Enfoque

CHEMA M A D O

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La fotografía en el deporte Un enfoque a Tahilandia Lee Jeffries

“Un grito al prójimo” ¥¥

Luis O´Hara

Instagram ‘kitsch’ / Tapalpa cultural / Tres artistas, una visión

"Enfoque" Editor: Eduardo Vasquez Subeditor: Luis Enrique Sánchez O’Hara Diseño de portada: Emilio Rivero Borrell Sandoval Maquetaciòn: Alberto Mata Asesorías: Prof. Sánchez de Alba Impresión exclusiva para México de: Editorial AEL, S.A. de C.V. Insurgentes Sur núm. 1898, piso 11 Colonia Florida, 01030 Guadalajara, Jalisco, México Diciembre 2014 DERECHOS RESERVADOS AEL 1991,1999, Ediciones AEL, S.A. Jalisco, México Ninguna parte de esta publicación, incluido el diseño de la cubierta, puede ser reproducida, almacenada o transmitida en manera alguna ni por ningún medio, sin permiso previo del editor.

Impreso en los talleres de Litográfica AEL, S.A. de C.V. Impreso en México - Printed in Mexico

www.enfoque.com.mx

Henos aquí, luego de un tiempo seguramente más largo que el deseado, frente a un nuevo número de Enfoque. En él, encontrarán artículos fotogràficos originales de primer nivel sobre temas diversos, en particular artistas contemporaneos. Además, encontrarán artículos sobre exponentes en el medio internacional, que ha tenido una enorme repercusión en ocasión de su publicación en francés e inglés. Su promotor, nos ha permitido publicar la versión en español del mismo. Probablemente el tema genere polémica; si la reacción de los lectores lo justifica, abriremos un debate al respecto en nuestra revista.

Tenemos importantes novedades en la sección paisajes. La hemos unificado con la correspondiente (y nueva) sección de la enfoques al rededor del mundo. De ahora en más, esa página será mantenida, en forma on-line, por Emilio Rivero. En ella intentaremos reflejar en la forma más completa y dinámica posible congresos, reuniones, exposiciones y otros eventos, especialmente aquellos que se desarrollen en la región. Invito a todos aquellos que tengan informaciones que comunicar, a hacerlo directamente a Emilio Rivero.

El primer número en hacer una revista electrónica no es tarea fácil, puedo sino confirmar esa opinión. Sin embargo, con la gente del CUAAD seguimos intentando hacerlo, y hacerlo bien. Si el proceso de revisión de los artículos no mereciera tanto cuidado, si para nosotros no fuera tan importante la calidad, seguramente hubiéramos podido tener un segundo número más rápidamente. Pero asumimos un compromiso con la calidad, y creemos que esa es la única posibilidad de éxito para una revista fotogràfica. Seguramente el nivel de los artículos aquí presentes servirá como incentivo para que los fotògrafos y profesionales de la región deseen publicar sus aportes en Enfoque. Espero sinceramente que no deba pasar nuevamente un mes antes de que nos encontremos nuevamente.

Como en ocasiones anteriores, reitero la invitación a toda la comunidad de Mèxico a contribuir con sus ideas y colaboración para lograr que Enfoque sea un medio de encuentro y actualización permanente para todos.

Eduardo Vasquez

Contenido FotografĂ­a en el deporte 6 Un enfoque a Tahilandia 10 Maria Moldes Instagram 13 La fotografĂ­a como obra de arte 16 Chema Madoz 20 Notas Breves 26 Lee Jeffries 28 Luis O'Hara 32

La fotografía en el deporte La buena fotografía de acción en los deportes no es fácil. Muchos deportes como el fútbol, o los deportes de motor ofrecen un acceso limitado para los aficionados. Para poner las cosas más difíciles, conseguir tomas de cerca resulta ser prácticamente imposible. Por lo que, por ejemplo, cuando observamos las retransmisiones de la Fórmula 1, podemos observar auténticos museos de coleccionista en las gradas principales. Además resultan ser, por lo general, este tipo de lentes, los teleobjetivos los de precios más altos. En los partidos de fútbol de alta competición ocurre lo mismo.

Sin embargo, hay deportes de acción como puede ser el Mountain Bike o el Motocross donde esto cambia. Por eso tomaremos como ejemplo estos deportes.

