INTRODUCCIÓN INTRODUCTION
MADATAC 04
MUESTRA DE ARTE DIGITAL AUDIOVISUAL YTECNOLOGÍAS AVANZADAS CONTEMPORÁNEAS
MADATAC 04
CONTEMPORARY ADVANCED NEW MEDIA AUDIOVISUAL ART FESTIVAL
10-16 DICIEMBRE 2012 10-16 DECEMBER 2012
CIBERCIVITAS CIBERCIVITAS CIBERCIVITAS:
Cibercultura y arte audiovisual para el fin de los tiempos
CYBERCIVITAS:
Cyberculture and audiovisual art for the end of time En consonancia con los frágiles momentos para la cultura, era difícil que nos augurasen de que llegaríamos a la 4ª Edición de MADATAC, con una visibilidad cada vez mas renovada, y menos aún con expectativas firmes para la celebración en el 2013 de una 5ª Edición en torno a la participación de una referencia internacional para el mundo de lo audiovisual cuyo ADN artístico desvelaremos a su debido momento. Como es vox populi, cada convocatoria de MADATAC intenta tomarle el pulso a los procesos de transformación del cambiante entorno y plantear un tema que atraiga la atención y la inspiración, que permita el asalto al arte audiovisual por parte de procesos iconoclastas que sometan a las pantallas con pixeles subvertidos y una re-asimilación de las relaciones entre arte, materia 2
At a delicate time for culture and the arts, it was difficult to predict that we would arrive at this 4th edition of MADATAC with ever-greater visibility. Even less so, with solid expectations of holding a 5th edition in 2013, complete with the participation of an international figurehead for audiovisual creation, whose artistic DNA will be revealed in due course. As is vox populi, each MADATAC competition aims to take the pulse on what is new in this ever-changing environment and put forward an attention-grabbing and inspirational theme that enables radical new processes to storm the audiovisual arts, conquering screens with groundbreaking pixels and a re-assimilation of the relationship between art, matter and technology. For this edition, guests at the ex-
y la tecnología. En esta edición, huéspedes del privilegiado espacio CentroCentro Palacio de Cibeles, hemos abierto la caja de Pandora de la cultura cibernética asociada al laberíntico devenir de la ciudad bajo un lema que retrata y se enfrenta, no ya al final del mundo, pero si a una manera caduca de entender el arte de los nuevos medios. Como parte de las propuestas seleccionadas y en consonancia programática, habrá una ingente cantidad de proyecciones de obras audiovisuales experimentales provenientes de todos los rincones del mundo, la puesta en marcha del I Simposio de Cibercultura y New Media Art con la presencia y ponencias de destacadas personalidades, así como una exhibición permanente de artistas e instalaciones que hacen uso de las nuevas tecnologías de los medios de comunicación e información con el objetivo de investigar las posibilidades estéticas, culturales y críticas de estas herramientas. Re-definir los procesos artísticos de todas las corrientes no es solo uno de los objetivos de MADATAC, sino también el fundamento a partir del cual los artistas de los nuevos medios definen y cuestionan estos nuevos medios con los que se estállevando a cabo la revolución digital.
ceptional CentroCentro Palacio de Cibeles, we have opened a Pandora’s box of cybernetic culture linked to the evolution of our cities. The title-phrase this year portrays and challenges not the end of the world, but a dated way of understanding New Media Art. Among the selected works, grouped into different programmes, we will be screening a huge number of experimental audiovisual artworks from all four corners of the globe. Leading figures from the sector will present their viewpoints at the I Symposium on Cyberculture and New Media Art and there will be a permanent exhibition of installations by artists who employ new communications or information technology to investigate the aesthetic, cultural or critical opportunities afforded by these tools. Redefining artistic processes across the board is not only one of MADATAC’s objectives, but also the basis upon which new media artists both determine and question the very media now bringing about the digital revolution. Iury Lech Festival Director”
Iury Lech Director de la Muestra
3
ACTIVIDADES PARALELAS SIMPOSIO CIBERCULTURA Y NEW MEDIA ART
PARALLEL ACTIVITIES
SYMPOSIUM CYBER-CULTURE AND NEW MEDIA ART
AUDITORIO CENTROCENTRO AUDITORIUM CENTROCENTRO LUNES 10 DE DICIEMBRE VIERNES 16 DE DICIEMBRE MONDAY 10th DECEMBER FRIDAY 16th DECEMBER
INTRODUCCIÓN / INTRODUCTION Las jornadas del Simposio propondrán una refexión acerca de la interrelación entre arte, ciencia, tecnología y los procesos creativos conectados a la vida urbana y los medios contemporáneos.
The Symposium panels will reflect on the interplay between art, science, technology and the creative processes connected to urban life and contemporary media.
PONENCIAS
Lunes 10 de Diciembre
LECTURES
Monday 10th December
Dra. RAQUEL CAEROLS MATEO
ACTIVIDAD REALIZADA CON LA AYUDA DEL MINISTERIO DE EDUCACIÓN, CULTURA Y DEPORTE
4
Doctora en Creatividad Aplicada. Universidad Complutense de Madrid, Facultad de Bellas Artes. Departamento de Didáctica de la Expresión Plástica. Licenciada en Comunicación Audiovisual por la Universidad Complutense de Madrid, especializada en estudios de creatividad en el campo de las artes visuales.
Specialist in creativity studies within the visual arts, Raquel Caerols graduated in Audiovisual Communication from Madrid Complutense University before going on to complete her PhD in Applied Creativity at the Department for Teaching and Visual Expression at the Fine Arts Faculty of the same university.
Ha trabajado en Informativos Tele 5 y en la productora El Mundo. Ha impartido clases en la Universidad Europea Miguel de Cervantes (Valladolid) y en la Universidad Francisco de Vitoria en el área de tecnología audiovisual. Ha impartido diferentes seminarios y talleres, como el Taller de video dentro del Curso de Experto Universitario en Educación Artística, en el departamento de Didáctica de la Expresión Plástica de la Facultad de Educación de la Universidad Complutense, o los
She has worked for Tele 5 News and the El Mundo production company and taught classes, seminars and workshops on audiovisual technology or video at a number of institutions, including Miguel de Cervantes European University (Valladolid), Francisco de Vitoria University, Complutense University and Antonio de Nebrija. Raquel has participated in international congresses such as Computer Art (Mexico DF) or theVI Congreso de lúdica y pedagogía. Por un nuevo aprender, organised 5
cineclub de la Universidad Antonio de Nebrija. También ha participado como ponente en Congresos internacionales como el Computer Art en México DF, o el VI Congreso de lúdica y pedagogía. Por un nuevo aprender, organizado por la Fundación Tecnológica de Madrid y celebrado en Cartagena de Indias (Colombia). Asimismo, tiene diversas publicaciones en revistas: Revista de Artes Plásticas, Estética, Diseño e Imagen, Bellas Artes, Universidad de La Laguna, Trípodos, Arteliebre. com, así como en la Editorial Fragua, o en el Festival Internacional de Televisión sobre Vida y Ecología Urbanas, celebrado en La Casa Encendida.
by the Madrid Technology Foundation and held in Cartagena de Indias (Colombia). Her work has been published in magazines including Revista de Artes Plásticas, Estética, Diseño e Imagen, Bellas Artes, La Laguna University, Trípodos, Arteliebre.com, and with Fragua publishing group; she also took part in the International Television Festival on Urban Life and Ecology held at La Casa Encendida, Madrid.
