Lysmåler magazine - n#1 - julio2014 -

lysmåler número 1 - julio ´ 14

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Lysmåler magazine Dirección Arte Miriam Arizpe Dirección Contenidos Santiago Alguacil Colaboradores

©Paco Peregrín

Óscar Latorre-Bosch Tony Yagüe Alberto Rodríguez Recio Ana Martínez Requena Mª Ángeles Alonso Ávila Info info@lysmalermagazine.com Número 1 - julio 2014 @Todos los derechos reservados

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©Víctor Moreno

©Carlos Rejas Photography

◆ Editoriales ◆ Gonzaga Manso ................................................. 9 Paco Peregrín .....................................................17 Jaqueline Vanek ...............................................27 Carlos Rejas ........................................................39 John Ribes .............................................................47 Rocio Verdejo .....................................................57 Mara Alonso ..................................................... 101 Víctor Moreno .................................................113 Santiago Alguacil ........................................123

◆ Secciones ◆

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¿Dónde se fabrica lo que llevas puesto? ........ 66 Exposición: Philip Lorca diCorcia........................ 76 Lomoterapia como forma de vida ....................... 86

Miriam Arizpe

Alberto Rodríguez Recio

Ana Martínez Requena

Tony Yagüe

Óscar Latorre-Bosch

Reportajes

Recomendaciones Lectoras....................................... 96 Entrevistas Alberto Van Stokkum (fotógrafo) .............................. 82 Pasquale Caprile (lomography.es) ................................ 91 Lorenzo Herrera (litmind.es) ...................................... 108

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¿tienes Tålento?

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# Editoriales desde el sensor #

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Sólo se me ocurre la palabra ‘Huracán’ Tres meses hace desde que lanzáramos el número 0, del comienzo de la aventura de descubrir “luces titilantes” en el mundo de la fotografía de nuestro país y de cómo dar rienda suelta a una ilusión que, ahora sí definitivamente, toma cuerpo y vida en un verano convulso que marcará el rumbo político y social de este país

Miriam Arizpe

Desde aquí quiero agradecer a nuestros padrinos Hervás & Archer y Alberto Van Stokkum que confiaron en el número 0 de una revista joven y aparentemente sin ningún futuro, para darnos alas y creer que todo es posible.

Pulsa en los enlaces para más info sobre: La fotografía real de Marcus Bleasdale que inspiró el viaje de ‘Walter Mity’ (2013) El leopardo de las nieves Según un post en nikonians.org se usó F3/T con un 300mm f/2.8 AF-S G en esta escena

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‘Huracán’ porque la fuerza que nos dáis a diario a través de la web de la revista y de las redes sociales hace que cada noche de los tres meses en vela programando nuevos editoriales, mirando al futuro, se nos queden cortos. Queremos más.

Queremos ver y publicar los trabajos de los profesionales que nos siguen, queremos ayudar a dar difusión a los tålentos y, queremos, no dejar pasar una sola fotografía que nos ayude a entender el mundo en el que vivimos.

Para hacerlo más gráfico, el sentimiento ha sido tan arrollador como la escena que discurre en las montañas de Afganistán de la película “La vida secreta de Walter Mity”, momento en el que Sean O´Connell fotógrafo de LIFE (interpretado por Sean Penn) agazapado tras su teleobjetivo persiguiendo a un Leopardo de las Nieves, mantiene una conversación con el protagonista de la película. Éste no puede mantener la ansiedad del silencio y pregunta: Walter Mity: “¿Cuando le harás la foto?”

Sean O’Connell: “Las cosas bellas no piden atención. La mayoría de las veces no las fotografío, hay momentos que prefiero hacerlas mías y siento que la cámara me estorba.”

En Lysmåler Magazine, estamos disfrutando de la vida que ha cobrado la revista por sí sola y que ahora, en su número 1, se hace mayor agarrándose a las montañas para ser única en su especie.

Como el Leopardo de las Nieves. Como un Huracán de flashes.

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Santiago Alguacil

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Ya han pasado tres meses desde que pusimos en marcha nuestro pequeño viaje. Las ilusiones y los preparativos de meses cristalizaron en el número 0.

Ahora, poco tiempo después, con las maletas ya hechas, llenas de ilusión, de trabajo, de esfuerzo, comienza, por fin nuestro viaje. En él nos hemos encontrado gente maravillosa que hace que el esfuerzo se olvide, de ánimos, de confianza, de pequeños fracasos, pero con ganas de mejorarlo... y sobre todo de retinas llenas de imágenes increíbles.

Por fin, nuestra pasión, tomaba forma y echaba a andar.

Ahora toca entrar en la primera estación y esperamos que os agrade a todos. Nos han emocionado vuestra aceptación, y la colaboración de muchos de vosotros, sin la cual hubiera sido imposible. Esperamos también vuestras críticas y vuestras ideas.

Abrimos también una sección en la web, Tålentos, en la que nos encantará publicar vuestros trabajos, y que no siempre es posible publicar en la web. Podéis mandar también vuestros Fashion Films.

En resumen, esperamos que esta primera estación sea de vuestro agrado y recordando a Jack Kerouac: “En cualquier viaje, lo importante no es llegar al destino. Lo importante es el viaje.”

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# Gonzaga Manso #

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# Gonzaga Manso #

“la luz es luz, la puedes usar como quieras.”

Leer el blog de Gonzaga es como estar dentro de la producción de la fotografía que nos está contando, es fácil imaginarse el proceso de creación desde que surge en su cabeza.

“Me encanta cuando tengo que pensar una foto a partir de la nada. En ese momento todo es posible, puedes crear cualquier mundo que imagines, transmitir las emociones que sientas (o morir en el intento) y sobre todo contar la historia que quieras. La historia.

Una foto sin una historia detrás no tiene sentido para mi. Una modelo en un lugar cualquiera con una ropa bonita me aburre…

Ya lo he visto. Quiero que me cuenten algo, que me hagan pensar, que me muevan. Y eso intento hacer yo, unas veces con más éxito y otras con menos. Creo que hacer las fotos que a mi me gustaría ver es el mejor baremo que existe, el mejor indicador para saber si vas por buen camino.

Preguntarse a uno mismo “Esta foto que acabo de hacer, ¿me gustaría verla en una exposición?” es lo que a mi me determina si es una buena foto, o no lo es.” gonzagamanso.blogspot.com.es

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# Alba García # # Gonzaga Manso #

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PacoPeregrín Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla, amplió su formación en el International Center of Photography de Nueva York, el Central Saint Martins de Londres, el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (Sevilla), la Fundació Pilar i Joan Miró a Mallorca, la Universidad Complutense de Madrid, la Universidad de Santiago de Compostela y la escuela de fotografía EFTI de Madrid.

Actualmente reside en la capital española, donde realiza proyectos personales y fotografía de moda, belleza y publicidad para revistas como Vogue o Harper’s Bazaar y clientes como Dior, Chanel, L’Oréal Paris o Adidas. Ha impartido talleres y seminarios en el Istituto Europeo di Design (Madrid), el Centro Andaluz de la Fotografía (Almería), Arteleku, ESDEMGA (Universsidad de Vigo), durante PHotoEspaña y en EFTI. Centrado en la fotografía publicitaria, artística y de moda internacional, en sus imágenes vanguardistas se percibe un carácter retro-futurista y la influencia de corrientes culturales y estéticas propias de la pintura flamenca y el Barroco (tan presente en la ciudad de Sevilla, donde residió en su etapa de formación), o los movimientos artísticos más contemporáneos y los lysmå lerMAG

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# Paco Peregrín #

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En este tipo de trabajo, no hay curriculum que valga, salvo tu propio trabajo, tu obra. www.entrecámaras.es 2013

www.pacoperegrin.com @pacoperegrin https://www.facebook.com/pacoperegrin https://www.behance.net/PacoPEREGRIN lysmå lerMAG

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mass media. Transmite a sus creaciones sus conocimientos en diseño gráfico, comunicación y teatro.

