Revista rayarte 2015 by luis rosales

EDITORIAL

Muchas personas sueñan con alcanzar sus metas, pero son pocas las que se lanzan al vacío y con planificación, organización, dedicación, determinación, desvelos y mucho esfuerzo logran alcanzar lo que se proponen. De esta manera fue que nació la iniciativa de la Escuela de Diseño Gráfico de la Universidad de San Carlos de Guatemala de hacer que los estudiantes de sexto semestre realizáramos un congreso de diseño anualmente. Este año los estudiantes nos rayamos y alcanzamos la meta de forma exitosa. Rayarte 2015 fue un evento memorable lleno de experiencias que enriquecieron y ayudaron al crecimiento profesional de sus asistentes y no hay mejor manera de recordar estas experiencias por medio de imágenes y letras que evoquen las memorias de lo ocurrido de tal manera que se vuelva a revivir todo lo acontecido. Esta revista compila todos los hechos ocurridos durante este día para que el lector pueda regresar en el tiempo a ese día y rayarse una vez más.

ÍNDICE ACERCA DE RAYARTE

PROPUESTA GANADORA

RECORRIDO MUSEOS

HERBER CRISPIN

LIGHT ANDRADE

WILKER VELASQUEZ

ZAPATO VERDE

ENY ROLAND

ANA WERREN

FUTURA

PUPILA ESTUDIO

PLAGA

SERGE

OTTO GRAMAJO

CINDY RUANO

KEVIN Y LINDA

GALERÍA RAYARTE

FRASES

¿QUIÉNES SOMOS?

ILUSTRACIÓN

DIRECTOR CREATIVO

BRANDING

FOTOGRAFÍA

AMORFO

PATROCINADORES

FOTOGRAFÍA

PICTOPLASMA

AUDIOVISUALES

MARCA Y FID

CREATIVO

EXPO RAYARTE

ILUSTRACIÓN

LETTERING

AGRADECIMIENTOS

DISEÑADORES

ACERCA DE RAYARTE ¿QUÍENES SOMOS? Somos un grupo de estudiantes universitarios Sancarlistas de la carrera de diseño gráfico, que buscan nuevos medios para promover la innovación en el área de medios visuales. Buscamos promover la magnitud y el alcance del diseñador gráfico guatemalteco en un evento que reúne exponentes de talla internacional.

Somos emprendedores, visionarios y nos encanta trabajar en equipo. Nuestro congreso comprendió dos modalidades: una fase de conferencias y otra de talleres con cupo limitado; ambas actividades fueron coordinadas por nuestro equipo de Staff, el cual brindó la mejor experiencia.

¿QUÉ HACE RAYARTE? Promovemos la comunicación, el aprendizaje y crecimiento de la comunidad del diseño gráfico en Guatemala. Desde estudiantes hasta profesionales, para reforzar el valor de nuestra labor ante la sociedad y de cómo la comunicación visual influye en la misma.

¿A QUIÉNES INVOLUCRA? Reunimos a profesionales internacionales y nacionales para conocer distintas facetas de la creatividad para aumentar nuestra productividad, inspiración y dedicación. Somos un evento que busca la inclusión de todos los que hacen de esta su profesión y de los que desean hacerla.

Nuestra base es la Universidad de San Carlos de Guatemala, y su Escuela de Diseño Gráfico, donde los estudiantes de Sexto Semestre nos volvemos organizadores. Con el apoyo de la universidad, de los catedráticos, patrocinadores y de diversas instituciones, llevamos a cabo un evento en el cual convocamos a

diseñadores gráficos de distintas áreas de especialización y estudiantes de distintas universidades que proporcionan el estudio de la profesión para promover la unión en la comunidad guatemalteca de diseñadores, para que juntos formemos parte de un punto importante del diseño en Guatemala.

Los ganadores de la propuesta seleccionada para la identidad visual de Rayarte 2015 fueron los estudiantes del Sexto Semestre de la Escuela de Diseño Gráfio; Andrés Higueros, Sara Ortega y Koraima Catalán. Al fundamentar sus piezas lo expresaron de esta manera:

PROPUESTA GANADORA IDENTIDAD VISUAL RAYARTE 2015

“Es una marca capaz de impactar al grupo objetivo por su versatilidad, sutileza y originalidad. El logotipo es una abstracción de un rayo en la letra “R”. Se utilizó este elemento ya que el diseño gráfio es una energía que es capaz de transmitirse, activarse y expandirse; como lo hace un rayo de forma natural. Las líneas trasmiten dinamismo y la energía para formar la nueva identidad de Rayarte 2015. El concepto que se manejó fue Energía Activa, ya que el diseño es así; siempre está activo y expandiéndose para comunicar sus mensajes.”

MUSEO DE LA UNIVERSIDAD DE SAN CARLOS DE GUATEMALA TALLER Futura

CONFERENCIA Herber Crispin Pupila Eny Roland Futura Mi primera conferencia

RECORRIDO

DE LOS MUSEOS

MUSEO DE HISTORIA TALLER

Zapato Verde Serge

MUSEO DEL FERROCARRIL

ARTE CENTRO PAIZ TALLER

TALLER

Wilker Velรกsquez

MUSEO DE LA TIPOGRAFร A

MUSEO DE CORREOS

Ana Warren

TALLER

TALLER Pupila

Cindy Ruano

CONFERENCIAS Y TALLERES

Egresado de Licenciatura en Diseño Gráfico con especialización en multimedia de la Universidad de San Carlos de Guatemala. Se especializó en el área editorial como ilustrador digital freelance. Reconocimientos Ha trabajado para Editorial Santillana, elaboró ilustraciones digitales para Guatemala, El Salvador y Honduras. Fue empleado por Editorial Susaeta Guatemala, realizaba ilustraciones para libros de texto, ilustraciones infantiles, portadas y entradas de unidad.