Arte, ciencia y tecnología:
el hacer tecnológico en el pensamiento occidental
Art, science and technology:
the technological quest in Western thought Los planteamientos propuestos y recorridos teóricos expuestos en Arte, ciencia y tecnología: el hacer tecnológico en el pensamiento occidental, pretenden conformar las bases epistemológicas en el porqué de la presencia de la ciencia y la tecnología en los procesos de creación en las artes en la contemporaneidad. Es decir, en dar respuesta al por qué y el para qué se producen trabajos artísticos donde la tecnología tiene un papel central en los procesos creativos; el por qué de que surjan espacios de debate y discusión, contextos de investigación centrados en arte y nuevas tecnologías, como el presente; o por qué la tecnología, los procesos que conciernen a la ciencia han pasado a formar parte del taller de los artistas. Y en esa misma línea, cabe preguntarse por la conformación de conceptos como cybertcultura y media art en los contextos artísticos contemporáneos. Haciendo un trabajo de introspección, de revisión epistemológica en el campo de las artes en la conformación del pensamiento moderno occidental, queda evidenciado que éste se ha construido en un permanente diálogo, en un proceso de retroalimentación entre arte, ciencia y tecnología. Y, por tanto, no es casual que la tecnología sea medio u objeto central de los procesos creativos en las artes o quelos talleres de los artistas se conviertan en auténticos laboratorios con procesos colaborativos entre artistas y científicos. 6
The approaches proposed and theoretical routes undertaken in Art, science and technology: the technologicical quest in Western Thought aim to provide an epistemological basis as to why science and technology play a part in the creative processes of contemporary artistic output. In other words, to answer why and to what end artistic works are produced where technology has a key role in the creative process. To explain the emergence of spaces for debate and discussion or contexts for research focussed on art and new technologies, such as this festival. Or to address why technology, sciencerelated processes, have come to form part of the artist’s toolbox. Along these same lines, it is worth reevaluating concepts such as cyber culture and media art within contemporary artistic contexts. If we take a journey of introspection, carry out an epistemological review of how far the arts have shaped our thinking, it is evident that modern Western thought has been built on permanent dialogue; an ongoing process of feedback between art, science and technology. It is no coincidence, then, that technology is the means and focus-point for creative processes in the arts or that artists’ workshops have become genuine laboratories, venues for collaborative processes between artists and scientists.
Desde el descubrimiento e invención de Brunelleschi de la perspectiva lineal– puro modelo de abstracción científica, resultado de un hacer ya basado en la experimentación, en el binomio central generador de conocimiento del pensamiento occidental “ensayo-error”, adelantado metodologías centrales del Método Científico, y convirtiéndose ésta en instrumento fundamental de la conformación de la representación y mirada, de la visualidad occidental–, hasta la llegada de las realidades virtuales y simuladas, el arte, la ciencia y la tecnología han experimentado una permanente relación, aunque de naturaleza variable, en la configuración de dicha episteme.
Brunelleschi’s discovery and development of linear perspective, a pure model of scientific abstraction, was the result of an approach already based on experimentation: ‘trial and error’, the key generator of knowledge in Western thought. Using scientific method before its time, linear perspective became the fundamental instrument in shaping the representation and viewpoint of our Western ‘way of seeing.’ From Brunelleschi, right up to the arrival of virtual and simulated realities, art, science and technology have been permanently linked – although to a varying degree – in shaping said episteme.
Ahora es un momento de acercamiento entre esas variables, arte, ciencia y tecnología. Pero también, afirmamos, de confusión conceptual, de indefinición, de la necesidad de determinación de espacios de distribución, de circuitos, de buscar un lugar en el que ubicar esta producción. Pero sobre todo, para cumplir dicho objetivo, se presenta como necesidad prioritaria, como inicio y fundamentación de todo ello, la conformación de un ámbito académico sólido, de metodologías en la formación de artistas en el media art y sus procesos, de generar una tradición académica, de crear Escuela en estos ámbitos del conocimiento, de la educación en el contexto de la cibercultura. Pues es la articulación de esta maquinaria, la que permitirá generar valor, producir sentido, y asimismo, un nuevo arte del siglo XXI, en el campo del arte y las nuevas tecnologías, en el media art.
Now is a time when these variables – art, science and technology – are coming together. Yet it is also, we would suggest, a moment of conceptual confusion, where definitions are lacking, when there is a need to determine the distribution networks, circuits or spaces in which to locate this production. In order to meet this objective, there is one overriding priority, a starting point and basis for it all: to shape a solid academic environment. This means developing methodologies to train artists in new media and its processes, generating academic tradition and setting standards in these areas of knowledge and education within the context of cyber culture. It is the articulation of this machinery which will enable artists to generate value and produce meaningful work in the field of arts and new technology – a new form of expression for the 21st Century, media art.
De ahí, la importante labor por desarrollar por parte del ámbito académico universitario. Y lo entendemos así, porque partimos de la siguiente premisa, a saber, que construir teoría es crear realidades, es poner puntos de anclaje, de referencia en el universo llamado conocimiento. El media art, necesita de hojas de ruta, para poder construirse, para poder ser.
Academia, then, has an important role to play. We are conscious of this and set out from the following premise: to construct theory is to create realities, to provide anchorage or reference points in the universe called ‘knowledge’. Media art needs route maps in order to grow, in order to exist.
La necesidad de este planteamiento, parte de la idea de que si sabemos el por qué, en ese ejercicio de introspección propuesto, tenemos más fácil desarrollar el para qué, la producción de sentido y la construcción de significados en el arte del siglo XXI, en el que el contexto de la cibercultura y el media art, puede conformar un nuevo hacer, y con ello, escribir un nuevo capítulo, un nuevo contexto en los parámetros de creación en el arte, en la creación.
This approach stems from the idea that if we understand ‘why’ – within the introspective journey we propose – it is easier to develop the ‘to what end’, to produce works of significance and construct meanings in 21st century art. Against a backdrop of cyber culture and media art, we may shape a new way of working and with it, write a new chapter, develop a new context within the parameters of artistic creation, of creation itself.
7
De la estética cibernética a la endoestética:
Dra. CLAUDIA GIANNETTI
Arte, acción, participación e interacción: diálogos transdisciplinares
From cybernetic aesthetics to endo-aesthetic:
Art, action, participation, and interaction: cross-disciplinary dialogues
Foto: Marcel.lí Sàenz, 2008
Claudia Giannetti es investigadora en la especialidad del arte contemporáneo, media art y la relación arte-ciencia-tecnología; comisaria de exposiciones, teórica y escritora. Directora de Edith-Russ-Haus for Media Art, Oldenburg, Alemania y Profesora Catedrática invitada de la Universidad de Évora, Facultad de Artes Visuales, Portugal. Consultora artística del Fórum Eugénio de Almeida, Évora, Portugal. Fue directora de la ACC L’Angelot (1993-1999) y del MECAD Media Centre d’Art i Disseny (1998-2007), ambos en Barcelona. Ha comisariado más de un centenar de proyectos nacionales e internacionales, como en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; CCCB Centre de Cultura Contemporánia de Barcelona; Centro Multimedia del Centro Nacional de las Artes, México DF; Centre George Pompidou, Paris; Le Fresnoy Studio Nacional des Arts Contemporains, Tourcoing, France; Instituto Cervantes, Nueva York y Beijing, China; CaixaForum, Mediateca, Barcelona; Expanded Box, ARCO’2008, Madrid; MEIAC Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo de Badajoz; ZKM Center for Art and Media de Karlsruhe, Alemania; Neue Galerie Graz, Austria, etc.
8
Claudia Giannetti is a researcher specialised in contemporary and new media art, and the realationship between art, science and technology. Exhibition curator, theorist and writer, she directs the Edith-Russ-Haus for Media Art, Oldenburg, Germany and is Senior Guest Lecturer at the Faculty of Visual Arts, Évora University, Portugal. Artistic consultant for the Fórum Eugénio de Almeida, Évora, Portugal, she has also directed ACC L’Angelot (1993-1999) and MECAD Media Centre d’Art i Disseny (1998-2007), both in Barcelona.
