"CV-13 En ruta" catàleg/catálogo by Museu d'Art Contemporani Vicente Aguilera Cerni (MACVAC)

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A T U R

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EN RUTA

CV-13 En ruta

Exposiciรณn del 29 de junio de 2019 al 12 de enero de 2020

Fa ja dos anys que el Museu d’Art Contemporani Vicente Aguilera Cerni de Vilafamés (MACVAC) i l’aeroport de Castelló ens vam embarcar en una estimulant aventura anomenada «Sala 30». En aquest temps hem sigut capaços d’articular una oferta cultural vinculada a l’aeroport, en dotar-lo de diferents espais artístics que es renoven periòdicament i que constitueixen una magnífica carta de presentació davant els viatgers que accedeixen al nostre territori.

Hace ya dos años que el Museu d’Art Contemporani Vicente Aguilera Cerni de Vilafamés (MACVAC) y el aeropuerto de Castellón nos embarcamos en una estimulante aventura llamada «Sala 30». En este tiempo hemos sido capaces de articular una oferta cultural vinculada al aeropuerto, al dotarlo de diferentes espacios artísticos que se renuevan periódicamente y que constituyen una magnífica carta de presentación ante los viajeros que acceden a nuestro territorio.

L’exposició que ara posem en marxa és la quarta que acull la galeria d’art emplaçada en la terminal de passatgers. Porta per títol CV-13 En Ruta, al·ludint a una de les vies de comunicació d’accés a l’aeroport de Castelló. A més, hem habilitat nous punts expositius en la terminal per al gaudi dels usuaris de les instal·lacions. Seguint la línia dels dos últims anys, oferim de nou una exposició de gran nivell, amb artistes de la talla de Rafael Zabaleta, Manuel Boix, Francesc Torres, Javier Lorenzo o Celso Lagar, entre altres.

La exposición que ahora ponemos en marcha es la cuarta que acoge la galería de arte emplazada en la terminal de pasajeros. Lleva por título CV-13 En Ruta, aludiendo a una de las vías de comunicación de acceso al aeropuerto de Castellón. Además, hemos habilitado nuevos puntos expositivos en la terminal para el disfrute de los usuarios de las instalaciones. Siguiendo la línea de los dos últimos años, ofrecemos de nuevo una exposición de gran nivel, con artistas de la talla de Rafael Zabaleta, Manuel Boix, Francesc Torres, Javier Lorenzo o Celso Lagar, entre otros.

D’aquesta forma, fem un pas més en la consolidació del projecte «Sala 30», del qual ens sentim especialment orgullosos. L’aeroport de Castelló és una infraestructura amb vocació internacional però amb un compromís inequívoc amb el territori en el qual se situa. Per això resulta tan gratificant comptar amb el suport del MACVAC, un referent cultural de les nostres comarques amb gran projecció exterior, al qual vull reiterar el nostre agraïment per haver fet possible aquesta iniciativa.

De esta forma, damos un paso más en la consolidación del proyecto «Sala 30», del que nos sentimos especialmente orgullosos. El aeropuerto de Castellón es una infraestructura con vocación internacional pero con un compromiso inequívoco con el territorio en el que se ubica. Por eso resulta tan gratificante contar con el respaldo del MACVAC, un referente cultural de nuestras comarcas con gran proyección exterior, al que quiero reiterar nuestro agradecimiento por haber hecho posible esta iniciativa.

Espere que gaudisquen d’aquesta nova exposició

Espero que disfruten de esta nueva exposición

Joan Serafí Bernat Director general d’Aerocas

Joan Serafí Bernat Director general de Aerocas

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Manuel Boix. Pintar la mar, 1984. Técnica mixta sobre lienzo, díptico, 200 x 300 cm. Colección del MACVAC

Quarta etapa del camí: CV-13 En ruta. Fa ja dos anys, la Sala 30 de l’Aeroport de Castelló va encetar un viatge expositiu que ara inicia un nou trajecte. Abans, havíem realitzat en aquesta sala tres mostres, com tres etapes. Ara reprenem el camí. El fem desplaçant-nos fins ací des del Museu d’Art Contemporani Vicente Aguilera Cerni de Vilafamés (macvac), a través d’una carretera que du en el nom un suggeridor número 13.

Cuarta etapa del camino: CV-13 En ruta. Hace ya dos años, la Sala 30 del aeropuerto de Castellón comenzó un viaje expositivo que ahora inicia un nuevo trayecto. Previamente, habíamos realizado en esta sala tres muestras, a modo de tres etapas. Ahora continuamos el camino. Lo hacemos desplazándonos hasta aquí desde el Museo de Arte Contemporáneo Vicente Aguilera Cerni de Vilafamés (macvac), a través de una carretera que lleva en su nombre un sugerente número 13.

El nostre Museu, encarregat de la programació d’aquest espai, dedica aquesta nova exposició, precisament, al viatge; a aqueix concepte que du implícita la idea de descobriment; també d’atzar, d’aventura. Agustí d’Hipona va pronunciar una vegada: «El món és un llibre, i aquells que no viatgen només llegeixen un full». Com els qui treballem al Museu volem llegir totes les pàgines, ens proposem, a través de l’art, viatjar, i que les persones que contemplen aquesta mostra ho facen amb nosaltres.

Nuestro Museo, encargado de la programación de este espacio, dedica esta nueva exposición, precisamente, al viaje, a ese concepto que lleva en sí la idea de descubrimiento; también de azar, de aventura. Agustín de Hipona pronunció una vez: «El mundo es un libro, y los que no viajan solo leen una página». Como los que trabajamos en el Museo queremos leer todas las páginas, nos proponemos, a través del arte, viajar, y que quienes vean esta muestra lo hagan con nosotros. Vamos a encontrar aquí pinturas que caminan, ruedan y vuelan, piezas que se balancean y flotan. Todas ellas están descritas, en el texto que sigue, por los comisarios de la exposición. Por nuestra parte, solo vamos a comentar una de ellas, la que se sitúa fuera del espacio de la propia galería. Se trata del lienzo Pintar la mar, del artista Manuel Boix, una obra de gran formato que de alguna manera habla del viaje. Porque (así lo sentimos) el mar es el lugar eterno del desplazamiento. Aquel o aquella que se detiene en sus orillas, difícilmente deja de percibir el otro lado. Esa pulsión que nos impulsa a atravesarlo, esa mirada con que buscamos al otro en la otra orilla, es el impulso mismo del viaje, del conocimiento, de la vida. El pintor, en este caso, ha recortado el perfil de un hombre, que sonríe, sobre un paisaje de cielo y mar: amarillos, rojos y verdiazules. Un jirón, como un pájaro, le mira al otro lado. Ambos esperan amaneceres distintos: «La mer, la mer, toujours recommencée» (Paul Valéry).

Hi trobarem pintures que caminen, roden i volen, peces que es gronxen i suren. Totes estan descrites, en el text que segueix, pels comissaris de l’exposició. Per la nostra banda, només comentarem una d’elles, la que se situa fora de l’espai de la galeria mateixa. Es tracta de la tela Pintar la mar, de l’artista Manuel Boix, una obra de gran format que, d’alguna manera, parla del viatge. Perquè (així ho sentim) la mar és el lloc etern del desplaçament. Aquell o aquella que s’atura a la seua vora, difícilment deixa de percebre l’altra banda. Aqueixa pulsió que ens impulsa a travessar-la, l’esguard amb què cerquem l’altre a l’altra riba, és l’impuls mateix del viatge, del coneixement, de la vida. El pintor, en aquest cas, ha retallat el perfil d’un home que somriu, sobre un paisatge de cel i mar: grocs, rojos i verdsblaus. Un esquitx, com un ocell, se’l mira des de l’altra banda. Ambdós esperen aurores distintes: «La mer, la mer, toujours recommencée» (Paul Valéry). Rosalía Torrent Directora del MACVAC

Rosalía Torrent Directora del MACVAC

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CV -

A T U R

CV-13 En ruta és un projecte expositiu sobre el viatge de la mirada, de la memòria, de les sensacions des de la perspectiva tant de l’artista com del viatger. Entenem el viatge com a acció, com a experiència que cal interpretar; per això esdevé en narració implícita, la qual naix i nia en la ment del viatger, o explícita, la qual pren forma d’obra d’art. L’experiència viatgera ha evolucionat gràcies a les noves tecnologies. Com a conseqüència, s’ha despullat el viatge de la seua naturalesa iniciàtica i exploratòria. No queda racó de la Terra del qual no tinguem imatges o notícies, del qual no hagem vist un documental o explorat a través de la literatura. Aqueixes notícies converteixen el viatge en desig, però també, a vegades, en frustració. Els viatgers es poden trobar amb fronteres que moltes vegades són infranquejables, sobretot per als més febles o desfavorits que, en comptes de portes automàtiques i cartells de benvinguda, es troben amb murs, concertines i centres d’estrangeria. Mitjançant els seus components materials i afectius, l’art ens condueix a un nou contrapunt d’estranyament que qüestiona les nostres certeses i rutines en un recorregut sense embuts cap a altres espais i altres cultures. L’artista en si mateix és un viatger que ens convida a dialogar amb les seues propostes, fruit d’un desplaçament idealista que comporta la intencionada obertura a la intimitat de vivències. La mostra que presentem suposa un viatge del MACVAC a la Sala 30 de l’Aeroport de Castelló per la CV-13. Les peces en exposició, signades per artistes de màxima actualitat, presenten una miscel·lània diversa, o en termes culinaris, una àgape de geografies per a tots els gustos i sabors.

CV-13 En ruta es un proyecto expositivo sobre el viaje de la mirada, de la memoria, de las sensaciones desde la perspectiva tanto del artista como del viajero. Entendemos el viaje como acción, como experiencia que debe ser interpretada; por ello deviene en narración implícita, que es la que nace y anida en la mente del viajero, o explícita, que toma forma de obra de arte. La experiencia viajera ha evolucionado gracias a las nuevas tecnologías. Como consecuencia se ha despojado al viaje de su naturaleza iniciática y exploratoria. No queda rincón de la Tierra del que no tengamos imágenes o noticias, del que no hayamos visto un documental o explorado a través de la literatura. Esas noticias convierten el viaje en deseo, pero también, en ocasiones, en frustración. Los viajeros se pueden encontrar con fronteras que muchas veces son infranqueables sobre todo para los más débiles o desfavorecidos que, en lugar de puertas automáticas y carteles de bienvenida, se encuentran con muros, concertinas y centros de extranjería. Mediante sus componentes materiales y afectivos, el arte nos conduce a un novedoso contrapunto de extrañamiento que pone en cuestión nuestras certezas y rutinas en un recorrido sin ambages hacia otros espacios y otras culturas. El artista en sí mismo es un viajero que nos invita a dialogar con sus propuestas, fruto de un desplazamiento idealista que comporta la intencionada apertura a la intimidad de vivencias. La muestra que presentamos supone un viaje del MACVAC a la Sala 30 del aeropuerto de Castellón por la CV-13. Las piezas en exposición firmadas por artistas de máxima actualidad presentan una miscelánea diversa, o en términos culinarios, un ágape de geografías para todos los gustos y sabores.

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Rafael Zabaleta. Cabras, 1949. ร leo sobre lienzo, 81 x 65 cm. Colecciรณn del MACVAC

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Quan surts per fer el viatge cap a Ítaca,

Cuando emprendas tu viaje a Ítaca

has de pregar que el camí sigui llarg,

pide que el camino sea largo,

ple d’aventures, ple de coneixença

lleno de aventuras, lleno de experiencias.

[…]

[...]

Que siguin moltes les matinades d’estiu

Que muchas sean las mañanas de verano

que, amb quina delectança, amb quina joia!

en que llegues -¡con qué placer y alegría!-

entraràs en un port que els teus ulls ignoraven….

a puertos nunca vistos antes.

[…]

[...]

Però no forcis gens la travessia.

Mas no apresures nunca el viaje.

És preferible que duri molts anys

Mejor que dure muchos años

i que ja siguis vell quan fondegis a l’illa,

y atracar, viejo ya, en la isla,

ric de tot el que hauràs guanyat fent el camí,

enriquecido de cuanto ganaste en el camino

sense esperar que t’hagi de dar riqueses Ítaca.

sin aguantar a que Ítaca te enriquezca.

Ítaca t’ha donat el bell viatge.

Ítaca te brindó tan hermoso viaje.

Sense ella no hauries pas sortit cap a fer-lo1.

Sin ella no habrías emprendido el camino1.

Adrecem els nostres passos a la sala 19 del MACVAC. Només travessar el llindar, el sensor de moviment detecta la nostra presència i automàticament s’encén el llum. L’obra de Rafael Zabaleta, Cabras, enfront de nosaltres ens dona la benvinguda. El pastor, acompanyat pel seu ramat de cabres, ens acosta al món rural, al viatge ancestral i transhumant; un pastor que viu i mostra la duresa de la vida itinerant. A les comarques de Castelló els pastors solien migrar a les muntanyes amb el bestiar a la recerca de pastures fresques durant els mesos d’estiu i de temperatures més suaus; a l’hivern, travessaven l’assagador reial Mosquerola, l’assagador de la Barona i el camí dels Romans, que van de Vilafranca fins a Castelló. Cabras ocupa un lloc destacat en els fons del Museu i evoca l’obra poètica de Miguel Hernández.

Encaminamos nuestros pasos a la Sala 19 del MACVAC. Nada más atravesar el umbral, el sensor de movimiento detecta nuestra presencia y automáticamente se enciende la luz. La obra de Rafael Zabaleta, Cabras, frente a nosotros nos da la bienvenida. El pastor acompañado por su rebaño de cabras nos acerca al mundo rural, al viaje ancestral y trashumante; un pastor que vive y muestra la dureza de la vida itinerante. En las comarcas de Castellón los pastores solían migrar a las montañas con el ganado en busca de pastos frescos durante los meses de verano y de temperaturas más suaves; en invierno, atravesaban la cañada de Mosqueruela, la cañada Real de Barona y la vereda de los Romanos, que iban de Villafranca hasta Castellón. Cabras ocupa un lugar destacado en los fondos del Museo y evoca la obra poética de Miguel Hernández.

1 Fragment del poema Ítaca. Traducció de Carles Riba. (1993) Poemes de Kavafis. Barcelona: Clàssics Curial 7.

1 Fragmento del poema Ítaca. Traducción de Pedro Bádenas de la Peña. (1999) K. P. Kavafis. Antología poética. Madrid: Alianza Editorial.

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En Las abarcas desiertas (1939), el poeta oriolà ens parla del viatge de la necessitat i de la història.

En Las abarcas desiertas (1939), el poeta oriolano nos habla del viaje de la necesidad y de la historia.

