compositiva mente. Sus gamas marrones, rojizas, cálidas y apagadas, saben muy bien contrastar con azules, o verdes, y recortarse sobre fondos discretos y estudiados que aportan la profun didad de un horizonte lejano. Pura mancha que en su liber tad, tiene a bien organizarse para formar escenas, aparente mente improvisadas, pero indudablemente meditadas.‡

Carlota Basola Corrientes 1501 Villa Ballester (1653) Buenos Aires Fax: 54 11 4768-4584 Argentina

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BELLO, Graciela. Pintora argentina nacida en 1957. Su inclinación por el arte viene desde su infancia, conti nuando en su juventud para llevarla a formarse, al tiempo que estudiaba Letras en la Universidad, en Dibujo, Pintura y Grabado con Julio Muñeza. Esta formación se hará cada vez más intensa, y durante diez años, Graciela se forma tanto práctica como teórica mente, realizando cursos de Aerografía, Historia del Arte y Fotografía, asistiendo además a diversos talleres. Sus conocimientos la llevarán a trabajar como creadora de diseños y estampados textiles, y ejercerá la docencia impartiendo talleres de Plástica para niveles infantil y adul to. A partir de 1992 inicia una larga carrera expositiva que lleva su obra a más de ciento veinte exposiciones en su país y fuera de éste, siendo mostrada en Uruguay, Brasil, Italia, Suiza, España, Perú y Estados Unidos. Ha sido reconocida con variados premios como el Primer Premio del Centro Cultural Catedral, el Primer Premio "Salón Aniversario" de la Galería Núcleo Arte, el Primer Pre mio "Arte Naïf Argentino" de Madrid, España, entre otros muchos. Aparece también en múltiples publicaciones, prin cipalmente relacionadas con el arte argentino y el arte Ingenuo, y ha donado la edición de tarjetas de sus obras a favor de entidades benéficas. Afirmando "experimentar entre lo lúdico y lo mágico", la obra de Graciela Bello adopta la estética naïf para tomarse las concesiones de jugar con el puro cuento de hadas, el mundo de la infancia, de los sueños y trasladarlos al lienzo en una regresión hacia la inocencia. Poseedora de una técnica depurada y de una absoluta decisión en lo que quiere mostrarnos, nos envuelve con estrelladas estelas en un universo en el que todo es posible, pero que a la vez, en su aparente ingenuidad, sabe ser crí tico. Recrea el onirismo a base de inquietantes fondos que son iluminados, en su oscuridad, con haces de luz, esparcidos a modo de texturas que introducen luminosidad y aportan magia, resaltando el contenido de la escena, que a menudo nace del claroscuro, como una dulce aparición. Enigmáti cas mujeres que miran directamente al espectador, que aúnan el retrato dieciochesco y la ilustración de cuentos, modeladas con la cuidada pincelada de una artista que no Graciela Bello gbello@arnet.com.ar Sucre 2099 Piso 1º A (1428) Capital Federal, Argentina

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BENAIM, Ricardo. Pintor nacido en 1949 en Caracas, Venezuela. Su formación artística tiene lugar a partir de 1972, cuando ingresa en el instituto de Diseño Fundación Neumann, de Caracas, para estudiar Diseño. Más tarde, en 1980 estudia Técnicas de Grabado en el Atelier 63 de París, Francia, concluyendo estos estudios en 1983. En ese momento ya inicia su trayectoria expositiva: en 1982 realiza su primera muestra en Caracas, y un año después su obra se expone en La Petite Seine de París. En 1986 llega hasta Japón para mostrar su obra en la Christie´s Contemporany Art Gallery de Tokio. Igualmente sus exposi ciones se sucederán por todo Estados Unidos, además de Venezuela, Puerto Rico, Bogotá, Argentina, Italia, Cuba, Ecuador, Brasil, donde en todo momento encontrará acep tación y elogios para su obra. A medida que Ricardo Benaim ha ido avanzando y cono ciendo de manera más profunda las técnicas pictóricas, se ha ido también descubriendo a sí mismo. Es por esto que su pintura ha sufrido evidentes cambios con el paso del tiem po, tendiendo cada vez en mayor medida hacia la sintetiza ción de la forma, en un intento de alcanzar no tanto su forma exterior como su esencia interior. La base de su crea ción, explicada por él mismo, reside en "la repetición de la misma forma, con diferentes tintas, pigmentos, ceras, óleos, relacionándola una y cien veces como un mantra hasta dejar que esa forma pintada y repintada llegue a interio rizarse en el alma. Luego esa forma es expresada en la tela de una manera orgánica, intuitiva y cercana a su esencia". Es por eso que lo figurativo en la obra de este artista se pierde en un sfumato de pintura que apenas esboza una sombra lejana de algo que fue y de lo que sólo nos ha que dado el rastro. Su técnica es ágil, domina el pincel y hace uso de una paleta centrada en un juego de grises que saben fundirse con marrones y verdosos, muy ligeramente, mediante el juego de texturas que dan lugar a los sombreados y a la ten sión de esa imagen latente que parece querer jugar con el espectador, susurrarle, hacer notar su presencia, para luego escapar entre sus dedos, sin dejarse capturar. ‡

Ricardo Benaim Galería Millenium (Venezuela) Av. Luis de Camoens Ctro. Clover (1081) Caracas, Venezuela

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BIGATTI, Alfredo. Artista plástico nacido en Buenos Aires, Argentina, en 1898 y fallecido en 1964. Con tan sólo once años comienza a recibir formación artística en Dibujo y Modelado, en la "Unione Benevolen za", en la Academia "Salvador Rosa" de Tobías Palese y en la Sociedad Estimulo de Bellas Artes, Buenos Aires. En 1915 inicia los estudios de profesor en la Escuela Nacional de Bellas Artes, titulándose en 1918. En 1923, tras haber ganado dos premios nacionales, viaja a Europa, recorriendo Inglaterra, Italia y Francia, donde estudiará con Antoine Bourdelle en “La Grande Chaumiere”. Comienza ahora un imparable periodo creativo en el que se suceden continuos e importantes premios. En 1926 reci be el Primer Premio Nacional y el Segundo Premio Munici pal del Salón Nacional de Bellas Artes. Dos años más tarde será nombrado profesor de dibujo en la Escuela Industrial de la Nación y en la Escuela Nacional de Bellas Artes, mientras su creación no para de aumentar. Tras obtener el Gran Premio Municipal de Escultura en el XV Salón de Rosario, viaja por segunda vez a Europa, Visitando Francia, Italia, Grecia, España. Bélgica, Holanda e Inglaterra. En 1932 funda, junto a la que será su esposa en 1936, Raquel Forner, y con Alfredo Guttero y Pedro Domínguez Neira, los Cursos Libres de Arte Plástico, donde ejerce como docente. Al mismo tiempo seguirá cosechando éxitos hasta obtener el Gran Premio de Escultura en la Exposición Internacional de París de 1937, Exposición para la que eje cuta un relieve para el Pabellón de su país. En 1941 es designado presidente de la sociedad Argentina de Artistas Plásticos, y ese mismo año se publica la primera monografía sobre este artista. Al año siguiente comienza a trabajar en el proyecto del Monumento a la Bandera, de Rosar io, inaugurado en 1957. La extensa obra de este artista no cesará de recibir reco nocimientos, hasta el día de su fallecimiento, el 25 de Mar zo de 1964 y póstumamente, por medio de sentidos home najes a este maestro que trabajó el bronce, el relieve, la piedra, la escultura funeraria..., dando vida a una creación única, en la que quedó encarnada su genialidad para que formase merecida parte de la Historia del Arte. ‡

Alfredo Bigatti (Fundación - Argentina) casa@forner.bigatti.com.ar Bethlen 443m, Buenos Aires (Argentina)

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BLAZQUEZ, Francisca. Artista plástica nacida en 1966 en Madrid, España. Ingresó en la Facultad de Bellas Artes de Madrid, perma neciendo en ella entre 1981 y 1983, y posteriormente con tinuó sus estudios en el Estudio Arjona, también en Madrid, en el que también ha disfrutado de becas de formación artística en diferentes técnicas pictóricas. Igualmente, ha realizado diferentes cursos intensivos sobre arte: de Pintura, con Dña Maria Luisa Esteban, cursos intensivos en París, en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, en el Estudio Kassel Documenta, de Arte Contemporáneo con John Armleder, y de Imagen en 3D con Joaquín Carni cer. Francisca Blázquez, además de sus creaciones pictóricas, realiza animación artística, fotografías digitales y distintas producciones en medios electrónicos. Ha realizado numerosas exposiciones de pintura, escul tura, instalaciones, etcétera, en su país y fuera de este, en Suiza, Colombia y Japón. Muchas de sus obras se encuen tran en colecciones privadas en España, Francia, Suiza, Alemania, Colombia y Estados Unidos. Distintos críticos y demás entendidos han reparado en esta artista multidisciplinar, y así podemos citar, por ejem plo, a Javier Aiguabella, Conservador del Museo Marugame Hirai de Japón, quien se pronunció "cuando sus lienzos "cantan" y juega con sus formas esenciales, contenidas, aquello es chispa. Cuando necesita expresar algo más serio, su arrebato se desborda con la misma facilidad; y aquello es un volcán andino auténtico". La pintura de Francisca Blázquez es mancha de color, color bruto, tratado en toda su pureza, plano y directo. Sus formas abstractas, impregnadas de geometrismo y a grandes tamaños, casi intimidan por su arrojo y decisión. Y a un tiempo, contiene perspectiva, enunciada por medio de la composición, de la disposición de los distintos planos de color, sin duda resultado del conocimiento, y sobre todo del trabajo, de la seguridad en su obra rotunda y arriesgada. Un estilo de gran personalidad y fuerza; una obra sincera mediante la que Francisca transmite su energía, la expulsa y hace que la retengamos, que no quedemos impasibles, que nos llevemos algo de sí misma.‡

Francisca Blázquez franciscablazque@eresmas.com Avenida Ciudad de Barcelona 31, 5 Izq. 28007 Madrid España

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BOFFI, Alicia. Artista argentina nacida en Buenos Aires en 1956. Desde un inicio, su formación ha estado vinculada a reconocidos maestros y al taller. Así, ha estudiado Paisaje con Marcos Borio, Acuarela con Lola Frexas, Retrato con Washington Rivière y Dibujo y Acuarela junto a Ernesto Pesce. El estudio al lado de maestros, la investigación y el trabajo personal, serán los que hagan que Alicia Boffi se incline, hasta manejar con la soltura de la que hace gala, al paisaje. A partir de 1995, ella misma optará por la docencia, en primer lugar a cargo del Taller de Paisaje en la Fundación Casa de Palermo, y posteriormente, desde 1999, colaboran do como profesora en el taller de su propio maestro, Marcos Borio. Ha realizado numerosas exposiciones en Argentina y también en Italia, país donde también su obra ha tenido reconocido éxito. Entre los premios que ha recibido podemos destacar el Segundo Premio en el "Salón 75 Aniversario" del Club Uni versitario de Buenos Aires, el Premio "Italia Per L´Arte", en

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la Vetrina Degli Artisti Latinoamericani, Florencia, Italia, o el Tercer Premio "Helikonides" de la Fundación Kalíope, en Buenos Aires. La obra de Alicia Boffi es de gran realismo. Elige prin cipalmente el acrílico, técnica que domina y con la que sabe sacar la mejor parte de la naturaleza para plasmarla en sus cuadros. Así de sus pinceles surge una pintura ágil y sensitiva con la que recrea los colores del paisaje y sus efectos, las diferentes tonalidades de las estaciones, los anaranjados otoños, los ríos de frías aguas azules. Ofrece cabida a la figura humana, al animal domésti co, aunque de manera discreta, como una parte más del todo. Recoge su presencia en las construcciones rurales, los tranquilos pórticos de las casas, los caminos, trata dos como elementos que se integran en el entorno, y que hablan de una vida tranquila en contacto con la Alicia Boffi alicia.boffi@arnet.com.ar Bulnes 1973 piso 6, Dto. A. 1425 Buenos Aires Argentina

BOSCÁN, Nelson. Pintor nacido en Caracas, Venezuela, en 1951. Su formación artística da comienzo en 1970, con la realización de un Curso Libre de Escultura, Pintura y Dibujo en la Escuela Cristóbal Rojas, de dos años de duración. Ya anteriormente, en 1965, se había sentido inclinado por la fotografía, reali zando actividad como fotógrafo. Tam bién ha trabajado como Técnico en Micro, y ejercido la docencia como pro fesor de Educación Artística, de Dibujo y de Estética en el Instituto Pedagógico de Caracas. Así mismo, ha participado como ilustrador para el diario "El Nacional". Su extensa obra ha sido expuesta en numerosas ocasiones, y premiada con la Mención Honorífica del Salón de Dibujo y pintura IPASME en 1994. Nelson Boscán dice "estar convencido de que las obras de arte son producto de la integración del hombre con su univer so (...) por lo que son puntos que se

complementan para describirlo y comprenderlo" de algún modo su obra parte de esta idea de equilibrio, y se mani fiesta así, añadiendo: "hoy tenemos excesiva información y muy poca interiorización de esta(...) Por eso me preocupo por "lo nuevo" hundiéndome en la modificación que el tiempo ha ido haciendo de las imágenes primitivas tratan do de comprender la compleja relación, creación y tiem po". Realiza, ciertamente es un proceso de investigación de la imagen, tomando principalmente el caballo como elemen to. Retrocede en el tiempo hasta la prehistoria, se recrea en la Edad Media y sus fantasías caballerescas, avanza hasta la mayor actualidad descubriendo la invariabilidad y la conexión de la esencia, la verdadera representación, más allá del motivo. Así, aun cuando no trate el tema del ca ballo. Nelson aporta por medio de diferentes técnicas, acaba dosque sugieren atmósferas ensoñadoras, que nos sitúan en algún punto más allá de lo temporal o lo espacial, en la fantasía del puro concepto y el estudio de la forma racio nalizada por medio del simbolismo. De ese modo, Nelson Boscán crea una pintura en la que el espíritu de este animal es el hilo conductor hacia la atemporalidad, y lo hace con un excelente dominio de la forma y de la sencillez del trazo, cubiertos siempre por la pátina del tiempo. ‡

Nelson Boscan Galería Millenium (Venezuela) gonzalomontero@supercable.net.ve Av. Luis de Camoens Ctro. Clover 1081 Caracas (Venezuela)

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BOSCO, Roberto. Pintor argentino nacido en 1939. Su formación artística da comienzo en el Taller Estímulo de Bellas Artes, y en el Taller MEBA (Mutual de Egresados de Bellas Artes), en Buenos Aires, Argentina, en los que se forma en Dibujo. Su formación en Pintura la recibe en el taller del Maestro Urruchúa. En la actualidad ejerce como maestro en un taller de Arte Plástica, Dibujo y Pintura, desde el que imparte distintas técnicas pictóricas. Roberto también se dedica a la elaboración de cerámicas, a las que aplica distintas técnicas, pastas acrílicas y materia les novedosos, así como a la creación de monocopias, me diante la incorporación de la fotografía junto a viejas técni cas de grabado que después pasan por un proceso de laqueado. Mediante este sistema, Roberto Bosco confec ciona libros de imágenes, de colección, numerados y encuadernados artesanalmente, entre los que cabe destacar "Tangos", auspiciado por la Academia Nacional del Tango, donde se encuentra y declarado de Interés Nacional. Ha participado en numerosas muestras individuales y colectivas a nivel nacional, y fuera del país, exponiendo su obra en Chile, Brasil y Estados Unidos, donde podemos des tacar tres recientes exposiciones, en 1998, 1999 y 2001, en la Euroamerica Gallery de Nueva York. De igual modo su obra forma parte gran número de colecciones privadas en Argentina, Bolovia, Chile, Venezuela, Estados Unidos y Bra sil. La obra pictórica de Roberto Bosco, en su mayoría reali zada a base de óleo y de carácter figurativo, encierra mucho de su interés personal por el impresionismo, palpa ble principalmente en su pincelada y en el tratamiento del color, así como en la captación del instante, de manera rápida, que da lugar a una pintura suelta y dinámica. Encierra, no obstante, mucho de sentimiento en cada per sonaje, tratados con expresiva teatralidad, viviendo un momento que el artista capta como un espía para llevarlo a su lienzo. Cuadros que parecen tener una historia, o ser momentos sacados de una vida, instantáneas que encierran dentro de sí su propia leyenda, para explicársela al espectador que desee escuchar en la forma, en el color, en el gesto.‡

Roberto Bosco T. 54 11 4432-0890 Bogotá 856 4ºA(1405) Buenos Aires Argentina

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BOSQUE, Marcelo "MARCELLUX". Artista plástico argentino. Marcellux se auto define como "pintor, escultor, hedonis ta y fan de Leonardo Da Vinci. En ese estricto orden". Sus primeros acercamientos al mundo del arte dan comienzo de manera vocacional ya en su infancia, y con tan sólo diez años de edad, realiza esculturas en cerámi ca. Después de cursar el bachillerato estudia Artes Plásticas en la Universidad de Buenos Aires, Argentina, en la que se licencia en 1987, y en la que actualmente ejerce la docen cia. Su extensa obra ha formado parte de múltiples exposicio nes y muestras colectivas e individuales, con las que se ha dado a conocer en Argentina y fuera de este país. Entre las más recientes, podemos mencionar su presencia en la ArtExpo Internacional de Nueva York, en la Galería Ágora Soho de Nueva York, y este mismo año, 2003, en el XXX Aniversario Batik, organizada por el Grupo de Arte Batik en Barcelona, España, y en el gran Festival Internacional de Bellas artes acontecido en la isla de Creta, Grecia, entre otras importantes muestras donde la particular creación de este artista no ha pasado indiferente. La modestia como artista de Marcellux le lleva a conside rarse a sí mismo "sólo una persona que impregna colores sobre el lienzo", sin embargo, Pablo Villar Mariscal, quien atribuye a su obra la influencia de Kandinsky, Man-Ray y Miró, ha definido sus creaciones como "la interacción de la mente con el trabajo artístico". La obra de Marcellux bebe de los manifiestos abstractos de Kandinsky, pero los firma con su propio estilo. La hete rogeneidad de formas que toman presencia en sus creativas composiciones, se mueven en torno a una melodía surgida de la conjugación forma-color. Los racionales trazos evi dencian un intenso ejercicio mental, así como el acabado proviene de un excelente conocedor de las técnicas pictó ricas, de un creador incansable que en cada una de sus producciones deja una parte de sí mismo, para que flote en el ambiente interno del lienzo, como un elemento más.‡

Marcelo Bosque (Marcellux) marcellux@uolsinectis.com.ar España

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BRUNÉS, Josefina. Pintora nacida en 1941, en Barcelona, España. Contando tan sólo trece años de edad, inicia su forma ción artística en la Academia particular de Víctor Esteban Riapuxe, a la que asistirá durante un periodo de cinco años. En 1958 ingresa en la Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos de Barcelona y en 1964 se titula Profe sora de Dibujo por la Escuela Superior de Bellas Artes de Sant Jordi. Al año siguiente, acude a diversos cursos de Esmaltes, Joyería y Cerámica, en la Escuela Massana de Barcelona. De esa manera su vida va dirigiéndose sin mar cha atrás, camino de una imparable trayectoria artística, definida ya en su juventud y que culmina, en 1982, con la Licenciatura de Bellas Artes, en la Universidad de Barcelona. Josefina Brunés condujo durante veinte años su taller de esmaltes al fuego para joyería y decoración. Así mismo, también trabajó de manera particular como retratista, cum pliendo un gran número de encargos, que todavía cultiva y que hace los deleites de la crítica. Actualmente, y desde 1970, es profesora en la Escuela de la Mujer de la Diputación de Barcelona. Dada su amplia trayectoria y sólida formación, es inevitable que cuente en su poder con importantes premios, entre los que destaca mos el Premio "Lorenzo Il Magnífico", 2001 en la Bienal de Arte de Florencia, Italia. La obra de Josefina Brunés se divide principalmente entre los retratos a base de pastel, técnica que trata de manera rigurosa y expresiva y la producción al óleo, al acrílico y gouache con la que traza racionalizados paisajes, vistas y composiciones con amplio protagonismo de la línea y los volúmenes geométricos. Los colores son trata dos en gamas afines, tendiendo hacia la calidez inundada de luz, en ocasiones contrastada con gélidos azules para cielos y mares. La introducción de líneas que cortan la escena es una innovación que introduce dinamismo y movimiento. Josefina tiene un gran dominio de la pincelada, que desen vuelve con gracia y soltura la composición, una pincelada que construye volúmenes y que cuando se lo propone,

Fina Brunés f.brunes@menta.net Avda. Sarria 125,(08017) Barcelona España

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CAPELLINI, Nélida. Artista plástica argentina, nacida en Buenos Aires. Pintora y escultora, se graduó en la Escuela Superior de bellas Artes "Ernesto de la Cárcova". Completa su forma ción asistiendo a distintas cátedras impartidas por los pro fesores Miguel Bengoechea, Miguel Santamaría, Horacio D´Alessandro y Carlos Cañas. Así mismo ha participado en talleres artísticos junto a Anselmo Pícolli, Jorge Mello y Felipe Noe. Sus obras han sido exhibidas en importantes salones, que suman más de sesenta y dos tanto provinciales como nacio nales, en lo que le serán otorgados numerosos premios y menciones. También ha formado parte de múltiples exposi ciones y muestras. Sólo en Argentina ha mostrados su obra en más de treinta y dos, además de las realizadas a nivel internacional, en con las que tanto de forma individual como colectiva, ha recorrido España, Brasil, y Estados Uni dos. Forma parte de variadas publicaciones entre las que des tacan, "Arte Trascendental Argentino del Siglo XX" (1999), "Argentina en el Arte" (2002) y "Catálogo de Maestros & Contemporáneos Loft Espacio Alfa" (2002). Su llamativa obra ha dado lugar a reseñas de diversos críticos, entre los que podemos citar a Silvia Pellegrini, quien comentó acerca de esta artista: "su libertad concep tual es un epílogo de composiciones constructivistas, es fruto de aquellas raíces, pero la originalidad se respira en su obra". Y es que la pintura de Nélida Cappellini no sólo atrae a la vista, sino también al tacto. La textura se convierte casi en tercera dimensión. Partiendo de una construcción domi nada por el geometrismo, introduce eclécticos elementos que parecen brotar del propio lienzo, cargándolo de dina mismo y originalidad, acercándolo casi al relieve. Con una gama de colores cálida, vinculada a la tierra, trabajada con pureza y determinación, conforma el lienzo como un mosaico, a base esquemas cuadrangulares, para después alcanzar el deterioro de la forma por medio de una superposición de elementos que se funden y se con vierten en las entrañas de la obra. Composiciones estudia das y excelente tratamiento de los materiales, que dan lugar a una obra de cuidado acabado en la que los mate riales se someten a la mano creadora y a la mente que los

Nélida Cappellini nellycappe@ciudad.com.ar Callao 1371 . 8ºB 1023 Capital Federal Buenos Aires (Argentina)

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CARUSO, Fernanda. Pintora nacida en 1968 en Olavarría, provincia de Buenos Aires, Argentina. Su formación pictórica da comienzo en 1989, en diversos talleres junto a reputados artistas plásticos como María Delia Barbato, Germán Amiama y Juan José Wlly entre otros. Desde ese momento, inicia una extensa carrera como pin tora en la que no faltan premios, como la Mención en el 2º Parcial del Concurso "I Premio Planeta de Dibujo y Pintura" convocado por la Editorial Planeta, en 1999, en Buenos Aires. Fue también seleccionada en 1999 para la muestra en honor al Vicepresidente de la República Oriental del Uru guay, Don Fernández Fogwil, en la Galería de Arte "Kuns thaus", en el Savoy Hotel de Olavarría. Fernanda Caruso cuenta con una amplia trayectoria expo sitiva, de manera tanto individual como colectiva, que se inicia en 1991 y se desarrolla principalmente en su locali dad natal, en la que cuenta con merecido reconocimiento y aceptación. Ha realizado ilustraciones para los libros "Solamente Silencios" de la poeta Graciela Mónaco, ex presidenta de la Sociedad Argentina de Escritores (S.A.D.E.), y "Entre Espinas y Soles", de la poetisa Graciela de la Vega. Su obra forma parte de colecciones privadas, y de manera pública ha realizado un mural convocada por la Asociación de Periodistas de Olavarría, en el 2001. La obra de Fernanda Caruso se enmarcaría dentro de la corriente de la abstracción, mostrando siempre unas conno taciones muy personales. Destaca su investigación e interés por la textura, que combinada con un cromatismo trabajado, da lugar a composiciones en las que ambos, color y textura, se entremezclan y juegan un papel primordial y de gran simbolismo. Los colores en la obra de esta artista se funden a la perfec ción, valiéndose unos de otros para conformar un todo de equilibrio, donde la luz es introducida sabiamente para ilu minar y dar protagonismo a aquellas zonas que se desean destacar. Con una pincelada suelta y atrevida en la que no hay lugar para las limitaciones, Fernanda Caruso da rienda suelta a su creatividad y nos emociona con una obra rica y bien elabo rada.‡ Fernanda Caruso enzobata@yahoo.com.ar Giovanelli 3020 (7400) Olavarría Provincia de Buenos Aires Argentina

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CASANOVA, Patricia. Pintora nacida en 1955 en Tandil, provincia de Buenos Aires, Argentina. Cuenta con una amplia formación a base de una amplia variedad de cursos y estudios realizados en Buenos Aires. Se gradúa en el Centro Polivalente de Arte, en Tandil asiste a Cursos y Talleres de Dibujo y Pintura en la Escuela Muni cipal de Artes, y de Historia del Arte con la profesora Marta Giachetti. Se forma también en los talleres de los profeso res Mery Perera, Norma Villabona, Jorge Melo, Ponciano Cárdenas y Kazu Takeda, y de nuevo en Tandil, recibe un Curso de Educación para la Creatividad con el profesor Ignacio Crespo. Ha participado en gran número de exposiciones, de las cuales una mayoría se han llevado a cabo en su ciudad natal. Entre los premios y distinciones con los que ha sido galardonada, podemos destacar la Medalla y Diploma obtenidos en el Salón Nacional de Arte Sacro de Tandil, o la también Medalla y Diploma del XVIII Salón Nacional de Artes Plásticas de Azul. Patricia Casanova y su obra no han pasado desapercibi das ante la crítica. Así, Ángeles Unzué crítica de arte y también artista plástica, afirmó, refiriéndose a la variedad de estilos que Patricia conjuga en sus creaciones: "ha bebi do de muchas fuentes... y ha fermentado en su ser íntimo múltiples señales". Las creaciones de Patricia Casanova, ciertamente aúnan una variedad de estilos que hacen posible el suyo propio, caracterizado por el surrealismo y la ensoñación. Una pin tura tratada con sensibilidad en el uso del color, con una suavidad cromática que permite que estos se fundan entre sí por medio de la luz que inunda la composición y hace posible perfectos degradados tonales. Pero existe en su obra el perpetuo contraste entre la suavidad y la agresión, la obsesión por las grietas, por resquebrajar la representa ción, introduciendo profundidad de planos ocultos, nuevas composiciones que aparecen bajo aquellas que se quie bran. Un tejido que llega a tomar connotaciones viscerales, por medio de crudos rojos, por texturas orgánicas, por el dolor carnal que sufre el lienzo, dejando insinuar los pro pios conflictos de la artista camuflados en el estallido colo rista que todo lo envuelve. ‡

Patricia Casanova Mitre 578 Piso 10 B, Tandil Provincia de Buenos Aires Argentina

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CASARAVILLA, Luis. Pintor natural de Montevideo, Uruguay. Inicia su formación el 1954, tomando lecciones privadas en el taller de Miguel A. Pareja, en Uruguay. Posteriormente ingresará en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Monte video, Uruguay, en la que se gradúa. En 1968 acudirá al Corcoran School of Art de Washington, Estados Unidos, y entre 1972 y 1973 formará parte de la Art League de Virgi nia del Norte, Estados Unidos. Sus numerosas exposiciones y muestras dan comienzo en 1970, y se debaten principalmente entre su país, Uru guay y diversas ciudades de los Estados Unidos, destacan do Washington, exponiendo reiteradas ocasiones en el World Bank, concretamente en 1975, 1977 y 1981. Más recientemente, en el año 2001, participó en la Bie nal Internacional de Arte Contemporáneo de Florencia, Italia, donde obtuvo notable éxito. Su obra forma parte de numerosas colecciones privadas a lo largo del mundo. La obra de Luis Casaravilla se ha movido por diferentes fases tales como la abstracción o el surrealismo, hasta la definitiva: el expresionismo abstracto, para advocar, en adelante, sus creaciones a esta corriente, cultivando tam bién el género del retrato. "Casaravilla desarrolla una labor de investigación y de búsqueda que abarca por igual sus estados interiores y pro cedimientos técnicos" afirma, acertadamente, Juan Perdo mo Coll. Lo cierto es que la obra de este artista manifiesta una cui dada labor intelectual presente en la manera de resolver la composición tanto como en el uso del color, que puede ser calculado y geométrico, o bien envolvente, suelto y diná mico. En cualquier caso sus composiciones son complejas y racionales, con una hábil superposición de planos que se debate entre orden y geometrismo. Con una pincelada suelta, que sabe domesticar el color, hermanándolo con la luz, da lugar a una obra homogénea en su estilo, y siempre en continuo avance.‡

Luis Casaravilla (Uuguay - USA) casafynn@comcast.net 8408, Tuxkerman Lane Potomac MD, 20854 Estados Unidos

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CASCARINI, Roberto C. H. Roberto Cascarini nació en Buenos Aires, Argentina en 1985, falleciendo en 1990, tras una intensa vida dedicada a la pintura hasta el último momento. Inició su formación artística en el taller del pintor italiano Pablo Parisi, ingresando posteriormente en la Academia Nacional de Bellas Artes, donde recibió clases de Alberto M. Rossi, Reinaldo Giúdice y Carlos Ripamonte. Titulado profesor de Bellas Artes en 1916, continuaría su formación artística con maestros como Cesáreo Bernaldo de Quirós, entre otros. Participó en numerosas exposiciones, más de 200, y salo nes, en los que obtuvo merecido éxito, destacando el Salón Nacional de 1939, en el que su obra presentada, "Roman ce", llamó la atención del Ministro de Instrucción Pública, quien, al observar su talento, lo recomendó como profesor de Dibujo y Pintura de la Escuela Superior de Artes Plásti cas de la Universidad Nacional de Cuyo, lo que hizo que se trasladase a Mendoza junto con su familia. Fué galardonado con gran número de premios, como el Segundo Premio de Pintura del "Salón de Otoño" de la Pla ta en 1924, el Segundo Premio del "Concurso de Afiches", Exposición Nacional del Libro, 1928, el Premio de la Cámara de Diputados del Salón Provincial de Mendoza, 1941 o el Primer Premio de Pintura del Concurso Municipal de Arte de Mendoza, 1949, entre otros. Su obra puede ser admirada en numerosas instituciones y organismos públicos, nacionales y extranjeros, así como en colecciones privadas. En el año 2001 la Universidad de Cuyo publicó un libro para su homenaje, realizado por su hija Silvia y una serie de especialistas. Su obra, de carácter figurativo, asciende a más de mil cuadros, entre los que predomina el uso del óleo, pero también encontramos acuarelas, pasteles, carboncillo, etc. La temática está protagonizada por los paisajes y la figura humana, destacando la temática costumbrista, que narra escenas del trabajo en el campo, con magníficas composiciones tratadas con una técnica muy personal en la pincelada, en el uso del color en gamas muy naturales, y sobre todo en el trabajo de cada detalle. Evolucionó en el tratamiento pictórico, quedando patente en el cada vez mayor dominio de la forma y la técnica, con una pincelada que se va haciendo más suelta, más abocetada, manifes tando que el pincel se ha rendido ante el maestro.‡

Roberto Cascarini robertocascarini@ciudad.com.ar José Fco.Moreno 2238, Mendoza 5500 Argentina

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CASTILLO Arvayo, Ignacio "Natchío". Artista plástico mejicano, Ignacio "Natchío" destaca por su trabajo pictórico y como fotógrafo. Licenciado en Ciencias de la Comunicación por la Uni versidad de Sonora, Méjico, estudió dibujo junto al profe sor Oswaldo Contreras en un curso impartido en la Casa de Cultura de Sonora. También ha realizados cursos y talleres sobre "Tendencias Predominantes en el Arte y la Fotografía Contemporánea, impartido por Abraham Cruz Villegas y sobre Museología. Sus primeros trabajos en el mundo del arte fueron como caricaturista, el suplemento "La Roña" del "Semanario de Acá", labor que continuará el la "Revista Crítica". En relación a su licenciatura, tiene una amplia experien cia en producción de Televisión Educativa, realizando numerosos proyectos y programas infantiles para la Secretaría de Educación y Cultura del Estado de Sonora. En el año 2002 le fue otorgada una Beca por el Fondo Estatal para la Cultura y las Artes de Sonora, de un año de dura ción. Desde el 2003, es profesor del Taller de Fotografía y del Taller de Televisión en la escuela de Comunicación de la Universidad de Sonora. Ha realizado numerosas exposiciones, de caricatura, pintura, fotografía y fotografía periodística, y organizado y coordinado otras tantas para otros artistas. Cuenta con una larga trayectoria de premios, que comienza en 1994, con el Segundo Premio Regional de Periodismo en la categoría de Caricatura, y que continuará con otros como el Primer Premio Estatal de Artes Plásticas 1998 del Instituto Sonorense de Cultura o más reciente mente, en el 2001, el Primer Premio de la Octava Bienal de Artes Plásticas del Noroeste. La obra pictórica de Natchío está dominada por sepias y ocres en todas sus gamas. Esto le proporciona un aspecto antiguo que el artista sabe muy bien aprovechar, junto a su dominio de dibujo, para emular cuando se lo propone, los dibujos anatómicos renacentistas. Pero Natchío no necesita recurrir al pasado para expresarse. Tiene una creación perso nal, de crudos retratos fantasmagóricos y formas desenfoca das, de contrastes lumínicos que aportan dramatismo. Y una pincelada suelta que funde el color y lo envejece. Una obra de carácter homogéneo, de unidad estilística, que pone de manifiesto la calidad pictórica de este creador.‡

Ignacio Castillo Arvayo Natchío Privada Rieti Nº 5 Villa Residencial Bonita, Hermosillo (83280) Sonora, México

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CASTRO, Elena. Pintora nacida en 1938 en la localidad de Chos Malal, aunque residente en Zapala desde 1957, ambas localida des pertenecientes a la provincia de Neuquén, en La Pata gonia Argentina. Comienza su formación artística a una temprana edad, contando tan sólo nueve años, en un colegio religioso. Allí las Hermanas italianas la instruyen estrictamente, enseñán dole las bases del realismo y naturalismo europeos. En 1958 finaliza sus estudios de maestra, e inicia su carre ra docente, a la que se dedicará hasta su jubilación, en 1991. A lo largo de su vida continúa pintando, investigando y realizando cursos de perfeccionamiento, y en 1972 abrirá su primera academia de dibujo y pintura donde imparte clases a niños y adolescentes. Su constante dedicación a la pintura lleva a Elena Castro a en 1987 a inaugurar una larga trayectoria expositiva en su propia ciudad y provincia, recibiendo una calurosa aceptación, realizando también murales tanto en Zapata como en Neuquén. Igualmente, realiza las ilustraciones para el libro de antología poética de Zapala "Zapala, Semilla y Surco". En el año 2000 ocupará el cargo de miembro del Concejo Asesor de Cultura de su ciudad. Pese haber contado con los elogios de diferentes críticos, sus propios testimonios son los que mejor ilustran su obra. "Yo pinto sin presión, pinto porque al hacerlo materializo la pasión por el arte que llevo en el alma y me siento libe rada de algo sublime..." Su pintura es de un asombroso naturalismo, en los colo res, en los trazos, de una exquisitez extrema, patente en cada uno de sus numerosos detalles, en su delicada pince lada, en el primor con el que elabora esas entrañables escenas que retoman el campo y sus trabajos, sus herra mientas, sus animales, sus gentes. Escenas de suma modes tia que nos hablan desde la memoria, desde la humildad, y se recrean en un marco paisajístico de gran belleza. Caminos y campos por los que dejar correr la imaginación, donde respirar el olor de los pinos y sentir el viento en el rostro. "Los cielos de mi querida Patagonia no los he visto en ninguna otra parte...", afirma Elena Castro. Curiosamen te, esos cielos existen en otro lugar: en su pintura.‡

Elena Castro Asmar 19, Zapala (8340) Provincia de Neuquén Argentina

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CASTRO, Telma. Artista nacida en 1948 en Tigre, provincia de Buenos Aires, Argentina. Formada en el arte del grabado, técnica de la que actual mente es profesora nacional, Telma además estudia la licenciatura de Artes Visuales en la Universidad de San Martín, Argentina. Su función como docente le ha permitido investigar per manentemente e ir descubriendo nuevas técnicas de graba do no tóxico con excelentes resultados, así como la elabo ración del propio papel que utiliza como soporte en la gran mayoría de sus obras, elaborado a base de fibras naturales y que ofrece muy buenos acabados. A lo largo de su carrera artística como grabadora, ha par ticipado en numerosas exposiciones, en las que ha obteni do rotundos éxitos traducidos en premios que avalan la calidad de su obra. Entre estos premios podemos mencio nar el Diploma a la Creatividad y la Mención Especial de la Sala de Arte Scheking Argentina, Centro Universal de las Artes, en el año 1993 y 1994 respectivamente, la Mención Especial del Salón Centro Universal de Las Artes en Chubut, en 1995, La Mención Especial de la Asociación Sueca del Centro Universal de las Artes, 1995, o el Primer Premio de Grabado de la Escuela Superior de Bellas Artes "Regina Pacis", en 1997, entre otros. Telma Castro aúna en su obra el grabado tradicional con las nuevas tecnologías, como por ejemplo, la utilización de la sobreimpresión y el grabado Digital, tecnologías que dan lugar a imágenes novedosas, que le permiten avanzar en el tema y ofrecer nuevas composiciones. Haciendo de trazados urbanos, de plantas y de referen cias arquitectónicas, Telma establece una simbología de la colectividad humana, en la que introduce como tema recu rrente el laberinto, con sus connotaciones de camino ini ciático que debemos seguir y descifrar para llegar a nuestra meta. La ciudad y su trazado, en su vista aérea no son más que otro laberinto en el que la humanidad se pierde sin llegar a encontrar el hilo de Ariadna. El mensaje, en todo caso, dentro de su apariencia caótica es esperanzador, de vez en cuando, entre la maraña del caos humano, Telma suelta una paloma y aboga por la paz.‡

Telma Castro telmadetrigre@hotmail.com R. Fernandez 367 (1648) Tigre, Buenos Aires Argentina

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CARRERA, Charo. Artista plástica española, nacida en Herrera de Pisuerga, Palencia, en 1959. Es Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complu tense de Madrid, España. realizando también un curso de "Procesos Fotográficos Aplicados a la técnicas Gráficas" en el Centro Internacional de la Estampa Contemporánea de La Coruña, Galicia, España. Ha mostrado su obra en diferentes exposiciones a lo largo de la geografía española, la cual cuenta con numerosos ejemplares de esta artista, repartidos entre ayuntamientos, fundaciones y universidades en los que puedes ser admira da. Así mismo, cuenta con premios en fotografía y pintura, como el Primer y Segundo Premio en el VI y V Certamen de Fotografía Joven Politur de Madrid, el Segundo Premio del I Certamen de Pintura de la Mutualidad General Judicial de Madrid, y más recientemente, la Mención de Honor en el VII Certamen UNIPUBLIC de Madrid. También le han sido con cedidas Becas como la Beca Valdearte, en la provincia de Orense, Galicia, o la Beca de la Fundación Valparaíso en Mojácar, Almería. Además de formar parte del "Diccionario de Pintores y Escultores Españoles del Siglo XX", a aparecido en varias de las más importantes publicaciones del país, como en el "ABC Cultural", "El País de las Tentaciones" o "La Voz de Ga licia", y ha recibido críticas como la de Juan Antonio Tinte, para "El Punto de las Artes", quien afirma que su obra "argu menta el mundo de las relaciones y enfrentamientos desde el renglón de la vida misma". La obra de Charo Carrera refleja en gran medida el interés de esta artista por la fotografía, traspasando sus imágenes al lienzo para desarrollar un alfabeto propio plagado de símbo los. Sus cuadros profundizan en la imagen humana, en el gesto, en la dificultad del alma encerrada en un cuerpo. Un cuerpo que se esconde y se protege, huye de sí mismo para encerrarse, literalmente, en el caparazón, para cubrirse, afe rrándose a todo aquello que tiene cerca de sí como la mejor de las armaduras. Armadura también del alma, que se prote ge de la soledad. Esta artista ofrece una creación novedosa que investiga en las posibilidades de la imagen, y que ahonda en la misma, para provocar al espectador y llevarle a la reflexión y análisis de sus propios complejos, sus angustias.‡