HERBER CRISPIN ILUSTRACIÓN

“Yo soy artesano, me voy formando y adaptando al cliente”.

CONFERENCIA MUSAC, 10:00 - 11:00 horas. La conferencia dio inicio cuando Herber explicó que se especializa en Ilustración Digital. Su programa favorito es Photoshop, pero también utiliza Corel Painter. Dijo no tener un estilo definido, sino le interesa ser lo suficientemente variante en cuanto a sus composiciones. Algunos fueron:

consejos

que

compartió

• Tener cuidado de no copiarle a los demás, sino más bien transcender y proponer. • Aprender a Adaptarse al entorno y cumplir con las características que solicita el cliente. • La única forma de mejorar es practicar. También presentó las experiencias que ha reunido en 8 años como diseñador freelance y dio algunas recomendaciones: • Aprender a ahorrar, ya que los proyectos suceden por temporadas. • Invertir en equipo para optimizar el trabajo. • Aprender a cobrar por los estudios generados.

Es ilustradora y diseñadora gráfica egresada de la Universidad Rafael Landívar. Actualmente trabaja como diseñadora en 4 am Saatchi&Saatchi. Cuenta con un diplomado El Recreo: Escuela de Creatividad Publicitaria, 2009. (Agencia de Publicidad Wachálal) Reconocimientos Primer lugar Embotellarte Gala del Diseño 2009: Título de la obra: “Hooka Pipe”. Otorgado por Distribuidora Alcazarén. Ganadora del tercer lugar en el IV Festival de Diseño Gráfico de la Revista Capiusa Guatemala, mayo 2010. Tema: “Utopía”.

LIGHT ANDRADE ILUSTRACIÓN

TALLER “RAYAS Y CENTELLAS”

Museo de Arte y Centro Cultural Paiz, 15:30 – 16:30 horas. Comenzó con una breve introducción de las líneas y el color. Estos elementos dotan de expresividad a las ilustraciones, al transmitir sensaciones. Algunos consejos para mejorar la calidad de las líneas: • Hacer que las líneas parezcan que se mueven. • Añadir detalles que reflejan personalidad. • Es importante ver en la línea lo que otros no ven. • Comparar lo que visualizamos en nuestra mente con lo que vemos en la realidad. El taller se dividió en 3 etapas:

Realizar en papel una línea al azar. A partir de esa línea crear un personaje, con características de ser simple y lleno de personalidad.

Realizar un dibujo abstracto, con una técnica que ella utiliza: tomar tiras de lana, mojarlas con témpera o pintura, colocarlas sobre el centro de una superficie plana, se dobla el papel, luego se abre el papel y retiran las tiras. El objetivo es encontrar figuras en la mancha plasmada. Luego dibujaron y pintaron encima de la mancha, logrando resultados interesantes e inesperados.

Se procedió a delinear cada pincelada con rapidógrafo. Al finalizar los participantes obtuvieron una ilustración colorida, con formas abstractas y figurativas.

Taller

“RAYAS Y CENTELLAS” Por Light Andrade

Materiales utilizados para 30 personas: 100 Hojas bond tamaño carta de colores 30 Hojas bond doble carta 30 Bolas de lana Témperas Pintura acrílica 30 Pares de Pinceles 30 Rapidógrafos 30 Juegos de marcadores 30 Cajas de crayones 30 Lápices

Paso 2

Paso 1 Piensa Crearemos una ilustración de un personaje. ¡Pon a prueba tus destrezas y creatividad!

Realiza Toma una hoja tamaño carta y con un lápiz haz una línea al azar.

Paso 3

Paso 4 Dibuja

Crea un personaje utilizando la l铆nea que hiciste en el paso anterior.

Paso 5

S implifica El personaje debe ser simple, sin muchos detalles.

Paso 6 Personaliza

Puedes dibujar a tu personaje favorito o inventar uno.

Resultado Ponle mucha personalidad utilizando tu imaginaci贸n y creatividad.

Director creativo en 4am saatchi&saatchi, trabajó en Santillana como ilustrador y ha sido reconocido por su trabajo con Oro, primer torneo de ilustración 2015, Bronce ilustración – Festival Antigua y Lion de Plata.

WILKER VELÁSQUEZ

DIRECTOR CREATIVO

TALLER

“CREATIVIDAD-STORYBOARD” Museo de Arte y Centro Cultural Paiz, 11:00 – 12:00 hrs. A Wilker Velásquez una frase le marcó la vida. Comentó que él no comprendía las instrucciones de su padre, quien le dijo: “Con dibujitos se entiende mejor”. En ese momento empezó a darle importancia a la ilustración en su vida. Compartió la experiencia cuando laboraba para una agencia de publicidad y se encontraba realizando un anuncio que llevaba demasiado texto para un periódico y fue allí donde aprendió su segunda lección “A la gente le aburre leer”. Gracias a esas lecciones desarrolló su sistema de trabajo: “Memorizar con dibujos”, el cual explica que las personas memorizan antes los dibujos que el texto, por lo mismo es la mejor forma de llegar a un grupo objetivo. Desarrolló una actividad donde el público dibujó un problema diario, sin embargo disponían únicamente de veinte segundos; esto con el objetivo de estimular la creatividad. El objetivo de dibujar los problemas era aprender que todo dibujo tiene un concepto. Antes de finalizar el taller con el desarrollo de un storyboard, la importancia de un dibujo es que desarrolla el pensamiento abstracto, tiene un sinfín de códigos que solo la persona que lo observa puede interpretar y darle sentido.

