Especial HDC: The Beatles

ESPECIAL “HISTORIAS DE UNA CANCION”

UN PUÑADO DE CANCIONES… SUS HISTORIAS OCULTAS DETRÁS DE CADA ACORDE Y FRASES

LUIS MANCILLA B. Historias de una canción: THE BEATLES

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Para los fanáticos de siempre…

Para los amantes de la mejor banda del mundo…

1° (y única) Edición: Enero 2012 Luis Mancilla, 2011

Ediciones “La Tijereta Cósmica” Gamboa Alto, s/n, Castro – Chiloé Impreso en Chile por “Almendra Impresiones”

Historias de una canción: THE BEATLES

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INTRODUCCIÓN

Ya son 3 años del blog “Historias de una Canción”, y hay un camino largo y serpenteante detrás de los editores y las personas que permiten que ese rincón web siga en funcionamiento y actualizándose día a día (bueno, a veces semana a semana). Por ello, y con la felicidad de un logro obtenido con las buenas nuevas que van llegando como los frutos que se cosechan en el verano es que queremos dejarles a nuestros lectores el primer especial o recopilatorio de estos años en vida.

Y qué mejor que empezar por The Beatles, la banda que cambió el rumbo del rock y de la industria musical en los 60’s.

Quizás la banda favorita de muchos de nuestros lectores, y además el pilar fundamental donde todo estudioso de la historia del rock debe pararse antes de entrar a los ruidosos 70’s.

John, Paul, George y Ringo empezaron en lo musical casi de la nada, y simplemente motivados por esos sonidos nuevos que salían del parlante de una vieja radio de Liverpool. En esos nuevos sonidos quedaron impactados por los pianos furiosos, las demoniacas guitarras y los bailes censurados en una sociedad conservadora. Hablamos de los Chuck Berry’s, los Jerry Lee Lewis, Los Elvis o los Buddy Holly entre tantos otros mas, que fueron sus inspiradores. Pero estos cuatro muchachos no se quisieron quedar como una simple banda de “covers” ni tampoco quedar con los brazos cruzados bajo una formula intacta para hacer hits, sino que estos cuatro muchachos quisieron hacer una nueva carretera en el rock and roll y empezaron a usar sus influencias en sus nuevos conceptos que tenían del naciente género musical llevándolo más allá.

Hay un detalle que muchos dejan de lado, pero cuando escuchas la versión desgarradora y casi llegando a la locura de “Twist and Shout” en su primer LP ya te das cuenta que estos cuatro tipos pensaban distinto al resto de los músicos que andaban dando vuelta por los escenarios. No la dejaron intacta a la original, modificaron sin tapujos los acordes, levantaron las voces y le dieron una estructura que llamaba al desorden, al cambio radical de los fundamentos del blues paras ese entonces. Desde ese momento, creo yo, The Beatles marcó la cancha, y paso a paso demostraron que sus composiciones originales serían de miedo.

De esa manera aparecen piezas llamativas como “All My Loving”, “She loves you”, o la sorprendente “I Feel Fine”, donde la firma McCartney- Lennon revolucionó al mundo entero, dejando a toda una juventud con el pelo estilo príncipe y coreando el “Yeah, yeah” a viva voz.

Pero a mitad de los 60’s, y con una ola de bandas que le seguían la moda y combinaban sus acordes, The Beatles se cansaron de no ser escuchados en sus conciertos y de pasar mas tiempo con la policía que con sus familiares, y decidieron establecer como búnker creativo los estudios Abbey Road. Y aquí aparece todo el fenómeno de la experimentación y el abuso con los ácidos para buscar inspiraciones y sensaciones nuevas con el fin de capturar una canción. Empiezan las letras oscuras, las guitarras dobladas en retroceso, el apoyo de George Martin y su orquesta y la búsqueda de un arte cambiante, de no intentar siempre con la misma fórmula, de ir mas allá del cielo de diamantes.

Pero se iban los 60’s y también se iban los Beatles, y todo por culpa del máldito dinero y su gusto por confundir la música con la empresa. En ese momento, cuando las deudas hacían esa sensación de no saber donde ir es que sacan nuevamente sus guitarras y revolucionan al mundo con discos llenos de clásicos y con ganas de empezar nuevamente a entonar esos viejos acordes delblues, pero en una etapa mas madura y con experiencias nuevas.

Se fueron los 60’ y se llevó a The Beatles, y el mundo entero casi se cae de espaldas. Llegaban los místicos 70’s y la gente buscaba un remplazante pero era básicamente innecesario: La leyenda y su legado era mas fuerte.

Por ello, hoy decidimos entregarte un pedazo de la historia de esta banda de Liverpool, pero de manera muy especial: Seleccionando un uñado de cancones que básicamente no son los hits mas coreados, ni tampoco los que pasan en las radios sino que 19 canciones que reflejan el otro lado de la banda, y quizás contienen historias mas ricas que los hits comerciales que todos se saben.

La selección no fue fácil, ya que son casi 40 entradas dedicadas a The Beatles, y la selección llevó muchos días en hacerla efectiva y tomar buenas razones para incluir esta y desechar esta otra.

Historias de una canción: THE BEATLES

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Esto sería algo así como un compilado casero donde cada canción tiene una historia y una esencia distinta, que la hace brillar por si sola con detalles buenos o malos. Por eso, y bajo nuestra mirada musical hemos decidido entregarte este especial, hecho con cariño para los fanáticos de esta banda y para aquellos que se quieran unir al club, el Club The Beatles.

Vamos, el submarino amarillo los espera para este mágico y misterioso viaje!

Luis Mancilla B. (Jimmy Jazz)

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IN SPITE OF ALL THE DANGER (Paul McCartney / George Harrison)

Voy a cuidar de ti Como nadie lo ha hecho antes Seguiré a todos esos otros Que deseen tocar tu puerta…

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"In Spite of All the Danger" es una canción de la banda inglesa The Quarrymen, que fue grabada en el año 1958. Si no le suena el nombre de la banda, quizás si le suenen los nombres de algunos integrantes de esta agrupación oriunda de Liverpool: En guitarras estaban John Lennon, Paul McCartney y George Harrison, quienes ya en ese entonces, en su etapa adolescente, estaban probando suerte en varias fiestas y tertulias culturales mostrando su talento y sus ganas de hacer rock and roll. Junto a los futuros Beatles, completaban la banda John Lowe en piano y Colin Hanton en batería.

Si bien, en un principio la banda (que llevaba ese nombre en honor a la Quarry Bank High School, del cuál Lennon era alumno) tocaba música skiffle, con la llegada de Paul y George dieron un giro musical importante y decidieron poner sus chaquetas de cuero y darle duro al rock and roll con una actitud de rebeldía que dejó a muchos espectadores con la boca abierta. Posteriormente el tiempo les daría la razón...

La historia cuenta que en el verano del año 1958, John Lennon llegó a la sala de ensayo con una buena noticia para sus compañeros de banda: Había logrado arrendar un pequeño estudio de grabación ubicado en el 38 de Kensington, Liverpool donde el productor Percy Phillips los estaba esperando con los brazos abiertos. Así que pescaron sus instrumentos y partieron a tomar el autobús, mientras que el baterista tuvo que arrendar una camioneta a algún vecino para llevar sus tambores y platillos.

Al llegar al estudio "artesanal" del señor Phillips, la banda tuvo que esperar casi un hora, ya que la sala estaba ocupada por otro "artista" que buscaba un demo para la fama. "Esperamos a que salga esa persona y entramos a esa pequeña sala, donde estaba el productor junto a una vieja cabina de control. Este nos preguntó con mucha energía 'Bueno, ¿qué van a hacer? Asi que corrimos a ordenar la batería e instalar los equipos y en un cuarto de hora ya teníamos grabadas nuestras canciones" recordaría años después Paul McCartney.

Por sólo 17 chelines y 6 peniques, los Quarrymen tuvieron acceso a grabar dos canciones, y la oportunidad la aprovecharon al máximo. A pesar de que las condiciones técnicas del estudio eran muy pobres, la banda quería mostrar su talento y además querían sentirse famosos, grabar su demo y escuchar sus voces en el tocadisco de sus casas, esos donde cada tarde después de la escuela o en las tertulias familiares acompañaban el ocio tocando los singles de Elvis, de Holly, de Berry o de Little Richard. Pero esta vez sus familias escucharían a los Quarrymen...

Para la cara A, se grabó una versión del clásico de Buddy Holly, "That'll Be The Day", donde Lennon tomó la parte protagónica cantando de buena manera una de sus canciones favoritas. Para la cara B decidieron poner una pieza romántica, escrita por McCartney y Harrison, llamada "In Spite of All the Danger", en donde nuevamente la parte vocal se la llevó Lennon, el líder de la banda.

Sobre la dupla de compositores, resulta extraño ver a Harrison y McCartney compartiendo créditos, y de hecho el bajista de The Beatles declaró en una entrevista con Mark Lewisohn que la canción pertenecía simplemente a su pluma: "Se dice que la escribí junto a George, pero creo que en realidad fue escrita completamente por mí, y George sólo tocaba el solo de guitarra! Pero eramos compañeros de banda y no había peleas por derechos de autor porque ni sabíamos que era eso. Quizás lo pusimos en los créditos a George, porque él hizo el solo de guitarra" La canción contaba con un sonido muy similar a los éxitos de Elvis Presley, quien en esos días era la estrella del rock que hacía bailar a todo el mundo. Paul descubrió la música de Elvis a los 14 años cuando en un campamento, junto a su grupo de Boy Scouts, uno de sus amigos pescó la guitarra y Historias de una canción: THE BEATLES

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empezó a cantar las canciones de ese "mesías" del rock. Desde ese momento, todas las canciones que escribía el joven Paul estaban influenciadas por el "rey del Rock".

Ambas canciones fueron editadas en un vinilo de 10 pulgadas, ya que esa era la oferta del día en el estudio de grabación. Debido a la falta de dinero, la banda sólo pudo comprar una copia, y ahí vino el dilema sobre quien se iba a quedar con ella. Tras una larga conversación, los Quarrymen decidieron que cada integrante iba a tener el disco por una semana. El primero que lo llevó a su casa fue Lennon, ya que era el líder de la banda. Luego le tocó el turno a Paul, una semana después fue George quien se lo enseñó a su familia. Luego pasó a las manos de Colin y finalmente, el disco fue a parar a la casa de "Duff" Lowe, quien lo tuvo en sus repisas por casi 23 años.

Obviamente tras el éxito mundial de The Beatles, tener una cinta original y además poco conocida para la fanaticada de los fab-four, era tener un tesoro buscado por muchas manos y de un valor único y a la vez muy alto.

"Duff", que llegó a los Quarrymen tras ser compañero de escuela con McCartney y que fue reclutado por este tras escucharlo tocar parte de "Mean Woman Blues", siempre mantuvo la calma y pese a que varios periodistas le ofrecían altas sumas de dinero para tener acceso a ese disco, mantuvo un bajo perfil hasta que en el año 1981 decidió salir del anonimato y dar a conocer ese vinilo, que pertenecía a la pre-historia de la banda que revolucionó la historia musical y social del Siglo XX. En esa ocasión, Lowe le enseñó el "demo" un periodista del suplemento Sunday Times y de paso le dió una entrevista entregando varias "joyitas" sobre el inicio de The Beatles y su participación en el humilde origen de esa banda que tuvo al mundo a sus pies. En esa entrevista, además de dar datos sobre la banda, Lowe declaró que la cinta iba a ser rematada al mejor postor. Así que varios millonarios ya empezaban a tocar sus bolsillos y a esperar la fecha...

Pero una semana después de esa entrevista, Lowe recibió una llamada telefónica a su hogar: Era su amigo Paul McCartney y el motivo de esa conversación era el disco de los Quarrymen. "Fue un domingo a mediodía, y justo me encontraba en la casa de mi madre en Liverpool. Sonó el teléfono y era Paul. Quería conversar sobre ese disco, asi que pasamos varios minutos charlando sobre esa época hasta que me dijo seriamente que quería comprarlo. En esos días yo estaba viviendo en Worcester, asi que a esa dirección envió a su abogado y a uno de sus gerentes de su empresa para que cerraramos el trato. Luego fui a una sucursal del Barclays Bank y en una pequeña maleta puse el dinero que había depositado a mi cuenta por el trato acordado" señaló Lowe en el libro A Hard Day's Write, de Steve Turner.