En los últimos años ha participado en las exposiciones colectivas Art on the Edge: the New Contemporary (Vered Gallery, Nueva York, 2011), Génesis (Galería H2O, Barcelona, 2011) y Mundos Propios (Fundación Valentín de Madariaga de Sevilla, 2012), y presentando Beautiful Monster en la Visionairs Gallery de París (2012). También ha expuesto su trabajo en museos como el Centro Andaluz de Arte contemporáneo (Sevilla), el Museo Cristóbal Balenciaga (Getaria, Gipuzkoa) o el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona. En 2008 recibió el Premio Nacional de Fotografía Profesional LUX Oro en la categoría de “Moda y Belleza”.

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# Paco Peregrín #

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# Paco Peregrín #

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# Paco Peregrín #

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фетиш геометрия LA GEOMETRÍA DE LA PIEL

La geodésica marca el camino más corto entre dos puntos. Para los que viven en su plano interior, este camino siempre es una recta, sin embargo para los que unen el espacio y el tiempo es una curva. A veces curva tensa, a veces laxa, a veces un lazo, otras un bucle, una espiral, una obsesión, una pasión, un deseo.

La geodésica reside sobre cada cadera, en cada muslo, en cada pecho, se amolda, se tensa, se convierte en segunda piel.

Manda sobre la reflexión, tira del ombligo, te mueve, te ata, te envuelve.

Sólo ven la geodésica los que apartan la vista de la geometría del plano.

Jaqueline Vanek www.jaquelinevanek.com info@jaquelinevanek.com

Photography & Styling: Jaqueline Vanek Model: Lidian Van Megen Human Models (NL) & MD international Model division (ES) All dresses: Jaime Piquer Latex: Coco Late Shoes: Jeffrey Campbell Makeup & Hairstyling: Sara Nieto Special thanks goes to the showroom QÜIN & JAURE MUR for helping out as assistant

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Carlos Rejas

Link al facebook de Carlos Rejas https://plus.google.com/+CarlosRejas @carlosrejasphotography

Photography: Carlos Rejas Styling: Gisela Cid Model: Gemma Colomer @Carmen Durรกn Agency Hair & Make Up: Kuki Gimenez Production: Amelia Carrasco Digital Assistant: Alfredo Ausina Photography Assistant: Bruno Reis Digital Artwork: V+Studio Creative

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# Hervรกs Archer # Carlos & Rejas # #

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# Hervรกs Archer # Carlos & Rejas # #

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John Ribes Nacido en la ciudad norteña de Logroño, a los 32 años descubrió de forma accidental la fotografía, de la mano de un buen amigo. Tal fue el flechazo tras hacer su primera foto, que a los cuatro meses había abandonado todo y se estableció en Madrid, donde aprendió el oficio y descubrió su amor por los retratos.

Desde entonces trabaja para diferentes medios haciendo retratos y fotografía de moda

http://johnribes.com/nRibes https://www.facebook.com/JohnRibesPhotography @JohnRibes

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Fotografía: John Ribes Modelo: Caro Kullman (UNO Models) Estilismo: Leyre Sánchez Viñuela Maquillaje y peluquería: Rose Müller Ayudante de peluquería: Laura Infante Asistente de fotografía: Brian Ventura Retoque: Tony Yagüe Producción: Solange Freyre Asistente de producción: Irene Moreno

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# John Ribes #

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# John Ribes #

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Especiales gracias a “mis talentos” por su simpatía y predisposición, sin ellas no habría sido posible. Gracias a Innovafoto por el excelente equipo fotográfico Mamiya 645, respaldo Credo 80Mb y objetivos Schneider. No se puede trabajar con mejor material. Gracias a Solange y a Irene por hacernos sentir cómodos y arropados con su excelente trabajo de producción.

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RocíoVerdejo lysmå lerMAG

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Esta joven de procedencia granadina estudió Comunicación Audiovisual en la Universidad de Málaga y un máster de Fotografía en Madrid, donde actualmente reside y compagina su trayectoria artística con su trabajo como realizadora y directora de arte en publicidad.

Rocío afirma que le encanta estudiar la luz en la pintura. Se deja influenciar por cantidad de corrientes y autores, tales como los prerrafaelistas, Hopper, Arnold Böcklin, Andrew Wyeth, Francesca Woodman, etc.

En la escultura, el Barroco italiano. También se siente muy influenciada por películas como las de David Lynch y por los grandes del mundo de la moda como Helmut Newton o Guy Bourdin. Y por supuesto, por los maestros de la fotografía escenificada como Erwin Olaf, Alex Prager, Julia Fullerton- Batten o Gregory Crewdson”.

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# Rocío Verdejo #

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En este trabajo, la artista nos trae imágenes escenificadas que representan recuerdos y sueños que cuentan situaciones muy relacionadas entre el ser humano y su manera de entender la muerte.

“Al tratarse de historias intrínsecas al ser humano no quiero acercarme de forma documental o social, sino que quiero trabajarlas de una manera artística, aportando mi punto de vista.” El proceso de creación de su trabajo, desde la gestación de la idea hasta su exhibición es largo y laborioso. La mayoría de las imágenes que desarrolla vienen de sue-

ños, pesadillas recurrentes o historias que le acompañan desde hace años. Utiliza la fotografía escenificada para convertir esos pensamientos en imágenes estáticas llenas de símbolos y con múltiples lecturas, como fotogramas de una película que tiene que completar el espectador. “Primero investigo sobre el tema que quiero trabajar y me concentro en la fundamentación más teórica del proyecto. Cuando tengo claro en qué universo voy a moverme, proyecto sobre papel todas las imágenes que compondrán el proyecto. Una vez pensado el contenido hay 59

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# Rocío Verdejo #

Mundo Tribal

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que trabajar con el resto del equipo, que es lo más importante”.

Todas las fotografías comparten un cierto aire años 60 en su estética pero su cromatismo les da un quiebro que hace que la imagen resulte mucho más contemporánea y con toques cinematográficos. Fotografía narrativa al estilo de las obras ‘posmortem,’ y de los retratos ‘memento mori’ de la época vic-

toriana de finales del siglo XIX en las que se retrataba a los seres queridos fallecidos simulando que estaban vivos para recordarlos tal y como eran. En definitiva, nos encontramos con situaciones extremas que rozan lo cómico en relación al contenido, donde hay un fuerte choque entre lo bello y armonioso en contraposición a la tragedia sentimental que se narra.

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Es tiempo de pensar éticamente: ¿DÓNDE SE FABRICA LO QUE LLEVAS PUESTO? Texto original: Carol Guardia (Fashion Blogger) Adaptación y fotografías del evento: Óscar Latorre-Bosch

Se podrían contar con los dedos de la mano las capitales del mundo donde cada día del año hay un evento relacionado con la moda. Londres es una de ellas, y lo difícil no es acceder a estos eventos sino saber en cuál de ellos no estás perdiendo tu valioso tiempo. Una selección a la que dedico un par de horas todos los lunes por la mañana. Sin duda entre tanto Opening Day (inauguración de algo) y Press Day (día para la prensa) me encuentro con un evento diferente, donde no se va a intentar venderme algo sino mostrarme el lado ético de la moda, el cual me atrae enormemente. Levanto el teléfono, como si eso fuera posible ahora con los modernos smartphones, llamo a mi amiga Carol, fashion blogger y la convenzo para asistir y hablar sobre dicho evento, el Fashion Revolution Day. Poniéndonos serios, porque el tema así lo requiere; el pasado 24 de abril se cumplió un año del accidente en una fábrica de ropa en Bangladesh donde 1133 personas perdieron la vida, 2500 resultaron heridas y 800 niños quedaron huérfanos. Lo cierto es que, lamentablemente además de este desgraciado suceso puntual, catástrofes medioambientales y sociales relacionadas con la industria de la moda suceden constantemente. Además, la industria textil es una

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◆ Óscar Latorre-Bosch ◆

de las que más contribuyen a la polución global del planeta y, aún así, la mayoría de las firmas y fabricantes de ropa no destinan ningún esfuerzo a concienciar al consumidor acerca de ello, prevaleciendo los intereses comerciales frente a los ambientales y humanos.