Miembro de jurado de diversos premios de arte internacionales, también ha recibido varios galardones por su trabajo como comisaria y escritora.
As a curator, Claudia Giannetti has been responsible for over a hundred projects both in Spain and abroad, at exhibition venues including: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; Centre de Cultura Contemporánia de Barcelona; Centro Multimedia del Centro Nacional de las Artes, México DF; Centre George Pompidou, Paris; Le Fresnoy Studio Nacional des Arts Contemporains, Tourcoing, France; Cervantes Institute in New York and Beijing, China; CaixaForum, Mediateca, Barcelona; Expanded Box, ARCO’2008, Madrid; MEIAC Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo de Badajoz; ZKM Center for Art and Media de Karlsruhe, Alemania; and Neue Galerie Graz, Austria.
Como teórica y autora, ha publicado numerosos artículos en revistas especializadas y catálogos, y varios libros, entre otros: “Estética Digital Sintopía del arte, la ciencia y la tecnología” (Barcelona, 2002, traducido a 4 idiomas); y “La razón caprichosa en el siglo XXI - Los avatares de la sociedad posindustrial y mediática” (Las Palmas de Gran Canaria, 2006).
along with various books, including Estética Digital - Sintopía del arte, la ciencia y la tecnología (Barcelona, 2002, translated into four different languages) and La razón caprichosa en el siglo XXI - Los avatares de la sociedad posindustrial y mediática (Las Palmas de Gran Canaria, 2006).
Las nuevas tecnologías han transformado no sólo las formas de producción, los materiales y la estética de las artes, sino también la relación entre obra y público. Acción, retroacción, participación e interacción, como estrategias transgresoras y dialógicas transdisciplinares, señalan el paso de la estética contemplativa a la endoestética. Esta conferencia abordará los vínculos del arte, la ciencia y las tecnologías desde la perspectiva de la relación entre obra y espectador.
New technologies have transformed not only the means of production, materials and aesthetic of the arts, but also the relationship between art works andaudiences. Action, retroaction, participation and interaction as groundbreaking strategies and cross-disciplinary dialogues signal a progression from contemplative aesthetics to endo-aesthetic. This lecture will deal with the links between art, science and technology, viewed from the relationship between artwork and spectator.
FRANCISCO BERENGUER
Francisco Berenguer es profesor de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia donde imparte materias vinculadas con el concepto de interfaz y el diseño de interacción. Profesor invitado en diversos másteres universitarios nacionales e internacionales. Ha organizado diferentes cursos y talleres en España, México y Portugal. Ha impartido numerosas conferencias y expuesto obras interactivas en certámenes de Arte Electrónico ArtFutura (Barcelona, España), Ciberart (Bilbao, España), Fournos Centre for the Digital Culture (Atenas, Grecia), Gran Canaria Espacio Digital, Cabildo de Gran Canaria (Las Palmas, España), ESAD (Oporto, Portugal), Ingráfica (Cuenca, España), etc… Director de la editorial Sendemà. Director de la revista DEFORMA y de la plataforma web DEFORMA Cultura Online (www.deforma.info).
Francisco Berenguer is a lecturer at the Faculty of Fine Arts, Polytechnic University of Valencia, dealing with concepts of interface and interaction design. Guest lecturer on numerous Spanish and international Master’s degrees, he has organised courses and workshops in Spain, Mexico and Portugal. He has also presented papers and exhibited interactive work at the following electronic arts competitions: ArtFutura (Barcelona, Spain), Ciberart (Bilbao, Spain), Fournos Centre for Digital Culture (Athens, Greece), Gran Canaria Espacio Digital (Las Palmas, Spain), ESAD (Oporto, Portugal), Ingráfica (Cuenca, Spain.) Director of the publishing company, Sendemá, DEFORMA magazine and the webspace DEFORMA Cultura Online (www. deforma.info).
9
Cybercultura y ciudad. Reading the land. The city and its web value. El símil de lo virtual como ciudad nos obliga a relacionar la web con la polis y la red con la urbs. Aunque aparentemente puedan representar lo mismo, la web como estructura que se superpone a la red, tiende a administrarla, ordenarla y regularla, gestionando sus flujos, sus lecturas y sus campos de acción. La red, en cambio, se nos presenta como un marco reactivo que precisa una voluntad taxonómica, un escenario topográfico (un paisaje) que reclama significados.
Using the city as a simile for virtual space obliges us to relate the web with the polis and the internet with the urbs. Although the two may seem to represent the same thing, the web is a structure superimposed on the net, which tends to administer, organise and regulate it, managing flows, readings and fields of action. The internet, on the other hand, presents as a reactive framework that requires a taxonomical approach, a topographical setting (a landscape) to reclaim meaning.
En esta apología a lo estructurado, una mirada detenida a los dos casos nos descubre un espacio de circulación de signos frente a un espacio de producción de signos, o lo que sería lo mismo, una propuesta de significantes frente a una estructura de significados. Desde esta óptica, el usuario –civitas– se establece como “sujeto constituidor del sentido”, porque si por algo se caracteriza es por ser al tiempo voluble, indefinido, atento al propio devenir social a través de juegos de acontecimientos.
In this defence of the structured, a detailed examination of the two cases reveals a space where signs circulate against a space for the production of signs. In other words, proposed signifiers against a structure of meanings. From this viewpoint, the user – civitas – becomes a “meaning-creating subject” because if characterised by anything, then the user is at the same time fickle, undefined, and attentive to the process of social change through sets of events.
SHAHRAM ENTEKHABI Shahram Entekhabi es un artista y arquitecto que vive y trabaja en Berlín. Estudió diseño gráfico en la Universidad de Teherán, Irán. Mas tarde arquitectura, urbanismo e idioma italiano en Perugia y en Reggio Calabria, Italia. Su obra ha sido objeto de numerosas exposiciones en todo el mundo. Enmarcado dentro de un entorno urbano, Shahram define la idea del mismo espacio como una reserva para la actuación y el rendimiento del hombre blanco, de clase media y heterosexual, y explora estas ideas a través de una variedad de prácticas performa10
Shahram Entekhabi is an Iranian-born artist and architect who lives and works in Berlin. He studied graphic-design at the University of Tehran, Iran, then Architecture, Urbanism and Italian language in Perugia and Reggio Calabria, Italy. His work has been the subject of many exhibitions all over the world. Framed within an urban setting, Shahram’s practice diffuses the idea of the urban space being a reserve for the practice and performance of the white, middle class, hetero-sexual male. He explores these ideas via a variety of performative practices using
tivas utilizando para ello la arquitectura, la instalación o los medios digitales. Shahram explora los prejuicios y la sospecha de la sociedad contra ‘los otros’ mediante la visualización del miedo, la paranoia y los estereotipos construidos sobre ‘el otro’ a causa de su color, religión u origen étnico y cómo las personas participan en la marginación de las minorías a través de la percepción, la política, la propaganda y el control. Por lo tanto, Shahram elige destacar a personas que normalmente son marginadas o forzadas a ser invisibles hasta desaparecer de la esfera urbana, como por ejemplo las comunidades de los inmigrantes y sus respectivas culturas, especialmente las provenientes de Oriente Medio y su diáspora. La cuestión de la visibilidad e invisibilidad es un tema al que Shahram ha recurrido extensamente dentro de su práctica.
architecture, installation and digital media. Shahram explores society’s prejudices and suspicion of ‘the Other’ by visualizing fear and paranoia and the stereotypes constructed about ‘the Other’ owing to colour, religion or ethnicity; similarly, how people participate in the ghettoization of the minority through perception, politics, propaganda and control. Hence, Shahram chooses to highlight individuals who are ordinarily marginalized and made invisible or forced into self-ghettoization from the urban domain, such as migrant communities and their cultures, particularly communities from the Middle East and its diaspora. The question of visibility and invisibility is therefore a theme he recurrently explores within his artistic practice.