Sobre la suma depositada por Paul a la cuenta de Lowe jamás se habló y quedó como uno de los secretos mejor guardados en la historia Beatle. Pero varios medios británicos señalaron que en una primera instancia Lowe rechazó una oferta inicial de 5.000 libras, asi que lo pagado por Paul no fue algo que lo dejó muy felíz, pero a la vez recuperaba de manera perfecta una cinta importante para la historia de la banda y que tenía que estar en sus manos sí o sí.

Una vez que lo tuvo en sus manos, Paul decidió remasterizar y restaurar las dos canciones de su antigua banda. Además, decidió grabar 50 copias de ese single para repartirlas a sus familiares, a los demás Beatles y a varios amigos que en ese entonces estaban cerca de los Quarrymen.

Obviamente Lowe recibió una copia de ese disco....

En 1995 la fanaticada de los Beatles por fin pudo tener acceso oficial a "In Spite of All the Danger".

Bajo el proyecto "Anthology", esta canción estuvo ( o tenía que estar) dentro del repertorio como una de las piezas históricas para reflejar los orígenes de esta banda. Por ahí andan rumores de que bajo la remasterización de la cinta Paul editó algunos versos y además hizo que el coro tuviera una repetición más. Lamentablemente, "Macca" nunca ha mencionado si hizo o no tales arreglos a la cinta con el fin de depurar el sonido de un disco que estaba en mal estado debido al paso de los años.

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CRY FOR A SHADOW (John Lennon / George Harrison)

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"Cry for a Shadow" es una instrumental que fue grabado un 22 de Junio del año 1961 y que tuvo su aparición oficial recién en Noviembre del año 1995 cuando fue incluida dentro del famoso proyecto musical Anthology 1, que reunía un buen material de rarezas musicales y entrevistas sobre el periodo pre-Beatle. La historia cuenta que en Junio del año 1961, The Beatles habían vuelto a tocar en varios bares de mala muerte en Hamburgo. En esas extensas sesiones musicales, ellos entrenaban cada día un nuevo repertorio mezclándolo con re-versiones de los clásicos del rock and roll que sonaban en ese momento.

En una de esas actuaciones les tocó compartir escenario con sus compatriotas de Rory Storm and the Hurricanes (donde la baterista era el señor Ringo Starr). Antes de salir a escena, y mientras afinaban sus guitarras, el cantante Rory Storm le preguntó a un tímido George Harrison si se sabía los acordes de los recientes hits de la banda The Shadows, como "Apache" o "Frightened City". De inmediato Harrison empezó a improvisar unas cuantas notas en su "viola", pero dentro de ese invento de acordes encontró una melodía simpática, simplona pero eficaz para tocar en alguna presentación. A medida que pasaron las actuaciones y los ensayos, ese instrumental fue arreglado por Lennon y pasó a ser bautizada como "Beatles Bop".

Pasaron unas semanas, y The Beatles (que en ese entonces se llamaban "Silver Beatles") fueron contactados por el productor Bert Kaempfert, que trabajaba en esos días con cantante inglés Tony Sheridan, quien se encontraba en tierras alemanas con el fin de grabar un disco pero no tenía una banda de apoyo. Así que Paul, George, John y el baterista Pete Best decidieron probar suerte y agarrar experiencia bajo el nombre de"The Beat Brothers".

Sheridan y sus cuatro compatriotas (los cuáles se declaraban fanáticos de este cantante y lo apodaban cariñosamente "Teacher") firmaron para el sello Polydor y de inmediato empezaron a trabajar, ocupando como estudio de grabación una sala de actos de una escuela básica en Hamburgo.

Un 22 de Junio de 1961, y tras una agotadora sesión de grabación del repertorio de Sheridan, el productor les dejó un espacio a los Beatles para que grabaran alguna que otra canción que tuvieran preparadas. Así que los cuatro chicos de Liverpool decidieron grabar su fantástico cover del clásico "Ain't She Sweet", y un instrumental acreditado a Lennon - Harrison llamado "Beatles Bop", y que tras escuchar el resultado final pasó a ser bautizada como "Cry For A Shadow", que era una arreglada versión de esa improvisación creada por Harrison para demostrar su fanatismo por las canciones de The Shadows y que contaba con unos llamativos gritos en la voz de Paul y John.

En el documental del Anthology, Harrison declaró sobre esa sesión de grabación: "Para nosotros era algo decepcionante, porque teníamos esperanza de firmar un contrato como banda con algún sello. A pesar de que grabamos Ain't She Sweet y el instrumental Cry For A Shadow sin Sheridan, no pudimos registrarlas con el nombre de la banda”. Desde ese día en que la grabaron, este instrumental quedó perdido en alguna cinta del sello Polydor, hasta que en el año 1964, cuando todo el mundo bailaba y giraba por medio The Beatles, los empresarios del sello Polydor se colgaron de la fama de los fab-Four y lanzaron un single de apoyo a Sheridan, con la canción "Why" y en el lado B presentaron este instrumental de The Beatles, el cuál ya era una rareza para los fanáticos. Este single fue lanzado en Marzo de 1964 en el Reino Unido y en Estados Unidos, y obviamente provocó cierto enojo del manager y los integrantes de la banda ya que sentían que se estaban aprovechando de su fama, y con eso podían vender y promocionar los discos de sus artistas bajo la promoción de ese material hasta ese entonces inédito en tierras británicas.

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En 1987, Harrison se dió el tiempo de analizar esta canción, hablar sobre su fanatismo por los Shadows y poner uno que otro dato interesante para la fanaticada: "En Hamburgo teníamos que tocar por varias horas, y eso llevó a que tocáramos "Apache". Un día, mientras jugábamos e improvisábamos melodías con nuestras Rickenbacker, y le cambiábamos acordes a esa canción de los Shadows apareció esta melodía divertida, que había sido ideada por una improvisación días atrás. La arreglamos y la empezamos a tocar en las actuaciones" "Cry for a Shadow" vendría siendo el reflejo de lo que después sería esta banda para el mundo.

Aqui demostraban que de sus influencias musicales, que era tan variada, podían crear melodías llamativas y de alto calibre musical. Si bien, este instrumental puede sonar vago, simple o como algo de relleno, hay que destacar que en esa época, donde las bandas solo hacían y sobrevivían a punta de covers, Los Beatles ya empezaban a marcar la cancha y a crear música, que con el paso de tiempo los dejó como una de las bandas de rock and roll mas famosas de todo los tiempos.

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I’LL FOLLOW THE SUN (John Lennon / Paul McCartney)

Un día tú me buscaras Y verás que me he ido Pero mañana capaz que llueva Entonces, seguiré el sol…

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"I'll Follow the Sun" está incluida en su LP "Beatles For Sale", publicado el 4 de Diciembre de 1964 y que tuvo un gran éxito en las listas.

Tras estar sumergidos en las giras, conferencias de prensa, viajes y otras cosas, lo que menos tiempo había era para grabar canciones nuevas y originales.

En plena "Beatlemania", las cosas se ponían mas que difíciles y por ello este disco cuenta con una batería de elegantes y moldeadas versiones de clásicos de sus artistas favoritos como Chuck Berry, Buddy Holly y Carl Perkins entre otros. Por ello, "Beatle For Sale" marca un periodo en que las discográficas querían sí o sí lanzar discos en las fiestas de fin de año, y además nos trae a un John Lennon que poco a poco iba haciendo de sus letras un canto autobiográfico.

Las sesiones de grabación de este LP empezaron en Agosto de 1964, y era tan el poco tiempo que pasaban ensayando o componiendo que en algunos casos Lennon y McCartney tuvieron que ir en busca de esas viejas canciones que tenían guardadas cuando simplemente eran una banda que tocaba en Pubs y bares de mala muerte en Hamburgo y en Liverpool. Una de esas canciones rescatadas fue la balada "I'll Follow The Sun", que dara del año 1959 y que era uno de los primeros registros bajo la firma "Lennon-McCartney".

La historia cuenta que esta melancólica canción fue escrita por Paul McCartney mientras pasaba sus vacaciones de invierno en la casa de un familiar en Allerton, Liverpool. "La escribí en un salón que daba de frente con el camino a Forthlin. Yo tenía apenas 16 años, y escribí "I'll Follow The Sun" una mañana en que me levanté temprano. Recuerdo que venía saliendo de un fuerte cuadro gripal, y que tenía un cigarrillo - Yo fumaba desde los 16 años- de esos de algodón. Mientras estuve enfermo no fumé, pero cuando me sané y probé nuevamente un cigarro fue terrible, más si era de algodón. Bueno, recuerdo estar mirando por la ventana en ese salón, con mi guitarra y escribí la letra de una" comentaría años después Paul en una entrevista con el historiador inglés Mark Lewisohn.

Si bien la fecha exacta nadie la sabe, o simplemente la memoria fue frágil, al parecer entre Mayo y Junio de 1960 (pre-historia Beatle) aparece la primera versión de esta canción en una grabación casera hecha en el baño de la casa de McCartney, que al parecer era un lugar con una acústica formidable. En esa sesión McCartney, Lennon y Harrison tocaron las guitarras acústicas y Stuart Sutcliffe estaba en el bajo. En ese audio que ya es un registro histórico, y que estaba en manos de Peter Hodgson y que fue comprado en 1995 por McCartney, traía una versión distinta en cuanto a sonido y gran parte de la letra (debido a la mala acústica del lugar y por ser algo casero, es muy difícil captar la letra en su totalidad). Además traía un acto de guitarra en manos Harrison que si bien era simple también contenía un especial arreglo con tintes Perkins, y eso que en aquellos años eran "amateurs".

Ahora, en cuanto a los créditos parecía raro que ya en ese entonces apareciera acreditado Lennon, que al parecer en esos años no tuvo ningún acercamiento con la "rola", pero igual la gente quería saber si ambos músicos crearon esta melodía tras bambalinas. De hecho, tras publicar el "Beatles For sale", Paul declaró en una entrevista "John y yo escribimos esto hace mucho tiempo, pero decidimos cambiarle la melodía de ocho compases antes de grabarla". Pero en 1980 y en la famosa entrevista con la Playboy, John Lennon se desmarcó de los créditos, diciendo: "Esto es de Paul. No se que más puedo decir...'Tomorrow may rain so I'll follow the sun.' Es de las primeras melodías de McCartney, ya sabes... Escrita antes de ser The Beatles, creo. Había muchas cosas de esos años".

Con eso queda claro, que la pareja de compositores también hacía cosas por separado incluso antes de formalizar la banda. Lo cuál es un dato interesante, y esta canción es un buen ejemplo y a la vez poco comentado.

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Tuvieron que pasar 4 años para que la banda decidiera grabar de manera formal esta balada. La tarea no fue tan fácil, ya que tenían que hacer algunos arreglos musicales y adecuar la letra, que al aparecer estaba muy pobre de metáforas. Mientras pasaban las semanas, y la gerencia del sello de grabación apresuraba a la banda, Paul y John se dieron la tarea de hacer los cambios musicales, y el resultado final fue notable. Una pieza con aroma a folk, bajo un manto musical agradable y una parte instrumental de alta calidad. Con un Harrison, sueño de punteos simples pero muy influyentes, dando un toque especial a su guitarra que al parecer, también quería seguir al sol.

Antes de incluirla en el disco, y como una forma de ir ya promocionándolo, la banda decidió interpretar esta pieza en un programa radial de la BBC llamado Top Gear. Dicha aparición fue grabada un 17 de noviembre de 1964, y fue transmitido recién el 26 de noviembre, dejando a muchos fanáticos con la boca abierta, tras escuchar un nuevo material Beatle.

Finalmente un 18 de Octubre de 1964, en los estudios de Abbey Road, fue grabada de manera oficial "I'll Follow the Sun", en tan sólo ocho tomas, donde la ultima versión fue la elegida ya que era la que usaba las guitarras eléctricas y contenía la base melódica total.