Por el cinco de enero,

Cada enero ponía

Mi calzado de cabrero

A la ventana fría.

[…]

Nunca tuve zapatos,

Ni trajes, ni palabras:

Siempre tuve regatos,

Siempre penas y cabras .

Siempre penas y cabras2.

L’obra de Zabaleta mostra clarament la influència de diversos moviments de les avantguardes que va conèixer a París, des de l’expressionisme fins al cubisme, amb immersions també en la poètica surrealista, elements tots ells curiosament enfilats en una temàtica a la qual li plau el món rural. Procedent de la cessió de Valle Ortí, Cabras ens transporta al paisatge interior de l’antiga Via Augusta que transcorria propera a l’actual CV-13, la carretera que ens condueix fins a l’Aeroport de Castelló, en el qual es troba la Sala 30 del MACVAC. En les seues memòries Fellini deia que l’estació era el lloc dels somnis d’aventura. Per això encetem el recorregut de la Sala 30 amb l’obra Campesinos saludando al tren de Ricardo Bastid Peris. L’artista ens hi presenta l’Espanya de la postguerra, en la qual un tren es converteix en metàfora del trajecte vital, del viatge a l’esperança. Bastid va haver de fugir en un tren. L’exili francès va ser la seua primera destinació per a recalar a l’Argentina, on passaria els últims anys

La obra de Zabaleta muestra claramente la influencia de diversos movimientos de las vanguardias que conoció en París, desde el expresionismo hasta el cubismo, con inmersiones también en la poética surrealista, elementos todos ellos curiosamente enhebrados en una temática que gusta del mundo rural. Procedente de la cesión de Valle Ortí, Cabras nos transporta al paisaje interior de la antigua Vía Augusta que trascurría cercana a la actual CV-13 que es la carretera que nos conduce hasta el aeropuerto de Castellón, en el que se encuentra la Sala 30 del MACVAC. En sus memorias Fellini decía que la estación era el lugar de los sueños de aventura por ello iniciamos el recorrido de la Sala 30 con la obra Campesinos saludando al tren de Ricardo Bastid Peris. En ella el artista nos presenta la España de la posguerra en la que un tren se convierte en metáfora del trayecto vital, del viaje a la esperanza. Bastid tuvo que huir en un tren. El exilio francés fue su primer destino para recalar en Argentina, donde pasaría los últimos años

2 Hernández, Miguel (1979) Poemas sueltos I. Poesías completas. Madrid: Aguilar.

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Ricardo Bastid Peris. Campesinos saludando al tren, ca. 1954. ร leo sobre lienzo, 52 x 63 cm. Colecciรณn del MACVAC

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de la seua vida. Va ser un intel·lectual a contracorrent que va fer la seua carrera en solitari i que va abordar les més importants qüestions intel·lectuals de la seua època. Se’l pot considerar un lúcid exponent de la generació de postguerra, «la generació desarrelada», la qual tant va fer pel renaixement cultural de l’Espanya contemporània. En Un arte valenciano en América, Francisco Agramunt Lacruz destaca de Ricardo Bastid Peris que:

de su vida. Fue un intelectual a contracorriente que hizo su carrera en solitario y que abordó las más importantes cuestiones intelectuales de su época. Se le puede considerar un lúcido exponente de la generación de posguerra, «la generación desarraigada» que tanto hizo por el renacimiento cultural de la España contemporánea. En Un arte valenciano en América, Francisco Agramunt Lacruz destaca de Ricardo Bastid Peris que:

[…] posee una gran técnica dominada por una ciencia del dibujo, una composición sobria y cerrada, con abundancia de tonos oscuros, perfiles recargados de un trazo negro, carbonoso, anguloso y una tendencia a la plenitud para destacar las líneas nucleares. La pintura de Ricardo Bastid Peris transluce una fuerte preocupación social, una dramática inquietud interior, que descarta todo sentido decorativo y las rigideces del academicismo, para crear un ambiente denso, patético y angustioso. En sus obras, es evidente que Ricardo concede un lugar capital a los seres humanos. Sus pinturas impresionan porque plasman con todo realismo, crudeza y angustia el gran drama de la Humanidad abrumada por conflictos3.

Bastid Peris ens presenta el viatge del tren en contrast amb la llavor del somieig. En Campos de Castilla (1912) d’Antonio Machado trobem una descripció dels trens en els quals va viatjar Bastid en el camí cap a l’exili, atrotinats trens de fusta en què els somnis alimentaven els passatgers. Compartim un fragment del seu poema El tren4.

Bastid Peris nos presenta el viaje del tren en contraste con la semilla del ensueño. En Campos de Castilla (1912) de Antonio Machado encontramos una descripción de los trenes en los que viajó Bastid en el camino hacia el exilio, destartalados trenes de madera en los que los sueños alimentaban a los pasajeros. Compartimos un fragmento de su poema El tren4.

Yo, para todo viaje siempre sobre la madera

3 Agramunt Lacruz, Francisco (1992) Un arte valenciano en América. Valencia: Generalitat Valenciana. 4 Machado, Antonio (2008) Campos de Castilla. Madrid: Cátedra.

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de mi vagón de tercera,

voy ligero de equipaje.

¡Este placer de alejarse!

Londres, Madrid, Ponferrada,

tan lindos... para marcharse.

Lo molesto es la llegada.

Luego, el tren, al caminar,

siempre nos hace soñar;

y casi, casi olvidamos

el jamelgo que montamos.

La temàtica del viatge com a necessitat ens remet a l’obra de Celso Lagar titulada Tarde de circo. Els artistes circenses viatjaven en vells carros de llogaret en llogaret, seguint dreceres, travessant camins de pedra, actuant de plaça en plaça, de fira en fira, regalant somnis, amagant les seues misèries. Juan Ramón Jiménez dedica uns versos als Saltimbanquis del circ. Compartim un fragment:

La temática del viaje como necesidad nos remite a la obra de Celso Lagar titulada Tarde de circo. Los artistas circenses viajaban en viejos carromatos de aldea en aldea siguiendo senderos, cruzando caminos de piedra, actuando de plaza en plaza, de feria en feria, regalando sueños, ocultando sus miserias. Juan Ramón Jiménez dedica unos versos a los Saltimbanquis del circo. Compartimos un fragmento:

Alegra titiritero,

la noche con tu tambor.

¡El sendero

tiene las ramas en flor!

[…]

¡Campos verdes, noches bellas,

para el llanto y para el velo!

Las estrellas

tiemblan también en el cielo .

tiemblan también en el cielo5.

Celso Lagar Arroyo va ser un pintor espanyol expressionista de la primera generació de l’Escola de

Celso Lagar Arroyo fue un pintor español expresionista de la primera generación de la Escuela de

5 Jiménez, Juan Ramón (2006) Jiménez: Antología poética. Madrid: Cátedra.

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París, on va residir la major part de la seua vida. Va estar influenciat per avantguardes de tota mena. Tant en la seua residència a París com en les seues estades a Normandia, desenvoluparà una producció artística amb uns temes molt concrets: natures mortes, reminiscències espanyoles, paisatges i les seues celebrades escenes de circ. Els seus quadres es troben a nombrosos museus de tota Europa, com La Rochelle, el Museu Goya en Castres, Honfleur (França), PetitPalais de Ginebra, Museu Nacional Centre d’Art Reina Sofia, la Casa Lis de Salamanca, Museu Carmen Thyssen (Màlaga) i a prestigioses col·leccions com la de Crane Kalman (Londres) o Zborowski (París).

París, donde residió la mayor parte de su vida. Estuvo influenciado por vanguardias de todo tipo. Tanto en su residencia en París como en sus estancias en Normandía, desarrollará una producción artística con unos temas muy concretos: bodegones, reminiscencias españolas, paisajes y sus celebradas escenas circenses. Sus cuadros se encuentran en numerosos museos de toda Europa, como La Rochelle, Museo Goya en Castres, Honfleur (Francia), Petit-Palais de Ginebra, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la Casa Lis de Salamanca, Museo Carmen Thyssen (Málaga) y en prestigiosas colecciones como la de Crane Kalman (Londres) o Zborowski (París).

Del nomadisme de la necessitat passem als viatges contemporanis. L’obra de Javier Lorenzo Miralles ens situa a l’habitació, punt de partida del viatger del present. Viatjar suposa alliberament de la monotonia, de la quotidianitat, deixar enrere responsabilitats, trobar-se amb el que somiàvem. En la seua obra Aunque es tu habitación. Pues es de donde partes hi ha dos plans de composició que se superposen. D’una banda tenim un fragment d’algú assegut davant d’una finestra, als seus peus el poemari de Louis Aragon Habitaciones. Poema del tiempo que no pasa (1969). I en la part superior de la composició, una figura femenina s’allunya passejant per la platja. La clau de la significació del quadre la trobem en els versos del poema Todas las habitaciones de mi vida6 en el qual Louis Aragon ens diu que hi ha habitacions «más bellas que heridas», cambres «de súplicas», «de luz baja», cambres «dispuestas a todo salvo la felicidad».

Del nomadismo de la necesidad pasamos a los viajes contemporáneos. La obra de Javier Lorenzo Miralles nos sitúa en la habitación, punto de partida del viajero del presente. Viajar supone liberación de la monotonía, de la cotidianeidad, dejar atrás responsabilidades, encontrarse con aquello que soñábamos. En su obra Aunque es tu habitación. Pues es de donde partes hay dos planos de composición que se superponen. Por una parte tenemos un fragmento de alguien sentado frente a una ventana, a sus pies el poemario de Louis Aragon Habitaciones. Poema del tiempo que no pasa (1969). Y en la parte superior de la composición una figura femenina se aleja paseando por la playa. La clave de la significación del cuadro la encontramos en los versos del poema Todas las habitaciones de mi vida6 en el que Louis Aragon nos dice que hay habitaciones «más hermosas que heridas», habitaciones «de súplicas», «de luz baja», habitaciones «dispuestas a todo salvo la felicidad». Todas las habitaciones de mi vida Me habrán estrangulado con sus muros

Toutes les chambres de ma vie M´auront étranglé de leurs murs 6 Aragon, Louis (1969) Les Chambres. Poème du temps qui ne passe pas. https://trianarts.com/louis-aragon-todas-las-habitaciones-de-mivida/#sthash.wPfxoPxn.dpbs. Consultado el 27/04/2019.

6 Aragon, Louis (1969) Habitaciones. Poema del tiempo que no pasa. https://trianarts.com/louis-aragon-todas-las-habitaciones-de-mivida/#sthash.wPfxoPxn.dpbs. Consultado el 27/04/2019.

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Celso Lagar Arroyo. Tarde de circo, ca. 1930. Óleo sobre lienzo, 61 x 80 cm. Colección del MACVAC

Ici les murmures s´éttoufent

Aquí los murmullos se ahogan

Les cris se cassent

Los gritos se rompen

Celles où j´ai vécu seul

Aquellas en las que viví solo

À grands pas vides

Con grandes pasos vacíos

Celles qui gardaient leurs spectres anciens

Aquellas que guardaban sus espectros antiguos

Les chambres d´indifference

Las habitaciones de indiferencia

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[...]

[…]

Ici je connais ma mesure et le miroir

Aquí conozco mi medida y el espejo

Ne me pardonne pas

No me perdona

Toutes les chambres quand enfin je m´endormis

Todas las habitaciones cuando al fin me duermo

Ont jeté sur moi la punition des rêves

Han lanzado sobre mí el castigo de los sueños

Car je ne sais des deux le pis rêver ou vivre

Porque no sé de los dos el peor soñar o vivir.

La poètica de Lorenzo Miralles ens convida a conèixer el món sense eixir de l’habitació i a contemplar per la finestra la fragmentació d’un món personal inquietant, la d’un creador humà compromés amb la naturalesa de l’home capaç de furgar en l’interior i revelar els batecs dels records, la nostàlgia i la malenconia. La seua producció pictòrica, significativament vinculada a la seua pròpia biografia, constitueix una aportació lúcida dels sentiments que embarguen la naturalesa de l’ésser humà contemporani. Com a contrapunt a la visió de Lorenzo Miralles, presentem l’obra plàstica Camí Santiago de l’equip martíllopis, format per Isabel Martí, Juan Luis Llopis i Vicent Salvador. Aquesta obra és part del projecte podosemia envolvente que reflexiona sobre la petjada humana, tant de la que s’imprimeix sobre el món com de la que el mateix món provoca en el calcer, entenent el calcer com el nexe d’unió entre ser i món. La sabata és un element específic característic de l’espècie humana, singular no només per les diferents èpoques a les quals es relata, sinó també, pels diferents individus. Llavors diríem que la sabata camina, en certa manera, per la història d’una època i per la de l’individu en concret. Ací radica l’interès dels artistes en la sabata usada com a objecte portador d’informació, tant sociològica com artística, perquè la seua elecció és una aposta pel concepte, per la idea, també per l’efímer i, com a, evita l’aura i els personalismes per a viatjar al col·lectiu, a la repetició i a la sèrie.

La poética de Lorenzo Miralles nos invita a conocer el mundo sin salir de la habitación y a contemplar por la ventana la fragmentación de un mundo personal inquietante, la de un creador humano comprometido con la naturaleza del hombre capaz de rebuscar en el interior y desvelar los latidos de los recuerdos, la nostalgia y la melancolía. Su producción pictórica, significativamente vinculada a su propia biografía, constituye una aportación lúcida de los sentimientos que embargan a la naturaleza del ser humano contemporáneo. Como contrapunto a la visión de Lorenzo Miralles, presentamos la obra plástica Camí Santiago del equipo martíllopis, formado por Isabel Martí, Juan Luis LLopis y Vicent Salvador. Esta obra es parte del proyecto podosemia envolvente que reflexiona sobre la huella humana, tanto de la que se imprime sobre el mundo como de la que el mismo mundo provoca en el propio calzado, entendiendo el calzado como el nexo de unión entre ser y mundo. El zapato es un elemento específico característico de la especie humana, singular no solo por las diferentes épocas a las que se relata, sino también, por los diferentes individuos. Digamos pues que el zapato camina en cierta manera por la historia de una época y por la del individuo en concreto. De ahí radica el interés de los artistas en el zapato usado como objeto portador de información tanto sociológica como artística, pues su elección es una apuesta por el concepto, por la idea, también por lo efímero y, como ready-made, evita el aura y los personalismos para viajar a lo colectivo, a la repetición y a la serie.