Video arte y ausencia de arte de los nuevos medios del Irán contemporaneo. Video art and the absence of new media art in contemporary Iran. Un factor importante en la conformación de arte contemporáneo en Irán es el desarrollo del llamado “arte nuevo” que arrancó con el aflojamiento de la política cultural del país tras la elección de Mohammad Khatami en 1997 (hasta el 2005). La situación actual, desde esa fecha, se caracteriza por la existencia en paralelo del arte “tradicional” o “Islámico” por un lado y, por el otro, del “contemporáneo”. Así mismo la producción y el discurso artístico se encuentran entre dos polos contradictorios: una forma tradicional y conservadora de entender el arte y el sistema artística occidental. Ésta última siempre tuvo presencia en Irán – lo cual no se puede decir de los países vecinos – por la importante colección de arte occidental de Farah Pahlavi, expuesta en el Museo de Arte Contemporáneo de Tehran. Aunque el video arte, las instalaciones y la fotografía juegan un papel significativo en el “arte nuevo” de Irán, el arte de los nuevos medios todavía no es tan común. (Eso a pesar de que la población esta acostumbrada a utilizar los móviles para documentar lo ocurrido de cada día, bien en video o con fotografía, y publicar ésas grabaciones en Facebook o YouTube.) Existen diferentes motivos para ésa ausencia. Por un lado, el sistema educativa Iraní en ma-
An important factor in the formation of contemporary art in Iran is the development of so called “new art” that began in connection to the slackening of Iran´s cultural policy after the presidential election of Mohammad Khatami in 1997 (until 2005). The contemporary situation after 1997 has been characterized by the simultaneous existence of “traditional” or “Islamic” art on the one hand and “contemporary” (or “new”) art on the other hand. Thus, contemporary art production and discourse is located between the conflicting poles of a traditional and conservative understanding of art and the Western art system. In Iran, unlike any other neighbouring country, this was present through Farah Pahlavi´s important collection of Western art, displayed at the Museum of Contemporary Art in Tehran. While video art, installations and photo-based art are significant elements within Iran´s “new art”, new media art is still not so common and widespread in the country (though the population is used employing mobile-phone gadgets to document the day’s events by video or photo and to publishing these recordings on Facebook and You-Tube). There are different reasons for this. On the one hand, the arts education system in 11
PONENCIAS
Viernes 14 de Diciembre teria artística es tan fanáticamente tradicional que cualquier vocabulario que cuestiona el canon tradicional se rechaza. Por otro, los artistas son conscientes de que los medios – ante todo, internet – están controlados y restringidos, con lo cual no suponen una plataforma apta para una actividad crítica, alternativa o de contracultura. Hasta el video arte lo tiene complicado en Irán, aunque sí hay un reducido numero de artistas que trabajan en este medio. En parte, es debido al mercado del arte en el Oriente Medio, que por su obsesión con el artefacto (físico), le presta poca atención. Otro motivo por su subdesarrollo puede tener sus raíces en la historia del medio en sí, visto desde el contexto de las tradiciones culturales Iraníes. Desde sus primerísimos pasos, el video arte – mucho más que el cine, por ejemplo – esta fuertemente ligado a un debate sobre la identidad del individuo, algo que se refleja en las características técnicas de la primera cámara de video: el SONY Portapak ofrecía la posibilidad de que un solo usuario pudiera controlar tanto la imagen como el sonido. En Irán, indagar sobre la identidad socava la idea de que la tradición sea el factor más importante (sino el único) en crear la identidad y salvar a la población “del ataque de la hibridización e intervención.” La realidad de ciertas tradiciones dentro del Islam lleva a una división tabú, incluso esquizofrenica, entre “cara hacia dentro” y “cara hacia fuera”, más bien, existencias “publicas” y “privadas” dónde todo lo relacionado con temas de identidad se considera algo privado. En cierto modo, los iraníes tienden a estar en contra de afrontar cuestiones de identidad en un ambiente publico. La producción artística más valiosa del Irán contemporáneo refleja aspectos de identidad dentro de un clima rígido y de predisposición religiosa. El video arte tiene un papel importante en el discurso sobre la identidad en Irán. Una actividad que se hace más complejo aún en la situación post 9/11 cuando en Occidente, por ejemplo, (con una actitud rozando el colonialismo) hace “política de identidad” con la marginalización de las mujeres como victimas de su sociedad (por el chador) y la criminalización de los hombres iraníes como representantes activos del “eje del mal.” Se proyectarán obras videográficas producidas dentro y fuera de Irán, con un análisis de las diferencias entre ellas y sus puntos en comun. Shahram Entekhabi en colaboración con Behrang Samadzadegan y Julia Allerstorfer. 12
Iran is so fanatically traditional that any visual vocabulary challenging the traditional canon is rejected. On the other hand, artists are aware of the fact that the media – first of all, the internet – is under restricted control so is not suitable as a platform for a critical, alternative or counter-cultural activity. Even video art has a difficult time in Iran (though there is a small number of artists in the country that work with video), partly due to the fact that the MiddleEastern art market shows only very little interest in it due to its fixation with the (physical) artefact. Another reason for video art’s underdevelopment may be rooted very deeply in the history of the medium itself and Iran’s cultural traditions. From its early phase of existence, video art – much more than film, for example – is deeply connected to the questioning of individual identity. Also because of the technical preconditions of the first video camera: the SONY portapak, a portable unit that offered the possibility for a single user to control both image and sound recording. In Iran, the questioning of identity precludes the belief that tradition is the most important (or even the only) factor which creates identity and saves people from “the attack of hybridization and intervention”. This situation of certain traditions ramified in Islam leads to a tabooed or even schizophrenic division between “indoor” and “outdoor” or rather “private” and “public” existences where anything related to questions of identity is considered something private. In a sense, people in Iran traditionally insist against the questioning of identity in a public statement. The more valuable contemporary art productions from Iran critically reflect aspects of identity within a religiously-biased and rigid climate. Video art plays an important role in the discourse about identity in Iran, which becomes even more challenging in the situation after 9/11 when e.g. the West (in an almost colonial approach) makes “identity policy” in Iran by marginalizing Iranian women as victims of their society (in relationship to the chador) and criminalizing Iranian men as active representatives of the “axis of evil”. A commented screening will present video art production from inside and outside Iran and will analyse key differences and points in common. Shahram Entekhabi in collaboration with Behrang Samadzadegan and Julia Allerstorfer.
LECTURES
Friday 14th December
IURY LECH Multi-disciplinary artist, Iury Lech has developed his creativity in the style of Enlightenment artists and, with an atypical take, explores the fields of video creation, music and writing. His open and unclassifiable work reinvents stereotyped avant-garde concepts with a provocative arsenal, taking accurate aim, from a shadow line, at the complexities of artistic evolution.
Artista multidisciplinar, Iury Lech ha desarrollado su creatividad a la manera de los artistas ilustrados y desde una premisa atípica explora los campos de la videocreación, la música y la escritura. Su abierta e inclasificable obra reinventa los estereotipados conceptos vanguardistas mediante un arsenal provocativo que desde una línea de sombra apunta certeramente a las complejidades de la evolución artística.