Charo Carrera www.gratisweb.com/charo_carrera C/ Arroyo 24. 4ºD 28029 Madrid España

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CAYMES, Elsa. Pintora argentina nacida en 1953 en Río Cuarto, Córdoba. Tras graduarse como Profesora de Historia por la Universi dad de Río Cuarto, iniciará una amplia formación artística. Realiza estudios de Arte en la Escuela Panamericana de Arte de Buenos Aires y se forma en diversos talleres con los profesores Nora Mugaburu, Heriberto Zorrilla y Jorge Iber lucea. Del mismo modo, asiste a numeosos cursos y semi narios mediante los que se especializa con maestros y críticos de gran renombre en Argentina, como Carlos Cañás, Rosa Faccaro y Fabiana Barreda. Miembro Honorario de The Florida Museum of Hispanic and Latin American Art de Miami, Estados Unidos, ha forma do parte de más de 120 exposiciones en Argentina y en de más países, como Estados Unidos, España, Alemania... y su obra forma parte de numerosas colecciones en estos países. Cuenta también gran número de valiosas distinciones, entre los que se incluyen, entre otros, los primeros premios del "Salón EncuentrArte 2000", del "Salón Buenos Aires 1988, Premio Alianza Francesa", o del "Salón Artistas Ga nadores EncuentrArte 1996". Decenas de publicaciones se han hecho eco de esta artis ta y de su obra. Elogiada por la crítica, la revista neoyorki na "FAMA", en su edición marzo-abril de 1999, afirmaba que "la obra de Elsa Caymes es un canto a la liberación de la naturaleza encarcelada en una visión". Daniel Oddone, en la revista "Arte y Vida", editada en Buenos Aires, ejem plar de Noviembre del 2000, también se pronunció: "en su obra la realidad y la fantasía se vuelven una sola verdad". Las creaciones de Elsa Caymes son un estallido de masa pictórica, que se expande a lo largo del lienzo como un torbellino, a base de gruesa pincelada, de uso de espátulas y cuanta herramienta sea necesaria para dar forma a una pintura cargada, rugosa, que salpica el cuadro y casi al espectador. Recoge el contenido sublime de los más brus cos efectos naturales en un perpetuo contraste cromático que se funde creando atmósferas brumosas y ensoñadoras. Elsa domina la pintura y la maneja a su antojo, haciendo una labor de alquimia mediante la que saca lo mejor del material y de sí misma Una impresionante obra que se adentra en los sentidos y araña el alma.‡

Elsa Caymes dellerad@sinectis.com.ar Sanabria 790, (1407) Buenos Aires Argentina

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CINAT, Mariano. Pintor nacido en Buenos Aires, Argentina, en 1970, y residente en Los Ángeles, Estados Unidos. Graduado por la Universidad de Los Ángeles y por la Universidad Dominguez Hills de Santa Mónica, Mariano Cinat se forma artísticamente en las Escuelas Nacionales de Bellas Artes Manuel Belgrano y Prilidiano Pueyrredón en Buenos Aires, Argentina. Actualmente es Director de Arte en la Asociación de Pro fesionales de Argentina, y Asociación desde la que coordi na exhibiciones de arte y otros eventos especiales para promover la cultura de su país. Ha mostrado su obra en numerosas ocasiones, de mane ra individual y colectiva, en galerías y museos y exposicio nes en otras instituciones, en los que ha logrado grandes éxitos, como el Museo de Arte Latinoamericano de Florida, en 1999, la Galería de Arte San Telmo en Buenos Aires, 2001, la Exposición Benéfica de la Organización Para Los Niños, en Los Ángeles, 2002, y en Europa, en la Galería de Arte Napoli Nostra de Nápoles, Italia, 2002. La obra de Mariano Cinat aparece en el libro "Arte Argentino Actual" y cuenta también con un CD ROM. Sus pinturas, confeccionadas principalmente en acrílico, parten de lo figurativo de la imagen humana para insertarla en oníricos paisajes que se alejan del naturalismo y se introducen en la parte más abstracta de la imaginación de este artista. Destaca su delicado y luminoso uso del color, tratado con ligereza y vaporosidad, mediante el que introduce contrastes lumínicos que nacen de la aguada y aportan esa magia que destilan sus obras. Paisajes de gran expresividad por los que vagan estilizadas figuras, de extrema languidez, como espíritus de la naturaleza, como retazos de alma. Una obra trabajada, con dominio de la pincelada suelta y vibrante. La exquisitez de sus composiciones, su homo geneidad temática y formal, crean representaciones de un sentimiento en el que existe ruptura, por medio de elemen tos que producen desasosiego: la forma evolvente, espiral, seres que caen en picado, como un rayo, rostros que sufren y se arrastran... todo en equilibrado contraste que no gene ra desestabilidad ni resta belleza al resultado final.‡

Mariano Cinat (Argentina – USA) cinatm@hotmail.com 7701St. Bernard St 6 Playa del Rey, California CA 90293 USA

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CIRIZA, Carlos. Artista plástico nacido en Navarra, España, en 1964. Se inicia en las artes plásticas de la mano de la pintura, redescubriendo con el tiempo una vocación que le llevaría de manera imparable hacia los caminos de la escultura. Así, en 1984, tras instalarse en Pamplona, instala allí su estudio y comienza a participar en exposiciones, en las que obtiene grandes éxitos que pronto se reflejarán en premios, como la Medalla de Plata del Concurso Internacional "Eco logía, Medio Ambiente y Natura", en Salerno, Italia, y será seleccionado en París para participar en la I Muestra de Pintores Jóvenes. Así mismo, realiza diversos viajes y expo siciones fuera del país, donde obtiene rotundos éxitos, por Europa y Estados Unidos. En 1996 es nombrado miembro del Consejo Navarro de Cultura, y Presidente de la Comi sión de Actividades Artísticas y Culturales, cargo que ocu pará hasta finales de 1999. En 1998 pasa por un momento álgido de gran reconocimiento artístico, que desemboca en la ampliación de su taller y crea su propia Galería de Arte. En estos momentos, su creación se compone de pinturas y esculturas, que pronto empiezan a ocupar distintos entor nos urbanos, y que le llevarán a ser seleccionado para el Tercer Premio Navarra de Escultura, en el 2002. Ese mismo año realiza una gran exposición de escultura monumental en diferentes parques y espacios públicos de Burdeos, con un total de 103 obras. "Su escultura, tanto en pequeño como en gran formato, posee un sentido claro de la monumentalidad", sentenció Rosa Martínez de la Hidalga, Secretaria General de la Aso ciación Española de Críticos de Arte. Esa monumentalidad parte de la propia mente del artista, de su gran talento, que es plasmado en una obra de gran plasticidad donde la forma abstracta es una extracción de la naturaleza que invita a traspasar los umbrales de la vista, a sentirla con nuestro tacto, a hacerla parte de nosotros, y de nuestra experiencia ante el arte. Sus volúmenes son las piezas de un macrocosmos donde todo ha sido realizado con precisión, donde todo encaja, donde las formas se abrazan unas a otras, buscándose, dotando al metal de una calidez que lo integra en el mundo de los vivos.‡

Carlos Ciriza carlos-ciriza@jet.es Nueva 123 Bajo, (3100) Pamplona España.

AUTORES Enciclopedia Iberoamericana de Artistas Plásticos Contemporáneos 48 -

Clemente. Artista italiano, nacido en 1923 en Bivonggi, provincia de Reggio Calabria, pero afincado en Buenos Aires, Argentina. Cursó estudios en la Escuela Superior de Bellas Artes de la Universidad Nacional de la Plata. Así mismo se ha formado junto a numerosos y reconocidos maestros, como Emilio Pettoruti, Cleto Ciocchini, Faustino Brughetti, Raúl Bongior no y Carlos Aragón. Por su parte ha ejercido como profesor de Dibujo Técnico, Proyección y Forma, Dibujo y Pintura Artística. Igualmente dotado de talento para la música, ha impartido clases de Dirección de orquesta, tras su propia formación junto a importantes virtuosos. Artista polifacético, ha escrito y publicado varias novelas con ilustraciones propias, como "los Patriarcas", "Ambición y Tinieblas", escrita en colaboración con Lea. R. Wein, y otra larga lista que esperan su próxima publicación. También sus cuadros a menudo van acompañados de poéticos comenta rios del autor, lo que facilita su comprensión y nos acerca al universo personal de Clemente. Ha realizado diseños de escenografía, vestuario para ópe ras y ballets, de moda, de iconografía religiosa para el Vati cano... Su obra se encuentra en exposición permanente en las pinacotecas de A/M International de Bivongi y Stilo, Ita lia, y en Perth, Australia, en la delegación de Las naciones Unidas de Buenos aires y en la St. Augustine Church de Nue va York. Reconocida personalidad, ha recibido condecoraciones como la Orden al Mérito en 1940, en La Plata, la Orden de la Monja Blanca por el Gobierno de Guatemala y nombrado Ciudadano Ilustre en la diáspora por el Gobierno Italiano. La obra de Clemente es una sinfonía a la belleza de la vida, manifestada en los rostros, en los paisajes, en las calles, en las puestas de sol. Clemente se acerca para escuchar su lenguaje y transmitírnoslo con lápiz o pincel, con imagen o palabra. Su depurada técnica, la comunicación que estable ce con el color y la composición, son el fruto de su extensa experiencia y dedicación, que queda patente en la más leve pincelada o trazo. Creador también de obras puntillistas, todo en este artista denota la minuciosidad y el entusiasmo que vierte en su pro funda necesidad de crear.‡

Clemente (Italia- Argentina) clemente-vm@sion.com Posadas 1301 Piso 13º, Buenos Aires Argentina

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COCERO, Pilar. Artista plástica natural de Madrid, España. Su formación artística tiene comienzo en la Escuela de Montelar, Madrid, donde estudiará Dibujo, apren diendo a desenvolverse con el grafito y al carbon cillo. Posteriormente llegará hasta la también madrileña Escuela de La Moncloa, para especializarse en el arte del Esmalte. A raíz de esto, llegará a la presidencia, en 1987, de Asociación Nacional de Esmaltistas, des de la que impulsará enormemente esta poco cono cida técnica. Comenzará además una intensa labor de investigación en las posibilidades artísticas y plás ticas del esmalte, hasta llegar a alcanzar un asom broso grado de similitud con este a base de utilizar pintura al óleo o acrílica sobre una gran variedad de soportes que abarcan desde la tela a planchas metá licas. Con esto conseguirá introducir la estética y los acabados propios del esmalte en su obra pictórica. Pilar Cocero ha realizado múltiples exposiciones en España, Europa, y EE.UU. Su obra forma parte de colecciones y museos españoles, entre los que se pue de destacar la colección privada de S. M. la Reina Doña Sofía de España, pero también puede ser

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admirada en EE.UU, Japón, Alemania o Bélgica en la colec ción de S. M. la Reina Doña Fabiola. Entre los premios y menciones que ha obtenido, se encuentran las Menciones de Honor de la Cámara de Comercio y de Industria de Madrid, de Artesanos- Exporta dores y de Titulares y Talleres de Artesanos por la Dirección General de Empresa, otorgadas por el Ministerio de Indus tria de Madrid, o los Diplomas en Pro de la Difusión del Esmalte otorgados por el Correo del Arte y por la Cámara de Comercio e Industria de Madrid. La obra de Pilar Cocero toma la abstracción como el len guaje del alma, y mediante este se expresa sólo con la suge rencia derramada sobre el cuadro. Hablan sus colores en todas sus gamas, se funden cuerpo con cuerpo para com partir su esencia y descubrirse. Su obra lleva escritas las palabras trabajo, laboriosidad, investigación. Su obra deja al descubierto a una creadora que descubre el secreto de crear, de manifestarse en un idioma propio.‡ Pilar Cocero pcocero@hotmail.com Macor Gallery, c/Venezuela 8 Mahadaonda, (28220) Madrid España

COHEN, Sara. Artista plástica argentina de sólida formación, Sara Cohen se gradúa en la Escuela Nacional de Artes Visuales Manuel Belgrano, en La Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, y en la Escuela superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova. Ha asistido también a múltiples talleres y cursos, que le han aportado valiosa experiencia: como los talleres de Emilio Renart y de Vázquez Málaga. Cuenta con una amplia experiencia en la docencia en distintos centros educativos, como la Escuela Nacional de Artes Visuales Manuel Belgrano, la Escuela Normal Mixta de San Fernando, o los colegios nacionales Sarmiento y B. Rivadavia. En 1980 realiza un viaje de estudios a Europa, donde tiene la ocasión de visitar las más importantes colecciones artísticas y museos de España, Italia, Francia, Alemania, Suiza y Austria. Ha recibido numerosos premios y mostrado su obra en múltiples exposiciones y salones, entre los que podemos destacar la exhibición "Ocho Mujeres Artistas Argentinas en Soho", en la Euroamérica Gallery de Nueva York, en una crítica de su obra, Andrew Mc Donnel, nos dice que existe una vinculación de su pintura con la Escuela de París, sobre todo con Matisse. Es influencia fauvista se encuentra principalmente en el uso del color, que Sara maneja de manera atrevida, pero no tan puramente como lo utilizó esa corriente artística. La pincelada de Sara es más compleja, como su elaboración del color, que aunque se use de manera imaginativa y origi nal, aparecen trabajados tonos que se van fundiendo hasta crear ágiles texturas que añaden valores plásticos al acaba do. Sus composiciones son peculiares en su manera de ata car el lienzo por medio de la curva, en la que introduce imágenes, texturas y añade contrastes entre los motivos centrales, desviando la atención del espectador hacia don de ella desea, ayudándose de la utilización de la luz y del juego cromático. Es una obra en la que fluye el simbolismo junto a la calidad técnica y la sabia utilización de todos los recursos de la artista, de forma colorista y a la vez ínti ma.‡

Sara Cohen Avda Independencia 2135 Piso 3ºB (1225) Buenos Aires Argentina.

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COLOMBO March, Jorge. Artista plástico nacido en Buenos Aires, Argentina, en 1939. Jorge Colombo es Doctor en Medicina, profesor Univer sitario Científico e Investigador Principal del CONICET. Cuenta con una larga trayectoria a base de trabajos científi cos, becas y conferencias, llegando a ejercer la docencia como profesor titular en Estados Unidos y Argentina. Actualmente Dirige la Unidad de Neurobiología Aplicada, y es Presidente y Director Científico de la Fundación Conectar. Pero además de esta vocación científica, también destaca por su gusto y talento por la pintura y la escultura, iniciando su formación en el taller de Dibujo de Jorge Podestá en 1957. Ya desde ese momento comienza a mos trar su obra en exposiciones, al tiempo que continúa for mándose en el arte, ahora de forma teórica. Asiste a un Curso sobre Conceptos Visuales en arte, en la Universidad de Florida del Sur, Estados Unidos, universidad en la que también realiza un Curso sobre Arte del Siglo XX. Ha participado en numerosas exposiciones en Buenos Aires, Florida, Uruguay, y participó en la "Vetrina degli Artisti Latinoamericani" de Florencia, Italia. Reiteradas veces premiado, obtiene en Buenos Aires las siguientes distinciones: Primer Premio en el I Salón de Pin tura de la Galería Acuario, el Segundo Premio en el Salón de Pintura de la Scala de San Telmo, y el Primer premio en el Salón de Otoño de la Galería de Arte San Telmo, entre otros. Podría decirse que Jorge Colombo trabaja la técnica mixta en una obra mixta de estilo mixto: porque juega con la pintura y la escultura, y las mezcla, y gusta de confundir nos a veces. Y otras parece sereno y firme, como su mancha pictórica, y crea estables composiciones de vistoso colori do. A veces toma los derroteros de la geometría, encerrando su obra entre volúmenes cúbicos, que a su vez, son ence rrados en su obra. Otras huye del cromatismo y opta por lo acromático, entonces nos muestra un distante universo geo métrico y gris. Pero la búsqueda de una tercera dimensión siempre aparece patente, en la textura que forma con su cargada pincelada, los juegos visuales con los que introdu ce sensación de profundidad, o escapando de la pintura para alcanzar el relieve. Pintura y escultura entran en una equilibrada conexión en la obra de Jorge Colombo March.‡

Jorge Colombo March, colombo@pruna.gov.ar Program Unidad de Neurobiología Aplicada CEMIC – CONICET – Av. Galván 4102 (1431) Buenos Aires Argentina

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CONTI, Marly. Pintora nacida en Timbó, Brasil, en 1958, descendiente de italianos. Pasa sus primeros años de vida en Blumenau, Brasil, y reside en Argentina desde 1979. A los diecisiete años hace sus primeras incursiones en el arte, realizando cuadros tallados en madera, pinturas sobre tela y alfa rería. Con el tiempo perfeccionará esta afición artística, asistiendo a cursos de Alfarería con el profesor Hugo Castellano, estudiando con Cristina Ghetti, y el los talleres de Heriberto Zorrilla y Rafael Seguí. De esos estudios y del conocimiento de distintas técnicas artísticas, Marly extrae su vocación pictórica, deriván dola hacia la Pintura Abstracta y el Construc tivismo. Sus exposiciones y muestras, desde 1996, fecha en que tiene lugar la primera, hasta la actualidad, ascienden a más de cincuenta, con las que su obra ha recorrido no sólo Argentina, sino que ha llegado hasta Italia, con la Mostra D´Arte Contemporanea en la Galería La Pigna de Roma.

También ha recibido múltiples premios, como el Primer Premio y Medalla en el Salón "Viejo Buenos Aires", el Segun do Premio en Pintura del IV Salón Fin del 2000, Fin del Milenio", el Premio de Honor con Medalla de Oro del Salón Casa de la Rioja en Buenos Aires, o el Segundo Premio del Sindicato Argentino de Televisión. La obra de Marly Conti delata la imaginación de esta artista, por medio de los extraños elementos que pueblan sus composiciones, como planetas, partículas del cosmos, que flotan en la ingravidez de sus fondos nebulosos, en una sensación de movimiento rítmico. Geometrismo y forma orgánica contrastan entre sí, se aúnan, aportando equili brio. El color es trabajado, crea texturas y se esparce por los fon dos neutros, ligeros, impalpable, contribuyendo con su sutile za a crear profundidad y a resaltar los elementos de la com posición, en los que se introduce mayor intensidad cromáti ca. Un obra homogénea, que se desenvuelve a la perfección en esa gran homogeneidad compositiva y cromática con la que aflora el personal estilo de Marly, en un ejercicio intelec tual, que se aleja de lo real, para centrarse en la pura for Marly Conti ma.‡ Juncal 1188 Piso 5º. Buenos Aires .Fax. 54 11 4342 1036. Argentina

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CORBALÁN, María Alejandra. Pintora argentina, nacida en Buenos Aires en 1962. Cursará estudios sobre caricatura, publicidad gráfica, y artística en el Instituto Universal Center de Buenos Aires. Más tarde, se gradúa en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, ha realizado cursos, seminarios y conferencias, impartidos por prestigiosos maestros, como talleres de pintura con Marino Santamaría, Cristina Darti guelongue, Miguel Bengoechea, Domingo Florio, Norberto Onofrio o Magdalena Beccarini, dibujo con Jorge Meijide, Marcia Schwartz, Roberto Paez, Raúl Ponce, y aerografía con Manozzi. Posteriormente estudia la carrera de caracterización en el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón, así como la Licenciatura en Arte Visuales en el Instituto Nacional de Arte, en Buenos Aires, e ingresa en la Escuela Superior de Bellas Artes "Ernesto de la Cárcova" donde seguirá formán dose paralelamente, mediante la asistencia a cursos y semi narios de dibujo y pintura. En el año 2002 toma parte en el Laboratorio Intensivo de Técnicas Escultóricas con Materiales no Tradicionales, con la profesora Claudia Aramovich, donde se adentra en el conocimiento y manejo de los más novedosos materiales escultóricos. Ha realizado numerosas exposiciones y ha aparecido en otras tantas publicaciones, donde ha recibido el interés y la aprobación de la crítica. Maria Alejandra cuenta con premios como el de la Edi torial Atlántida, por el tema "Buscando al Niño Billiken", o los el Primeros Premios de Pintura en Técnica Mixta del Centro Naval Salón "Los Contemporáneos", del Salón TUBA´95, o del Salón "Arte Vida". Obtuvo la Beca del Banco de la Provincia de Buenos aires para estudiar en el taller del maestro Hermenegildo Sabat. La pintura de Alejandra Corbalán es expresionista en todas sus facetas, tanto figurativas como abstractas, y en todas ellas destaca ese gusto de investigar con las texturas y con el color. Un color que aparece en sus gamas más puras y rabiosas, o en su faceta monocroma, pero siempre con una pincelada de trazo seguro y firme. Sus composiciones son enérgicas y de gran expresividad, cargadas de un movi miento en tensión, que lucha por salir del formato.‡

María Alejandra Corbalán mariaalejandracorbalan@tutopia.com Belgrano 747, Morón (1708). Provincia de Buenos Aires Argentina

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CORRAL, Santiago. Pintor mejicano nacido en Valle de Bravo, en 1964. De formación autodidacta, Santiago Corral se ha labrado un importante hueco con su particular pintura y visión para con los objetos que nos rodean, a base de observación, investigación y conversación con la pintura. Cuenta en su carrera con galardones y reconocimientos que avalan su obra, entre los que podemos destacar su selección para Art-e-mail Mac 21 en Zaragoza, España, para la exposición "2000 Reasons to Love the Earth", en Holanda, y para el Gran Premio Omnilife de Guadalajara, Méjico, en el que obtuvo una Mención Honorífica en el año 1999. Más recientemente, en el año 2002, fue becado por el Instituto Estatal de Cultura de Guanajuato (INBA), en la categoría de Creadores con Trayectoria. Santiago Corral lleva a cabo una extensa participación en exposiciones individuales y colectivas, con las que ha mostrado su obra principalmente en Méjico y Estados Unidos, pero llegando incluso hasta Israel. Ha pintado murales particulares en Estados Unidos y Francia, y su obra forma parte de distintas colecciones en Francia, Alemania, Estados Unidos y Méjico. Este joven creador ha sido objeto de críticas como las de Antón Castro, quien dijo que "revierte la pintura en su cla sicismo o en su realidad a un estado operativo que siempre logra superar los códigos prefijados por la reproductibili dad, a fin de adentrarse en su vida". La obra de Santiago, en su mayoría a base de óleo sobre lienzo y centrada en la figuración, toma por protagonistas silenciosos retazos de vida, de mundo, que se han quedado grabados en sus viejas maletas, bolsas de viaje, botas gas tadas, viejos teléfonos... la memoria de una vida. De esta ciones recorridas, recuerdos encerrados, caminos tortuo sos, llamadas sin contestar. Objetos que encierran su histo ria, y de los que Santiago sólo es el transmisor, para ponerlos antes nuestros ojos y que ellos mismos narren su propia leyenda, la que los hizo viejos, la que los olvidó. Su trazo es suelto, pero firme y preciso. Su color desgastado, juega con la escena, aporta ese tiempo que la ha rozado, mellado, dando a cada lienzo una personalidad única. Enriquecedoras representaciones de una memoria dormida que sólo este artista es capaz de despertar.‡

Santiago Corral santico@prodigy.net.mx La Cañadita 9 Col. Centro San Miguel Allende 6to. (31100) México México

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COSTA, María Estela. Pintora argentina, nacida en Buenos Aires. Su formación en artes plásticas comienza en 1968, tomando clases de pintura en el taller de Alicia Hernández Dofour durante siete años. Estos estudios los continuará mas tarde en, 1979, en el taller de Carlos Pacheco, donde además de pintura, estudia Composición y participa tam bién en el ciclo de conferencias del profesor Amilcar Ganu za. Junto a Carlos Ovejero estudia un Curso de Títeres y bocetos, y en 1989 ingresa en la Facultad de Bellas Artes en la Licenciatura de Artes Plásticas, en la especialidad de orientación Escenográfica. Vinculada al mundo de las artes escénicas, cuenta con una amplia preparación y experiencia también en este terreno, especialmente como bailarina. "La fragilidad de su imagen corporal contrasta con la firmeza de su espíritu, que no compra moda ni tendencias artísticas", escribió de ella Nuri Labanca, haciendo referencia a la conjugación de los valores artísticos que se aúnan en su persona. Ha participado en gran número de exposiciones y salo nes, en los que ha obtenido premios como el Diploma de Honor en el II salón de Arte del Magisterio, en La Plata, o el Diploma de Honor del I Salón Regional de Arte de la Municipalidad de Florencio Varela. La obra de María Estela Costa es un homenaje al mar. Un recorrido por su territorio, por su mágico mundo subacuáti co. Nos sumergimos, literalmente, en frías aguas azules para toparnos con composiciones equilibradas, gamas cromá ticas que oscilan de azules a verdes, formas orgánicas que delatan vida... y salimos a la superficie para tomar aire. Y ese aire hace que se agiten las olas, que salpiquen blanca espu ma, que nos acuna y nos sobrepasa en su inmensidad. La obra de esta artista es capaz de captar cuanto hay de abstracto en la naturaleza. Sus obras invitan a la soledad, nos abruman, y nos ofrecen un mundo tan real como des conocido.‡

María Estela Costa estelacosta@uolsinectis.com.ar Calle 9 Nº 1231 (1896) City Bell. Provincia de Buenos Aires Argentina

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COSTUCICA, Raúl. Pintor nacido en Buenos Aires, Argentina, en 1946. Su formación tiene lugar en la Escuela Técnica de Buenos Aires, donde se especializa en Dibujo Geométrico. Desde siempre muestra un particular interés por la pintura, comenzando a practicar de manera constante desde 1978, configurando poco a poco una extensa obra que comenzará a montar a partir de 1999. Desde entonces, ha participado en numerosas exposicio nes, entre las que podemos destacar la del Centro Naval, la del Salón Nacional de Pintura Marianistas, o la muestra en la Universidad Popular de Boca, todas ellas en Buenos Aires. En el año 2000, en el Salón de Arte sacro de la Galería Loft Espacio Arte, presenta un mosaico de la Mezquita de Omán de Jerusalén en acrílico y metal, con el que introduce un ingrediente novedoso en su creación: la iconografía islámi ca. Entre los premios con los que cuenta, podemos citar la Mención Especial del Jurado en Pintura, con el cuadro "Bar cos en Reparación" en el año 2000. Su obra se encuentra en distintas colecciones privadas como las de la Familia Bussetone de Woesester (USA), o la Familia Arnuphi, San Luis (Argentina). La obra de Raúl Costucica el alegre, colorista, colmada de empastes y texturas pictóricas que la enriquecen y en las que deja patente su conocimiento y dominio de la pintura. Plasticidad y color a partes iguales, recrean escenas figura tivas: marinas, bodegones con flores, escenas intimistas... todas ellas formadas con su particular estilo, de influencia impresionista, por el que se mueve con seguridad y firmeza. Destaca el minucioso trabajo de los fondos, en los que la pincelada se mezcla elaborando sutiles atmósferas en las que la escena se recorta, dando lugar a una conseguida sen sación de profundidad entre los distintos planos. La obra de Raúl encierra significados espirituales en su tratamiento da la naturaleza, espiritualidad también presente en las referencias iconográficas de carácter islámico, que el artista desarrolla con soltura, y con la belleza y personalidad con las que configura toda su obra.‡

Raúl Costucica raulchiud@hotmail.com Mendoza 1721 Piso 8ºB (1428) Buenos Aires Argentina

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CUENLLAS, Carlos. Artista Plástico español nacido en León (España), en 1969. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Salaman ca, a lo largo de su formación también ha cursado estudios en la Escuela de Diseño de Nuremberg, Alemania, adqui riendo así novedosos planteamientos tomados del diseño, que Carlos traspasará a su obra escultórica. Su primera exposición tiene lugar en el año 1994, momen to a partir del cual obra ha ido aumentando imparablemen te, dándose a conocer en otras numerosas exposiciones a lo largo de toda la Península Ibérica y Alemania. Carlos Cuenllas ha recibido premios y galardones, entre los que podemos destacar el Premio Instala 99, por el que realizó una instalación para la Facultad de Veterinaria de la Universidad de León, la mención de Honor del Premio Caja Madrid de Escultura "Generación 2000", o el Primer Premio de Escultura del VII Premio Nacional de Artes Plásticas de la Universidad de Sevilla, entre otros. Su obra se expone permanentemente en numerosas insti tuciones y locales públicos entre los que podemos destacar el Ayuntamiento de El Limonar, Cuba, la Facultad de Bellas Artes de Cartagena de Indias, Colombia o el Ayuntamiento de Alcorcón en Madrid. En la actualidad está vinculado a distintos colectivos artís ticos como el Colectivo Anel-Cuenllas-Morrondo, el Grupo de Villa Iris, el Colectivo T.A.I. y el Colectivo "La Voz de mi Madre". La obra de este artista ha sido objeto de numerosos comentarios, entre los que podemos destacar los de el pro fesor Javier Hernando, quien atribuye a sus esculturas unos "efectos ópticos responsables en buena parte del acentuado tono poético que les ampara". La personales esculturas e instalaciones de Cuenllas, sur gen desde una traspasada frontera minimalista, para alzarse triunfantes en toda la pureza de un material, el acero, que introduce connotaciones industriales, y las entremezcla en un cúmulo de plasticidad y luz. En esta estética futurista subyace, sin embargo, un lenguaje íntimo con el que el creador se comunica con la materia, para sacar la latente forma que alberga y que sólo él es capaz de hallar, como Miguel Ángel decía encontrar sus esculturas encerradas en el propio bloque de mármol.‡

Carlos Cuenllas carloscuenllas@hotmail.com Avda. de la Constitución 223, 24010 Trobajo del Camino León. España

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DAVAROFF, Mariano. Joven artista nacido en Buenos Aires, argentina, en 1974, con cuadriparecia e hipo acucia acentuada. Esta discapaci dad no le impedirá formarse y destacar desde muy pronto por su talento pictórico y valía artística. En 1992 inicia su formación pictórica de manos de la artis ta plástica Eva Castell. Más tarde, en 1998, ingresa en el Taller de Psicomotricidad de Dibujo y Pintura, en la Escuela su perior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova. Desde que sus primeros cuadros ven la luz, comienza una larga serie de exposiciones y muestras donde Mariano Dava roff recibe merecida aceptación por parte del público y de la crítica, siendo recibido en el año 2000 por el Papa Juan Pablo II, en la Plaza de San Pedro de El Vaticano, Roma, Italia, en una Audiencia Pública. Cuenta con numerosos e importantes reconocimientos, en tre los que podemos destacar la Mención Estímulo del Centro de Arte "Trilogía", el Primer Premio del I Concurso Interna cional de Dibujo y Pintura para Discapacitados del Museo Saavedra, o el Premio "Interarte Internacional" de Dibujo y Pintura para Discapacitados del Museo de Motivos Argenti nos José Hernández, entre otros. Su obra ha recorrido además de su país, Italia, España, Siria, Estados Unidos, Venezuela, Méjico y Paraguay. Además aparece en gran cantidad de bibliografía en la que figura, en numerosas ocasiones, como artista invitado. La obra de Mariano Davaroff es pura expresión plástica. En ella la carga cromática se libera como un torrente de pince ladas sueltas, densas, pobladas de ricas texturas. Trabaja el color rápida y limpiamente en gamas de acuáticos azules o de turbulencias coloristas que se contrastan y funden entre sí, rítmicamente, envolviéndonos con su musicalidad. Otras veces esas manchas dan lugar a cálidos paisajes, que aúnan luz, color, como fruto del capricho de la propia pintura. Con Mariano Davaroff el óleo pierde autoridad, se rinde al pincel, a la firme decisión del artista. Se convierte en su arma, un arma solamente desenvainada para el triunfo.‡

Mariano Davaroff Estomba 1469, (1427) Buenos Aires T./F.: 54 11 4552- 3144 Argentina

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DEL RÍO, Paul. Pintor cubano nacido en La Habana, en 1943, y residen te en Venezuela desde 1945. Paul del Río, venezolano de adopción, será en ese país, y más concretamente en la ciudad de Caracas, donde de rienda suelta a su talento artístico, donde reciba formación tanto en pintura, como en dibujo y serigrafía, y donde sobre todo, experimente hasta configurar su propio estilo, aquel en el que se siente lo suficientemente cómodo como para dar lugar a una obra, que se irá configurando poco a poco para iniciar así un recorrido expositivo que lo dará a conocer. Su primera exposición tiene lugar en 1974, en la Galería Viva México de Caracas. Pese a llevar a cabo múltiples muestras en esta ciudad, y por toda Venezuela, Paul del Río llevará su obra también hasta España, Estados Unidos, Ale mania o Canadá. Entre estas exposiciones en el extranjero, podemos mencionar de España, las exposiciones en la Galería 16 de Madrid en 1979 y 1981, o diversas exposi ciones en Nueva York, destacando su participación en 1987 en la muestra de la Asociación de Artistas Americanos y en Art Expo, en 1988, así como otras muchas en Miami. Merece la pena mencionar, por su excelente acogida, la exposición llevada a cabo en la Galería Der Universitat Konstanz de Alemania, país donde este artistas goza de gran aprecio. Así mismo, su carrera está repleta de premios y galardo nes y sus obras forman parte de importantes colecciones por todo el mundo. Su obra ha sido definida por Juan Calzadilla, quien ha apuntado acertadamente las relaciones e influencias de Paul del Río con la obra de Picabia, como "íntimamente animada por la experiencia de un teatro secreto". Esta afir mación se debe al protagonismo que el artista concede a los espacios donde su mueven sus personajes, que contri buyen a la animación de los mismos, creando un hábitat donde emergen para posar ante su pincel. Así, ese juego de colores planos y de gran vistosidad con el que crea sus representaciones, da lugar a una pintura expresiva, sencilla y de gran viveza, que no necesita de artificios para hablar por sí sola.‡

Paul Del Río Galería Millenium (Venezuela) gonzalomontero@supercable.net.ve Av. Luis de Camoens Ctro. Clover (1081) Caracas, Venezuela

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D´IPPOLITO, Norma. Escultora argentina nacida en Buenos Aires en 1943. Su completa formación artística se inicia en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón en la que se gradúa en Escultura y posteriormente en Grabado. Conti nuará sus estudios de Escultura, en esta ocasión en la Escue la Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova. En París, Francia, en 1970 obtiene el Diploma de Estudios France ses. Por su parte también ejercerá la docencia, en la Bibliote ca del Concejo de Mujeres de Buenos Aires, en la Univer sidad de Belgrano, y en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Ha mostrado su obra en numerosas exposiciones en su país y cuenta con más de veinte galardones recibidos. Fue seleccionada para participar en el Premio Fundación Arché, en la exposición "Arte Argentino Hoy" en la Galería Wildenstein, en el "Homenaje a Rembrandt" de la Galería Palatina, y un largo etcétera de importantes muestras. Su obra se encuentra en múltiples colecciones e Institu ciones públicas, así como privadas, a lo largo de todo el mundo, y se exhibe, de manera permanente en la sede parisina de la UNESCO. Las esculturas de Norma D´Ippolito nacen del espíritu de la materia, el majestuoso mármol de Carrara. Norma esta blece una comunicación directa con el bloque de mármol, a través de la que llega hasta sus entrañas más cálidas, para extraer esas formas orgánicas que cobran vida y movimien to a través de sus manos. Palpita la figura humana en torsos que se retuercen, pre tendiendo escapar, disolverse y trascender de la materia para convertirse en formas fantasmagóricas de inaudito valor plástico. Composiciones abiertas y ligeras, pulidos acabados que invitan a ser acariciados, como los caricia la luz resbalando por su superficie para destacar sus trabajados volúmenes. Un juego poético, una conversación con el material para dotarlo de flexibilidad, de clasicismo fundido con moder nidad, en una obra exquisita que nace del duro trabajo de la talla, más lejos de para ser vista: para ser abrazada.‡

Norma D´Ippolito ndippolito@tutopia.com.ar San Martín de Tours 2836 Piso 1, Buenos Aires Argentina

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DUBIN, Celina. Pintora argentina, nacida en Buenos Aires. De variada formación académica, estudió Arquitectura en la Universidad de Buenos Aires y es Licenciada en Psi cología. También estudió Historia del Arte con la profesora Eva García, y Dibujo y Pintura con el profesor Eduardo Capocasa. Ha participado en numerosas exposiciones desde 1989, que suman más de cincuenta, tanto a nivel nacional como internacional, recorriendo Argentina, Uruguay, Perú, Cuba, Italia, España y Francia. Sus pinturas "La Zafra", "Plantación de Algodón", "Paisaje con Lago" y "Hacia la Luz", han cosechado reiterados éxi tos, obteniendo Primeros Premios en distintas ocasiones, Premio a la trayectoria y Premio por la Paz. Su obra ha merecido las críticas de reconocidos críticos de Arte, como Enrique Horacio Gene, quien dijo de ella: "nos deslumbra con su visión personal, parecida a nadie; pinta tocada por la gracia". Varias de sus obras se exhiben en la Secretaría de Cultura de Chubut, en el Museo de San Fernando del Valle Cata marca, en la Honorable Cámara de Diputados de la Nación y en colecciones privadas a nivel internacional.

AUTORES Enciclopedia Iberoamericana de Artistas Plásticos Contemporáneos 62 -

Celina Dubin configura a base de un dominio rotundo del acrílico, cálidas escenas rurales, a modo de amplias panorámicas de profundas perspectivas que nos introducen en la grandeza e inmensidad de los campos y las plantaciones. La vida en el campo, el trabajo infatigable, son tratados con dignidad y belleza en un entorno bucólico, donde el sol se alza sobre despejados cielos, sobre lejanas colinas, en lugares por donde parece no pasar el tiempo. Minuciosas en detalles, sus esce nas son una evasión a la prisa, al asfalto, a las luces artificiales, para hacernos retroceder a tiempos remotos y a la vez cercanos, tiem pos de artesanía y de trabajo huma no, donde la naturaleza es la más bella de las arquitecturas.‡

Celina Dubin hmschere@arnet.com.ar French 2328 6°A Capital Federal, Argentina.