En lo que se refiere a percusión, hay un dato interesante puesto que Ringo dejó un rato su batería e hizo sonar unas cajas de cartón y grabó palmas. Sobre la actuación del baterísta, Paul recordaría años después: "No queríamos caer en la trampa popular de que todas las canciones sonaran igual en un disco, algo así como le pasaba a las Supremes, por lo que queríamos hacer una instrumentación variada. Ringo no podía seguir tocando lo mismo en batería en todo el disco, por lo tanto decidimos que toque una caja de cartón o que se coloque de rodillas y haga palmas"

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I DON’T WANT TO SPOIL THE PARTY (John Lennon / Paul McCartney)

Me he tomado un trago o dos Y no me importa No me divierto si ella no está acá conmigo…

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"I Don't Want to Spoil the Party" fue incluida dentro del disco Beatles for Sale, que fue lanzado en el Reino Unido en Diciembre de 1964 y un año después en el álbum Beatles VI, que fue hecho exclusivamente para Estados Unidos en 1965. Para promocionar el disco en tierras norteamericanas, esta canción fue publicada el 15 de Febrero de 1965 como lado B del single que incluía a la aclamada "Eight Days a Week".

Era 29 de Septiembre del año 1964 y The Beatles se encontraba en los estudios Abbey Road grabando el que sería su cuarto álbum musical.

Lennon y McCartney ya tenían el repertorio casi hecho, y solo faltaba una canción por grabar, esta se llamada "I Don't Want to Spoil the Party" y se caracterizaba por ser una melodía muy triste que contrastaba con las alegres canciones de antaño que cubrían su fama mundial.

La historia cuenta que por eso días antes de entrar a grabar el disco, Lennon ya trataba de incluir en sus letras sus duras reflexiones sobre la vida marcada por la frustración de una juventud muy pesada y marcada por problemas familiares. Ante todo ese extraño contexto, John se encontró en el estudio con un Ringo Starr que quería incluir en este disco una canción con sabor a "Country", que era uno de los estilos musicales favoritos del baterista en el cuál ya estaban experimentando.

Ante todo eso, Lennon intentó mezclar esas dos ideas...

Asi fue como llegó a la canción, y mientras buscaba nuevas canciones para el cuarto disco de la banda, Lennon se encontró con el disco que contenía "It's My Party" de la cantante estadounidense Lesley Gore. Por esos días de 1964, esa alegre y pegajosa canción era todo un hit entre la juventud y en los medios de comunicación sonaba a cada rato, pero mr. Lennon la odiaba.

Su plástica y simple letra, hizo que Lennon no se sientiera parte de la fiesta de Gore y empezó a escribir una canción que iba en sentido contrario a esa melodía popular.

Bajo unos acordes ligados a la música Country, Lennon empezó a escribir una letra donde dejaba muy en claro sus penas y conflictos juveniles escondidas dentro de una historia sobre un hombre que está en una fiesta (quizás la fiesta de Lesley Gore!!) y a la vez espera la llegada de su novia.

Pasan las horas y la chica nunca llega, ante eso simplemente pesca sus cosas y se marcha con el corazón destrozado y la cabeza baja para no estropear esa fiesta donde todos la pasaban bien, menos él.

Años despues, Lennon diría en una entrevista que "I Don't Want to Spoil the Party" era una canción muy personal y trataba sobre sus frustraciones con respecto a la fama. Además, el músico añadió que la idea de cantar la canción y no dejarla para la voz de Ringo se debió a que " en esos días yo tenía menos material musical que Paul por que este era mas bueno en la guitarra, y en verdad, él me enseñó muchos trucos en la guitarra. Debido a eso, y sumado el contenido de la letra, decidí cantar esta canción".

Mientras tanto, Paul confesó en su biografía, Many Years From Now, algunos datos muy interesantes sobre la canción, en especial sobre el hecho de que Ringo se quedó con los brazos cruzados esperando cantar: "Ringo tenía un gran estilo y era muy entregado dentro de la banda.

Por eso, siempre los fans esperaban algo de él, por lo que siempre le escribíamos una canción para que la cantara."I Don't Want to Spoil the Party" era la canción, y sonaba muy linda y fue co-escrita por John y yo. Aunque suena más a John, ya que él hizo el 80% y yo el 20% del trabajo. Eso no significa que no haya sido divertido escribir esta canción, ya que era arte, y esto iba de la mano con eso, por algo Ringo hizo un buen trabajo".

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Si bien la canción logró entrar en el puesto #39 de las listas de Estados Unidos, la canción dejó muy en claro que The Beatles ya daba un paso más adelantado a comparación con la competencia.

Ellos ya empezaban a probar nuevos estilos musicales y a mezclar sus influencias de tal manera que salían "joyitas" como esta y eso ya les daba un aplauso mundial.

En 1989, la cantante de música country Rosanne Cash, hija del maestro Johnny Cash, se tiró a la piscina con una versión de "I Don't Want to Spoil the Party" y conquistó el primer lugar en el American Country chart. Eso ya lo dice todo...

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SHE’S A WOMAN (John Lennon / Paul McCartney)

Me excita cuando me siento solo La gente dice que solo me hace sentir un tonto Pero yo sé que no…

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"She's a Woman" fue lanzada como single en Noviembre de 1964, como lado B de la canción "I Feel Fine" in 1964. Este fue el ultimo single que lanzó la banda durante ese año en que la Beatlemanía lo era todo y tenían a todo el mundo imitando su manera de cantar.

Para entender el contexto con que se hizo esta canción debemos viajar al 28 de Agosto de 1964, cuando en un hotel de Nueva York los cuatro chicos de Liverpool compartieron una fiesta con el gran Bob Dylan. En esa ocasión, el autor de "Like a Rolling Stone" sacó una bolsa llena de marihuana e invitó a los cuatro Beatles a probarla, con el fin de descubrir un nuevo mundo que les ayudaría en crear canciones con otro sentido. Los más enganchados con esa movida fueron John y Paul, que quedaron muy a gusto con la experiencia y empezaron a usarla para escribir más de alguna canción.

El más sorprendido fue Dylan, ya que pensaba que los Beatles ya la habían probado especialmente por el uso de la frase "I Can't Hide" que pertenecía a la canción "I Want To Hold Your Hand" la cual estaba ligada al consumo de drogas en el diccionario suburbano del gran Bob. A partir de eso, nacen canciones tan enigmáticas como "She's a Woman", que trajo mas de alguna polémica por las metáforas que iban muy de la mano con el abuso de la marihuana.

La historia cuenta que un 8 de Octubre de ese mítico año 1964, Paul iba caminando de su casa a al estudio de grabación tarareando una melodía que vagaba por su mente desde hace varios días. Así fue como al llegar al estudio, el músico pescó su guitarra y se puso a escribir esa melodía. Luego de eso se la presentó a Lennon, y este quedó muy a gusto con los acordes e invitó a Paul a ensayarla para luego empezar las grabaciones. No podían perder tiempo, la Beatlemanía los necesitaba...

"John hizo una cosa muy buena e interesante: En vez de tocar los acordes a contratiempo decidió hacer algo muy llamativo con su guitarra. Es que mientras Ringo tocaba la caja, John lo acompañaba con un acorde de su guitarra, sonaba muy bien y dejaba harto espacio para los otros instrumentos" confesó Paul en su biografía Many Years From Now, escrita por Barry Miles. Esa sesión de grabación empezó cerca de las 4 de la tarde, y tuvieron que grabar 6 tomas para que la canción recién empezara a tomar forma.

Luego de tener ya casi hecha la música, Paul y John empezaron a idear la parte lírica. Aquí es donde empiezan las hipótesis, ya que muchos sugieren que la mujer de la cual habla Paul es una metáfora sobre la marihuana, sí muchachos y muchachas, esa misma plantita que les presentó Dylan meses atrás. Años después se destapó la olla cuando Lennon, entrevistado por David Sheff en 1980, mencionó que la frase "Turn me on when I get lonely" fue ideada por él en homenaje al consumo de porros. Más encima se sintió muy feliz de que los productores ni las radios le censuraran la canción por ese detalle.

"Esta canción es de Paul, pero hice mi contribución en algunas frases. Decidimos usar la frase "Turn me on" (en español "Me excita") y realmente estábamos muy emocionados al poner la frase "Turn Me On". Es que tú sabes, es sobre la marihuana y todo eso, y queríamos usarla como metáfora" explicó Lennon en dicha entrevista, dejando a muchos con la boca abierta.

Dejamos de lado un rato las drogas para seguir comentando esa sesión de grabación, en donde sólo estuvieron presente Ringo, Paul y John. Recién en la noche apareció George para grabar el solo de guitarra, aunque muchos especialistas dice que esa parte la tocó el propio Paul. De ahí surge el misterio si fue George o Paul el que grabó el solo de guitarra eléctrica.

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Otro detalle es que Ringo aparte de tocar la batería en esta pista, también tocó el "Chocalho", un instrumento de origen brasileño y que es muy usado en las sambas. El como llegó ese instrumentos a manos de Ringo es un misterio aún sin resolver... Mientras tanto, Paul se dedicó a grabar el bajo, el piano y la voz principal, con cierta influencia al gran Little Richard, del cual se declaraba fanático.

Con una estructura melódica simple, "She's a Woman" se grabó en un sólo día y quedó lista para ser publicada en el disco "Beatles '65", que fue lanzada por Capitol en los Estados Unidos recién en 1965. Mientras tanto, la canción fue lanzada como single y logró llegar al puesto #4 en el Billboard Hot 100, quedando como una pieza clave dentro de sus presentaciones en vivo.

Para muchos "She's a Woman" no es una pieza clave dentro de la historia de esta mítica banda inglesa, pero no hay que dejar de lado que también tiene su historia y que marcó un giro en el sonido de la banda en plena Beatlemanía, donde había que ser valiente para empezar a experimentar nuevas ideas dentro de un mundo plagado por modas pasajeras donde obviamente Los Beatles rompieron con esa línea para pasar a ser íconos culturales del Siglo XX.

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THINGS WE SAID TODAY (John Lennon / Paul McCartney)

Algún día cuando estemos soñando Profundamente enamorados, Sin nada que decir Entonces recordaré Las cosas que dijimos hoy…

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"Things We Said Today" se encuentra incluída en el disco "A Hard Day's Night", que fue publicado un 10 de Julio de 1964. Este disco fue la banda sonora del film del mismo nombre y es considerado una de las primeras joyas musicales de la banda. Con un claro y efectivo sónido acústico, la banda nos entrega un puñado de canciones memorables, donde cada una de ellas cuenta con detalles armónicos que llaman bastante la atención considerando la época.

Dentro del disco encontramos esta magnífica y sencilla pieza que enganchaba de inmediato con el crecimiento de la Beatlemanía, nos referimos a "Things We Said Today", que pertenece en un 90% a Paul McCartney pero que fue acreditada en el disco, por motivos económicos y de contrato, junto a su socio John Lennon.

La historia cuenta que esta canción fue escrita dentro de la primera semana de Mayo del año 1964, cuando Paul y Ringo se encontraban de vacaciones en las Bahamas, a bordo de un yate llamado "Happy Days ", junto a sus respectivas novias ,Jane Asher y Maureen Cox. Durante su estadía en esas islas al norte de Cuba, Paul nunca dejó de lado su oficio de compositor y se compró una guitarra para escribir unas cuantas canciones para cuando le apareciera alguna idea interesante.

Asi fue como una tarde, mientras el sol caía (?), Paul arrancó con su guitarra a una de las piezas ubicada por debajo de la cubierta del yate y empezó a escribir canciones. Mientras el yate se paseaba por esos lugares paradisiacos, "Macca" estaba escribiendo una canción llamada "Things We Said Today" , que estaba inspirada en su relación de pareja que por esos días pasaba por un duro momento ya que ambos pasaban poco tiempo juntos por diversos proyectos artísticos. De esa frustración de pareja es que salen los versos tan tristes y tan oscuros, que van muy de la mano con la música que la acompaña.

"Fue una cosa un poco nostálgica, pero una nostalgia sobre el futuro donde digo que vamos a recordar las cosas que dijimos hoy pero en muchos años más, por lo que la canción se proyecta hacía ese lado, y luego viene la tristeza por el momento que estamos viviendo en el presente, ya que todo parecía tan oscuro. Eso sí, tiene acordes interesantes" recalcó, sobre esta canción, Paul McCartney en el libro "Many Years From Now".