El propósito del proyecto Fashion Revolution Day es marcar este día en el calendario, el 24 de abril, como un evento internacional anual para abrir un marco de reflexión para concienciar al consumidor y a la industria de la moda sobre las condiciones laborales de quienes fabrican las prendas que llevamos, y educarnos acerca de cómo nuestra actitud como consumidores puede impactar sobre el comportamiento de las principales firmas y fabricantes y su relación con sus trabajadores y el medio ambiente.

La moda tiene un gran impacto en nuestra sociedad y en nosotros mismos. La moda sirve para celebrar, provocar y entretener.

Y ahora, cada 24 de abril, va a servir además para reivindicar, catalizar acciones y reconectar enlaces rotos entre consumidores, diseñadores, firmas, tiendas, fabricantes, agricultores y trabajadores. Una concienciación que es necesaria para una transformación hacia un futuro más sostenible y hacia una fabricación más transparente.

Para solidarizarte con este proyecto, sólo es necesario que cada 24 de abril lleves tus prendas al revés (en inglés: inside out) mostrando sus etiquetas, para así divulgar y concienciar al resto de tus compañeros sobre dónde y cómo se fabricaron cada una de las prendas. Tómate una foto y muestra tus prendas en Instagram o Twitter etiquetándolas con @Fash_Rev y #InsideOut, y no te olvides de marcar este día en tu calendario.

Tu ropa cuenta una historia acerca de ti pero, a partir de ahora, contará una historia mejor.

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el desembarco de Asia Eclosión de talento y color Fotografías del desfile: Óscar Latorre-Bosch Entrevista: Justyna Wladarz Texto introductorio y traducción: Óscar Latorre-Bosch

Hoy es uno de esos días que adoro mi trabajo. Miro mi agenda: nada importante. Aplicamos el tan sabio refrán español que dice para qué lo vas a hacer hoy si lo puedes dejar para mañana y decido dedicar el día a eso que los ingleses llaman “networking”, que no es otra cosa que salir al mundo y relacionarse con otros profesionales. Llamo a mi amiga Justyna; me comenta que su amiga diseñadora de ropa viene precisamente hoy de Brighton a Londres para ver el desfile de fin de curso de una de las diez mejores escuelas de moda del mundo, el London College of Fashion (LCF). Bien, ya tenemos plan: me uno a ellas.

El desfile de los estudiantes de la escuela no me dejó para nada indiferente, sino más bien todo lo contrario; inesperadamente me encontré ante una eclosión de talento y color. No obstante, me quedé con una inquietud. Nada más terminar el desfile, me di la vuelta hacia mi amiga y le comenté: “¡si eran casi todos diseñadores asiáticos!” Así es, ya no sólo la producción de ropa se localiza principalmente en Asia, sino que además sus jóvenes diseñadores de moda ahora abundan en las más prestigiosas escuelas de diseño de todo el mundo: Londres, París y Nueva York.

Algo que hace sólo unos años era reservado al exclusivo y elitista circulo europeo y estadounidense. ¿Es este su siguiente paso hacia una monopolización total de la industria de la moda?

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Debo decir que una vez más el networking funcionó de maravilla y dos de los diseñadores que conocí en el desfile, Ning Sun y Zishan Li, decidieron llamarme para encargarme el catálogo de sus diseños; querían algo vistoso y creativo. Y así procuré en mi estudio de Londres, esperando que las fotografías estuvieran al mismo nivel que sus diseños. Al finalizar las sesiones le comenté a mi amiga Justyna Wladarz por qué no se encargaba de realizarles una entrevista para la revista Lysmåler.

Pero antes de mostrarles la entrevista, permítanme un breve apunte. Siempre adoré el papel de Bill Murray y Scarlett Johans-

son en la película “Lost in Translation”.

Por cierto, ¿la han visto ustedes? Si no es así, véanla por favor, además de gustarles de paso quizás entiendan cómo me sentí traduciendo las respuestas de estos dos jóvenes diseñadores. Me pregunto: ¿porqué es tan complicado entenderse con la gente asiática? ¿Es simplemente una barrera cultural o la dificultad se encuentra enraizada a nivel de estructuras mentales originadas por la diferencias gramaticales del idioma? Reconozco que me ha quedado la pregunta al más puro estilo Eduard Punset, pero me sirve para advertirles: something was lost in translation.

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◆ Óscar Latorre-Bosch ◆

Ning Sun & Zishan Li diseñadores de moda University of the Arts London

Entendemos que Londres y París son las capitales europeas de la moda, las cuales atraen diseñadores de todo el mundo, pero ¿cuáles son las capitales de la moda en Asia y ZL: No fue muy complicado. Realicé un curso internacional en China, donde me moscómo es su estilo diferente al nuestro?

Ning Sun: Hay muchos centros de la moda en Asia, principalmente Tokio, Hong Kong y Seúl. A diferencia de los europeos nuestro estilo es más cute e “introvertido” [Lost in Translation]. A la gente le gusta ser especial, distinta, pero no demasiado, pues les preocupa más lo que la gente opine de ellos.

Zishan Li: En China son Pekín y Shangai. La diferencia está en que la gente no lleva tatuajes ni joyería. ¿Cuál es vuestro diseñador favorito?

NS: Mi diseñadora favorita es Miuccia Prada.

ZL: Me gusta el trabajo de Phillip Lim, JC de Castelbajac y Christian Lacroix, entre otros.

traron cómo preparar mi porfolio, seguido de una entrevista.

La mayoría de los estudiantes de las más prestigiosas escuelas de Londres provienen de China, Hong Kong y Corea del Sur. ¿Porqué creeis que los diseñadores asiáticos tienen tanto éxito en Londres?

NS: Quizás por que nuestro diferente fondo cultural nos hace especiales en Londres.

Creo que Londres es un buen lugar para gente con talento y creatividad. Es más sencillo aquí ser aceptado por tu diferencia cultural y tener más oportunidades para empezar una carrera.

ZL: Creo que en Londres hay más libertad y más oportunidades.

Estudiásteis en una de las más reputadas escuelas de diseño de todo mundo, el London College of Fashion. ¿Fue difícil ser aceptado en La creencia común es que los estudiantes la escuela? Cuéntadnos el proceso de selección. asiáticos son más trabajadores que los NS: Fue complicado solicitar la plaza desde europeos. ¿Es esto cierto? ¿Cuántas horas al mi país. Tuve que acceder a un curso preli- día dedicais a tu trabajo?

minar de un año, mientras iba preparando mi porfolio y estudiando inglés. Recibí la oferta para acceder al LCF en una primera entrevista en Pekín.

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NS: No lo sé. Creo que no es mi caso, hago una jornada normal como el resto.

ZL: Depende. Alguno de ellos trabaja muy duro.

◆ Entrevista ◆

http://showtime.arts.ac.uk/purplemountain

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◆ Óscar Latorre-Bosch ◆

¿Cómo es un día normal de un estudiante de moda?

NS: Por el día clase, cosiendo, etc. Por la noche búsqueda e investigación, dibujar, etc.

Algunas veces hasta muy altas horas de la noche, pero lo llevo bien, tengo muchos pequeños respiros.

ZL: Normalmente entro en la escuela a las 9 de la mañana y termino a las 8:30 de la noche, cortando patrones, confeccionando muestras. Las noches las dedico a investigar y diseñar. A la mañana siguiente procuro realizar los diseños. Algunas veces me toca trabajar durante toda la noche.

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Nuestro fondo cultural nos hace especiales en Londres. Creo que es un buen lugar para gente con talento y creatividad.

Vuestra última colección era muy colorida y algo que me hace muy feliz. Lo malo son las largas jornadas de trabajo. divertida. ¿Cuál fue la fuente de inspiración?

NS: Fue bastante personal. La inspiración vino de la decoración de mi habitación, mezclada con mis emociones: mi tristeza o mi alegría, según lo que sintiera en cada momento.

ZL: Mi inspiración fueron dibujos animados y películas de animación y acción, tales como Ghostbusters, Drop Dead Fred o el video ‘Take one me’ de A-ha.

La universidad se terminó. Os habéis licenciado en la London College of Fashion con honores. ¿Ahora qué?

NS: Voy a estudiar un master en moda en el Central Sant Martins de Londres. Estoy muy contento.