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Javier Lorenzo Miralles. Aunque es tu habitaciรณn. Pues es de donde partes, 1985. ร leo sobre lienzo, 150 x 150 cm. Colecciรณn del MACVAC

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Camí Santiago és un projecte de fusió entre art i vida, entre el pictòric i l’acció. Plàsticament opta per la transferència, tant de la fotografia com dels pigments prèviament vessats sobre una cel·lofana que es transferirà a la taula. És una aposta per obviar la petjada i el gest, per no influir en l’observador. Es pretén desmitificar la idea d’artista-geni i s’aposta pel procés i pel col·lectiu. És un treball en equip que s’allunya de la individualitat i del singular. La fotografia redunda en això; si d’una banda és la constatació que quelcom que hi era i, per tant, ens parla de passat, també d’un després, i potser de les vanitas, d’altra banda, ens permet la repetició i el seu doble i tal vegada posa en dubte la idea d’aura i d’únic. Poèticament, Camí Santiago vol endinsar-nos en el pla personal que aporta la sabata usada. Els records de tot un recorregut de reflexió i silenci cap al món cultural que suposa el Camí de Santiago remeten l’espectador a les seues pròpies experiències. D’altra banda, les connotacions dels diferents sentits (olor, tacte, sabor), el color i el ritme del seu portador, sens dubte, li donen a l’obra diferents lectures, tantes com espectadors. Són aquests preceptes, de col·lectiu, de repetició, de sèrie, de procés, d’imatge transferida els que confereixen a l’obra una homogeneïtat conceptual. L’espectador està convidat a participar, a imaginar, ja que serà qui realitze i conferirà valor a l’acció de caminar. Un fragment d’He andado muchos caminos d’Antonio Machado serveix per a identificar-nos amb els significats de l’obra exposada:

Camí Santiago es un proyecto de fusión entre arte y vida, entre lo pictórico y la acción. Plásticamente opta por la transferencia tanto de la fotografía como de los pigmentos previamente derramados sobre un celofán que se transferirá a la tabla. Es una apuesta por obviar la huella y el gesto, por no influir en el observador. Se pretende desmitificar la idea de artista-genio y se apuesta por el proceso y por lo colectivo. Es un trabajo en equipo que se aleja de la individualidad y lo singular. La fotografía redunda en ello; si por un lado es la constatación de que algo estaba ahí y por ende nos habla de pasado, también de un después, y quizá de vanitas, por otro lado, nos permite la repetición y su doble y en tal caso pone en duda la idea de aura y de único. Poéticamente Camí Santiago quiere adentrarnos en el plano personal que aporta el zapato usado. Los recuerdos de todo un recorrido de reflexión y silencio hacia el mundo cultural que supone el Camino de Santiago remiten al espectador a sus propias experiencias. Por otra parte, las connotaciones de los diferentes sentidos (olor, tacto, sabor), el color y el ritmo de su portador sin duda le dan a la obra diferentes lecturas, tantas como espectadores. Son estos preceptos, de colectivo, de repetición, de serie, de proceso, de imagen transferida los que confieren a la obra una homogeneidad conceptual. El espectador está invitado a participar, a imaginar, pues será quien realice y conferirá valor a la acción de caminar. Un fragmento de He andado muchos caminos de Antonio Machado sirve para identificarnos con los significados de la obra expuesta:

He andado muchos caminos,

he abierto muchas veredas;

he navegado en cien mares

y atracado en cien riberas.

[...]

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martíllopis. Camí Santiago, 2016. Técnica mixta, acrílico y tóner sobre tabla, 150 x 122 cm

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Y en todas partes he visto

gentes que danzan o juegan,

cuando pueden, y laboran

sus cuatro palmos de tierra.

Nunca, si llegan a un sitio,

preguntan a dónde llegan.

Cuando caminan, cabalgan

a lomos de mula vieja.

Y no conocen la prisa

ni aun en los días de fiesta.

Donde hay vino, beben vino;

donde no hay vino, agua fresca.

Son buenas gentes que viven,

laboran, pasan y sueñan,

y en un día como tantos

descansan bajo la tierra .

descansan bajo la tierra7.

El nostre recorregut continua amb una obra que situa l’espectador en l’entorn pròxim a l’Aeroport. Es tracta de Viajes de Carmen Sanz, en la qual aborda la temàtica dels viatges com a trànsit. Per a la pintora, el viatge no sempre és físic i el color és protagonista espiritual. Ens comenta que els grocs, rojos i ocres són utilitzats com «una explosió de vitalitat». Per tant, el color és el protagonista enfront del dibuix amb una gamma de tons càlids, els quals pretenen assaltar a l’emoció. La seua obra, pensada per a aquesta exposició i realitzada des del paisatge mateix de l’aeroport, és un viatge en si mateix. La bombolla de sabó del pri-

Nuestro recorrido continúa con una obra que sitúa al espectador en el entorno próximo al aeropuerto. Se trata de Viajes de Carmen Sanz, en la que aborda la temática de los viajes como tránsito. Para la pintora el viaje no siempre es físico y el color es protagonista espiritual. Nos comenta que los amarillos, rojos y ocres son utilizados como «una explosión de vitalidad». Por lo tanto, el color es el protagonista frente al dibujo con una gama de tonos cálidos que pretenden asaltar a la emoción. Su obra, pensada para esta exposición y realizada desde el propio paisaje del aeropuerto, es un viaje en sí mismo. La pompa de jabón del primer término con-

7 Machado, Antonio (1983) Soledades, galerías, otros poemas. Madrid: Cátedra.

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Carmen Sanz. Viajes, 2019. Técnica mixta, acrílico, óleo y lápices de colores, 100 x 100 cm

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mer terme conjuga el viatge de la infància amb el viatge interior al qual l’artista sotmet la seua obra. En les seues últimes exposicions ha optat pel format redó per als seus quadres, ja que li fa sentir «que tots els elements que apareixen en el seu interior s’ordenen holísticament, produint elevació i equilibri». El quadre és, en si, un omphalos, el qual transcendeix des de la dimensió interior; és una vanitas que no només indica la fragilitat de la vida, sinó també la vulnerabilitat inherent a l’ésser humà. Els clàssics afirmaven Homo bulla est, que significa que «l’ésser humà és com una bombolla de sabó»; una altra expressió que utilitzaven era Vita quasi fumus bullula flos que perit, «la vida acaba com una bombolla de sabó i com una flor». Aquestes sentències d’autors clàssics, recollides per la literatura emblemàtica, ens parlen del trànsit per la vida com a viatge. Aquestes frases porten a la nostra memòria un emblema gravat per Hendrick Goltzius de 1594, que la seua pictura ens mostra a un xiquet recolzat en una calavera, fent bombolles de sabó amb un canutet, acompanyat pel lema: Quis evadet? (Qui se’n va?). L’epigrama de l’emblema del gravat reclama una alegre apoteosi de la vida, imaginant el nostre breu trànsit per ella com una bombolla de sabó, on es dilueixen els nostres somnis i il·lusions. Carmen ens convida a buscar-nos a nosaltres mateixos pel viatge de la vida, plena de xicotetes bombolles en les quals el record i l’experiència s’expressen com a energia de l’esperit.

juga el viaje de la infancia con el viaje interior al que la artista está sometiendo su obra. En sus últimas exposiciones ha optado por el formato redondo para sus cuadros ya que le hace sentir «que todos los elementos que aparecen en su interior se ordenan holísticamente, produciendo elevación y equilibrio». El cuadro es en sí un omphalos, que trasciende desde la dimensión interior; es una vanitas que no solamente indica la fragilidad de la vida sino también la vulnerabilidad inherente al ser humano. Los clásicos afirmaban Homo bulla est, que significa que «el ser humano es como una pompa de jabón»; otra expresión que utilizaban era Vita quasi fumus bullula flos que perit, «la vida acaba como una pompa de jabón y como una flor». Estas sentencias de autores clásicos recogidas por la literatura emblemática nos hablan del tránsito por la vida como viaje. Dichas frases traen a nuestra memoria un emblema grabado por Hendrick Goltzius de 1594, cuya pictura nos muestra a un niño apoyado en una calavera, haciendo pompas de jabón con un canutillo, acompañado por el lema: Quis evadet? (¿Quién se marcha?). El epigrama del emblema del grabado reclama una alegre apoteosis de la vida imaginando nuestro breve tránsito por ella como una pompa de jabón, en donde se diluyen nuestros sueños e ilusiones. Carmen nos invita a buscarnos a nosotros mismos por el viaje de la vida repleta de pequeñas pompas en las que el recuerdo y la experiencia se expresa como energía del espíritu.

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Fixant-nos en l’avió que acaba d’enlairar de l’Aeroport de Castelló, l’artista Santi Tena vol que els espectadors l’acompanyem a la cabina d’aquest avió i coneguem part de la tripulació. El primer que ens crida l’atenció és que els pilots són dos xefs de cuina, la missió dels quals és regalar-nos experiències culinàries portant la creativitat al màxim poder. Per a Santi Tena, l’excés de tecnologia ens condueix al contrasentit i d’ací naix la peça central de la seua sèrie Gastronautas, titolada Preparados para el impacto. Gastronomia i ciència són referents temàtics que li donen motiu a l’artista per a reflexionar sobre el context sociocultural en què se sent immers: un món en el qual el superficial i el tecnològic semblen impregnar-ho tot. Tena utilitza «em sent immers» en individual, no com a gest individualista o egocèntric, sinó com a acte d’humilitat perquè, en aquests moments de la seua vida no gosa incloure els altres en la seua manera de pensar i de sentir. Ens comenta que experimenta la seua trajectòria vital en els següents termes: «Sent que visc en una voràgine en la qual tot va molt de pressa, en la qual se’ns roba el tresor més preat… el temps»; i que en moltes ocasions se sent «passatger d’un vol de baix cost», que s’està perdent el millor, «el que realment importa». En una reflexió sobre l’essència de les coses i sobre el camí que uns altres ens volen traçar, on és més important l’aparença que l’ésser, utilitza la ironia en referir-se a la nouvelle cuisine com un exemple més del progressiu camí emprés en l’actualitat per qualsevol disciplina o ofici cap a la pretensiositat. La lectura de Lipovetsky, Bauman, o Calabrese, entre d’altres, ha suggerit la translació dels conceptes d’aquests autors a l’àmbit pictòric. En realitat Tena ens presenta un quadre en el qual el pastitx i la paradoxa s’apleguen per a ironitzar sobre el món contemporani. Detectem la influència del cine i el còmic en la seua

Fijándonos en el avión que acaba de despegar del aeropuerto de Castellón, el artista Santi Tena quiere que los espectadores lo acompañemos a la cabina de dicho avión y conozcamos parte de la tripulación. Lo primero que llama nuestra atención es que los pilotos son dos chefs de cocina cuya misión es regalarnos experiencias culinarias llevando la creatividad al máximo poder. Para Santi Tena, el exceso de tecnología nos conduce al sinsentido y de ahí nace la pieza central de su serie Gastronautas, titulada Preparados para el impacto. Gastronomía y ciencia son referentes temáticos que le dan pie al artista para reflexionar sobre el contexto socio-cultural en el que se siente inmerso: un mundo en el que lo superficial y lo tecnológico parecen impregnarlo todo. Tena utiliza «me siento inmerso» en individual, no como gesto individualista o egocéntrico, sino como acto de humildad, pues a estas alturas de la vida no se atreve a incluir a los demás en su manera de pensar y de sentir. Nos comenta que experimenta su trayectoria vital en los siguientes términos: «Me siento que vivo en una vorágine en la que todo va muy rápido, en la que se nos roba el tesoro más preciado… el tiempo»; y que en muchas ocasiones se siente «pasajero de un vuelo lowcost», que se está perdiendo lo mejor, «lo que realmente importa». En una reflexión sobre la esencia de las cosas y sobre el camino que otros nos quieren trazar en donde es más importante la apariencia que el ser, utiliza la ironía al referirse a la nouvelle cuisine como un ejemplo más del progresivo camino emprendido en la actualidad por cualquier disciplina u oficio hacia la pretenciosidad. La lectura de Lipovetsky, Bauman, o Calabrese, entre otros, ha sugerido la traslación de los conceptos de estos autores al ámbito pictórico. En realidad Tena nos presenta un cuadro en el que el pastiche y la paradoja se dan cita para ironizar sobre el mundo contemporáneo. Detectamos la influencia

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producció, un dels seus referents és Blade Runner, de Ridley Scott, film en el qual veiem l’apocalipsi tecnològica. La seua concepció de la pintura engloba els tres vessants de l’ésser humà: cos, intel·lecte i emoció. Confessa haver estat en la cabina d’un avió i que aquesta experiència el va marcar; per això entén que l’espectador ha d’experimentar el plaer de volar en una cabina. Ens demana que ens fixem en el contrast que es produeix entre perspectiva i color així com en la lleugera inclinació de l’avió. Finalment, reincideix en la seua visió que té la sensació de perdre el temps i que d’ací naix el títol Preparados para el impacto, que és la màxima que dona el comandant d’una aeronau abans de l’accident, o quan l’accident és imminent. En la seua ment, el monòleg del replicant Batty amb el qual finalitza el film Blade Runner: «He vist coses que els humans no podien creure... Atacar naus en flames més enllà d’Orió... He vist raigs C brillant a l’obscuritat prop de la porta de Tannhäuser... Tots aquests moments es perdran en el temps, com... les llàgrimes sota la pluja. És temps de morir». Santi Tena comparteix la seua visió apocalíptica en la qual el món és com un avió que cau pilotat per cuiners que ens condueixen al desastre, al mateix temps que es delecta en la decadència que suposa la catàstrofe.

del cine y el comic en su producción, siendo uno de sus referentes Blade Runner de Ridley Scott, film en el que vemos el apocalipsis tecnológico. Su concepción de la pintura engloba las tres vertientes del ser humano: cuerpo, intelecto y emoción. Confiesa haber estado en la cabina de un avión y que dicha experiencia le marcó; por ello entiende que el espectador debe experimentar el placer de volar en una cabina. Nos pide que nos fijemos en el contraste que se da entre perspectiva y color así como en la ligera inclinación del avión. Finalmente, reincide en su visión de que tiene la sensación de estar perdiendo el tiempo y de que de ahí nace el título Preparados para el impacto que es la máxima que da el comandante de una aeronave antes del accidente, o cuando el accidente es inminente. En su mente el monólogo del replicante Batty con el que finaliza el film Blade Runner: «Yo he visto cosas que vosotros jamás creeríais. Atacar naves en llamas más allá de Orión. He visto Rayos C brillar en la oscuridad cerca de la Puerta de Tannhäuser. Todos esos momentos se perderán en el tiempo, como lágrimas en la lluvia. Es hora de morir». Santi Tena comparte su visión apocalíptica en la que el mundo es como un avión que se cae pilotado por cocineros que nos conducen al desastre, al tiempo que se deleita en la decadencia que supone la catástrofe.

I was born into a world

Nací en un mundo

Before recycling was a thing,

antes de que reciclar existiera,

Before oil wars,

antes de las guerras de petróleo,

When the biggest world

cuando la mayor amenaza mundial

Threat was nuclear.

era la nuclear.