El 2 de Junio, en la sala dos de los estudios Abbey Road, Paul y los demás Beatles empezaron a grabar "Things We Said Today". En una dura sesión de grabación que duró casi 7 horas, The Beatles lograron grabar sólo 3 canciones, de la cuales esta pieza musical fue en la que menos se demoraron en grabar. En tan sólo tres tomas, el grupo logró dar con la melodía exacta y los respectivos arreglos. Se dice que la primera toma tuvo problemas en la parte final, mientras que en la segunda versión ya lograron depurar todos los detalles, para que en la tercera toma Paul ya grabara la segunda voz (luego la volvió a cantar para crear ese efecto de doblaje), Lennon le agregara una parte de piano y Ringo pusiera un pandero. Mientras que Harrison ya estaba listo con su parte donde interpretó de manera muy particular la guitarra.

Luego de grabar esta canción llegó el Dj Bob Rogers para realizarles una entrevista para un medio de comunicación de Australia... La Beatlemanía ya tomaba forma!!!

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YOU LIKE ME TOO MUCH (George Harrison)

Nunca me dejarรกs Y sabes que es cierto...

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"You Like Me Too Much”, firmada por George Harrison, fue incluída en su famoso quinto LP, titulado Help! (1965), que además era la banda sonora de la (extraña) película del mismo nombre.

En este disco los Beatles dejaban muy en claro que estaban madurando como compositores y a raíz de ello nos entregaron un puñado de canciones interesantes, donde el trabajo por separado y sus nuevas técnicas de grabación marcaron un ante y un después dentro de los cuatro de Liverpool.

Dentro de este aplaudido disco encontramos a un inspirado George Harrison, que decidió incluir dos canciones, demostrando gran calidad en cuanto a ideas musicales, y nada más que ante dos pesos pesados como Lennon y McCartney, los cerebros creativos de esta mítica banda.

Una de esas canciones es "You Like Me Too Much" (la otra es la simpática "I Need You"), y fue escrita durante las sesiones de grabación de este disco. En esta canción George, que su inseguridad lo llevaba a borrar muchas canciones que escribía constantemente en esos años, tuvo la ayuda de Lennon y eso funcionó a la perfección, en cuanto a lo musical. Es que esta canción iba con una especial dedicatoria a, su entonces novia, la modelo Pattie Boyd, de la cuál el tímido Beatle se declaraba enamorado hasta "las patas", y por ello cada detalle era puesto con pinzas, en especial esa parte de piano eléctrico que fue tocada por Lennon.

La historia cuenta que esta canción fue grabada un 17 de Febrero del año 1965, en una agotadora sesión nocturna en los estudios Abbey Road. Se cuenta que los cuatro de Liverpool tuvieron que grabar 8 tomas de la canción, con el fin de llegar a la estructura musical perfecta, y de gusto del autor. En esas tomas, Ringo tocó la batería, Lennon el piano electrico (el famoso Hohnet), Paul el bajo y George se hizo de la guitarra y la voz principal. Todo esto bajo la atenta mirada del señor George Martin.

Pero en esa misma sesión, mientras George doblaba su voz para lograr un efecto mas llamativo en la canción, Paul y Martin tuvieron una idea muy interesante para la introducción: Usar dos pianos distorsionados. Sí, el bajista y el productor se pusieron manos a la obra y pescaron dos pianos (el electrónico y un Steinway) y de ambos lados de la sala de estudio idearon la mítica introducción, que después sería utilizada por Bob Dylan en su canción "Temporary Like Achilles".

Otro detalle sobre esa intro es que si escuchan bien esa parte, al final, antes que empiece a cantar George, se escucha el "click" que apaga el efecto sonoro del Hohnet... Claro, no todo podía salir tan perfecto, más al ritmo acelerado en que grababan los Fab Four en esos años en que el mundo giraba con sus canciones.

Lamentablemente, la canción no quedó entre las seleccionadas para aparecer dentro de la cinta donde persiguen a Ringo por un anillo... Pero sí logró entrar en el lado B de ese aplaudido disco que nuevamente fue grito y plata para las arcas de una de las bandas que marcó la cancha dentro de la historia del Rock y, por qué no, del Siglo XX con sus magníficas creaciones musicales y toda la revolución que provocó en los 60's.

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IF I NEEDED SOMEONE (George Harrison)

Si tuviera un poco mas de tiempo Supongo que estaría contigo, mi amiga...

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"If I Needed Someone" está incluída en el "Rubber Soul", la sexta placa lanzada por esta prestigiosa banda británica. Este disco manifiesta un cambio casi radical del estilo musical que la banda estaba practicando hasta ese entonces. Con la idea de sacar esa imagen de chicos rebeldes que cantaban con melodiosos "yeah, yeah", la banda decide dar un paso a la madurez musical y presentar un disco donde la lírica y la música notaban de un progresión muy avanzada. Debido a la alta influencia de Bob Dylan y el alto consumo de marihuana, los Fab Four fueron experimentando nuevas ideas con el fin de innovar su repertorio y demostrar que podían provocar un cambio dentro de la escena musical. El resultado final fue un disco notable, y que fue el primer paso para que la banda quedara para la eternidad como una de las más influyentes en la historia del rock.

La historia de esta canción, escrita por George Harrison, empieza en el año 1965 cuando el publicista que trabajaba bajo la marca The Beatles, nos referimos al señor Derek Taylor, decide trasladar una de sus oficinas a Norteamérica, y con ello decidió probar suerte en esas tierras promocionando a una banda local y todavía algo desconocida llamada The Byrds. Tras enterarse de esa noticia, George Harrison, que ya sabía de las existencia de esa banda, decidió confesarle un secreto a su amigo: Había escrito una canción cuya estructura melódica estaba basada en un ciento por ciento en la canción "The Bells of Rhymney".

Taylor le entregó ese mensaje al guitarrista de los Byrds, el capo Roger McGuinn, quien en vez de mostrar un enojo se manifestó contento con que su amigo George haya inspirado una de sus canciones en las ideas musicales que experimentaba junto a su banda.

De hecho, fie el mismísimo Roger quien le enseñó a George la potencia y las ventajas de tocar una Rickenbacker de 12 cuerdas, que fue la misma que luego utilizaría el Beatle en el disco "A Hard Days Night", y que provocó toda una sorpresa para le escena rockera del Reino Unido al analizar ese sonido tan extraño y a la vez novedoso de ese estilo de guitarra. "Él nos envió una copia de su nueva creación musical y Derek Taylor quien me la pasó. Dereke ya me había dicho que los Beatles, comandados por George Harrison, habían grabado una canción al estilo Byrds. Una vez en Los Ángeles, fuimos a casa con Derek para que escuchemos la canción. Ahí me comentó que George había declarado que la canción estaba basada en las escalas que había aprendido con la Rickenbacker de 12 cuerdas, y en especial la había usado en la introducción. Para mí fue un gran honor tener aunque sea una pequeña referencia e influencia en las canciones de nuestros héroes: The Beatles" comentaría años después Roger en una entrevista con la revista Christianity Today.

Pero la amistad de Harrison con los Byrds no sólo tuvo esas características ya nombradas. La historia cuenta que la primera vez que George escuchó un sitar fue en una sesión de grabación donde David Crosby le presentó algunos acordes básicos de ese maravilloso instrumento indio. Así lo señalaría Roger MGuinn en la mencionada entrevista: "No fue Ravi Shankar quien le presentó a George el sitar sino que fue uno de los Byrd, David Crosby quien ya tomaba lecciones básicas con Shawn Phillips. Recién en el año 1965, ciando The Beatles andaban de gira por los EE.UU. ellos visitaron a Ravi en los World Pacific Studios, donde nosotros teníamos nuestra sala de ensayo". Es que "If I Needed Someone" también contenía una influencia de la música india, en especial en su estructura musical que estaba basada en el uso de un sólo acorde, el cuál era el primer paso para las posteriores canciones que escribiría este gran artista británico bajo esa experimentación musical.

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En la grabación de la canción, Los Beatles sólo necesitaron dos sesiones para completarla. La primera, llevabada a cabo un 16 de octubre de 1965, fue de vital importancia ya que ahí se grabó gran parte de la base instrumental, quedando casi lista. Dos días después, vino la parte vocal, donde Harrison recibió el apoyo de Lennon y McCartney, y además se agregó una parte de la pandereta interpretada por Starr.

De esa manera se dio rienda suelta a esta maravillosa composición musical en manos de Harrison, el Beatle callado, pero que con el paso de los años fue tomando fuerza su actitud de compositor hasta llegar a escribir unos clásicos eternos.

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AND YOUR BIRD CAN SING (John Lennon / Paul McCartney)

Cuando tu pájaro escape vas a estar muy mal O tal vez despiertes, y yo esté ahí…

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"And Your Bird Can Sing" fue publicada en el año 1966 en el disco Revolver y en el compilado Yesterday...and Today en los Estados Unidos. Para los estudiosos de esta gran banda de Liverpool, el disco "Revolver" es una obra escencial, ya que marca un quibre definitivo entre los pulsos comerciales con un estilo mas cercano a la experimentación y al fuerte trabajo en estudio bajo el apoyo de George Martin. Este disco muestra la madurez definitiva de de cada uno de los integrantes, logrando momentos muy altos en cuanto a calidad de composición. Por ello, "Revolver" es el disco que provocó el cambio en el rock británico y dejó un legado eterno que fue tomado por muchas bandas de ayer y de hoy.

Dentro del preciado repertorio del LP podemos encontrar una pequeña "joya" rockera creada en un alto porcentaje por John Lennon, y que además contiene una letra muy oscura. Se trata de "And Your Bird Can Sing", una pieza musical notable, con unos riff de guitarra que dejan los pelos de punta y que fueron grabadas a la par por Paul McCartney y George Harrison.

A pesar de que años después John Lennon mencionaría que la canción no era de su gusto (de hecho la trató como un de las peores que había escrito) porque era simplemente una pincelada artesanal de psicodelia con versos absurdos. Pero hay ciertas reseñas sobre el significado de la parte lírica de la canción, aunque Lennon se llevara a la tumba la historia oficial sobre esos versos...

La primera teoría sobre el significado de esta canción viene relacionada con otra banda británica: Los Rolling Stones. Se cuenta que Lennon, con el paso de los años, empezó a sentir "celos" de sus colegas de Londres. Si bien en años anteriores, The Beatles ayudaba a promocionar a esta banda, ya para el año 1966 Lennon empezó a sentir rabia especialmente por el ego de Mick Jagger e incluso catalogó a esa banda como "copiones", ya que siempre estaban esperando un nuevo LP de The Beatles para intentar acordes parecidos y subirse al carro de la victoria.

Se cree que la letra va directamente relacionada a la actitud de Jagger frente al público cuando interpretaba sus canciones, y en especial hacía Marianne Faithfull, la novia del frontman de los Rolling Stones que siempre estaba tirándole flores a su pareja en los medios de comunicación. Por ello, Lennon utiliza la palabra "Bird", que en la traducción formal al español significa "pájaro" pero que en tierra británicas también se usa para señalar de manera callejera a las "novias". Basados en esos sucesos y ese juego de palabras, se cree que la canción es un homenaje irónico, con cierta inspiración en la forma de escribir que tenía Bob Dylan, a la voz de los "Stones".

Otra teoría, tiene que ver con un mensaje directo a Frank Sinatra, famoso cantante y actor estadounidense que al parecer no era del gusto de los Fab-Four. Sobre esta temática, fue el escritor Jonathan Gould quien en el año 2007 se dio espacio para hablar sobre esta canción en su libro "Can't Buy Me Love: The Beatles, Britain, and America". Gould menciona que Lennon tuvo la inspiración de esta "rola" tras leer un curioso artículo del escritor norteamericano Gay Talese sobre Frank Sinatra , y que fue publicado en la revista Esquire en Abril de año 1966. En ese artículo Talese hizo añicos a los nuevos sonidos rockeros de esos años y mencionó que ir a ver cantar a Sinatra era casi una terapia para aquellos que estaban aburridos de los cantantes juveniles con el pelo hasta los ojos que lo usaban así simplemente para tapar sus mentes vacías. Pero si hasta ahí ya dejaba boquiabiertos a los fans del rock británico (que en esos años sonaban mucho en Estados Unidos dejando especialmente a Sinatra y Elvis casi cesantes y sin especio para innovar) lo que dice más abajo ya tiene otro tinte: "Que alguien me diga que le encuentran a esos ruidosos sonidos, ya que hasta el cantante infantil mas famoso del mundo puede hacer esas cosas e incluso con letras enigmáticas. Esas "aves" pueden viajar de un lado a otro, pero usted jamás los

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escuchará bien". En respuesta a ese artículo, titulado "Frank Sinatra Has a Cold," Lennon decidió escribir esta canción ruidosa para seguir molestando a ese veterano de las plumas.