ECHENIQUE, Inés Pintora argentina nacida en Córdoba en 1945. Titulada Profesora Normal de Jardines de Infantes, Inés Echenique inicia su formación artístico en 1973, por medio de un curso de Expresión Plástica con el artista plástico Neri Cambronero. Más tarde, en 1995 inicia durante cuatro años estudios de Dibujo, Pintura y Color, Figura Humana e Historia del arte en el Taller de las Artes, de Salta, Argentina, a cargo de la profesora y artista Mª Eugenia Pérez y en los últimos años, 2000-2002, ha estudiado Figura Humana con el artista Fabián Nanny. Cuenta con una extensa participación en exposiciones y salones para los que su obra ha sido seleccionada, como el V y VI Encuentro de Pintores y Dibujantes con Bollini, (Fun dación Bollini), Buenos Aires, o el Premio Eduardo Miliava ca, en el salón de Arte Sacro del Museo de Bellas Artes Claudio León Sempere de Burzaco, provincia de Buenos Aires, entre otros muchos. Cuenta también con merecidos premios como el Segundo Premio de la Escuela Normal Nacional de Profesores "Alejandro Carbó", Córdoba, que figura como su primer galardón, en 1964, y más reciente mente, el Primer Premio de Pintura del Salón Verano 2001 de la galería Núcleo arte de Buenos Aires, o la Distinción Especial en el "V Homenaje el Día Internacional de la Mujer, 2001" en la Galería Loft Espacio Alfa, Buenos Aires. Su obra ha suscitado comentarios como los de Beatriz Zucaro que la calificó como "una empatía entre el Ser y la Naturaleza". La obra de Inés Echenique es el puro ejemplo de cómo aunar las más vivas gamas cromáticas de la naturaleza en un sólo lienzo, sin que el resultado sea, en absoluto, ago biante para el espectador, y sin que ninguna parte de la obra ensombrezca a las demás. Así, toda la composición goza de equilibrio, de expresividad, plasticidad y dinamismo. Aci dez y frescura, formas trabajadas, pincelada uniforme y juegos de lejanía a través del abocetamiento de formas. Todo ello recortado sobre un fondo neutro y cálido que revitaliza los sentidos y hace apreciar la belleza de la sen cillez.‡

Inés Echenique manuellzambrano@hotmail.com Avda. Entre Ríos 416, Salta Capital (4400) Argentina

AUTORES

EIDMAN, Mimo. Escultora argentina nacida en Buenos Aires en 1949. Desde 1963 reside en la Ciudad de las Esculturas de Cha co, Argentina. Licenciada arquitecta, a un tiempo estudia técnicas es cultóricas en el taller de su maestro Fabriciano. De ese modo comienza una completa obra escultórica que pronto la llevará a participar en numerosas muestras y concursos en los que obtendrá merecidos reconocimientos. Mimo Eidman es miembro fundador de la Fundación Urunday, de la Asociación de Escultores Chaqueños y de la Asociación Internacional de Escultores en Nieve, modali dad en la que ha recibido varios premios, como el Premio de los Escultores del Concurso Internacional de Escultura en Nieve Grindelwald, Suiza, el Segundo Premio del VI Concurso Internacional de Escultura en Nieve de Sarnia, Ontaro, Canadá o el Gran Premio de Honor del IL Concur so Internacional de Escultura en Nieve de Sapporo, Japón, entre otro gran número de premios y reconocimientos que obtiene toda su obra. Ha sido declarada también "Ciuda dana Ejemplar" por la Municipalidad de Resistencia Pro vincia del Chaco. Ha formado parte de numerosas muestras y exposiciones colectivas e individuales así como realizado monumentos, entre los que podemos destacar el Monumento al Maestro, de la ciudad de Chaco, el primero de una larga serie de obras en museos y espacios urbanos.

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La obra de esta artista fue calificada por Marcelo Daniel Fernández, miembro de la Academia Na cional de Bellas Artes de Argentina, como "un es pacio poblado de mensajes que surgen de la inti midad y de la fuerza de una artista cuyo lenguaje expresivo se nutre de la abstracción para componer un micromundo simbólico y alusivo de las cosas que la hacen palpitar y sufrir". Hemos hablado de la afición de esta artista por la creación en hielo y nieve, pero afortunadamente su obra se compone de piezas menos perecederas. Mimo trabaja el metal, la madera la piedra, vidrios, cáñamos, resinas... juega con la plasticidad de todos ellos y de sus contrastes, obtiene un personal y comunicativo lenguaje plástico que hace de cada una de sus obras auténticos poemas en lo que esta artista manifiesta su ímpetu, descarga su energía y vacía su alma.‡

Mimo Eidman mimoeidman@arnet.com.ar Córdoba 676, Resistencia (3500). Chaco Argentina

EIZAGUIRRE, Juan. Artista plástico nacido en Madrid, España, en 1944. Juan Eizaquirre es Arquitecto desde 1971 por la Escuela Superior de Arquitectura de Madrid, dedicándose a esta profesión desde 1971 hasta 1990. Su formación pictórica la adquiere de manera autodidác tica, a base de dedicación, su conocimiento de la forma, y placer en el ejercicio de pintar. Esto le llevará a forjarse su propio estilo y a desempeñar una intensa función crea tiva. Lleva mostrando su obra más de veinte años, lo que le ha ido proporcionando el reconocimiento del público y de la crítica, quien le dedicará numerosas páginas en algunas de las más importantes publicaciones de su país, como "El Semanal", el "Diario 16" o el "ABC Cultural". Aparece tam bién en numerosos libros, entre ellos el "Dizionario Enci clopédico Internazionale d´Arte Moderna y Contemporá nea" o "Arte y Artistas Vascos". Sus exposiciones han sido numerosas a lo largo de la geo grafía española, y también fuera de esta, donde sus pinturas han sido admiradas en los Estados Unidos: "Art Miami 93" (Miami, 1993) y "Arte Expo 03", (Nueva York, 2003), en Ita lia: "Arte Padova 98" (Padova, 1998) y "Arte Padova 02" (Padova 2002), y en Francia: "Galería Art Brutal" (París, 2002). José Luis Abellán, Presidente del Ateneo de Madrid, quien ha presentado varias de sus exposiciones, ha dedica do elogiadoras palabras a este reconocido artista: "la mira da profunda de lo auténtico se nos impone por encima de todo y hace que nos inclinemos con reverencia ante un artista de cuerpo entero". La pintura de Juan parte de una mirada en perpetua bus ca de la forma en la naturaleza, la analiza, hasta llegar al concepto que genera y da lugar a la composición abstracta. Es pues, una sintetización tan extrema que en ocasiones se hace irreconocible en sus pinturas, pero en las que no falta un referente natural: un puñado de arena de sus playas de San Sebastián, un fleco de las cálidas sombrillas que se adivinan bañadas por el sol. Sus composiciones alcanzan el geometrismo de la pura esencia formal, transformada en plano y reducida a síntesis cromática en la que la sombra se introduce colaborando a la dimensión, al volúmen. Una obra que nos enseña, a través de la mirada de su autor, una nueva forma de percibir la naturaleza.‡

Juan Eizaguirre juaneizaguirre@terra.es Goya 19. Bajo F. 28001 Madrid. España

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FALGUERAS, Nacho. Escultor nacido en 1955 en Málaga, y trasladado a La Línea de la Concepción, Cádiz, España, a los seis meses de edad. Cursa estudios en el Instituto Méndez Tolosa de La Línea, para, tras finalizarlos, ingresar el la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Santa Isabel de Hungría en Sevilla. Se gradúa en Cerámica en la Escuela de Artes y Oficios de Sevilla. Ejercerá la docencia como profesor de Dibujo en diferen tes Institutos de la provincia de Andalucía, estableciéndose en La Línea en 1986 para dar clases en el mismo instituto donde estudió. Nacho Falgueras es Académico Correspondiente de la Academia de Bellas Artes de San Telmo de Málaga. Desde 1978 inicia una fructífera carrera expositiva que le da a conocer en todo el territorio español, y pronto instala varias de sus esculturas en lugares públicos, entre las que destacan el Friso del Éxodo de Gibraltar en la Aduana de La Línea, la escultura de José Monje "Camarón de la Isla", el Monumento a la Paz en Medina Sidonia, y un largo etcétera de monumentos situados principalmente el la comunidad de Andalucía, como bustos e imaginería policromada religio sa. Nacho Falgueras ha sido calificado por el Catedrático de Arte Mario López como "un escultor con un dominio técni co plural", considerando en concreto como "especialmente significativa su maestría en el modelado del barro". La obra de Nacho Falgueras es figurativa, adquiriendo toques de realismo que contribuyen a la caracterización del personaje cuando se trata de retratos, y que aportan vigor y fortaleza en el gesto, donde se recoge toda la expresividad que es capaz de transmitir este artista. Asume el sentimiento del flamenco, del mundo de los to ros, y lo transmite de forma magistral a la materia, para dejar que se exprese por sí mismo. No es de extrañar que haya inmortalizado a los grandes maestros de ambos artes, con el dominio técnico y sabiduría con los que lo ha hecho posi ble, para que sigan palpitando sobre y bajo el pedestal en el que se alzan.‡

Nacho Falgueras nfalgueras@eresmas.com

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FARNELL, Gabriela. Pintora argentina nacida en 1967 en Lanús, Buenos Aires. Autodidacta, no cuenta con formación artística alguna, salvo su propio talento y trabajo personal, los únicos res ponsables de esta obra tan característica que halla su inspi ración bebiendo de las fuentes literarias y cinematográfi cas. Ha realizado numerosas muestras y participado en Salo nes, tanto a nivel nacional como internacional, en los que ha dejado de manifiesto su valía e imaginación, destacan do por el éxito y las reacciones que inspiró, la exposición "Borgeanas by Farnell", llevada a cabo en la sala José Mau roner en La Manzana de las Luces, en 1995, en Buenos Aires, con una serie de obras inspiradas en la obra de Borges, exposición de la que recogió palabras como las de Inma Aguado "Gabriela Farnell es una interlocutora esen cial, porque establece un diálogo profundo entre las obras y quienes la miran con una visión universal y cósmica y al mismo tiempo particularizada". Cuenta con gran número de premios y menciones, entre los que podemos citar, entre otros, el Primer Premio de Dibujo del salón Fin de Año de la Galería Núcleo, los Pri mero y Tercer Premio del Salón del Pop Art a la Nueva Imagen 2000 de la galería de las Américas, o el Segundo Premio de Dibujo del Salón Unidos en el arte de la Galería GD, todos ellos en Buenos Aires. Así mismo su obra se ha editado en tarjetas navideñas (como donación de la artista), en el libro "Reflejos Argen tinos" y en la Agenda Cultural de Buenos Aires del mes de Diciembre de 1999, entre otras publicaciones. La obra de Gabriela Farnell destaca tanto por su estética novedosa, muy vinculada al mundo del cómic y de la ilus tración, como por su impecable dominio del dibujo. Con mucho de surrealismo, onirismo y fantasía, recrea imáge nes muy trabajadas que parecen perderse en el tiempo, en el espacio, para alcanzarlo y asumirlo todo, como el Aleph que Borges encontró en la escalera de aquel sótano. Mez cla color, tinta y grafito, creando contrastes de gran riqueza tanto formal, compositiva, como expresiva, adentrándonos en mundos donde reinan mujeres anónimas de rostros sin rasgos y torsos desnudos, que transmiten sensaciones de soledad, de lo efímero de la existencia, por medio de cuer pos sometidos, destinados a vagar sin destino por su par ticular universo.‡

Gabriela Farnell gabifarnell@hotmail.com Resistencia 914, (1824) Lanús, Buenos Aires Argentina

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FLORES, Mario. Pintor nacido en la ciudad de Méjico en 1965. Con siete años emigra a Estados Unidos, situando su resi dencia en Chicago, Illinois, junto con su familia. Mario Flores, actualmente se encuentra en el corredor de la muerte de la Prisión de Alta Seguridad de Pontiac, Illi nois, acusado de homicidio, delito del que se declara ino cente, en un juicio en el que no se encontraron pruebas determinantes que demostrasen su presunta culpabilidad. Durante 17 años de encierro Mario encontrará en la pin tura la libertad que le es privada, y, además de finalizar los estudios de leyes en la propia cárcel, se acerca a la Historia del Arte, a los maestros de la pintura, y al lienzo, para vaciar su alma y trascender a su destino. Su obra pictórica da comienzo en 1993, y desde 1996 realiza más de quince exposiciones, ayudado por el empe ño de sus padres, quienes encabezan una lucha por demos trar la inocencia de su hijo, solicitando un nuevo juicio. Por citar alguna de estas muestras, y sin restar importancia a ninguna de las demás, podemos mencionar la exposición llevada a cabo por la Universidad de Northwestern, en la Escuela de Leyes de Chicago, en la que la obra de Mario Flores ilustró la Conferencia Nacional de Fallos Erróneos y la Pena de Muerte, en el año 1998. El caso de Mario tuvo especial eco en España a raíz de la exposición que llevó su obra hasta Málaga, donde los prin cipales diarios del país dedicaron artículos y columnas manifestando su solidaridad y el rechazo a un sistema que contempla la pena capital. La obra de este artista, lejos de ahondar en el tormento en el que se ha convertido su existencia, aunque suene a para doja, es alegre y colorista. Trabaja con minuciosidad, con deleite. Cree en lo que hace, quizá porque sea en lo poco en lo que aún puede seguir creyendo, quizá porque se nie ga a perder la esperanza. Sus cuadros traspasan las barreras de la cárcel para hablar al espectador, mirándole a los ojos con la sinceridad de la pincelada. Sus cuadros traspasan las barreras de la vida, viven por él y le hacen inmortal. Son una espina que se clava en la conciencia de aquellos que todavía tienen un ápice de sentimiento.‡

Mario Flores (Cárcel de Illinois) México, USA Ana Flores: info@salvadamarioflores.org D & S Communications, Inc. 1355 N. McLean Blvd. Elgin, IL 60123

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FORNER, Raquel. Pintora argentina, nacida en Buenos Aires en 1902 y fallecida en 1988. En 1922 obtiene el título de Profesora de Dibujo en la Academia Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires. Dos años después obtendrá en Tercer Premio de Pintura en el XIV Salón Nacional de Bellas Artes, al tiempo que dan comienzo las exposiciones y muestras de su obra. Entre 1929 y 1931, asiste a los cursos de Othon Friesz en la Academia Escandinava de París, donde también partici pa en el VIII Salón de las Tullerías, en 1930.

Raquel Forner Fundación - Argentina casa@forner.bigatti.com.ar Maestro Bethlen 443, Buenos Aires Argentina.

A su regreso a Buenos Aires, funda los Cursos Libres de Arte Plástico, junto a Alfredo Guttero, Pedro Domínguez Neira y el escultor Alfredo Bigatti, con quien contrae matri monio en 1936. Entre los numerosos galardones que se le otorgan a lo largo de su extensa carrera, recibirá el Segundo Premio del XXIV Salón Nacional de Bellas Artes, la Medalla de Oro de la Exposición Internacional de París, 1937, el Primer Pre mio Nacional de Pintura del XXXII Salón Nacional de Bellas Artes, el Premio Palanza Otorgado por la Academia Nacional de Bellas Artes en el I Concurso Palanza, el Gran Premio de Honor del XLV Salón de Bellas Artes, el Gran Premio de Honor en la Bienal Americana de Arte de Cór doba, Argentina, y un sinfín de reconocimientos, que des tacan la valía de esta artista. Igualmente participó en numerosas exposiciones, con las que su obra recorrió gran parte de la geografía mundial, muchas de ellas de vital importancia para el momento, como la "Women in Contemporany Art", (La Mujer en el Arte Contemporáneo), llevado a cabo en la Duke Univer sity de Druham, Estados Unidos, reivindicando el papel de la mujer en el arte, o la exposición "Arte Argentino Actual". En 1982, dieciocho años después del fallecimiento de su esposo,el escultor Alfredo Bigatti, crea la Fundación For ner-Bigatti. Ese mismo año es galardonada por la Funda ción Konex. Raquel Forner fallece en Buenos Aires el 10 de Junio de 1988, tras una intensa vida dedicada al arte. En su memoria exposiciones homenaje y en 1992, volverá a ser galardo nada por la Fundación Kodex. La obra de esta artista es un insuperable ejemplo de una mujer que supo triunfar en un mundo difícil y en un época difícil, a base de esfuerzo y tesón. Una artista en constante avance, innovadora y colorista; su técnica y buen hacer le abrieron caminos por los que ella supo dirigirse con paso firme, dejando su sello en una obra cargada de simbolis mo.‡

AUTORES

GARCÍA DE LA NUEZ, Carlos. Pintor cubano nacido en La Habana, en 1959. En 1979 se gradúa en la Academia de Artes Plásticas San Alejandro. Posteriormente, en 1983, lo hará en el Instituto Superior de Arte de La Habana. En 1988 realizará la maestría en Artes Visuales en el Mas sachusetts College of Art. Ha ejercido la docencia impartiendo clases en la Acade mia de Arte San Alejandro y el el Instituto Superior de Arte, ambos en La Habana. En 1991 se establece en Méjico, y desde 1992 es Catedrático de la Universidad Iberoamerica na Plantel Santa Fé. Carlos Alberto es miembro de la Unión Nacional de Escritores y Artistas de Cuba (UNEAC) y de la Asociación Internacional de Artistas Plásticos (AIAP). Ha realizado más de sesenta exposiciones individuales y colectivas, que han llevado su obra por todo Méjico, Cuba, Estados Unidos, España, Panamá, Italia, Argentina, Alema nia, Brasil, Colombia, y Francia, donde en ningún caso ha pasado desapercibido. Así mismo, su obra forma parte de colecciones públicas y privadas en todos estos países. Entre los premios y galardones que ha recibido, se encuentran el Premio Pintura 13 de Marzo por la Universidad de La Habana y el Premio Fundación Jaime Guash, en Barcelona, España. De su pintura, dijo Antonio Eligio "Tonel" para el libro "Car los García: estar bien, seguir pintando": "Evidencia una pers pectiva creadora desprejuiciada, un horizonte amplio que se sostiene no desde el pasado, sino sobre todo, desde la sorpre sa del presente y hacia las incertidumbres del futuro". La pintura de este artista es osada, atrevida. Carlos mane ja la pintura sin complejos, ahonda en la abstracción con jugándola en puro e intenso valor plástico. Aplica la pintu ra con solemne decisión, con seguridad, y sobre todo con fuerza, creando texturas y acabados que proporcionan en todo momento expresividad, sin estancarse en el motivo, liberando la materia. Carlos cree en sus creaciones y estas creen en su artífice, ambos están vinculados en alcanzar ese objetivo común, esa liberación de la expresión que es el arte, ese ejercicio de comunicación que habla con sus propias palabras desde los lienzos de Carlos García.‡ Carlos García de la Nuez c.g@prodigy.net.mx Héroes del 47, 121 Corpacon. México DF, (04000) México

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GARCÍA-ESPINA MARTÍNEZ, Agustín. Artista español nacido en 1959 en Ribadeo, provincia de Lugo. Tras cursar estudios de Bachillerato Superior, ingresa en la Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos de Oviedo, Asturias, en la que se gradúa, iniciando así una extensa carrera como pintor y diseñador gráfico. Su obra se dará pronto a conocer tras participar en nume rosas exposiciones en su propio país y fuera de éste, llegan do hasta Miami, donde es seleccionado por Artesanos Art Prormotion tras la exposición colectiva Art and Poetry que dará a conocer su obra más allá de las fronteras españolas. Del mismo modo, en Iglaterra, este artista será destacado por Arts World News en el año 2003. Profeta también en su tierra, es reconocido por la Xunta de Galicia, incluyéndolo entre los artistas más meritorios de la provincia en su publicación Artistas de Galicia. Gran parte de su obra estará vinculada a tierras castella no leonesas y a sus Cámaras Agrarias, quienes verán en ella un sabio reflejo de formas y elementos nacidos de la natu raleza. El interés de éstas es manifestado mediante adquisi ciones y encargos de ilustraciones para sus publicaciones. Algunos ejemplos de la labor de Agustín como ilustrador los podemos contemplar en las portadas Nº 42 y 45 de la revista Cámaras Agrarias de Castilla y León bajo los títulos de "Campo de Girasoles" y "Castillo de Peñafiel", respecti vamente. Seleccionado por el Salón Internacional de Artistas Con temporáneos Independientes EUROART´97, en Barcelona, las creaciones de Agustín García-Espina parten de lo figu rativo, para adentrarse en una expresión surgida en la minuciosidad de su trabajo, y olvidar las fronteras de lo real trasportándonos a un entorno de ensueño, vitalidad y nobleza de materiales. El uso de la madera nos ofrece un vínculo con la tierra que el artista enriquece con labor de orfebre escapando de la forma por medio del exquisito tratamiento de los materiales y de la combinación de estos, haciendo brotar de cada uno la belleza intrínseca conteni da en su propia naturaleza. Colorista y vibrante, sus dibujos manifiestan un trazo seguro y la rapidez de una línea de apariencia abocetada que puede recordarnos en ocasiones a Schiele, pero que presentan una personalidad propia sólo fruto de años de incansable trabajo.‡

Agustín García Espina Martinez agustinespina@telefonica.net C/ El Lagar, 11, bajo A 47193 La Cisterniga (Valladolid) España

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GANDSAS, Alberto. Nacido en Argentina, Alberto Gandsas es fotógrafo profe sional por elección. Sus continuos viajes por Argentina, sobre todo en el sur, La Patagonia, la maravillosa belleza de la misma le permite ir descubriendo un variado paisaje poblado de simpares elementos: montañas, ríos, glaciares, pingüineras, así como su variada flora y fauna. Ante el privi legio de esa inmensa obra de la naturaleza, y sus óptimas condiciones lumínicas, Alberto siente la necesidad de cap tar los grandes panoramas que se abren ante sí.

contribución, haciendo que la presencia del artista se conjugue con el excepcional medio".

Miembro de la Asociación Internacional de Fotógrafos Pa norámicos desde 1998, ha participado en numerosas expo siciones y recibido numerosos premios como el Cuarto Premio Lorenzo Il Magnífico en la Bienal de Arte Contempo ráneo de Florencia, Italia.

Y es que la fotografía de este artista no tiene más truco que la paciencia, la espe ra y la observación para encontrar el mejor momento, aquel en el que cada elemento da lo mejor de sí mismo, y es entonces cuando capta esas tomas insu perables, con las que recorta las mejores estampas de la naturaleza. De ese modo, su obra tiene la capacidad de internar al espectador por las perspectivas de sus paisajes, hacia un inalcanzable horizonte que sólo él y su objetivo son capaces de divisar, y traernos así una porción de ese mundo que a Alberto ha fascinado y que guarda aún tanto por descubrir.‡

Sus fotografías forman parte de revistas, diarios, y otras publicaciones, entre las que cabe destacar los libros "A Telón Abierto" y "10.000 Kilómetros a Través de La Patagonia, Un Viaje Panorámico". El Consulado de Argentina en Nueva York, en un comuni cado de prensa durante la exhibición de sus Fotografías Pano rámicas, se refirió: "Gandsas tiene un gran conocimiento del poder descriptivo de su cámara panorámica para desplegar con profundidad los elementos del paisaje. Una constante del ritmo personal y la melodía contemplativa aumenta su

Para este artista, "la cámarapanorámica es ideal para transmitir y plasmar en negativo los sentimientos y sensaciones que a uno lo invaden ante tanto esplen dor".

Alberto Gandsas gandsas@interlink.com.ar Freire 1756 Piso 4 Dto. 16 Buenos Aires, Argentina

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GONZALEZ , Adela. Artista plástica nacida en Holguín, Cuba, en 1969. Será allí donde inicie su formación en diversas disciplinas artís ticas para finalmente centrar sus creaciones en la pintura y la escultura. En Holguín se forma en la Escuela Raúl Gómez García, en la que se gradúa en dichas disciplinas. No obstante, en su constante necesidad de aprender, continuará sus estudios, graduándose también como Artista, Escultora y Dibujante en la Escuela San Alejandro, en La Habana. Posteriormente, en Miami, estudia Restauración y Conservación de Pintura al Óleo, bajo la instrucción de Hortensia Gronlier. Así se completa su preparación académica, para aden trarse en una imparable carrera artística a base de trabajo y exposiciones, que se iniciarán en Cuba hasta llegar a los Estados Unidos y dar a conocer su particular estilo, un estilo arraigado en las tradiciones de su propio pueblo que vibra en cada una de sus creaciones. En su persona se aúnan dos corrientes diferentes para la pintura y la escultura, aunque ambas parten de unas raíces comunes que de algún modo están siempre presentes, y que surgen de un cierto primitivismo ancestral embebido de rasgos y mística afrocubanos que fluyen y se manifiestan en las creaciones de esta artista. Su pintura se caracteriza por un apropiamiento de formas e imágenes judeo cristianas que manifiestan la técnica y la estética de los iconos bizantinos. Nimbos dorados y profu sión de colores, sencillez en el diseño y simbolismo. Este misticismo es enriquecido con formas propias, surgidas del paganismo y la mitología tribal. La mezcla de estos compo nentes bajo una estética iconológica asociada al mundo religioso, hace de la pintura de Adela una conjunción pic tórica de gran fuerza y originalidad. La influencia del primitivismo se aprecian en sus escultu ras de un modo más directo, quedándose en la propia forma como elemento transmisor. El refinado trabajo de la madera y la pureza de la línea, combinadas con materiales vegetales como sogas unas veces, y otras contrastando con puntiagu dos y agresivos alambres, remiten a culturas primitivas, a ritos ancestrales. Formas puras, agresivas, de apariencia rudi mentaria pero cuidadas y estudiadas con la precisión de un cuidadoso artesano hacen de la obra de Adela González un poderoso ejercicio de acercamiento a los orígenes.‡

Adela González buyart@quest.net Representada por Patricia Cameron Fine Art 105 S. Main St. Suite 204 Seattle WA 98104. USA

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GONZALEZ SOCA, Alejandra. Escultora nacida en Maldonado en 1973 y afincada en Montevideo, Uruguay. La formación plástica de Alejandra comienza el Instituto Escuela Nacional de Bellas Artes (Montevideo), en el que obtiene el título de Creadora Plás tica. A esta formación artística se añadirá su interés por la peda gogía y la psicología, graduándose en esta última en la Uni versidad Católica del Uruguay donde finaliza sus estudios con un postgrado en niños y adolescentes. Su ya iniciada formación artística será además enriquecida con la asisten cia a diversos cursos y seminarios impartidos en su mayoría por prestigiosos maestros en el Instituto Escuela Nacional de Bellas Artes. Pronto sus méritos contarán con el reconoci miento de diversas instituciones, destacando la Universidad de la República, para la que será becaria. El resultado de la vocación de esta artista-educadora hará que aúne ambas actividades en una sola, para dedicarse a desarrollar una labor orientada a acercar el arte a diferentes sectores inadap tados de la sociedad, tales como adolescentes o ancianos, encontrando así un método de estimulación y reinserción con interesantes resultados. Esta actividad se lleva a cabo, en su mayoría, en el marco del Centro de Arte "La Casa del Berro", en Montevideo, del cual es directora y en el que también ejerce labores de coordinación y docencia en los proyectos comunitarios que allí se desarrollan. Al mismo tiempo, Alejandra González ha participado en distintas exposiciones y trabajado en variadas disciplinas, más allá de la escultura, tales como el diseño de carteles para diferentes eventos o la serigrafía en talleres impartidos para jóvenes, además de llevar a cabo un interesante pro yecto de regeneración de pinturas a gran escala, también enfocado hacia la juventud. Esta emprendedora artista ha recibido distintas distinciones por su labor, tales como la Mención en el concurso organizado por Bienestar Univer sitario 1996, con el proyecto "La Escultura como Expe riencia Abierta a la Creatividad". La obra escultórica de Alejandra González destila gran sensibilidad formal, partiendo de una figuración expresiva en la que prima el buen conocimiento y trabajo de unos materiales que abarcan desde las tradicionales cerámicas a los más novedosos materiales sintéticos, siempre con cui dadosos acabados. Alejandra crea seres que trascienden a la forma para adentrarse en el sentimiento. Personajes que se retuercen, sufren y padecen toman cuerpo en sus manos para hablarnos desde el interior e invitarnos a conocerlos, a comprender su gesto, al igual que esas minorías a las que esta artista se dedica y tan bien conoce.‡ Alejandra Gonzalez Soca dalelogo@adinet.com.uy Benito Blanco 3247 apto. 202 Montevideo,CP 11300 Uruguay

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GRÜNEISEN, Maria Isabel. Pintora argentina nacida en Buenos Aires en 1965. Sus primeros vínculos con el arte surgen curiosamente al tiempo que cursa Administración de Empresas en la Asland University, en Ashlandi, Ohio, Estados Unidos. Allí, por exigencia curricular, deberá cursar otras materias comple mentarias, decidiéndose por las de contenidos más artísti cos como serán Canto, Piano, Teatro, Historia del Arte, Serigrafía, Grabado y Dibujo. Esto hace que se despierte en Isabel la necesidad de crear, y optará por inclinarse hacia la pintura. De ese modo, en 1997 inicia su formación pictórica en el Taller de Cristina Santander, en el que pasará dos años, al mismo tiempo que acude a un Curso de Pensamiento y Creatividad impartido por Fermín Frèvre. En ese mismo año, 1997, empieza también a participar en exposiciones, inicialmente en Argentina, para posterior mente llevar su obra hasta España, Rusia, Estados Unidos, e Italia, lugares todos ellos, donde cosechará éxitos que avalarán su personal pintura. La obra de Maria Isabel Grüneisen parte de la naturaleza, para esta artista, según sus propias palabras "la naturaleza es como el oxígeno: indispensable para empezar a crear". Su pintura delata la observación a la misma, su raciona lización, conocimiento y comprensión. Asimilado este pro ceso puramente intelectual, se vuelca en la pasión por el color, inunda el lienzo con toques de pincel y crea una abstracción que se mezcla con el expresionismo y con la objetiva realidad. Composiciones vitalistas y cuidadas que pueblan gran des formatos donde la artista vuelca su creatividad hasta la extenuación, generando armonía a base de un ritmo inte rior que palpita en la naturaleza y que es plasmado sobre el lienzo.‡

María Isabel Grüneisen igruneilsen@yahoo.net Bouchard 680, Piso 13, (1106) Buenos Aires Argentina

AUTORES

GRÜNEISEN, Teresa. Pintora nacida en 1949 en Buenos Aires, Argentina. Interesada por el arte y más concretamente la pintura desde su infancia, ha ido practicando y dando muestras de su talento a lo largo de los años. Actualmente estudia en el taller del maestro Ricardo Garabito, mientras su ya establecido estilo avanza en la medida en que se centra en el trabajo y en el dominio de los materiales y las diferentes técnicas. Teresa Grüneisen viene mostrando su obra desde 1989, contando cerca de veinticinco exposiciones colectivas, con las que ha recorrido Argentina, Estados Unidos, Italia, Ale mania, España y Bélgica. Sus también numerosas exposi ciones individuales han obtenido rotundos éxitos en Argen tina, Alemania, Uruguay y Estados Unidos. Entre los premios que esta artista ha obtenido, podemos mencionar le Premio del consulado Argentino en la "Expo sición de Arte Argentino Contemporáneo", llevado a cabo en el Museo de Arte Hispano y Latinoamericano de Coral Gables, Florida. Así mismo, Teresa forma parte de una variada bibliogra fía entre la que destacan obras como "Arte Trascendental Argentino" y "Arte Argentino del Siglo XXI", entre otras. La obra de Teresa Grüneisen, de pincelada impresionista y colorido casi fauvista, muestra el trabajo de una artista que ha ido creciendo con el tiempo, con la práctica, a medida que se ha ido sintiendo más segura, manifestándo se en su trazo, en la soltura con la que arrastra la pintura sobre el lienzo, anunciando que hace mucho que dejó de tener secretos para ella. Vigorosas flores pueblan sus cuadros en unas coloristas composiciones donde los colores se complementan y con trastan por igual, mezclándose entre sí, fundiéndose, o apareciendo en sus gamas más puras y vistosas. Una obra ágil, que encierra mucho de sentimiento, y otro tanto de positivismo, de la viveza recogida de la propia naturaleza, viva y apoteósica que nos grita desde el cuadro con una fuerza equivalente a la que le ha dado forma.‡

Teresa Grüneisen Bouchard 680, Piso 13, (1106) Buenos Aires Fax.4315-1136 Argentina

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GUAYASAMÍN, Oswaldo. Pintor ecuatoriano nacido en Quito, en 1919, en una humilde familia de diez hijos, de los cuales es el mayor. La temprana pérdida de su madre y la situación de pobreza en la que vive hacen que con sólo siete años comience a sen tir la necesidad de crear. Sin el apoyo de su familia, que no comprendía la profe sión hacia la que se encaminaba, en 1932 ingresa en la Escuela de Bellas Artes, donde pronto destacará por enci ma de los demás alumnos y de los mismos maestros, y en la que se gradúa en 1941. Afectado desde niño por la violencia de las calles, en las que su mejor amigo de infancia es asesinado, y a quien llega a pintar en su obra "Los Niños Muertos", encuentra en el arte una vía de comunicación en la que denunciar la injusticia social, militando siempre en cuantas causas soli darias se cruzan en su camino. Dos años después de su graduación, con el Premio de Pintura del Salón Mariano Aguilera, inaugura una larga serie de triunfos artísticos y de reconocimientos, entre los que podemos destacar el Gran Premio de la III Bienal de Barcelona, España. y el Primer Premio de la Bienal de San Paulo, Brasil. En 1942 sale por primera vez de su país invitado por el Área Cultural del Departamento de Estado de Estados Uni dos. Más tarde vendrán más viajes: Cuba, China, India, URSS, Egipto, Grecia y toda Europa, realizando más de 100 exposiciones en todo el mundo. En 1977 crea la Fundación Guayasamín a través de la cual dona todo su patrimonio a su país, con el que surgen tres museos: Precolombino-Arqueológico, Colonial y Con temporáneo. Entre su gran trayectoria como retratista y pintor de ros tros, ha pintado a personajes como Neruda, García Már quez, Juan Ramón Jiménez, Fidel Castro, S.M. D. Juan Carlos I Rey de España... pero cabe destacar su mayor obra, realizada en Quito, el espacio arquitectónico "La Capilla del Hombre", más de 2.000 metros cuadrados de murales, declarado por la UNESCO "prioritario para la Cultura". Sin duda la obra de una vida ejemplar iluminada por el talento de un hombre de humildes raíces, generoso, altruista, sur gido del pueblo, y luchador incansable, ha sabido triunfar y dar a su país motivos de orgullo.‡

Oswaldo Guayasamín (Fundación - Ecuador) guayasamin@hoy.net C/ José Bosmediano 543, Quito Ecuador

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GURLEKIÁN, Torós. Pintor nacido en Armenia, en 1920 y nacionalizado argentino. Al poco de nacer su familia se ve obligada a dejar Arme nia, por la invasión turca. Se establecen por un tiempo en el Líbano, donde escucha por primera vez hablar de América, decidiendo llevar allí a su familia. Allí, en Argentina, crece Torós Gurlekián y comienza a involucrarse en el arte y la creación artística, que surge como una vocación personal y que poco a poco irá perfeccionando con distintos maestros, con los que aprende a dominar las distintas técnicas pictóri cas bajo su voluntad personal. Además de conseguir prestigiosos galardones, a alcanzado el más valioso de ellos, que no es otro que la aceptación del público y el reconocimiento de su obra. Tras numerosas exposiciones colectivas, desde 1973 Torós expone su obra de manera individual, recorriendo no sólo su país de adop ción, y llegando hasta Armenia, Alemania y Brasil, y forman do parte de colecciones particulares de japón, Brasil, Armenia, Estados Unidos y Uruguay. Entre su obra pública cabe destacar la realizada para la ciudad donde reside, San Antonio de Padua, Argentina, en el Hospital Eva Perón, para el que realiza el mural "La Argentina", o el "Mural de la Vida", donado al cuerpo de Bomberos de Merlo. Pese haber recibido innumerables y elogiosas críticas, preferimos quedarnos con las propias palabras del autor y su visión del arte como testigo y testimonio de la historia:

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"en la humanidad tuvimos muchos malos ejemplos y el arte se nutre de esas trage dias (...) muestra el horror de la guerra y los desplantes de los dictadores, para tra tar que la humanidad sea un poquito más pensante". Si no tenemos en cuenta su cruda serie de obras dedicadas al genocidio, en la que pone de manifiesto la anterior sentencia, el conjunto pictórico de Torós se centra en escenas no sólo de la vida cotidiana y sus escenarios, sino que tiene también la capacidad de inventar sobre el lienzo esperanzadores mundos de ensueño, donde deja correr su fantasía. Con un excelente dominio técnico, un cromatis mo vivo y vibrante y una pincelada magis tral, su pintura tiene la capacidad de emo cionar y de invadirnos con la luz que emana.‡

Torós Gurlekian sirelis@fullzero.com.ar Av. Pte. Perón 23.644 (1718) San Antonio de Padua. Buenos Aires, Argentina.

GUZMÁN, Olivia. Escultora mejicana. Olivia Guzmán comienza su formación artística en La Real Academia de San Carlos en el año 1976, de la mano de grandes maestros de los que extrae todo el conocimiento de que es posible, para ir configurando su propia obra. Tras este acercamiento inicial, se graduará en Bellas Artes en la Escuela Nacional de Arte "La Esmeralda" de Méjico, donde obtiene el título de Profesora. Ha formado parte de numerosas exposiciones nacionales e internacionales, de manera individual y colectiva, en las que ha cosechado importantes éxitos tanto por parte del público como de la crítica, sin pasar nunca indiferente y dejando mella en todos cuantos se acercan a su expresiva obra. Sus esculturas, fundidas en bronce por la propia artista, forman parte de múltiples colecciones privadas e institucio nales en gran parte del mundo. Olivia Guzmán modela, funde y patina su obra con un espíritu creador que trasciende a la materia y embriaga cada una de sus piezas. Desde el inicio hasta el más mínimo acabado, se recoge la presencia de su mano, de su intelecto, de su deseo de crear, de su fe en lo que crea. Así Olivia demuestra que conoce la anatomía, en recogi das composiciones de cuerpos majestuosos donde los mús culos son suaves dunas que pueden contrastar con las más agrestes texturas, con fisuras que rasgan la carne aportando ligereza y crean un llamativo contraste lumínico colmado de expresividad, pero encerrado en la timidez de la belleza que contiene. La figuración se rinde al poder técnico de esta artista, para hablarnos desde la intimidad de cada forma, de cada gesto, que habla por sí mismo, herido a veces, discreto otras, emo tivo siempre.‡

Olivia Guzmán gzajarias@auragalerias.com Aura Galerias, S.A. de C.V.Amberes,38 Col. Juarez D.F. 06600 México

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HECHT Uriarte, Claudia. Artista plástica nacida en 1965 en Ciudad de Méjico. Licenciada en Administración en el Área de mercadotec nia en el ITESO, Guadalajara, Méjico, su vocación artística le viene dada por la danza, expresión a la que pretende dedicarse hasta que una lesión truncó su carrera. Fue entonces cuando Claudia comenzó a expresarse, primero mediante la escultura, para que, nuevamente la casualidad, hizo que pitara un cuadro con el propósito de hacer un regalo de cumpleaños, que acabó siendo presentado a una exposición y vendido inmediatamente. De ese modo empieza a pintar, de manera autodidacta, siguiendo su propia intuición. Posteriormente asistirá a un Taller interdis ciplinario con Tony Guerra, y recientemente, en el 2001, a un Laboratorio Privado con el profesorado de la Academia de Bellas Artes de Roma, Italia. Su obra ha sido aceptada con entusiasmo en todas sus exposiciones, alcanzando rotundo éxito, tanto en Méjico como en Estados Unidos, Europa, y Asia. Ha recibido importantes reconocimientos, incluidos premios y las felicitaciones de la Secretaría de Relaciones Exteriores en Méjico, la del Gobernador del Estado de Jalisco, la del Instituto Cultural Mejicano en Washington, y la del Museo de Arte Contemporáneo en Morelia, Michoacán, esta últi ma concretamente por la calidad y creatividad de su obra. También recibido reconocimiento como fundadora y presi denta de la Asociación Cultural "Feminalia 2000" y por la presentación de la muestra pictórica en el Instituto ItaloLatinoamericano (ILLA) de Roma, por la embajada mejica na en Italia. La obra de Claudia Hecht está confeccionada por una novedosa técnica: la aplicación de pan de oro y plata mati zada con óleo y pigmentos en polvo sobre tela. Reconoce admirar los modelos artísticos precolombinos, el arte afri cano, y a maestros como Da Vinci y Gustav Klimt, pero sin adscribir su arte a ningún estilo. Sus representaciones son de gran sinuosidad, siguiendo líneas abstractas y orgánicas en las que el simbolismo luminoso del oro y la plata, com binados con la madera, juega un papel fundamental, apor tando misticismo. De excelente manufactura, da lugar a una obra de extrema personalidad, de ricos, acabados que surgen de los más nobles materiales.‡

Claudia Hecht Uriarte mhecht@protelnet.com.mx Ricardo Guiraldes 5555 Col. Vallarta Universidad Zapopan, Jalisco, 45110 México.