[...]

[…]

We send out loud messages

nos enviamos mensajes estridentes

To ourselves,

a nosotros mismos,

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Santi Tena. Preparados para el impacto, 2018. Ă&#x201C;leo sobre lienzo, 130 x 162 cm

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That our world is dying:

sobre nuestro mundo, que muere:

1984, Blade Runner,

Armageddon, The Road.

I’ve yet to read a book,

No hay libro que haya leído

Or watch a film about a future

o película que haya visto sobre un futuro

I’d like to live in.

en el que quisiera vivir.

Fortunately for me,

Afortunadamente para mí,

I’ll die before the earth,

estaré muerto antes que la Tierra,

But I’d like a place for my

pero me gustaría un lugar para

Computer chip self

el chip de mi ordenador

To click and beep

en el que pudiera hacer click, y beep

In bright, clean happiness .

en clara y limpia felicidad8.

De la mà del color ens acostem a una de les obres d’Amparo Domínguez, pertanyent a la seua sèrie de retrats Carteles rasgados. De xicoteta el seu pare li deia: «Pinta cartells», però es va decantar per un aprenentatge continu en el camp de la pintura, el gravat i l’escultura. La idea de la qual parteix el seu projecte és la dels cartells de les parets de les ciutats, que, amb el pas del temps, són arrancats a poc a poc, tros a tros, i d’aquesta manera es van formant missatges en un joc de memòria i possibilitats. «De la cultura americana el que més m’atrau és que ho viuen tot com una celebració», afirma alhora que ens parla del cinema negre, el pop art –que defineix com a meravellós– o l’atracció que sent per l’estètica dels anys cinquanta quant a color i dissenys.

De la mano del color nos acercamos a una de las obras de Amparo Domínguez, perteneciente a su serie de retratos Carteles rasgados. De pequeña su padre le decía: «Pinta carteles», pero se decantó por un aprendizaje continuo en el campo de la pintura, el grabado y la escultura. La idea de la que parte su proyecto es la de los carteles de las paredes de las ciudades, que, con el paso del tiempo, son arrancados poco a poco, trozo a trozo, y de esta manera se van formando mensajes en un juego de memoria y posibilidades. «De la cultura americana lo que más me atrae es que lo viven todo como una celebración», afirma al tiempo que nos habla del cine negro, el pop art –que define como maravilloso– o la atracción que siente por la estética de los cincuenta en cuanto a color y diseños.

8 «Vaig néixer en un món / Abans de l’existència del reciclatge, / Abans de les guerres del petroli / Quan la nuclear era la major amenaça. /[…]/ Enviem missatges a crits /Per a nosaltres mateixos, / Sobre el nostre món que està morint-se: / 1984, Blade Runner,/ Armageddon, The Road. / No hi ha llibre que no haja llegit, / Ni pel·lícula que haja vist sobre un futur / en el que m’agradaria viure. / Afortunadament per a mi / Moriré abans de la terra, / Però m’agradaria un lloc per al xip del meu ordinador / En el que pogués fer clic i beep / En felicitat lluminosa i neta».Traducció dels comissaris del fragment de I was Born into a World, de James Franco. https://www.theguardian.com/environment/ ng-interactive/2015/nov/20/our-melting-shifting-liquid-world-celebrities-readpoems-on-climate-change. Consultada el 12/04/2019.

8 «I was born into a world / Before recycling was a thing, / Before oil wars, / When the biggest world / Threat was nuclear. / We send out loud messages / To ourselves,/ That our world is dying:/ 1984, Blade Runner, / Armageddon, The Road./ I’ve yet to read a book,/ Or watch a film about a future / I’d like to live in. / Fortunately for me, / I’ll die before the earth, / But I’d like a place for my / Computer chip self / To click and beep / In bright, clean happiness». Fragmento de I was Born into a World, de James Franco. https:// www.theguardian.com/environment/ng-interactive/2015/nov/20/ourmelting-shifting-liquid-world-celebrities-read-poems-on-climate-change. Consultada el 12/04/2019.

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Amparo Domínguez Villarrubia. UNITED, 2015. Óleo sobre lienzo, díptico, 130 x 130 cm

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La peça seleccionada per a aquesta exposició és una pintura oberta amb la qual vol convidar-nos al fet que, com a espectadors, formem el nostre missatge que estarà condicionat per les nostres experiències i emocions. Vol que experimentem la simultaneïtat, el que veiem en primer pla i el que hi ha darrere, una exòtica combinació de present, passat i futur. Amparo Domínguez ens ofereix dos retrats de Rita Hayworth: d’una banda ens la presenta en el seu paper de Gilda, que la va convertir en una de les màximes dives de Hollywood; i un segon retrat de la mateixa com a portada de la revista LIFE en la qual pren un batut. El contrast entre tots dos retrats i el fons format per fragments de cartells de les aerolínies nord-americanes (Pan American, TWA i United Air Lines) és una invitació a viatjar, a creuar l’oceà Atlàntic, a visitar Nova York i l’Estàtua de la Llibertat. La composició ens la presenta bigarrada a manera d’horror vacui, si bé ordenat per les diagonals compositives, on el domini del color i la seua gramàtica se’ns mostra evident. Amparo Domínguez ens presenta una reflexió sobre el somni americà: «Treball amb residus del segle XX: cartells, anuncis de viatges, publicitat de companyies aèries americanes, referents de la cultura popular, tots ells són com a retalls de temps, fragments de desig […] el desig de viatjar, de complir els nostres somnis. Però els nostres somnis moltes vegades xoquen amb la realitat. Avui hem d’estar units més que mai». Potser l’artista haja volgut titular la seua obra UNITED en resposta a les polítiques del president estatunidenc que desitja assegurar la frontera sud dels EUA gràcies a un mur. L’escriptor mexicà Jorge Méndez va escriure un emotiu poema en 2017, el qual va ser compartit en les xarxes socials i del qual rescatem alguns versos.

La pieza seleccionada para esta exposición es una pintura abierta con la que desea invitarnos a que, como espectadores, formemos nuestro propio mensaje que estará condicionado por nuestras experiencias y emociones. Desea que experimentemos la simultaneidad, lo que vemos en primer plano y aquello que se halla detrás, una exótica combinación de presente, pasado y futuro. Amparo Domínguez nos ofrece dos retratos de Rita Hayworth: por una parte nos la presenta en su papel de Gilda, que la convirtió en una de las máximas divas de Hollywood; y un segundo retrato de la misma como portada de la revista LIFE en la que se está tomando un batido. El contraste entre ambos retratos y el fondo formado por fragmentos de carteles de las aerolíneas norteamericanas (Pan American, TWA y United Air Lines) es una invitación a viajar, a cruzar el océano Atlántico, a visitar Nueva York y la Estatua de la Libertad. La composición nos la presenta abigarrada a modo de horror vacui, si bien ordenado por las diagonales compositivas, en donde el dominio del color y su gramática se nos muestra como evidente. Amparo Domínguez nos presenta una reflexión sobre el sueño americano: «Trabajo con residuos del siglo XX: carteles, anuncios de viajes, publicidad de compañías aéreas americanas, referentes de la cultura popular, todos ellos son como retazos de tiempo, fragmentos de deseo […] el deseo de viajar, de cumplir nuestros sueños. Pero nuestros sueños muchas veces chocan con la realidad. Hoy tenemos que estar unidos más que nunca». Quizá la artista haya querido titular su obra UNITED en respuesta a las políticas del presidente estadounidense que desea asegurar la frontera sur de los USA gracias a un muro. El escritor mejicano Jorge Méndez escribió un emotivo poema en 2017 que fue compartido en las redes sociales y del que rescatamos algunos versos.

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Del otro lado del muro hay paisajes,

bosques, mares y pequeños rincones donde hay magia.

Del otro lado del muro hay gente apasionada,

[…]

Del otro lado del muro hay murales,

edificios, colores, cultura, talento, arte, letras.

[…]

Del otro lado del muro hay billones de sabores,

millones de platillos, miles de texturas,

cientos de creaciones.

[…]

Del otro lado del muro hay gente que corre

como si estuviera loca y todos los días persigue la felicidad.

I és que cal no oblidar que Rita Hayworth era filla d’emigrants; son pare espanyol i sa mare d’origen irlandès i anglès. Dels atractius i alegres retalls del passat passem a l’obra de Jesús Llopis American Bikes que s’enquadra en la seua sèrie Bicicletas. Aquest treball és fruit de la seua preocupació pels fenòmens meteorològics cada vegada més extrems i els seus devastadors efectes. Ens comenta l’artista: «Portem tres estius de calor extrema; això no havia passat abans. Els científics diuen que l’única manera de pal·liar les conseqüències de l’escalfament global és reduir les emissions de gasos d’efecte d’hivernacle». No obstant això, les alarmes van saltar quan Jesús Llopis va escoltar les declaracions del president republicà Donald Trump qui amb ironia parlava dels efectes mediambientals del canvi climàtic. Es preguntava com podia ser que hi haguera gent que encara negara aquesta tendència. La seua reacció va ser pintar bicis en sèrie, perquè

Y es que no debemos olvidar que Rita Hayworth era hija de emigrantes, su padre español y su madre de origen irlandés e inglés. De los atractivos y alegres retazos del pasado pasamos a la obra de Jesús Llopis American Bikes que se encuadra en su serie Bicicletas. Este trabajo es fruto de su preocupación por los fenómenos meteorológicos cada vez más extremos y sus devastadores efectos. Nos comenta el artista: «Llevamos tres veranos de calor extremo; esto no había pasado antes. Los científicos dicen que la única manera de paliar las consecuencias del calentamiento global es reducir las emisiones de gases de efecto invernadero». Sin embargo, las alarmas saltaron cuando Jesús Llopis escuchó las declaraciones del presidente republicano Donald Trump quien con ironía hablaba de los efectos medioambientales del cambio climático. Se preguntaba cómo podía ser que hubiera gente que todavía negara esta tendencia. Su reac-

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les considera «ecològiques» en el sentit que són una de les maneres més econòmiques de viatjar i com l’excusa perfecta per a mostrar a l’espectador l’apoteosi del color. Jesús Llopis també ens convida a participar en el seu particular viatge a la terra promesa des de la paradoxa de la bandera nord-americana, símbol de la cultura popular, sobre la qual inserta les bicicletes sostenibles. Realment ens condueixen a un nou Edèn? Artista i espectadors compartim el mateix somni: un món on el medi ambient i la naturalesa no es vegen amenaçats per la contaminació i siguen el vertader déu en qui confiar. Aconseguir aquest somni requereix un profund canvi en el sistema socioeconòmic, en el qual el dòlar amb el seu motto «In God We Trust» simbolitza també el somni dels quals fugen de la pobresa i lluiten per arribar a un paradís d’oportunitats. Un viatge en el qual els esquenes mullades de tot el món somien per a aconseguir la societat del benestar. La peça de Torres Monsó, que presentem a continuació, és representativa de l’etapa creativa de la dècada dels anys 90, que arranca amb l’obra Micro-Macro (1990), la qual presidia l’exposició Escultures (1942-90) del Museu d’Història de la ciutat de Girona. En una entrevista Francesc Torres defineix les creacions dels anys 90 com «allunyades de la bellesa clàssica i utilitza els recursos que l’artista necessita, objecte, fotografia, text». Per a això crea l’escenografia i, amb un relat ni literal ni evident, l’autor confronta l’espectador amb la part més miserable de la naturalesa humana. És una metàfora-veritat de la realitat i la destinació de l’ésser, amb una dosi d’actualitat.

ción fue pintar bicis en serie pues las considera «ecológicas» en el sentido de que son una de las formas más económicas de viajar y como la excusa perfecta para mostrar al espectador la apoteosis del color. Jesús Llopis también nos invita a participar en su particular viaje a la tierra prometida desde la paradoja de la bandera norteamericana, símbolo de la cultura popular, sobre la que inserta las bicicletas sostenibles. ¿Realmente nos conducen a un nuevo Edén? Artista y espectadores compartimos el mismo sueño: un mundo en donde el medio ambiente y la naturaleza no se vean amenazados por la contaminación y sean el verdadero dios en el que confiar. Alcanzar dicho sueño requiere un profundo cambio en el sistema socioeconómico en el que el dólar con su motto «In God We Trust» simboliza también el sueño de los que huyen de la pobreza y luchan por llegar a un paraíso de oportunidades. Un viaje en el que los espaldas mojadas de todo el mundo sueñan por alcanzar la sociedad del bienestar. La pieza de Torres Monsó, que presentamos a continuación, es representativa de la etapa creativa de la década de los 90, que arranca con la obra Micro-Macro (1990) que presidía la exposición Escultures (1942-1990) del Museu d’Història de la Ciutat de Girona. En una entrevista Francesc Torres define las creaciones de los 90 como «alejadas de la belleza clásica y utiliza los recursos que el artista necesita, objeto, fotografía, texto». Para ello crea la escenografía y, con un relato ni literal ni evidente, el autor confronta al espectador con la parte más miserable de la naturaleza humana. Es una metáfora-verdad de la realidad y el destino del ser, con una dosis de actualidad.

[…] l’art, més que decorar i embellir, ha de ser la consciència de la societat i ha de servir per a millorar-nos. El fenomen estètic hi és afegit. L’art ha de

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Jesús Llopis Martínez. American Bikes, 2017. Óleo sobre lienzo, 105 x 146 cm

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ser una arma per poder dir allò que es pensa, i ser radical si convé. Sense mitges tintes ni retalls9.

En aquesta dècada el seu treball es va tornar més introspectiu i es va capbussar en la realitat de l’evolució i transformació del seu llenguatge artístic, en general, i l’escultòric, en particular, fidel a la reivindicació del paper bel·ligerant de l’artista en el context social. Influït per Rosalind E. Krauss, qui va definir la nova categoria de l’escultura situada en l’espai resultant de l’addició del no paisatge i la no arquitectura, Porta falsa és un bon exemple d’aquesta evolució en la seua obra. Torres Monsó es va situar en aquest nou marc de representació i va utilitzar tots els recursos per a organitzar el relat: va incrementar l’ús de la instal·lació, de l’activitat performativa, el text, l’escultura, la fotografia i qualsevol recurs que li fora o creguera necessari per a articular i reforçar el seu discurs10.

En esta década su trabajo se volvió más introspectivo y se zambulló en la realidad de la evolución y transformación de su lenguaje artístico, en general, y el escultórico, en particular, fiel a la reivindicación del papel beligerante del artista en el contexto social. Influido por Rosalind E. Krauss, que definió la nueva categoría de la escultura situada en el espacio resultante de la adición del no paisaje y la no arquitectura, Porta falsa es un buen ejemplo de esta evolución en su obra. Torres Monsó se situó en este nuevo marco de representación y utilizó todos los recursos para organizar el relato: incrementó el uso de la instalación, de la actividad performativa, el texto, la escultura, fotografía y cualquier recurso que le fuera o creyera necesario para articular y reforzar su discurso10.