ZL: Complementaré mis estudios con otro master en moda sobre Moda y Sociedad en la escuela Parsons en Nueva York.

Todos sabemos que el mundo de la moda puede ser muy duro a la vez que gratificante. ¿Qué es OS concedo cumplir tu sueño dentro de 5 lo que más adorais y odiais de ser diseñador? años. ¿Qué estareis haciendo por entonces?

NS: Sin duda alguna el alto nivel de creatividad que puedo aplicar en mis diseños.

Lo que peor llevo son las prisas, siempre corriendo contra reloj, eso me pone en un nivel de estrés continuo.

ZL: Me gusta confeccionar ropa, el proceso que va desde el diseño al acabado final.

Ver cómo las modelos visten mis diseños es

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NS: Tendré una tienda de moda donde expondré mis diseños y los de otros jóvenes diseñadores, algo parecido a la firma Open Ceremony. Será muy especial e interesante.

ZL: Tengo dos aspiraciones: la primera es trabajar como diseñador principal en una gran compañía, y la segunda es tener mi propio estudio y firma.

◆ Entrevista ◆

http://showtime.arts.ac.uk/sonsney

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◆ Tony Yagüe ◆

Luces y Sombras

Philip Lorca diCorcia Pasadas las presentaciones pertinentes en el número anterior nos metemos en materia directamente, y que materia!

Hoy les hablaré de otro de los grandes fotógrafos contemporáneos ( y que posiblemente, ya es un referente a nivel histórico), Philip Lorca diCorcia.

No podía ser de otro modo, ya que aprovechando la muestra que podemos disfrutar en el Centro de Arte de Alcobendas, era más que obligado hablar de él en este número.

Para los que no conozcan la obra de diCorcia, podemos resumir diciendo que ha sido unos de los fotógrafos contemporáneos más influyentes, debido a su personal estilo, tanto estético como conceptual.

Si analizamos el trabajo fundamental de diCorcia, desde 1987, encontramos una estética muy marcada, podríamos decir que muy cercana al cine, con una iluminación muy particular a medio camino entre la naturalidad total y la luz artificial. También, por supuesto, hay que detenerse en el color, punto importante.

Prácticamente todo su trabajo está disparado en fílmico, con cámara de gran formato, algo que nos ayuda a a entender como llegar a ese color, ya que este punto obviamente nos acerca mucho a esa estética cinematográfica de los años 80 y 90.

En el plano narrativo y conceptual, diCorcia despuntó por proponer un lenguaje que nos sitúa en un “momento casi decisivo”. Con esto lo que nos plantea es una situación nada clara, en la que no se sabe bien qué está pasando, o que ha pasado, o va a pasar. Resultado: tensión e incertidumbre. Habrá a quien no le guste, para mi es una maravilla.

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◆ Reportaje ◆

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◆ Luces y sombras: Philip Lorca diCorcia ◆

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Por hacer el símil, es el cine no perder el ambiente y la de suspense llevado a la fo- atmósfera, algo muy usual al utilizar luz artificial en extografía. teriores.

Metiéndonos un poco en el plano técnico, destacar Con todo esto presente, como uno de sus puntos más casi sobra decir que el uso distintivos que tras trabajar de retoque es en la mayoría como ayudante de fotógra- de los casos inexistente o fos de publicidad y conocer escaso, quedando para pelas técnicas y medios para queños ajustes y cuestiones iluminar, los aplicó poste- mínimas. La toma es magníriormente en sus trabajos. Y fica, es lo que tiene. lo hizo de manera magistral, ya que llego a ese punto en Llegar a ese acabado en diel que la imagen no es puro gital es bastante complejo, documentalismo, pero tam- ya que conseguir las denpoco es publicidad o moda. sidades, y sobre todo la La utilización de un flash de textura es complicado. Se estudio en una localización podría intentar emular, por (normalmente previamente supuesto, partiendo de una estudiada y medida) hace muy buena toma y a base de que las imágenes de diCor- un trabajo muy fino de concia tengan esa estética tan traste y densidad. personal. Eso sí, el flash está utilizado en su justa medida La obra de diCorcia, es basen cada caso para conseguir tante extensa, contando con varias series, realizadas por todo el mundo, ya sea en viajes comerciales para realizar diversas editoriales por ejemplo para la revista W magazine, con la que trabajó bastante tiempo, como realizando sus trabajos personales.

Por hacer el símil, es el cine de suspense llevado a la fotografía.

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más representativos. La primera serie, Heads, nos llama la atención por conseguir retratos, naturales y sin posado alguno, de ciudadanos andando por la vía publica, pero totalmente aislados del resto de transeúntes por una luz de flash que aparentemente da la sensación de estar ante un trabajo completamente escenografíado.

La explicación es el método en como toma diCorcia los retratos, colocado muy lejos del punto donde pasa el personaje en cuestión con su cámara de gran formato y un gran teleobjetivo para no ser visto, sitúa una marca en el suelo, y un ayudante controlando el flash que se disparará cuando se realize el disparo. De este modo, el sujeto no es consciente de que se le ha tomado una foto, y el momento es completamente natural pero con una estética que no lo es tanto.

La segunda de sus series más conocida es Hustlers, en la que retrata a prostitutos de Los Ángeles a comienzos de los 90. Desarolló el proyecto con una beca y pagó a cada Destacar quizás dos de los retratado por el tiempo que

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◆ Luces y sombras: Philip Lorca diCorcia ◆

le estuvo haciendo las fotos como si del pago de su servicio se tratase. Previamente había escogido la localización probado luces, para una vez tuviera al personaje principal asegurarse que la toma sería perfecta.

Otros de sus trabajos son la serie Street Work, o los encargos para la revista W magazine, en los que realizaba un trabajo más cercano a la moda, pero siempre manteniendo su estética y señas de identidad.

Saludos, y hasta la próxima.

Retoque digital y post-producción www.tonyyague.com facebook.com/TonyYaguePostproduccionYRetoqueDigital

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◆ Reportaje ◆

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Fotografía: Karlos Sanz

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◆ Entrevista ◆

Alberto Van Stokkum ¿Fotografiar chicas guapas te hace mejor fotógrafo?

La mayoría de la gente afirmaría rotundamente a esa cuestión, pero para despejar las dudas del público más crítico, el equipo de Lysmåler Magazine se sienta con uno de los fotógrafos españoles del momento, Alberto Van Stokkum que nos enseñará lo que es el carácter.

y Alberto ya estaba rebelándonos uno de sus secretos, la utilización del flashazo, un estilo que también lo caracteriza.

El flashazo es una técnica sencilla y muy variable, tanto por sus sub-estilos, como por la infinidad de aparatos o variantes. Es una técnica económica y es por eso que mucha gente la califica de una técnica fácil pero como bien nos cuenta Alberto, que la técnica sea sencilla no significa que no necesite muchas más cosas para que funcione y sin duda él lo consigue pues alcanzar el morbo, lo sensual, lo sexy, sin caer en lo obsceno, eso es lo realmente difícil.

Que alguien sea capaz de alabar a Terry Richardson tras toda la reciente polémica que se cierne sobre su nombre… pues sinceramente nos gana un poco más. Y mejor si nos sigue diciendo que “si tan sencillo es el estilo del Sr. Richardson pues que con un par de cojones, lo hagan”.

Y este alguien no podía ser otro que Alberto Van Stokkum, que sin pelos en la lengua se Demostrando una vez más que la creativireúne con nosotros portando su caracterís- dad es muy importante.Es gracioso cuando se dice que una técnica es sencilla ya que tico pelo rizado. como en todo, para dominarla has de pracEl encuentro parece interesante, además es- ticar muchas horas y además aportar tu tamos en una de nuestras tiendas favoritas arte natural. ¿Os parece sencillo? de Madrid, California Bear, en su zona Loun- 2 cafés sobre la mesa no hacen más que ge. Sin que me diera cuenta, casi apenas no mejorar poco a poco la atmósfera y seguihabían pasado unos minutos de nuestra cita mos conversando.