CIBERCIVITAS: Cibercultura y arte
audiovisual de los nuevos medios en la metrópolis CIBERCIVITAS:Cyberculture and new media art in the metropolis El término cyber proviene, como sabemos, de la raíz griega que alude a “control” y de ahi que ciborg nos remita a una síntesis de hombremáquina. El crítico y ensayista Howard Rheingold apunta en su libro “ ¿Pueden los medios digitales amplificar nuestra mente y hacernos mas inteligentes?”, que los seres humanos somos “ciborgs natos”, según la definición acuñada por el profesor de filosofía y metafísica de la Universidad de Edimburgo, Andy Clark, biológicamente capaces de re-programarnos, y de re-
The term ‘cyber’ comes, as we know, from a Greek root alluding to ‘control’; from there, ‘cyborg’ refers to a synthesis of man and machine. The critic and essayist, Howard Rheingold, points out in his book, Mind amplifier: can our digital tools make us smarter? that human beings are “born cyborgs,” according to the phrase coined by Andy Clark, Professor of Logic and Metaphysics at Edinburgh University. We are biologically capable of reprogramming ourselves - and others - in order to adapt to new envi13
programar al prójimo por medio de la cultura, a fin de adaptarnos al entorno mediante la diseminación de las ideas sin ánimo explícito de beneficios personales, proceso en el que participan lo que ha venido en denominarse “memes”, a fin de diferenciarlos de los genes. Expandir los límites de nuestra mente mediante los ordenadores ya no es una utopía proveniente de la ciencia ficción, debido a que estos nos ayudan a pensar y a recabar información para dotar de conocimiento al pensamiento colectivo, algo que Rheingold ha definido como “metacognición”, una forma de regulación y discriminación del aprendizaje que nos permite aprehender y descartar en nuestras redes neuronales las ingentes cantidades de datos generados en las redes informáticas y sociales. Las ciudades y el arte han mantenido siempre una no declarada relación de rechazo y necesidad, de intimidad y distanciamiento. Hasta hace poco el taller del artista se había situado en un barrio fabril, en las naves de un polígono industrial del extrarradio de la ciudad o ya bien en el campo. Hoy podemos decir que su estudio se sostiene en el “espacio líquido”, en donde se entrecruza el arte y la tecnología, y tiene por espectador a las comunidades virtuales, que posiblemente acaben por poner fin a la interacción física. Pero el interrogante que se plantea no es si es posible una Ecumenópolis (término acuñado por el arquitecto urbano griego Constantinos Doxiadis en los años sesenta para referirse a un nuevo tipo de ciudad que abarcará la superficie terrestre del globo en una sola macro-urbe); es si su creadora, la humanidad, va a ser su amo o su víctima. Esto lo escribía Arnold J. Toynbee en su ensayo “Ciudades en marcha” (Alianza Editorial, Madrid 1973), sin saber que esa megalópolis iba a ser posible a comienzos del siglo XXI con la profunda transformación del espacio urbano a raíz de las nuevas tecnologías inalámbricas de la comunicación y de las “prácticas socio-comunicativas de la cibercultura”, que unirían al planeta por medio de una inmensa red de redes informáticas. Esta emergente y dinámica unión en las sociedades post-industriales entre vida urbana y cultura digital han permitido el florecimiento de una geografía de los nuevos medios en donde prospera la “media city”, que también podría denominarse ciudad híbrida, donde la información fluye abierta a través de las nuevas tecnologías, facilitando la recopilación y diseminación de datos, inundando el perfil de la ciudad con capas digitales de contenido, con14
ronments; we do this through culture, via the disseminations of ideas, and without any explicit personal benefit. In this process the so-called ‘memes’ – named as such to differentiate them from genes – play a part. Expanding the limits of our minds through computers is no longer a sci-fi utopia, given that these devices help us to think and compile information which then contributes knowledge to our collective intelligence. Rheingold has defined this as “metacognition,” a way of regulating and differentiating our learning, which enables our neural networks to either take on board or reject information from among the enormous quantity of data generated in information and social networks. Cities and art have always maintained an undeclared relationship of spurning and mutual necessity, intimacy and distance. Until recently, the artist’s workshop would have been located in a manufacturing zone, an industrial estate on the outskirts of the city, or even in the countryside. Now we can say that their studios are sited in the “liquid space” where art and technology meet and their spectators are the virtual communities which may well bring an end to physical interaction. The question arising, however, is not whether a Ecumenopolis is possible. (The phrase was coined by the Greek urban planner, Constantinos Doxiadis, in the 1960s to refer to a new type of city which would cover the whole surface-area of the globe in a single macrometropolis.) Rather, the issue is whether its creator – humanity – will be master or victim. Arnold J. Toynbee wrote this in his Cities on the Move (Oxford University Press, 1970), unaware that these megalopolis would be possible at the start of the 21st Century. The profound transformation of the urban space resulting from new, wireless communications technologies and “cyber-cultural socio-communication practices” will unite the world in an immense web of IT networks. This emerging and dynamic union in post-industrial societies between urban life and digital culture has enabled a new media geography to flourish, where the ‘media city’ prospers. We could also view it as a hybrid city, where information flows openly via new technologies, easing the compilation and dissemination of data, flooding the cityscape with digital layers of content and thus contributing to the emergence of new, hybrid spacial logics and novel forms of social interaction. Ultimately, internet development, the miniaturisation of wireless communication devices or the use of new, intelligent materials, have meant the the impact of
tribuyendo por lo tanto a la aparición de nuevas lógicas espaciales híbridas y nuevas formas de interacción social. Últimamente, el desarrollo de Internet, la miniaturización de los dispositivos de comunicación inalámbricos, o el uso de las nuevos materiales inteligentes, han hecho que el impacto de la cibernética sea cada vez más visible en la vida cotidiana. La aparición de conceptos como ‘Internet de las Cosas’ confirma la tendencia actual de conectar objetos inanimados con el espacio virtual de la comunicación, basado en la interacción hombre-máquina. Somos usufructuarios de una cultura digital que se retroalimenta sin cesar de los works in progress de cientos de miles de artistas que no conciben el arte contemporáneo en otro formato y comparten sus obras por medio de la comunicación telemática, “en la que hemos depositado nuestro conocimiento, de la cultura líquida, que ha transformado los viejos paradigmas del ciborg que vive en plenitud en su naturaleza híbrida y, lo que es más importante, de una sociedad planetaria telecomunicada, llena de ventanas que, al abrirlas, nos ofrecen un (no) espacio, un lugar común como ágora electrónica y desmaterializada” (José Ramón Alcalá. La piel de la imagen. Sendemá Editorial, Valencia 2011). Esto nos remite a la instauración de una sociedad mediática donde la realidad tiene lugar, y quizás sentido, en la pantalla global. El lento pero inexorable proceso de pantallización de todas los aspectos de la vida, llevará a una virtualización de la existencia. Todo el mundo quiere participar en la fiesta mediática, tanto da si es como actores o espectadores. Todos quieren grabarlo y filmarlo todo, ser captados en cualquier situación, ser reconocidos, en definitiva, salir del enclaustramiento del anonimato, pero curiosamente para entrar en los límites de las cuatro paredes de la pantalla, si descontamos la del 3D, hoy por hoy integrada a y hacia nuestros cuerpos (smartphones, tablets, PDA, ebooks, videoconsolas, laptops, ordenadores, televisión, cine, publicidad y señalización urbanas, dispositivos de vigilancia electrónicos, webcams, etc). Todos estos nuevos artilugios comunicativos de devoción ciudadana constituyen en realidad también medios de control que condicionan nuestros comportamientos e identidades a partir del momento en que sentimos que nuestra intimidad es escudriñada por la máquina, sin saber a ciencia cierta si es panóptica o sinóptica. En la actualidad, la cultura digital permite que arte, ciencia y tecnología