Un discurs, sense concessions, conceptualment es va situar en un nihilisme a la manera dels postmoderns i postestructuralistes: Derrida, Lyotard, Baudrillard, és a dir, es va qüestionar els motius pels quals les cultures occidentals han basat les seves «veritats» al coneixement absolut i en el relat hegemònic de l’acumulació de coneixement, de la necessitat de justificar el progrés històric en certs ideals i pràctiques de l’humanisme i de la il·lustració. Per reflexionar sobre la necessitat de descentralitzar l’autoria i crear l’espai necessari per construir altres discursos des de la mirada subalterna i postcolonial de l’altre. Les seves exposicions seran destil·lades i

9 Gil, R. «Francesc Torres Monsó la recerca de la llibertat.» Diari de Girona, 15 de juliol de1990. p.6-7. 10 Ortiz Valeri, C. (2016) Un llarg viatge 1939-2007. Fonamentació ideològica amb base biogràfica de la trajectòria artística de l’escultor Francesc Torres Monsó. Tesi doctoral en línia. Universitat Autònoma de Barcelona, p. 192. Consultada el 29/04/2019.

9 Gil, R. «Francesc Torres Monsó la recerca de la llibertat.» Diari de Girona, 15 de julio de 1990. p.6-7. 10 Ortiz Valeri, C. (2016) Un llarg viatge 1939-2007. Fonamentació ideològica amb base biogràfica de la trajectòria artística de l’escultor Francesc Torres Monsó. Tesis Doctoral. On Line. Universitat Autònoma de Barcelona, p. 192. Consultada el 29/04/2019.

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Francesc Torres Monsรณ. Porta falsa, 1992. Madera recubierta de formica, 100 x 65 x 36 cm. Colecciรณn del MACVAC

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síntesi discursiva d’aquestes preocupacions i fruit del seu, sempre viva, curiositat intel·lectual.

Situem aquesta obra com a contrapunt i final del relat de les obres anteriors perquè ens mostra una altra visió del viatge, la de la intolerància, marcada per les fronteres, murs i concertines que ens deshumanitzen i impedeixen el viatge com a univers de trobada i diversitat.

Situamos esta obra como contrapunto y final del relato de las obras anteriores pues nos muestra otra visión del viaje, la de la intolerancia, marcada por las fronteras, muros y concertinas que nos deshumanizan e impiden el viaje como universo de encuentro y diversidad.

We closed the borders, folks, we nailed it.

Cerramos las fronteras, amigos; lo hicimos.

No trees, no plants, no immigrants.

Ni árboles, ni plantas, ni inmigrantes.

No foreign nurses, no Doctors; we smashed it.

Ni enfermeras extranjeras, ni doctores; lo conseguimos.

We took control of our affairs. No fresh air.

Tomamos el control de nuestros asuntos. Ni aire fresco.

[…]

No loony lefties, please. No politically correct classes.

Ni izquierdistas chiflados, por favor. Ni clases políticamente correctas.

[…]

We shut it down! No immigrants, no immigrants.

¡Lo cerramos! Ya no hay inmigrantes, ya no hay.

No sniveling-recycling-global-warming nutters.

Ni lloricas chiflados por el reciclaje o por el calentamiento global.

Little man, little woman, the world is a dangerous place.

Hombrecito, mujercita: el mundo es un lugar peligroso. […]11

[…] . 11

Al centre de la Sala 30 de l’Aeroport, la instal·lació Ciudad mecedora de Santiago Gómez Carreras ens incita a reflexionar sobre la relació entre l’ésser humà i l’espai. La cerca d’espais on acollir-se en fugir de la fam, de les guerres, o de la violència porta a l’artista a imaginar

En el centro de la Sala 30 del aeropuerto la instalación Ciudad mecedora de Santiago Gómez Carreras nos incita a reflexionar sobre la relación entre el ser humano y el espacio. La búsqueda de espacios en los que cobijarse al huir del hambre, de las guerras,

11 Tanquem les fronteres, amics; ho férem. / Ni arbres, ni plantes, ni immigrants. / Ni infermeres estrangeres, ni doctors; ho aconseguirem. / Prenem el control dels nostres assumptes. Sense aire fresc. / […] / Sense esquerrans guillats, per favor. Sense classes políticament correctes. / […] / ¡Ho tanquem!. No hi ha immigrants, no hi han. / Sense plorosos sonats pel reciclatge o pel calfament global. / Homenet, doneta: el món és un lloc perillós. […]. Traducció dels comissaris del frament de Extinction de Jackie Kay. www.lavidauve.com/2016/02/3-poemas-para-el-cambio-climatico. html. Consultada 17/04/2019.

11 «We closed the borders, folks, we nailed it. / No trees, no plants, no immigrants. / No foreign nurses, no Doctors; we smashed it. / We took control of our affairs. No fresh air. […] No loony lefties, please. No politically correct classes. […] We shut it down! No immigrants, no immigrants. No sniveling-recycling-global-warming nutters. Little man, little woman, the world is a dangerous place. […]». Traducción de los comisarios del fragmento de Extinction de Jackie Kay. www. lavidauve.com/2016/02/3-poemas-para-el-cambio-climatico.html. Consultada 17/04/2019.

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Santiago Gรณmez Carreras. Ciudad mecedora, 2015. Instalaciรณn. Escultura en madera, medidas variables

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«ciutats gronxadora», «ciutats en l’aire» o «ciutats en la mar» que òbriguen les seues portes i acullen amb valentia als qui per obligació han de desplaçar-se. És conscient que en les seues propostes tracta del quotidià, de la vida, de la ciutat i que aquestes són temàtiques àmplies. Per això, vol compartir la seua concepció de la ciutat com a element espacial en el qual es mouen les persones, les seues alegries i tristeses, el dia, la nit, la realitat i els somnis. D’altra banda, en analitzar els nous mitjans de transport, vol que les seues ciutats siguen «transportades», és a dir, que es puguen moure sobre rodes, sobre la mar i per l’aire. Les seues ciutats es generen gràcies als passejos que realitza al llarg del dia. Observa el que succeeix als carrers: els cotxes en moviment enfront de l’estatisme dels edificis; les finques altes, passives davant el paisatge que les envolta, romanen adormides entre les seues flassades de formigó. Per a l’artista és una son que defineix com a «boja», una son que creix a poc a poc, que engoleix al seu pas tot el que troba, ja siguen xicotetes parcel·les de terra de llauradors, barris d’edificacions antigues, platges a les zones costaneres, o la llum directa del sol. Una ciutat només de formigó, sense espais verds, és com «l’estómac d’un gran monstre que, en devorar-ho tot, s’eixampla, creix i és el preu que la humanitat ha de pagar per la planificació racionalitzada, saber o progrés, com vulgueu dir-li». Si l’entorn esdevé hostil, la gent es veu obligada a abandonar les seues cases. És l’inici del viatge cap a una «ciutat oberta» on poder refugiar-se.

o de la violencia lleva al artista a imaginar «ciudades mecedora», «ciudades en el aire» o «ciudades en el mar» que abran sus puertas y acojan con valentía a los que por obligación han de desplazarse. Es consciente de que en sus propuestas trata de lo cotidiano, de la vida, de la ciudad y que son temáticas amplias. Por ello quiere compartir su concepción de la ciudad como elemento espacial en el que se mueven las personas, sus alegrías y tristezas, el día, la noche, la realidad y los sueños. Por otra parte, al analizar los nuevos medios de transporte, quiere que sus ciudades sean «transportadas», es decir, que se puedan mover sobre ruedas, sobre el mar y por el aire. Sus ciudades se generan gracias a los paseos que realiza a lo largo del día. Observa lo que sucede en las calles: los coches en movimiento frente al estatismo de los edificios; las fincas altas, pasivas ante el paisaje que les rodean, permanecen dormidas entre sus mantas de hormigón. Para el artista es un sueño que define como «loco», un sueño que va creciendo poco a poco, comiéndose a su paso todo lo que encuentra ya sean pequeñas parcelas de tierra de agricultores, barrios de edificaciones antiguas, playas en las zonas costeras, o la luz directa del sol. Una ciudad solo de hormigón, sin espacios verdes, es como «el estómago de un gran monstruo que, al devorarlo todo, se ensancha, crece y es el precio que el ser humano ha de pagar por llámese planificación racionalizada, saber o progreso». Si el entorno se vuelve hostil, la gente se ve obligada a abandonar sus casas. Es el inicio del viaje hacia una «ciudad abierta» en la que poder refugiarse.

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En altres obres com ara Ciudad del mar desitja captar la nostra atenció sobre la tragèdia d’aquelles persones que moren a la mar tractant d’arribar a les costes d’Itàlia, Grècia o Espanya. És la seua manera de denunciar aquest fet lamentable, ahora que ret sincer homenatge a aqueixes valentes persones que es juguen la vida en l’intent. En Ciudad de arena aborda la temàtica del pas del temps i interactua amb l’espectador familiaritzat amb el simple gest de construir castells d’arena a la platja. En Ciudad mecedora ens anima a allunyar-nos de l’estrès, el soroll, les presses, gaudir en un espai on estar tranquils, relaxats i poder descansar-hi. Perquè, segons Gómez Carreras, «sense el descans, no hi ha reflexió, ni possibilitat d’observar, ni observar-se a un mateix». També apunta que en la construcció d’una ciutat no ha de faltar-hi el joc, l’element lúdic que trenque amb la seriositat, amb l’egoisme, perquè la seua mirada va més enllà del negatiu que puga caracteritzar una ciutat. «La meua mirada és una mirada d’esperança», comenta i ens explica que vol construir una casa que cride a la intimitat, on prevalga la calidesa de l’artesanal i allunyada de propostes urbanístiques que són com a formiguers o nius de vespes en què preval l’industrial. Per als espectadors que busquen quelcom més, dedica la seua Ciudad mecedora que incita a imaginar amb llibertat un il·limitat catàleg de ciutats que dormen entre l’horitzontalitat i la verticalitat.

En otras obras como Ciudad del mar desea captar nuestra atención sobre la tragedia de aquellas personas que fallecen en el mar tratando de llegar a las costas de Italia, Grecia o España. Es su forma de denunciar este hecho lamentable al tiempo que rinde sincero homenaje a esas valientes personas que se juegan la vida en el intento. En Ciudad de arena aborda la temática del paso del tiempo e interactúa con el espectador familiarizado con el simple gesto de construir castillos de arena en la playa. En Ciudad mecedora nos anima a alejarnos del estrés, el ruido, las prisas, disfrutar en un espacio donde estar tranquilos, relajados y poder descansar. Pues según Gómez Carreras, «sin el descanso, no hay reflexión, ni posibilidad de observar, ni observarse a uno mismo». También apunta que en la construcción de una ciudad no debe faltar el juego, el elemento lúdico que rompa con la seriedad, con el egoísmo, pues su mirada va más allá de lo negativo que pueda caracterizar una ciudad. «Mi mirada es una mirada de esperanza», comenta y nos explica que desea construir una casa que llame a la intimidad, en la que prime la calidez de lo artesanal y se aleje de propuestas urbanísticas que son como hormigueros o nidos de avispas en los que prevalece lo industrial. Para los espectadores que buscan algo más dedica su Ciudad mecedora que incita a imaginar con libertad un ilimitado catálogo de ciudades que duermen entre la horizontalidad y la verticalidad.

El catálogo de las formas es interminable: mientras cada forma no haya encontrado su ciudad, nuevas

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Victoria Cano. Libros voladores con alas de metal, 2019. InstalaciĂłn. TĂŠcnica mixta, medidas variables

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ciudades seguirán naciendo. Donde las formas agotan sus variaciones y se deshacen, comienza el fin de las ciudades. En los últimos mapas del atlas se diluían retículas sin principio ni fin, ciudades con la forma de Los Ángeles, con la forma de Kyoto-Osaka, sin forma12.

En una «ciutat gronxadora» la nostra imaginació pot sucumbir a l’agradable temptació de deixar-se portar pels Libros voladores de Victoria Cano. Els seus llibres artístics es remunten a l’any 1981 quan es trobava pensionada en l’Acadèmia Espanyola de Belles Arts a Roma. El seu primer llibre va ser un llibre cosit amb intervencions de màquines, de cosits, de pegats, de gofratges. Els seus llibres suspesos en l’aire, en continu moviment, són com l’esperit de les persones, els seus pensaments. «Encara que les persones ja no hi siguen», ens comenta, «queden els seus escrits que et permeten volar, viatjar, imaginar, somiar, que et transmeten emocions i fins i tot et poden inspirar». En cadascuna de les seues exposicions els llibres estan present d’alguna manera. Són part fonamental de la seua obra, li permeten contar el que no pot pintar. En 2005 va crear un llibre de gran format, titulat Libro para el tacto. El va dedicar a les persones que no poden veure. Al seu interior, si llisquem els 12

En una «ciudad mecedora» nuestra imaginación puede sucumbir a la agradable tentación de dejarse llevar por los Libros voladores de Victoria Cano. Sus libros artísticos se remontan al año 1981 cuando se encontraba en la Academia Española de Bellas Artes en Roma como pensionada. Su primer libro fue un libro cosido con intervenciones de máquinas, de cosidos, de pegados, de gofrados. Sus libros suspendidos en el aire, en continuo movimiento, son como el espíritu de las personas, sus pensamientos. «Aunque las personas ya no estén», nos comenta, «quedan sus escritos que te permiten volar, viajar, imaginar, soñar, que te transmiten emociones e incluso te pueden inspirar». En cada una de sus exposiciones los libros están presente de alguna manera. Son parte fundamental de su obra que le permiten contar lo que no puede pintar. En 2005 creó un libro de gran formato titulado Libro para el tacto. Lo dedicó a las personas que no pueden ver. En su interior, si deslizamos los dedos, está el alfabeto Braille.

Calvino, Italo (2018) Las ciudades invisibles. Madrid: Siruela.