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◆ Entrevista: Alberto Van Stokkum ◆

No podemos ni tan si quiera plantearnos realizar un shooting “sexy” sin venírsenos a la mente la obra de Alberto Von Stokkum y de hecho en la redacción calificamos a este estilo el estilo Van Stokkum y es por eso que no podemos parar de consultarle una y otra vez.

donde todos apuestan por aportar ideas nuevas y se trabaja en equipo.

Pasan unos instantes y como si nos hubiera leído la mente nos indica que le gusta en sus trabajos todos participen y aporten ideas creando así una conexión entre todos.

gusta improvisar, “crearMeuna lluvia de ideas,

que surjan. No me gusta llevar nada preparado. ¿Cómo lograr una toma que transmita tanta frescura?, pues simplemente nos responde que lo que hace es divertirse él también.

Esto nos hace pensar en un set de rodaje de Alberto y lo primero que nos viene a la cabeza es un set de locura, súper divertido

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Parece que ser un buen fotógrafo no es solo fotografiar a chicas guapas, ya nos queda claro que la actitud es fundamental en este camino, y actitud precisamente no le falta a Alberto Van Stokkum, pero ¿cómo empezó en esto?

Que Helmunt Newton sea uno de sus primeros referentes, la verdad, no nos sorprendió mucho, pues comparten ese toque de picardía, frescura y dinamismo, pero que siendo jovencito hiciera sus primeras fotos a una modelo amiga de un colega que necesitaba unas fotos nos deja entre boquiabiertos y con media sonrisa.

Por un lado el que casi todos compartamos

◆ Entrevista ◆

nuestros comienzos con la amiga modelo de alguien o similares. Y por el otro lado que sus primeras fotos fuesen con una Modelo pues demuestra ser muy echado para delante, valor en definitiva.

las horas invertidas en acting, estudio, edición… todo eso de lo que los profesionales del sector estamos continuamente quejándonos es lo que nos hace ser poco a poco mejores fotógrafos.

En conclusión, para gustos los colores, nunca podremos adelantarnos a las nuevas corrientes ni a los gustos variantes de los consumidores pero de este encuentro tan gratificante hemos podido desgajar que pese a utilizar técnicas que algunos pueden considerar sencillas, la falta de dinero,

Si esto te ha sabido a poco puedes ver todo nuestra charla con Alberto Van Stokkum en California Bear y descubrirás muchos más datos interesantes.

Alberto Rodríguez. http://albertoraw.tumblr.com/

Visita la página de Lysmåler magazine en la que podrás disfrutar de la entrevista completa con nuestro padrino de excepción 85

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◆ Reportaje ◆

Lomoterapia como forma de

vida “¡No pienses, dispara!”, esa es la base de la filosofía para los lomoadictos. La lomografía es la marca comercial registrada del fabricante de Lomographische AG Austria, para productos y servicios relacionados con su técnica de fotografía.

Su nombre se inspira en el del fabricante de ópticas LOMO PLC de San Petersburgo, Rusia. Que por aquel entonces era la Unión Soviética.

Fotografías cedidas por : Pasquale Caprile (http://www.lomography.es)

LOMO PLC fabricó y produjo la cámara LOMO LC-A, una máquina de 35 mm compacta y automática, que llegó a ser el producto fundamental de las actividades comerciales y de marketing de la marca. Esta máquina era una copia descarada de la cámara japonesa Cosina CX-1 del fabricante Minox.

La LOMO LC-A, fue la primera cámara LOMO y fue introducida a principios de los años 80. Se ha mejorado posteriormente sacando otra versión llamada LOMO LC-A+.

Este fue el modelo que sentó las bases de la lomografía y que aun actualmente goza de una buena representación en el mundo de las cámaras LOMO. Esto es debido a las características de esta máquina fotográfica. Muchas cámaras posteriores también han sabido acoplar estas características a su diseño. Algunas de estas peculiares características son, por ejemplo, el tipo de lente. Su lente se caracteriza por imprimir una importante intensificación de los colores en el objeto fotografiado, como los colores tienen mayor presencia en el centro de la foto y un efecto de oscurecimiento en las esquinas de la foto, se da un efecto túnel.

Otra de sus características seria el ajuste de exposición.

La cámara dispone de una palanca que permite ajustar el modo en automático o manual. Se pueden conseguir además efectos de velocidad o movimiento. Respecto al foco, el enfoque en esta cámara era muy rudimentario, pues disponía tan sólo de 4 modos: 0,8 metros, 1,5 metros, 3 metros e infinito. Esto provoca que muchas fotos salgan desenfocadas, pero a la vez con cierto estilo artístico y original. Las características de las fotografías hechas con la cámara LC-A son derivadas a la mala óp-

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◆ Lomoterapia como forma de vida ◆

tica que tenía. Se trataba de un gran angular Minitar 1 cuyo diseño fue tan malo que provocaba aberraciones cromáticas o errores de gamma, un efecto de viñeteado (oscurecimiento de los bordes) y una sobresaturación de los colores.

Relación con la URSS El fenómeno lomográfico comenzó en San Petersburgo, en 1982 con la creación de la cámara LOMO LC-A. Esta cámara era una copia mejorada de la cámara japonesa Cosina CX-1. En la Unión Soviética se dio la orden de que se produjera esta cámara en masa para el deleite fotográfico del pueblo. Así fue como se comenzó a producir en masa en 1984 la primera serie de la cámara fotográfica LOMO LC-A. Inicialmente se produjeron 1.100 unidades por mes. Este producto era exclusivo para el mercado ruso, aunque después se exportó a otros países que formaban par-

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te de la Unión Soviética como: Ucrania, Polonia, Checoslovaquia e incluso Cuba.

Unas 1.200 personas trabajaban de forma exclusiva en la cámara LOMO LC-A, de las cuales, 500 se dedicaban solo al montaje.

Esta máquina logró conquistar y hacerse un hueco en el corazón y los bolsillos de los rusos de la época.

En Praga durante el mes de mayo de 1991.

Dos estudiantes de arte austríacos llamados Matthias Fiegl y Wolfgang Stranzinger estaban pasando sus vacaciones en Checoslovaquia. El país estaba saliendo de la esfera de influencia soviética y aún podían encontrarse productos de la URSS a precio de saldo. En ese momento, los días dorados de la cámara LC-A ya tocaban a su fin.

La LOMO LC-A había dejado de producirse, solo pudiéndose adquirir en tiendas de fotografía antiguas. Cuando estos estudiantes vieneses se toparon con esta cámara y vieron sus increíbles imágenes, resultados y efectos, empezó a estallar la demanda de

Reglas de la lomografía: 1. Llévate tu LOMO allá donde vayas.

2. Utilízala a todas horas, de día o de noche.

3. La Lomografía no es una interferencia en tu vida, sino una parte de ella.

4. Dispara desde la cadera.

5.Acércate todo lo posible al objeto de tu deseo lomográfico.

6. No pienses.

7. Sé rápido.

8. No tienes que saber de antemano lo que has capturado en la película.

9. Ni tampoco tienes que saberlo después.

10. No te preocupes por las reglas.

cámaras LOMO al otro lado del bloque. Se dio paso a una época de importación clandestina de este tipo de máquinas fotográficas. Se utilizó para ello las mejores fuentes y los puestos de seguridad peor vigilados del Bloque del Este.

En 1992 se fundó en Viena la Sociedad Lomográfica (Lomographische Gesellschaft), con el fin de llevar el mensaje de la lomografía a todos los rincones del planeta. A través de exposiciones, fiestas, talleres y giras.

Así se empezó a dar a conocer esta forma de vida, atrayendo a numerosos adeptos a esta nueva forma de ver la fotografía y el mundo.

En 1994 se celebró la primera exposición lomografica en Berlín y comenzaron a crearse embajadas de esta corriente artística en diversas ciudades del resto del mundo. Dos años después, la fábrica soviética que creaba estas cámaras interrumpió su producción, ajena al pujante tráfico de Lomos que demandaba Europa Occidental.

Tipos de cámaras La LC-A original ha dado lugar a decenas de nuevas cámaras, muchas de ellas han conseguido llamar nuestra atención. Existen modelos cuya óptica fija está pensada para producir un defecto concreto en las fotos.