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HERRERO, Any. Pintora nacida en Colón, Entre Ríos, Argentina, en 1944. Su primera incursión en el mundo de las artes plásticas será en 1984, comenzando un aprendizaje de la técnica del tapiz, junto a Nora Aslán y Gracia Cutuli, a la que le dedicará varios años y que dará lugar a muestras y partici pación en salones, hasta volcarse de lleno en la pintura. Realizará diferentes viajes a Europa, principalmente por Francia, Italia y Suiza, recorriendo sus más importantes mu seos y galerías, con el afán de acumular todo tipo de cono cimientos útiles para su investigación y desarrollo pictóri co. En 1990 se dedica exclusivamente a la pintura, conti nuando su aprendizaje y perfeccionándose en los talleres de maestros como Luis Fernández, Roberto Volta, Kennet Kemble y Rafael Seguí, con los que irá asimilando distintas técnicas y estilos, hasta volcarse de forma definitiva en el trabajo del óleo a espátula. Ha realizado numerosas muestras de su obra pictórica, en ningún caso pasando desapercibida, y recibiendo los elogios de importantes críticos de arte como los que le dedicó Rosa Faccaro: "hace gala de su origen, tiene una genealogía ilustre y un gran escenario natural que habla de una apertura desde niña a uno de los paisajes, tanto huma nos como geográficos de subyugante encanto". Any trabaja la figura humana, destacando las variantes del desnudo y el retrato en primer plano en su mayor esplendor, extrayendo el sentimiento que se revela en el propio cuerpo transformado en gesto, para ser escuchado. Paradógicamente, pese a estar trabajada con espátula, técnica que genera inevitables texturas y empastes de pin tura, la obra de Any Herrero no es en absoluto lo pesada que se podría pensar. Al contrario, el uso de colores suaves, de fundidos entre el motivo y el fondo, y la luminosidad con la que puebla sus composiciones, dan lugar a acaba dos ligeros por los que la pintura discurre tenuemente dando forma a la escena, la cual parece salir del propio capri

Any Herrero cmh@comex.com.ar Mariano Pelliza 621, B1636FCC, Olivos Provincia de Buenos Aires Argentina

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JAIMES Larrarte, Alex. Fotógrafo colombiano nacido en Bogotá, actualmente afincado en Nueva York, Estados Unidos. Su formación artística da comienzo en la Escuela de Artes de la Universidad de los Andes, Bogotá, Colombia, donde estudia Dibujo. En esta misma Escuela estudiará posterior mente Fotografía y más tarde Animación y Artes Visuales. Será en la fotografía en la disciplina en la que Alejandro decida especializarse. Así, ingresa en El Colegio de Profeso res de la Universidad de Columbia, Nueva York, para estu diar Proyectos Avanzados de Fotografía, para, finalizado dicho curso, continuar en la Escuela de Artes de dicha Uni versidad, en la que participa en un Seminario Avanzado de Fotografía. Aljandro Jaimes-Larrarte, establece una relación con el objetivo que modifica su visión ante la vida, convirtiéndose en un apéndice a través del que captar otras realidades, testi monios de la vida. De gran importancia fue su serie de foto grafías que inmortalizaron la tragedia neoyorkina del 11 de Septiembre del 2000, pasando a formar parte de un valios testimonio histórico. Ha realizado numerosas exposiciones de manera indivi dual y colectiva, en Colombia, Estados Unidos y Japón, con virtiéndose en un reputado profesional reconocido en todo el mundo. Además ha realizado films, entre los que pode mos destacar el más reciente: "Swerve", rodado en 8 mm., en blanco y negro, y de tres minutos y medio de duración, realizado en Mayo del 2003. La fotografía de Alejandro se empapa principalmente de los viajes que este realiza, y en los que capta a las gentes, en toda su naturalidad: la de la gran ciudad y la de los rincones más rurales. Son escenas que recogen algo más que la ima gen, que saben captar una parte del alma, del ambiente que respira. La mirada, el gesto, el rostro, el movimiento, la tran quilidad o el caos... sus equilibrados encuadres son fruto de una mente organizada y de una visión experimentada que sabe captar en la más sencilla escena una obra de arte contenida, efímera de no ser por su presencia.‡

Alejandro Jaimes Larrarte (Alex) ajaimes@ee.columbia.edu Casa: 25-28 42 Street,4B Astoria, NY 11103. New York Shipping Address: Columbia University, 500 West 120 Street MC 4712 1312 SW Mudd-EE Dept. New York, NY 10027. USA

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KRAVCHIK, Laly. Nacida en Buenos Aires, Argentina, inicia su formación artística asistiendo a la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano entre 1950-1953, año en el que ingresa en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrre dón, permaneciendo allí hasta 1956. Retoma sus estudios artísticos años después, en 1977, concurriendo a diversos talleres impartidos por reconocidos maestros. Estudió Cerámica, Pintura y Dibujo con los siguientes Maestros: Mingo, Nojechovcz, Bentuya, Muñez, Araga, Pesce, Sapia, Gorriarena, Aníbal Carreño, Rosa Fac caro y Marino Santamaría. Inicia su participación en muestras expositivas a partir de 1983, con las que ha recorrido importantes salones y expo siciones. Ha cosechado distintos premios, entre los que podemos citar la Mención del Salón Municipal de Artes Plásticas de Avellaneda, Buenos Aires, la Mención en el II Concurso Puerto de Olivos, Vicente López, provincia de Buenos Aires, o el Segundo y Tercer Premio del Club Náutico Hacoaj, Tigre, en 1983 y 1984 respectivamente. A su obra le han dedicado múltiples líneas los más afama dos críticos, como Rosa Faccaro, Fernando Díaz o Angélica Valenzuela, entre otros, destacando su maestro, el difunto Aníbal Carreño quien afirmó: "...decir y hacer fundamenta les e interaccionales, están en su obra, no sólo la miremos, veámosla..." La pintura de Laly Kravchik muestra la expresividad de una ciudad latinoamericana como Buenos Aires. Con su pincel recorre calles y rincones, y sobre todo personas, seres que han perdido su individualidad para convertirse en fantasmas que vagan, en constante movimiento, por cami nos de asfalto, sin percatarse los unos de los otros. Su paleta es rica y vibrante, colorista pero también som bría. Crea contrastes cromáticos, en los que otorga gran importancia a la sombra, el lado oscuro, que aparece en la composición como un protagonista más de la escena. Poseedora de una osada pincelada con la que introduce movimiento y dinamismo, Laly nos muestra la soledad urbana, un paraíso artificial en decadencia. Una pintura con carga psicológica que invita a meditar, a comprender la soledad que impera en medio del bullicio.‡

Laly Kravichck T. 54 11 4832-9439, Malabia 1424, (1424) Buenos Aires Argentina

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LAMBRÉ, Laura. Pintora argentina natural de Lanús y residente en Buenos Aires. Con una temprana vocación artística, comienza a pintar de manera autodidacta. Más adelante acudirá al taller de pintu ra de Marcos Borio, y se perfeccionará en Fundamentos Vi suales junto a Rosa Faccaro. También estudiará Arte Contem poráneo con Fabiana Barreda. Su formación artística la completará por medio de viajes a Japón, Estados Unidos, Europa y Latinoamérica. En el año 2002 su trayectoria es reconocida, siendo distin guida por la Transacademia, Instituto Universal de las Nacio nes, y la OMHS: Obra Mundial Pro Humanidad Solidaria, con la Estrella Académica Universal en carácter de Patricia de la Humanidad Solidaria. Ha realizado numerosas muestras y participado en múltiples salones en Argentina, Uruguay, Grecia, Estados Unidos, Bra sil, Italia, Rusia y Suiza. También ha cosechado variados premios como la mención Especial del Círculo de Bellas Artes de Buenos aires, en el LX Salón Anual, o la Mención Especial del Salón Galería Di mensión Arte, en Buenos Aires. En 1994 dos de sus obras serán seleccionadas por UNICEF Argentina para integrar la selección de Ginebra, Suiza. De su particular obra, Jorge Páez Vilaró, Director del Museo de Arte Americano de Maldonado, ha dicho "su fuerte mag netismo y gran personalidad hacen que la obra de Laura Lambré brille con luz propia". Rafael Squirru, Crítico de Arte del diario "La Nación" va más allá "Laura Lambré ya perte nece a la condición de los maestros". La obra de esta artista es particularmente única e inquietan te. Laura se rodea de formas vegetales que llenan sus cua dros como retazos de bosque, ni más ni menos que la "poé tica de un realismo mágico", como lo denominó Rosa Fac caro. Exotismo poblado de misterio, a la espera de que un hada o duende haga su aparición. Verdes hojas colmadas de plasticidad sobre fondos oscuros de vegetación incógnita, iluminados claros de bosque, todo ello tratado con la de purada técnica de la experiencia. Consigue hacer que es cuchemos el sonido de la vida, en una impactante obra pictórica con tintes de esa sublimidad que nos hace sentir insignificantes.‡

Laura Lambré lauralambre@hotmail.com Sinclair 3151 Piso 1ºC, (1425) Buenos Aires Argentina

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LIBERTI, Juan Carlos. Pintor nacido en Buenos Aires, Argentina. Inicia su labor artística de manera profesional a partir de 1970, iniciando así una intensa trayectoria con la que Juan Carlos se abre un sólido hueco en el panorama pictórico actual. Cabe destacar, además de su pintura, su faceta como ilustrador. Así, ha realizado litografías para, entre otras, distintas obras de William Shakespeare, Jorge Luis Borges, Alberto Guirri o Anna Emilia Lahitte. Ha mostrado su obra en más de veintisiete exhibiciones individuales en prestigiosas galerías y museos de Argenti na, Estados Unidos, Puerto Rico, Paraguay y Venezuela, siendo también reconocido con importantes premios nacionales y extranjeros. Sus pinturas forman parte de más de cincuenta museos de América y Europa, destacando la Galleria degli Uffizi de Florencia, Italia, donde se encuen tra un autorretrato de este artista. Actualmente, y tras haber tratado diferentes temáticas, Juan Carlos Libertia a adoptado la imagen del tango, a partir de la que ha elaborado su propia iconografía y la ha llevado no sólo a la gran muestra del Tango del Palais de Glace de Buenos Aires, sino también fuera del país, mostrándola en el Dans Museum de Estocolmo, Suecia, en el Pabellón de la Feria de Hannover en Alemania o en el Palacio Medici de la Provincia de Luca, Italia. Esta variación en el tema que ha sufrido la obra de Juan Carlos Liberti, es eso, simplemente variación temática, o formal, y si de alguna manera incide en su calidad artística, no es sino a mejor, conforme al hecho de que la comodi dad y satisfacción del artista con su obra, sólo repercute en la mejora. Como bien dice el crítico de Arte Rafael Squirru, "debo destacar la calidad pictórica de sus óleos y se sus dibujos sobre papel (...) en cada uno de sus logros obteni dos se manifiesta como lo que es, un gran pintor". La obra de este artista encierra conocimiento y soltura, contribu yendo a la elaboración de unas formas modeladas con un naturalismo que aporta seguridad a los contenidos surrea les e imaginativos del conjunto. Un mundo en el que se aúnan fantasía y pasión, connotaciones arrabaleras, instru mentos musicales y piernas que se mueven al compás de una música que emana del propio lienzo.‡

Juan Carlos Liberti Juncal 4735 (1425) T. 4775-3499 Argentina

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LUCERO, Santiago. Pintor argentino natural de Buenos Aires. Su formación artística se inicia en una modesta escuela de barrio durante un periodo de seis meses. Pasado este tiempo, asiste a un taller de pintura impartido por la artista Maggie Atienza Larson, con la duración de un año y medio. Este taller organizará dos muestras grupales, en las que fue seleccionado, inaugurando así una larga trayectoria que dura hasta el momento, a base de ser seleccionado o recibir menciones en todos los salones y concursos a los que decide enviar su obra. Paralelamente a su carrera pictórica, Santiago Lucero es director creativo de la agencia de publicidad J. Walter Thompson Argentina, con la que ha realizado varios anun cios publicitarios para la televisión que le han valido el reco nocimiento nacional e internacional, siendo premiado con el León de Oro en el festival de Cannes, el Clio de Plata en Nueva York, distintas Águilas de Oro en el Festival de Publi cidad Mejicana, tres Lápices de Platino en reconocimiento al mejor comercial del año en Argentina, Grand Prix 1999 en el FIAP (Festival Iberoamericano de la Publicidad), y oros en los FIAP 1998, 1999 y 2000. Una carrera en la que por ambos lados emerge un sentimiento creativo imparable. También lleva a cabo un seminario de creatividad en La Asociación Argentina de Agencias de Publicidad y en el año 2002 fue panelista en el Festival de Creatividad "El Ojo de Iberoamérica". La pintura de Santiago Lucero tiene personalidad propia. Es directa y sincera con lo que representa, con escasa varia ción cromática. En cada una de sus pinturas priman sencilla mente tres colores finales, obtenidos a base de trabajar otros, y con eso se basta para dar forma a unas particulares com posiciones a base de trazos que se entretejen, formando unas veces estructuras homogéneas que brotan de la tierra y otras, rotas, esparcidas por el viento, huyendo del cuadro. Destaca el tratamiento que dedica a los fondos, neutros y muy trabajados, siempre en contraste cromático con el res to de elementos y aportando texturas que los enriquecen. Santiago Lucero nos muestra una obra incógnita, una abstracción en la que no es necesario buscar significados, sino apreciarla en su conjunto por la honesta forma con la que es creada, y por la buena técnica y buen hacer que este artista posee.‡

Santiago Lucero santiago.lucero@jwt.com Zapiola 3660 dto 8. (1429) Capital Federal Argentina

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LUEZA, Cecilia. Pintora natural de Misiones, Argentina. Su familia, muy sensibilizada con el mundo del arte, inculcó en ella la pasión por el dibujo y la pintura. De ese modo su formación ya da comienza en su época de esco lar, participando en diversos talleres de arte locales, donde irá obteniendo conocimientos básicos, así como un interés que la llevará hasta la Facultad de Bellas Artes de la Uni versidad de La Plata, Argentina, de la que sale licenciada en 1994. Posteriormente se instala en Buenos Aires y comienza a trabajar en el centro Cultural Borges, desarro llando la idea de crear una revista dedicada al mundo del arte porteño, "El Laberinto" cuyo primer número saldrá publicado en 1996. Su trabajo en esta publicación pone a Cecilia en contacto con diferentes artistas, acerca de los que escribe y mantiene una enriquecedora amistad. Al mismo tiempo que desarrolla la revista, continúa con su carrera pictórica, y realiza murales para lugares públicos y privados en La Plata y en Buenos Aires. Tras sus experien cias en la capital Argentina, acaba por fijar su residencia en Miami, Florida, Estados Unidos, donde tiene ocasión de trabajar como asistente y artista para el maestro Pérez Celis, quien a su vez influirá en su propia obra, contribu yendo a su madurez. Al mismo tiempo que desarrolla su obra pictórica, continúa sus trabajos para distintas publica ciones en Latinoamérica, Estados Unidos y España. Su obra, mostrada en reiteradas ocasiones desde 1993, dando lugar a más de veinte muestras en Argentina, Estados Unidos, Méjico y Puerto Rico, ha recibido comentarios como los de Iván Ávila, quien recientemente afirmó: "la línea de la vida en la obra de Cecilia Lueza es a la vez arte y pensamiento que germinan de una postura espiritual, de una reflexión de la capacidad interior del hombre". La pincelada de Cecilia Lueza contiene personajes que nacen por sí solos de la propia mancha, del impecable trabajo del color, en gamas contrastadas que aportan una carga simbólica capaz de adentrarnos en las entrañas mis mas de la vida, de los orígenes. Composiciones equilibra das que juegan con la figuración, en un acto de mimetismo con el fondo, con el puro color. Una obra que delata la capacidad de comunicación y de evocación de una artista crecida y asentada.‡

Cecilia Lueza cecilialueza@yahoo.com 2220 SW 12 street, Miami, Florida 33135 USA

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LUNA, Carlos. Pintor cubano, natural de Pinar del Río. Su formación artística da comienzo de manera oficial en 1980, año en el que Carlos Luna ingresa en la Escuela Provincial de Artes Plásticas del Río, en Cuba del Pinar. Posteriormente, en 1983, se traslada a La Habana para estudiar Arte en la Academia de San Alejandro. Un año más tarde, abandona esta academia e ingresa en la Escuela Na cional de Artes Plásticas (ENA), también de La Habana, donde finalizados estos estudios, en 1987, ingresa en el Ins tituto de Artes Superiores. Desde muy temprano, en 1985, Carlos Luna inaugura un larga y fructífera trayectoria expositiva que da comienzo en el Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana, como participante del Salón Nacional de Escuelas de Arte, y que hasta el momento, ha desembocado en más de sesenta exposiciones individuales y colectivas, con las que la obra de este artista ha recorrido Cuba, Méjico, Estados Unidos, Puerto Rico, República Dominicana, India, Venezuela, Nicaragua, y prácticamente todo África con una exposición itinerante de serigrafía. Entre los galardones que ha recibido, podemos mencio nar, entre otros, los primeros premios obtenidos en el Salón de la Ciudad, Galería Luz y Oficio de La Habana, en 1988, y en 1991, esta vez en el Salón de Profesores de esta misma galería, el Primer Premio del IV Salón Provincial del Salón provincial de Pintura de Pinar del Río, también en 1988, o el Premio en el IV Salón Nacional de Premiados del Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana, Cuba. La obra de Carlos Luna presenta una atractiva estilización formal, que en ocasiones remite al primitivismo, en su linealidad y sintetización, así como en la firmeza del trazo. Trabajada con gran intensidad del dibujo, el trazo cobra una importante presencia, configurando la escena y deli mitando los planos de color, un color dominado con des treza, que puede aparecer en los tonos más puros, y fundir se entre sí dando lugar a estudiadas texturas que emanan de la pincelada. Una obra de calidad, con guiños que dejan patente el sentido del humor con el que este artista configura sus creaciones: de manera directa y con absoluta sinceridad.‡

Carlos Luna claudiarl92@hotmail.com 8903 SW 69 str, Miami. Florida, fl 33173 USA

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MAC Entyre, Eduardo. Pintor nacido en 1929 en Buenos Aires, Argentina. Diseñador gráfico, su formación en las artes plásticas la obtiene de manera autodidacta. Forma parte del "Grupo Joven" junto a los artistas Vidal, Magariños, Filievich y Martino. Más tarde será co-fundador del Movimiento del Arte Generativo, junto a Vidal y Pirova no, formará parte de la asociación "Arte Nuevo", que publi cará la revista del mismo nombre, desde la que se pretende acercar al público a los nuevos movimientos artísticos no figurativos del momento. Mac Entyre realiza más de cuarenta exposiciones indivi duales en toda América latina, Europa y Estados Unidos.. Sus obras forman parte de múltiples colecciones en impor tantes Museos, como el Museo de Arte Moderno y el Gug genheim de Nueva York, además de Embajadas, Fundacio nes, Instituciones y colecciones privadas en todo el mundo. Recientemente, en el año 2000. su obra "Cristo, la Luz" fue adquirida por la Academia Pontificia de Ciencias de El Vati cano, Roma, Italia. Cuenta con galardones como el Primer Premio de la UNESCO de 1961, el Premio por la Organización de los Estados Americanos y el Museo de Arte Contemporáneo de América Latina en Washington en 1986 por su contribu ción al Arte Contemporáneo, el Laurel de Plata a Dis-tin guida Personalidad en 1988, el Primer Premio de Honor de la Primera Bienal de Pintura "Espíritu de Grecia" y el Primer Premio a la Trayectoria María Calderón de la Barca 1996, en Argentina, junto a otros muchos. Entre la amplia bibliografía que existe sobre este artista, y los comentarios que sobre él han sido vertidos por presti giosos críticos, preferimos destacar sus propias palabras acerca de su obra, de la que dice manifestarse "como un conjunto de relaciones que terminan por incorporarse con fluidez en una misma constelación estética". La obra de Eduardo Mac Entyre, elaborada a base de acrí lico sobre tela no parece obra humana, por la calidad, por su diseño, por el impecable desarrollo del que hace gala, así como el equilibrio, pulcritud, conocimiento de la forma y manejo de la pintura, llevados hasta términos prodigiosos. En sus dinámicas composiciones, dominadas por la línea curva, funde los colores, traza blancos sobre fondos oscuros, siempre llenándolos de una luz que parece salir de la propia obra, para cargarla de absoluto misticismo.‡

Eduardo Mac Entyre T. 54 11 4301 9366 Brandsen 1498, C1287AAF, Buenos Aires Argentina

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MALDONADO, Elizabeth. Pintora Argentina nacida en 1960 en la provincia de Cór doba. Atraída desde siempre por el arte, concretamente el dibu jo y la pintura, la llevarán a cursar la licenciatura de Bellas Artes en la Facultad de Filosofía y Humanidades de la Uni versidad Nacional de Córdoba. A medida que cursa sus estudios e investiga de manera individual, irá reuniendo una amplia obra pictórica que en 1993 mostrará por primera vez al público el la Casa de Cul tura de Funes, provincia de Santa Fe, Rosario, exposición con la que inaugura una extensa serie de muestras con las que su obra irá recorriendo la Argentina, participando en Exposiciones como el Salón Arte Argentino Contemporáneo 2002 en la Casa de Rusia en Buenos Aires, Argentina, el I Salón de Artes plásticas "Pequeño Formato" de la Municipa lidad de Villa Carlos Paz, o el Salón "Pabellón Argentina" en la Ciudad Universitaria, ambos salones llevados a cabo en Córdoba. Paralelamente, Elizabeth Maldonado también realiza ilustración, trabaja la escultura y diseña bajo relieves, ejer ce como muralista, e investiga las posibilidades y técnicas del grabado. El la obra de Elizabeth destaca su dominio del dibujo, que se delata en el trazo pictórico con el que crea imagina tivas formas que parecen surgir de un insinuante mundo de fantasía donde las formas sólo son insinuadas, dejando que la imaginación corra por sí sola. Así, de entre la cargada atmósfera parecen asomar tentá culos, seres que serpentean en ritmo oscilante, que se fun den con el fondo, mimetizados como un camaleón al ace cho de su presa. Escenas intrigantes de composición bien resuelta, como salidas de una narración de H. P. Lovecratf, son trabajadas con la soltura de la pincelada con la que son modeladas. Su habitual cromatismo es un peculiar trabajo que parte de los verdes y azules, a veces contrastados con ligeros toques anaranjados que introducen luminosidad y calidez, dando resultados de un oscurantismo y tiniebla que genera una innata tensión e incertidumbre ante lo descono cido, siempre presente en el género humano.‡

Elizabeth Maldonado elizabethmald11@hotmail.com Calderón de la Barca 230, B alta, (X 5001 AYE) Córdoba Argentina

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MANTEIGA Varela, Francisco. Escultor nacido en La Coruña, España, en 1964. Francisco Manteiga se adentró en los caminos de la escultura habien do pasado la treintena. Hasta entonces, su ocupación había estado vinculada al mundo de la informática, tras obtener el título de Ingeniero Técnico Industrial, en la Universidad de Oviedo, Asturias, en la especialidad de Estructuras e Insta laciones Industriales. No obstante, algo se habría ido cua jando a lo largo de su formación. Algo que acabaría por germinar, y nos referimos al primer acercamiento hacia los materiales que le ofreció el cursar Formación Profesional en la especialidad de Estructuras metálicas en el U. L. Crucero Baleares de La Coruña, donde aprendió soldadura, caldere ría, etc. Un contacto con los materiales en sí mismos, que no con la propia manifestación artística que actualmente desarrolla, siendo, por tanto, un artista autodidacta con for mación de artesano. Quizás estas raíces fueron las que llevaron a Francisco a instalar un taller de fundición en el que él mismo maneja, principalmente, bronce y aluminio, los materiales básicos de su obra. Pese a su relativamente reciente incorporación al mundo de las artes, ha mostrado su obra en varias expo siciones entre ellas en la Sala Barna (Batic Art) en Barcelo na, en la II Bienal Rincón de Ademuz, Valencia, y en la 54 Frankfurter Buchmesse. La escultura de Francisco Manteiga se debate entre dife rentes estilos que oscilan desde lo constructivo hacia la figuración, sin querer encasillarse en límtes formales y avanzando hacia las sensaciones que transmite sea cual sea la forma final obtenida. Así se interesa por la vida, por experiencias cotidianas que transmiten el peso de lo orgá nico a través de la línea curva. Su escultura es racional, estudiada, un perfecto equilibrio en el que se sopesa lo presente y lo ausente, la forma y el hueco. Formas antropo morfas macizas y pesadas, fundidas en arena, y constructi vas formas ligeras que juegan con el aire, lo acarician. Así es la obra de este artista redescubierto en el hombre o viceversa, pero con suficiente técnica y ganas de comu nicarse con los materiales para juntos, ofrecernos todo cuanto lleva guardado dentro.‡

Francisco Manteiga Varela fm@fmanteiga.com T. 667-049-042 España

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MARIÑO Belascoain, Consuelo. Pintora española nacida en 1945 en Ferrol, La Coruña, Galicia y residente en Tarragona, Cataluña. Su formación académica se inicia en 1998 mediante un curso de Técnicas Artísticas en el colegio Público Jaume I, en Tarragona. Este curso despierta en Consuelo un gran inte rés por la pintura que la llevará a buscar más formación alternativa al tiempo que continúa perfeccionando e inves tigando por su cuenta, apoyándose y buscando ayuda en libros y vídeos sobre Técnicas Artísticas de Dibujo y Pintura. Así mismo, visitará exposiciones, tanto en Europa como en América, de las que extrae todo cuanto pueda ofrecer el contacto con el arte y con sus creadores. Recientemente, en el año 2003, realiza un curso de Gra bado impartido por la Fundación La Caixa de Tarragona, ciudad en la que reside. Ha realizado numerosas exposiciones en Cataluña y fuera de esta, participando en dos exposiciones itinerantes, la primera de ellas con el Grupo Marea, y la segunda "Origi nales Solidarios" con Stylusart. También ha expuesto en la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Marbella, y su obra fue seleccionada para la Muestra de Arte del VIII Festival Lesgaicinemad de Madrid.

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Consuelo Mariño aparece en distintas publicaciones, entre las que destacan varios números de la "RevistArt" y la "Guía Nacional de Artistas del Siglo XXI". Confecciona su obra haciendo uso de distintas técnicas e investigando con todo tipo de materiales que aportan parti cularidad a sus cuadros. Se mueve en el terreno de la abs tracción, reduciendo sus creaciones a la mínima expresión, en una obra sencilla y conceptual. Juega con las texturas y con el simbolismo del color, que parte de una paleta poco variada y es manejado puro y sin artificio, y se sirve de estos para reproducir efectos naturales, en los que sin recurrir a la naturaleza la evoca y recrea sus sensaciones: la lluvia que salpica los cristales, las gotas de sangre... resultados de un efecto que es el concepto en sí mismo y que se intuye mediante su forma, la mera expresión de su ser.‡

Consuelo Mariño Belascoain C/ Ixart, nº 7-2º 43003,Tarragona. España

MARTÍN Lozano, José Vicente. Pintor español natural de la localidad de Siles, Jaén. De temprana vocación artística comienza a pintar con tan sólo diez años. A raíz de su toma de contacto con el pincel, desde sus primeros inicios mostrará su deseo de aprender, dedicándose a investigar y estudiar todo lo cuan to cae en sus manos referente al mundo del arte y de la pintura, hasta descubrir a los maestros, Kandinsky, Mondrian, Miró, Paul Klee y el Constructivismo. Estudiará Arquitectura Técnica Superior en la Universi dad Politécnica de Valencia durante tres años, para regresar de nuevo a Andalucía, donde continúa sus estudios en Gra nada, abandonándolos definitivamente tras el fallecimiento de su padre. Ha mostrado su obra en numerosas muestras y exposicio nes, cosechando el éxito de la crítica y del público. Recien temente ha participado en la V Feria de Arte Contemporá neo de Sevilla ARTESEVILLA 2003, con la Galería Gaudí de Madrid. Entre las críticas dedicadas a la obra de este artista, pode mos citar a Adrián Cobos de Terra, quien manifestó "su obra es una evolución controlada desde el Expresionismo hasta las más Abstractas explosiones de color", o la rotunda afir mación firmada por el Equipo del Grupo Batik Art "su obra posee calidad y particularidad". José Vicente traza sus creaciones a base de acuarela y tinta china, principalmente.

El dominio que posee sobre estas técnicas da lugar a una obra clara, concisa y de gran limpieza compositiva. De sus fondos aguados brotan esos elementos geométricos, esa linealidad funcional que dela tan su reconocida influencia del Constructivismo, con los que forma coloristas composi ciones asentadas en el más estudiado equilibrio. José Vicente crea desde el interior, tras un proceso de ra cionalización de la forma, para derramarla sobre el papel como si fuese producto del capricho de la propia pintura. Juega con la saturación y el contraste, dando lugar a una obra compleja colmada de vitalidad y dinamismo, la cual resulta gratamente beneficia da por la ligereza que aporta la técnica de la acuarela.‡

José Vicente Martín Lozano josev@ya .com España

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MATHEU, Leonel. Pintor nacido en Cuba en 1967 y afincado en Estados Unidos desde 1993. Su formación artística tiene lugar en el Instituto de Diseño de La Habana, Cuba, en el que se gradúa Diseñador Grá fico. Su pintura es fruto de la investigación e interés personal por el mundo de las artes plásticas, haciendo que Leonel Matheu desarrolle una particular obra que le valdrá reco nocimientos y selecciones, como la Mención de Honor del año 2001 de la Asociación de Artistas Individuales de Florida, Estados Unidos, donde también recibe la Orden de Distinción de Chival Regal en el año 2000. También en el 2000, Matheu recibe la Medalla de la Cultura de Rotter dam, Países Bajos. Su obra ha formado parte de numerosas exposiciones, muestras y salones, tanto de manera individual como colec tiva, gozando en todo momento de una grata acogida, así como la aceptación de la crítica, colectivo que se ha pro nunciado favorablemente para con las creaciones de este artista. Ejemplo de esto son los comentarios firmados por Carol Damian, quien se refirió ante sus creaciones como "símbolos que se convierten en metáforas de la modernidad y en sustitutos de los léxicos primitivos que nos son fami liares por su significación universal, tras siglos de Historia del Arte". Y es que Matheu combina en su obra un léxico primitivo y actual, dando lugar a una mezcla de léxicos que hacen de sus creaciones un ejercicio de comunicación mediante el que el artista vuelca su postura hacia la vida. Sus compo siciones son equilibradas, compuestas por elementos sim pares sin limitación cromática pero con una tendencia a la oscuridad que contribuye a dar forma a esa sensación claustrofóbica del universo. Mezcla la abstracción con lo figurativo en un mundo de aparente ingenuidad pero de gran contenido, con una dimensión social crítica. Un mun do en el que sitúa personajes perdidos que apenas atisban entre la soledad del caótico y bien delimitado paisaje. Matheu vacía su alma, en una obra racionalizada, con un mensaje suficientemente explícito para todos aquellos que opten por atreverse a mirar el mundo a través de los ojos de este artista.‡

Leonel Matheu 103 Westward Drive, Miami Springs, Florida, Fl. 33166 USA

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MATUS, Margarita. Pintora argentina nacida en 1926. Margarita Matus se gradúa en 1947 Dibujante Profesional en la Escuela Nacional de Bellas Artes "Manuel Belgrano". Posteriormente asistirá a un taller de pintura con Horacio Butler, y en 1972 se gradúa de nuevo, esta vez como Pro fesora Nacional de Pintura, y un año más tarde como Pro fesora Nacional de Grabado, en la Escuela Nacional de Bellas Artes "Prilidiano Pueyrredón". En 1978 se gradúa Profesora Nacional Superior de Pintu ra en la Escuela Superior de Bellas Artes "Ernesto de la Cár cova". En los años posteriores, entre 1980 y 1984, asistirá al taller de pintura de Aníbal Carreño, y en la actualidad cursa la Licenciatura en artes Visuales en el Instituto Uni versitario Nacional de Arte. Ha participado en numerosos salones y exposiciones, que darán comienzo ya en su primera época de estudiante, con su primera exposición, en 1945, en la que obtendrá además su primer premio, inaugurando así una intensa tra yectoria de galardones como el Premio estímulo en el Con curso de Manchas de la Municipalidad de Buenos Aires, el Tercer Premio del Salón Anual de Dibujo y Grabado del Centro Cultural Catedral, el Tercer Premio de Pintura del Salón de Otoño de la Galería Núcleo de Arte, la Primera Mención en Pintura de la Primera Bienal Internacional de san Telmo, entre otros. Su obra ha recibido los elogios de reconocidos críticos, entre los que podemos citar a Osiris Chiérico "Margarita Ma tus ha asumido una fuerte, una vigorosa individualidad, una fortaleza afirmada en un acertado sentimiento cromático". La obra de Margarita Matus es una amalgama de desbo cadas pinceladas entre las que se esconden sosegadas composiciones, que parten de una paleta básica y afín, y una técnica dominada hasta la extenuación durante largo tiempo de estudio e investigación. Su pintura contiene grandes valores plásticos, en ella, el firme trazo de un neo impresionismo del siglo XXI impregnado del carácter pro pio de su creadora, se mueve libre sobre el lienzo, sin reparo y seguro de sí mismo.‡

Margarita Matus matpre@fibertel.com.ar Mendoza 5049, Piso 9 Dto. 30. Buenos Aires Argentina

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MENDOZA ALARCÓN, Luis. Pintor peruano, nacido en Huancavelica en 1958. Luis Mendoza Alarcón se licencia en la Escuela Superior de Bellas Artes de Trujillo, Perú, en 1984, y ejercerá la docencia en la Escuela Superior de Bellas Artes Macedonio de la Torre, también de Trujillo. Ha participado en más de cincuenta exposiciones tanto colectivas como individuales, en las que ha dado a cono cer su obra por toda la porvincia de Perú, y en el exterior, como en Ecuador, Méjico, Marruecos, o Estados Unidos. Fue seleccionado para la muestra "Raíces Andinas en el Arte Latinoamericano" realizado en la Sede de la ONU de Nueva York, y ha recibido el Primer Premio Paramonga 2000, el Segundo Premio del Primer Salón de Pintura Con temporánea Latinoamericana realizado en Piura, Perú, el Premio Galería Borkas, por el VI Salón Ancón de Lima, Perú, o la Medalla de Oro de la Municipalidad de Trujillo, entre otras distinciones. Su personal obra ha calado hondo entre la crítica, y a su respecto se han publicado palabras como las de el Catálogo Enigmas, firmadas por Hernán Miranda Cueto: "Alarcón, (...) ve surgir en la alquimia de su arte, como una revela ción, la piedra filosofal que convierte a un ser frágil e inse guro, cargado de dudas y temores, en el instrumento de una voluntad capaz de explicar en qué consiste la "imagen y la semejanza" bíblica, que no es otra que el atributo de crear." La obra de Luis Alarcón se entrega al simbolismo en cada uno de sus elementos. Sus personajes de rostros sosegados y serenos, como todo su gesto, viven con la cotidianeidad que sólo otorga la imaginación en mundos extraños, de trompetas aladas, de máscaras, y de colores tan vivos como difusos. Sus pinturas tienen el tono neutro de la pátina del tiempo, envejecidas, con un cierto tenebrismo obtenido a base de trabajar el color, en el que se recortan vivos rojos o amarillos, formando especiales contrastes frente al juego de luces y sombras de esos extraños interiores propios de los viejos salones de un castillo iluminado por antorchas. La obra de este artista manifiesta sencillez en la línea, dominio del color, firmeza en el trazo y decisión. Entusiasmo creativo que da lugar a una iconología propia que sólo se puede comprender liberando nuestros sentidos y respiran do en el interior de sus cuadros.‡

Luis Mendoza Alarcón luartemioalarcon@LatinMail.com José Inclán 140, Santa María V Etapa. Trujillo Perú.