12 Calvino, Italo (2018) Las ciudades invisibles. Madrid: Siruela.

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dits, hi ha l’alfabet Braille. Un dels missatges d’aquesta obra és que a vegades les coses s’aprenen amb dolor, que la bellesa té aqueix component simbòlic, com les roses que tenen espines. En 2010 va presentar, a Roma, una obra consistent en 200 llibres voladors en homenatge a les persones que havien perdut la vida en el terratrèmol de L’Aquila. Victoria Cano ens va comentar en una entrevista que els seus llibres voladors són «una obra artística al mateix temps que artesanal», perquè alguns materials i tècniques que utilitza són propis de la pintura, l'escultura, el dibuix o la ceràmica. En la seua realització usa «suports transparents, translúcids o opacs amb pols de cristall de diferents colors», ja que les seues textures i transparències donen major expressivitat a l'obra. Les seues pintures «fluorescents, fosforescents i fins i tot reflectores» creen centellejos de llum i color. «En aquesta ocasió», apunta «també he aplicat la tècnica del reciclatge [...] en crear les meues obres expressament per a aquesta exposició, la temàtica de la qual gira entorn als viatges, he reciclat llaunes de diferents refrescos per a dotar d'ales de metall als meus llibres». Els seus paisatges humans, els seus metres de creativitat i els seus llibres voladors són com a viatges a l'interior dels sentiments; per això a vegades aqueixos viatges els realitza acompanyada per familiars, amics, gent anònima, emigrants, músics, informàtics, o poetes. «Tots deixem petjada […] Em sorprén com a partir de la pintura, dels meus quadres, de les meues instal·lacions o dels meus llibres artístics algú pot escriure música, interpretar-la, o escriure poemes, perquè suposa un viatge interior, d'emocions», comenta i comparteix uns versos13 que van nàixer de la contemplació de la seua obra:

Uno de los mensajes de esta obra es que en ocasiones las cosas se aprenden con dolor, que la belleza tiene ese componente simbólico como las rosas que tienen espinas. En 2010 presentó en Roma una obra que consistió en 200 libros voladores en homenaje a las personas que habían perdido la vida en el terremoto de L’Aquila. Victoria Cano nos comentó en una entrevista que sus libros voladores son «una obra artística al tiempo que artesanal», pues algunos materiales y técnicas que utiliza son propios de la pintura, la escultura, el dibujo o la cerámica. En su realización usa «soportes transparentes, translúcidos u opacos con polvo de cristal de diferentes colores», ya que sus texturas y transparencias dan mayor expresividad a la obra. Sus pinturas «fluorescentes, fosforescentes e incluso reflectantes» crean destellos de luz y color. «En esta ocasión», apunta «también he aplicado la técnica del reciclaje [...] al crear mis obras expresamente para esta exposición, cuya temática gira en torno a los viajes, he reciclado latas de diferentes refrescos para dotar de alas de metal a mis libros». Sus paisajes humanos, sus metros de creatividad y sus libros voladores son como viajes al interior de los sentimientos; por ello en ocasiones esos viajes los realiza acompañada por familiares, amigos, gente anónima, emigrantes, músicos, informáticos, o poetas. «Todos dejamos huella […] Me sorprende cómo a partir de la pintura, de mis cuadros, de mis instalaciones o de mis libros artísticos alguien puede escribir música, interpretarla, o escribir poemas, pues supone un viaje interior, de emociones», comenta y comparte unos versos13 que nacieron de la contemplación de su obra:

13 Poema de Nieves Alberola Crespo titulat [Paisaje(s) humano(s)]. Forma part del projecte Libro volador N & V en el qual treballen en col·laboració Victoria Cano i Nieves Alberola.

13 Poema de Nieves Alberola Crespo titulado [Paisaje(s) humano(s)]. Forma parte del proyecto Libro volador N & V en el que trabajan en colaboración Victoria Cano y Nieves Alberola.

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La textura de un viaje –

un rito casi mágico fluye y

se confunde con su soporte

vagones de color – rojos,

amarillos, azules y verdes

luminosas estelas coronan las

huellas impresas sobre

un manto de arena –

imagen de un golpe sordo

testigo de un latido encogido

los libros voladores albergan

el grito de las formas –

silencio en movimiento

Victoria Cano vol viatjar al fons de la naturalesa humana en contínua transformació. Com a artista, creu que hem de generar bellesa per a assolir l’harmonia en tot el viscut, per més difícil que aquesta tasca ho siga.

Victoria Cano desea viajar al fondo de la naturaleza humana en continua transformación. Como artista cree que debemos generar belleza para alcanzar la armonía en todo lo vivido por difícil que esta empresa sea.

Nieves Alberola Crespo14 Vicent F. Zuriaga Senent15 Comissaris de l’exposició

Nieves Alberola Crespo14 Vicent F. Zuriaga Senent15 Comisarios de la exposición

14 Professora Titular de la Universitat Jaume I de Castelló. Investigadora del grup de recerca Llengües i Cultures Europees i Nous Llenguatges Literaris i Audiovisuals i del grup d’Investigació en Estudis Feministes i de Gènere (Universitat Jaume I). 15 Professor de la Universidad Católica de Valencia. Investigador del grup Apes de la Universitat de València i del grup Humanitats Digitals de la Universitat Catòlica de València.

14 Profesora Titular de la Universitat Jaume I de Castelló. Investigadora del Grupo Lenguas y Culturas Europeas y Nuevos Lenguajes Literarios y Audiovisuales y del Grupo de Investigación en Estudios Feministas y de Género (Universitat Jaume I). 15 Profesor de la Universidadt Católica de Valencia. Investigador del Grupo Apes de la Universitat de València y del Grupo Humanidades Digitales de la Universidad Católica de Valencia.

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Victoria Cano. Fotomontje de Libros voladores con alas de metal sobre imagen del aeropuerto de Castellón, 2019

QR enlace al vídeo Libros voladores con alas de metal, 2019 (inglés)

QR enlace al vídeo Libros voladores con alas de metal, 2019 (castellano)

cv artistes

cv artistas

Manuel Boix

Manuel Boix (L’Alcúdia, 1942) estudia a l’escola de Belles Arts Sant Carles de València. Ha estat un dels introductors del nou realisme a la península, en els ja remots 60. En la dècada següent, les sèries Falconeria i Trama i ordit aprofundien en el mateix fet de pintar, amb obres d’una gran bellesa formal, com L’arc del triomf, que clou la primera, i El martiri de sant Sebastià, que resumeix la segona. Des que l’any 1980 li fou concedit el Premi Nacional d’Arts Plàstiques, i particularment després d’una llarga estada a Nova York, la seua tasca s’ha significat en els més diversos camps de la creació: pintura –sèries Acròstic, Frontissa, Alfabet, Escacs...–, il.lustració de llibres –Tirant lo Blanc, La Serp, el riu, Don Quixot...–, obra gràfica i cartells, i darrerement escultura. Els Borja, El Laberint, Els equilibristes i El punt dins el moviment combinen tots els anteriors recursos, i són temptatives que busquen la plena ocupació de l’espai escenogràfic.

Manuel Boix (L’Alcúdia, 1942) estudia en la escuela de Bellas Artes San Carlos de Valencia. Ha sido uno de los introductores del nuevo realismo en la península, en los ya remotos 60. En la década siguiente, las series Cetrería y Trama y urdimbre profundizan en el mismo hecho de pintar, con dos obras de una gran belleza formal, como El arco del triunfo, que cierra la primera, y El martirio de san Sebastián, que resume la segunda. Desde que se le concedió el Premio Nacional de Artes Plásticas en el año 1980, y particularmente después de una larga estancia en Nueva York, su trabajo se ha significado en los más diversos campos de la creación: pintura –series Acróstico, Frontissa, Alfabeto, Escacs...–, ilustración de libros –Tirant lo Blanc, La Serpiente, el río, Don Quijote...–, obra gráfica y carteles, y últimament escultura. Los Borja, El Laberinto, Los equilibristas y El punt dins el moviment combinan todos los recursos anteriores, y son tentativas que buscan la plena ocupación del espacio escenográfico.

http://www.manuelboix.com

Rafael Zabaleta

Rafael Zabaleta (Quesada, Jaén, 1907-1960) va realitzar els seus estudis de pintura a la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, on va tenir les seues primeres trobades amb les avantguardes, si bé en aquells anys era difícil establir una via fluida de comunicació amb el que es feia en altres llocs d’Europa. No obstant això, potser aquesta dificultat li va servir per a desenvolupar una poètica molt personal, en la qual elements de Castella i especialment d’Andalusia semblen mesclar-se amb llenguatges, tan sols en aparença antagònics a la tradició. En qualsevol cas, ja després de la guerra civil viatja a París, on, sota la influència de Picasso, simplifica la seua pintura. La seua obra mostra clarament la influència de

Rafael Zabaleta (Quesada, Jaén, 1907-1960) realizó sus estudios de pintura en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, donde tuvo sus primeros encuentros con las vanguardias, si bien en aquellos años era difícil establecer una vía fluida de comunicación con lo que se hacía en otros lugares de Europa. No obstante, quizá esta dificultad le sirvió para desarrollar una poética muy personal, en la que elementos de Castilla y especialmente de Andalucía parecen mezclarse con lenguajes tan solo en apariencia antagónicos a la tradición. En cualquier caso, ya después de la guerra civil viaja a París, donde, bajo la influencia de Picasso, simplifica su pintura. Su obra muestra claramente la influencia de diversos

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diversos moviments de les avantguardes que va conèixer a París, des de l’expressionisme fins al cubisme, amb immersions també en la poètica surrealista, elements, tots ells, curiosament enfilats en una temàtica a la qual li plau el món rural. L’obra que posseeix el Museu de Vilafamés (procedent de la cessió de Valle Ortí) és precisament la representació d’un pastor que viu la duresa de la terra. Avui podem veure les seues obres a alguns dels més prestigiosos museus del món, encara que la col·lecció més significativa es troba en el Museu Zabaleta de la seua ciutat natal.

movimientos de las vanguardias que conoció en París, desde el expresionismo hasta el cubismo, con inmersiones también en la poética surrealista, elementos todos ellos curiosamente enhebrados en una temática que gusta del mundo rural. La obra que posee el Museo de Vilafamés (procedente de la cesión de Valle Ortí) es precisamente la representación de un pastor que vive la dureza de la tierra. Hoy podemos ver sus obras en algunos de los más prestigiosos museos del mundo, aunque la colección más significativa se encuentra en el Museo Zabaleta de su ciudad natal.

https://www.macvac.es/wp-content/uploads/2016/07/ articulos-rafael-zabaleta.pdf

Ricardo Bastid Peris

Ricardo Bastid Peris (València, 1919 - Buenos Aires, 1966) va assistir a classes nocturnes a la Reial Acadèmia de Belles Arts de Sant Carles i des de molt jove es va afiliar a la FUE (Federació Universitària Escolar). Després de la guerra va ser detingut i empresonat a la presó de Alcalá de Henares. En eixir de la presó, va realitzar la seua primera exposició individual al saló de la revista Ateneu, de Madrid, i va participar en la III Biennal Hispanoamericana d’Art, a Barcelona, on va obtenir molt bones crítiques. Va ser de nou empresonat i va optar per l’exili. Va passar a França amb passaport fals i des d’allí va emigrar amb la seua esposa cap a l’Argentina, a principis de l’any 1957. Va exposar en diverses ciutats de l’Argentina com la galeria Velázquez de Buenos Aires o la galeria O de Rosario. Va morir a Buenos Aires als 46 anys, víctima d’un accident de trànsit. Bastid va dur a terme la seua carrera en solitari, abordant les qüestions més importants de la seua època: va escriure articles polítics, assajos d’estètica i obres literàries testimonials, però fou sobretot en la pintura on va aconseguir plasmar totes les seues inquietuds en un estil molt personal. El mèrit del conjunt de la seua obra –deixant de banda consideracions purament artístiques o literàries– no és només la seua capacitat multidisciplinària, sinó el seu gran valor testimonial, descrivint el drama humà generat per la guerra civil i captant amb sinceritat les inquietuds d’una generació truncada.

Ricardo Bastid Peris (Valencia, 1919 - Buenos Aires, 1966) asistió a clases nocturnas en la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos y desde muy joven se afilió a la FUE (Federación Universitaria Escolar). Tras la guerra fue detenido y estuvo encarcelado en la prisión de Alcalá de Henares. Después de salir de la cárcel, realizó su primera exposición individual en el salón de la revista Ateneo de Madrid y participó en la III Bienal Hispanoamericana de Arte en Barcelona, donde obtuvo muy buenas críticas. Fue de nuevo encarcelado y optó por el exilio. Pasó a Francia con pasaporte falso y desde allí emigró con su esposa hacia Argentina, a principios del año 1957. Expuso en varias ciudades de Argentina como la galería Velázquez, de Buenos Aires, o la galería O de Rosario. Murió en Buenos Aires a los 46 años de edad, víctima de un accidente de tráfico. Bastid llevó a cabo su carrera en solitario, abordando las cuestiones más importantes de su época; escribió artículos políticos, ensayos de estética y obras literarias testimoniales. Pero fue sobre todo en la pintura donde consiguió plasmar todas sus inquietudes en un estilo muy personal. El mérito del conjunto de su obra –dejando a un lado consideraciones puramente artísticas o literarias– no es solo su capacidad multidisciplinar, sino su gran valor testimonial, describiendo el drama humano generado por la guerra civil y captando con sinceridad las inquietudes de una generación truncada.

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https://www.macvac.es/artista/bastid-peris-ricardo/

Celso Lagar Arroyo

Celso Lagar Arroyo (Ciudad Rodrigo, 1891 - Sevilla, 1966) va ser un pintor espanyol expressionista de la primera generació de l’Escola de París. La llarga estada a París de Celso Lagar (entre 1915 i 1963) li permet establir contactes amb les estètiques avantguardistes franceses i realitzar la major part de la seua obra. Com un dels fundadors del Salon des Surindépendants, s’involucra en el coneixement de l’art de Max Jacob, Modigliani (qui el va retratar en dues ocasions), Picasso, Duchamp, Léger i Derain. Membre de l’anomenada Escola de París, Lagar va portar a la pràctica la pintura espanyola configurada com a tendència amb voluntat de construcció. Paisatges, natures mortes i, sobretot, escenes del món del circ constitueixen el més característic de la seua producció, que durant els anys vint va recuperar un llenguatge figuratiu classicista. La seua pintura evoluciona des de la tendència cubista inicial cap a una figuració pròxima a l’expressionisme d’arrel hispànica. Entre la influència del període rosa de Picasso i l’expressionisme de Roucault, pinta el quadre que presentem en aquesta exposició, Tarde de circo. Els seus quadres es troben a nombrosos museus de tota Europa. Va ser il·lustrador de diverses revistes, entre elles, les espanyoles Revista Nova, Un enemic del poble i Troços.