El precio depende del tipo de cámara y el diseño, pero suele ir de los 45 euros a los 150 euros. Algunas de estos modelos son: La LC-A+ Compact Automat. Se ha llegado a cuestionar de esta cámara, made in China, si existe alguna LOMO mejor. Pues tiene lo mejor de la legendaria cámara LC-A, su clásica lente Minitar 1 que te ofrece las mismas imágenes de colores radiantes y esas enigmáticas viñetas que te ofrecía la original y además eleva tu experiencia a niveles insospechados con funciones nuevas, como el interruptor de exposición múltiple, los ajustes ASA mejorados y el botón que se activa soltando un cable para las exposiciones prolongadas. Toda una experiencia lomográfica.

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◆ Lomoterapia como forma de vida ◆

Spinner. Está pensada para sacar panorámicas manuales mediante un mecanismo de muelles. Para ello solo tienes que sostener la Lomography Spinner 360° con una mano, tirar del cordón con la otra y soltar. En una décima de segundo, la cámara gira 360° alrededor de su propio eje y registra todo aquello que te rodea en un fotograma 4 veces más largo que una imagen horizontal convencional.

Fisheye. Da como resultado una imagen circular. Además viene con flash incorporado con el que podrás iluminar tus mejores momentos.

Lubitel 166. Disparar con la Lubitel+ es una sensación totalmente distinta a una digital o cualquier otra. La combinación de su lente de cristal, el formato flexible de 120 o 35 mm, su naturaleza totalmente manual y la ausencia de cualquier automatismo, mirar por un visor al nivel de la cintura, ralentizar los objetos con el enfoque y los ajustes de exposición correctos... Estas son algunas de las características que hacen de esta cámara una experiencia totalmente única que activa todos tus sentidos y te aporta una sensación especial y muy íntima.

Lomokino. Es la cámara de Cine 35mm De Lomography. Graba películas de 144 fotogramas en cualquier carrete 35mm.

Diana Mini Double Rainbow por Tara McPherson. La mezcla de la dulzura de

Diana Mini y el encanto del trabajo artístico de Tara McPherson junto con un toque de rock’n’roll, solo podía salir una obra de arte como la Diana Mini Double Rainbow.

La Diana Mini Double Rainbow funciona con película 35mm y toma increíbles fotos en formato cuadrado o medio fotograma, además su diseño nos ha encantado. ¡Esta cámara de edición especial ha venido a robar a más de un corazón!

La lomografía es una forma de vida, una tipo completamente diferente de ver la fotografía, menos rígida pero más natural, humana y original. Además es uno de esos raros casos en los que las características técnicas del producto no son las razones de su éxito, sino el resultado final.

Ana Martínez Requena. www.litmind.com/strawberrycake

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◆ Entrevista ◆

Pasquale Caprile Fotógrafo por pasión, embajador lomógrafo por devoción

Tras tantos años dedicados al marketing y a la publicidad, ha decidido abrir su propia tiendataller y centrarse en venta de obra de autor, cámaras antiguas y fotografía de época. ¿Qué le aporta la fotografía analógica a diferencia de la más moderna tecnología digital?

En primer lugar, el Arte Fotográfico reside en la persona, el autor, el individuo que tiene en sus manos cualquier tipo de herramienta que le permite captar un instante y transmitir con él un mensaje. Bajo esta premisa, la Fotografía Analógica requiere una concentración mucho mayor, un control de la técnica más depurado y lo más importante es obtener un negativo analógico que permite y permitirá ver mi obra transcurridos los años.

¿Cómo se llega a ser Embajador Lomográfico para España?

Descubrí la primera cámara lomográfica, la LOMO LC-A+ hace 22 años visitando la feria fotográfica más importante del mundo, Photokina, en Colonia (Alemania). A los pocos días de volver a Madrid, solicité la representación de Lomography en España como embajador y, desde entonces, la LOMO LCA+ convive y viaja conmigo allá donde vaya.

En lomography.es habláis del “elemento sorpresa con el que sólo la fotografía analógica puede jugar “.¿Cómo es esto posible?

El factor sorpresa viene generado gracias al tiempo que transcurre entre el momento de hacer la foto y el tiempo de espera hasta

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◆ Entrevista: Pasquale Caprile ◆

recibir los negativos ya revelados. Existe un factor sorpresa desde el momento en que no visualizamos a tiempo real la imagen que producimos. Además, se suma el factor fotoquímico que aporta al negativo un valor cromático muy diferenciado frente a la fotografía digital. ¿Qué es la “LomoHome del día”?

Cada lomógrafo o amante de la lomografía puede tener una página personalizada dentro de nuestra web, www.lomography.es, permitiéndole crear sus propios álbumes lomográficos y compartir sus experiencias con miles de lomógrafos en todo el mundo. La LomoHome del día es un premio que Lomography Spain da cada semana al lomógrafo más activo, creativo, etc. de la comunidad Lomography.

Sin embargo, aparecen las reglas de la lomografía. ¿Cómo surgieron, las Lomo son una reacción, una idea juvenil de libertad?

Nuestra regla más importante es la nº10: “Pasa de las normas”, algo así como que no hagas caso de las reglas y te dejes llevar. El movimiento Lomográfico surge como una expresión artística a través de las mundialmente conocidas exposiciones lomográficas: millones de lomografías anónimas se juntan y se mezclan por colores, dando lugar a una creación única y exclusiva. Este tipo de exposiciones han sido ya realizadas en diferentes puntos del mundo: Londres, Hong Kong, Nueva York, París, así como en España.

¿Qué debo tener en cuenta antes de hacer una foto con la cámara Lomo?

Todas nuestras cámaras lomográficas son muy sencillas, totalmente mecánicas, fáciles de utilizar y no llevan pilas. Esto implica que lo más importante a tener en cuenta es la sensibilidad de la película, qué luz vamos a tener y, decidir por tanto, el tipo de película fotográfica que vamos a utilizar.

La belleza de las Lomo no solo se encuentra en la calidad de las fotos, si no en su exterior, ya que son diseñadas por artistas de todo el mundo.

Las cámaras lomográficas están diseñadas y conceptualizadas por Lomography AG. Su creador es Mathias Fiegl. De cada modelo de cámara existen ediciones especiales que sí que han contado con la colaboración de artistas reconocidos a nivel mundial.

En mi opinión, la Fotografía Analógica o Fotoquímica es sinónimo de la pintura al óleo y a través del pincel. Me atrevo a predecir que siempre existirá, pues se trata de una forma de expresión artística atemporal.

Prueba de ello es el resurgimiento de técnicas antiguas que datan de 1860 como el Colodión Húmedo.

La actividad es imparable en los foros de vuestra web. ¿Cómo se puede gestionar todo esto en una comunidad tan internacional?

Sencillamente, trabajando 24 horas al día, siendo muy constantes, marcándonos objetivos realistas y haciendo que tu comunidad se sienta agradecida e incentivada con nuevas ideas, proyectos y productos lomo¿Cuál es su cámara preferida?

La LOMO LC-A+, se trata de una cámara pe- gráficos. Pero lo más importante es ofrecer queña, con óptica de 32mm., muy luminosa, calidad en los artículos de nuestro magazicon diafragma de 2,8. Se trata de una cáma- ne online y noticias de máximo interés para el conjunto de la comunidad lomográfica. ra discreta y atrevida al mismo tiempo.

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◆ Entrevista ◆

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◆ Entrevista: Pasquale Caprile ◆

¿Cómo se lleva la comunidad lomográfica con ¿Un truco para nuestros Lomo-lectores que los filtros y las aplicaciones móviles como quieran adentrarse en su tienda por primera vez?

“Instagram”?

Tener ganas de aprender, renovarse y to-

Realmente de maravilla. Como he afirmado al principio, lo importante es la persona y la creatividad que reside en la misma, cómo lo expresa y lo comparte. Gracias a aplicaciones como Instagram y redes sociales como Facebook, Twitter o Pinterest, el proyecto lomográfico se hace más grande cada día.

mar contacto con la Fotografía Analógica…

Pero sobre todo, querer experimentar con nuevas sensaciones. ¿Cree que el precio es una razón por la cual no está más extendido su uso?