Taller

Creatividad Story board

Por Wilker Velásquez

Materiales utilizados para 30 personas: 200 Hojas de papel bond 30 Lápices HB

30 Sacapuntas de plástico. 30 Borradores

Paso 1

Paso 2 Realiza

Descifra

Realizar una ilustración sobre un problema cotidiano en 20 segundos.

20”

Intercambiar con el compañero de al lado su ilustración. Con la ilustración que tiene ahora, tratar de zdescifrar la intención de lo que el compañero trató de expresar.

Paso 3

Paso 4 Caricatura

Realizar una caricatura de ti mismo, y así diagnosticar su forma de ser por medio de la línea y la expresión que le hayan puesto, ya que dependiendo de la forma de sus trazos y la expresión que hayan puesto podemos determinar su personalidad y forma de ser.

Paso 5

Historia y Sentimientos La persona que da el taller debe contar una historia de su vida para inspirar a los asistentes, una historia que les provoque algún sentimiento.

P aso 6 Storyboard

Resultado

Rodrigo Aguilar es Diseñador Gráfico, especialista en pictoplasma; y gracias a ello ha creado artes que cambiaron la cultura visual. Obtuvo su especialización en Berlín, Alemania en Pictoplasma Academy; estudió en Image Campus, Buenos Aires, Argentina; egresado de Diseñador gráfico de Comunicación y Publicidad en la Universidad del Istmo. Trabaja actualmente como generador de arte de calle y es CEO en Motion Graphics La Curiosa. Reconocimientos Trabajó en el departamento creativo del canal 18- 50.

ZAPATO VERDE

PICTOPLASMA

TALLER

“CREACIÓN DE PERSONAJES” Museo de Historia, 12:00 – 13:00 horas. (Rodrigo) Zapato verde comienza su exposición hablando un poco de sí mismo. Luego de ello, habla sobre la historia del arte de los personajes con Pictoplasma = Contemporary Character Design. Agregó que en Alemania se buscaba crear un vínculo entre el personaje y lo que comunicaba sin necesidad de hablar con el espectador, solamente mostrándose como tal. Los alemanes comenzaron a recopilar personajes, creando bases de datos donde se ordenaban los personajes por medio de categorías como: vectoriales, a mano alzada, en 3D etc. A esto lo llamaron Pictoplasma. Posteriormente, Rodrigo explica como crear un personaje que identifique la personalidad de cada uno de ellos. Por último, se dedicó a darles consejos como: • Usar la imaginación sin una regla específica. • “No digas que no dibujas, cualquier garabato puede ser un personaje”. • Crea una característica que haga único al personaje, que le de vida. “Siempre hay un detalle que le da más historia a un personaje, entre más historia tenga, más valioso será”. • “No importa el diseño del personaje, lo importante es su singularidad, lo que los hace únicos y que desarrolla su propia personalidad.

Taller

Creación de Personaje

Por Zapato Verde

Materiales utilizados para 30 personas: 30 Hojas de papel bond 30 Pedazos de cartón 30 Lápices 25 Marcadores de colores 30 Pinceles 15 cajas de témperas de colores

Paso 1

Paso 2 Definición del personaje

• Arquetipo

• Carácteristica principal

• Colores

• Accesorios

• Distinciones

• Personalidad

• Grupo al que se dirige

Bocetaje Utilizamos las hojas bond para realizar el bocetaje. En el plasmamos las ideas que le otorgan personalidad a nuetro personaje como tal.

Paso 3

Paso 4 Dibujar en cartón

Colorear el personaje Con ayuda de los pinceles y las témperas pintamos el personaje con los colores que escogimos en base a su personalidad.

Paso 6

Paso 5 Exposición Exponemos nuestro trabajo ante todo el salón mencionando las características que le dan personalidad y carisma a nuestro personaje.

Comentarios Todos nos reunimos para comentar los trabajos de los compañeros y elegir el que más nos llamo la atención.

Es fotógrafo profesional desde el 2009 (retrato, urbana, moda, arquitectura y periodística) combina kitsch, pop, religión, erotismo y contradicciones de la religión. Reconocimiento Ha participado en exposiciones como Foto30 en 2009, fotoperiodista en la sección cultural de Siglo 21

ENY ROLAND FOTOGRAFÍA

CONFERENCIA Conferencia MUSAC, 14:30 – 15:30 horas. Palabras que define sus fotos: Libertad Extrema. La conferencia comenzó con una breve introducción a su carrera. Inició como fotógrafo profesional en 2009. Los temas fotográficos en las cuales ha trabajado son: editorial, cultural, moda y comercial, las cuales son las que le brindan mayor presupuesto. Luego de ello, procedió a compartir algunas experiencias laborales como su trabajo para la revista “Magacin”. Sin embargo comenta que a pesar de ser un fotógrafo con una gama muy amplia de trabajos, su mayor hobby es la fotografía artística, en especial el retrato, donde según sus propias palabras, puede expresarse libremente. También comentó que algunos proyectos han influenciado su vida de manera positiva, en los cuales se incluyen fotografías tomadas en muros de calles de distintas dimensiones en las que se muestran imágenes de perros o de situaciones del país. Para realizar esta técnica, los muros se adaptan a cualquier espacio ya que la fotografía se va formando con hojas tamaño carta impresas en blanco y negro y al unirlas todas, estas forman una imagen más grande. No se necesita un presupuesto tan grande y además, según él, esto produce un mayor impacto que el hecho de simplemente pegar una valla en un muro.

Es fotógrafa emergente guatemalteca con una visión distinta dedicada a la fotografía contemporánea. Compró su primera cámara a los 16 años y fue entonces que comprendió su deseo en hacer imágenes. Ana se define como una perfeccionista y trata de reflejarlo en sus fotografías; le gustan los colores sobrios, los espacios limpios y concisos, en los cuales incluye siempre objetos específicos para crear imágenes minimalistas. Los temas que le interesan se enfocan en los cambios que alteran nuestras vidas, situaciones que nos afectan y la manera en la que ella se relaciona con esos momentos.