Tanto a nivel amateur como a nivel profesional el acercamiento es posible. Por eso, un zoom estandar puede ser suficiente para obtener buenas tomas. Eso sí quizás con el motocross tendrás que tener un poquito más de cuidado, obviamente. Las técnicas que veremos aquí en este artículo son fácilmente aplicables a otros deportes, donde prime la explosividad. Además de que muchas veces competiciones de moto cross o mountain bike suelen darse bastante a menudo por lo que es una buena manera de introducirse a la fotografía deportiva.

Panning Es la técnica básica y fundamental para la fotografía de acción de cualquier tipo.

El sujeto o motivo de nuestra fotografía se mueve rápidamente pasando delante de nosotros que permanecemos estáticos. Bien, esto puede parecer bastante obvio.

La técnica de “panning”, consiste en hacer un seguimiento del sujeto según pasa por delante de nosotros realizando las fotografías (en modo ráfaga normalmente).

Configurar la cámara para hacer un panning correcto Enfoque continuo es lo más recomendable. Aunque como bien me apunta Jose Barceló, puedes enfocar sobre el suelo por donde pase el sujeto, lo dejas en manual y cuando pase haces el recorrido. Esto lo puedes hacer si tu enfoque continuo no es muy preciso.

•Es recomendable usar ISOs bajos para minimizar el impacto del ruido. Si tenemos ruido sobre el fondo desenfocado el efecto perderá visualmente.

•Configurar una velocidad lenta como 1/60” te permitirá dos cosas: realizar el seguimiento del sujeto en movimiento es más complicado pero, a cambio, aumentarás la cremosidad del bokeh del fondo. Es decir la sensación de movimiento será mayor.

Un e n f o q u e a Tahilandia

Tailandia, oficialmente Reino de Tailandia (en tailandés Ratcha Anachak Thai), es un país del sureste de Asia, limítrofe con Laos y Camboya al este, el golfo de Tailandia y Malasia al sur, y el mar de Andamán y Birmania al oeste.

El país era conocido previamente como Siam. Este nombre fue cambiado por primera vez en 1939 por Prathet Thai y nuevamente en 1949 (habiendo sido revertido durante la Segunda Guerra Mundial). Prathet significa ‘país’ y la palabra thai significa ‘libre’ o ‘libertad’ en el idioma tailandés, palabra que también es el nombre del grupo étnico mayoritario en Tailandia (etnia que encontró su libertad hace más de dos milenios, al llegar a esta región huyendo de los chinos). Esto hace que Prathet Thai pueda traducirse como ‘País de Gente Libre’. Al traducirse al inglés Prathet Thai pasó a ser Thailand (‘Tierra de los Thai’), y de ahí a «Tailandia» en español.

El país es una monarquía constitucional, regida por el rey Rama IX, noveno rey de la Dinastía chakri, que ha reinado desde 1946, es el jefe de estado con más largo reinado en el mundo y el de mayor reinado en Tailandia en la historia de Tailandia. El rey de Tailandia tiene el título de jefe de estado, jefe de las fuerzas armadas, adherente.

Tailandia se divide en 76 provincias (en tailandés: changwat, singular y plural) reunidas en 5 grupos, en algunos casos las provincias del este y del oeste se agrupan. El nombre de cada provincia es el de su ciudad capital, algunas veces con el prefijo Mueang (o Muang) para evitar confusión con la provincia. Con la excepción de la provincia Songkhla, la capital es también la ciudad más grande de la provincia.

Bangkok es al mismo tiempo la provincia más poblada y la de mayor densidad de población. La provincia de mayor área es Nakhon Ratchasima, la más pequeña es Samut Songkhram. La Provincia Mae Hong Son tiene la menor densidad de población, y Ranong tiene la menor población absoluta (cifras tomadas del censo de 2000).

Cada provincia es administrada por un gobernador, nombrado por el Ministro del Interior. La única excepción es Bangkok, donde se elige al gobernador. Las provincias están divididas en 877 distritos (amphoe,). Los cincuenta distritos de Bangkok son llamados khet pero son corrientemente llamados amphoe, aún en algunos documentos oficiales. Los distritos se dividen a su vez en tambon (comunas o sub-distritos) y mubaan (poblados).

Instagram se rinde ante el Benidorm más ‘kitsch’ La fotógrafa María Moldes expone su peculiar visión de la ciudad mediterránea que triunfa en Instagram. El resultado es ‘Escenas de la vida radiactiva’, una exposición que retrata un sitio sin complejos y, en ocasiones, de aires alienígenas.

Son fotos robadas, hechas con un Iphone 5, editadas apenas con un efecto de saturación en dos minutos, que es lo que tarda en ‘subirlas’ a Instagram. Su trabajo se inspira en el de profesionales como Martin Parr, también de la agencia Magnum.