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MOLINA Leal, Mirtha. Pintora argentina natural de Córdoba. Mirtha Molina siente desde muy joven un interés por el arte y en particular por la pintura, que remitirá en que curse estudios en esta rama artística para graduarse como profeso ra de Dibujo y Pintura. Ejerce la docencia de manera parti cular en su propio Taller, donde da clases de ambas discipli nas artísticas. Desde 1998 ocupa el cargo de delegada de Artes Plásticas en la Asociación Cultural "La Solapa". Es además ilustradora de cuentos y poemas, entre los que podemos destacar la ilustraciones realizadas para las obras de María Amalia de Miranda "Cuentos de Monteazul", "Cuentos Andariegos" y "La Flor del Lirolay y otros Cuentos para Adolescentes". Ha mostrado su obra en numerosas exposiciones en las que ha cosechado grandes éxitos, y su obra se encuentra en distintas colecciones públicas y privadas. Entre sus exposiciones más recientes podemos citar la llevada a cabo por la adhesión de la Asociación "La Solapa" al Jubileo de la Iglesia Católica en el año 2000, ocasión para la que Mirtha expuso sus obras el los Salones de M.A.S. en Entre Ríos, Córdoba. En la pintura de Mirtha Molina existe un gran sentimiento religioso presente en cada escena, por medio de las referen cias iconológicas que pueblan sus paisajes. Sus imágenes se descomponen en retículas de carácter geométrico y aspecto computadorizado en las que la artista centra su peculiar for ma de pintar, creándose una estética propia que se mueve con gran desenvoltura por los terrenos de la figuración. Es evidente su poder para racionalizar la imagen y sinteti zarla en forma y color, de manera que los entornos bucóli cos que nos recrea parecen surgir por casualidad como las formas de un mágico calidoscopio cargado de vivos colores. Riqueza formal y gran creatividad se conjugan en la figura de esta artista y dan lugar a una esperanzadora obra en la que los ángeles despliegan sus alas para sobrevolar nuestras ciudades y pueblos.‡

Mirtha Molina Leal (Argentina) molinaleal@yahoo.com Avellaneda 1134, (5000) Córdoba Argentina

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MONASTERSKY, Natalia. Pintora nacida en Buenos Aires, Argentina, en 1975. Su formación artística da comienzo cuando tan sólo cuen ta con seis años de edad, asistiendo a diversos talleres, pero su primer maestro lo tendrá a los nueve años, y será Luis Bottini. Pasado este precoz periodo de formación, Natalia se desvinculará en cierto modo del taller, para volver a retomar lo a los dieciséis años, junto a Raquel Gimenez. Esta nueva etapa se completa con cursos de dibujo y pintura con Helena Distéfano, y a los dieciocho años se une al grupo "Escencia lismo", en el que permanecerá cuatro años, al mismo tiempo que recibe clases de dibujo y pintura con Eduardo Giusiano. Paralelamente a esta intensa trayectoria artística, Natalia Monastersky se licencia en Medicina. Su primera exposición individual tiene lugar cuando cuenta con veintidós años, a la que seguirá una larga carre ra de éxitos que llevarán su obra hasta Roma (Italia), Bar celona (España) o París (Francia), ciudad en la que realiza varias muestras. Cuenta en su poder con el Tercer Premio del Salón de Arte Contemporáneo de la Fundación Fiteco, la Mención del jurado en el Salón del Paisaje de la Fundación Yukio Mishima, o las Menciones Especial del Jurado y de Honor del Centro Universal de las Artes, todos ellos en Buenos Aires. Natalia participa en una amplia bibliografía, y su obra ha recibido palabras como las de Blanca Monzón Wernly, "esta talentosa artista viene comunicando nosólo con una forma

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de "hacer ver", sino una de "hacer vivir y sentir". Las pinturas de Natalia presentan una equilibrada composición en la que se integran a la perfección los juegos cro máticos y lumínicos, dando lugar a una escenografía muy sugerente trabajada con la precisión y la técnica propios del trabajo personal y de una formación intensa. Su pincelada es sabia, como lo es la manera con la que trabaja y trata el color, en un aparente caos racionaliza do. Puede rozar los límites de la abstrac ción o recrear impactantes paisajes donde las construcciones de amontonan haciendo uso de la tensión de las gamas frías, casi noctámbulas con las que intro duce una estudiada profundidad. Sus obras crecen dentro del lienzo, abrién donos sus puertas e invitándonos a pasearlas... a recorrer sus melancólicos rincones.‡

Natalia Monastersky nataliamonas@mail.com Ambosetti 104 1er piso dpto A (1405) Capital Federal. Argentina

MONTES DE OCA, Antonio. Antonio Montes de Oca nace en Carora, Estado Lara, Venezuela, en 1968. Su formación pictórica tiene lugar en la Escuela de Artes Plásticas Martín Tovar y Tovar, en Barquisimeto, Estado Lara, en la que ingresa en 1987 para espe cializarse en Arte Puro. Allí aprende a mirar la realidad para racionalizarla y tras ese proceso, aportar su particular visión, dando lugar a una personal obra, que pronto se empieza a dar a conocer en múltiples exposiciones, con las que recorre su país, Venezuela, llegando a Estados Unidos, Puerto Rico, Francia, Cuba..., lugares por los no pasa desapercibido. Así mismo, cuenta con numerosos premios y men ciones, como el Primer Premio de pintura en el VII Salón de Artes Plásticas

Bolívar Conservacionista, en Caracas, el Segundo Premio de Pintura en el I Salón Nacional de Arte Yaracuy, en el Estado de Yaracuy, el Premio "Joven Artista" en la I Bienal Nacional de Artes Visuales del Museo de Barquisimeto, en la Ciudad de Barquisimeto, el Gran Premio "Salón de Arte Caribe" del Museo de Arte Contemporáneo de Coro, Estado de Falcón, entre otros. Su obra forma parte de gran número de colecciones públicas y privadas, como el Museo de Barquisimeto o la Embajada de Méjico en Caracas. La obra de Antonio Montes de Oca, es una visión geome trizada de la cotidianidad que nos rodea. Tiene la capaci dad de revivir la naturaleza muerta, de encontrar un paisaje en el rincón más insignificante. Para eso los filtra por su capacidad de observación, y se comunica con el pincel, dando lugar a composiciones sumamente coloristas y posi tivas donde combina los planos y las texturas, las luces con los distintos ángulos de visión. Mediante la aparición en sus composiciones de una puerta o una ventana, Montes de Oca dice "establecer una relación entre el objeto y el pai saje exterior". Reinterpreta la realidad y la inyecta a base de alegres pinceladas y buen uso del dibujo y la geometría, encerran do, sin embargo, cierta dosis de soledad, de melancolía en los objetos, que silenciosos, esperan que alguien los mueva, quizás para ser usados.‡

Antonio Montes de Oca Galería Millenium (Venezuela) gonzalomontero@supercable.net.ve Av. Luis de Camoens Ctro. Clover (1081) Caracas, Venezuela

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MUÑOZ, Luis. Artista plástico nacido en 1959 en Sto Domingo, Rep. Dominicana.Su formación artística da comienzo en 1975, momento en el que ingresa en la Academia Nacional de Be llas Artes de la Rep. Dominicana, donde le es galardonado con el Primer Premio 1975 y 1976. En 1980 continúa sus estudios en la Academia Nacional de Artes Gráficas, en la que se gradúa como Técnico en Artes Gráficas. Ese mismo año comienza también estudios de Publicidad y Marketing en el Instituto Dominicano de Publicidad y Marketing, y en 1995 cursará, con el Círculo de Bellas Artes de Madrid, el ciclo "El Arte Verdadero". Pintor y escultor, ha mostrado su obra en numerosas oca siones, tanto en exposiciones colectivas como individuales, llevándola, además de por toda la Rep. Dominicana, hasta Francia, España, EE.UU, Alemania o Méjico, lugares donde en todo momento ha cosechado grandes y elogiosas críticas, como los comentarios vertidos por la Historiadora del Arte Patricia Ferdinand-Ude, a raíz de una de sus varias exposi ciones en Alemania: "si observamos las pinturas de Luis Muñoz, nos damos cuenta de que nosotros, los observado res, somos al mismo tiempo sometidos a la observación. Nos sentimos vigilados por los numerosos ojos que emanan de sus lienzos". Luis Muñoz toma para su obra la obra de la naturaleza. Usa sus materiales, los admira, los representa, y confirma: "la naturaleza crea las mejores formas y no tenemos que

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competir con ella". Por eso él las toma para sí, y a un tiempo protesta contra el deterioro natural, comen zando por matanza de corales, que de forma sencilla y sincera rescata, elevando sólo a la propia naturaleza a la categoría de artista, aunque el auténtico arte se encuentra en los ojos del que mira, y esa visión sólo le pertenece a él. Es Luis Muñoz quien descubre esas creaciones y las lleva a los museos, sin osar a modi ficarlas, respetando su forma capri chosa, pero viendo en cada momen to valores estéticos inimitables, insu perables y por tanto, únicos. Y lo hace sin apropiarse, y es más, res tando mérito a esa particular capaci dad con la que ha sido dotado para observar el mundo con los ojos del alma.‡

Luis Muñoz C/ Recodo Edificio Marimila Apt 1B Bella Vista. Santo Domingo. República Dominicana

NAKAUCHI, Julia. Pintora argentina, nacida en Buenos Aires. Destacable artista, Julia Nakauchi de inclina por la pintu ra oriental y sus laboriosas técnicas. Adquiere su formación pictórica en el Taller "El Amanecer" junto a la profesora María Elena D´Alessandro, con la que aprende el dominio de la acuarela con técnicas orientales. Más tarde, en el "Taller Diana C.", con a la profesora Dia na Cardelli, estudia óleo y acuarela. En los últimos años, ha participado en numerosas exposi ciones, comenzando a mostrar su pintura en el 2001 y continuando imparable en la actualidad. Ha obtenido premios como la Mención Especial del cen tro Cultural Yukio Mishima, la Distinción Especial del Jura do por la Modalidad Acuarela Oriental del II Concurso Libre Expresión Plástica RG en el Arte, o el Primer Premio del Concurso de Pintura Expresión Libre de las Organizaciones Culturales GB. Sus obras integran colecciones y pinacotecas privadas en Japón, Caracas y en Cuba. "La lírica y la poesía están enmarcadas en el contexto plástico de Julia Nakauchi, revelando una mística postura orientalista", dictaminó, acertadamente, la crítica de arte Silvia Pellegrini. Julia Nakauchi rescata una técnica milenaria originaria de la Antigua China para obsequiarnos con sus obras, deli cados paisajes confeccionados a base de tinta china (sumi), trabajada con pinceles de caña de bambú y pelo de carpin cho o jabalí, a los que posteriormente aplica el sutil color de la acuarela. El resultado es una impactante obra que nos remonta a tiempos y filosofías lejanas que hablaban de orden y equili brio, tan presentes en los paisajes de Julia, evanescentes como un sueño, como la bruma del amanecer. Una pintura que parece desaparecer con un leve soplo de aire, y que sin embargo posee la solidez necesaria para llegar a afin carse en la memoria de todo aquel que ha mirado en el interior de uno de sus cuadros. Ella misma explica su pretensión con la pintura: "llegar al cielo que está aguardándonos detrás del cielo".‡

Julia Nakauchi Yerbal 1880, 5º P, Buenos Aires T. 54 11 4631-2423 Argentina

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NEYMAN Zerda, Alina. Pintora argentina nacida en Carmen de Patagones, Provin cia de Buenos Aires, en 1934. Profesora de Bellas Artes (pintura) otorgado por la Escuela Provincial de Bellas Artes "Tomás Cabrera" de Salta. También es titulada Maestra Normal Nacional por la Escuela Normal Manuel Belgrano de Salta, y ha estudiado lengua inglesa y francesa, contando con titulaciones en am bos idiomas expedidos en Michigan, Estados Unidos y en París, Francia, respectivamente. Inicia su trayectoria expositiva en 1960 y ha participado desde entonces en gran número de salones y muestras, en su mayoría en su país, y recientemente, en el 2002, en la Jadite Galleries de Nueva York. Ha obtenido multitud de premios, entre los que podemos destacar el Primer Premio en el I Salón de Artes Plásticas para el Ámbito Nacional otorgado por la Universidad de Sal ta, el Premio al Mérito Artístico instituido por ley Nº 6475 de 1998, otorgado por el Gobierno de la Provincia de Salta o el Gran Premio de Honor en Pintura en el XIV Salón de Artes Plásticas de la Provincia de Salta. Objeto de elogiosas críticas, la propia Alina resume su obra con sencillez y modestia: "lo mío es simplemente una figuración con gran abstracción". La obra de Alina Neyman toma la realidad para reducirla a pura esencia, con limpieza lineal, claridad compositiva, y absoluta desornamentación. Línea y color: no necesita más. Reconoce su único vínculo con la figuración en la ciudad de Salta, tema central de su obra, y asegura que, de no pintar su querida ciudad, se habría rendido a la abstracción. Esa abstracción se percibe, pero no llega a aflorar. Sus composiciones ensalzan la luminosidad de los blan cos, oponiéndolos a anochecidos cielos azules, rojos edifi cios que evocan el cálido sol del verano, y texturas que surgen del trabajo del color. Un homenaje a una ciudad que recoge en cada rincón, la historia de la que ha sido testi go.‡

Alina Neyman Zerda raul@zerdaprops.com Juramento 484, (4400) Salta Argentina

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NIERMAN, Leonardo. Artista plástico nacido en 1932 en la Ciudad de Méjico. Se gradúa en Bachillerato en Ciencias Fisicomatemáticas, realizando posteriormente estudios sobre Psicología del color y la forma de los cuerpos estáticos y en movimiento, con los que trata de fundamentar la relación entre el Arte Abstracto y el cosmos. En 1956 pinta un mural, su primera obra en una institu ción pública, en la Escuela de Comercio de la Universidad Nacional Autónoma de Méjico, la cual le nombrará Miem bro Honorífico en 1960. En 1965 será nombrado Miembro Vitalicio de la Real sociedad de Artes de Londres, Inglaterra. Tras una larga serie de exposiciones en museos y galerías, sus esculturas, pinturas y tapices comienzan a ser coloca dos de manera permanente en museos, salas de uso públi co, universidades y ciudades, en ocasiones, como conse cuencia de su triunfo en concursos a nivel mundial. En 1989 realiza un tapiz para los Museos del Vaticano (Italia) y la escultura en bronce Flama de la Solidaridad, para la Ciudad de Monterrey, Nuevo León, Méjico. Su éxito se ex tenderá por todo Méjico, los Estados Unidos, y Europa, realizando importantes obras y exposiciones, llegando hasta Japón, con un políptico de seis imágenes para el Museo de arte de Nagoya y otro políptico de cuatro imáge nes para el Instituto de Arte de Tajimi. Entre sus numerosos premios y reconocimientos, pode mos citar la Palma de Oro de las Bellas Artes de Mónaco, recibida en 1969 y de nuevo 1974 en la categoría de Mención Especial, la medalla de Oro del Instituto de Arte de Chicago, Illinois, de 1980, el Centauro de Oro de la Aca demia de Italia en Roma, la Medalla de oro del Parlamento Internacional de Seguridad y Paz de los Estados Unidos, la Medalla al Mérito en Roma y muchas más distinciones y galardones. Pero sin duda, los más importantes fueron los premios que hicieron posible que obras como Flama de la Esperanza o Flama de la Sabiduría puedan ser contempla das de manera pública, en Effingam, Illinois y en Mitchel, Dakota del Sur, respectivamente, poniendo al alcance de todos el genio y talento de este creador. Sus composiciones, dominadas por la abstracción y la vivacidad del fuego, aúnan vitalidad en una positiva línea sinuosa que asciende hacia los cielos, clamando importantes valores como espe ranza o amistad.‡

Leonardo Nierman leonardonierman@hotmail.com Reforma 16-B San Angel (01000), México DF. México

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OLIVÉ, Tomás (El Joven) Nace en La Habana, Cuba, en 1958. Su vocación será la mejor herencia que le otorgue su padre, el renombrado escultor Tomás Oliva, uno de los fundadores del grupo de Los Once. Será en el taller de su padre donde desde niño tome con tacto con el arte de la escultura, un interés con el que cre cerá hasta graduarse en la Escuela San Alejandro y más tarde en el Instituto Superior de Arte, ambos en La Habana. Su valía será premiada con una beca de estudios que le llevará hasta Ucrania, donde se gradúa en el Instituto Estatal de Arte de Kiev. La muestra escultórica de este reconocido artista se repar te por Cuba, Chile, Ucrania, Estados Unidos e India, donde se encuentran obras de gran escala. Trabajador incansable, llegará a ocupar la cátedra de escultura de San Alejandro. Cuenta además con numerosas menciones y premios que reconocen su valía, como los primeros premios en el Pro yecto al Monumento a Alexander Pushkin y en el Monu mento para el Hospital Salvador Allende, además de otros, varios de ellos obtenidos en Kiev durante su estancia. Inculcado con el más absoluto rigor técnico, en su extensa trayectoria, Tomás Oliva ha experimentado con formas que van desde el realismo, dejándose conquistar más tarde por la magia del simbolismo y la abstracción hasta llegar a en contrase a sí mismo, y abrir así las puestas a una fe católica que tomará las riendas de su obra inclinándola hacia la temática religiosa. De sus manos nacerán formas poderosas de gran plasticidad y belleza que conectan con el especta dor y le transmiten su mensaje, sus sentimientos en perpetuo homenaje a la vida y a todo cuanto esta significa, que ya aparecen presentes en el más leve trazo de sus bocetos: una alegoría del dolor, el amor, la vida o la muerte, que rompe las barreras de un material para dominarlo y hablarnos por medio de este. Dignas de mención son las puertas de caoba de la iglesia de Saint Andrew Parish, en Washington, un impecable tra bajo de la talla y un esmerado estudio de perspectiva. Acostumbrado a comentar su obra, nos deja valiosos testi monios sobre sus creaciones y lo que a través de estas pre tende transmitir, "el propósito de mi arte no es placer, repo so, aceptación, reconocimiento; es lo ambiguo, lo inquie tante. Es en esencia la autodescontextualización de una sociedad "civilizada" en su intento por aparentar a ultranza una superioridad inexistente".‡

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ORTIGÜELA, Edelweis. Escultora nacida en Argentina, cuenta con un amplio curriculum artístico. Poseedora de su propio taller privado desde 1970, ha estudiado Esmaltes Cerámicos con Mirella Baglieto, y ha realizado distintas investigaciones sobre His toria del Arte junto a Rosa Faccaro. Desarrolla también actividad docente como auxiliar junto a Mirella Baglieto y es profesora de escultura en la Casa de la Cultura Marco del Pont. Más allá de su labor como artis ta, Edelweis ha enfocado su carrera en promulgar y dar a conocer la cultura artística en todos los medios divulgativos posibles. Es conductora de su propio programa radiofónico, "Edelweis y la Cultura", y ha hecho colaboraciones en tele visión, enfocadas al mundo artístico. Así mismo ha partici pado como crítica de Arte en los diarios "El Cóndor", "La Tribuna", y "ACIM". Su valía ha sido objeto de numerosos y merecidos reco nocimientos, destacando los recibidos en 1991, que ascien den a once premios (cinco de ellos Primeros) en escultura entre los que podemos citar el Primer Premio del Encuentro Zonal de Artes Plásticas de Merlo, el Segundo Premio del Salón de Invierno, Hurlingham, el Primer Premio del XXXIII Salón Anual Centro Argentino de Arte Cerámico, el Primer Premio Secretaría de Educación y Cultura, Municipalidad General Pueyrredón, por poner algunos ejemplos. Ese mis mo año sus obras fueron seleccionadas para numerosas exposiciones destacando la Expo Sevilla 92, y para una muestra permanente de su obra por el Consejo Deliberante de Buenos Aires, Argentina. Esta Institución le otorgó en 1993, una Gran Mención de Honor. Fundadora de la Asociación Maronense de Artistas Plásti cos de Morón, desde 1970 organiza muestras plásticas para artistas argentinos y americanos. La obra de Edelweis Ortigüela está muy vinculada al uso de la cerámica, además de trabajar metales y escultura en piedra. Realiza una abstracción figurativa de asombroso refinamiento técnico y un exquisito acabado. El metal es tratado a modo de una armadura, configurando formas antropomorfas con ligereza de movimiento, siempre miran do hacia lo orgánico, en busca de una forma en la que prima la curva. Esta plasticidad en la curva aparece de nuevo en el trabajo del mármol, del que extrae pulidas formas que se asoman sin decidirse a escapar del bloque que las atrapa, en un contrate de texturas por las que resba la la luz, invitando a ser acariciadas.‡

Edelweis Ortigüela ortiguel@dynamo.com.ar Arias 2476 (1712) Castelar. Buenos Aires. Argentina

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OVIEDO, Ramón. Pintor nacido en Barahona, República Dominicana, en 1924. Ramón Oviedo, nombrado por el Congreso de la Repú blica Dominicana "Maestro Ilustre de la Pintura Dominica na", se inicia en las artes pictóricas de manera autodidacta. Paralelamente a su carrera como pintor, destaca también por su compromiso político, por el que mantendrá amistad con el Profesor Juan Bosch, Presidente de la República, y se unirá al movimiento constitucionalista que reclama el retor no de la democracia de su país enfrentando a los invasores. A lo largo de su intensa carrera, ha cosechado importantes premios, como el Primer Premio de Pintura que se realiza en medio de la Revolución, con su obra titulada "24 de Abril", considerada por muchos como la obra maestra de la pintura dominicana. Entre otros reconocimientos, ha sido considera do por el Almanaque Mundial como el más cimero de los pintores dominicanos, condecorado por el Gobierno Domi nicano con la Orden al Mérito de Duarte, Sánchez y Mella, y más recientemente, en el 2002, como "Caballero de las Artes y las Letras" por el Ministerio de Cultura y de Comuni cación del gobierno Francés. Su obra ha sido expuesta en importantes salas y museos en Latinoamérica, Francia, España, Brasil, Estados Unidos o Ita lia, países en los que además forma parte de las más presti giosas colecciones. Gran muralista, cuenta con diferentes monografías así como vídeos dedicados a su obra, y ha recibido importantes homenajes, dada la admiración que suscita, siendo el último de ellos llevado a cabo por la Asociación de Pintores de San Cristóbal, República Dominicana, en el pasado año 2002, donde más de 20 pintores de esa ciudad retrataron al Maestro en presencia de las autoridades civiles. El propio Maestro Oviedo se define a sí mismo como "un pintor humanista, ya que en todas mis obras trato del ser humano o lo que le rodea". La obra de Ramón Oviedo es el más puro reflejo abstracto de los sentimientos humanos. La destreza de su mano y su talento, hacen posible una obra donde la expresividad pal pita en cada color y pincelada, dando lugar a unas magistra les composiciones envolventes que nos arrastran como un remolino hacia la imparable imaginación de este gran Maes tro y artista.‡

Ramón Oviedo antonio@ocana.com República Dominicana

AUTORES Enciclopedia Iberoamericana de Artistas Plásticos Contemporáneos 106 -

PEGO, Teresa Lucía. Artista plástica nacida en Buenos Aires, Argentina, ciudad en la que se licencia en Geología y Química en la Facultad de Ciencias Exactas. Interesada desde siempre por el mundo del arte, y ante la necesidad de expresarse por medio de este, opta por recibir formación en las técnicas pictóricas. Así estudiará dibujo con el maestro Atilio Laguzzi, pintura junto a Luis Felipe Noé y José Iglesias, y finalmente grabado, especializándose en aguafuerte, con Cristina Santander. A raíz de estos estudios y del contacto con el taller de los artis tas con los que se forma, Teresa Pego inicia su propia obra pictórica, y en 1997 inicia una serie de exposiciones que se prolongan hasta la actualidad, a medida que su creación va en imparable aumento. Sus exposiciones se sucederán tanto de manera nacional como internacional, llegando hasta Italia, Suiza, Grecia, Brasil, Siria, España, Alemania, Estados Unidos... recorrien do un amplio itinerario donde muchas de sus obras serán adquiridas para formar parte de colecciones privadas. También galardonada con premios y menciones, cuenta en su haber con el Primer Premio Internacional Maimeri, otorgado por la Muestra en Memorial de América Latina 2001 en San Paulo, Brasil. La obra de Teresa Pego pasa por el trabajo en papel, pero sin duda la técnica en la que más se ha centrado y que ocu pa el más importante porcentaje de sus creaciones es la pintura al óleo sobre lienzo. Se recrea principalmente en el género del bodegón o naturaleza muerta, de manera realista y equilibrada composición. Tradicional en el uso de elementos, destaca el naturalismo con el que trata los objetos, la diferenciación de materiales y texturas: el tratamiento del vidrio, de los pliegues, de los metales, de las frutas y las flores... en todo momento se pone de manifiesto un ojo experto y observador en perfecta cone xión con el pincel. La luz que irradia el lienzo, la utilización de blancos, la pincelada larga y suelta, se convierten en recursos que aportan gran modernidad permitiendo que el género avance y no quede anclado en el característico cla roscuro de tiempos pasados. Teresa Pego hace gala de una pulcra técnica con la que saca lo mejor de sí misma, rein ventando un género agradable y sincero trabajado espléndi damente.‡

Teresa Lucía Pego teresapego@hotmail.com Beruti 4565 Piso 9ºB, (1425) Buenos Aires Argentina

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Durante su extenso periodo de formación, Pannier reali za distintas actividades que le ponen en contacto con re nombrados artistas, con los que tendrá ocasión de mante ner amistad e intercambiar impresiones. Así, entre 1973 y 1978, en la Escuela de Bellas Artes de Angers, mantendrá contacto con Gleb, Gau-Garriga y Morellet, y llega a reali zar obras bajo la supervisión de Gina Pan, Michel Parré (miembro del Grupo Malassis), o Christian Zeimert (Grupo Pánico). En esa época, siente un interés personal por la obra de Daniel Tremblay y la tendencia de las instalaciones artísticas, que marca de algún modo sus creaciones en ese periodo. A medida que Pannier colabora intensamente con el movimiento artístico del que se ve rodeado, su reputación irá forjándose de manera estable, lo que le permite ejercer como Jurado de Diploma, y colaborar en novedosas expe riencias como la lectura del Tarot con Alejandro Jodorows ky, miembro del Grupo Pánico. En 1983, mientras se encuentra estudiando en La Sorbo na, obtiene la distinción como mejor alumno de Paul-Ar mand Gette y de Jean Laude, distinción que pone de mani fiesto su innegable talento y su espíritu de trabajo. Durante esa época, no faltan lo contactos con el profesor Joël Stein

PANNIER, Luis. Artista plástico venezolano nacido en Madrid, España, en 1953. Con una amplia formación artística tomada a lo largo del mundo, sus estudios Superiores dan comienzo en la Uni versidad Hebrea de Jerusalén, en 1972. Posteriormente, un año después, ingresa en la Escuela de Bellas Artes de Angers, Francia, en la que durante cinco años desarrolla gran parte de su talento artístico, para continuar con su incansable formación. Entre 1982 y 1984, estudia en la Universidad de La Sor bona, de París, estudios que compagina asistiendo también a la Facultad de Letras de la Universidad de Angers, entre 1983 y 1984. A un tiempo, Luis Pannier asiste a diversos cursos y talle res, entre los que podemos destacar los realizados en la Royal Academy, Alexander Palace, Kingstone y Middelssex Politechnic School de Londres, el seminario en Alemania con Fritz Schleger, Lindhanrt Monkowitz y los artistas fran ceses Rolland Balladi y J. P. Cognée. Su valía artística además, le proporcionará el privilegio de entrar por concurso en el taller de dibujo de Edgar Sán chez. AUTORES Enciclopedia Iberoamericana de Artistas Plásticos Contemporáneos 108 -

(iniciador del cinetismo), Bernard Teyssèdre, Fred Forest y Michel Journiac. Tras sus años de formación académica, obtiene tres des tacables títulos: en 1978 el Diploma Nacional Superior de Expresiones Plásticas (DNSEP), en 1983 la Licenciatura en Ciencias del Arte y Artes Plásticas y en 1984, la Tesis Doc toral sobre la Representación del Cuerpo, dirigida por Jean Rudel y Annete Malochet. En la actualidad, Luis Pannier es profesor en la Escuela de Bellas Artes de Martinica, Venezuela. Ha realizado innumerables exposiciones y cuenta con importantes premios como la Mención del I Salón de Ren nes o el Primer Premio de Pintura Cristóbal Rojas de Cara cas, entre otros. Pannier define la pintura como "la repetición teatral de lo real, una manera de descender en sí mismo en busca de esa "otra" realidad que no logramos alcanzar". Su extensa obra navega en un continuo homenaje a las grandes figuras del Arte Contemporáneo, factible por ejem plo, en su Instalación "Sans Chau Sure", en la que nos intro ducía a un micromundo poblado de iconos contemporá

neos. En su obra pictórica, también encontamos esa influencia, reflejada en ciertas afinidades con Toulouse Lautrec, con sus hombres rescatados del decadentismo. Su trazo pictórico presenta la soltura de su completa forma ción, de sus años de trabajo. Pannier sabe obtener texturas y enriquecer con ellas su obra, haciendo también uso de un color en estado puro. Amigo de acompañar sus creaciones con lemas, que por otra parte, las enriquecen, se percibe en sus creaciones una cierta utilización de la memoria histórica y los mitos del pasado, para referirse al futuro. Así, en su serie "Memoria Canibal", podemos percibir un tributo a los antepasados que delata una crítica ante la destrucción del hombre por el hombre, contenida en sentencias como "lo mío es des trozar mi ego con egoísmo" o "sigue soñando", en cual quier caso, una visión apocalíptica en la que este artista hace que aprendamos la lección.‡

(Venezuela- Francia) luispannier@hotmail.com Association Artel 27 Bd. De Verdum 97200 Fort De France. Tel: 0596.60.64.94 / 0696.33.58.41

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PERDOMO, Félix. Pintor nacido en Santa Teresa del Tuy, provincia de Edo, Miranda, Venezuela, en 1956. Cursa estudios en la Escuela de Artes "Cristóbal Rojas", y posteriormente Arte en el Instituto Universitario Pedagógi co, ambos de Caracas, Venezuela. Continuará su formación en Nueva York, en el Instituto de Arte Contemporáneo PS1. y tomará cursos de especializa ción en Historia del Arte en Francia. Desde 1979 hasta la actualidad su obra pictórica ha sido mostrada en más de cincuenta muestras y exposiciones individuales y colectivas, dentro y fuera de su país, llegando hasta Brasil, Suiza, Ecuador, Colombia, Italia, Argentina, Méjico o Estados Unidos. Así mismo, ha recibido premios y reconocimientos como el Premio de pintura Rafael Ramón González en la IV Bie nal Nacional de Artes Plásticas de Puerto La Cruz, Anzoate gui, Venezuela, ha sido galardonado con el Programa PS1, del Museo del Instituto de Arte Contemporáneo de Nueva York, el Segundo Premio de la III Bienal Internacional de Pintura de Cuenca, Ecuador, o el Segundo Premio de la I Bienal de Artes Visuales Christian Dior de Caracas, entre otros. Su particular creación y su propio alfabeto de minúsculos objetos cotidianos, le han valido palabras como las de Víc tor Guédez: “sus tazas promueven un doble sentido de ano dino objeto utilitario y de símbolo pictórico y polisémico. Es difícil dejar de sentir una dosis de nostalgia e ironía en dichos referentes”. Félix Pérdomo trabaja el lienzo con la dedicación de quien configura un firmamento en el que posteriormente clava sus pequeñas constelaciones de tazas y botellas, con las que forma composiciones. a veces esmeradas, y otras con el un sencillo trazo abocetado, como si se tratasen de un apunte que alguien decidió escribir sobre la trabajada superficie de su obra. Destacan las texturas, el uso de mate riales variados que aportan siempre su carácter, que dejan su huella y confeccionan ese inmenso territorio donde los objetos aparecen tímidos e intensos, lejos del bodegón, olvidados en mitad de un desierto, quizás esperando que alguien beba su contenido.‡

Felix Perdomo (Galería Millenium - Venezuela) gonzalomontero@supercable.net.ve Av. Luis de Camoens Ctro. Clover (1081) Caracas Venezuela

AUTORES Enciclopedia Iberoamericana de Artistas Plásticos Contemporáneos 110 -

PLA, Eduardo. Artista virtual nacido en Buenos Aires, Argentina, en 1952. Interesado por las nuevas tecnologías, Eduardo Pla realiza numerosos estudios relacionados principalmente con las comunicaciones audiovisuales y el cine. Esta formación se reparte entre Buenos Aires, Los Ángeles (USA) y Milan (Ita lia). En Buenos Aires se diploma en Electrónica para las comunicaciones, y realiza cursos de Arquitectura y Diseño Urbano, de Comunicación Audiovisual, Dirección de Teatro junto a Jaime Kogan y Creación de Guiones Cinematográfi cos. Continúa en Los Ángeles con cursos de Cinematografía, de Videographics y Animación por ordenador. En Milan estudiará Multimedia y ralidad virtual y un Máster en Direc ción Artística. En total podemos contar veinte años de forma ción compaginados con variados trabajos siempre asociados a sus estudios, que sin duda avalan la larga experiencia de este innovador artista. Ha producido y dirigido programas de radio, films y vídeos, organizado conciertos de música contemporánea, coordinado prensa, realizado videoproduc ciones, ha sido diseñador gráfico, y dado clases y conferen cias sobre diseño gráfico, y también ha sido organizador de eventos culturales. Cuenta además con una extensa obra que ha mostrado en multitud de exhibiciones y exposicio nes, imposibles de enumerar por falta de espacio, con la que ha obtenido distintos premios como el Premio Imagine 1992, Canale 5, en Milán, Italia o el Premio Art Addiction de Estocolmo en el Autmn Annual en Venecia, Italia, por la obra "Damero". En su extensa e incansable trayectoria artística, ha recorri do Italia, Francia, Estados Unidos y China. La obra propia obra de Eduardo Pla denota un infatigable y apasionado creador que mira hacia el horizonte, para avanzar en todo momento y hacer de sus creaciones pura innovación. Amigo de los iconos: Jesucristo, Gardel, Evita Perón... con fecciona imágenes a base de mosaicos digitales que surgen de sí mismas, como si el destino final de todas ellas fuese dar forma a un espíritu. Destaca un profundo interés por el Op Art, rescatando un juego visual que Eduardo estudia y explo ra, combinándolo con las nuevas tecnologías para otorgarle nuevas posibilidades. Siempre investigando en las más novedosas técnicas artís ticas, tiene una amplia creación también en video, además de instalaciones. Creaciones en perpetuo desarrollo, fruto de un artista incombustible que crece día a día, al igual que los Eduardo Plá epla@eduardopla.com.ar J. M.Gutierrez 3967 (1425),Capital Federal. T. 4801-8453 Argentina

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POLESELLO, Rogelio. Pintor nacido en Buenos Aires, Argentina, en 1939. Su formación artística da comienzo en la Escuela Nacio nal de Bellas Artes Manuel Belgrano. Posteriormente, en 1958, se gradúa Profesor de Dibujo e Ilustración en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredon, ambas escuelas en Buenos Aires, Argentina. Ya en 1961 tiene lugar su primera exposición individual, concretamente en el Museo de Bellas Artes de Caracas, Venezuela. a esta exposición le seguirá una larga trayectoria de muestras individuales y colectivas con las que su obra recorre Argentina, Méjico, París, España, Colombia, Estados Unidos y Brasil, forjándose un merecido renombre artísti co. Ha obtenido galardones entre los que podemos destacar el Primer Premio George Braque, en el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, el Primer Premio de Honor y Gran Premio de Honor del LXXVII y del LXXXI Salón Nacio nal de Artes Plásticas, Salas Nacionales de Exposición, o el Primer Premio Mural INET (Instituto Nacional de Educación y Tecnología) del Museo Nacional de Bellas Artes de Bue nos Aires, entre otros. Su obra forma parte de importantes colecciones, como el Museo Guggenheim de Nueva York, en Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, el Museo de Arte del Bronx de Nueva York, o el Museo Rufino Tamayo de Méjico. Su pintura ha cosechado comentarios y críticas como las de Lucas Fragasso, con motivo de su exposición en el Museo José Luis Cuevas, en Méjico: "Las obras plásticas de Rogelio Polesello, allí donde sorprendan la mirada, tienen siempre la peculiaridad de teñir nuestra experiencia estética de tonos familiares". La obra de Rogelio es cuidada composición y excelente dominio técnico. Dominada por la abstracción y el geome trismo, crea juegos ópticos de gran expresividad, donde los elementos se necesitan unos a otros, se ensamblan, para dar lugar a un ritmo único. El color contribuye a esta particular visión y es dominado con la precisión de la que su obra requiere, para dar lugar a unos acabados que escapan de la conciencia de la mano creadora.‡

Rogelio Polessello polesello@fibertel.com.ar Virrey Avilés 278, (1426) Buenos Aires Argentina

AUTORES Enciclopedia Iberoamericana de Artistas Plásticos Contemporáneos 112 -

POLOTO, Silvia. Artista plástica natural de Brasil. Licenciada en Ingeniería eléctrica por la Universidad de Sao Paulo, y tras trabajar como tal al mismo tiempo que obtenía en segundo grado de esta licenciatura, Silvia se traslada a san Francisco, dejando de lado la ingeniería para volarse en su verdadera pasión: el arte y la creación artísti ca. Comienza así una intensa y prometedora carrera como pintora y escultora, mediante la que esta artista da rienda suelta a su capacidad creadora. Ha ejercido la docencia como instructora del departamento de Escultura del City College de San Francisco. Su obra se ha mostrado en cerca de cincuenta exposicio nes colectivas y en más de dieciocho individuales, y ha obtenido premios como la Mención de Honor de la I Bienal de Escultura Santa Cara, llevada a cabo por la ciu dad de Santa Clara, donde también recibió el Premio al Mérito del jurado en la exhibición de la Liga de Arte de Santa Clara y ha ganado el Concurso de Escultura de Estados Unidos promovido por el comité de Artes y Cultura Foster City, entre otros galardones. Forma parte también de importantes colecciones públi cas y privadas, en Estados Unidos, Europa y Australia. Creadora de plásticas esculturas en metal, cemento, y otros materiales, que desafían la ley de la gravedad y con tienen un ritmo interno, al compás del cual parecen mover se, sus obras pictóricas no tiene nada que envidiar. Silvia Poloto configura coloristas series de planos super puestos y viveza cromática sobre los que escribe y ensaya letras, atisbos de escritura experimental e infantil que dela tan su ávido espíritu. Un espíritu que no ha perdido las ganas de soñar, la capacidad de inventiva, la fresca imagi nación de la niña que vive en ella, que experimenta, que observa con ojos audaces. Así sus lienzos retienen toda la frescura de unos trazos aparentemente espontáneos, pero que esconden una gran capacidad de racionalización, de comunicación con la for ma y de trabajo. El trabajo que ha hecho que Silvia Poloto triunfe con su vocación y talento más profundos y con los que mejor se sabe expresar.‡

Silvia Poloto (Brasil,USA) 442 Shotwell St, San Francisco. California, CA 94110 USA

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POMBAR, Marina. Escultora nacida en Detroit, Michigan, de padres cuba nos. Su formación artística da comienzo en Méjico, en primer lugar en la Escuela de Artesanías Mejicanas, y posteriormen te en la Academia de San Carlos. Comienza así una reconocida carrera artística que la lle vará a mostrar su obra en importantes exposiciones y even tos que pronto darán a conocer a la artista como una reputa da escultora, por lo que llegará a hacer retratos y bustos para distintas personalidades de la política, el arte y esculturas para homenajes a celebridades del mundo taurino, como Eloy Cavazos o Arturo Gilio. Así mismo, cuenta con una escultura expuesta de manera permanente en el parque de Abraham Lincoln, en Polanco, Mejico, y otra en el parque de Carol Gates Throop en Missouri, Estados Unidos. Entre los premios con los que ha sido galardonada, pode mos destacar el premio Italia per l´Arte 2000 en la Vetrina Internacional de Artistas Latinomaericanos, de Florencia, Ita lia. De esta misma exposición será seleccionada para la Bienal del 2001. Marina Pombar trabaja sus esculturas en arcilla, que pos teriormente es fundida en bronce mediante la técnica de la cera perdida. Esta técnica le permite crear formas ligeras y de gran movimiento, con riqueza de texturas que el bronce reproduce a la perfección. En su mayoría son obras de pequeño tamaño, de estilo figurativo y muy detallistas, con cuidadosos acabados. Gusta de jugar con las texturas, originando contrastes plás ticos o dejando sensación de obra inacabada. Destaca su movimiento y ligereza compositiva, y principalmente el tra bajo de los rostros, que evidencia su talento como retratis ta. Se vuelca en los sentimientos, busca en cada gesto una expresión de estos, y así sus figuras se convierten en alegorías que encarnan lo etéreo del sentimiento para darle forma, un sentido que el espectador comprende y siente afín a sí mis mo. La obra de Marina Pombar es grácil y expresiva, cargada de esa sutileza conmovedora que convierte una obra de arte, en algo cercano y de fácil comprensión, por su captación de la belleza de cada momento o gesto que recrea con sus

Marina Pombar marina_pombar@hotmail.com Jalapa 51, Dept 804 Colonia Roma, 06700 Mexico DF (Entre Durango y Puebla) México

AUTORES Enciclopedia Iberoamericana de Artistas Plásticos Contemporáneos 114 -

PONCE HOFFMANN, Juan de Dios. Pintor mejicano nacido en Guadalajara, Jalisco, en 1969. Atraído por el arte en general y la pintura en particular, Juan de Dios, no conforme con su propio empeño creativo, siente la necesidad de recibir formación artística, para lo que, en busca de un aprendizaje individualizado, acude al taller de sus maestros, donde obtiene el más directo contacto con el entorno de la creación. Estos maestros serán, en primer lugar, Ramiro Torre Blanca, durante el periodo comprendido entre 1994 y su fallecimiento, en 1997, momento en el que ingresa para continuar sus estudios, en el taller de la pintora Tony Guerra, permaneciendo a su lado hasta 1999. Se concreta así un periodo de más de once años intensa creación, en los que se irán alternando las exposiciones en las que da a conocer su obra, destacando entre estas, la exposición individual en la Galería Gora, en Montreal, Canadá, y la Exposición Colectiva Suma Pictórica, de carác ter internacional, en el Museo de las Artes de Guadalajara. Juan de Dios Ponce trabaja los grandes formatos, con una obra expresiva y personal con la que se acerca a la caricatu ra y al mundo de la ilustración. Sus personajes son extraños, quizás sombríos interiormen te, por lo que son siempre introducidos en mundos coloris tas e imaginativos, rodeados de estrellas o de flores humani zadas, como extraídos de la fantasía de Lewis Carroll, donde la línea curva es una constante que genera dinamismo y aporta connotaciones oníricas. Con un estilo muy caracterís tico y reconocible, da forma a sus cuadros mediante una pincelada suelta y expresiva, directa. Introduce texturas, detalles, estampados, a base de pureza de color y buen trazo en el dibujo. La obra de Juan de Dios Ponce Hoffmann tiene la capaci dad de desconcertar y conmover mediante la tragedia y la locura, así como una gran capacidad imaginativa y crítica que refleja en su obra bajo apariencia ingenua, pero con carga interior.‡

Juan de Dios Ponce Hoffmann ponce@itesm.mx Frías 752. Esquina Jesús García.(44620) Guadalajara Jal. México.