En nuestras tiendas lomográficos puedes hacerte propietario de una cámara por sólo Su segundo libro de autor, Hazlo realidad, 20 euros y revelar un carrete por 3 euros. El une la parte más artesana del arte fotográfico y pictórico con la modernidad de internet. ¿Cómo ha surgido esta unión?

La edición del libro Hazlo realidad formó parte de la exposición dirigida por la Galería Rina Bouwen en la Feria Masquelibros 2013.

El concepto que quise transmitir es, sencillamente, que todo proceso de creación puede estar perfectamente ligado a un trabajo 100% analógico y 100% digital. La clave del éxito es saber conjugar estas dos técnicas.

Usted imparte talleres y workshop de gran calidad, cuál es el más demandado en el mundo Lomo?

En mi humilde opinión, el taller más solicitado es el de Street Photography, a través del cual el alumno recibe una percepción realista de las dificultades que implica salir a la calle con una cámara fotográfica e intentar captar un instante mágico. Cada día visualizamos millones de fotografías y muchas de ellas creemos que han sido realizadas con facilidad. Sin embargo, es totalmente incierto, cada maestro tiene sus trucos de librillo. Por tanto, sólo la práctica diaria hace que te puedas convertir en un buen fotógrafo.

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◆ Entrevista ◆

coste de un equipo fotográfico digital, unido a todos los accesorios y complementos necesarios comienza a partir de los 3.000 o 6.000 euros. Os puedo asegurar que yo con 6.000 euros puedo crear gran cantidad de buenas fotografías analógicas.

mi-profesionales. Permite realizar fotografías de 6x12 de altísima calidad. Es una cámara ligera, con fotómetro incorporado y muy sencilla de manejar. La recomendaría a todos aquellos fotógrafos que quieran iniciarse en el apasionante mundo del medio formato.

¿Y algún producto exclusivo para profesionales? Miriam Arizpe Muncio.

Nuestra cámara lomográfica de última creación, la Belair X 6-12, es un modelo dirigido a fotógrafos avanzados profesionales o se-

http://lysmalermagazine.com

Fotografías cedidas por : Pasquale Caprile (http://www.lomography.es)

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◆ Lectura ◆

{ Imsomnies } STEPHAN COUTELLE

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Stéphane Coutelle es un fotógrafo, pintor y cineasta francés que desarrolla su obra entre París y Nueva York. Llaman la atención sus fotografías protagonizadas por mujeres.

Gracias al trabajo que desarrolla retratándolas, consigue comenzar una carrera comercial además de la artística, trabajando así en editoriales para revistas conocidas como Vogue Rusia, InStyle, Harpers Bazaar, Elle, Vogue China, francesa y Glamour Rusia, además de hacer publicidad para clientes relacionados con la cosmética.

La obra de Stéphane Coutelle gira siempre alrededor de las mujeres y busca mucho más allá de la belleza plástica, revelando un acercamiento al interior de las chicas que fotografía.

Coutelle cuenta con tres libros: “Me, myself and I”, donde el artista presenta una serie de autorretratos en blanco y negro y que narran momentos muy intensos sobre su persona y sus relaciones sentimentales; “Shoebox studio” es un libro que recopila retratos de modelos en estudio. Son fotografías de belleza donde juega con la cara de las chicas, que a veces aparecen con gestos exagerados.

“Insomnies” es el último libro que presentaba en Abril de 2014, cuenta con 160 páginas y resulta interesante su maquetación, ya que se abre hacia arriba. Combina imágenes íntimas de mujeres y paisajes nocturnos misteriosos.

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Resulta conmovedor ver como esta serie de imágenes, intercaladas entre sí, relatan historias que suceden cuando la mente humana vaga libremente por el subconsciente sin control alguno. Imágenes que perfectamente pueden estar en cada uno de nosotros cuando no sabemos muy bien si estamos despiertos o dormidos.

A través de las páginas de “Imsomnies” se cruzan retratos muy íntimos y paisajes nocturnos, creándose así un enfrentamiento de lo consciente y lo inconsciente. Los retratos tienen una dimensión muy cinematográfica, mientras que los paisajes presentan un aspecto surrealista que recuerdan a los sueños y fantasías con que jugueteamos misteriosamente en la noche, cuando el sueño comienza a vencernos. Este libro es una invitación a viajar con imágenes de una belleza sin igual

y un poder de evocación profunda. Revela la madurez de un artista que compone con exactitud, sensibilidad, valor y habilidad.

Dirigida con gran economía de medios, este libro fue fotografiado digitalmente e improvisando nuevas técnicas a medida que lo realizaba.

Este autodidacta tanto en la fotografía como en la pintura, expresa en sus cuadros un acercamiento sensible y sensual a la vida, compartiendo con nosotros un viaje repleto de múltiples encuentros. Cada proyecto tiene una fuerte identidad visual, estrechamente vinculado a su propio desarrollo personal y su deseo de explorar nuevos territorios.

Mara Alonso. http://mangelesalonsoavila.wix.com/mara-alonso

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◆ Lectura ◆

{ L´absente } AËLA LABBÉ

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La obra de un artista tiene, en gran medida, mucho que ver con el lugar donde creció. En este caso, Aëla Labbé nacía en un lugar tan pintoresco que parece mágico, donde la atmósfera hace del entorno un escenario etéreo, tan etéreo como su obra fotográfica. Bretaña es un buen lugar para la creación artística. En aquella maravillosa región, desde muy temprana edad, Aëla se dedicó a la danza contemporánea, una pasión que hoy da forma a su creatividad fotográfica. Actualmente divide su tiempo entre Nantes, Francia y Atenas, mientras lleva a cabo sus papeles como fotógrafa y bailarina.

Su trabajo ha aparecido en revistas líderes independientes en todo el mundo y ha sido ampliamente expuesto a nivel internacional; apareciendo en numerosas exposiciones en Francia, Italia, España, Reino Unido y EE.UU. Utiliza a sus parientes más cercanos y expresiones corporales propias de la danza contemporánea para construir escenas que contienen una gran carga dramática y que, por lo general, dejan un sabor de tristeza y un deleite conmovedor. Con estas formas corporales intenta mostrar la relación entre la humanidad y la naturaleza. Pero sobre todo, presenciamos un entorno muy intimista, lleno de misterio y elegancia.

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Para esta artista, su familia es una gran fuente de inspiración, en concreto sus sobrinos, que son los principales protagonistas de sus fotografías. Gracias a ellos la infancia se convirtió en un tema muy recurrente. Y es que retrata la realidad desde la perspectiva de la edad más temprana, cuando las cosas convencionales de la vida parecen tener un lado oscuro y misterioso.

L´absente es el trabajo debut de Labbé y consiste en una exploración visual de la ausencia en todos sus ámbitos. Lo desaparecido, lo perdido, lo invisible o lo que la vista no alcanza a ver. Las miradas evitadas o los gestos ambiguos y las tonalidades bruñidas con gran calidad etérea son la forma en que la artista nos cuenta su historia. A través de estas narraciones metafóricas, podemos adentrarnos en su mundo imaginario, que

nos acerca a lo onírico y nos aleja de nuestro plano existencial.

Además, L´absente tiene un aspecto cinematográfico que recuerda al cine negro o que se acerca en cierta medida al cine japonés por ese aspecto encantado que apreciamos en sus paisajes.

Aëla es una de esas personas que nos demuestra que lo maravilloso de la fotografía está en los accidentes que ocurren en el proceso de elaboración y las imperfecciones que se generan: grano, polvo, fugas de luz, rascaduras, inconvenientes en el proceso de revelado… Es así como aparece un trabajo muy personal pero capaz de encantar a cualquiera.

Mara Alonso. http://mangelesalonsoavila.wix.com/mara-alonso

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Fotografía: Mara Alonso Modelo: Nereida Red Maquillaje y peluquería: Marina Torres

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Lorenzo Herrera Creador de “Litmind.es” plataforma profesional de intercambio en fotografía

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◆ Entrevista ◆

Nosotros contactamos con nuestros redactores a través de vuestra plataforma y hemos de decir que la acogida fue espectacular, recabamos mucho talento. Iniciativas como la nuestra deben surgir cada día en vuestra web, ¿debe ser un orgullo profesional ver unido tanto talento?