Celso Lagar Arroyo (Ciudad Rodrigo, 1891 - Sevilla, 1966) fue un pintor español expresionista de la primera generación de la Escuela de París. La larga estancia en París de Celso Lagar (entre 1915 y 1963) le permite establecer contactos con las estéticas vanguardistas francesas y realizar la mayor parte de su obra. Como uno de los fundadores del Salon des Surindépendants, se involucra en el conocimiento del arte de Max Jacob, Modigliani (que le retrató en dos ocasiones), Picasso, Duchamp, Léger y Derain. Miembro de la llamada Escuela de París, Lagar llevó a la práctica la pintura española configurada como tendencia con voluntad de construcción. Paisajes, bodegones y, sobre todo, escenas del mundo del circo constituyen lo más característico de su producción, que durante los años veinte recuperó un lenguaje figurativo clasicista. Su pintura evoluciona desde la tendencia cubista inicial hacia una figuración cercana al expresionismo de raíz hispánica. Entre la influencia del periodo rosa de Picasso y el expresionismo de Roucault, pinta el cuadro que presentamos en esta exposición, Tarde de circo. Sus cuadros se encuentran en numerosos museos de toda Europa. Fue ilustrador de varias revistas, entre ellas, las españolas Revista Nova, Un enemic del poble y Troços.

https://www.macvac.es/artista/lagar-celso/

Javier Lorenzo Miralles

Javier Lorenzo Miralles (Alacant, 1950) compta amb una producció pictòrica vinculada a la seua pròpia biografia. La seua obra constitueix una aportació lúcida als sentiments que li embarguen a la naturalesa de l’ésser humà contemporani. La seua poètica, constituïda per la fragmentació d’un món personal inquietant, és la d’un creador humà compromès amb la naturalesa de l’home, capaç de cercar en l’interior i revelar els batecs dels records, la nostàlgia i la malenconia. Pintura autobiogràfica que s’endinsa en els sentiments i en els sentits més profunds de l’ésser humà. Part de la meditació i de la reflexió antropològica per a arribar a un enfocament psicologista

Javier Lorenzo Miralles (Alicante, 1950) cuenta con una producción pictórica vinculada a su propia biografía. Su obra constituye una aportación lúcida a los sentimientos que le embargan a la naturaleza del ser humano contemporáneo. Su poética, constituida por la fragmentación de un mundo personal inquietante, es la de un creador humano comprometido con la naturaleza del hombre, capaz de rebuscar en el interior y desvelar los latidos de los recuerdos, la nostalgia y la melancolía. Su pintura es autobiográfica ya que se adentra en los sentimientos y en los sentidos más profundos del ser humano. Parte de la meditación y de la reflexión antropológica para llegar a un enfoque psicologista

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que la situa en els límits del nihilisme. En aquesta insubornable fidelitat per desentranyar els secrets que mouen a l’ésser humà podem trobar el llenguatge secret del seu art, l’alquímia d’una poètica nihilista fascinada pels mecanismes que mouen els fils del comportament.

que la sitúa en los límites del nihilismo. En esta insobornable fidelidad por desentrañar los secretos que mueven al ser humano podemos encontrar el lenguaje secreto de su arte, la alquimia de una poética nihilista, fascinada por los mecanismos que mueven los hilos del comportamiento.

https://www.macvac.es/artista/lorenzo-miralles-javier/

martíllopis

L’equip està format per Isabel Martí Clara (Albalat dels Sorells, 1960), Vicent Salvador Llopis (Rafelbunyol, 1961) i Juan Luis Llopis Salvador (Rafelbunyol, 1958). L’interès que mou aquest equip parteix d’algunes premisses, de conceptes, de la idea, cercant elements que els ajuden a seguir el rastre de l’art. L’equip treballa, des de 2016, amb l’objecte ready-made, un objecte usat i de consum per a reflectir, en certa manera, la societat en la qual vivim, materialitzant-lo en la sabata, una sabata habitada, amb la seua vida viscuda, les seues històries i les seues sinestèsies. Això porta implícita, alhora, una acció, caminar, passejar, divagar, actituds que ens porten al procés, al treball, la investigació, fets, amb més prerrogatives que el resultat final en si. Un altre dels conceptes que treballa l’equip martíllopis és el col·lectiu, una aposta comunament, pel «nostre», evitant els individualismes i el concepte de propietat, tan arrelat entre els artistes. En 2018 comença el seu camí de comissariat d’exposicions tant individuals com col·lectives.

El equipo está formado por Isabel Martí Clara (Albalat dels Sorells, 1960), Vicent Salvador Llopis (Rafelbunyol, 1961) y Juan Luis Llopis Salvador (Rafelbunyol, 1958). El interés que mueve a este equipo parte de algunas premisas, de conceptos, de la idea, buscando elementos que les ayuden a seguir el rastro del arte. El equipo lleva trabajando desde 2016 con el objeto ready-made, un objeto usado y de consumo para reflejar en cierta manera la sociedad en la que vivimos, materializándolo en el zapato, un zapato habitado, con su vida vivida, sus historias y sus sinestesias. Ello lleva implícito, a la vez, acciones como caminar o pasear, y actitudes como divagar que nos llevan al proceso, al trabajo, a la investigación, hechos con más prerrogativas que el resultado final en sí. Otro de los conceptos que trabaja el equipo martíllopis es lo colectivo, una apuesta por lo común, por lo «nuestro», evitando los individualismos y el concepto de propiedad tan arraigado entre los artistas. En 2018 empieza su andadura de comisariado de exposiciones tanto individuales como colectivas.

www.martillopis.es

Carmen Sanz Díaz

Carmen Sanz Díaz (Albacete, 1954) obté la llicenciatura en Belles Arts per la Universitat Politècnica de València en 1984. Funcionària de carrera, imparteix docència com a professora agregada de Dibuix en l’IES Francesc Ribalta de Castelló. Comparteix la docència amb una àmplia producció artística. Nombroses exposicions nacionals avalen la seua obra, la qual està vinculada a les galeries

Carmen Sanz Díaz (Albacete, 1954) obtiene la licenciatura en Bellas Artes por la Universitat Politècnica de València, en 1984. Funcionaria de carrera, imparte docencia como profesora agregada de Dibujo en el IES Francisco Ribalta de Castelló. Comparte la docencia con una amplia producción artística. Numerosas exposiciones nacionales avalan su obra que está vinculada a las galerías más importantes de

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més importants de Castelló com, Asensi, Siglo xxi i Ana Rubio d’Orpesa. Té obra a la Fundació Caixa Castelló. En 2008 es va crear el grup artístic Dragonianscinc amb els quals ha participat en exposicions col·lectives. El punt de partida era l’al·legoria de Sant Jordi i el drac, que més tard va anar desembocant en temes sobre la naturalesa. El seu compromís social li va portar a impartir diversos tallers d’art-teràpia en els campaments sahrauís de Merzouga entre 2012-14. El retrat i el paisatge juguen un paper molt important en la seua producció, ja que, des de la dialèctica del color, són dos gèneres que li permeten «captar l’ànima». Per a Carmen «Pintar representa un moment màgic. El jo desapareix i la connexió amb el color i la forma es fan protagonistes. No existeix el temps».

Castelló como Asensi, Siglo xxi y Ana Rubio de Oropesa. Tiene obra en la Fundación Caixa Castelló. En 2008 se creó el grupo artístico Dragonianscinc con quienes ha participado en exposiciones colectivas. El punto de partida era la alegoría de Sant Jordi y el dragón, que más tarde fue desembocando en temas sobre la naturaleza. Su compromiso social le llevó a impartir diversos talleres de arte-terapia en los campamentos saharauis de Merzouga entre 2012-14. El retrato y el paisaje juegan un papel muy importante en su producción, ya que, desde la dialéctica del color, son dos géneros que le permiten «captar el alma». Para Carmen, «Pintar representa un momento mágico. El yo desaparece y la conexión con el color y la forma se hacen protagonistas. No existe el tiempo».

Santi Tena

Santi Tena (València, 1970) és un pintor amb arrels a Albocàsser, on es va retirar a buscar una manera pròpia de pintar quan va finalitzar, a principis dels anys 90, els seus estudis de Belles Arts i on manté el seu estudi. Forma part del grup de pintors que van impulsar un nou corrent figuratiu dins del panorama artístic espanyol, l’anomenada Metafísica Valenciana. Vinculat a la galeria My Name’s Lolita, les seues contínues exposicions, nacionals i internacionals, entre 1993 i 2007, es van interrompre per un projecte vital de recerca, el qual va acabar en la defensa de la seua tesi doctoral, sobre una magnífica adaptació al còmic de l’obra clau del patrimoni literari valencià Tirant lo Blanc. La seua labor docent la desenvolupa a la Universidad Católica de Valencia. En 2018 reprèn de nou els pinzells amb més força, sentit crític i reflexió. Fruit d’això són dues exposicions. La primera titulada Gastronautas, realitzada a València. La segona titulada Apocalipsis ha tingut lloc a l’ECO-Les Aules de la Diputació de Castelló, a l’abril i maig de 2019.

Santi Tena (Valencia, 1970) es un pintor con raíces en Albocàsser, donde se retiró a buscar un modo propio de pintar cuando finalizó, a principios de los años 90, sus estudios de Bellas Artes y donde mantiene su estudio. Forma parte del grupo de pintores que impulsaron una nueva corriente figurativa dentro del panorama artístico español, la llamada Metafísica Valenciana. Vinculado a la galería My Name’s Lolita, sus continuas exposiciones, nacionales e internacionales, entre 1993 y 2007, se interrumpieron por un proyecto vital de investigación que terminó en la defensa de su tesis doctoral sobre una magnífica adaptación al cómic de la obra clave del acervo literario valenciano Tirant lo Blanc. Su labor docente la desarrolla en la Universidad Católica de Valencia. En 2018 retoma de nuevo los pinceles con más fuerza, sentido crítico y reflexión. Fruto de ello son dos exposiciones. La primera titulada Gastronautas realizada en Valencia. La segunda titulada Apocalipsis ha tenido lugar en el ECO-Les Aules de la Diputación de Castellón en abril y mayo de 2019.

Amparo Domínguez i Jesús Llopis. tràfic d’art

Amparo Domínguez y Jesús Llopis. tràfic d’art

Amparo Domínguez Villarrubia(València, 1961) i Jesús

Amparo Domínguez Villarrubia (Valencia, 1961) y Jesús

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Llopis Martínez (València, 1961) són llicenciats en Belles Arts per la Universitat Politècnica de València, on es van conèixer en la dècada dels anys 80. En 1992 obtenen el Premi Europeu de Pintura que els porta a exposar i a residir a Itàlia. Després de realitzar diverses exposicions a Itàlia i Espanya, funden l’espai artístic tràfic d’art, a Vilafamés, estudi i factoria, on realitzen i mostren el seu art a la gent. S’autodefineixen com a «treballadors de l’art», perquè tenen la ferma convicció que els nous temps i les noves tecnologies, juntament amb les ja conegudes, s’integren amb la necessitat d’expressar aquest antic misteri que implica la comunicació i l’existència. Desitgen llançar un missatge que permeta absorbir la bellesa que ens envolta com a bàlsam necessari, perquè és la base de l’optimisme i de la recerca de la felicitat. Desitgen transmetre amb les seues obres un missatge: «Que aquest món siga, per a les noves generacions, molt millor del que ens el trobem».

Llopis Martínez (Valencia, 1961) son licenciados en Bellas Artes por la Universitat Politècnica de València, donde se conocieron en la década de los años 80. En 1992 obtienen el Premio Europeo de Pintura que les lleva a exponer y residir en Italia. Después de realizar diversas exposiciones en Italia y España, fundan el espacio artístico tràfic d’art en Vilafamés, estudio y factoría donde realizan y muestran su arte a la gente. Se definen a sí mismos como «trabajadores del arte», pues tienen la firme convicción de que los nuevos tiempos y las nuevas tecnologías, junto con las ya conocidas, se integran con la necesidad de expresar este antiguo misterio que implica la comunicación y la existencia. Desean lanzar una obra que permita absorber la belleza que nos rodea como bálsamo necesario pues es la base del optimismo y de la búsqueda de la felicidad. Desean transmitir con sus obras un mensaje: «Que este mundo sea para las nuevas generaciones mucho mejor de lo que nos lo encontramos».

En 2012, el reconegut publicista i col·leccionista d’art Luis Bassat va adquirir nombroses peces de la sèrie Carteles rasgados, produïts per Amparo Domínguez per a la seua col·lecció, els quals s’exhibiran al museu de La Nau Gaudí, a Mataró. Amparo Domínguez ens comenta que les seues pintures «representen el pas del temps i la memòria. La inspiració és involuntària, en veure els carrers i murs plens de cartells esquinçats, despresos i lacerats, deixant una petjada per a la seua posterior reflexió. Desitge reconstruir l’estripat, donar-li una altra vida i un altre ús […] Llançar un missatge que és la visualització del passat, el present i el futur». Entre les últimes produccions de Jesús Llopis destaquen els vehicles: «[…] són un reflex de qui som i què podem fer, com fan les màquines de manera temporal i quantitativa. Els humans creem eines que són una extensió de nosaltres mateixos, i ens fan qualitativament millors. Són un símbol de la nostra fe en l’ésser humà».