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PRATS, Carina. Pintora nacida en 1972 en la ciudad de Rosario, provin cia de Santa Fe, lugar donde reside en la actualidad. Su formación académica se irá afianzando, a medida que Carina toma clases particulares de pintura y acude a diver sos talleres de artistas de renombre, así como profesores de Bellas Artes, con quienes aprende el manejo de las técnicas para desarrollarlo, posteriormente y de manera individual en su propia obra. Carina Prats ha realizado numerosas exposiciones, en su mayoría en la ciudad de Rosario, dándose a conocer con una cuidada pintura a base de técnicas mixtas y óleo traba jado con pincel o espátula sobre lienzo. Aficionada también a las letras, Carina gusta de acompa ñar su obra pictórica con sus propios pensamientos, dando lugar a un complemento que contribuye a remarcar lo expresado en sus cuadros. Así, podemos rescatar sus pala bras "mi deseo no es sólo que puedan llegar a mi mundo interior, sino a asomarme al del observador de mis cuadros para promover sus propias fantasías "sentires" y movimien tos". La pintura de Carina Prats, de pincelada impresionista y alegre uso del color, tiene la propiedad de retener la luz de la naturaleza, y emanarla posteriormente por sí misma ante

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el espectador. Su cromatismo vivo y vibrante, potencia los colores natura les y los carga de ensueño, convir tiendo los cielos azules en aún más azules, las playas de arena en ana ranjados territorios, los verdes cam pos en múltiples matices coloristas. Introduce, además, un juego de luces y sombras que aporta naturalismo y profundidad a la imagen, haciendo que en ese contraste la luz resalte, se haga aún más cálida y luminosa. Observando su obra, se com prenden los versos que dedicó a esta artista Juan Pablo Furiasse: "...Los pinceles de tus dedos por atriles van cantando las canciones de tu vida, los dolores, el talento y tu encanto..."‡ Carina Prats (Argentina info@carinaprats.com.ar Av. Guillermo Wheelwright Nº 1787 Piso 7 Dpto. 3 (2000) Rosario, Provincia de Santa Fé. ARGENTINA T. 0341-4402445

PUCHALT, Paco. Pintor español, nacido en Valencia en 1951. Aficionado al dibujo y la pintura desde su infancia, irá sacando poco a poco su vocación de forma personal, al no tener opción de recibir formación académica alguna. El motivo no es otro que los continuos traslados de domicilio a los que se ve sometido durante su juventud, que le obligan a moverse por distintas ciudades de la geografía española: Madrid, Zaragoza, Ávila... impidiéndole el asentamiento necesario para llevar a cabo una dedicación profesional enfocada hacia el arte. Finalmente fija su residencia en su ciudad natal, y allí centra su valía en investigar hasta dominar de manera autodidacta la pintura al óleo. Considerado por sí mismo un perfeccionista, se vuelca por completo en su obra hasta resolver el más mínimo detalle, lo que da lugar a una complicada y detallada pintura en la que se refleja el disfrute del autor. Desde 1993 ha realizado numerosas exposiciones, en su mayor parte por tierras valencianas, donde ha participado en importantes eventos, como la Feria internacional del Arte de Valencia INTERART. También ha llegado hasta Cataluña, con muestras en Barcelona y Tarragona. La pintura de Paco Puchalt está realizada con minuciosi dad flamenca, con asombroso realismo y fidelidad al mode lo. Se recrea en la naturaleza muerta y la trata con gran realismo. Derrocha capacidad técnica en el tratamiento de las superficies: lozas, cerámicas, vidrio, metal... increíble mente reales, como reales son sus afamados tapetes, labores

de artesanía fuera y dentro del cuadro, que Paco elabora cambiando la aguja por el pincel, su mejor arma. Destaca el tratamiento de los fondos neutros, en claroscuro, que potencian la composición y son crea dos a base de una domi nada mancha pictórica. Su obra es intimista, sosegada. Habla de tiem pos pasados, tiempos sin prisas en los que cada labor requería su tiempo, a base de trabajo y esmero para obtener el mejor resultado. Un gran resulta do que este artista obtiene a base del exquisito mane jo del pincel.‡

Paco Puchalt ppuchalt@hotmail.com c/ Oasis 14 , (48183) L´Eliana, Valencia España

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PUJIA, Antonio. Escultor nacido en Polia, Italia, en 1929, y residente en Argentina desde 1937, adquiriendo la nacionalidad en 1956. Inicia su formación artística junto a los maestros Trioano Troinani, Alfredo Bigatti y José Fioravanti. Posteriormente acude a la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Puey rredón, en la que se gradúa Profesor de Dibujo, y a la Escue la Nacional Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova, en la que consigue el Título de Profesor de Escultura. Ejerce como docente, llevando las cátedras de Escultura de las Escuelas Nacionaled de Bellas artes Prilidiano Puey rredón y Manuel Belgrano, y como profesor privado desde la Escuela Taller de Escultura de la que será fundador. Tam bién dará clases en la Escuela Superior Ernesto de la Cárcova y ejercerá como escultor escenógrafo en el teatro colón de Buenos Aires, además de presidir la Asociación de Artistas Premiados Argentinos. Gran viajero, recorre Italia, Francia, España y Portugal en distintas ocasiones, y llegará hasta Australia, trabajando y mostrando su obra en Sydney. Además de participar en diferentes e importantes exposi ciones por todo el mundo, Pujia cuenta con importantes distinciones como el Primer Premio del Salón Anual Meeba de 1950, el Gran Premio del salón Municipal Manuel Bel grano en 1958, el Premio Fondo Nacional de las Artes Augusto Palanza 1964, o el Premio adquisición Gobierno de Santa Fe, 1981, entre otros, siendo nombrado, en 1982 Caballero de la Orden del Mérito de la República Italiana. Él mismo ha sido creador de importantes premios, trofeos y medallas para destacables acontecimientos llevados a cabo en la provincia de Argentina. Antonio Pujia aparece en sólo en una amplia bibliografía sino que también cuenta con dos cortometrajes documenta les: "Antonio Pujia" y "Pujia y la Danza". La obra de este artista se centra en la figura humana, den tro de la figuración, tratándola con gran expresividad. Parte del sentimiento, que es recogido por la materia: bronce, mármol... no importa, para dotarla de vida, de sufrimiento, de amor, de dolor o tragedia, pero siempre en una tensión dramática que extrae del material su propia alma, para intro ducirla en los seres que crea, para que habite en ellos y así nos hablen de tú a tú.‡

Antonio Pujía T./Fax 54 11 4671 8769 Gualeguaychú 16, (1407) Buenos Aires Argentina

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QUILICHINI, Patricia. Escultora nacida en Hato Rey, Puerto Rico, en 1955 y residente en Alpharetta, Georgia, Estados Unidos. Además de las Artes Plásticas, Patricia Quilichini siente gran inclinación por la música y la danza. Se forma en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Puerto Rico. Un año más tarde, parte a Méjico para estudiar Ciencias Sociales, Políticas y Humanas en el Colegio Madrid. Tras su graduación, comienza a estudiar arqueología en el Instituto Nacional de Antropología e Historia. Su formación plástica corre a cargo de los Cursos del Colegio de Arte de Atlanta, y posteriormente con la escultora Bárbara Rheingrover en el Instituto de Tecnología de Georgia. Pese a que la mayor parte de su formación escultórica tiene lugar en Atlanta, otros cursos de escultura los recibe en Piedrasanta y en Tus cany, Italia. Miembro del Club Artístico de Atlanta, su nombre está registrado en el Registro Artístico de Atlanta y en el Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico. Ha participado en numerosas muestras y exposiciones y su obra forma parte de colecciones privadas en Puerto Rico, Méjico, Francia y Estados Unidos. Patricia Quilichini da forma a sus creaciones, a partir de dos materiales principales que en ocasiones se combinan entre sí: el vidrio, soplado y moldeado, y el Mármol talla do. Formalmente tiende a la abstracción y a la figuración estilizada, trabajada con cierto primitivismo, especialmen te en el caso de la piedra, con la que se permite trabajar formas rotundas o dar el protagonismo a la no-forma: el hueco. El vidrio, por el contrario, es un elemento más ver sátil del que Patricia extrae formas de mayor organicidad formal. tiene además la capacidad de introducir luz en la obra, así como dispersarla, favoreciendo a la plasticidad, y dando ligar a acabados de resultados espectaculares. No faltan en sus esculturas los juegos texturales, que surgen de la propia materia individualmente, o al combinar ambas, una mezcla entre transparencia y opacidad muy evocadora de la que Patricia Quilichini obtiene óptimos resultados, configurando una obra fresca, novedosa y con una personalidad incapaz de dejarnos indiferentes.‡

Patricia Quilichini pquilichini@hotmail.com 3133 Long Indian Creek Ct. Alpharetta, GA 30022 USA

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RAMÍREZ Saavedra, Ricardo (Rasaa) Pintor peruano natural de Jayanca, Lambayeque. Graduado en Ciencias Contables por la Universidad Nacional Pedro Ruiz Gallo de Lambayeque, Perú, Ricardo Ramírez Saavedra, "Rasaa", estudió también piano en la escuela Superior de Música especializada de Chiclayo, Lam bayeque. Su formación artística tiene lugar mediante su asistencia a distintos talleres de escultura, en el Instituto Nacional de Cultura de Chiclayo, y de pintura en la Escuela de Bellas Artes y Museo Nacional de Lima, Perú. También estudió Dibujo, en un curso por correspondencia, impartido por la Escuela Panamericana de Argentina, pero la mayor forma ción es la que obtiene, de manera autodidacta, a base de investigación y de trabajo personal. Ha expuesto su obra en numerosas ocasiones, principal mente en Lima, donde varias de sus obras se pueden admirar en el Gran Hotel de Chiclayo, en el Hotel Paracas y en el Hotel Joel. Muchas otras se encuentran repartidas en lugares como Costa Rica, Paraguay, España y Alemania.

Su dominio del óleo se refleja en cuanto es capaz de realizar una magis tral copia de la obra "Los Niños comiendo Fruta" de Murillo, pintor por quien reconoce estar influído y al que no tiene necesidad de envidiar. Clasicismo y costumbrismo se aúnan en la pintura de este artista, para dar lugar a escenas de un detallismo y pre cisión abrumadores. Se mueve con soltura por el paisaje, por los rostros, por los interiores, en los que recrea luces y sombras con total naturalismo. También trabaja el bodegón, donde una vez más refleja su gusto por los autores clásicos de cuidada pincelada y buena observación de la naturaleza. Su pintura deja un regusto a tiempos pasados, rescatando esos valores clá sicos que no debemos olvidar en estos tiempos de vanguardia.‡

Actualmente es el pintor oficial del Rotary Club de La Molina en Lima. La obra de Rasaa está definida por su admiración y con templación de la naturaleza, por su gusto por los pintores y literatos clásicos, y por su formación cristiana, manifestada en la inclusión de temas bíblicos.

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Ricardo Ramirez Saavedra rrasaa@yahoo.com Rufino Echenique nº434, Urbanización Meliton Carbajalm, Satélite Chicayo. Lambayeque Perú

RIEDEL, Verónica Pintora nacida en 1961 en Guatemala. Estudia Arte y Periodismo en la Universidad de Columbia, Carolina del Sur, estudios que finaliza en 1980. En 1985 se gradúa en Fotografía y Cinematografía de la Universidad de Miami, Florida. Completa su formación tomando cursos sobre arte en la Universidad Central de Los Ángeles (UCLA), California, y en el Anderson Ranch Arts Center, en Colorado. Ha trabajado como fotógrafa y escritora para Miami Vice, de Universal Estudios en Miami, como Directora Creativa, productora y fotógrafa para Cinescopio, en Guatemala, y como Directora Creativa de tácticas de Publicidad, también en su ciudad natal. Ha realizado numerosas exposiciones y muestras de su obra, principalmente en Guatemala y en Florida, y ha forma do parte de gran número de publicaciones, como catálogos, periódicos, y el libro "Datos Dispersos de la Plástica Guate malteca de 1982 a 1998". Así mismo, ha recibido premios y menciones, entre los que podemos destacar el Segundo lugar en el Festival de Video de Montecatini, Italia, la Mención Honorífica en el festival de Video de Gramao, Brasil, la Mención Honorífica por libreto cinematográfico en el Premio Diane Thomas Award, Los Ángeles, California, o la mención de Honor de Robert Weston en Photowork, por la New Gallery, Universidad de Miami. Verónica Riedel dice de su obra que, "representa al Nuevo Milenio y habla de lo que ha iluminado mi vida: Dios, la naturaleza, las relaciones humanas y la sabiduría de nues tros antepasados". La obra de esta artista encierra una simbología de conteni do místico. Mares, barcas, peces y una destacada presencia del cielo, al que trata de llegar por medio de escaleras, de imaginativas estructuras... un deseo de ascensión, de eleva ción, que se traduce a sus cuadros en la propia compo sición. Destaca también la presencia de la escritura, mensa jes esperanzadores, sentencias, deseos y pensamientos mediante los que Verónica se expresa de forma aún más directa, complementando la propia expresividad de su pin tura, luminosa y serena. Una pintura para ser leída con el corazón, sin buscar mayor artificio.‡

Verónica Riedel cridel@guate.net P.O. Box 52-6150 Miami -Fl. 33152-6150

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RIERA, Máximo. Pintor español nacido en Gijón, Asturias, en 1951. De profesión empresario, actualmente dirige un grupo empresarial formado por más de 25 empresas internacionales de gran éxito. Su formación en las artes plásticas es de carácter autodidac ta. Entusiasmado con el aprendizaje y la investigación perso nal, dedica todo su tiempo libre a formarse y a avanzar con sus conocimientos y destreza. Así desde muy joven, se irá perfeccionando en pintura, fotografía y también en el arte de la escritura. Ha participado en numerosas exposiciones tanto de mane ra individual como colectiva, en Galerías de Arte, distintas Instituciones, Centros de Cultura y Museos, entre las que podemos destacar por su representatividad las celebradas en distintas ciudades españolas como Gijón, en 1999, Vigo (Ga licia), en el año 2000, Sevilla (Andalucía) en el 2002, y Bilbao (País Vasco) en el 2003. Su obra forma parte de importantes colecciones privadas de España, Reino Unido, Italia, Francia, Portugal y Bélgica. En el año 2002, Máximo Riera edita su primer libro, "Pla cer Ubérrimo", donde recoge una selección de su obra pictó rica y escrita más representativa, en más de 250 cuadros y 90 poemas. La obra pictórica de Máximo Riera es un universo simbolis ta que aúna lo figurativo y lo abstracto para crear su propia iconología, un lenguaje mediante el que expresa sus senti mientos más directos traducidos en forma y color. Predomi nan sus creaciones a gran tamaño, en las que se expresa en voz alta, con colores vivos y contrastados, relajantes verdes y airados rojos. La pintura es tratada como un elemento de comunicación con el espectador en una composición repleta de movimien to y dinamismo. De manera directa y a grandes trazos, el pincel crea actuales alegorías que toman el protagonismo, en las que las referencias picasianas y las crucifixiones se renue van, tomando connotaciones de un nuevo siglo en la Historia del Arte.

Máximo Riera mriera.inc@mbagrupo.com MBA. Inc Enrique Martinez 27 33204 Gijón, Asturias España

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RIMONDA, Mimi. Pintora argentina, nacida en Buenos Aires en 1958. Con un interés innato por el arte, cursará estudios de arte al lado de diferentes maestros. Con María Pla se inicia en dibujo y pintura, con Washington Riviere se forma como retratista, Ernesto Pesce le enseñará a dominar la figura humana así como la técni ca de la acuarela. Junto a Marcos Borio encontrará el género con el que destaca su obra: el paisaje. Participa en numerosas muestras y ha sido objeto de comentarios críti cos y profesores especializados, así han dicho de su obra que "rescata el sentido de espiritualidad, plasmando la más pura esencia y el más íntimo compromiso con la realidad", pala bras estas de Natalia Charlampou los. La profesora M. Tamara Revythis define sus retratos como "totalmente corpóreos y llenos de vida".

Rimonda han sido premiados en variadas ocasiones. Le ha sido otorgado el Premio Italia por el Arte, en la Muestra Internacional de Artistas Latinoamericanos de Florencia, Italia, y la Primera Mención en Pintura por el II Salón Nacional "Alianza Francesa" entre otros. Aparece también en distintas publicaciones sobre arte, como en el Libro "Arte Agentino actual", o el "Annuario D´Arte Moderna: Artisti Contemporanei". Si algo llama la atención, a simple vista mirando su obra, es el uso que hace del color, con una paleta rica y brillante. Es en este donde reside la total luminosidad que destilan sus cuadros, esa que habla de inmensidad que induce al sosiego y al recogimiento: a la reflexión. Domina el color, pero tam bién la textura, la composición, la perspectiva. Sus ho rizontes invitan a recorrer sus cuadros, a introducirnos en su mundo de inigualables y comunicativos cielos. Ríos de aguas claras y tranquilas a los que se inclinan los sauces para reflejarse, minuciosos campos de trigo, espigas mecidas por el viento... todo ello llevado a la modernidad de una pintura ágil que avanza con los tiempos. Un ejemplo de cómo la simple conjugación del óleo y el pincel puede llegar a sobrepasar la realidad.‡

El trabajo y la valía de Mimi

Mimí Rimonda mrimonda@elsitio.net Santa Fé 3721, 6ºB. Capital Federal, Buenos Aires, Argentina

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RISSO Mann, Jorge. Artista plástico nacido en Montevideo, Uruguay, en 1960. Desde muy joven siente una inclinación hacia el mundo del arte, particularmente del dibujo y la pintura. Así, con tan sólo quince años, empieza su formación, en el taller de Juan Carlos Ferreyra Santos. Poco más tarde estudiará pintura con Edwin Studer. Su creación está enfocada principalmente hacia el género humorístico, y ya en 1983 publicará historietas en la revista "El Dedo", con Mario Levrero como guionista. Esta carrera como ilustrador continúa en la revista "Smog". Sus particulares creaciones, tanto de dibujo como pictóri cas serán expuestas en distintas salas y eventos, así en 1990 expone dibujos en la muestra "La Cultura es un Chiste", orga nizada por el Ministerio de Educación y Cultura de Uruguay. Participa también en la Primera Muestra de Pintura Lati noamericana en Beijing, China, siendo adquirida para dife rentes colecciones privadas. La revista de arquitectura y diseño "Elarqa" se interesa por su obra y publica un artículo con un análisis y una muestra de esta, en Junio de 1998. También aparece en el vídeo "Monitor Plástico" junto a otros artistas plásticos, en una exposición colectiva de "El Monitor Plástico" en el Cabildo de Montevideo. La obra pictórica de Jorge Risso es colorista y mordaz. Representaciones caricaturescas de gran expresividad inser tas en escenarios oníricos, personajes que hablan a través de un lenguaje gestual de gran fortaleza. Observamos el domi nio del dibujo, que late en cada figura y gesto, pero no debe mos dejar pasar desapercibida la capacidad pictórica de este artista. Su pincelada suelta, a veces agresiva, imprime carácter a la representación, aporta veracidad y crudeza, así como el uso del color, en arriesgado contrate, trabajado unas veces y puro otras, jugando con el sentimiento del espectador. Un espectador que se encarna en el propio per sonaje y por tanto, en el propio lienzo, para recorrer esos mundos, para sufrir, para enloquecer... como los propios protagonistas de la obra.‡

Jorge Risso Rissomann@adinet.com.uy Juan Paullier 1110/103. (11200) Montevideo Uruguay.

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RODRÍGUEZ Amat, Jordi. Artista plástico nacido en 1944 en Santa Coloma de Gra menet, Barcelona (Cataluña), España. Su primer contacto con la pintura será trabajando con su padre desde los once años de edad como pintor de paredes, pero su talento hace que por las tardes acuda a clases de Dibujo y Pintura con el pintor y cartelista Joseph Alumà Sanz, en su escuela privada: "Liceo de las Artes". Aún por las noches acude a la Escuela de Maestros y Decoradores donde aprende técnicas de acabados e imitaciones de materiales, dorados y policromados, titulándose como Pintor Decorador. Contando quince años, ingresa en la escuela Superior de Bellas Artes de Barcelona, donde se gradúa como Profesor de Dibujo. Posteriormente se licenciará en Bellas Artes y en Arquitectura Técnica. Entre los años 1965 y 1969, reside en Barcelona, París (Francia) y Munich (Alemania, a medida que va conociendo el arte contemporáneo y este va influyendo en su propia obra. No obstante, en 1970, acabará por regresar, y desde 1994 hasta la actualidad reside en Les Olives (Garrigoles), pueblo rural perteneciente a la comarca del Empordá, donde ha creado el centro de Arte Contemporáneo y la Fundación que llevan su nombre. Ha ejercido la docencia en la Escuela Universitaria de For mación de Profesores de la Universidad de Barcelona y en la Escuela Técnica Superior de Ingenieros Industriales de Terrassa. Actualmente desarrolla sus actividades docentes en el bachillerato artístico del Instituto de educación Secundaria de la Bisbal d'Empordá. Rodríguez Amat ha realizado numerosas exposiciones a lo largo de su intensa carrera, y su obra ha cosechado gran des éxitos que han convertido a este creador en un autoridad reconocida en todo el territorio español. En su extensa obra ha dominado la totalidad de las técni cas pictóricas sacando de cada una de ellas los más óptimos resultados, mezclando la figuración con la pura forma y el color, en unas complejas composiciones de gran equilibrio y fuerza donde se aúnan pasiones y buen hacer. Encontramos en la figura de Rodríguez Amat un creador de estética inconfundible que deja mella, mostrando la visión del rico universo creador por el que este artista se mueve con la sol tura de quien conoce a la perfección el terreno que pisa.‡

Jordi Rodríguez Amat jrodri19@pie.xtec.es Les Olives, Garrigoles.Cataluña. España

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RODRIGUEZ Amiana, Enriquillo. Pintor nacido en Santo Domingo, República Dominicana en 1962. Sus primeros contactos con el arte y su formación en este, tienen lugar entre los años 1979 y 1985, en los que pasa por diferentes centros: el centro de Arte Nidia Serra, la Escuela Nacional de Bellas Artes, la Universidad autónoma de Santo Domingo y las Academias privadas de A. Bass y S. Frías. Más tarde, en 1993 y 1994 respectivamente, estudiará Introducción a la Restauración y Conservación del Papel, en la gallería Arawak, y el curso de Color sobre Papel "Metáfora de lo Efímero", junto a Carlos Cruz Díez en el Museo de Arte Moderno de Santo Domingo. Ejerce como docente, siendo profesor de Arte en escuelas privadas, y dando clases de pintura y de técnicas de acua rela en diversas instituciones y escuelas de Santo Domingo y la República Dominicana. Enriquillo Rodriguez ha participado en numerosas expo siciones tanto de manera individual como colectiva, con las que ha recorrido Estados Unidos, Canadá, Santo Domingo, Méjico, Venezuela o Puerto Rico, cosechando positivas críticas para su obra. Ha obtenido premios y galardones en distintas ocasiones, entre las que podemos mencionar los Salones Arawak 1981 y 1982 o el I Centenario de San Pedro de Macorís. Su obra forma parte de colecciones en la República Dominicana, Méjico, Honduras, panamá, Estados Unidos, Canadá, Francia, España, Alemania y Países Bajos. En la obra de Enriquillo destaca el dominio del color y la viveza de este, lo que contribuye a crear resultados de gran positivismo y luminosidad. Figurativo, domina entre otros géneros el bodegón, al que dota de valores plásticos conseguidos a base del buen uso y aplicación de la luz en el juego de volúmenes, dando forma a cada elemento por sí solo, para conjugarlos des pués en perfecta armonía compositiva. Su pintura analiza la realidad, los efectos visuales la percepción del color y la forma, y los reproduce con maestría, con alegría, otorgán donos un mundo donde una sencilla flor o una fruta se convierten en el escenario de la calidez y el cromatis mo.‡

Enriquillo Rodríguez Amiana e- mail@amiama.com Florence Terry, 9 Torre Don Alfonso I Naco. Santo Domingo, República Dominicana

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RODRIGUEZ, Eugene. Artista plástico nacido en Oxnard, California (Estados Unidos), en 1957. Su formación artística tiene lugar en la Universidad Estatal de San Francisco, California, en la que se licencia en Bellas Artes, en 1992 para posteriormente, en 1994, titularse Profe sor de Bellas Artes en el Mills College de Oakland, Califor nia. Pintor y fotógrafo, Eugene también ha realizado vídeos e instalaciones que le han aportado fama internacional. Entre los numerosos premios que avalan su trayectoria, podemos mencionar el Primer Premio "Arts on Fire", del Centro de Arte Sánchez de Pacifica, California, con un jura do compuesto por importantes entendidos, como Marian Parmener, Directora del Museo de Arte y Artistas Modernos de San Francisco, California, el reconocimiento Especial en Pintura en la III Exposición de Arte Internacional de Period Gallery, en Omaha, o el Tercer Premio de la Exhibición Anual de Artes Visuales de Houston, con Marisol Nieves, Coordinadora del Museo de Arte del Bronx, de Nueva York, como jurado del premio. Eugene Rodríguez ha participado en numerosas muestras de arte en los Estados Unidos, en las que ha recibido la acep tación del público y de la crítica por su particular forma de asomarse al mundo, retratarlo y configurar así sus creacio nes. La obra de este polifacético artista es un recorrido por el mundo que le rodea, tratado con una sensibilidad especial, mostrando la cultura de la generación en la que se mueve. Así crea manifiestos históricos que documentan su particular visión ante la vida, en los que se mezclan sus propias influen cias y la estética urbana y social en la que se ve inmerso. Todo ello es aliñado con una concepción mitad neorrea lista, mitad surrealista, con la que este creador introduce su capacidad creativa y de ensoñación, mostrándonos un mun do a caballo entre lo real y lo imaginario, entre la calle y el sueño, donde todos los géneros tienen cabida a la hora de hablar de la humanidad, de las personas, y sobre todo, de la vida, con un lenguaje colorista, teatral, mediante el que lo

Eugene Rodriguez www.eugenerodriguez.com California. USA

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RODRÍGUEZ Gauna, Beatriz. Pintora nacida en Córdoba, Argentina. Beatriz Rodríguez Gauna es Licenciada en Administración de Empresas, se ha formado en las Artes Plásticas, en Filoso fía del Arte con el profesor Teodoro Craiang, Dibujo y pintu ra con Jorge Iberlucea y Pintura con Teodoro Craiang y Estela Sidi. Su obra ha obtenido rotundos éxitos en sus más de cin cuenta exposiciones y muestras, siendo galardonada con numerosos premios, como el Primer Premio de Pintura del Museo de Bellas Artes Ramón G. Cornet, 1994, el Primer Premio del Museo de Bellas Artes de Santiago del Estero, 1995, la Mención de Honor del Salón Nacional de Pintura, "Gran Premio Raúl Sodi", 1999 y el Segundo Premio "La Casa del Arte 2001", entre otros. La crítica se ha pronunciado favorablemente hacia su obra, y le han sido dedicadas palabras como las de Jorge Glusberg, director del Museo Nacional de Bellas Artes de Argentina "su mensaje es decantado, sin impulsos grandilo cuentes ni arranques demóticos. La realidad entre en su obra como entra en la vida cotidiana, tan lateralmente que a veces ni siquiera nos percatamos de ella". La obra de Beatriz Rodríguez Gauna trata la realidad de una manera simbólica y preciosista. A base de acrílicos, collages y técnicas mixtas, ataca donde más duele: en el sufrimiento humano, ahondando en las miserias, sin escon derlas, sin hacer apología, simplemente como lo siente, con el mejor de sus discursos: la pintura. Trabaja el color, lo curte, lo envejece, lo llena de conteni do hasta que es capaz de hablar por sí solo, anulado por el oscurantismo y la pincelada insinuante con la que da forma a insignificantes cuerpos que se pierden dentro del lienzo mientras este les ahoga. Sus obras poseen, sin embargo, una atmósfera en la que hasta la mayor de la oscuridad se ve aplacada por la mística de la luz, que se introduce en la composición como un rayo esperanzador, lo único que queda en los desolados seres que habitan en sus cuadros.‡

Beatriz Rodríguez Gauna rolar@internet.siscotel.com México 1171 Piso 1 A, Buenos Aires Argentina

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ROLANDELLI, Susana. Artista plástica nacida en Entre Ríos, Argentina y residente en Buenos Aires. Ha cursado estudios de Artes Visuales, Pintura, Grabado, Arte Digital y Diseño Gráfico. De manera personal, realiza investigaciones sobre técni cas de fabricación artesanal de papel, y su incorporación a la obra de Arte. De ese modo, los aplica en la creación de esculturas y los utiliza como formato de su obras. En la actualidad preside la Asociación de Artistas Papele ros de Argentina (AAPA) y es Representante Internacional del Club Latino de Artistas Papeleros (CLAP), con sede en Bra sil.

Susana Rolandelli susanarolandelli@fibertel.com.ar Santa Fe 3091, 4º Piso (1425) Capital Federal, Buenos Aires Argentina.

Su reivindicación de las técnicas de papel hecho a mano y sus investigaciones a cerca de estas, llevan a Susana Rolan delli a participar en seminarios e intercambios culturales y conferencias, así como a organizar y dirigir exposiciones. Sólo en los últimos años ha participado en más de sesenta muestras colectivas y más de una quincena de exposiciones individuales en toda Latinoamerica y Estados Unidos, lle gando hasta China, en 1995, con la muestra "Beigin 95", en el foro Internacional de la Mujer. Entre los numerosos galardones que avalan su trabajo, podemos destacar el Primer premio del Salón de Otoño del Banco Cooperativo de Buenos aires, el Segundo Premio de Pintura del Museo Histórico de Morón, Buenos Aires, la Mención de la Embajada de Brasil "Artistas del Cono Sur", o el Premio salón de Buenos Aires, de la Fundación Andre ani. La obra de Susana Rolandelli ha sido objeto de elogiosos comentarios por parte de la crítica, como los vertidos por el crítico de Arte y ensayista Vicente de Percia "tiene una obra abierta, permitiendo ser abordada en diversos puntos, donde los medios materiales e instrumuentales se diversifican". Susana trabaja la escultura, la pintura, hace uso de las artes gráficas y las posibilidades digitales, dando todo lugar a una obra variada donde lo más importante son las conno taciones que encierra. Sus instalaciones se plagan de imá genes extrañas, donde plasma todas las posibilidades domi na a la hora de crear. Juega e investiga dando lugar a com posiciones nunca vistas, movidas por la organización, el empleo del color y de la luz, de los que se sirve para crear tensión en el espectador. Con gran capacidad de comunicación, ahonda en las dis tintas experiencias humanas, de las que extrae la temática con la que elabora sus creaciones, para mostrarlas como fo tografías tridimensionales del alma, del sentimiento.‡

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ROMERO, Ángela. (LA PINTORA DEL UNIVERSO) Pintora española nacida en Plasencia, provincia de Cáce res, Extremadura, en 1954, y residente en la localidad barce lonesa de Mollet del Vallés. Diplomada en Enfermería, Podología, Fisioterapia y Medi cina del Trabajo, presta sus servicios en el Institut Catalá de la Salut. Sin embargo, en la persona de Ángela Romero también hay cabida para el talento artístico, para la necesidad de comunicar y sincerarse por medio de la pintura. Bajo el evocador seudónimo de "La Pintora del Universo", se escon de un artista, que a base de dedicación, encontró su propio estilo, así como su particular temática. Ha participado con éxito en gran número de exposiciones, no sólo en su lugar de residencia, Mollet del Vallés, sino tam bién en Madrid, Barcelona y Badalona, llegando a participar en una exposición colectiva que llevó su obra hasta la Colec tiva Latin American Art Museum de Miami, Estados Unidos. El crítico de Arte Eduardo Arboleda Ballén ha definido su pintura como "un hecho solitario, tiene momentos de angus tia, de sufrimiento, de soledad, pero al mismo tiempo es un acto en el que ella se revela a sí misma por sus sueños, por su experiencia vivencial". En la obra de Ángela Romero queda de manifiesto su pro pia sensibilidad, con la que se convierte en creadora de Universos personales, tan lejanos como incógnitos. Porcio nes de cosmos que alcanza con sus manos para depositarlos sobre el lienzo, llenándolo de luz, de inmensidad. Ángela sabe ver más allá de lo terrenal. Más allá de lo perecedero, encuentra lo primordial, lo eterno, el Principio y el Fin. La magnitud de sus representaciones se introduce de delicada, pero despiadadamente en nuestros más ances trales temores, para enfrentarnos a ellos como ella se enfren ta con el lienzo, y mostrarnos la salida.‡

Angela Romero Luceño angelapintora@airtel.net angelaromero@telefonica.net T. 667.46.74.82 / 93.570.36.62 Avda. Libertad nº18, 6ºB (08100) Mollet de Valles, Barcelona España.

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ROSEL, Daniel. Pintor, Dibujante y Grabador, nacido en Mérida, Yucatán, Méjico, en 1986. Artista de renombre, Daniel Rosel cuenta con una exten sa carrera artística, en la que su obra ha obtenido numero sos logros con los que ha ido posicionándose de manera estable en el panorama artístico actual. Podemos contar hasta el momento en su trayectoria, más de treinta exposiciones colectivas, así como más de diez individuales por todo Méjico, Bolivia y Argentina, com puestas en su mayoría de dibujos y grabados, y con sitio también para la pintura. Forma parte además, de importan tes colecciones artísticas, así como de colecciones privadas en Estados Unidos, Holanda, Méjico, Argentina y Bolivia. Su obra ha sido premiada en eventos estatales, naciona les e internacionales, entre los que podemos destacar el Primer Premio de Pintura del II Salón Fernando García Pon ce de Mérida, en 1993, mismo año en el que recibió el Primer Premio de dibujo de la V Bienal de Artes Visuales de Yucatán, o el Primer Premio de Dibujo-Grabado y Mención de Honor en Pintura del I Salón Internacional de Arte Siart99 en La Paz Bolivia, en 1999. En 1997 fue condecorado con la Medalla al Mérito Artístico en su ciudad natal. Daniel Rosel, calificado por José Luis Rodríguez de Armas como "artista trashumante, que más que partir de raíces culturales abstractas y diluidas en el tiempo, no pierde su tiempo en busca de entelequias perdidas y bucea en lo con creto, rico y aún por explorar, es decir, el mestizaje, la hibridez de las culturas", hace gala de una visión un tanto medievalista en el arte. Esa es la primera característica que se aprecia al acercarnos a su obra, poblada de personajes apocalípticos, rescatados de antiguos bestiarios que se inmiscuyen ahora en nuestro mundo. No faltan los temas religiosos, de gran simbolismo, tratados siempre bajo la presencia de la arquitectura, el templo de Salomón en el que sus columnas separan las distintas escenas generando una imagen de tríptico. Una estética perdida, a veces inge nua, pero siempre crítica, creada con la imaginación y el conocimiento, a base de un rigor técnico insuperable, manifestado en el trazo de sus carboncillos o en la suelta pincelada con que elabora sus óleos.‡

Daniel Rosel danielrosel@yahoo.com Calle 57-b Nº6 x 56 y 58 frac. Francisco de Montejo (97200) – Mérida, Yucatán México

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ROSSIANO, Rita. Nacida en una zona rural próxima a la localidad de María Juana, en la Provincia de Santa Fe, Argentina, esta pintora se graduará como Profesora Nacional de Dibujo en la Univer sidad Nacional de Rosario, Argentina. Tras esta graduación ejerce la docencia de la especialidad de dibujo a todos los niveles escolares. Su pasión por el arte hará que se centre en desarrollar un labor no sólo como creadora, sino que también se involucra rá en la formación de artistas y el acercamiento del arte a los estudiantes. Será directora del Taller de Artes Visuales y de la Escuela Provincial de Bellas Artes de San Francisco, Cuba, ciudad donde reside desde 1970. A lo largo de su carrera artística, iniciada en 1978, sus obras han sido seleccionadas en diversos salones de pintura. Entre los premios que ha recibido podemos destacar el Se gundo Premio del Concurso de Murales para el Auditorio de la Dirección Municipal de Cultura de San Francisco, o el Primer Premio del III Salón Regional Tierras de Cuba, entre otros galardones, menciones y selecciones con los que su obra ha sido merecidamente reconocida. Por su experiencia como docente y su preparación teórica, ha dado charlas sobre Historia del Arte y temas afines, así como impartido cátedras sobre dibujo en las escuelas de la ciudad de San Francisco.

más que simple estilo de vida". La obra de Rita Rossiano constituye un ejercicio de abs tracción formal en la que el color navega por un cosmos orgánico en cual late una vida que espera a ser descubierta. El delicado uso del color, de la pincelada que toma forma silenciosa, de la luz que nace del propio cuadro, dan lugar a una composición, llena de movimiento. Modelados volú menes tratados con limpieza técnica que denotan buen hacer y claridad de ideas, se entre mezclan entre sí en una fusión de contornos que aporta carác ter a la obra y hace que des taque por sus propios méritos dando lugar a un innovador resultado que hace que esta de la obra de esta artista un sello inconfundible que permanece en todos y cada uno de sus tra bajos.‡

La crítica no ha escatimado elogios para esta artista, y de su obra, publicó el Diario La Opinión de Santa Fe, Argentina, "que se realiza con la conciencia de una vocación que no es

Rita Rossiano ritar@elpartenon.com 1º de mayo Nº24, San Francisco. Provincia de Córdoba Argentina.