LA

A

FOTOGRAFÍA COMO

OBRA DE

ARTE

sí, la fotografía artística más allá de su belleza nos hace cuestionarnos y plantearnos una serie de preguntas. Sino lo consigue sólo será una hermosa imagen más, que será relegada a ser únicamente observada y olvidada, como algunas de las imágenes que imperan en este mundo cuya democratización de la fotografía ha creado una sociedad acostumbrada a ver, pero no a fijarse en las imágenes que están a nuestro alrededor.

Por ejemplo, Miguel Oriola dice en su web La fotografía es hoy el arte. Y como el arte, libre. El artista construye imágenes lentas que se oponen a la estética de la instantánea. […] La fotografía pasa a ser el soporte donde el autor expresa su discurso y no el objeto de adoración por sus gamas de grises y otros alardes técnicos o compositivos Es decir, en la fotografía como todo arte el concepto y la coherencia del discurso toma una importancia relevante a la hora de realizar la fotografía, de crearla.

Podríamos decir que está visión de la fotografía como arte viene heredada de la década de los 60 cuando los artistas parecían más preocupados por el concepto y la idea que en la propia materialización de la obra.

Por ejemplo, hay artistas que hacen uso de la fotografía para expresar sus emociones. Muchas de está fotografías a lo mejor no son muy brillantes ni estética ni técnicamente, pero tienen un concepto muy potente, tal es la fuerza en la idea que hay detrás del trabajo que consigue eclipsar las carencias estéticas de la imagen. Por otro lado nos encontramos imágenes realizadas por fotógrafos artísticos que son de tal belleza que se convierten en arte por si solas, por su hermosura y su perfecta realización a la hora de tomar la foto.

Pero seamos realistas, una fotografía artística sólo será aquella que cumpla los dos requisitos, aquella que puede ser evaluada tanto por su realización como por el concepto que quiere transmitirnos.

CHEMA M A D O Z

J

osé María Rodríguez Madoz o Chema Madoz, como le conocemos en el mundo fotográfico, nació en Madrid en el año 1958. Su pasión por la fotografía le viene de cuando estudia Historia del Arte cuando se hizo con una Olympus pues al mismo tiempo estudiaba fotografía en el Centro de Enseñanza de la Imagen.

Aunque en sus orígenes, abandonando en la década de los 80 un trabajo en un banco que le horrorizaba, la fotografía de Madoz era muy distinta de la actual, ésta evoluciona notable y rápidamente hasta crear su propio espacio compositivo y estilo de autor. Fabricarse su propia fotografía es lo que le convierte en un gran ingeniero de ideas. Madoz desarrolla y pone en práctica un estilo altamente conceptual, surrealista y minimalista en distintas proporciones que le lleva, además de una gran proyección nacional, a ser uno de los fotógrafos más reconocidos en el panorama artístico internacional.

¿Cómo nace el concepto?

Gran admirador de la fotografía de Duane Michals, Chema Madoz ha contado en alguna ocasión ya, que en su trayectoria fotográfica sí existe un antes y un después. Para ello, remontémonos al año 1984.

Una fotografía que le supuso descubrir un nuevo universo que siempre estuvo ahí: el suyo propio.

Resulta ser un todo a partir del cual descubre que puede relacionar diferentes realidades a través de la forma y la similitud.

Una imagen que le lleva a encontrar un discurso y un lenguaje visual propio.

Blanco y negro como principio Chema Madoz trabaja sus fotografías únicamente en blanco y negro como un medio de oponer el ying y el yang de los elementos que fotografía. Elementos que cobran un dramatismo surrealista y minimalista cuya única elección para mostrarse al mundo es en blanco y negro. “ Lo utilizo por varios motivos, Primero es un ejercicio de reducción, ya que limitas el color a dos opciones que se enfrentan, algo que también sucede con los objetos (en general son dos objetos contrapuestos) por otro lado permite, jugar más fácilmente con las texturas a la hora de establecer vínculos o nexos. ” El uso del blanco y negro como sello de identidad de trabajo, nutre al espectador para centrarse en las fotografías de Madoz. Centrarse en aspecto compositivos y una cuidadísima técnica y belleza formal. “ Me interesa la técnica en cuanto me permita acceder a los resultados que deseo.

Luego de alguna forma hay que olvidarla, no tenerla presente. ” Chema lo utiliza como estímulo para llevar a las preguntas de cómo se construyó la imagen y qué significado tiene. Pero es un recurso nada más, simplemente eso, una herramienta para transmitir lo esencial que no deja de ser el mensaje.