ANA WERREN FOTOGRAFÍA

TALLER

“RETRATO CONTEMPORÁNEO”

Museo del Ferrocarril, 10:00 –11:00 horas. Al inicio, Ana comenta que sus autorretratos son un proceso íntimo y sincero donde reflexiona sobre sus estados mentales y emocionales, siendo esta su forma de expresión; utilizando sus imágenes como un instructivo que sigue paso a paso, así logra una transformación personal. Su serie fotográfica “Introspección” recrea un renacer, una posibilidad de vida diferente, un cierre y apertura hacia nuevas metas. Esta serie da a conocer que no es necesario estar en un retrato. Se trata de notar la presencia humana en la fotografía. Ana tiene una fórmula que aplica en sus Retratos: Mensaje y Estética, refiriéndose al mensaje como el discurso que está detrás de una fotografía y a la estética como complementaria, aunque no menos importante. Antes de tomar una fotografía, es necesario resolver preguntas como: qué se desea representar, el mensaje personal del fotógrafo el cual se desea impregnar en un retrato. Posteriormente solicita que cada uno de los participantes realice retratos o autorretratos aprovechando el entorno del Museo del Ferrocarril. Por último Werren da un consejo a la Revista Rayarte: “No se rindan, yo sé que trabajar o hacer fotografía aquí en Guate es difícil, pero no es imposible”.

Taller

Ser de luz - Luz del ser Por Ana Werren

Materiales: Cámara Cuaderno para apuntes

Punto 1

Punto 2

Expresión Ana comento que sus autorretratos son un proceso íntimo y sincero donde reflexiona sobre sus estados mentales y emocionales, siendo esta su forma de expresión.

Introspección “Introspección” recrea un renacer, una posibilidad de vida diferente, un cierre y apertura hacia nuevas metas.

Punto 3

Punto 4

Fórmula Mensaje y Estética, refiriéndose al mensaje como el discurso que está detrás de una fotografía y a la estética como complementaria, aunque no menos importante.

Punto 5

Preguntas Antes de tomar una fotografía, es necesario que se resuelvan preguntas, qué se desea, qué se desea representar, el mensaje personal del fotógrafo, el cual se impregna en un retrato.

Punto 6

Teoría en la práctica Los participantes realizaron retratos y autorretratos aprovechando el entorno del Museo del Ferrocarril y poniendo en práctica lo aprendido.

Palabras de aliento Por último Werren dio unas palabras a los participantes, “No se rindan, yo sé que trabajar o hacer fotografía aquí en Guate es difícil, pero no es imposible”.

Es un estudio de diseño que nació en el 2008 de forma independiente, fundada por Vicky González e Iván García. Hoy han ampliado y diversificado sus servicios, por ello se han transformado en un estudio multidisciplinario. Trabajan en reposicionar los valores del diseño mexicano, conservando la función, el ingenio y el carisma pero cambiando las formas, las estrategias, la narrativa, etc. Buscan transmitir mensajes más claros y provocaciones inteligentes aplicadas a cada proyecto. Servicios:

FUTURA ESTUDIO BRANDING

• Diseño Editorial. • Dirección de Arte. • Branding Coach. • Desarrollo Interactivo • Marketing.

TALLER ¿QUÉ ES UN ICONO?

MUSAC, 10:00 – 12:00 horas. “¿Qué es un ícono?”. Así fue como dio inicio al taller, el cual consistía en la realización de un icono que se trabajaría en equipos. Iván dijo que un ícono es una representación gráfica con la menor cantidad de información; que deben funcionar como analogías o metáforas. La tarea era realizar esto mismo para una cafetería guatemalteca. Iniciaron enlistando las principales actividades o conceptos que pueden ir detrás de el diseño que se quería realizar (lo intangible). Los presentes dibujaron conceptos individuales por cada variable, las cuales fueron graficadas por seis estudiantes selectos que eligió personalmente por sus habilidades de bocetaje rápido. Luego les pidió que se acercaran con él para realizar la primera revisión de conceptos, en lo cual, recibieron feedback de cómo mejorar sus diseños. Señaló que algunos conceptos eran buenos pero que la ejecución no era la mejor, ya que los hacían muy detallados, así como trazos naturales y las líneas debían ser más geométricas. Dio las últimas recomendaciones de mantener la proporción, usar retícula, mantener los íconos en un formato cuadrado investigar aún más y realizar un trabajo más conceptual.

Taller

“Cómo hacer un ícono” Por Iván García

Materiales utilizados para 30 personas: 100 Hojas de papel bond 50 Marcadores de diferentes colores 50 Lápices 1 Cañonera 25 Pliegos papel kraft 1 Computadora laptop 10 Rollos de masking tape

Paso 1

Paso 2 Conceptualizacion

• El expositor organizó mesas de trabajo y solicitó la opinión de que era un ícono. • Invitó a estudiantes y público en general para que dieran a conocer el concepto que m anejan acerca de un ícono. • Después de escuchar las opiniones de todos el expositor presentó un concepto con base a su experiencia.

Lluvia de ideas • Se realizó una lluvia de ideas sobre l as principales variables y actividades que se relacionan con el café para elaborar su concepto.

Paso 3

Paso 4 Bocetaje

• Cada uno de los participantes realizó un boceto a mano para las variables obtenidas en la lluvia de ideas, generando así las primeras impresiones del concepto.

Selección de trabajos • El expositor seleccionó a 6 personas por sus habilidades de bocetaje,. algunos le llamaron la atención ya que salían de lo común. • Algunos bocetos conectaban más que otros ya que no eran repetitivos granos de café.