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ROUSSO, Carola. Nace y vive en Buenos Aires, Argen tina, donde primeramente cursa estu dios universitarios de Lenguas Vivas, aunque su innegable inclinación hacia el arte dará lugar a una extensa forma ción posterior que se inicia en el taller de pintura de Stella Sidi. Su talento se centrará pronto en la fotografía, y así comienza a estudiar en la Escuela de Fotografía Creativa de Andy Goldstein, que será el comienzo de una incan sable sucesión de estudios. Llegará hasta Miami para estudiar junto a Nick Fowler, como también lo hará con otros importantes artistas de esa especiali dad, tales como Jorge Vera, Kathleen Thornton Carr o Cyntia Jhonson-Bianc hetta. Así mismo, durante su formación se sucederán numerosas exposiciones de su obra, dando a conocer su trabajo tanto en su Buenos Aires natal, como en EEUU. En el año 2000 obtiene el título de Fotógrafo profesional tras la exposición de sus tesis Transferencia de Imagen Polaroid en Papel de Acuarela, en la que manifiesta su interés por la particu

laridad de la fotografía Polaroid y las posibilidades que esta ofrece, en las cuales investiga hasta crear un estilo y técnica muy personal que la hace destacar y brillar con luz propia en el panorama fotográfico. El objetivo de Carola Rousso es una ventana a un mundo mágico. Fotografía la realidad para transformarla en ensoña ción, perdiendo los contornos y así crear imágenes que na cen de la luz y se sumergen en el agua, para jugar con un mundo colorista y vivo. Sus conocimientos dan lugar a una combinación armoniosa de tonos y texturas, así como una acertada variedad cromática que oscila desde la calidez de los naranjas hasta las gamas más frías y eléctricas del azul. La fotografía ha sido desde su descubrimiento un factor de suma influencia para la pintura, pero Carola Rousso invierte los términos acercando sus imágenes a lo pictórico, creando trazos y pinceladas oscilantes, contornos difusos, colores vibrantes que nacen más allá del impresionismo, y se alejan de la tan extendida y tradicional fotografía realista. Son imá genes que transmiten una sensación de alegría y vitalidad, da ganas de vivir, de conocer ese universo que los ojos de la artista saben captar para regalárnoslo a quienes no tenemos la capacidad de llegar hasta ese paraíso mitad real mitad imaginario que nos ofrece.‡ Carola Rousso carolarou@ciudad.com.ar Darwin 1154, 2ºE. Buenos. Aires. T. 4856-1760. Argentina

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RUWETTE, Cecilia. Pintora argentina nacida en Buenos Aires en 1956. Cuenta con una sólida formación que refleja magistralmente en su obra. Cecilia se graduó en 1983 en la Escuela Nacional de Bellas Artes Lola Mora. Posteriormente, en 1989, vuelve a graduarse esta vez como Profesora Nacional de Escultura y Pintura en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredon, y en 1993 lo hace en la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova, donde se titula Profesora Superior de Pintura. En la actualidad ejerce como profesora en la Escuela de Bellas Artes Lola Mora. Desde 1985 ha participado en muy numerosas exposicio nes, individuales y colectivas, no sólo dando a conocer su obra pictórica, sino también su escultura, con la que en 1986 obtuvo una Mención en el Primer Salón Benito Quin quela Martín, en el Museo Arte de la Boca, Argentina. Sus pinturas han sido premiadas en distintas ocasiones, como en la XXXIV y XXXV Edición del Salón de Manchas de la Ciu dad de Buenos Aires, en 1992 y 1993 respectivamente, en las que obtuvo un total de seis premios en diferentes catego rías, integrados por tres Medallas, dos premios Estimulo y un Diploma Premio Mención. Otros serán, el Primer Premio de Pintura del Salón en Pequeño Formato en el 2001, el Tercer Premio Pintura del Salón "Crisis Argentina" 2002, ambos organizados por la Galería Edea, entre otros. Cecilia Ruwette utiliza el óleo y el acrílico para dar forma a una pintura figurativa con tintes de crudeza realista y expre sionista. Sus creaciones no se quedan en la belleza, profun dizan en mundos crudos de seres desolados que se mantie nen ajenos al espectador o lo observan con firmeza, comu nicando su tragedia personal, siempre en soledad. Una soledad que envuelve al personaje hasta ahogarlo en sus pro pias miserias, soledad que impera aun cuando aparecen varios personajes: cada uno de ellos, individualmente está solo. Atmósferas cargadas de fondos trabajados, contrastes de claroscuro y tenebrismo, con un buen ejecutado dibujo y excelente trazo pictórico. El color se apaga, se oscurece y resbala por el lienzo como un torbellino de pinceladas sabias y precisas. Y en medio de toda esta oscuridad, siem pre hay un lugar para la luz... una ventana, un faro en la noche, un rayo de luz que se cuela en el bosque... una sali da.‡

Cecilia Ruwette cruwette@yahoo.com.ar Desaguadero 3818 D1 (1419) Capital Federal, Buenos Aires Argentina

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SALINAS, Marta Susana. Artista plástica, natural de Buenos Aires, Argentina. Marta Susana Salinas inicia su formación moviéndose por distintas Universidades Argentinas donde estudia Arte Deco rativo. Posteriormente realiza diferentes cursos, Historia del Arte en el Museo Nacional de Bellas Artes, Pintura con Car los Cañas en el Museo de Arte Decorativo, Análisis de Obras en el taller de Claro Bettinelli, Estética de la Visión con Oscar Carvallo en el taller de Antonio Berni, Dibujo con Sonia Labraña, y Pintura con Oscar Azpiri en el Estímulo de Bellas Artes. Ha participado en cerca de cien exposiciones y muestras individuales y colectivas, en importantes galerías del País y otros tantos salones. Avalan su obra y su valía alrededor de cincuenta premios y menciones, entre los cuales podemos destacar el 1º Premio en Pequeño Formato de la Galería de Arte Tokio, 1993, Pri mer Premio en Pequeño Formato de la Sociedad Argentina de Artistas Plásticos, 1996, el Primer Premio Salón de la Galería Núcleo Arte, 1997, el Primer Premio Galats Arte Contemporáneo, en el mismo año, y un largo etcétera. De su obra, Irma Aguado, Museóloga del Museo Histórico de La Manzana de las Luces, ha dicho que "tiene un espíritu de síntesis esencial en una invitación a un viaje de intros pección". La obra de Marta Susana Salinas es un alfabeto de pincela das coloristas con el que forma un lenguaje de pura expre sión, recreando paisajes imaginarios que sólo tienen sentido en la realidad de los sueños. El predominio de las gamas de azules no resta protagonismo a la calidez de los naranjas, a los sutiles violetas y rojos, que se funden entre sí por medio de una dinámica pincelada que domina la veladura y la aguada para configurar los fondos y dar supremacía a una mancha vibrante, atrevida y llena de movimiento. Un conjunto pictórico homogéneo en temática y paleta que pone de relieve la seguridad y decisión de esta artista, y nos abre sus puertas para profundizar en la magia de sus paisajes, a dejar correr nuestra imaginación y despertar los sentidos a leer en la poesía de su pintura.‡

Marta Susana Salinas Bartolomé Mitre 4392 Piso 5ºA, Buenos Aires T. 54 11 4981-7214 Argentina

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SALMERÓN Fernández, Manolo. Artista español, nacido en Sabadell, Barcelona en 1966. Su formación se inicia con los estudios de Artes Aplicadas, en la especialidad de Diseño Gráfico en la Escola Llotja de Barcelona, entre los años 1987 y 1992. Más tarde, en 1994, ingresa de nuevo en la misma Escuela, para volver a espe cializarse, esta vez en Pintura. A partir de ese momento comienza una labor artística len ta pero imparable mediante la que Manolo Salmerón se desarrolla como creador. En su taller en Barcelona, su obra aumenta, el artista encuentra su estilo, y surgen interesantes creaciones que presenta en distintas exposiciones en su pro pia ciudad natal: La Sala Almirall, La Sala Morgade, el Taller Torre de Papel... como también ofrece su colaboración para el 2º Maratón de Creación y Reciclaje, abriéndose camino poco a poco a base de trabajo y constancia, pero huyendo siempre de la pretensión. Pero no hay nada más que ver la obra de Manolo para comprender su personalidad... o tal vez viceversa. Lo cierto es que partiendo del uso del óleo, y finalizando con la com binación de gouache y rotulador, surge la particular pintura de un maestro con estilo propio. Colores puros y luminosos, trabajados a base de espátula, lo que origina una pintura cargada y de gran poder textural, que en ocasiones olvida retazos de lienzo blanco que se comunican con el todo y contribuyen a destacar la pincelada. Particulares guiños picassianos y cubistas, miradas hacia los dibujos infantiles, simbolismo, pasión, todo fluye por la obra de este artista. Un tema recurrente en su pintura será la tauromaquia. El mundo del toro es sacado de su sangriento contexto para entrar en lo caricaturesco, en lo humano de este animal. Así mismo, la figuras del toreo también poblarán su obra, desta cando la serie dedicada a Manolete, que quizás guarde más analogías con su propia persona además del nombre. Un conjunto pictórico de gran dinamismo, trazado sin complejos, que refleja una personalidad en la que priman el buen humor y sobre todo, las ganas de crear.‡

Manolo Salmerón Fernández manosalmeron@terra.es c/Montanyans, 6-8 4º 2º (08003) Barcelona España

AUTORES Enciclopedia Iberoamericana de Artistas Plásticos Contemporáneos 136 -

SÁNCHEZ Juárez, Juan. Pintor mejicano nacido en 1946. Descendiente directo del Presidente Benito Juárez, Juan Sánchez Juárez siente una atracción por el arte desde su infancia, atracción que se convertirá en profesión tras for marse en la real Academia de San Carlos. Artista de fama internacional, ha realizado múltiples expo siciones individuales y colectivas en las más importantes galerías de Méjico y del extranjero, entre las que podemos mencionar el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de Méji co o el Museo de Arte de Philadelphia, Estados Unidos. A estas exposiciones y los numerosos galardones, premios y reconocimientos que Sánchez Juárez ha recibido, se unen el interés y la aceptación por parte del público, y los elogios que la crítica. Sus obras forman parte de importantes colec ciones públicas y privadas alrededor del mundo, haciendo de este pintor uno de los artistas más conocidos y renombra dos de Méjico. El propio artista comenta su trabajo en torno a la importan cia de su relación con el color "El color ha sido siempre un factor importante en mis obras y es a través del abstraccionis mo que he podido explorarlo. Mi mejor trabajo surge des pués de muchas horas de pintar, cuando me encuentro tan cansado que cualquier movimiento deliberado es casi imperceptible; es en este punto cuando todo se convierte en una especie de viaje mental". Vemos según sus palabras, cómo la obra de Juan Sánchez Juárez tiene su origen en un proceso de práctica inconscien cia, y así podríamos decir que su pintura es la manifestación de su intelecto sin limitación alguna, de una mentalidad totalmente liberada que crea de manera casi automática. De ese modo sus creaciones encierran su espíritu libre, transformado en puro color, en escenarios de gran profundi dad por los que flotan formas geométricas y pinceladas sin rumbo, sobre difusos fondos donde el color se funde con la experiencia de la mano que domina el pincel y la pasión del alma que escribe sobre el lienzo.‡

Juan Sánchez Juárez (México – Galería Aura) gzajarias@auragalerias.com Aura Galerias, S.A. de C.V. Amberes, 38 Col. Juarez D.F. 06600 México

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SANTA Cecilia, María. Nace en San Fernando (Buenos Aires, Argentina). Dedica da en cuerpo y alma al dibujo, ha estudiado también Filoso fía y Letras y Guión de cine. Su formación artística se centra en el dibujo y la pintura, habiendo asistido a talleres imparti dos por diversas instituciones como el Museo de Arte Deco rativo, el taller Keneth Kemble, el Museo Nacional de Bellas Artes con el profesor Ariel Mlynarzewicz, la Universidad de Michigan, entre otros talleres particulares. Cuenta en su haber con numerosas muestras y exposicio nes principalmente de dibujo, disciplina en la que cosecha grandes éxitos, tanto en latinoamérica como en Estados Uni dos y en diferentes países Europeos. Su valía además ha sido reconocida con múltiples premios y menciones, entre los que podemos citar por ejemplo la Primera Mención de la Casa de la Provincia de La Pampa, el Segundo Premio en el V Salón de la Mujer "Alicia Moreau De Justo", Gran Premio de la Galería de las Naciones, el Primer Premio de dibujo en el II Salón Nacional Alianza Francesa Gran Premio de Honor, o la Primera Mención del VI Salón Mercosur Diógenes Taborda, entre otros. Excelente dibujante, género imprescindible para cualquier artista y de algún modo poco reivindicado y hasta en ocasio nes olvidado, Santa Cecilia hace gala de grandes dotes y dominio del modesto lápiz, tratándolo de forma exquisita. Sus composiciones parten de la naturaleza muerta tratada a modo de collage, cortando los objetos y jugando con ellos me-diante la superposición de planos, creando lo que puede recordar a piezas de puzzle que dispone acertadamente en el formato. Santa Cecilia nos regala la minuciosidad de elaborados entramados que se escapan de la capacidad humana y crean texturas armónicas y limpias. Trata cada detalle con su pre ciso sombreado y pese a la ausencia colorista, a base de grafito con algún ligero toque de sanguina, su obra dista mucho de lo sombrío que pudiera parecer. Sus composicio nes son intimistas y sosegadas, aún con la rotura de planos que contienen. Nos hablan de viejos instrumentos, empol vadas partituras o silenciosos paraguas plegados, que re crean la belleza existente en cualquier objeto, convirtiéndo lo en obra de arte.‡

María Santa Cecilia mafrance@arnet.com.ar Hipólito Irigoyen 2854, Florida, (1602) Buenos Aires Argentina

AUTORES Enciclopedia Iberoamericana de Artistas Plásticos Contemporáneos 138 -

SAPORITI, Patricia. Patricia Sainz Miramón de Saporiti nace en Coronel Suá rez (Buenos Aires, Argentina). En su extensa preparación como creadora plástica y artís tica cuenta con estudios de arquitectura paisajista y semina rios de Historia del Arte en el Museo de Bellas Artes de Buenos Aires. Igualmente cursa estudios de dibujo y pintura en el Museo José Hernández, estudios que continúan en la Galería de Arte El Intervalo, en la que también cursará semi narios. Esta preparación continúa hasta la fecha, siempre vinculada a los talleres de los grandes maestros, donde desa rrolla un ejercicio de aprendizaje que aporta a su obra lo mejor de cada uno. Ha realizado gran número de exposiciones y muestras en Argentina, así como en Uruguay, Brasil, París, Roma o Nueva York. Su nombre figura en una amplia bibliografía, incluidos libros sobre arte y artistas argentinos. Cuenta con prestigiosos premios y galardones, entre los que podemos destacar, por ejemplo, que fuese seleccionada para Arte Expo 2002 en Nueva York, o haber sido galardona da con la Banda a la Honra Pública Estrella Académica, Universal Título de Eminencia Académica de la Humanidad 2001. Ha colaborado también para programas de la televisión argentina como "Menú con Vida" o "Nutri Noticias". La pintura de Patricia Saporiti es una invitación a pasear la sensibilidad por los parajes que tan delicadamente repre senta. Su pintura es sosegada y tranquila, para la vista y el alma. Una huída hacia la naturaleza en su estado más puro e idílico confeccionada a base de una pincelada suelta y segura, fruto del trabajo y ensayo, que manifiesta su buena preparación. En sus pinturas brilla en todo momento el esplendor de la sencillez. De sus paisajes ha dicho Tamara Revilys que "atesoran secretos, están tan cerca del especta dor que quizá hasta se sienta el aroma de las tardes otoña les". Patricia hace de sus cuadros los escenarios de un apacible sueño, a través de jardines, campos dorados o paisajes cubiertos de nieve, irradiando un destello incapaz de dejar nos impasibles.‡

Patricia Saporiti Callao 1350 Piso 11ºA, (1023) Buenos Aires Fax. 54 11 4812-8128 / 6316 Argentina

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SERAFINI, María Concepción. Nace en Buenos Aires, Argentina, en 1962, aunque cuenta con doble nacionalidad: argentina e italiana. Se forma y es pecializa en el taller de Aníbal Carreño, para posteriormente obtener el título de profesora Nacional de Bellas Artes, profe sión que en la actualidad compagina con la pintura. Por medio de sus conocimientos y trayectoria en la docen cia tratará de involucrar a un público escolar en el mundo artístico, proyectando la obra "Desarmable", de Manuel González Gil y dirigida por Carlos Parrilla, de la que tam bién creará la escenografía, con la pretensión de desarrollar las posibilidades expresivas y creativas de la infancia. También participará en el Programa de Inventario de Monumentos Histórico Nacionales, formando parte del equipo técnico en el relevamiento de los Monumentos Nacionales. A su vez, realiza exposiciones en Argentina e Italia, reci biendo la aprobación de la crítica, y participa también en concursos y salones, donde obtiene premios como el Diplo ma y Medalla de Honor en el IV Concurso del Tango ilustra do, organizado por la Municipalidad de Vicente López, o el Diploma y Medalla de Honor en la creación del escudo de la Provincia de Tierra de Fuego, Antártida e Islas del Atlántico Sur, entre otros. Además de la pintura y su dedicación a esta, María Con cepción también inclina su interés hacia la artesanía y crea ción de objetos artesanales tales como máscaras, y por la producción textil, bien sea como tapices, alfombras o dise ños de bordados computadorizados. La obra de esta artista destaca principalmente por el uso que hace del color, compositiva y técnicamente. Su paleta es alegre y creativa, y se convierte en el elemento primordial a partir del cual se desarrolla la composición, para dar lugar a una explosión en la que aparecen formas implícitas o suge ridas que ponen en marcha la maquinaria imaginativa del espectador. Predomina el gusto por el díptico y el tríptico, formando series narrativas que se complementan en armonía, en continuidad, dando lugar a un todo cuya percepción no es posible sin recurrir a la sensibilidad, un sentido más allá de la visión mediante el que poder escuchar la musicalidad de esta artista, que en palabras de la escritora y poetisa argentina Rosalía Gil, "ha triunfado en la vida".‡

María Concepción Serafini conceserafini@hotmail.com Mendoza 4001, (1430) Buenos Aires Argentina

AUTORES Enciclopedia Iberoamericana de Artistas Plásticos Contemporáneos 140 -

SEMINARIO, Betty. Pintora natural de Lima, Perú. Inicia su formación artística en 1981, en la Escuela Nacio nal de Bellas Artes en Lima Perú, continuando posteriormen te sus estudios artísticos en Italia. Será allí, en Italia donde comienza su carrera expositiva, realizado numerosas muestras individuales y colectivas, y adquiriendo una soltura pictórica que se manifiesta en la consecución de premios como la Medalla de Plata del Pre mio Pandosia 1991 de Marano Principato, Italia o la Medalla de Plata de la Academia Internacional de arte Moderna-Ro ma, Italia, también en ese mismo año. Su obra se encuentra en numerosas colecciones privadas y entre su obra pública podemos destacar el Mural para el Pala cio Municipal de Scalea "Vida y Folclore", realizado en 1994. Ha trabajado en Italia ilustrando libros, carátulas, y tam bién ha creado sus propios personajes. En 1991 Publica su propia tira comica "Beltrilda" en Roma, Italia. Ilustrará también artículos para los diarios "L’Opiniome", "Corriere de lo Sport" y el diario "Il Tempo", además de otras revistas italianas, así como de programas en medios de comunicación, entre los que podemos mencionar la Radio Televisión Italiana (RAI 3), en la que trabajó como ilustrado ra de los programas "Fantásticamente" e "Italia Mia Benche". La pintura de Betty Seminario es de carácter figurativo, y confeccionada en su mayoría en óleo sobre lienzo. Toma referencias andinas en sus personajes, siguiendo sus tradiciones, mostrando su indumentaria, artesanía costum bres populares, haciendo gala, a menudo, de un peculiar sentido del humor mediante el que refleja su refinado senti do crítico, que de algún modo entronca con su faceta de ilustradora. Sus colmadas composiciones manifiestan su técnica y buen hacer, así como un excelente dominio del dibujo, del gesto y los recursos pictóricos y paisajísticos que dotan de profundidad a la tela. El color es vivo en todos sus matices, siempre tomado de la naturaleza y de la realidad. Una obra de excelente factura en la que Betty Seminario capta el puro momento, como si de una fotografía se tratase, dejando patente su valía artística y el placer con el que crea cada una de sus elaboradas obras.‡ Betty Seminario

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SILBERSTEIN, Laura. Artista plástica argentina, nacida en la ciudad de Córdoba (Argentina). Pasó dos años de su vida en Israel, y en la actua lidad reside en Buenos Aires, (Argentina). Vinculada también a las artes escénicas, se forma como profesora de Arte Dramático en el Teatro General San Mar tín. Su formación pictórica la adquiere en el taller "Latidos" de Loty Cuadrado. En los últimos años ha comenzado a mostrar su obra, prin cipalmente en Argentina, aunque la exposición del Centro de Cooperación Internacional Científica y Cultural de Rusia "Casa Rusia" en el 2002, en la República Argentina, le per mitió llevar su obra, a Moscú, con un proyecto de Intercam bio Artístico y Cultural Argentino Ruso. Participa también en el libro "El Arte Argentino Actual". La pintura de Laura Silberstein es de gran originalidad. La principal característica que en primer lugar llama la aten ción al acercarnos a sus creaciones, es el tratamiento que otorga al soporte. Habitualmente utiliza técnicas mixtas sobre unos particulares lienzos sin tensar, en los que se crean pliegues y arrugas con la propia tela, aportando textu ra. Esta textura entra en el juego, administrando a la obra de contrastes lumínicos y es aprovechada con los diseños, dan do resultados tridimensionales o contribuyendo a la com posición. Los pliegues del soporte ascienden por la escena, resquebrajándola y generando tensión. La obra esta artista se engloba dentro de la figuración, aunque es inevitable percibir cierto simbolismo en los moti vos y escenas, en las que es habitual la presencia humana pero vinculada al paisaje, formando parte de este. Las repre sentaciones se enmarcan en un mundo onírico habitado por seres torturados, que dan la espalda o se muestran ajenos al espectador, inmersos en su propia existencia. Utiliza gamas tonales sombrías, de escaso contraste, y aun cuando aparecen colores luminosos nunca lo hacen en esta do puro, sino enmarcados en una mezcla de gamas, en una pintura trabajada y compleja de contornos difusos y un tanto tenebrista. Evocadora y transmisora de sensaciones, la obra de Laura Silberstein brilla con personalidad propia en el panorama actual.‡

Laura Silverstein laurasilberstein1347@hotmail.com

AUTORES Enciclopedia Iberoamericana de Artistas Plásticos Contemporáneos 142 -

SOCAS, Martha. Artista argentina natural de San Juan, lugar donde ha reci bido todas su preparación y estudios, hasta llegar a ser pro fesora de la Facultad de Filosofía, Humanidades y Artes, en el departamento de Artes Plásticas de la Universidad Nacio nal de San Juan. En su intensa carrera como pintora y grabadora ha realiza do multitud de exposiciones, la mayoría de ellas muy vincu ladas a su país, donde cuenta con un importante renombre ganado a fuerza de trabajo, pero también otras muchas fuera de este, como en Uruguay, donde su exposición de Monte video contó con gran éxito además de con el apoyo y la aprobación de la crítica, París o Brasil. Sus muestras han sido fruto de numerosas reseñas y comentarios en la prensa, destacando siempre su importante papel y la valía de esta artista. A su obra, Leonor Rigaud de Carrieri ha atribuido una "fuerte y bien lograda estructura compositiva, logrando una serie de ideografías de exquisita emotividad". Según propios comentarios de la artista, sus trabajos "tien den a expresar un contenido de tinte poético, a veces de fuerte carácter literario y otras veces se acentúa lo místico a través de la simplicidad de los planos. En las dos orientacio nes las imágenes se convierten en un pretexto o un medio para "idear un juego de espacios", donde el color cumple un papel esencial, permitiendo que los planos se interpenetren produciendo un efecto dinámico o estático en una compo sición estructurada". La pintura de Martha Socas se mueve en la abstracción, utilizando como únicos elementos figurativos imágenes foto gráficas o motivos florales, que de algún modo nos sirven de referencia para crear un contraste que realza el valor de la propia composición, asentándola y aportando expresividad estructural. La línea como elemento en su obra, según la autora, no guarda relación con el arte geométrico, sino que es utilizada como una constante en su estructura compositiva. Esa línea es la encargada de aportar vitalidad y dinamismo, pareja de un uso del color en fondos planos o en ligeras veladuras y transparencias, en perfecta combinación con todo el conjun to. Una obra en la que abstracción y figuración conviven en prefecta armonía junto con un matiz surrealista, y se dan apoyo mutuo generando un resultado estudiado e inteligen te.‡

Martha Socas T./Fax: 0264- 4231351 Argentina

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SORONDO, Alejandro. Artista argentino, nacido en 1946. Cursa estudios universi tarios en Finanzas y Administración de Empresas, viéndose obligado a abandonarlos a causa de problemas de salud. También realiza estudios de arte escénico, filosofía y oratoria y latín. Su vocación pictórica se pone de manifiesto a partir de 1970, momento en el que empezará a pintar de manera espontánea y autodidacta para formarse posteriormente, estudiando arte pictórico, pintura y grabado. Los primeros dos años de esta formación tendrán lugar en la Escuela Pana mericana de Arte, y en adelante se convertirá en discípulo, primero del profesor Julio Muñeza, durante un año, y más tarde con el profesor Peter Malenchini, junto al que pasará dos años. Interesado también por la artesanía y artes manua les, será discípulo de Andre y Jorge Lozzi, con los que apren derá el trabajo de la artesanía en madera, encabados de cuchillos de campo y orfebrería. De ese modo, la mayor parte de su formación se sucede siempre vinculada al taller de un maestro, lugar en el que se familiariza con las herramientas y los más refinados recursos técnicos que poco a poco irá llevando a su obra. Entre su amplia muestra expositiva y el reconocimiento de sus méritos artísticos, cabe destacar la exposición en dos ocasiones de su obra en el Rotary Club de Buenos Aires, obteniendo en ambos casos sendas primeras menciones, además de otras en la Galería D´arte Arte Hoy, con el Club de Leones o en la galería de La Trinidad.

Entre su extensa obra pode mos encontrar diferentes técni cas, como el acrílico o el graba do, predominando, no obstante, el óleo, trabajado a pincel o a espátula. Alejandro califica su obra de "melancólica", y dice reflejar en ella su estado de ánimo y su deseo. Siempre en busca de la perfección, la obtiene a base de incansable trabajo. Representa la naturaleza en su esplendor más cotidiano, con el recogimiento y sencillez de un campo espigado. Escenas campestres que invitan al reco gimiento y la la tranquilidad, con gamas cromáticas afines y neutras, y un acertado uso de la textura pictórica que otorga realismo a la obra aportando tridimensionalidad y perspecti va. Bellas composiciones y cui dada manufactura hacen de la obra de Alejandro Gustavo Sorondo un puro deleite para los sentidos.‡

Alejandro Sorondo alejandrosorondo@fibertel.com.ar Gral. Paunero 1790, (1640) Martínez Provincia de Buenos Aires Argentina

AUTORES Enciclopedia Iberoamericana de Artistas Plásticos Contemporáneos 144 -

SOZZI, Marta. Pintora argentina, nacida en Buenos Aires. En su formación artística destacan importantes maestros como Miguel Dávila, Emilio Renart, Jorge Iberlucea y Rosa Faccaro, entre otros, con los que adquiere gran parte de los conocimientos pictóricos y teóricos que posee. Así mismo, ha cursado estudios de Historia del Arte, Dise ño, estética y Análisis de Obra en Argentina, España y Nueva York. A lo largo de su extensa carrera, Marta Sozzi ha realizado más de 200 exposiciones en Argentina y fuera de su país, en las que ha mostrado su obra, labrándose un merecido pres tigio artístico. Este prestigio será el que le lleve a ser convo cada como Jurado Internacional y ha coordinar numerosas muestras de artistas internacionales argentinos e internacio nales de primer nivel, con las que ha contribuido a que grandes artistas obtengan el reconocimiento merecido. Ha sido Representante en Buenos Aires durante cinco años del Museo de Arte La tinoamericano de Florida, y actualmente es Representante en Argentina de Jadite Galleries, en Nueva York. Cuenta con numerosos premios, entre los que podemos destacar los más recientes: en el año 2001 recibió el Premio a la Trayectoria en Artes Plásticas "Estrella Académica Uni versal" otorgado por la Transacademia (Instituto Universal de las Naciones) y la OMHS (Obra Mundial pro Humanidad Solidaria), mismas instituciones que le otorgaron un año después, en el 2002, la Carta Credencial de "Embajadora de la Humanidad Solidaria", con destino Italia. La obra de esta prestigiosa pintora forma parte de numero sas instituciones en todo el mundo, así como de innumera bles colecciones privadas en España, Italia o Nueva York. Marta Sozzi sigue los caminos de la figuración, por los que se mueve con la desenvoltura del talento y la experien cia. Su manejo del pincel es una comunicación continua de su intelecto y su sensibilidad. Una comunicación que tiene por resultado la manifestación en forma y color de la espiri tualidad que esta artista destila y con la que colma cada uno de sus proyectos.‡

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STADT KELLER, Rosita. Pintora natural de Buenos Aires, Argentina, donde también reside, esta destacable artista plástica se formó en el conoci miento de las técnicas pictóricas asistiendo a diferentes cursos de pintura y dibujo en los Museos Nacionales de Bellas Artes y de Arte Decorativo argentinos, además de estudiar en distintos talleres al lado de prestigiosos maestros, aprendiendo de su trabajo directa y dedicadamente. Sus creaciones han formado parte de decenas de exposi ciones, tanto en las principales salas de Buenos Aires como fuera de esta capital, en diferentes ciudades iberoamericanas y europeas. Su obra ha recibido el inevitable reconocimien to que merece, a menudo reflejado en premios y menciones, como la Mención en Pintura del Salón "Crisis Argentina 2002 de Pintura y Escultura", en el Estímulo de Bellas Artes, la Mención de Honor del IIº Salón Nacional de Plástica "Gran Premio Raúl Sodi 2001", en el Museo Roca, o la Men ción en la Galería Núcleo de Arte "Gran Arte en Pequeño Formato". Algunos de sus cuadros pueden admirarse en distintas ins tituciones, como en la Embajada de la República Argentina en Atenas. Así mismo su nombre aparece en gran cantidad de biblio grafía, como una de las más destacadas artistas pictóricas argentinas. La obra de Rosita Stadt es una invitación a adentrase en un mágico paraíso de enormes y delicadas flores que crecen ante nosotros de la semilla del óleo, sinceras y casi místicas. Este es el motivo predominante en su obra y que domina de forma magistral, con un tratamiento minuciosamente natura lista, pero inserto, sin embargo, en una atmósfera ensoñado ra. Sus flores poseen la belleza de la propia naturaleza, hasta el punto de conmover. Sus flores hablan, ríen y lloran. Nos abren aterciopelados pétalos trabajados con un juego cro mático y lumínico exquisito, a base de amplias gamas cro máticas naturalistas y serenas que continúan en los fondos, tratados como abismos desenfocados que centran la aten ción en el motivo central: la propia flor. Una pintura reflexi va y estudiada que transmite la belleza de la naturaleza con una imposiblemente cierta fidelidad en todos sus detalles.‡

Rosita Stadt Keller rositakeller@latinmail.com Rep. Arabe Siria 2659 10ºB (1425) Buenos Aires, Argentina

AUTORES Enciclopedia Iberoamericana de Artistas Plásticos Contemporáneos 146 -

STORNI, Sol. Artista plástica argentina nacida en Buenos Aires en 1970. Pasará su infancia en las afueras de su ciudad natal, en un entorno muy vinculado a la naturaleza, para a los 18 años partir a recorrer el mundo. Practicante de yoga y viajera incansable, ha vivido en diferentes lugares como Brasil, Chi le, Mejico, República Dominicana, Estados Unidos e Italia, recorriendo más de 28 países e islas, lugares que junto a su nómada estilo de vida han ido influyendo y marcando su obra artística, que no sólo se centra en la pintura, sino que también busca la expresión por medio de la poesía. Artes en las que prima la comunicación, la necesidad de vaciar el alma y de narrar aquello que conoce por medio del lengua je con el que mejor sabe transmutar sus experiencias, el lenguaje del pincel y el verso, para ponerlas al alcance de todo aquel que sepa mirar más allá de lo que sus ojos ven. Su formación en la pintura y el dibujo ha sido de carácter autodidacta hasta conocer a la también artista Beatriz Perei ra para pasar a convertirse en su alumna. Durante su estan cia en Firenze, Italia, tuvo ocasión de estudiar con el maes tro Alessandro Berti. En la actualidad trabaja en su atelier de Carmen de Areco y en su estudio de La Lucila, en Buenos Aires. Las creaciones de Sol Storni han sido expuestas en nume rosos lugares, desde Buenos Aires a Praga, y forman parte de importantes colecciones privadas. Su obra se compone de técnicas que abarcan desde el óleo, al acrílico o las técnicas mixtas, siempre en constante investigación y búsqueda, reflejo de lo que han sido sus pro pias experiencias vitales, del conocimiento de diferentes lugares, culturas y estilos de vida. Hace gala de un excelente dominio del pincel que da lugar a una obra de gran personalidad, en la que prima una crudeza bruta de enorme carga simbólica. Se inclina por tonalidades oscuras y frías en las que la pincelada y los jue gos lumínicos hablan por sí solos. Rostros difusos, asimétri cos, de expresión misteriosa nacen de la propia materia pictórica a medida que esta es dispuesta sobre el formato. Ojos que miran sin pudor al espectador y le muestran su cruda realidad en una pintura sincera que no se esconde, que se muestra tal y como es. Una ventana hacia el abismo, en el que fluye sufrimiento y palpita la vida, a partes igua les.‡

Sol Storni storni@solstorni.com Rioja 3117, (1036) Olivos. Provincia de Buenos Aires Argentina

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SUAZNABAR Solari, Marcelo. Pintor nacido en Bolivia en 1970. Inicia su formación artís tica asistiendo a clase de pintura en la Escuela de Arte de Estudios a Distancia en la Universidad Católica de Chile. Con una amplia trayectoria artística ha expuesto su obra en múlti ples galerías y centros, en diferentes ciudades Bolivianas y latinoamericanas así como en países fuera de Latinoamérica, tales como Canadá, Estados Unidos, Alemania, Italia, Brasil, etc. A lo largo de su carrera ha contado con importantes distin ciones entre las que podemos citar la Mención Especial del SIART 99 en el Museo Nacional de Arte Internacional de La Paz, Bolivia, y con anterioridad, la Condecoración de la Mesa Redonda Panamericana de Oruro, Bolivia, la Primera Medalla artística por el DIDEJU, también de Oruro, o el Diploma de Honor del centro de Estudios a Distancia de la universidad Católica de Santiago de Chile, en la que se for mó, entre otros. Su obra forma parte de las principales colecciones y museos de Bolivia y de países como Canadá, Estados Unidos, Italia, España. Francia, Argentina... Según comentarios del crítico de arte Pedro Quejerazu, "el arte de Suaznabar es un discurso sin complejos, porque tra baja con varios textos superpuestos. Aparentemente vincula da con el mundo onírico del superrealismo, es en realidad una construcción consciente de utopías en las que creer, muestra el pesimismo del fin de siglo y el inminente cataclis mo milenarista". Influenciada por artistas como Salvador Dalí y Frida Kalho, y a su vez tributo a estos creadores, la pintura de Marcelo Suaznabar mezcla el mundo onírico con el medievalismo, creando una iconología simbólica a base de colores puros en los que priman los rojos en contraste con tonos neutros, apagados. Destaca una esmerada profusión de detalles con la crudeza propia de los antiguos flamencos, pudiendo tomar como referencia la simbología de El Bosco y sobre todo, la fantasía daliniana en su máximo esplendor. Una obra de connotaciones casi religiosas, o cuanto menos mís ticas, que refleja cierta vinculación formal hacia los Siglos Oscuros apreciable en el trazo, el color y la composición, la aparición de bandas con inscripciones, etc, del mismo modo, que se pueden apreciar cierta relación con la ilustra ción libraria de la época, y en especial con los Comentarios al Apocalip-sis, conocidos popularmente como Beatos. Nuevos comentarios de un Apocalipsis que quizás el artista vea en estos nuevos tiempos de cambio.‡

Marcelo Suaznabar Solari m_suaznabar@yahoo.com C. Petot Nº 1690 Sucre, Oruro Bolivia

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TADEY, Osvaldo. Artista argentino, pintor y diseñador gráfico. Nacido en Buenos aires, en 1936, inicia su formación de la mano de reconocidos maestros, empezando por Cecilia Marcovich y continuándola posteriormente junto a Emilio Renant. Tam bién se formará teóricamente asistiendo a cursos de Estética y Artes visuales, con Oscar Massota, y de Introducción a la Creatividad, con Emilio Renant. También él mismo ha participado como docente, en el Curso aplicado a las Artes Gráficas, en la Fundación Gutem berg. Desde 1969 su obra se ha dado a conocer en un sinfín de exposiciones y muestras, y cuenta también con importantes premios obtenidos a lo largo de los años, comenzando estos reconocimientos en 1970, con la medalla de oro de la Aso ciación de Dibujantes, para continuar con una larga lista de reconocimientos hasta llegar al más reciente, el Primer Pre mio de Pintura del Salón Mercosur en 1998. Sus creaciones han sido comentadas y elogiadas por dife rentes críticos de arte, entre los que podemos citar, entre otros, a Osiris Chiérico, Alfredo Andrés o Hugo Monzón. La pintura de Osvaldo Tadey es de una complejidad que surge en la propia idea y que permanece hasta la última pin celada. Una pintura difícil, muy trabajada y meditada. Pare ce que el pincel fuese una parte más de su anatomía, una extensión de su propio cuerpo: lo conoce y lo domina, lo mueve a su antojo y este responde siempre. Sus obras son tenebristas, pueden ser figurativas o abstrac tas, no importa, es un dominio de la pintura que trasciende géneros. Trabaja colores, unas veces puros, siempre en per fecta concordia. Cuadros que denotan sentimientos y pasio nes a través de una pincelada suelta, vibrante, de gran expre sividad que se entremezcla con estudiados contrastes cro máticos, con una oscuridad que a ratos combate con la luz, repartiéndose el lienzo, creando equilibrio. Llaman la atención sus fondos: cae en estos el peso de la representación, y son estudiados y calculados para acogerla y proporcionar un marco incomparable que hacen resaltar la escena. Un conjunto pictórico de un maestro experimen tado que se comunica con la pintura de igual a igual y así lo traduce en su obra.‡

Osvaldo Tadei (Argentina)

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TARRAC, Ángel. Escultor nacido en Barcelona, España, en 1898 y nacio nalizado mejicano. Hijo de Josep Tarrac, escultor que trabajó en 1910 en la restauración de la catedral de Barcelona, ya en 1913 inicia su formación plástica junto al maestro Albert Atché en la Academia de Bellas Artes La Lonja de Barcelona. Continúa sus estudios en Madrid y en París, asistiendo al taller del discípulo de Rodin Josep Clará. En su país natal, Ángel Tarrac formó parte del Nou Ambient y del Grupo de las Artes y los Artistas, siendo también fundador, y secretario administrativo del sindicato de Artistas, Escultores y pintores de Cataluña. Durante su estancia en España, cosechó mere cidos éxitos y reconocimientos por su valía, llegando a participar en una novedosa exposición, en 1936, durante la Guerra Civil Española, en la que esculpió y modeló más de setenta esculturas y retratos creados ante el público. En 1939 será retenido en un campo de concentración en Francia y del que fue liberado por el gobierno francés para que realizara el Monumento a la República Francesa, en Agde, monumento para el que ya había sido seleccionado en 1936, tras recibir la Medalla de Oro de la Exposición Nacional Española y crear una fuente monumental en Bar celona. Al finalizar dicho monumento, parte a Méjico, donde recupera su espíritu creador, y donde fallece, en 1979. La imparable carrera de Ángel Tarrac está poblada de triunfos, premios, exposiciones y monumentos públicos, entre ellos la designación para producir "El Miliu", escultura monumental en bronce en honor a los estudiantes, para los jardines del Templo de la Sagrada Familia de Gaudí, Barce lona, el Primer Premio en el Concurso Nacional del Partido Mejicano con un altorrelieve en piedra de 23 metros de longitud bajo el título "El Nacimiento de Méjico", o la escul tura en bronce del Presidente de los Estados Unidos Abra ham Lincoln, de cuatro metros de altura en Ciudad Juárez, Chihuahua, Méjico, por citar alguna de sus obras más cono cidas, sin desprestigiar ninguna de las muchas otras. La gran protagonista de la obra de Ángel Tarrac fue la figura humana, tema que trató de manera realista o abstrac ta, pero que siempre ocupó sus obras: jóvenes, figuras femeninas y masculinas, bustos, retratos... dominando siempre una forma rotunda y voluptuosa, con movimiento y exquisitos acabados. Una forma viva que palpita dentro del material, dotándolo de gran calidez, haciendo que su obra respire, e invitándonos a respirar junto a ella.‡ Angel Tarrac (España- Cuba) angeltarrac@att.net 3556 Dorchester Dr. San Diego, CA 92123 USA

AUTORES Enciclopedia Iberoamericana de Artistas Plásticos Contemporáneos 150 -

B. DE TIANO, Alicia. Artista plástica argentina nacida en 1940. Dedicada profe sionalmente al mundo de la justicia, ha sido escribana, abo gada, ex fiscal nacional de primera instancia en lo criminal y ex juez nacional de primera instancia en lo criminal de instrucción. Pese a estos antecedentes profesionales, no ha faltado en la vida de Alicia una sensibilidad artística que ha ido desa rrollando paralelamente a su carrera profesional. Podría decirse que esta sensibilidad se materializa con su forma ción en los estudios de dibujo y pintura al lado de la profe sora Alejandra Clerici Arias, y que ha ido creciendo para llegar a ser algo más que una mera afición. Convirtiéndose en una reconocida pintora, su carrera artística le llevará a participara además en gran número de exposiciones muestras, como en el Salón Felix de Amador, de Pintura en Vicente López, en el Centro de ExBecarios de la O.E.A., y más recientemnte en el estudio Rich Espacio de Arte. También aparece en el CD 2001 de pintores argentinos patrocinado por el Centro de Ex Becarios de la O.E.A., y en la edición del 2002 del libro "Argentina en el Arte". De la obra de esta artista, su propia profesora, Alicia Cle rici Arias, dijo, en la presentación de la muestra realizada en el Centro de Ex Becarios de la O.E.A.: "en los cuadros de Alicia Tiano encontramos una sabia combinación de obser vación, creatividad y comunión con la naturaleza a la que tan bien y personalmente representa". Sus pinturas son la más viva representación del apogeo de la naturaleza. Paisajes boscosos, arboledas, montañas, esce narios llenos de luz y colorido, un estallido de color vibran te y cálido, repleto de rojos, naranjas, amarillos, verdes, ocres... con un excelente uso de la mancha pictórica, que contribuye al realismo de la representación. Transmiten el ambiente de cada momento representado: el otoño, una tor menta, un atardecer... nos adentra en la escena, respiramos en ella, sentimos la brisa, el crujir de las hojas bajo los pies. Series paisajistas novedosas, de acertada composición, alegres y sosegadas, que llenan los ojos y engrandecen el alma, llenándola de ganas de descubrir esos paisajes que Alicia Tiano nos acerca con su obra, y que sólo ella cono ce.‡

Alicia Tiano Segurola 1255 Piso 6ºA, 1638 Buenos Aires T. 54 11 4791- 2240 Argentina

AUTORES

TORRES Borrego, José Rubén "TORREGO". Artista mejicano nacido en Monterrey, en 1973. Su formación en artes plásticas se inicia en 1999, diplo mándose en el Arte del Grabado, estudios cursados junto a Yolanda Mallorquín, y recientemente, en el año 2002, estu dia Bellas Artes en el California Collage of Arts, en San Francisco, California. También participa en numerosos cursos y talleres: estudia Figura Humana con Marcia Salcedo, Técnicas Mixtas de Pintura en el Taller de José Guerrero, Estudio y Experimen tación Libre de Pintura en Técnicas Mixtas, Museografía, Arte Hispánico y Colonial, Arte Alemán, y Fotografía. Ha realizado exposiciones de fotografía, ha sido guía de galerías, asesor de Arte Contemporáneo, presentador y comisario de exposiciones individuales y colectivas para las que también ejerció de crítico, fue galerista de la galería de Arte Pictör 202, en Méjico, y posteriormente Director de Sip (Servicios Integrales Pictör 202), en el que se ofrecen los servicios de distintos profesionales plásticos así como la organización de eventos masivos a nivel nacional e inter nacional. Además cuenta con una extensa formación en artes escénicas: ha estudiado teatro, danza, canto, actuación... disciplinas con las que tiene una amplia y exitosa experien cia profesional, a pesar de su juventud, que lo convierten, junto a sus inclinaciones plásticas en un polivalente y polifacético artista de óptima formación. La obra de José Rubén "Torrego", nombre artístico con el que gusta firmar, encierra una figuración de carácter sim bolista. Invita al silencio, a la ensoñación, es un medio de transporte hacia tiempos pasados, de cartas amarillentas y rosas, tiempos de romanticismo. Este carácter de antigüe dad es acentuado con unos colores que evolucionan en la misma gama, trabajados, como si llevasen consigo la páti na del tiempo. Contribuye a esto la utilización de la escri tura, que se superpone a la obra, o se transparenta sobre esta como si alguien hubiese dejado su misiva escrita en el reverso. Escritura que puebla los rostros, en los que Torrego manifiesta su dominio del dibujo, para que podamos leer en ellos, y que a un tiempo relata el gusto del artista por la literatura y el teatro.‡

José Rubén Torres Borrego jrtorres_borrego@hotmail.com México

AUTORES Enciclopedia Iberoamericana de Artistas Plásticos Contemporáneos 152 -

TORRES, Berenice. Artista plástica mejicana. Nace en Arcelia Guerrero, en 1967, y reside desde los 5 años en Ciudad de Méjico. Allí estudia danza y teatro en el centro cultural Ollin Yoliztli, y posteriormente se licencia en Artes Visuales en la Escuela nacional de Artes Plásticas. Completa sus estudios asistiendo a talleres de narrativa, danza, pintura, xilografía y escultura. Su obra ha sido mostrada en más de 20 exposiciones en distintos lugares, tanto en Méjico como en el extranjero, des tacando sus muestras en Estados Unidos: Chicago, Nueva York o San Francisco. También forma parte de numerosos catálogos, libros y demás publicaciones. Cuenta con merecidos premios y distinciones, como el "Reconocimiento al Talento", otorgado por el museo Guggen heim de Nueva York al programa del que fue instructora "Aprendiendo a Través del Arte", el 3º premio del "Interna tional Snowl Sculpting Competitions" de Frankenmunth, USA) o la Mención Honorífica en la primera Bienal Interna cional de Juguete Arte-Objeto. Igualmente ha sido reconoci da con la beca "Jóvenes Creadores" (FONCA), en pintura y en obra gráfica. Ha colaborado como ilustradora infantil y juvenil, apare ciendo en varios catálogos que recogen artistas de este género. La obra de Berenice Torres parte de un minucioso trabajo que comienza en la realización de las propias tintas, a base de tierra. Grabados y xilografías de cuidadosa factura e impecable resultado. Su uso de las tintas y del papel, japo nés o nepalés, es racional, equilibrado. Tiene algo de orien tal en la grafía, presente también en los materiales. Este orientalismo se percibe en el equilibrio de los elementos y la disposición de estos, dando lugar a unas composiciones abs tractas hasta la mínima expresión, compensadas y armóni cas.