En 2012, el reconocido publicista y coleccionista de arte Luis Bassat adquirió numerosas piezas de la serie Carteles rasgados producidos por Amparo Domínguez para su colección, que se exhibirán en el museo de La Nau Gaudí, en Mataró. Amparo Domínguez nos comenta que sus pinturas «representan el paso del tiempo y la memoria. La inspiración es involuntaria, al ver las calles y muros llenos de carteles rasgados, desprendidos y lacerados, dejando una huella para su posterior reflexión. Deseo reconstruir lo desgarrado, darle otra vida y otro uso […] Lanzar un mensaje que es la visualización del pasado, el presente y el futuro». Entre las últimas producciones de Jesús Llopis destacan los vehículos: «[…] son un reflejo de quiénes somos y qué podemos hacer, como hacen las máquinas de forma temporal y cuantitativa. Los humanos creamos herramientas que son una extensión de nosotros mismos, y nos hacen cualitativamente mejores. Son un símbolo de nuestra fe en el ser humano».

www.traficdart.com

Francesc Torres Monsó

Francesc Torres Monsó (Girona, 1922-2015) va estudiar a l’Escola de Belles Arts de Girona amb Joan Orihuel i

Francesc Torres Monsó (Girona, 1922-2015) estudió en la Escuela de Bellas Artes de Girona con Joan Orihuel y

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va treballar a Barcelona amb Enric Monjo i Josep Clarà. La seua obra primera és protoacademicista, influïda per Aristides Maillol i Clarà, però la influència de Jean Rodin el va incitar a la construcció de masses animades. En 1950 va fundar el grup Postectura. En aquella època va estar influït profundament per l’expressionisme anglès. Va participar en els Salons d’Octubre i, en 1954, va guanyar una beca de l’Institut Français per a anar a París. Allà va augmentar el seu expressionisme a la recerca d’un rigor formal, molt influït per Julio González. La seua Maternitat va guanyar el primer premi d’escultura en la Tercera Biennal d’Alexandria. En 1969 va començar a treballar el polièster i les resines sintètiques, i va introduir el color en les seues composicions, ara amb influències del pop art. Als anys setanta, les seues composicions es caracteritzen per la descomposició de la forma, i amb ironia, ens ensenyen un punt de vista crític sobre la societat del moment. Les dues últimes dècades del segle xx es caracteritzen per la síntesi i la plenitut creativa; les obres es despullen de decoració, adopten tendències minimalistes, que resumeixen en la seua austeritat les preocupacions latents de l’artista.

trabajó en Barcelona con Enric Monjo y Josep Clarà. Su obra primera es protoacademicista, influida por Aristides Maillol y Clarà, pero la influencia de Jean Rodin le incitó a la construcción de masas animadas. En 1950 fundó el grupo Postectura. En aquella época estuvo influido profundamente por el expresionismo inglés. Participó en los Salones de Octubre y en 1954 ganó una beca del Institut Français para ir a París. Allí aumentó su expresionismo en busca de un rigor formal, muy influido por Julio González. Su Maternidad ganó el primer premio de escultura en la Tercera Bienal de Alejandría. En 1969 empezó a trabajar el poliéster y las resinas sintéticas, e introdujo el color en sus composiciones, ahora con influencias del pop art. En los años setenta, sus composiciones se caracterizan por la descomposición de la forma, y con ironía, nos enseñan un punto de vista crítico sobre la sociedad del momento. Las dos últimas décadas del siglo xx se caracterizan por la síntesis y la plenitud creativa; las obras se desnudan de decoración, adoptan tendencias minimalistas, que resumen en su austeridad las preocupaciones latentes del artista.

https://www.macba.cat/es/francesc-torres-monso

Santiago Gómez Carreras

Santiago Gómez Carreras (València, 1978) és llicenciat en Belles Arts per la Universitat Politècnica de València i en Història de l’Art per la Universitat de València. També ha cursat estudis a l’Acadèmia de Carrara, i a l’Escola del Marbre de Carrara, Itàlia. En l’actualitat continua la seua formació amb estudis de doctorat en l’especialitat d’escultura a la Universitat Politècnica de València. Combina la seua producció artística amb la docència, professor funcionari de carrera en l’especialitat de Dibuix, des de 2005. Imparteix les seues classes en l’IES Doctor Faustí Barberà d’Alaquàs, alhora que és professor col·laborador de la Universitat Internacional Valenciana (VIU). La seua carrera artística l’acrediten nombroses exposicions nacionals i internacionals. Sent el seu projecte sobre Les ciutats el centre de la seua producció en els últims anys: «Us convide a passejar per les meues ciutats; en les meues propostes tracte aparentment del quotidià, de la vida, de la ciutat. Soc cons-

Santiago Gómez Carreras (Valencia, 1978) es licenciado en Bellas Artes por la Universitat Politècnica de València y en Historia del Arte por la Universitat de València. También ha cursado estudios en la Academia de Carrara, y en la Escuela del Mármol de Carrara, Italia. En la actualidad continúa su formación con estudios de doctorado en la especialidad de escultura en la Universitat Politècnica de València. Combina su producción artística con la docencia, profesor funcionario de carrera en la especialidad de Dibujo, desde 2005. Imparte sus clases en el IES Doctor Faustí Barberà de Alaquàs, al tiempo que es profesor colaborador en la Universidad Internacional Valenciana (VIU). Su carrera artística viene acreditada por numerosas exposiciones nacionales e internacionales. Siendo su proyecto sobre Las ciudades el centro de su producción en los últimos años: «Os invito a pasear por mis ciudades; en mis propuestas trato aparentemente de lo cotidiano, de la vida, de la ciudad. Soy

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cient que aquest és un tema excessivament ampli, però vull veure la ciutat com un element espacial, on a dintre seu es mouen les persones, les seues alegries i tristeses, el dia, la nit, la realitat i els somnis».

consciente de que éste es un tema excesivamente amplio, pero quiero ver la ciudad como un elemento espacial, donde dentro del mismo se mueven las personas, sus alegrías y tristezas, el día, la noche, la realidad y los sueños».

http://santigomezcarreras.com/

Victoria Cano

Victoria Cano (Alcalá la Real, Jaén, 1957) és doctora en Belles Arts (1988) i professora titular d’universitat a la Facultat de Belles Arts de la Universitat Politècnica de València. Pensionada per concurs oposició en l’Acadèmia d’Espanya a Roma, durant els anys 1982 i 1983. Fou directora de la Càtedra d’Empresa Metro-València en Belles Arts entre 2007-2012. En 2017 és elegida Presidenta de l’Olympia Fine Art Association de Finlàndia. Distingida amb nombrosos premis entre els quals destaca la Medalla d’Or en les Olimpíades de les Belles Arts a Pequín 2008. Ha participat en diferents fires internacionals d’art, i ha realitzat nombroses exposicions individuals i col·lectives. El seu quefer artístic se centra en els temes de l’energia, on el políptic i la llum expressen diferents nivells de comunicació, i el color, la textura i la línia expressen una naturalesa antropomòrfica. Diàlegs entre imatges, perfils, petjades i metàfores, allà on l’ésser humà i la naturalesa són alhora matèria en procés de canvi infinit. Les seues obres es troben a institucions públiques i privades, nacionals i internacionals.

Victoria Cano (Alcalá la Real, Jaén, 1957) es doctora en Bellas Artes (1988) y profesora titular de universidad en la Facultad de Bellas Artes de la Universitat Politècnica de València. Pensionada por concurso-oposición en la Academia de España en Roma durante los años 1982 y 1983. Fue directora de la Cátedra de Empresa Metro Valencia en Bellas Artes entre 2007-2012. En 2017 es elegida Presidenta de la Olympia Fine Art Association de Finlandia. Distinguida con numerosos premios entre los que destaca la Medalla de Oro en las Olimpiadas de las Bellas Artes en Pekín 2008. Ha participado en distintas ferias internacionales de arte, y ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas. Su quehacer artístico se centra en los temas de la energía, donde el políptico y la luz expresan diferentes niveles de comunicación, y el color, la textura y la línea expresan una naturaleza antropomórfica. Diálogos entre imágenes, perfiles, huellas y metáforas, allí donde el ser humano y la naturaleza son al mismo tiempo materia en proceso de cambio infinito. Sus obras se encuentran en instituciones públicas y privadas nacionales e internacionales.

http://vcano.com/

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cv comissaris

cv comisarios

Nieves Alberola Crespo

Nieves Alberola Crespo (Alacant, 1966). Doctora en Filologia Anglesa (Universitat d’Alacant, 1994). Professora de Literatura Nord-americana a la Universitat Jaume I de Castelló. És autora de La escuela de Nueva York. John Ashbery y la nueva poética americana (2000), Texto y deconstrucción en la literatura postmoderna norteamericana (2002) y Susan Glaspell y los Provincetown Players. Laboratorio de emociones 1915-1917 (2017). Conservadora del Museu d’Art Contemporani Vicente Aguilera Cerni de Vilafamés (Castelló) des de l’any 2016. Les seues investigacions en el camp de l’art es van iniciar en la seua tesi doctoral sobre l’Escola de Nova York, en la qual va abordar l’estudi de les obres de Jackson Pollock, Willem de Kooning i Mark Rothko, entre altres, i el paral·lelisme entre les tècniques pictòriques i la poesia experimental americana de la dècada dels cinquanta. Destaca el seu treball interdisciplinari sobre el realisme brut americà i les obres de Marcel Duchamp, Richard Hamilton, Eduardo Paolozzi, Andy Warhol i Mel Ramos. Ha participat en monografies sobre art i dones que s’han concretat en assajos sobre Cindy Sherman, Hanna Collins, Susy Gómez, Martha Rosler, Judy Olausen, Victoria Cano i Homa Arkani. Ha traduït textos per als catàlegs d’exposicions de diferents artistes, entre ells Pello Irazu (Santander, 1994), Palazuelo (Alacant, 1993) i Antoni Miró (Castelló/València, 2000). En el camp de la cultura audiovisual ha investigat i publicat sobre la filmografia de Luc Besson, Luis G. Berlanga i les sèries televisives nord-americanes.

Nieves Alberola Crespo (Alicante, 1966). Doctora en Filología Inglesa (Universidad de Alicante, 1994). Profesora de Literatura Norteamericana en la Universitat Jaume I de Castellón. Es autora de La escuela de Nueva York. John Ashbery y la nueva poética americana (2000), Texto y deconstrucción en la literatura postmoderna norteamericana (2002) y Susan Glaspell y los Provincetown Players. Laboratorio de emociones 1915-1917 (2017). Conservadora del Museu d’Art Contemporani Vicente Aguilera Cerni de Vilafamés (Castellón) desde el año 2016. Sus investigaciones en el campo del arte se iniciaron con su tesis doctoral sobre la Escuela de Nueva York, en la que abordó el estudio de las obras de Jackson Pollock, Willem de Kooning y Mark Rothko, entre otros, y el paralelismo entre las técnicas pictóricas y la poesía experimental americana de la década de los cincuenta. Destaca su trabajo interdisciplinar sobre el realismo sucio americano y las obras de Marcel Duchamp, Richard Hamilton, Eduardo Paolozzi, Andy Warhol y Mel Ramos. Ha participado en monografías sobre arte y mujeres que se han concretado en ensayos sobre Cindy Sherman, Hanna Collins, Susy Gómez, Martha Rosler, Judy Olausen, Victoria Cano y Homa Arkani. Ha traducido textos para los catálogos de exposiciones de distintos artistas, entre ellos Pello Irazu (Santander, 1994), Palazuelo (Alicante, 1993) y Antoni Miró (Castellón/ Valencia, 2000). En el campo de la cultura audiovisual ha investigado y publicado sobre la filmografía de Luc Besson, Luis G. Berlanga y las series televisivas norteamericanas.

Nieves Alberola Crespo Universitat Jaume I de Castelló alberola@ang.uji.es

Nieves Alberola Crespo Universitat Jaume I de Castellón alberola@ang.uji.es

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Vicent F. Zuriaga Senent

Vicent F. Zuriaga (Massamagrell, 1963). Doctor en Història de l’Art (Universitat de València, 2004). Professor d’Història de l’Art en la Universidad Católica de Valencia San Vicente Mártir. Conservador del Museu d’Art Contemporani Vicente Aguilera Cerni de Vilafamés (Castelló) des de l’any 2016. Les línies d’investigació que fins al moment ha desenvolupat s’han concretat en llibres, capítols de llibres i articles en l’àmbit de la emblemática, de la cultura visual, de la iconografia i iconologia religiosa i l’art hispanoamericà, la instrumentació de l’art com a didàctica, devoció, propaganda i publicitat, i el patrimoni artístic valencià.

Vicent F. Zuriaga (Massamagrell, 1963). Doctor en Historia del Arte (Universitat de València, 2004). Profesor de Historia del Arte en la Universidad Católica de Valencia San Vicente Mártir. Conservador del Museo de Arte Contemporáneo Vicente Aguilera Cerni de Vilafamés (Castellón) desde el año 2016. Las líneas de investigación que hasta el momento ha desarrollado se han concretado en libros, capítulos de libros y artículos en el ámbito de la emblemática, de la cultura visual, de la iconografía e iconología religiosa y el arte novohispano, la instrumentación del arte como didáctica, devoción, propaganda y publicidad, y el patrimonio artístico valenciano.

Ha comissariat exposicions promogudes pel Consorci Valencià de Museus: València 600 anys de Solidaritat Pare Jofré, que va tindre lloc en el Monestir del Puig els mesos de febrer i març de 2009, i l’exposició Memòria de l’art i esperit de les cartoixes valencianes, desenvolupada en el Museu de BBAA de València i el Museu de BBAA de Castelló entre els mesos de febrer-juny de 2010 i junysetembre de 2010. En els mesos de març i abril de 2008 fou comissari de l’exposició Les dones i l’art celebrada en la Casa de la Cultura de Massamagrell. En 2019 ha comissariat l’exposició Apocalipsi del pintor Santi Tena a la sala ECO Les Aules de la Diputació de Castelló, que ha tingut lloc en els mesos d’abril i maig, dins del cicle d’exposicions Revolutionaires coordinat per MARTE Fira d’Art Contemporani de Castelló.

Ha comisariado exposiciones promovidas por el Consorcio Valenciano de Museos: València 600 anys de Solidaritat Pare Jofré, que tuvo lugar en el Monasterio del Puig los meses de febrero y marzo de 2009, y la exposición Memoria del arte y espíritu de las cartujas valencianas, desarrollada en el Museo de BBAA de Valencia y el Museo de BBAA de Castellón entre los meses de febrero-junio de 2010 y junio-septiembre de 2010. En los meses de marzo y abril de 2008 fue el comisario de la exposición Les dones i l’art celebrada en la Casa de la Cultura de Massamagrell. En 2019 ha comisariado la exposición Apocalipsis del pintor Santi Tena en la sala ECO Les Aules de la Diputación de Castelló, desarrollada en los meses de abril y mayo, dentro del ciclo de exposiciones Revolutionaires coordinado por MARTE Feria de Arte Contemporáneo de Castellón.

Vicent F. Zuriaga Senent Universidad Católica de Valencia vicent.zuriaga@ucv.es

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CV - 13 En ruta Exposició del 29 de juny de 2019 al 12 de gener de 2020 Organitza: MACVAC. Museu d’Art Contemporani Vicente Aguilera Cerni. Vilafamés Aerocas Generalitat Valenciana Muntatge i il·luminació: Espais d’Art Edita: Aerocas Textos: Joan Serafí Bernat Rosalía Torrent Nieves Alberola Crespo Vicent F. Zuriaga Senent Comissaris: Nieves Alberola Crespo Vicent F. Zuriaga Senent Traduccions: Servei de Llengües i Terminologia. Universitat Jaume I Vicent F. Zuriaga Senent Nieves Alberola Crespo Imatge de portada: Carmen Sanz, Viajes (2019) Disseny i maquetació: Drip Studios, SL Fotografia: Joan Callergues Paco Alcántara Vicent Salvador Enrique Segarra Juanjo Martín Santiago Gómez Mar Navarro Victoria Cano Vicent F. Zuriaga Técnico informático: Javier Campos Impressió: Impremta Rosell SL Coordinació tècnica del MACVAC: Màriam Calduch Ferreres Joan Feliu Celina Torlà Mònica Fornals

ISBN: 978-84-09-12656-9 Dipòsit legal: CS 629-2019 © Dels textos, els seus autors © De les imatges, els seus autors Imprés amb paper procedent de gestió forestal responsable