Paso 6

Paso 5 Exposición de trabajos • El expositor los invitó a pasar al frente para que observaran las diferencias de los bocetos seleccionados. • Argumentó en algunos que el proceso de ejecución no era el correcto.

Recomendaciones

CONFERENCIA MUSAC, 19:00 – 20:00 horas. Estudio especializado en branding y empaques, fundado por Vicky Gonzáles e Iván García. Proyectos destacados: Hikeshi,línea de ropa de la marca japonesa Resquad. Maminena, un Hotel-Boutique, con él se dio cuenta que la inspiración viene de cualquier parte. Las historias de otras personas, por muy triviales que sean, pueden darnos inspiración para un diseño. Somos un estudio de diseño que nació en el 2008 de forma independiente, fundado por Vicky González e Iván García. Hoy hemos ampliado y diversificado nuestros servicios a base de los requerimientos de nuestros clientes / asociados de negocio, nos hemos transformado en un estudio multidisciplinario. Tacos Tacos, una taquería cuyo diseño se inspira en dibujos infantiles con ilustraciones a línea. “Tacos...”, consiste en un experimento, se apega al comportamiento de una nación; al sentirse cómoda en un lugar, toma los elementos gráficos y los abraza haciéndolos suyos. Por último, “C O M U N A”, reinterpretación de una fonda mexicana invita a sus comensales a compartir historias, brindis y risas. El concepto nace del insight cuando alguien escribe una frase y no se calcula el espacio, entonces se hace más apretada la última parte.

Pupila Estudio es una empresa de diseño creada por Alfredo Enciso, Paco Cervilla y Monserrat Ramírez en el 2010. La firma se dedica a la creación de marcas, empaques, sitios web, publicidad, espacios y mobiliario, para diferentes clientes locales e internacionales. Además, son los organizadores del Festival Internacional de Diseño de Costa Rica, uno de los eventos de diseño multidisciplinario más importantes de Latinoamérica.

PUPILA ESTUDIO BRANDING

TALLER “PORTFOLIO REVIEW”

Museo de Correos, Telégrafos y Filatelia, 12:00- 13:00 horas. Pupila recomendaba que las tipografías utilizadas en cualquier diseño, siempre fueran de autoría propia; al presentar un portafolio es importante que las piezas se coloquen de forma horizontal y se use el tamaño completo de la pantalla para las imágenes; así se pueden apreciar mejor. Aparte de seleccionar los mejores trabajos, se debe evitar usar las piezas que tengan detalles distractores de la pieza principal para el espectador. También mencionaron que “Si la pieza a exponer no es de agrado propio, no hay que colocarla”. Debemos destacar que “El trabajo que se muestra, es el trabajo que piden los clientes”. Hay que procurar que se tenga un portafolio variado, con tipografía, fotografía, ilustración, etc. Pero es importante hacer énfasis en el área que se desee destacar o ser contratado. Y por último, en cuanto fotografías con productos, es imprescindible colocar el producto a la vista. Puede decorarse la diagramación, pero nunca debe perderse de vista el objeto que se desea vender o para el cual está elaborado el arte.

Taller

“Portfolio Review” Por Pupila Estudio

Materiales utilizados para 30 personas: 1 Rotafolio USB con portafolio del participante 1 Cañonera 25 Pliegos papel kraft 1 computadora laptop 10 Rollos de masking tape 5 Marcadores de colores varios

Paso 2

Paso 1 Conceptualizacion • El expositor organizó los portafolios de cada participante y solicitó la opinión de cada uno. • Invitó a estudiantes y público en general para que dieran a conocer el concepto que manejan acerca de un portafolio. • Después de escuchar las opiniones de todos, el expositor presentó un concepto en base a su experiencia.

Lluvia de ideas • Se expresaron una serie de opiniones de las principales variables y actividades que se relacionan con un portafolio y la mejor manera de generar uno.

Paso 3 Recomendaciones • Pupila recomendaba que las tipografías utilizadas en el portafolio fuera de autoría propia. • Al presentar el portafolio es importante que las piezas se coloquen de forma horizontal.

Paso 4 Selección de trabajos • El expositor explicó que se debía seleccionar los mejores trabajos y se debía evitar los que tuvieran distractores para el espectador. • Sí la pieza a exponer no es de agrado propio, no hay que incluirla.

Paso 6

Paso 5 Exposición de trabajos • El portafolio que se presentará, tendra que tener diversidad de piezas digitales tanto de ilustración, fotografía y tipografía. • Argumentó que el proceso de selección a veces no es el correcto.

Sugerencias • Al finalizar, los participantes opinaron acerca de cada portafolio. • Recibieron varios consejos por parte del expositor. Recomendó que si bien, puede decorarse la diagramación, nunca debe perderse de vista el objeto que se desea vender.

CONFERENCIA “PRIMERA EDICIÓN DEL FID”

A pesar de tener algunos fracasos durante su carrera comenzaron a partir de una fórmula: El ocio creativo (idea) = mezcla de creatividad + curiosidad + tiempo libre + alcohol. Esto dio como resultado el nacimiento del “FID: Festival Internacional de Diseño” en diciembre de 2009. La idea es de celebrar el diseño y compartirlo con la gente. Trabajaron a partir de 4 sencillos pasos: Invitados + patrocinios + permisos + entradas = FID.

Algunos de sus proyectos ComBai, creación del logo Combai para un mercado urbano. Bob Marley Living Memory, portada de álbum para la banda argentina Nompalidece. BOCANEGRA, creación de empaque para café tostado.