Si bien ninguna de estas teorías tiene un fundamento oficial por parte de algún integrante de la banda, sirven para construir la leyenda de esta mítica banda. Incluso, no hay que descartar la idea de que simplemente esta canción es una referencia al efecto del LSD, que en ese entonces era muy manipulado por Lennon para buscar inspiración por medio de los "viajes".

El 20 de abril 1966 elos estudios de Abbey Road, y bajo el título "You Don't Get Me", la banda grabó la pista instrumental. Días después, y ya titulada "And Your Bird Can Sing", los integrantes de la banda grabaron las voces (John, Paul y George), y además se agregó una pista de bajo (en manos de Paul) y un acompañamiento de pandereta hecha por Ringo.

Pero recién el 26 de Abril la banda retomó la canción y grabó 13 tomas de la canción, seleccionando la décima. Se arreglaron las voces, y las guitarras y quedó lista para ser incluida en el disco.

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HELLO, GOODBYE (John Lennon / Paul McCartney)

No sé por qué tú dices adiós Mientras yo te digo “Hola”…

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"Hello, Goodbye" es una canción de la emblemática banda británica The Beatles, que fue lanzada como single el 24 de Noviembre del año 1967 sólo para Gran Bretaña y tres días después fue lanzada para Estados Unidos y el resto del mundo. Esta pieza musical, que tiene coloridos tintes Pop, fue incluida dentro del famoso LP Magical Mystery Tour, que fue la banda sonora de una película experimental y bastante absurda que publicó la banda en las vacaciones de Navidad del año 1967 y que recibió más críticas que aplausos por parte de la gente. Eso dejaba claro que Los Beatles también se equivocaban...

Sobre el nacimiento de esta canción la historia cuenta que un día apareció por la cada de Paul McCartney, ubicada en Cavendish Avenue, Londres, el señor Alistair Taylor, que era amigo de la banda y asistente del manager Brian Epstein. Mientras compartían un buen banquete, Taylor le preguntó a Paul sobre el secreto para escribir canciones de gran calidad y de que manera lograba captar tantas buenas ideas para las letras. "Macca", sorprendido por la pregunta, decidió invitar a Taylor a su sala de estar para darle una demostración empleando el armonio que tanto gustaba tocar por las tardes.

Para hacer el experimento, Paul le pidió a Taylor que grite la frase contraria a lo que él cantaba, como por ejemplo: Si Paul cantaba sí, Taylor debía decir no; si le cantaba blanco, el asistente del manager cantara negro, y así seguir hasta llegar a una buen letra. En un momento Paul dijo hola y Taylor le dijo Chao, y con eso ya tenían una buena canción.

En su biografía, titulada Many Years From Now, Paul McCartney menciona que "en esta canción hay una influencía en Géminis, especialmente en los gemelos. Esto de la dualidad es un tema bastante universal y profundo- mujer, hombre, gato, perro, blanco, negro, alto, bajo, el bien, el mal. "Hello Goodbye" fue una canción fácil de escribir y trata sobre esa dualidad, pero visto de una manera positiva. "Tú me dices adiós, yo te digo hola. Me dices que pare, yo digo que siga", si te fijas yo defiendo el lado positivo de la dualidad, y es hago que practico todos los días" Bajo el título "Hello, Hello", Los Beatles trabajaron y grabaron la canción un 2 de Octubre de 1967 en los míticos estudios Abbey Road. En esa sesión los cuatro chicos de Liverpool grabaron 14 tomas, donde mezclaron las partes de piano, teclados, batería y percusiones varias como bongos, congas y tambores.

Luego de eso, la banda se juntó el 19 de Octubre para segur trabajando la canción. En esa oportunidad se arreglaron las voces, donde Paul decidió doblar su interpretación mientras que Harrison y Lennon se ocuparon de los coros. En ese momento la canción estaba casi terminada, pero a última hora George Martin (historico productor y quinto Beatle) decidió usar dos violas, que apoyaran las partes de piano creadas por "Macca".

Uno de los que tocó las partes de viola fue Ken Essex ( el otro suertudo fue Leo Birnbaum), quien en una entrevista dijo sobre su participación: "Los cuatro Beatles estaban presentes en el estudio.

Uno de ellos, vestido con un traje que parecía pijama, estaba sentado en el piso dibujando en una hoja de papel". Al parecer esa frase va dedicada al Beatle que usaba anteojos.

Luego de terminar la canción y grabarla, Martin y la compañía disquera decidieron que "Hello, Goddbye" fuera lanzada como single junto a "I Am The Walrus", cuya autoría era 100% "made in" Lennon. Pero no todo pintaba color de rosa, ya que habia que elegir cuál canción ocuparía el lado Historias de una canción: THE BEATLES

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A y eso generó mucha polémica dentro de la banda. Los que defendían la canción de Paul, aseguraban que era una buena melodía Pop que generaría buenos recursos a las arcas de la banda, mientras que los que apoyaban la obra de Lennon, defendían su postura apelando a la experimentación musical y la psicodelía, que por esos años hacía de las suyas entre la juventud que pedía paz, amor y libertad. Finalmente ganó "Hello, Goodbye" dejando en el lado B la composición de Lennon que no pudo esconder su enfado ante tamaña decisión y disparó años después a los medios su posición sobre esta canción aludiendo que no tenía mucha importancia para la historia de la banda y que eran sólo "tres minutos de contradicciones sin sentidos".

Mientras la canción sonaba en las radios y en la TV, donde se hizo un interesante video promocional grabado en el teatro Saville de Londres, McCartney explicaba filosóficamente a una revista que "la respuesta es sencilla. Es una canción sobre el todo y la nada. Si tú tienes negro tienes que tener blanca. Eso es lo sorprendente de la vida".

A pesar del enojo de John y las explicaciones "raras" de Paul, esta canción fue todo un éxito para la banda, logrando llegar a los primeros lugares de los charts en todo el mundo y siendo considerada como una de las canciones más emblemáticas de esta banda que revolucionó los sonidos del mundo, que cambió la música y que hizo que todos los ciudadanos del mundo cantaran al mismo compás sus fantásticas creaciones...

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WHEN I’M 64 (John Lennon / Paul McCartney)

¿Me seguirás necesitando, me seguirás alimentando, Cuando tenga 64?

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"When I'm sixty four" fue publicada dentro de su magnífico disco Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (Junio de 1967). Hablar del octavo disco de The Beatles, es hablar de una pieza clásica dentro del fenómeno psicodélico, en donde marcó la cancha y llevó la batuta delante de varias bandas que tomaron este disco como una influencia esencial.

Con una portada muy llamativa, que incluso incluía las letras de las canciones en su interior, y una extraña ero notable mezcla de sonidos, hicieron de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band un disco memorable y que quedó para siempre dentro de la historia del rock de verdad.

La primera canción que fue grabada bajo el proyecto "Sgt. Pepper" fue una vieja pieza escrita por Paul McCartney a los 15 años de edad cuando ya empezaba su aventura musical con The Quarrymen. Esta canción se llamaba "When I was about 15", y formaba parte del repertorio pre-Beatle en sus comentadas actuaciones en The Cavern, especialmente cuando los amplificadores explotaban en medio de algún viejo rock and roll, y entre el griterío de la muchedumbre Paul se sentaba al piano y empezaba a improvisar frases bajo una dulce melodía con sabor a los años 20's. Años después, "Macca" mencionaría que la música de esta canción era una parodia al repertorio de Sinatra. ""When I'm Sixty-Four" fue algo que Paul escribió en los días que tocabamos en The Cavern. La acabamos pegando diversas frases como 'grandchildren on your knee' y 'Vera, Chuck and Dave'. En realidad, era de esas canciones que siempre están a la mitad, y que pasa el tiempo y siguen en ese estado. Normalmente la utilizábamos cuando explotaba algún amplificador... Así que la tocábamos sólo al piano" mencionó Lennon años después al ser consultado por esta canción hecha por su amigo de infancia y compañero de banda.

Pero la canción tuvo su "revival" en el año 1966, cuando Jim McCartney, padre de Paul, celebró su cumpleaños número 64. En esa ocasión, de regalo, su hijo le dedicó una nueva versión de esta canción a su padre y la tituló "When I'm sixty four". En su nueva letra, Paul nos relata los pensamientos de un joven que mira con ansiedad la vejez y en especial, su relación matrimonial.

Al terminar la canción, McCartney no se encontraba muy seguro de la calidad de esta. Es que la encontraba bastante débil en su parte instrumental, y eso le llevó varios días de búsqueda de ese detalle que la haga distinta a todas.

Uno de los que ayudó a "Macca" fue el productor George Martin, quien al escucharla de manera detallada le planteó la idea de colocar un cuarteto de clarinetes, para que sonara como una canción de esas viejas "Big Band's" de los años 20's. El primer detalle que arregló Martin para lograr ese sonido, fue acelerar la voz de McCartney, con el fín de que transmitiera felicidad(?).

Así fue como un 6 de Diciembre del año 1966, luego de grabar uno mensajes navideños en dos radios piratas de Londres, The Beatles sempezaron a ensayar y a pulir cada detalle de "When I'm Sixty-Four", y antes de que acabe el día grabaron 2 tomas para probar los resultados.

Dos días después un solitario McCartney fue a los estudios Abbey Road a grabar la voz principal, y crear algunas mezclas. Pasaron casi 12 días para que nuevamente la banda retomara esta canción.

En esa ocasión McCartney, Lennon y Harrison grabaron los coros y Starr se encargó de las percusiones varias. Al día siguiente, le tocó el turno a los tres clarinetistas contactados por Martin: Robert Burns, Henry MacKenzie y Frank Reidy, quienes grabaron su parte bajo la supervisión del productor y Paul. Luego de eso, la canción entró al delicado proceso de arreglos y depurar detalles sonoros...

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El resultado final fue una canción notable que incluso contó con el asombro de Lennon, quien declaró años después que " ni siquiera soñaba con escribir una canción como esa". Una canción que nos devolvía al tiempo Pre-Rock and roll, a esos años donde la música de salón adornaba con sus suaves acordes las tertulias y la bohemia desenfrenada. A ratos casi ironíca y en otros casi como una súplica para ser feliz eternamente, esta pieza de McCartney asustó a mas de algún fans de The Beatles, al enterarse que el cuarteto ya le cantaba a la vejez, como si el invierno llegara en plena primavera musical.

"When I'm sixty four" tuvo una breve polémica en el año 2002 cuando Julian Lennon, hijo de John, realizó una versión especial para una campaña publicitaria de la compañía de seguros Allstate.

Esto provocó molestias entre los fans de The Beatles, ya que no fue muy bien visto el uso de sus canciones para promocionar productos financieros que a veces no eran del todo una ayuda para los consumidores.

Para finalizar, y aunque suene irónico, en el año 2006 Macca cumplió los 64 años y nada de lo que dice su canción se logró cumplir. De hecho, ese año se separó de Heather Mills, su segunda esposa, quien lo dejó casi en la ruina con una demanda millonaria para cumplir con el divorcio.

Finalmente, tras 4 años de matrimonio, Paul se separó de su mujer y cayó en una depresión...

Todo eso a los promocionados 64 años.

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GLASS ONION (John Lennon / Paul McCartney)

La morsa era Paul….

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"Glass Onion" fue incluida dentro del disco homónimo (más conocido como le "White Album") que fue lanzado al mundo un 22 de Noviembre del año 1968. Este disco, cuya carátula es totalmente blanca, es considerado por la fanaticada de la banda como una de sus joyas musicales, en donde cada Beatle experimenta nuevos sonidos y estilos musicales.