Es una recompensa que no tiene precio.

Agradecemos a todos los usuarios de Litmind.com la buena acogida que tiene el proyecto; ver cómo miles de mentes creativas trabajan, se desarrollan, y se introducen en el ámbito profesional no es sólo nuestro propósito desde el principio; también es la fuerza que necesitamos para continuar mejorando Litmind. ¿Cómo nació Litmind (fotopunto.com)?

La idea surgió el año 2004 en forma de un blog sobre fotografía, eran tiempos muy distintos! Al poco tiempo la idea se hizo evidente: No existía ninguna plataforma donde los distintos profesionales y amateur en torno a la fotografía pudieran colaborar de forma efectiva. Hicimos un primer intento que funcionó de maravilla, así que Fotopunto terminó centrándose exclusivamente en la comunidad. Más tarde se unieron agencias de modelos y productoras para completar el círculo profesional, y hace un tiempo cambiamos de nombre a Litmind.com para internacionalizar el proyecto. Ahora sí, Litmind es “la red profesional de fotografía, donde modelos, fotógrafos, estilistas y agencias se encuentran para trabajar juntos”.

http://www.litmind.com/lorenzoherrera/profile http://www.lorenzoherrera.com/ --https://twitter.com/litmind https://www.facebook.com/litminds http://www.pinterest.com/litmind

ría divertido si no fuera así. Litmind es una startup poco convencional que se ha desarrollado sin financiación externa, y que ha evolucionado muchísimo durante el transcurso de mucho tiempo. Normalmente es justo lo contrario, pero eso hace que le tengamos un cariño especial.

Suponemos que las peticiones para acceder a Litmind son muy numerosas. ¿Cómo realizáis la admisión de usuarios?

Litmind no es una red social convencional, pues está pensada específicamente para Dentro del mundo del TFCD sois la web mejor los que se dedican a la fotografía: Modelos, valorada debido a la elegancia de vuestro fotógrafos, estilistas, agencias, escuelas, manejo del contenido y a la veracidad de lo productoras … Sólo las personas y empresas vinculadas al mundo de la fotografía publicado, ¿ha sido difícil llegar hasta aquí?

Muchas gracias! Ha sido difícil, pero no se- pueden registrarse: es nuestro modo de

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◆ Entrevista: Lorenzo Herrera ◆

asegurarnos de que estamos creando una comunidad realmente útil, tanto para los profesionales, agencias y empresas como para los amateur que desean introducirse en el ámbito profesional y desarrollarse. ¿Qué necesita mi fotografía para estar en vuestra portada?

Cuando un miembro de nuestro staff descube una fotografía que le encanta, la selecciona para aparecer en la portada de Litmind. Por otro lado, la parte inferior de la página principal muestra la selección

cial enorme para organizar shootings y trabajar en grupo de forma sincronizada.

Hace poco tiempo, después de intensos meses de desarrollo, incorporamos una nueva herramienta específica para agencias: El Gestor de modelos permite a las agencias de modelos gestionar su base de datos completa, organizar castings, promocionar sus modelos en Litmind y mucho más; creemos que el modelo de negocio de las agencias está cambiando, esta herramienta es nuestra primera respuesta a este cambio.

Al fin y al cabo, todos “ los profesionales fueron

¿Hasta dónde consideráis que una fotografía es moda o es un desnudo fuera de los límites de las condiciones de uso?

Ésta es una pregunta que nos sigue preocupando. Tan pronto como comenzamos nuestra andadura nos dimos cuenta de que teníamos que luchar contra fraudes de todo tipo. Con el tiempo, hemos implementado muchísimas medidas de seguridad, y finalmente nos dimos cuenta de que debíamos dejar de orientar Litmind hacia la fotografía de desnudo o erótica. Aunque muy a nuestro pesar, finalmente ésta ha sido una medida que nos ha permitido evitar muchísimos fraudes y mantener un buen ambiente de trabajo para los usuarios.

aprendices en algún momento!

actual de fotografías populares, éstas son elegidas exclusivamente por los usuarios de Litmind, gracias a los “likes” que reciben. Intentamos que la página principal de Litmind sea una fuente de inspiración y de descubrimiento. ¿Cómo conseguís mejorar el aprovechamiento de la comunidad de Usuarios?

¡Esta pregunta siempre está presente en cualquier reunión! Con el tiempo hemos desarrollado muchas herramientas que permiten aprovechar Litmind al máximo: El tablón de anuncios es un clásico que funciona de maravilla, pero la herramienta para Grupos de trabajo, bien utilizada, encierra un poten-

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¿Es difícil mantener el nivel de buen uso de la plataforma para evitar fraudes?

Cuando empezamos el proyecto, jamás hubiéramos podido imaginar el verdadero alcance de este problema. Internet es (y debe ser) un reflejo de la sociedad, en lo bueno, y en lo malo. Es muy habitual encontrarse

◆ Entrevista ◆

con falsos fotógrafos, falsas agencias, falsos directores de casting y demás personajes con propósitos completamente alejados de lo que creemos que debería ser Litmind.

El control del fraude es una de las tareas que más tiempo nos lleva a la hora de gestionar Litmind. No sólo realizamos campañas de concienciación a través de artículos e informes oficiales, sinó que publicamos información extensa sobre este problema en Litmind y colaboramos activamente con el Grupo de Delitos Telemáticos de la Guardia Civil cuando detectamos un fraude.

Nos enorgullece mucho poder decir que estos problemas están fuertemente controlados en Litmind, y agradecemos a todos nuestros usuarios los reportes que nos envían para ayudarnos a detectarlos.

Qué servicios son los más contactados en vuestra red?

Los modelos, los fotógrafos y los estilistas son los usuarios con más actividad en Litmind, en la mayoría de las ocasiones son ellos los que organizan shootings, preparan trabajos y editoriales. Las agencias de modelos son las empresas más “deseadas” en Litmind: Los modelos contactan con ellas para presentar sus portafolios.

Habéis lanzado una app para IOS, ¿han cambiado los hábitos de internet de vuestros usuarios con os dispositivos móviles?

Ha sido revelador! Muchísimos usuarios han descargado la App de Litmind y la utilizan regularmente. Un gran porcentaje de nuestras visitas procede de móviles y tablets, el futuro ya hace tiempo que está aquí!

Cómo participáis contra la piratería, el hecho del robo de fotografías y utilización de las Litmind ahora soporta la alta definición. ¿ha mismas sin consentimiento? debido ser un cambio en el concepto de la Es un serio problema en el ámbito de la foto- imagen en internet?

grafía, y todas las páginas web lo sufren de un modo u otro. Por supuesto, para publicar fotografías en Litmind (en cualquier web, en realidad!) es necesario disponer de los derechos legales para hacerlo (autor, imagen e incluso propiedad intelectual). Cuando un usuario detecta que sus fotografías están siendo utilizadas en Litmind sin su consentimiento, nos lo hace saber mediante un reporte, y ponemos en marcha nuestro procedimiento de verificación. Las fotografías son eliminadas si no podemos comprobar que la publicación se realizó legalmente.

Quizá no lo sea aún, pero sin duda se prepara un gran cambio en los próximos meses. Las “Retina screens” son capaces de mostrar imágenes en altísima definición que lucen maravillosas ante nuestros ojos, con la misma definición que en una buena impresión a papel. Litmind ya está preparado para ello, y las fotografías se ven mucho más impactantes y detalladas cuando se visita Litmind con una de estas pantallas.

Miriam Arizpe Muncio. http://lysmalermagazine.com

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Víctor Moreno Fotografía: Víctor Moreno (www.santosymoreno.com) Estilismo: Jessica Vidal Retoque digital: Tony Yagüe Modelo: Carolina Wilkins lysmå lerMAG

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Santiago Alguacil

Fotografía: Santiago Alguacil Estilista: Sergio Rodríguez Modelo: Sabah Boumarsal MUA: Luzia Bono 123

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# Santiago Alguacil #

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número 0 - Abril 2014 número 1 - Junio 2014