“Mi cabeza es un caos por eso necesito que todo esté en un orden determinado”

 Además de numerosas exposiciones que se suelen suceder año tras año no es nada raro que sus fotografías sean objeto de portadas de revistas, libros y publicaciones de lo más diverso.

Fotógrafo del orden y el caos Su estudio de Galapagar resulta ser el paradigma de su universo caótico pero ordenado. Una colección creciente siempre de artilugios, artefactos u objetos comprados, en ocasiones, y fabricados en muchas otras. Porque no solamente las fotografías de Chema Madoz representan su forma de ver el mundo sino su forma de fabricarlo. Es por esa razón, que, en numerosas ocasiones, saca las herramientas y el mono de trabajo y cual ingeniero, carpintero o mecánico de su universo fabrica la fotografía. “ Mi cabeza es un caos por eso necesito que todo esté en un orden determinado ” Es por eso que, aunque las fotografías comienzan en la cabeza de Madoz, éstas tienen casi siempre su proceso de fabricación artesanal en el mundo real para, después, una vez fotografiados recuperar su naturaleza etérea y metafísica. El proceso pasa

siempre primero por pequeños bocetos para poder tener una aproximación visual y ver si puede funcionar. Después viene la construcción del objeto en donde hay que tener en cuenta la búsqueda de los elementos necesarios. Así la fotografía entra en la recta final, cuando la manipulación real y física de los elementos ya está resuelta. “ He hecho muy poca fotografía digital, cuatro o cinco. Sigo en analógico porque lo reclama el propio trabajo; establece un vínculo con la realidad que no logra la fotografía digital, que es algo totalmente manipulable. A mí me interesa hacer esos cambios en la realidad, manipular los objetos reales, no me sirve la manipulación digital. Lo analógico sigue teniendo ese carácter de verdad, de notario de la realidad que necesito. ” Cuando uno observa a bote pronto las fotografías de Madoz queda una sensación de no saber qué estamos viendo. Es solo un momento. Es parte de la atracción que, inmediatamente, segundos después, surge en el espectador preguntándose qué está viendo. Una atracción que invita y engancha a preguntarse por el fondo, el concepto, la idea. Una pregunta que siempre tiene varias respuestas.

La fotografía de Chema Madoz deja poco sitio para las emociones y los sentimientos.

Resulta ser una fotografía inteligente en el sentido de que lo que pretende es despertar nuestra inteligencia.

Un apunte al respecto al formato de sus obras, suele jugar bastante con las escalas, factor al que da mucha importancia.

¿El fotógrafo nace o se hace?

Llegados a este punto, surge otra pregunta:¿Es Chema Madoz un caso atípico de la Fotografía y el Arte, por añadidura? Ante la pregunta tópica y existencial que todo fotógrafo se plantea algún día, Madoz lo tiene claro: “ Creo que hay una cierta predisposición, pero se puede aprender. Sólo hay que tomar conciencia, de cómo nuestras actitudes responden a esquemas pre-establecidos. ”

Tapalpa muestra su lado cultural

El pueblo mágico de Tapalpa se vuelve a cubrir de cultura. Por sus calles se respira magia, y en cada rincón se esconde una sorpresa. Todo gracias a la edición 2014 del ya tradicional Festival de la Luna, un evento este año abre a un abanico de actividades que lo mismo incluye a talento local, que nacional e internacional.

Pintura, danza y fotografía se unen en el pueblo de la sierra jalisciense para dar lugar a uno de los encuentros que convoca a los fieles a la cultura, siempre rodeado por la tranquilidad y las espectaculares postales que ofrece la ciudad.

Una exhibición que conjunta el trabajo de tres artistas mexicanas quienes dan una visión de México La exposición “Uno sguardo sul México” (Una mirada sobre México), con obras de la diseñadora de moda Jehsel Lau, la fotógrafa Melissa Bugarini y la escultora Laura Figueroa, fue presentada hoy en la Embajada mexicana en Italia. Se trata de una exhibición que conjunta el trabajo de tres jóvenes artistas mexicanas, quienes a través de géneros diversos dan una visión del México contemporáneo, explicó el embajador mexicano en este país, Miguel Ruiz Cabañas.

Lau, una directora artística de origen sinaloenese, especializada en el diseño de vestuario y escenografía para ópera, se ha convertido también en la primera diseñadora mexicana que incursiona en la eco-moda. Se trata de la creación de vestidos con las llamadas “telas inteligentes”, de fácil lavado y mantenimiento y cuya fabricación es respetuosa del medio ambiente.