Mr. Masking, es un señor que se dedicó a trabajar en el área de rotulado de tiendas y locales de Costa Rica. Su técnica se basa en crear el contorno de las letras de masking tape para después rellenarlas con pintura. Pupila Studio expuso sus obras en una galería y creó un libro donde se exponen sus obras. Acudieron más de 500 personas y artistas a la compra del libro, así como la firma del mismo. Pupila aun sigue con el proyecto de hacer la tipografía de Mr. Masking.

Antonio y Alejandro Campollo junto con Enrique Ponsa crean la idea de Plaga. Iniciaron con un concepto basado en un virus cuya finalidad es infectar y propagarse de forma masiva. Iniciaron en su formación con tutoriales y conocimientos empíricos. Reconocimientos Antonio elaboró diseños al estilo GratefulDead, paisajes y construcciones flotantes, hasta luminosos diseños serigráficos como ZestProyect. Alejandro ha elaborado diseños de logotipos, ilustraciones, animación en 2D y 3D.

PLAGA

AUDIOVISUALES

CONFERENCIA MUSAC, 11:00 – 12:00 horas.

Plaga es una marca personal que busca contagiar con sus audiovisuales. Está integrada por Antonio y Alejandro Campollo junto a Enrique Ponsa; quienes se especializaron en Motion Graphic. La conferencia comenzó cuando relataron los inicios de Plaga; desde la Universidad Rafael Landívar, donde se conocieron y realizaron proyectos juntos, así como trabajos para la Revista Rara. Posteriormente relataron un poco de la vida profesional de cada uno: Enrique Ponsa se enamoró de After Effects. Empezó a trabajar en Magnético y luego de ello obtuvo una maestría en Madrid. Antonio Campollo posee habilidades para Diseño Gráfico, Motion Graphic e Ilustración. Y Alejandro Campollo tiene las destrezas para el Diseño Gráfico y el Motion Graphic. En la conferencia mostraron varios de sus proyectos y expusieron el proceso cuando los clientes les presentan las ideas y cómo manejan los insumos para realizar los audiovisuales. Algunos proyectos que compartieron fueron: • La Niña Almendra, audiovisuales para Moombahton Massive GT. • Quetzalteca, el Reel 2015. • PLAGA, Reel 2015.

Serge es el creador de unos personajes únicos, misteriosos, amigables y llenos de texturas, formas y colores. Su inspiración es la vida diaria, sus amigos, familia y situaciones reales. Todo esto se vuelve exagerado, tergiversado y convertido en criaturas de diversas formas, con carácter propio y te invitan a entender su existencia, a sentir lo que están expresando y a imaginar con ellos. Su técnica consiste en mezclar la ilustración análoga con la ilustración digital, llenándolos de detalles valiosos y diferentes que lo identifican como artista.

SERGE AMORFO

MI PRIMER

TALLER

Museo de Historia, 16:30 – 17:30 horas. El taller estaba basado en una actividad cuyo tema principal era el amor. Luego explicó los pasos para crear un personaje: Abstracción de figura, planos más definidos y detalles de la figura. Posteriormente dio a conocer una lista de aspectos que deben tomarse en cuenta para lograr el personaje deseado: grupo objetivo, contexto, referencia, distinciones, carácter a reflejar, accesorios, personalidad e historia. El proceso para realizar al personaje fue el siguiente: bocetar, diseñar, cortar y confeccionar. El personaje debía estar hecho de tela rellena de algodón. Aconsejó que antes de iniciar en la elaboración, era necesario realizar un prototipo. Un consejo bastante útil es dejar los brazos más anchos para que no quede ajustado cuando se esté cosiendo con la aguja. Al final, se obtuvieron diseños únicos y creativos, lo cual determinó que pueden utilizarse distintos materiales para generar buenas ideas. Y compartió algunos consejos con los presentes: • La práctica lo es todo, sin práctica no hay nada. • Es importante desarrollarse en ambientes con personas creativas. • Hay que buscar soluciones distintas, llamativas y funcionales.

Taller

Actividad de Amor Por Serge

Materiales utilizados para 30 personas: 100 Hojas de papel bond 4 Bolsas de algodón de 1 lb. 15 Yardas de tela 30 Cuchillas 30 Agujas 5 Botones de silicón de 300 ml. 60 Botones 2 Conos de hilo grandes

Paso 1

Paso 2

Conceptualización

• Grupo objetivo • Contexto

• Accesorios

• Distinciones

• Personalidad

• Historia

Bocetaje

Paso 3

Paso 4

Trazos en tela Después de tener el boceto del personaje se tela, se puede hacer todo el personaje con solo dos piezas de tela o se pueden trabajar las extremidades por separado.

Paso 5

Recorte Al momento de cortar cada pieza se debe tener en cuenta de que tendremos que hacer una costura para unir las partes y rellenarlo, por eso se deja un márgen al cortar alrededor de toda la figura.

Paso 6

Costura y relleno Después del recorte hay que unir cada pieza con su respectivo par y así poder rellenarlas. Utilizamos hilo y aguja delgados para hacer l as costuras lo más sutiles posible y s e respetan l os márgenes establecidos según los trazos.

Detalles finales

adornos según convenga para cada personaje. Detalles como ojos, pelo y bolsas son lo más frecuente.

Sus inicios en la publicidad se remotan al a帽o 2008 en DDB Guatemala, en donde era creativo y copywritter. A finales del 2013, trabaj贸 en 4am Saatchi&Saatchi como Director Creativo manejando marcas de P&G Regional (Ariel, Tide, Ace, Pampers), y otras como Lipton, Prensa Libre y coordinando proyectos de creatividad. Trabaj贸 con marcas como Volkswagen, Henkel, Salutaris, Rendidor, entre otras; comenzando una trayectoria de reconocimiento en festivales como Festival de Antigua, FIAP, Ojo de Iberoam茅rica y actualmente Plata en Cannes 2015.