cybernetics is ever more visible in our daily lives. The appearance of concepts such as the ‘Internet of Things’ confirm the current trend of connecting inanimate objects to the virtual communications space, based on man-machine interaction. We are freeholders of a digital culture which constantly feeds on works-in-progress by hundreds of thousands of artists who do not conceive contemporary art in any other format. They share their work by telematic communication, “in which we have deposited our knowledge; of liquid culture, which has transformed old paradigms of the cyborg living fulfilled with his hybrid nature; most importantly, of a planetary society linked by telecommunications, full of windows which, when opened, offer a (no)space, a meeting point, an electronic and de-materialised agora.” (José Ramón Alcalá. La Piel de la Imágen. Sendemá Editorial, Valencia, 2011.) This leads us to the establishment of a media society where reality finds its place – and perhaps its meaning – on the global screen. The slow but inexorable process by which all aspects of life make their way onto screen will bring us to a virtualisation of existence. Everyone wants to participate in the media jamboree, be it as actors or spectators. All wish to record and film everything, be captured in any situation, be recognised. In short, to emerge from cloistered anonymity yet, curiously, relocate within the limits set by the four sides of a screen, if we disregard 3D. Screens which are today integrated within and towards our bodies: smartphones, tablets, PDAs, ebooks, video consoles, laptops, desktops, television, cinema, advertising and urban signage, electronic surveillance devices, webcams etc. All of these new public-user communications gadgets are, in reality, methods of control which condition our behaviour and identity from the moment we feel that our privacy is scrutinised by machines, uncertain as to whether this process is panoptic or synoptic. Nowadays, digital culture enables art, science and technology to come together in a dynamic, concurrent way; cyberspace is the natural habitat for cross-disciplinary evolution. A hybrid, bio-techno existence is the result; “a reality which considers physical phenomenon (bodies, organic matter, flesh, individuals) as the expression of something more.” (Ollivier Dyens. Hybrid Reality. ARS Electrónica, Linz 2005) For digital artist, images of their works are now portable, multiple. Not to mention the numerous technologies at their disposal, whose nature is not exactly passive. This forces a mindset shift in 15
confluyan de forma dinámica y concordante y que el ciberespacio sea su hábitat natural de evolución interdisciplinar. Esto ha dado como resultado una existencia bio-tecno híbrida, “una realidad que considera los fenómenos físicos (cuerpos, materia orgánica, carne, individuos) como la expresión de algo más”. (Ollivier Dyens. La realidad híbrida. Ars Electrónica, Linz 2005). Para el artista digital, esta nueva portabilidad y multiplicidad de las imágenes de sus obras, por no hablar del resto de tecnologías a su disposición cuya esencia no es precisamente pasiva, le obligan a un cambio perceptivo de sus esquemas de producción artística para soslayar su carácter efímero y mutable y evitar caer en una creatividad hipertélica, en la saturación por el desbordamiento de un organismo, el del artefacto visual manipulador de una autenticidad multiforme, que incontrolado se transforma en un ilimitado apógrafo y provoca lo que Roy Ascott ha dado en llamar telenoia, ese estado de ataraxia mental causado por el desordenado exceso de información. Entre hombre y máquina han de existir interfaces que permitan la comunicación de datos, ideas, diseños o incógnitas con los que establecer territorios francos donde poder desarrollar la estabilidad de estos “espacios líquidos” y habitarlos con nuevas metáforas y estrategias conceptuales para dotar de significado al incipiente arte digital. El cibermundo es un organismo invisible entrelazado por campos electromagnéticos, urbes informáticas y cartografías virtuales enlazados por incesantes y acelerados flujos digitales. La imagen en movimiento nos fascina porque nos enlaza y relaciona con medios antagónicos a lo humano, pero que a su vez forman parte de su civilización. La cámara es capaz de aprehender y guardar lo que a la mirada se le escapa y mostrar el mundo de forma diferente, ayudando al ojo, como un adminículo protésico, a construir puntos de vista productivamente innovadores. ¿Pero es la imagen digital aquello que capta la retina, el punto de luz, que convierte al mundo en espectáculo, o lo que expulsa la luz de la “retícula de píxeles”? La imagen, a merced de un controlado azar, se nutre de los errores y de la precisión de los códigos de programación. “La pantalla electrónica, como himen gráfico retroiluminado, genera signos visuales que no son sino huellas, rastros visibles de la penetración de la mirada en constante transición por el del viaje retroalimentario adentro-afuera de lo electrónico”. (José Ramón Alcalá. La piel de la imagen. Sendemá Editorial, Valencia 2011). 16
terms of their artistic production and planning in order to sidestep the ephemeral or changeable and avoid falling into hypertelic creativity, into the saturation of an organism overwhelmed, the visually-manipulative artefact of a multiform authenticity. Uncontrolled, the result is a ceaseless churning out of reproductions, leading to what Roy Ascott has referred to as “telenoia”, that state of mental ataraxia caused by the disordered excess of information. Between man and machine interfaces need to exist, enabling communication of data, ideas, designs or unknowns with which to establish free territories where these ‘liquid spaces’ can be developed in a stable environment. Later, they may be populated with new metaphors and conceptual strategies, thus give meaning to this incipient digital art. The cyber-world is an invisible organism, interwoven with electromagnetic fields, IT cities and virtual signposts linked by incessant and accelerated digital flows. The moving image fascinates us because it provides a tie or link to media in conflict with the solely ‘human’, yet in turn forms part of human civilization. The camera is capable of seizing and storing things that escape our gaze, of showing the world in a different way, of helping the eye – like a prosthetic accessory – to construct productively innovative viewpoints. But is the digital image that which captures the retina, the point of light, turning the world into a show? Or does it throw out light from the ‘pixel grid’? An image, at the mercy of controlled chance, feeds upon the errors or accuracy of the programming codes. “The digital screen, like a backlit graphic hymen, generates visual signs which are none other than prints, visible traces of a penetrating gaze in constant transition due to the in-out feedback voyage of the electronic.” (José Ramón Alcalá. La piel de la imágen. Sendemá Editorial, Valencia. 2011) New Media Art, this multiform entity struggling between perplexity and hypertrophy, survives in our society as a tolerated visitor, receiving a fragment of the academic attention its corpus of work demands. That is, if we understand New Media Art as a practice based on constantly questioning the very foundations of art and mainstream culture, which pretends that the digital revolution has not taken place. Field work in this slippery territory is required in order to engender a distinct, stimulating approach to the study of the kinetic image through the methods and tools of the so-called video-graphic device. Currently, cinema, television and video are subjected to an
El arte audiovisual de los nuevos medios, esa entidad multiforme que se debate entre la perplejidad y la hipertrofia, convive en nuestra sociedad como un tolerado huésped, ya que recibe de forma parcial la atención teórica que su corpus en realidad demanda, entendiéndose el concepto del new media art como una práctica basada en el cuestionamiento constante de los fundamentos mismos del arte y de la cultura mainstream, que finge que la revolución digital no ha tenido lugar. Es necesario elaborar un trabajo de campo sobre una zona tan resbaladiza para abordar un estimulante e infrecuente acercamiento al estudio de la imagen cinética por medio de los usos y herramientas del llamado dispositivo videográfico. En la actualidad el cine, la televisión y el video están sometidos a un inexorable “proceso de hibridación”, de fusión y convergencia que volatiliza la idea de arte y espectáculo como expresiones diferenciadas y ahonda en su interdependencia. La imagenvideo representa en nuestra época no solo una azarosa e ilimitada progresión de nuevas imágenes, sino que lo videográfico auspicia flexibilidad, interactividad, reflexión, indagación, trasgresión, y se encuentra, por su “cualidad liminar”, en un espacio fronterizo y contaminado, prescrito a ser cautivado (Lorena Rodríguez Mattalía. Videografía y arte:indagaciones sobre la imagen en movimiento. Universidad Jaume I, Castelló de la Plana 2011) Un ejemplo de esta transversalidad sería Godard, más conocido por su faceta como cineasta, si bien inmerso en el lenguaje videográfico mediante su cogito ergo video e ingente trabajo en proceso Histoire(s) du cinéma; también Mike Figgis, que pasa de las farragosas producciones de Hollywood a obras de cine digital deudoras del video arte como “Timecode” (2000) o “Hotel” (2001); o el artista polaco Lech Majewski, autor de perturbadoras piezas de videoarte experimental como “Glass Lips” (2007), que se ha infiltrado como un agente saboteador en la industria cinematográfica con interferencias visuales como “The Mill and the Cross” (El molino del tiempo, 2011). En esta clase de sincronías hiperbólicas radica el concepto alegórico del videoarte como espiral, como bucle sin fin, como las circunvalaciones de una autopista, como la cinta de Moebius, disciplina que se concentra y se expande, que se anticipa y se dilata, que permite el fluir de una señal electrónica generada por un aparato, la cámara, y de la imagen captada que se va alejando progresivamente a la vez que gira alrededor. También como la espiral de Fibonacci,