En la muestra “Uno sguardo sul Messico”, Lau presenta cinco de esos modelos, tres de ellos nacidos a raíz de un concurso en México, en el que se experimentó con telas de alta tecnología y costura.“Es una iniciativa de eco-moda o moda sostenible. Las telas son hechas por una empresa sostenible, son biodegradables y no contaminan el medio ambiente en su fase de producción y al no tenerse que lavar todos los días hay también ahorro de agua y de electricidad”, explicó la diseñadora.

Resaltó que se trata de telas ganadoras de premios internacionales, hechas para lugares muy calientes, porque absorben muy rápido el sudor y evitan los malos olores, y al mismo tiempo de fácil mantenimiento y lavado.

“Mi trabajo es que el público no perciba que se trata de esos materiales y que vea a la prenda como un diseño de alta costura o alta moda”, explicó. Por su parte, Bugarini dijo que con sus fotografías ha querido mostrar los contrastes que existen en México, un país muy grande en el que se entrelazan diferencias culturales, ambientales, económicas y sociales. “He querido expresar a través de la fotografía las herencias mexicanas que vienen de nuestras raíces indígenas y de nuestras raíces españolas”, señaló. La muestra también incluyó esculturas de Laura Figueroa, quien no estuvo presente, y que se ha especializado en crear caballos, principalmente en bronce.

Lee Jeffries

Un grito al prójimo

Fotógrafo inglés nacido en 1971 en Manchester, (donde vive y trabaja) que con su cámara refleja uno de los mayores problemas de Inglaterra y de la humanidad, las personas sin hogar. “ No le tomo fotografías a todas las personas sin hogar que encuentro. Tengo que ver algo en sus ojos. A menos que sienta que se puede sentir alguna emoción de la persona, la fotografía sencillamente, no funcionará. He tomado cientos de fotografías de personas que, honestamente, no funcionaban. ”

“

Testimonio gráfico de la deficiente solidaridad hacia el prójimo que poseen

nuestras sociedades

”

Lee Jeffries trabaja como contable y se dedica a la fotografía como pasatiempo.

Aunque durante años se dedicó a fotografiar eventos deportivos, en 2008 visitó Londres para correr un maratón y caminando por la ciudad el día antes de la carrera vio a una joven sin hogar que estaba sentada en la entrada de una tienda en Leicester Square, y le sacó desde lejos una foto, pero la chica se dio cuenta y le increpó. Su primera reacción fue huir; algo le hizo quedarse y conversar con la niña. Su percepción acerca de las personas sin hogar cambió por completo al punto de convertirlas en “objeto” de su arte.

Los modelos en sus fotografías son las personas sin hogar que ha conocido desde callejones en Los Ángeles hasta las partes más oscuras y sucias de ciudades de Francia e Italia, y, a veces, ha tenido que lidiar con situaciones peligrosas. Se trata de fotografías que retratan sus convicciones y su compasión. Un testimonio en forma de imagen que ciertamente cala hondo, fotografías conmovedoras al punto de lo inquietante.

Es un testimonio gráfico de la deficiente solidaridad hacia el prójimo que poseen nuestras sociedades, tan frenetizadas por la voracidad del consumo y el poder.

LUIS O’HARA Me encanta como la fotografía puede transmitir el goce estético, incluso mas que las cosas por sí mismas, como a través de las imágenes se logra sensibilizar a los sentidos para ser mas perceptivos a la belleza del mundo que nos rodea.

La cotidianidad, expresada como algo irreal, tomar lo efímero y transformarlo en algo valioso, la perpetuación de las emociones, de los recuerdos, crear un recorrido visual de los errores, de los aciertos, del miedo y de los sueños.

Soy un fanático de los procesos manuales que nos llevaron a crear las tecnologías modernas, de el trabajo y la revolución que estos significaron para la sociedad humana, por eso es que me fascina la experimentación con la fotografía análoga. Pienso que estos procesos tienen un valor agregado, la pasión que se tenía por la manufacturación de un producto de calidad es impresionante ante mis ojos, no es como hoy, no tienes 132817983712 oportunidades de una buena foto, solo tienes 36 exposiciones y es mejor que las explotes lo mejor posible, los resultados no se obtienen por un click en un botón con un filtro HDR. Pienso que hace falta mucho de eso. www.flickr.com/photos/luqueohara/