OTTO GRAMAJO CREATIVO

CONFERENCIA

“LO QUE PONEN LAS GALLINAS”.

MUSAC, 16:30 – 17:30 horas. “No solo necesitas talento, necesitas ganas.” Otto compartió algunos consejos como publicista: 1. Hacer has lo que te apasiona. Para ello recomendaba que se tuviera mucha creatividad. Compartió la frase que le decían cuando presentaba sus ideas: ”Esta idea es muy grande, acá no se puede”. 2. Creer: a todos les dicen que no se puede realizar, pero deben creer en lo que están haciendo. Otra frase que recibía era: “No nos va a dar tiempo de hacerlo”. 3. Rodearse de gente que crea. (De crear y de creer). Además de ello, comentaba que también recibía respuestas un poco más positivas como: “Yo le voy a hacer ganas, pero no creo que lo logremos” o “No importa qué digan, hagámoslo”. 4. No renuncies hasta lograrlo. Otto hacía énfasis en que esta situación puede cambiar, ya que se puede abandonar una idea si no funciona, pero hay que seguir con las ideas en las que se confía. 5. Repetir hasta que funcione para siempre.

Es una diseñadora gráfica, enamorada del lettering y de las artesanías. Ha sido parte de Estudio A2 desde 2011, graduada de la Licenciatura de Diseño Gráfico de la Universidad de San Carlos de Guatemala. Actualmente trabaja en MILKnCOOKIES y ha trabajado para revista RARA, Cincoveinticinco y el IGA. Reconocimientos Ganadora del Análisis de Portafolios en Behance de Guatemala. Realizó el diseño del afiche y etiquetas para el empaque de la cuarta edición de Revista RARA.

CINDY RUANO LETTERING

TALLER

“HISTORIAS, TIJERAS Y LETRAS”. Cindy comenzó aclarando la diferencia entre lettering y tipografía. Lettering es una palabra que se escribe de una forma determinada y que no puede reproducirse tantas veces como una tipografía digital. Hizo especial énfasis en que la legibilidad es importante, ya que el lettering no es arte, no se trata de intentar y ver qué interpretan los demás, sino debe leerse adecuadamente y más aún si es para los clientes. Destacó la importancia de definir la prioridad que tienen unos textos sobre otros o la jerarquía con los elementos adicionales. Posteriormente recomendó que es importante intentar realizar composiciones con los objetos, intervenirlos y que sean parte del diseño. También habló sobre su más reciente proyecto: un libro escrito por ella, el cual trata acerca de salir de la zona de confort. Luego de la presentación, Cindy invitó a los presentes a pensar en alguna frase que los identificara individualmente, para luego tomar los materiales con los que les gustara experimentar y a realizar un cartel con lettering, de los cuales, ella iría dando su opinión acerca de dónde podría mejorarse la técnica de cada uno de los asistentes.

Taller

“HISTORIAS, TIJERAS & LETRAS” Por: Cindy Ruano

Materiales utilizados para 30 personas: 100 Hojas de papel bond 30 Pliegos de papel kraft 30 Piezas de yeso 120 Marcadores de colores 30 Marcadores negros biselados 5 Tinteros negros 30 Pinceles 30 Lápices

Paso 2

Paso 1 Aclaraciones

Piensa

Paso 3

AnalizaM

Ahora, ¿Cómo puedes comunicar tu frase con letras? y ¿Qué tipo de letra, color, forma y tamaño usarías para representarla en su máxima expresión?

Paso 4

ateriales

Elije los materiales más adecuados a utilizar para realizar tu composición de lettering.

Paso 6

Paso 5 Realiza

Resultado

Realiza una composición del lettering utilizando la frase que pensate y los materiales que elegiste. Recuerda que es importante jugar con los objetos, intervenirlos y que sean parte del diseño.

Cindy Ruano Tr abajo de: Cindy Ruano

Ambos se dedicaron al Diseño Gráfico, sin embargo Kevin continúa sus estudios y ha participado en varios eventos de diseño; entre ellos el Festival de Diseño CAPIUSA. Por otro lado, Linda es una profesional del Diseño Gráfico que, al igual que Kevin ha participado en varios eventos de diseño como lo es Festival Antigua, entre otros.

LINDA CANO Y KEVIN MORALES DISEÑADORES

MI PRIMERA

CONFERENCIA DISEÑADOR ¿NACE O SE HACE?

MUSAC, 12:00 – 13:00 horas. Contamos con la presencia de Kevin y Linda, dos jóvenes entusiastas que nos dieron algunos consejos para poder incrementar nuestra creatividad y diseñar de una mejor manera. Ambos decían que la creatividad no existe sin cultura general; la cual se debe incrementar en todos los sentidos: internet, la familia, los amigos, lo fashion, los museos, fiestas, música, etc. Todo esto ayuda a conocer un poco del contexto que rodea al diseñador. Existen dos procesos creativos según Linda y Kevin: Uno es expuesto por la Academia de Creatividad: Creatividad + Referencias + Draft + Acción. El segundo es expuesto por ellos y es: Acervo + Creatividad + Draft + Acción, de lo cual, los primeros dos elementos determinan un espacio de bocetaje corto, lo que conlleva al ahorro de tiempo. Hicieron énfasis en aceptar el conocimiento y tener la mente dispuesta para nuevas experiencias. Por último, mencionaron que el diseñador debe ser aprendiz antes de formarse individualmente en el mundo de los negocios profesionales. Esto se puede dividir en lo siguiente: • Trabajar para tener experiencia. • Conocer un poco de todo. • Volverse emprendedor.