Es un disco completo, donde dejaron en claro que sus talentos iban mas allá de lo que todos creían.

Dentro de este gran disco encontramos una pieza llamada "Glass Onion", cuya autoría es de John Lennon, pero por motivos comerciales aparecía junto a Paul McCartney en los créditos. Aunque la idea original era de Paul McCartney, que le había mencionado a la banda que tenía ganas de escribir una canción donde se mencionara el titulo de sus canciones anteriores, fue Lennon el que le dio otro significado a esa idea y logró como resultado una joya interesante.

Como toda canción escrita por John, esta pieza tenía algo detrás que iba más allá de una letra con frases irrelevantes y a la vez confusas. Es que Lennon, por ese entonces, se encontraba deprimido y con ganas de abandonar la banda. La tensa relación con McCartney, su decepción con el Maharishi, su criticada relación con Yoko Ono y su dependencia de la drogas lo tenían muy bajoneado en esas sesiones de grabación.

Otro punto importante para el surgimiento de esta canción fue la penosa prensa británica. Es que varios periodistas trataban de buscarle "la quinta pata al gato" bajo las letras de sus canciones y eso también tenía enojado al músico. La prensa decía que sus canciones eran un homenaje a las drogas, que algunas iban dedicadas a los políticos del Reino Unido, que otras causaban depresiones o problemas mentales, que estaban locos y que incluso la banda había tapado la muerte de Paul McCartney y había puesto a un doble para pasar "piola". Todo eso tenía agotado a Lennon y decidió escribir una canción donde los periodistas se confundan más y alimenten a sus lectores con sus falsas historias. La canción se llamó "Glass Onion".

El titulo "Glass Onion" viene de un tipo de ataúd que traia un vidrio transparente para ver al "finado" y darle el ultimo adiós. En un principio, Lennon les había cedido ese título a una banda que estaba a punto de firmar por su sello APPLE y que después pasaron a llamarse Badfinger.

Finalmente ese título fue el primer detalle que usó Lennon para que la prensa empezara a hablar que "Paul estaba muerto", lo cuál era una simple y vaga leyenda urbana.

Otra pista que les dejó a esos pobres periodistas, es la frase "The Walrus is Paul" ("La Morsa era Paul"), que traía como segunda lectura el significado religioso de este mamífero marino. Es que en algunos países la Morsa está ligada a la muerte. Con esos detalles, que estaban ligados a la ironía, la prensa podía hacer hasta un libro con mas hojas que la Biblia y "100 años de Soledad" juntos.

Sobre estos adornos extra-musicales, en una entrevista hecha por a revista Rolling Stone en 1971, John Lennon explica: " "'I Am The Walrus" salió como lado B de' Hello Goodbye '. Yo, en esos días, pasaba en mi nube de amor con Yoko y pensé que sería bonito hablar algo agradable sobre Paul.

Le quería decir "está bien, hiciste un buen trabajo durante estos años y eso nos mantiene juntos." Él estaba tratando de organizar el grupo, y organizar la música y además ser un buena persona y todo eso, así que quería darle las gracias. Les dije a los oyentes que 'la morsa es Paul" por esa simple razón". Estas palabras de Lennon, al parecer, estaban ligadas a los conflictos al interior de la banda y su posterior choque de egos con Paul.

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Recordemos que al saber que "I Am The Walrus" iba como Lado B, este se enfureció con George Martin, ya que suponía que su canción era mejor que "Hello, Goodbye" de Paul. Por lo tanto esa frase incluída en Glass Onion mataba dos pájaros de un tiro, porque les dejaba una broma a la prensa y de paso le tiraba "un palo" al bajista de The Beatles.

El ingenio de John para darle doble sentido a esa frase fue muy particular. Es que en la grabación de la pelicula "Magical Mistery Tour", especialmente en la parte donde entonan la canción "I Am The Walrus", el disfraz de Morsa estaba hecho para Lennon, pero en el momentos de colocarse la vestimenta este se dió cuenta que no era de su talla y le apretaba bastante. Así que decidió cederle el papel protagónico a McCartney, a quien sí le entraba el disfraz. Por ello, en el documental y en la portada del disco, la Morsa de verdad que era Paul...

Pero Lennon no se quedó pegado en esa idea. En su plan de confundir a la prensa, decide nombrar ciertos detalles sobre canciones anteriores como "Strawberry Fields Forever", "Lady Madonna", "The Fool on the Hill", y "Fixing a Hole".

Además en la canción se mencionan ciertas frases que serían el alimento para varios estudiosos de las letras de esta banda de Liverpool. Frases como "backed tulips", "the cast iron shore" y el mismo título también fueron pasto para los críticos que querían dar nuevas teorias sobre que nos querían comunicar estos cuatro seres.

Luego de grabar una versión acústica en casa de George Harrison, Lennon decidió ir a Abbey Road un 11 de Septiembre de 1968 y empezar a grabar la canción para el disco que estaban preparando.

En esta primera toma se pueden escuchar efectos de sonido que eran bastante interesantes. El sonido de un teléfono, alguien rompiendo un vidrio, y la voz del comentarista deportivo de la BBC, el señor Kenneth Wolstenholme exclamando con mucha euforia: "Es un gol!" eran detalles bien evaluados dentro de la banda. Pero tras llegar George Martin de sus merecidas vacaciones familiares, decidió cambiar ese espanto musical por una agradable cortina de violines y cellos.

Finalmente se hicieron 34 registros de la canción y la versión #33 fue la elegida para el disco. Al día siguiente, Lennon volvía a grabar la voz y Ringo se estresaba (?) grabando la parte de pandero. El 13 de Septiembre grabaron los pianos y se le agregó otra pista de batería en mano de Ringo, que por eso días había vuelto a las sesiones de grabación luego de haber pedido su renuncia ya que sus compañeros no lo pescaban y se sentía como un simple músico de sesión.

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MARTHA MY DEAR (John Lennon / Paul McCartney)

Mira bien a tu alrededor y te darás cuenta Que tú y yo fuimos hechos el uno para el otro…

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"Martha My Dear" es una canción que tuvo su aparición oficial un 22 de Noviembre del año 1968 en el famoso disco homónimo, que los fans bautizaron como el "White Album" por su simple portada. Ese complicado disco doble (que contó con casi 40 músico de sesión!), llevó nuevamente a The Beatles a un panorama histórico para el Rock de verdad. Con un tracklist memorable e histórico, donde cada integrante de la banda tuvo su espacio y su estudio para hacer simplemente lo que les diera la gana, este trabajo musical es una joya que brilla de lejos.

Un disco que trae una mezcla muy singular de estilos musicales que van desde la simpleza y pureza de un rock and roll, hasta el blues mas cruel, pasando por algo de música de salón, toques de psicodelia, unas experimentaciones burlonas y todo lo necesario para que un disco Beatle encante a su gente.

Para esas sesiones de grabación, los músicos buscaban cualquier cosa para buscar inspiración.

Desde la paz mundial hasta una caja de bombones, es que todo servía para buscar esa canción que navegaba en el viento. Un buen ejemplo es "Martha My Dear", escrita e interpretada por Paul McCartney, la cuál tenía su inspiración en su cariñosa perrita de raza pastor inglés que estaba bautizada de manera informal con ese nombre. "Ella fue mi mascota favorita, y la quería mucho.

Recuerdo que John (Lennon) se sorprendió al saber que yo era un amante de los animales. Me acuerdo que dijo "nunca lo había imaginado de tí, Paul". Desde ese día lo quedé pensando, y quizás era verdad. Es que cuando abrazas a un perro o a tu mascota, es algo genial, y ella era una perrita muy, muy tierna" señalaría Paul en una entrevista al ser consultado por esta canción y por su "musa".

La historia cuenta, que en el año 1965 y tras comprar su casa en Cavendish Avenue, Londres McCartney decidi´po adquierir un cachorro de raza Pastor Inglés. De tanto buscar, encontró a "Martha", que de inmediato se ganó el cariño del músico por su fidelidad y su buen humor. Una de esas tardes, y mientras pasaba un buen descanso en esa casa junto a Martha, Paul empezó a practicar nuevas técnicas de interpretación en el piano. Es que Paul no manejaba a la perfección ese instrumento e incluso simplemente lo tocaba con una mano, ya que era la manera mas simple para un zurdo. Por ello, cada vez que llegaba a su casa, se sentaba al piano y empezaba a practicar de la misma forma que cuando era niño, o sea hasta llegar a la perfección.

En una de esas improvisaciones a dos manos nace una melodia con aires a "music Hall", y que no sonaba tan mal. "Recuerdo que varias personas quedaron sorprendidas por mi avance en el piano, y además por la melodía que había logrado crear e interpretar. Es que se notaba que esa partitura musical estaba más arriba de mi técnica o de mi habilidad en las teclas. Pero la escribí para eso, para intentar cosas complejas y aprender. recuerdo que aún no desbloqueaba las frases, hasta que un día apareció la frase "Martha My Dear" que calzaba justo con la melodía" comentaría el autor en una de sus tantas biografías.

De esa manera sale al mundo real una letra fantástica y muy particular, donde el autor le cuenta a su mascota (o quizás es la excusa perfecta para reclamar amor a su, entonces, novia Jane Asher) todo el cariño que le tiene y además le señala que aunque tenga mal genio o a ratos se porte mal, siempre la amistad iba a estar primero. Asi lo señalaría Paul en las hojas del libro "Many Years From Now", del señor Barry Miles: " Es una comunicación con algo de afecto en el medio, aunque un poco abstracta- "You silly girl, look what you've done"- y cosas por el estilo. Estas canciones son así. Considerando que varias personas creen que la canción está dedicada a una chica llamada Martha, la verdad es que fue escrita para mi perra, y créanme que ambos tenemos una relación platónica".

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Pero, tal como adelantamos más arriba, al parecer esta canción esta escrita en sentido figurado, y el cariño hacia Martha es la excusa perfecta para que Paul hable y reclame cosas de su tormentosa relación amorosa con Jane Asher, que en ese entonces pasaba nuevamente por un momento bajo y que llevaría al fin definitivo de la pareja.

Pero en ninguna entrevista a "Macca", posterior al Lp , este ha dado señales de que la canción tiene ese rumbo en su letra, e incluso ha llegado a declarar que esa tal "Martha", aparte de ser el nombre de su mascota, también era una forma de señalar y describir a su "musa" creativa mental, la cuál le ayudaba a capturar frases de la nada para crear buenas canciones , tal como lo hicieran años después Paul Simon con "Cecilia" y el gran Bob Dylan con "Love Minus Zero / No Limit". Bajo ese extraño panorama, lo único estrictamente real en todo esto es que fue escrita para ese perro Pastor Inglés.

Un 4 de Octubre del año 1968 fue la fecha donde se empezó a trabajar esta canción en los "Trident Studios", ubicado en Londres. En esa ocasión Paul se hizo de las suyas y grabó parte de la voz, el piano y la batería. Una vez que terminaron eso, Los Beatles tomaron un descanso y a las 6 de la tarde George Martin hizo ingresar a 14 músicos de sesión para grabar las partes de cuerda y bronces que había ideado para esta canción con el permiso de McCartney. Ese día trabajaron hasta las 9 de la noche.

A partir de la media noche, Paul volvió al estudio de grabación y terminó de grabar la voz principal y le agregó un sonido de palmas a la cinta. Antes de las 4 de la madrugada, Paul ya tenía lista y grabada la línea de bajo y una parte de guitarra solista.

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YER BLUES (John Lennon / Paul McCartney)

Mi madre era del cielo Mi padre era de la tierra Pero yo soy del universo….

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"Yer Blues" forma parte del repertorio del famoso disco homónimo o tambien conocido por los fans como "White Album" que fue publicado en Noviembre de 1968. En este álbum los cuatro integrantes de The Beatles pudieron dar rienda suelta a sus composiciones y a todo su talento.

Probando nuevos sonidos, escribiendo letras muy personales y logrando una joya musical, que es considerada como de los trabajos mas interesantes de esta gran banda que revolucionó la historia de la música rock.

En este caso, "Yer Blues" pertenece al talento musical de John Lennon, que la escribió mientras estaba en Rishikesh, India. Cabe señalar que en esos días la banda se encontraba en un retiro espiritual y de aprendizaje sobre la meditación con el Maharishi y en las extensas horas de ocio se edicaban a escribir nuevas canciones, de las cuales, un gran puñado de estas fueron incluidas en el disco blanco.