Su trabajo es cuidado y preciso, refinado. Presenta un gus to y un vínculo por y hacia la artesanía en los acabados que denota buen gusto y buen hacer, así como la seguridad de quien cree en lo que hace. Una obra cálida dentro de la rigurosidad y concentración en la propia forma, de la que extrae la esencia pura y sin artificios ni sobrecargas.‡ Berenice Torres bereta9@hotmail.com Departamentos Viky Nº7 La Loma, 61600 Pàtzcuaro, Michoacàn. T. 014 433 737 390 México

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VALTIER Zulma, Savio. Artista textil natural de la provincia de Mendoza, Argenti na. Con talento y buena iniciativa, Zulma Savio supo valorar un antiguo e intenso legado familiar sobre técnicas de bor dado, que de no ser por su propio interés posiblemente se hubieran perdido con el tiempo, como suele ocurrir a menu do con las prácticas artesanas de nuestros antepasados. Zulma supo ver las posibilidades artísticas que el textil ofrece, y se decidió a perfeccionar esos conocimientos par ticipando en diversos talleres dentro y fuera de su país. Res cató así el artesanal bordado y lo convirtió en arte. Ha participado en gran número de exposiciones, en las que nunca ha pasado desapercibida, a nivel nacional e inter nacional, destacando la llevada a cabo recientemente, en el 2002, en la Jadite Galleries de Nueva York. Así mismo, su obra ha recibido merecidos galardones otorgados por distintas instituciones, como el Diario del Via jero, la Transacademia del Instituto Universidad de las Naciones, la OPYC (Organización de Pueblos y Culturas), y cuenta con el Premio Arte Textil de la galería Opus Alfa. La impresionante obra de Zulma Savio está confeccionada a base de hilo de lana trabajado sobre sarga, lino o algodón. Esta técnica tiene su inicio en el siglo XIV y está enormemen te enraizada con el arte y la artesanía latinoamericana. La propia artista reflexiona sobre su obra "trato de llevar sobre la tela lo que la naturaleza me brinda con una perso nal interpretación de formas y colores, respetando las anti guas técnicas". Con delicadeza y dedicación, Zulma recrea paisajes, aco gedores interiores, coloristas mujeres de indumentaria tradi cional. Abre perspectivas que nos introducen en la escena, traza composiciones equilibradas y sosegadas, juega con el cromatismo y el brillo colorista que ofrece el hilo, domina variedad de puntos con los que va modelando las formas... todo ello con el sumo detalle y realismo que hacen de su obra una labor de minuciosa entrega, una obra que encierra el buen hacer de quien cree en lo que hace y disfruta con ello.‡

Zulma Savio Valtier atripodi@argenfrio.com.ar Mendoza 1925, 1ºA (1428) Buenos Aires Argentina

AUTORES Enciclopedia Iberoamericana de Artistas Plásticos Contemporáneos 154 -

VAN DEN ELSAKKER, Elgen. Nacida en Haarlem, Holanda y residente en Buenos Aires, Argentina, desde 1978, esta artista cuenta con una larga carrera artística que se inicia en 1970, cuando comienza sus estudios en la Academia Gerrit Rietveld, en Ámsterdam, Holanda, en la que se diploma en las especialidades de grabado y litografía. Sus exposiciones ya comienzan en Holanda, donde es premiada con la adquisición de 3 de sus obras en el concur so Municipal de Ámsterdam, que serán expuestas en los museos Fodor y Stedelijk. Residirá en Nueva York, donde estudia pintura y escultura en la Universidad de Long Island. Tras su traslado a Buenos Aires, continúa con las muestras en diferentes salas argentinas, y recientemente ha expuesto en la Jadite Gallery de Nueva Yok. Ha realizado también ilustraciones para publicaciones tra bajando como diseñadora de azulejos. Cuenta con multitud de premios y reconocimientos como el Primer Premio de Grabado del II Salón "Nuevas Imáge nes", la Mención de Honor de litografía en el III Salón Na cional de Arte Contemporáneo 1996 de la Casa de Cultura de San Isidro, o la Mención de Honor del Jurado en el I Salón de Pintura y Dibujo Argentino, entre otros, que avalan la carrera de esta artista. La obra de Elgen Van Den Elsakker tiene un dulce carácter intimista. Domina diferentes técnicas, pero en su conjunto hay que destacar un excelente dominio de la acuarela, que es tratada con gran soltura, dando lugar a ricos y vistosos acabados con cierto toque mágico y sutil y una paleta varia da de gamas afines para cada ocasión. El agua tiene gran protagonismo en su obra, tanto por vis tas marítimas como por representaciones de puertos y bar cos, tratada con ligereza, con luminosidad, por medio del acertado uso del color y de la capacidad técnica de la artis ta. Recrea reflejos e introduce vitalidad a la escena. Contemplamos una pintura rápida y tenue, de aspecto frá gil pero segura de sí misma, estudiada, que juega con la saturación y con la aguada, que se mueve libremente por el papel formando escenas volátiles, tenues paisajes, como un apacible sueño del que no queremos despertar.‡

Elgen Van Der Elsakken (Holanda – Argentina) elgenv@yahoo.com Arenales 1696 (1061) Buenos Aires Argentina

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VASQUEZ, Jaime. Pintor peruano. Su formación artística tiene lugar en la Escuela De Bellas Artes de Lima, en la que se gradúa en dibujo y Pintura, disciplinas en las que ejerce la docencia, siendo actualmente profesor de Bellas Artes en Lima. En su formación pictórica también ha contado con maestros de la talla de Eduardo Gastelú Maccio, discípulo de Dalí, con el que aprendió muchas de las técnicas que actualmente contemplamos en su obra. Ha realizado numerosas exposiciones, mediante las cua les su obra se ha dado a conocer en toda Lima, Caracas, Bogotá y Puerto Rico. Entre sus exposiciones más destaca bles podemos mencionar la muestra titulada "Tres Artistas"llevada a cabo en la Galería Schwartz & Martínez, en Coral Gables, Miami, Estados Unidos y la muestra desa rrollada en el Museo de las Américas de San Juan, Puerto Rico. Su obra forma parte de importantes colecciones de ámbito público y privado, que sentencian la valía y aceptación de este artista por parte del público y de la crítica. Jaime Vasquez, creador de formas que navegan en el mundo onírico del surrealismo. El propio artista resume su gusto por la investigación en estas forma afirmando: "me gusta hacer reales visiones inexistentes". Esa peculiar sentencia explica cómo en la obra de este artista observamos la configuración de formas que nacen de la tradición y del ensueño, de la fantasía, del mito, traducién dose en algo tan real como la fotografía de un sueño, de una idea, de una creación. Cuidadoso en las composiciones, sus colores son trabaja dos con aplomo y pincelada grácil, para dar lugar a unos escenarios donde la luz ilumina, donde la sombra oscurece y donde el resultado es un todo equilibrado dotado de la plasticidad y del volumen de una escultura clásica. Es inevitable apreciar rasgos dalinianos en la obra de este artista, del mismo modo que es inevitables reconocer su propia personalidad que se manifiesta en cada imagen que configura su estilo personal, cada escena que configura su sueño, su deseo. Jaime hace gala de un excepcional dominio del dibujo, mediante el que configura escenas a caballo entre lo legen dario y el futurismo, una modernización de mitos que son capturados e insertados en una atmósfera que avanza en el tiempo y toma connotaciones cercanas a la ciencia-ficción, imposibles pero a la vez tan posibles como este artista las crea, convirtiéndolas en realidad bajo los parámetros de la pintura.‡

AUTORES Enciclopedia Iberoamericana de Artistas Plásticos Contemporáneos 156 -

VEGA, Mónica. Nace en Buenos Aires, Argentina. Estudia Técnicas de Dibujo y Pintura Tradicionales en el taller de Stella Sidi, en el que actualmente continúa estudiando Análisis de Obras. Cuenta además con una variada formación general sobre arte, entre los que destacan cursos anuales de arte, tanto Antiguo como Medieval, Moderno y Contemporáneo, así como de Estética, y otra gran lista de cursos más breves, en su mayoría realizados junto a la Asociación de Amigos del Museo de Bellas Artes. La propia Stella Sidi le ha atribuido la capacidad de "relatar el dolor de la piel, de la carne, con gran cantidad de materia lograda con arena". A lo largo de su trayectoria también ha realizado multitud de exposiciones tanto individuales como colectivas en las principales salas y galerías de Argentina, para llegar hasta Alemania, donde expuso en el Instituto de Arte St. Matthias Kolleg. La obra de Mónica Vega parte de la técnica mixta, en la que cabe destacar el uso de la arena, así como otros elemen tos metálicos que son adheridos y dan forma a la composi ción. Estos novedosos materiales reciben también tratamien to pictórico, dando lugar a aun resultado de suma originali dad que puede adscribirse al movimiento neoinformalista. Encontramos así una mezcla de texturas y de colores que comunican con su aparentemente azarosa disposición y que contrastan entre sí potenciándose. Las gamas cromáticas están acorde con la materia, inclinándose por tonos y colores afines con la tierra y con los pigmentos más afines a esta. El empleo de este tipo de elementos como tuercas, clavos, tornillos, etc, se carga de una expresividad dura, frente a la suavidad del grano de arena y de las naturales texturas que surgen a partir de este. Observando su serie "Pieles", vemos cómo entran en la composición con la tensión y frialdad del metal, añadiendo también connotaciones industriales, y hablan de dolor, portando el peso de la parte más expresiva. Un mundo mecánico que choca de lleno con la suavidad y homogeneidad de la composición, la quiebran y toman pro tagonismo, rompiéndola, hiriéndola, como a la propia car ne, como a nuestros sentidos.‡

Mónica Vega vega@artea.com.ar Hipólito Irigoyen 1566 – 15ºB, Buenos Aires Argentina

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VILLALOBOS, Elsa. Pintora natural de Salta, Argentina. Ha cursado estudios de Dibujo y Pintura, así como de Historia del Arte y Fundamentos Visuales, todos ellos lleva dos a cabo entre 1990 y 1995 en el Taller de las Artes de la Profesora Maria Eugenia Pérez. Desde ese inicio, en 1990, hasta la actualidad, ha reali zado también distintos cursos de capacitación para artistas en el área de las Artes Visuales, a medida que ha ido con formando su obra y su estilo pictórico. Elsa Villalobos ha participado en múltiples concursos nacionales y bienales nacionales, regionales y provincia les, además de mostrado su obra en numerosas muestras y exposiciones, en las que ha contado con notables éxitos. Varias de sus obras forman parte de colecciones e institu ciones públicas, como el Museo Provincial de Bellas Artes "Arias Rengel" de Salta, o la Colección de Arte de la Fun dación del Canal 11 de Salta, y de colecciones privadas en España, Argentina y Estados Unidos. Su particular pintura y su gusto por la iconografía de tra dición americana, le ha valido palabras como las de la profesora Sylvia Saez: "toda América emerge, en tiempos simultáneos y pulsaciones rítmicas, a través del color espa cial y enérgico de la obra". La obra de Elsa Villalobos presenta la traza de una cos mogonía propia, por la que la propia autora se adentra, y la recorre con la luz de su pincel. Animales y tótems, caminos celestiales y formas imaginarias pueblan sus composiciones y recogen la estética de sus antepasados, su iconografía, para rescatarla y enriquecerse con su actualidad formal. El color de Elsa es trabajado, envejecido, cálido, aplica do con rapidez y con precisión, como si él mismo tomase la decisión de cómo y dónde situarse. Trazos geométricos se inmiscuyen y se reparten el lienzo, interrelacionándose y generando planos autónomos: una composición sobre otra composición, con validez propia, pero unidas, aunan do sus fuerza en la consecución de una pintura trabajada y personal, de gran simbolismo, que sabe tomar de tiempos pasados para crecer en los futuros.‡

Elsa Villalobos elsavillalobos@hotmail.com La Madrid 536, 4400 Salta Capital Argentina

AUTORES Enciclopedia Iberoamericana de Artistas Plásticos Contemporáneos 158 -

VILLANUEVA Blanco, Carlos. Artista plástico residente en Madrid, España, aunque nacido en Buenos Aires, Argentina, en 1956. Será allí donde, muy pron to, en torno a los 10 años de edad, comenzará sus andanzas en el mundo de la pintura, prime ramente de forma autodidacta y más tarde estudiando Bellas Artes en Buenos Aires. En 1980 se tras lada a Madrid, donde continúa su preparación en la Academia Peña y donde también asiste a diferen tes cursos mientras continúa desarrollando su obra pictórica. Estudiará técnicas de Ilustración con aerógrafo en la Academia CEV de Madrid, diseño gráfico e imagen digital, interesado por las nuevas técnicas aplicadas al arte, a la vez que realiza ilustraciones para editoriales y se prepara tam bién en publicidad y marketing. En 1999 decide centrarse en la pintura y desde ese momento su investigación formal y plástica es imparable, ingresando en la Universidad Complutense de Madrid para estudiar Bellas Artes. Es a partir de este reciente

momento, cuando comienza a sacar todo cuanto ha ido adquiriendo durante el paso del tiempo, para volcarlo en una obra pictórica dominada en su mayoría por el uso del acrílico, pero en la que también están presentes las técnicas mixtas. Igualmente será ahora cuando empezará a dar a conocer sus creaciones por medio de exposiciones, configu rándose así la figura de un artista que ha estado guardado silencio, para empezar a gritar con un idioma bien estudia do y asimilado durante todo ese tiempo. La pintura de Carlos Villanueva es madura y razonada, difí c il de catalogar por su variedad expresiva, pero homogénea en sí misma en cuanto a calidad compositiva y de trabajo. Domina el color y sabe crear explosiones por medio de la sabia combinación de gamas cromáticas, pero también pue de utilizarlo de modo más sobrio, quizás más íntimo. Sabe jugar además con la pintura, haciendo que se torne ligera o cargada en función del resultado pretendido, e introdu ciendo luminosidad mediante estos juegos de saturación y transparencia. De su pincelada suelta y atrevida surgen com posiciones a veces un tanto simbólicas, que simulan univer sos ajenos y se abren más allá de los geométricos enrejados que a menudo aparecen en sus pinturas, aportando equili brio así como serenidad lineal.‡ Carlos Villanueva Blanco (Argentina - España) carlosalbervill@eresmas.com C/ Sisebuto 9, 4 Iz, (28011) Madrid. España

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VILLEGAS, Olger. Escultor natural de Costa Rica. Atraído desde su infancia por el mundo del arte, a los catorce años se inicia en los talleres de reconocidos maes tros como Manuel Zuñiga, Néstor Zeledón, José Zamora (hijo), Francisco Baez y Juan Rafael Chacón. Tras finalizar el bachillerato en la Academia de Bachille rato por Madurez del Ministerio de Educación Pública, Olger Villegas ingresa en la Universidad de Costa Rica en 1951, en la que se licencia en Artes Plásticas en la especiali dad de Escultura, y obtiene el título de "Profesor de Estado de Artes Plásticas". En 1962 viaja a Méjico, donde continúa su formación a base de cursos. Así, realiza un curso de Escultura en la anti gua Academia La Esmeralda, Actualmente Escuela Nacional de Pintura y Escultura de Méjico, en la que en 1970 volve rá a estudiar Métodos Modernos de Talla con el maestro José Lorenzo Ruiz Hernández. Los viajes a Méjico serán desde entonces una constante en su vida, en su perpetua búsqueda de conocimiento. Allí también estudiará Fundición en Bronce con el Maestro Mario Agurre Roa. Su experiencia como docente asciende a 28 años en dis tintas instituciones educativas, así como en las Facultades de Bellas Artes de la Universidad Nacional de Costa Rica y en la Universidad Autónoma de Centroamérica. Cuenta con importantes premios y su obra ha pasado por importantes museos, estando gran parte situada en espacios públicos, como el Monumento a Daniel Oduber Quirós, de 4 metros, situado en San José, Costa Rica,, donde también se encuentra el Monumento "La Familia", en el Instituto Cos tarricense de Electricidad. También ha realizado bustos como el retrato de Nicolás Ulloa, situado en el Parque Central de Heredia, Costa Rica. La obra de Olger Villegas manifiesta el dominio de este artista sobre la figura humana, tratada en todo su esplendor y dotada de impecables acabados en los distintos materiales que trabaja: mármol, bronce, madera... siempre con la segu ridad y destreza del maestro que es y que se confirma en cada una de sus creaciones.‡

Olger Villegas info@dejairfinearts.com San José. Costa Rica

AUTORES Enciclopedia Iberoamericana de Artistas Plásticos Contemporáneos 160 -

VIVAR, Carlos. Pintor mejicano nacido en 1964. Carlos Vivar descubre su interés por el arte desde niño, a través de los libros de la biblioteca de sus padres, en los que conoció a los grandes maestros y aprendió de manera teó rica todas las técnicas que con el tiempo llegaría a utilizar. Cursó estudios de Diseño Gráfico en la Universidad de Anáhuac, pero acabó por abandonar las nuevas tecnologías en el intento del rescate del trabajo manual que tanto le había entusiasmado de pequeño. En 1988, estando en Milán, comienza su andadura por el mundo de la pintura, de manera autodidacta, un camino que continuó a su regreso, en 1990 y que ya no ha abando nado. Toma técnicas de artistas como Toledo, Rufino Tamayo o Sergio Hernández y las hace suyas, las lleva a su obra para crear sus propias innovaciones y acabados en la técnica del óleo. Sus obras han obtenido grandes éxitos, dando gran renom bre a este creador imparable, cuyos cuadros forman parte de las más prestigiosas galerías de Méjico, entre las que pode mos citar la Galería Misrachi o la Galería Hauss Mobel, así como otras muchas en España y Estados Unidos. También interesado por el diseño, la música, la fotografía y la escultura, este incansable creador conforma sus obras en base su propia sensibilidad y asegura que el secreto de su éxito está en "saber tocar las puertas sin temores, con la seguridad de que estás ofreciendo algo de calidad: la de la obra y la de ti mismo". La obra de Carlos Vivar, se divide entre temas figurativos y abstractos, con los que elabora escenas que nacen de su intensa necesidad de pintar y de aplicar todo aquello que aprende por medio de la lectura, afición que sin duda, ha contribuido a hacer de Carlos una persona de gran imagina ción. Su obra es racional y trabaja la pintura a modo de empastes, dando mayor cuerpo al óleo mediante combina ciones y mezclas con arenas, técnica aprendida de los maes tros a los que admira, como Tamayo. Sus colores se combi nan con viveza y expresividad, en un juego de contrastes en el que no faltan efectos lumínicos y texturales que hacen de la obra de este artista un valioso ejemplo a tener en cuen

Carlos Vivar (México – Galería Aura) gzajarias@auragalerias.com Aura Galerias, S.A. de C.V. - Amberes, 38 Col. Juarez D.F. 06600 México

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VON LIPKA, Irene. Escultora argentina, tomará sus primeros contactos con el arte y la creación artística a través de práctica de la orfebre ría, sintiéndose desde siempre atraída por el trabajo del metal. En 1993 se gradúa como profesora de Bellas Artes en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón bajo la especialidad de escultura, y más tarde vuelve a graduarse de nuevo como profesora, en esta ocasión de escultura, en la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto Cárcova, ambas escuelas en Buenos Aires, Argentina. Continuará incansablemente su formación tomando cur sos de escultura en el Corcoran School Art, con Schmutzhar, en Washington y asistiendo a talleres siempre vinculados a esta disciplina plástica, tales como el uso y manejo de la cera perdida, talla de mármol, soldadura, etc, siempre junto a perstigiosos maestros como Juan Carlos Distéfano, Ramón Castejón, o Raúl "Pájaro" Gomez, entre otros. Ha realizado numerosas exposiciones y recibido destaca dos premios y menciones no sólo en Argentina, sino también en Rusia, Atenas, Estados unidos, etc. La obra de esta artista ha llamado también la atención de diferentes publicaciones y críticos, formando parte de distintas colecciones en su país y fuera de él, como Fortabart, Bengolea, Santamarina, Krie ger Vasena, Aguirre Lanari, Wade, Homeyer, Scaliter, etc. La propia artista divide su producción en dos etapas: la primera, más centrada en el clasicismo formal, poco a poco irá tendiendo hacia una estilización de formas que desem bocará en un segundo periodo en el que se mueve con sol tura y en el que ha encontrado su propia identidad. La obra de esta segunda etapa de Irene von Lipka nace de la pulcritud de un diseño innovador aunado al exquisito tra tamiento del material en toda su pureza, destacando el uso del aluminio y el acero, materiales que contribuyen a otor gar a su obra, un aspecto muy actual y acorde con las pers pectivas del diseño. Trabaja el aluminio con la delicadeza de la orfebre que fue y sigue siendo ahora en cada obra que sale de sus manos. Nos dice de su obra el Profesor Cesar Fioravanti, Director del Museo de Escultura "Luis Perlotti": "Sólo cuando uno tie ne un excelente oficio que lo respalda, puede hacer lo que se le ocurra y cuando quiera, así ocurre con von Lipka. Su profusa producción realizada con seriedad y racionalidad espartana, fue producto del denodado esfuerzo de preparar se con lo mejor que tuvo a su alcance, maestros de heterogé nea concepción estética, pero de altísimo nivel, la formaron para tener hoy la talla artística que evidencia."‡

AUTORES Enciclopedia Iberoamericana de Artistas Plásticos Contemporáneos 162 -

Irene Von Lipka dagnino.pastore@fibertel.com.ar Av. Alvear 1491 Piso 20C C/Frente (1014) Capital Federal. T. 4815-0268 Argentina

WEISZKOPF, Paula Andrea. Artista plástica argentina, nacida en 1976 y afincada Orlando (Florida), Estados Unidos. Esta joven pintora tomará contacto con el mundo del arte realizando un curso técnico en Publicidad. Sin embargo, pronto una vocación e inte rés interior necesitarán salir a flote, para autoafirmarse a sí misma como la creadora que es. Serán estos los senti mientos que la lleven a dejar atrás el mundo de la publicidad para proceder a formarse en Pintura y Composición, estudios que realiza, en un principio, de la mano de Heriberto Zorrilla. Continuará su formación intelectual estudiando Historia del Arte junto a Helena Distefano, con la que sigue desarrollando su ya iniciada imparable trayectoria en el dominio de la pintura y la composición. Ha expuesto su obra en distintos salones, galerías y centros culturales tanto en Argentina como en Brasil, Paraguay, Puerto Rico, Méjico Estados Unidos... inaugurando así una prome

tedora carrera artística. Su obra destaca por un excelente dominio de la pin tura en general y del uso del acrílico en particular, con una técnica suelta y arriesgada. Sus estudios y conocimientos sobre la composición se reflejan constantemente en su obra y en la manera de entender el formato, en el que plasma una estudiada mancha pictórica que se reparte de forma equilibrada dando lugar a un ritmo frenético de gran viveza y fuer za. Tanto la vitalidad de sus colores, como la rapidez de trazo, aportan fortaleza, así como la introducción de la luz, de manos del acertado uso de las gamas cromáticas cálidas o frías, pero siempre en contraste, generando tensión y dinamismo. Paula domina la abstracción, pero esa abstracción tiende a desaparecer al asimilar los títulos de sus obras y tratar de comprenderlos. Es entonces cuando vemos que se encuentra más cerca de la realidad, y es enton ces cuando podríamos decir que la pintura de esta artista no es abstracta: son abstractos los momentos y las escenas que ella quiere transmitirnos, consiguiéndo lo de una forma tan asombrosamente verídica.‡

Paula Andrea Weiszkopf estimulo@yahoo.com 7168 Somersworth Dr. Orlando FL (32835) USA

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WEST OCAMPO, Alfredo. Nace en 1947 en La Plata, Argentina. Se forma desde ado lescente junto a los más prestigiosos pintores platenses: Dal miro Siravo, Tony Trotta, Alejandro Puente, Juan Antonio Sitro, Enrique Torroja, Gabriel Messil y César Paternosto entre otros, que en aquella época desarrollaban su obra en torno al Instituto Di Tella, dirigido por el historiador y crítico de arte Romero Brest. Sus primeros pasos serán ayudando a montar la obra de estos artistas, que a menudo hacían uso de las más novedosas técnicas y materiales, con los que va tomando contacto para posteriormente desarrollar sus pro pias creaciones. Al lado de estos, Alfredo adquiere una base y un amplio conocimiento sobre el arte que le llevará a dar rienda suelta a su talento. Así pasará a estudiar en la Escuela de Bellas Artes de Ciudad de La Plata mientras continúa asis tiendo al taller de Jorge Periano. En el taller "Viejo Molino" de Ciudad de La Plata se adentrará en el estudio del Arte Contemporáneo, donde conocerá la Bauhauss, el cubofutu rismo de Malevich y las composiciones de Kandinsky y Paul Klee. En esos momentos comienza a mostrar su obra en un gran número de exposiciones vinculadas a su ciudad natal. Caracterizado por no mostrar demasiado interés por los premios, renegando de la competición artística, Alfredo ha obtenido varios e importantes galardones, como la Mención de Honor del año 1999 de la Casa de Cultura de Hurlin gham, Buenos Aires, o las diferentes menciones en el Home naje al Maestro Emilio Brughetti. Desde 1997 su pintura sigue las tendencias del cubismo sintético, estilo en el que se mueve con gran soltura y en el que desarrolla estudiadamente lo figurativo y la cuarta dimensión, siguiendo la obra de artistas como Picasso, Bra que, Juan Gris o Malevich, entre otros. El trabajo de Alfredo Wets Ocampo es preciso y calcula do, denotando racionalidad en el desarrollo formal, que parte de un meditado ejercicio intelectual, para dar lugar a una explosión de color en el que predomina el uso del acrí lico como elemento destinado a complementarse con la geometría de la forma. Un trabajo creativo y original en el que pese a las influencias que asume crea su propia perso nalidad, dominando un particular género en el que se siente cómodo y lo manifiesta en cada una de sus telas.‡

Alfredo West Ocampo alfredow@sanidad.org.ar Calle 13 Nº 818 City Bell ( 1896) Provincia de Buenos Aires Argentina.

AUTORES Enciclopedia Iberoamericana de Artistas Plásticos Contemporáneos 164 -

ZAGAGLIA, Hilda. Nacida en Alta Gracia, (Córdoba), Argentina, en 1950, Hilda Zagaglia es licenciada en Pintura por la Universidad Nacional de Córdoba, con Mención de Honor en 1984, des de ese momento, su creación se desarrolla hasta alcanzar ese estilo pictórico talentoso y de gran personalidad que hace imposible que pase inadvertida. Sus primeras obras se centran en un expresionismo que evolucionará hacia una pintura de gran carácter simbolista para la que Hilda crea sus propio lenguaje iconológico. Artista de reconocida valía ha realizado muchas exposicio nes y muestras colectivas, siempre compaginando su voca ción artística con el estudio de otras materias, entre las que destaca la mitología, tanto americana como universal, que tanto influirá en su obra. Tras haber recibido numerosos pre mios y menciones a lo largo de su infatigable salinas, recien temente, le ha sido asignada la Distinción Medalla de Bron ce de Pintura en la Trienal de Arte Contemporáneo de París 2002. Un merecido premio otorgado por un jurado com puesto por reconocidos académicos de Bellas Artes y miem bros de prensa artística de París. La pintura de Hilda Zagaglia es la pura representación del conocimiento teórico y de la técnica. En base a estos dos elementos; desarrolla un alfabeto a base de motivos que oscilan desde la sencillez primitivista a la compleja recrea ción de mitos ancestrales, que nos hablan de perros mágicos y serpientes emplumadas, ángeles guardianes, todos ellos acompañados de símbolos propios; como la nube o el árbol que invitan a leer en sus creaciones. El empleo del color, acompaña a la representación y con tribuye a enardecer su contenido, aportando una escenogra fía mágica y colorista, de cielos pálidos y tierras oscuras, de masas saturadas de rojos, amarillos, azules, siempre tra bajados con gran soltura, con fuerza, y rapidez, creando texturas que aportan dinamismo a la obra. Merece la pena nombrar sus cajas-objeto, pintadas o decoradas con simpares elementos y que se encuentran a mitad de camino entre la pintura, la escultura y el tradicional tríptico. Una amplia obra que combina tradición y futuris mo, mito y religión, siempre en perfecta combinación y sin olvidar ese importante legado cultural, que es capaz de transmitir transcribiendo la leyenda con pincel.‡

Hilda Zagaglia hildazagaglia@hotmail.com Avellaneda 360. Alta Gracia. Córdoba. cód. 5l86 Argentina

AUTORES

ZANON, Marisa. Nacida en Padua, Italia, aunque residente en Argentina desde 1960, esta artista plástica se forma junto a prestigiosos maestros con los que conoce, experimenta e investiga con variadas técnicas pictóricas, para finalmente centrarse en la pintura al óleo y el acrílico aplicados sobre tela, con los que realiza la práctica totalidad de sus creaciones pictóricas. Dará a conocer su obra bastante recientemente, siendo su primera exposición en 1997, en el Ministerio de Economía de Buenos Aires, Argentina, para iniciar así una larga trayec toria con un gran número de muestras tanto en Italia como en Latinoamérica o Estados Unidos. Ha recibido además prestigiosos premios y críticas, como el Premio Italia por el Arte, donde su obra fue elogiada por el crítico de arte John Spike, quien la calificó de "maravillosa", adjetivo que igual mente se lo aplicó Rosa Faccaro "sus obras son realmente maravillosas y su pincelada muy nítida y precisa". Tras dominar diferentes técnicas y alcanzado el inevitable perfeccionamiento que otorgan el empeño y el trabajo, aca bará por especializarse centrando su obra en la temática paisajística, en la que desarrollará un estilo peculiar y de purado que la hace inconfundible. La pintura de Marisa Zanón tiene el poder de contagiar grandes dosis de sosiego al espectador. Es calmada, íntima, apacible, no sólo por las escenas que representa, sino por la forma en que estas son tratadas. Y es que no sólo recrea el paisaje, sino que es capaz de pintar el aire que lo envuelve, siempre presente en lagos y escenas marítimas, pero también en las entrañables pinturas de soleada cam piña. Sus cielos y su agua cargados de luz, su pincelada suelta y precisa, fruto de la experiencia y sensibilidad de la artista, sus anaranjados árboles otoñales... todo en su obra destila armonía y sencillez.‡

Mariza Zanón mzanon@sinectis.com.ar Crámer 1960/64 Piso 8A, 1428 Buenos Aires Argentina

AUTORES Enciclopedia Iberoamericana de Artistas Plásticos Contemporáneos 166 -

ZAPATA Castellanos, Giovanni. Artista natural de Quito, nacido en 1978. Pese a su juventud cuenta con una amplia formación en la que cabe destacar su reciente licenciatura, en el año 2002 en Artes Plásticas por la Universidad Central de Ecuador. Su forma ción además ha ido enriqueciéndose a base de múltiples cursos y seminarios sobre arte, como los cursos de dibujo impartidos por el Centro de Promoción Artística Casa de la Cultura Ecuatoriana, y otros dedicados al Arte Conceptual, como el Seminario de Dibujo y Arte Conceptual impartido por Jaime Valenzuela y los Seminarios-Taller de Arte Con ceptual por Manuela Rivanedeira y por Ángel Vincench, todos ellos organizados por la Universidad Central. Su obra ha sido mostrada en gran numero de exposicio nes, todas ellas de variado contenido, tanto pintura, como grabado y escultura, así como nuevas tendencias artísticas, entre las que encontramos instalaciones, cortometrajes, videos, etc, que denotan el interés de este joven artista por el arte conceptual y la renovación del arte. Ha sido premiado reiteradas veces por sus innovadoras propuestas, siendo galardonado como el Primer premio en el concurso de cortometrajes Francophonie 2002, en la Alianza Francesa, o el Premio Alberto Coloma Silva 2002, en el que recibió una Primera Mencion por una instala ción. La obra de Giovanni Zapata es innovadora y fresca. Refleja la mente despierta y observadora del artista, ade más de sus ganas de comunicar, de transmitir todo aquello que fluye de sus ideas. Su puesta en escena es evocadora y simbolista, cada imagen habla por sí sola, cada encuadre encierra una estudiada composición siempre equilibrada, con excelente uso de la luz y sacando partido a todos lo elementos. Sencillez, buen gusto y un mensaje claro y conciso, que huye de añadidos innecesarios, centrándose en esa expre sión que engloba y huyendo de la mera y fácil provocación tan frecuente en este tipo de tendencias. Giovanni Zapata entra en el arte conceptual por la puerta grande, sin más arma que el talento de un joven creador con muchas ganas de mostrarnos esos universos que él encuentra en el más sencillo objeto, esa particular manera de configurar sensa ciones de una manera sencilla y sobre todo directa en toda su dificultad.‡

Giovanni Zapata giovannoz@homail.com Conocoto, Urb. 6 de Diciembre C/ La Colmena 71,1 y 2 de Agosto, Quito Ecuador

AUTORES

ZUCARO, Beatriz. Nacida en Argentina pero ciudadana italiana, esta artista cuenta no sólo con una sólida formación en Artes Plásticas en la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano, y en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrre dón, sino que además, su interés por la filosofía la llevó a titularse Experta en Metafísica por la Escuela de Metafísica Crisol Ciencias. Miembro de la asociación Argentina de Ga lerías de Arte (A.A.G.A.), es creadora y directora de la galería Loft Espacio Alfa, que tan importante papel artístico desa rrolla en Buenos Aires. Sus trabajos como asesora y coordi nadora cultural la llevarán a escribir en distintas publicacio nes, así como a participar en prestigiosos eventos artísticos. En su absoluta dedicación al arte, es también miembro del Museo de Arte Latinoamericano de Miami y socio efectivo de la Unión Católica de Artistas Italianos (U.C.A.I.), de la que será seleccionada como representante en su muestra colectiva en el Vaticano. Ha participado en más de 80 exposiciones en diferentes países entre los que destacan Argentina, Uruguay, España, Italia, Israel, Brasil, Estados Unidos, etc. Su obra comienza y parte de la realización de retratos y cristales con laca y oro. De esta delicada especialidad tome tal vez la sutileza que manifiesta en su obra pictórica, por la cual ha obtenido numerosos premios y distinciones. Sus pinturas de algún modo reflejan grandes influencias de la metafísica, a través de escenas figurativas que evocan uni versos incógnitos. Maneja el pincel con delicadeza y preci sión, la misma que le permite jugar con unas veladuras que contribuyen de forma exquisita a la creación de esas escenas ensoñadoras. Viveza del color en todas sus gamas, entre las que destacan los azules y violetas pero en las que no faltan sabios contrastes anaranjados que proporcionan luminosi dad. Este color a menudo se expande en líneas horizontales que dotan a la obra de perspectiva y de una magnitud que roza lo sublime en su más amplio significado. Sus encuadres nos ofrecen un amplio horizonte que se abre y nos muestra impactantes cielos por los que navegan etéreos pétalos de rosa traspasando la realidad para buscar el sentimiento, haciéndonos sentir pequeños ante tanta mística grandeza ‡.

Beatriz Zucaro info@loftespacioalfa.com.ar Uriburu 1219, 3ºC (1114) Capital Federal, Buenos Aires Argentina.

AUTORES Enciclopedia Iberoamericana de Artistas Plásticos Contemporáneos 168 -

El arte no reproduce lo visible, sino que hace visible lo que no siempre lo es. Paul Klee