EXPO RAYARTE Imagen: Byron Zúñiga

Rayarte 2015, llenó de arte y diseño las mentes de todos los asistentes a este increíble congreso con la Galería de Arte y las exposiciones de distintos artistas gráficos guatemaltecos jóvenes y con mucho que expresar. Byron Zúñiga, es un creativo e ilustrador gráfico guatemalteco quien tuvo la oportunidad de trabajar en Studio C y Black Sheep Studio e ilustró para la revista FlashGT en la edición 12 y 13. Participó en concursos de ilustración logrando el primer lugar. Y ha creado personajes utilisados en videojuegos para móviles. El estilo de Zúñiga se caracteriza por la mezcla del realismo con el surrealismo influenciado por el comic. Su proyecto editorial Amorfo Comics fue presentado en la Expo Comicon Guatemala 2015.

Debbie Medina es una fotógrafa profesional, trabajó en AMBUSH Studio. Ha expuesto sus trabajo en Prisma, Guatefoto, Imaginatoria, entre otros. Realizó su práctica profesional en la Escuela y Centro de Fotografía, La Fototeca. Es una persona que expresa sus ideales y opiniones tal como lo demuestra su trabajo. En sus fotografías busca experimentar diferentes tipos de escenarios, para crear un significado oculto que va más allá de una simple imagen cuidando cada detalle.

DEBBIE MEDINA

Foto: Debbie Medina

BYRON ZÚÑIGA

Imagen: Sophie RF

Sofía Ramírez, es una joven de 21 años que le entusiasma la lustración y diseño gráfico. Desde niña encontró paz en dibujar y expresar sus ideas. Sus ilustraciones usualmente se basan en la inspiración musical, la sensualidad y el misticismo de la mujer. Ha mostrado gran talento, su evolución como artista y su crecimiento como persona.

SOPHIE RF

SARAH MÜLLER

Foto: Sarah Müller

Sarah Caroline Müller es una fotógrafa profesional adicta a viajar por el mundo y trabaja independientemente. Su interés por la fotografía empezó desde pequeña y aprendió empíricamente, con una cámara análoga. Ha expuesto su trabajo en la Antigua Guatemala y en la Capital Metropolitana.

Imagen: Samael Solórzano

Es un estudiante de diseño gráfico en la Universidad de San Carlos de Guatemala. También trabaja como ilustrador y y diseñador independiente siendo un explorador del subconciente. Su trabajo se concentra en explorar las ideas que nacen en cada momento. Para él dibujar es una forma de meditar, el dibujo le ha enseñado a tener paciencia, disciplina y a fusionar su profesión con lo que ama realizar.

Es un fotógrafo guatemalteco, apasionado desde muy temprana edad. Inicio tomando cientos de fotografías en blanco y negro, realizando el proceso de revelado por sí mismo lo que constituyó para él un proceso de aprendizaje más enriquecedor. Confía en sus capacidades y en el equipo de fotografía que maneja. Disfruta de conocer a nuevas personas, de fotografiarlas y lo más gratificante: el momento cuando les muestra su trabajo finalizado, su mayor satisfacción.

CARLOS AYERDI

Foto: Carlos Ayerdi

SAMAEL SOLÓRZANO

Imagen: Guillermo Chang

Es un ilustrador surrealista guatemalteco. Trabaja actualmente en 4am Saatchi & Saatchi como Director de Arte. Ha realizado colaboraciones con el fotógrafo Eny Roland en la muestra benéfica “Arte en Mayo” de la Fundación Rozas Botrán. Galardonado en Cannes recibiendo el “Silver Creative Use of Technology: Activation by location or proximity” y “Bronze Mobile Applications”. Así como dos premios bronces y uno de plata en el Ojo de Iberoamérica.

GUILLERMO CHANG

Los artistas expuestos, son jóvenes a quienes les apasiona el mundo del arte y el diseño, puedes apreciar más de su trabajo buscándolos en las redes sociales.

FRASES “Es importante para los diseñadores que vean en la línea lo que otros no ven”. Light Andrade

“La práctica lo es todo, sin práctica no hay nada.” Serge

“No solo necesitas talento, necesitas ganas.” Otto Gramajo

“No se rindan, yo sé que trabajar o hacer fotografía aquí en Guate a veces es difícil, pero no es imposible”. Anna Warren

“Yo soy artesano, me voy formando y adaptando al cliente”. Herber Crispin

“Esta vida no me puede ganar”. Futura

“Es importante desarrollarse en ambientes con personas creativas.” Serge

“Con dibujitos se entiende mejor”. Wilker Velásquez “Vale más un fracaso memorable que un éxito mediocre”. Pupila

“No digas que no dibujas, cualquier garabato puede ser un personaje”. Zapato Verde “Hay que buscar soluciones distintas, llamativas y funcionales.” Serge

“Si no hay límites con el presupuesto para hacer un proyecto, no deben limitarse a sí mismos.” Pupila Estudio

PATROCINADORES

ยกGRACIAS A TODOS POR RAYARSE!

Agradecemos a todos los catedráticos que nos apoyaron, quienes día con día se esforzaban por guiarnos en el desarrollo de este proyecto. A cada una de las personas que nos acompañaron el día del evento: ¡mil gracias! ¡Esperamos se la hayan pasado tan bien como nosotros! A todos los patrocinadores que colaboraron con insumos muy importantes para las conferencias y talleres. ¡Les agradecemos mucho! Y a cada integrante de las comisiones, incluyendo representantes. ¡Gracias a todos por el esfuerzo y el empeño que colocaron en el proyecto! Rayarte 2015 no hubiera sido lo mismo sin todos ustedes. ¡Muchísimas gracias! ¡Rayarte no sólo es nuestro, es de todos! ¡Nos vemos en el próximo Rayarte!