inexorable ‘hybridisation process’ of fusion and convergence which volatilises the idea of art and entertainments as different expressions and compounds their interdependence. In our era, video represents not only an unlimited, random progression of new images but lends itself to the flexible, interactive, reflective, outraged and ground-breaking. Its “just-starting quality” places New Media Art in a contaminated borderland, destined to be captured. (Lorena Rodríguez Mattalía. Videografía y arte: indagaciones sobre la imágen en movimiento. Jaume I University, Castelló de la Plana. 2011) One example of this cross-over would be Jean-Luc Godard, better known for his film-making endeavours yet immersed in the language of video through his “cogito ergo video” and huge work-in-progess, Histoire(s) du Cinéma. The same may be said of Mike Figgis, whose production encompasses both cumbersome Hollywood productions and digital cinema works indebted to video art, such as Timecode (2000) or Hotel (2001). The Polish director, Lech Majewski, creator of disturbing experimental video-art works such as Glass Lips (2007), has infiltrated the cinema industry, like an agent saboteur, with visual forays such as The Mill and the Cross (2011). This type of hyperbolic synchrony gives rise to the allegorical concept of video art as a spiral, an endless loop, a ring road, a Möbius strip. A discipline which both comes together and expands, anticipates and dilates; which allows the electronic signal generated by a device – the camera – to flow along with the image captured, as it gradually moves away, turning upon itself. Similarly, video art can be seen as a Fibonacci spiral - a curve which gets progressively larger as it turns, subject to the laws of entropy – representing the amount of information and noise in an electronic signal, tending towards either order or chaos. In any case, it should not be controlled but allowed to diversify. Images come from a model. In theory, the model does not need images, it turns on itself, it twists, it becomes tangled in multiple abstract meanings. Just as rotation and passage combine, giving rise to a helicoid action, images move around themselves, fusing together with the activity of the model. This reveals the cyclical nature of the image, which is born, dies and is re-born within its card-slot capture point, only to be erased, then filmed by the video camera and so on, ad infinitum. In this respect, ChihYung Chiu - curator of the Taiwanese video art programme, ‘A Pause in Space and Time’, pre17
una curva que aumenta progresivamente a medida que gira, sometida a las leyes de la entropía, que representa la cantidad de información y ruido presente en una señal electrónica que puede tender al orden o al caos, que en todo caso no habría que controlar sino dejar que se diversifique. La imagen proviene de un modelo. Teóricamente, el modelo no necesita las imágenes, se vuelve hacia sí mismo, se enrosca, se enmaraña en múltiples correspondencias abstracta. Así como la rotación y la traslación se combinan para engendrar el movimiento helicoidal, las imágenes se mueven alrededor de sí mismas, combinándose en los movimientos del modelo. Esto revela el registro cíclico de la imagen, que nace-muere-renace en su nichotarjeta de captura, y vuelve a ser borrado y grabado por la videocámara, así hasta el infinito. En este aspecto, Chih-Yung Chiu, comisario del programa de videoarte taiwanés “Una pausa en el tiempo y el espacio” que se presentará en MADATAC 04, y director del Departmento the Mass Communication en la Universidad de Providence, Taiwan, señala que en el videoarte contemporáneo, la percepción del “espacio” se establece mediante la secuencia cronológica de las escenas. El “tiempo”, por su parte, se enriquece con la acumulación de experiencia espacial. En la sociedad moderna, sin embargo, la percepción del tiempo, como parte de cualquier experiencia de visionado de vídeoarte, puede acelerarse o desacelerarse, revertirse o habitarse, o abovedarse en cada dirección. Del mismo modo en que los fluidos circulan, se evaporan, se licuan y se congelan, la programación activada por MADATAC actúa como sonda abisal en las turbulentas profundidades de la confusión humana mediante un ciclo de captación, enmascaramiento y proyección, en forma de ondas capilares (espirales), del objeto observado e investigado. Este reconocimiento nos conduce de la distorsión digital al metraje encontrado, enhebrando la filosofía del apropiacionismo con la cultura de los medios de comunicación masivos, para fabricar recónditas perspectivas donde albergar visuales subjetivos antiutópicos, el juego con las opacidades de la narrativas abstractas, las realidades simuladas de los paisajismos transitorios o reinventados, los rastros espacio-sonoros y las derivas geolocalizadas de lugares abandonados, la observación social comprometida y las circunstancias derivadas del objeto explorado, la identidad de genero manipulada, sin olvidarnos de la representación interdisciplinar entre el mundo de la técnica con el de la imaginación.
18
sented at MADATAC 04, and Director of the Department of Mass Communication at Providence University, Taiwan – points out that in contemporary video art, the perception of ‘space’ is established through the chronological sequence of scenes. ‘Time’, on the other hand, is enriched by accumulating spacial experience. In modern society, however, the perception of time – as part of any video art-watching experience, can be accelerated or decelerated, reverted or inhabited, vaulted in any direction. Just as fluids swirl, evaporate, blend and freeze, so the programme set in action by MADATAC acts as a deep-water probe in the turbulent abyss of human confusion. A cycle of collecting, masking and screening the object observed and investigated, in the shape of capillary waves (spirals). This leads us to the digital distortion of found footage, weaving appropriation-art philosophy with mass media culture to create hidden perspectives and house subjective, counter-utopian visuals. Abstract narratives, playing on opacity; simulated realities of transitory or reinvented landscapes; space-sound traces and the geo-localised drift of abandoned places; committed social observation and the circumstances derived from the explored object; manipulated gender identity. And, not to be overlooked, multi-disciplinary representations between the technical universe and the world of our imagination.
PRESENTACIÓN DEL LIBRO COLECTIVO: BOOK LAUNCH: “De Prometeo a Frankenstein. Autómatas, Ciborgs y otras creaciones más que humanas” A cargo de Iury Lech, los editores Fernando Broncano y David Hernández de la Fuente, así como la participación de los autores. ”From Prometheus to Frankenstein. Automata, Cyborgs and other more-thanhuman creations.” Presented by Iury Lech and the editors Fernando Broncano & David Hernández de la Fuente, with the authors’ participation. Viernes 14 de Diciembre de 2012 Friday 14th December 2012
19
ROY ASCOTT
Roy Ascott se ha visto en la Bienal de Shanghai en 2012 con Syncretic Cybernetics y ha participado en la Bienal de Venecia, V2, en Trienal de Milano, en la Bienal de Mercosul en Brazil, European Media Festival y Musée d’Art Moderne, Paris entre otros. Iniciador de Arte Telemático, entre sus proyectos fundamentales están: La Plissure du Texte en Electra, Paris (1984, Second Life versiones en 2010, 2012) y Aspects of Gaia, Ars Electronica (1989). Su retrospectiva, The Syncretic Sense, se ha proyectado en Plymouth Arts Centre, UK (2009), Incheon International Digital Art Festival, Corea (2010) y SPACE in Hackney, Londres (2011). Es presidente de Planetary Collegium y DeTao Master of Technoetic Arts en Beijing DeTao Masters Academy de Shanghai, Sus publicaciones incluyen: The Future is Now: Art, Technology, and Consciousness, Gold Wall Press, Beijing, 2012; Telematic Embrace: Visionary Theories of Art Technology and Consciousness, UC Press, 2003; Technoetic Arts, Yonsei University Press, 2002; Art & Telematics: toward the Construction of New Aesthetics, NTT, Tokyo, 1998. 20
La Civitas cibernética y el ser múltiple. Cybernetic Civitas: being multiple.