La canción, en cuanto a su letra, puede sonar como satírica y como medio enserio. Es que Lennon le implantó ciertas frases muy oscuras y otras con algo de humor negro hacía esos fans que lo criticaban por su romance con Yoko o le repudiaban sus nuevas canciones con tildes personales. A ratos se entiende como una parodia poética o una respuesta irónica a las canciones de Dylan, especialmente en la frase "Feel so suicidal, just like Dylan's Mr. Jones" que hace referencia a la canción "Ballad of a Thin Man", una de las joyas musicales de Bob. También contiene frases dedicadas a la Cosmología e incluye versos donde el autor revela su batalla contra sus demonios psicológicos. De todo ese nudo poético, que solo Lennon puede descifrar, sale una canción memorable, llena de potencia y con una interpretación que sale del alma como si fuera una declaración publica sobre el rock.

Luego de escribir la letra, Lennon se dispuso a componer a música basándose en las versiones demos que grabó en su hogar y en las sesiones de ensayo en los estudios Abbey Road. Pero Lennon era un genio que basaba su crítica en la ironía y en esta canción dejó en claro que musicalmente esta canción es una parodia bien hecha hacía el potente Blues británico que tenía su "boom" comercial a principios de 1968 con bandas como Fleetwood Mac. y Chicken Skack entre tantos más que aparecerían en la escena con el paso de los años y que sacaban a la luz el lado mas ácido del viejo blues, con muchas improvisaciones, experimentaciones con drogas, nuevos sonidos y melodías de larga duración.

Por eso, inspirado en aquellos nuevos sonidos y en los dichos de la prensa y antiguos fans de que la banda ya no tenía nada nuevo que mostrar (en materia musical), es que Lennon le dio ese toque musical a su canción como un parodia y una respuesta a todos esos que pensaba que los Beatles simplemente ya estaban trabajando de "hobbie". Pero en este disco se notó que la banda estaba mas viva que nunca y que sus canciones también pasaban por experimentaciones y mezclas que iban mas allá de modificar musicalmente un Blues...

Pero hay muchas anécdotas que giran en torno a la canción. Una de ellas cuenta que McCartney le pidió de rodillas a Lennon que no titule su nueva canción como "Year Blues", porque no iba con el mensaje de la canción. Sin embargo John decidió usar "yer" en vez de "your", todas estas modificaciones no eran de importancia para el autor. Lo importante era la canción en sí, no el titulo porque eso estaba de más...

Pero en la edición de enero de 1971 de la revista Rolling Stone, Lennon explicó que decidió colocar la palabra "Blues" en el título en homenaje a esas viejas canciones de Sleepy John Estes que siempre contenían esa palabra en los títulos de sus piezas musicales. Además, Lennon escuchó mucho a ese maestro el blues en su juventud, especialmente en la escuela de artes donde se dio Historias de una canción: THE BEATLES

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cuenta de que era algo más que un simple músico que cantaba con guitarra en mano, sino que era todo un personaje histórico para la popularidad de ese género musical impregnado con aires melancólicos de las calles de Chicago.

La sesión de grabación de esta canción fue el 13 de Agosto de 1968 en el estudio 2, que era una pequeña sala lateral donde apenas entraban los músicos, pero donde el sonido se notaba mas potente y podían sonar como Lennon les pedía.

Era tan pequeña que McCartney se refería a esa sala como "el armario" y fue en ese lugar donde Harrison, Lennon, McCartney y Starr se acomodaron bien y le dieron todo el volumen a sus amplificadores para grabar de buena manera la potencia de este raro "Yer Blues". "Estábamos en una habitación de 8 pies, todos juntos y apretados, pero haciendo lo que mejor sabemos hacer: tocar" dijo Ringo en una entrevista con la Rolling Stone años despues al recordar esa loca forma de grabación.

Al final la canción fue grabada en dos tomas diferentes junto a la atenta mirada del productor George Martin. Esto puede ser descubierto aproximadamente a los 3:17 cuando luego del solo de guitarra de George Harrison se cambia de manera brusca el sonido con un nuevo redoble de Ringo. El otro detalle que llama la atención en esta canción es la voz de John improvisando frases de la canción mientras la furia de las guitarras incendia la pieza musical. Esta voz seguramente se coló por el micrófono de la batería y al ver que le daba un toque especial a la melodía decidieron dejarla.

"Yer Blues" también forma parte de un momento histórico para la carrera de Lennon porque fue la primera canción que cantó sin la compañía de sus compañeros de banda y esto fue gracias a la invitación que le hicieron los Rolling Stone para participar en su especial para la televisión titulado The Rolling Stones Rock and Roll Circus que fue grabado días después del lanzamiento del disco.

En esa ocasión Lennon decidió interpretar "Yer Blues" acompañado de Eric Clapton en guitarra, Keith Richards en bajo y Mitch Mitchell en la batería. Este "dream team" del rock fue bautizado como "Dirty Mac" y le dieron un sonido mas sucio y mas compacto a la canción dejándola incluso mejor que la original.

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MAXWELL'S SILVER HAMMER (John Lennon / Paul McCartney)

El martillo de plata de Maxwell Se aseguró que esté muerta…

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"Maxwell's Silver Hammer" es una canción que aparece en su álbum Abbey Road, que fue publicado en Septiembre del año 1969. Pese a que fue lanzado antes que "Let It Be", este disco fue oficialmente el último trabajo de esta maravillosa banda que cambio casi todo en la historia de la música Rock. Para muchos críticos, este "Abbey Road" fue la despedida magistral que toda banda soñaba, porque se trata de un disco completo en cuanto a lo musical, donde cada integrante aportó canciones de alta calidad y la experimentación musical salió a flote en su máximo esplendor.

Dentro de este magnífico trabajo musical encontramos una llamativa y tragicómica pieza musical llamada "Maxwell's Silver Hammer", que habla sobre un estudiante de medicina, llamado Maxwell, que se convierte en un asesino en serie tras mandar al "cielo" a su novia, sus maestros y al mismísimo juez que lo estaba enviando a la cárcel.

La historia de esta canción empieza en Octubre del año 1968, cuando un motivado Paul McCartney les presentó a sus amigos una nueva canción, y que podía formar parte del "White Album", disco que estaban grabando en esos días. Finalmente la canción no logró entrar en el tracklist de ese disco y fue guardada por "Macca" para el próximo trabajo de la banda.

"Maxwell's Silver Hammer era una metáfora sobre esos días en que por algún motivo inoportuno todo sale mal. En ese periodo de mi vida me pasaban casi siempre esas cosas. Yo quería algo fictício para esconder la historia, asi que inventé a este personaje llamada Maxwell, que además tenía un martillo de plata. No me preguntes por qué ese martillo era de plata, ya que simplemente rimaba en la canción... Todavía uso esa expresión cuando sucede algo inesperado" comentaría años después Paul McCartney en una entrevista con Barry Miles.

Tras no aparecer en el mencionado disco, Paul no se quedó de brazos cruzados e hizo reaparecer la canción en la época en que la banda empezó a trabajar en los Twickenham Film Studios, en enero de 1969. De hecho, en el (triste) documental "Let it Be" se puede ver a Paul enseñándole a sus compañeros de banda esta canción. Lo más llamativo de esa sesión es observar las caras largas de sus compañeros, y eso se debía a que "Macca" estaba muy motivado para que esta canción sea un single promocional, y siempre que tenía tiempo pescaba a los tres Beatles y empezaban a ensayarla.

Uno de los que jamás gustó de esta canción fue John Lennon, quien declaró que "Maxwell's Silver Hammer" era una basura y que Paul "hizo todo lo posible por hacerlo un single, y nunca lo fue y nunca debió haberlo sido". Según Lennon esta canción fue la que gastó más dinero que cualquiera otra en Abbey Road, en cuanto a producción. Durante los tres días en que se grabó la canción (del 9 al 11 de Julio de 1969), el único Beatle que no participó de esa sesión fue John Lennon, quien se encontraba algo adolorido tras sufrir un accidente de tránsito junto a Yoko Ono en Escocia.

Ante esas palabras de su compañero de banda, Paul defendió a su canción comentando que las palabras de Lennon eran simplemente influenciadas por la envidia: "Lo que comenta Lennon es algo engañoso, ya que se enojó porque Maxwell's Silver Hammer tomó tres días para ser grabada.

Gran cosa!!"

Otro que criticó esta pieza de "Macca" fue George Harrison, a quien no le gustaban estas canciones tan dulzonas y cursis. Pero el que rompió el silencio y dejó bien puesto sus pantalones ante esa etapa de The Beatles fue el baterista, el popular Ringo Starr, quien en una entrevista con la Rolling Stones, en el año 2008, declaró sin pelos en la lengua que " la grabación de Maxwell's Historias de una canción: THE BEATLES

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Silver Hammer fue la peor sesión de todas. Fue la peor canción que tuvimos que grabar y mas encima se prolongó por tres días. Fue una semana de mierda" Nadie lo puede negar, pero esta interesante trama de "Maxwell's Silver Hammer" es divertida y esa mezcla de Pop/Rock la deja como una pieza interesante dentro del disco. Con un "Macca" que canta con una voz chistosa, con sabor a despedida dulce y locura a la vez. En el coro, ya escuchamos a un McCartney que canta como si estuviera en un cumpleaños, y todo tiende a ser mas infantil cuando aparece Ringo y su "solo" de yunque. Ojo! Que en esta canción Paul se luce con una parte hecha en su sintetizador Moog, instrumento muy poco usado en ese entonces por los artistas del rock, y que en esta pieza musical tuvo una aparición muy llamativa para otros "genios" de pelo largo.

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OCTOPUS'S GARDEN (Richard Starkey)

Me gustaría estar bajo el mar En un jardín de un pulpo, a la sombra….

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"Octopus's Garden" fue incluida dentro del aplaudido repertorio de su disco Abbey Road, publicado a finales de Septiembre del año 1969. Para los fanáticos de esta mítica banda de Liverpool, este disco marca la despedida triunfal de la banda, con un registro de canciones memorables donde queda muy en claro que John, Paul, George y Ringo ya tenían bastante experiencia musical con el paso de los años, lo cuál se ve muy reflejado en cada una de sus composiciones.

"Octopus's Garden" fue el "momento Ringo del Album", donde aportó con su segunda canción propia dentro de la historia de la banda (la primera fue "Don't Pass Me By"), y esta vez con un aire a infancia e inspirada en las actitudes de estos moluscos cefalópodos. La historia de esta canción empieza un 22 de Agosto del año 1968, cuando un agotado Ringo decide pescar sus maletas y a su familia para irse de vacaciones a la isla de Cerdeña.

Es que el baterista no la estaba pasando muy bien en esos días, ya que las tensas relaciones personales entre sus colegas durante las sesiones del "Album Blanco" y la escasa participación en las grabaciones lo tenían algo confundido y a la vez meditando si seguir o no formando parte de unos Beatles que ya no eran los de antes.

Ya en esas hermosas tierras, Ringo fue invitado por su amigo personal, el actor y comediante inglés, Peter Sellers a pasar un buen descanso en su yate que tenía anclado en las costas de esa isla. Asi que Ringo y su familia mal no la iban a pasar...

En una de esas agotadoras jornadas (?), el capitán del yate lo invitó a probar una popular comida hecha en base a Pulpo, pero el baterista decidió no probarla ya que le tenía temor a quedar envenenado o algo por el estilo. Ahí fue donde el capitán de la embarcación lo llevó a la cubierta para que observara a los pulpos bajo esa cristalina agua. Además le contó que estos animales marinos viajan por el fondo del mar buscando objetos y piedras brillantes con las cuáles forman extensos jardines. Gracias a ese comentario, Ringo encendió su ampolleta mental y empezó a escribir una canción. "Me quedé en la cubierta con el capitán y hablamos sobre los pulpos. Me dijo que se cuelgan en sus cuevas y que recorren todo el fondo del mar para encontrar piedras brillantes, latas y botellas para poner en frente de sus cuevas, formando un jardín. Altiro lo encontré fabuloso, porque en ese momento y también quería disfrutar del mar. Mas tarde me puse la guitarra y escribí la canción" comentó Ringo en la serie Anthology.

El 5 de septiembre de ese año fue la fecha en que Ringo decide volver a Abbey Road, donde sus compañeros de banda lo recibieron con flores y una nota que decía "tú eres el mejor baterista del mundo". Pero sería hasta Enero de 1969 cuando Starr le enseñaría su canción sobre pulpos al resto de la banda...

El más encantado con la nueva canción de Ringo era Harrison, quien se dio el trabajo de hacer arreglos en los acordes y una que otra ayuda en la letra. Eran las sesiones de Get Back, y nuevamente la banda pasaba por malos momentos en su grupo interno. Lo más dolidos con todo esto eran George y Ringo, quienes empezaron a pedir mas oportunidades a Paul y John para mostrar sus creaciones y participar en los discos. “Esta es la mejor canción de Ringo. A pesar de que era su segunda creación, esta vez logró algo precioso. Ringo ya estaba aburrido de sólo tocar batería, asi que se llevó a su casa un piano aunque sólo conocía tres acordes. Lo mismo que sabía de la guitarra. Pero con eso creó una canción notable, aunque sonara como algo infantil. La letra es magnífica, tiene metáforas muy llamativas, ya sabes, cuando dice "mi cabeza descansa en el fondo del mar" o "vamos a estar resguardados debajo de la tormenta" son realmente geniales. En ellas esconde su sentir emocional, esa tormenta interna que lo tiene mal, pero que encuentra la

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tranquilidad en ese lugar bajo el mar. Aunque él no se dió cuenta, escribió una canción cósmica" diría George Harrsion en una entrevista que data del año 1969.

Es que "Octopus's Garden" captura de manera magistral el paisaje en donde fue hecha. Basada en acodes simples, sin tanta depuración ni experimentación de otras áreas, esta canción contiene el lado mas emocional de Ringo, y eso realmente sacó aplausos, aunque muchos digan a la rápida que es simplemente una canción infantil similar a "Yellow Submarine". Pero esta creación va mas allá, y tiene muy pegada en sus armonía que no fue hecha como un simple relleno para el disco.

El 26 de abril de 1969, Los Beatles grabaron 32 tomas se registraron 32 tomas de la canción, con Ringo en batería y voz, Harrison y Lennon en las guitarras, y Paul en el bajo y ayudando en los coros. Hay que señalar que en esas sesiones, Harrison había ideado el intro con guitarra y batería, el cuál fue muy aplaudido por la prensa una vez editado el LP. Tres días después, Starr volvió a grabar la voz y a retocar algunas pistas de la batería. De ahí en adelante los demás empezaron a grabar sus nuevas creaciones.

Recién el 17 de Julio volvieron a retocar la canción, y esta vez fue Paul el que metió mano y agregó una nueva pista de bajo, mientras George agregó coros. En tanto Ringo grababa unos artesanales efectos de sonido haciendo burbujas en un vaso de agua con el fin de simular un fondo marino. Al otro día la canción ya estaba hecha, y lista para ser incluida en el disco.

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YOU NEVER GIVE ME YOUR MONEY (John Lennon / Paul McCartney)

Oh! Esa mágica sensación De no tener donde ir…

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"You Never Give Me Your Money" también forma parte del mítico lado B, que es un medley de canciones, del disco Abbey Road lanzado en Septiembre del año 1969. Este disco es uno de los mas aplaudidos dentro de la exitosa carrera de esta banda que pasó a la historia del siglo XX por sus extraordinarias melodías. "Abbey Road" es, en definitiva, la mejor despedida que una banda puede hacer a sus fans. Un disco completo, lleno de magia musical, con exploración musical de alta calidad y con cuatro músicos inspirados en crear melodías eternas.

Si analizamos el contexto en que se hizo ese disco, podemos llegar a la conclusión de que a mediados de 1969 las relaciones personales entre los cuatro integrante de la banda estaban en un nivel bajo, y la razón principal era el dinero.

Es que el derrumbe económico de The Beatles empezó en 1967 tras la repentina muerte de su manager Brian Epstein, quien tenía en sus manos todas las finanzas de la banda y no se le iba ningún peso fuera de las cuentas corrientes de cada integrante. Él era el cerebro financiero de una banda que era grito y plata, y de paso, con él se fueron muchos proyectos para los Fab Four.

Tras ese trágico episodio, John Lennon decidió contactar al señor Allen Klein, quien había trabajado con los Rolling Stones, y que tenía la "pinta" para remplazar a Epstein... Pero ese fue el comienzo del fin. El primero en reclamar la nueva administración de sus fondos, fue Paul McCartney quien decidió dejar estampada su protesta en una canción. Se trataba de "You Never Give Me Your Money", la cuál trataba sobre las disputas comerciales entre la banda y la nueva junta financiera.

"Esta canción iba directamente dedicada a la actitud de Allen Klein hacía nosotros. No nos importaba la censura, pero estábamos cansados del "no hay dinero", "tenemos divertidos papeles" y todas las promesas que jamás cumplía. Era básicamente una canción sobre no confiar en cualquier persona y que encontró su camino en el medley final de Abbey Road" comentaría el mismo Paul en una entrevista hecha a un medio en el año 2002. Cabe señalar, que para mediados del año 1969, cada uno de los miembros de Los Beatles tenían grabadas diversos demos de canciones aún sin terminar. En este caso, Paul buscó cuatro de sus canciones, y de una manera inteligente y muy profesional las logró combinar para que sonaran como una sola.

Así fue como nace "You Never Give Me Your Money", que sería una de las melodías esenciales dentro de ese disco, ya que marca el inicio del "medley" que marcó la cancha para otras obras musicales. También es una de las pocas canciones de The Beatles, que habla, aunque de manera metafórica e indirecta, sobre la desintegración de la banda.

Aquí Paul deja en claro su queja hacia esas personas que sólo buscan apoderarse del dinero de los demás bajo un delicado y suave toque de piano a ritmo de balada, hasta que la cosa se pone seria cuando aparecen los demás componentes de la banda, entregando una canción digna y el acompañamiento perfecto ante las quejas de "Macca" por no tener ni rastro de todo el dinero que ganaban, y denunciando que estas cosas hacen que las negociaciones se vayan "a las pailas".

Una de las frases que marcan el discurso de Paul es "Funny Paper", con la cuál él y los demás integrantes de la banda se sentían representados en cuanto a su frustración por todo el trámite que tenían que pasar hasta llegar donde sus contadores, quienes sólo redactaban y leían documentos sobre un dinero que no existía...

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""Funny paper", eso era lo único que teníamos. Eran trozos de papel donde aparecían nuestros sueldos, pero jamás los vimos transformados en libras, chelines ó peniques. Todos teníamos una gran casa, un coche y una oficina, pero jamás obtuvimos nuestras verdaderas ganancias" comentaría George Harrison en 1969, tras comentar el tema de los recortes monetarios que hacían sus nuevos gerentes.

Así fue como un 16 de Mayo del año 1969, The Beatles empezó a grabar esta nueva pieza de McCartney. En total, fueron 36 tomas las cuales llegaron a un repentino final cuando a raíz de los acordes de guitarra un motivado John Lennon empezó a cantar: "One two three four five six seven, all good children go to heaven". En esa sesión de grabación participaron Paul en voz y piano, John y George en guitarras y Ringo en la batería. Recién el 1 de julio McCartney volvería a retomar la canción agregándole un doblaje a su voz, y dos semanas después, el 15 de Julio, se agregaron nuevas percusiones.

El famoso solo de guitarra con que cierra la canción, fue escrito por Paul mientras estaba en Nueva York junto a su esposa, Linda. Dicho sólo fue agregado el 1 de Agosto, fecha en que la canción quedó terminada.

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I'VE GOT A FEELING (John Lennon / Paul McCartney)

Todo el mundo tuvo un sueño húmedo Todo el mundo vio el amanecer…

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"I've Got a Feeling" fue publicada dentro del polémico disco Let It Be (lanzado en mayo de 1970). En este disco, y como forma de lograr lubricar nuevamente las relaciones personales entre los integrantes, el grupo decide volver a lo básico, es decir, retomar los acordes del blues y del rock and roll con el fin de retomar la magia perdida con el paso de los años a causa de temas internos y también externos.

Por ello, este desordenado disco cuenta con una sobreproducción en manos de Phil Spector, quien hizo lo que pudo con esas viejas cintas que The Beatles había dejado como registro de sesiones entre 1968 y 1970, las cuáles serían el soundtrack de la cinta-documental del mismo nombre.

En medio de toda esa tormenta, los dos cerebros de la banda, Paul y John, habían retomado sus fuerzas creativas y habían decidido volver a trabajar juntos cada una de las canciones, con el fin de mostrar unidad y de dejar muy en claro que la banda no estaba en sus tiempos finales. La ultima vez que estos dos músicos habían unido fuerzas creativas en una canción fue en la creación de la "rola" "Baby You're A Rich Man". Por ello, y a finales del año 1968 Lennon y McCartney empezaron a crear material de manera activa en la casa del bajista, ubicada en Cavendish Avenue, en Londres.

Gran parte de la canción fue escrita por Paul McCartney, quien ya tenía una idea bordada y que estaba inspirada en el gran amor que le tenía a Linda Eastman, mujer que le cambió la vida y con quien se casaría recién en marzo de 1969. Por ello, esta rockera pieza iba con dedicación especial hacía su futura esposa.

Por otro lado, y en un contraste muy llamativo, Lennon no la estaba pasando muy bien, debido a que pasaba por un momento muy delicado tras la dura separación legal con Cynthia, su primera esposa, y que llevó a que fuera separado de su hijo Julian. Además, en esos días el músico estaba naufragando en un mar de heroína y su fuerte adicción ya lo tenía algo podrido y cansado. Pero eso no era todo, ya que su nueva pareja, la polémica Yoko Ono, había sufrido la pérdida de su embarazo a causa del stress de haber sido arrestados por posesión de marihuana en un sorprendente rastreo que ya se había "echado" a las rejas a varias estrellas de rock.

Por eso, es que a la positiva letra de McCartney en "I've Got a Feeling" se le incluye frases de una canción escrita por Lennon durante las grabaciones del álbum Blanco, llamada "Everybody Had a Hard Year", que era un contraste natural a lo que hablaba el inocente Macca, y que estaba inspirada en esos duros momentos que estaba pasando por esas fechas . Tal como lo hicieron en varias ocasiones, en especial en la obra magna llamada "A Day In The Life", ambos talentosos compositores unieron sus ideas, sus acordes y formaron una canción de alta calidad, y de una potencia musical muy notable, que la tiene como una de las canciones mas aplaudidas de esa etapa Beatle.

Un 22 de Enero del año 1969, y en las duras y cansadoras sesiones de grabación que se llevaron a cabo en los Twickenham Film Studios, The Beatles graban "I've Got A Feeling" con un invitado de lujo para apaciguar las aguas: Billy Preston en teclados (quien posteriormente grabaría esta canción con Harrsion y Clapton en guitarras).

Al otro día, la banda retomó la canción y la volvió a grabar, pero esta vez de manera definitiva y lista para ser interpretada en vivo. Pero Paul y John aun no estaban ciento por ciento a gusto con la canción, y decidieron volver a retocar algunos detalles entre el 27 y 28 de Enero, pero finalmente fue retocada el día 30 de ese mes en el famoso concierto que dió la banda en la azotea de los estudios Apple. En esa ocasión la banda tocó dos veces la canción, siendo elegida la primera versión para ser incluida en el film "Let it Be" y posteriormente en el disco.

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Y al final el amor que tomas es igual al amor que haces

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TRACKLIST:

1. In Spite of All the Danger 2. Cry for a Shadow 3. I'll Follow the Sun 4. I Don't Want to Spoil the Party 5. She's a Woman 6. Things We Said Today 7. You Like Me Too Much 8. If I Needed Someone 9. And Your Bird Can Sing 10.Hello, Goodbye 11.When I'm sixty four 12.Glass Onion 13.Martha My Dear 14.Yer Blues 15.Maxwell's Silver Hammer 16.Octopus's Garden 17.You Never Give Me Your Money 18.I've Got a Feeling

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