Roy Ascott is currently showing in the Shanghai Biennale, and previously exhibited with the Venice Biennale, V2, Milan Triennale, Biennale do Mercosul Brazil, European Media Festival, Musée d’Art Moderne, Paris, etc. Initiator of Telematic Art, his seminal projects include La Plissure du Texte at Electra, Paris 1984, (Second Life versions in 2010, 2012), and Aspects of Gaia Ars Electronica, 1989. His retrospective The Syncretic Sense was shown at Plymouth Arts Centre UK, 2009; at the Incheon International Digital Art Festival, Korea, 2010, and at SPACE, Hackney, London, 2011. His exhibition Syncretic Cybernetics is part of the Shanghai Biennale 2012. He is the President of the Planetary Collegium, and the DeTao Master of Technoetic Arts at the Beijing DeTao Masters Academy in Shanghai. His books include: The Future is Now: Art, Technology, and Consciousness], Gold Wall Press, Beijing, 2012; Telematic Embrace: Visionary Theories of Art Technology and Consciousness, UC Press, 2003. Technoetic Arts.Yonsei University Press, 2002. Art & Telematics: toward the Construction of New Aesthetics, NTT, Tokyo, 1998.
Los artistas trabajamos con metáforas. Puede ocurrir que, de vez en cuando, fabriquemos “algo real”, pero lo cierto es que, siempre más, nos dedicamos a proyectar lo que podría ser o a entresacar para mostrarlo cuanto de ambiguo, incierto e incompleto se esconde en lo aparentemente seguro, predecible y finito. Especulo luego soy. Vamos y venimos entre la así llamada realidad real y las realidades virtuales que creamos, entre el espacio real y el ciberespacio, entre las viejas estructuras sociales y la sociedad de los caminos por llegar: plantamos imágenes e ideas, sembramos sistemas; pero este plantar y sembrar florece sólo gracias a la imaginación activa y a la participación física del espectador, tanto si la imagen es fija como si fluye, tanto si el sistema es cerrado o dinámico. Lo hacemos con los múltiples cuerpos que nos creamos, con las múltiples identidades y personae, con los avatares, que forman parte de nosotros, que hemos proyectado y construido, que habitamos de forma tanto permanente como pasajera. ¡Per avatar ad astra! En este sentido, invertimos el viejo lema y afirmamos: divididos venceremos, unidos perderemos. El yo dividido, la persona múltiple, la identidad secuenciada, definen a la humanidad post-biológica. El yo solitario nació de la imaginación de quienes detentaban el poder; era un yo fácil de manipular, de controlar y guiar, perfecta carne de cañón de los juegos políticos; un yo propio de la paranoia de la era industrial. Ahora, sin embargo, celebramos la llegada de la telenoia, de las redes abiertas y del sincretismo social: de la civitas cibernética. Ahora, el yo es muchos, y no se le/s puede parar. Al igual que el dólar se van retirando ante el invencible Yuan, su lema e pluribus unum (de muchos, uno) enmudece ante el e unum pluribus (de uno, muchos): muchos yoes, muchas presencias, muchos lugares y muchos niveles -simultáneos y asincrónicos- de conciencia. Algunas de las metáforas de trabajo más útiles nos la proporciona la cibernética, un sistema de pensamiento intrínsecamente transdisciplinario, conectivo y distributivo, que tiene en cuenta todas las cualidades que nos distinguen y con las que construimos el mundo, tanto físicamente, en sus arquitecturas y entornos, como cognoscitiva y mentalmente. Y que también da cuenta del arte de nuestros días, donde el espectador puede participar en unas redes creati-
We artists work with metaphors. We may, from time to time, build “the real thing”,but increasingly we are engaged in envisaging what could be the case, or in extracting and imaging the ambiguous, uncertain, and incomplete, from what seems certain, predictable and finite. I speculate therefore I am. We move seamlessly between what we nominate as real reality, and what we create as virtual realities, between live space and cyberspace, and between the old social structuresand the society of new becomings. In this sense, we plant images and ideas, and we seed systems. The process of planting and seeding bears fruit only through the active imagination or the physical participation of the viewer. This is so whether the image is fixed or flowing, and whether the system is developing or dynamic. We do so with multiple bodies of our own making, with multiple identities, avatars and personas, which are part of us, which we have designed and built, which we inhabit both permanently and in passing. Per avatar ad astra! In this special sense, we reverse the old truism, and say: divided we stand, united we fall. The divided self, the multiple persona, the serial identity, are definitions of post-biological mankind. The solitary self was a creature of the power-wielders’ imagination; ever manipulable, positionable, controllable; in short, perfect political cannon fodder. It was a part of the paranoia of the industrial era. But we now celebrate the telenoia of open networks, and of social syncreticism, a cybernetic civitas. Now, we are many, and you can’t pin us down. Just as the diminished dollar bill is giving way to the invincible Chinese Yuan, so its motto of e pluribus unum (out of many one) gives way to e unum pluribus (out of one, many) --- many selves, many presences, many locations, and many levels of consciousness, all at once and asynchronically. Some of the most useful working metaphors are found in cybernetics, a system of thought that is intrinsically transdisciplinary, connective, and distributive, that reflects all the qualities that distinguish us, and underlie our construction of the world, both physically, in terms of architecture and the environment, and in our navigation of knowledge fields and of 21
vas que el artista sólo inicia o deja apuntadas y participar de los sistemas, es decir, en el desarrollo de los conocimientos, en la configuración de significados, en el acopio de memoria, en la aprehensión de ideas o en los fulgurantes procesos de la acción innovadora. Igualmente poderosas son las metáforas procedentes de la física cuántica, entre ellas y de manera destacada, la metáfora del agujero de gusano. Los agujeros de gusano labran túneles entre la espuma cuántica de la misma manera que, en el arte digital, abrimos vías entre la espuma de datos, entre un espacio hipervinculado y otro, una telepresencia y otra, una base de datos y otra. Abrir vías telemáticas es justamente lo que hacemos en cuanto artistas de la cultura post-biológica. Podemos anticipar que, en los próximos treinta años, la apuesta arquitectónica de abrir agujeros de gusano en cada hogar se afianzará.
mind-at-large. This is so with art today, where the viewer is empowered to participate in the creative networks that the artist initiates or informs; in systems, that is, of knowledgebuilding, meaning making, memory-storage, idea-capture, and accelerated processes of innovative action? Similarly potent are the metaphors found in quantum physics, amongst which, and not least, is the metaphor of the wormhole. Wormholes tunnel through quantum foam, just as, in digitally informed art, we tunnel through datafoam, from one hyperlinked space to another, from one telepresence to another, from one database to another. Telematic tunneling is precisely what we do as artists working in the post-biological culture. We can safely predict that a wormhole in every home will be an architectural claim that resonates over the next thirty years.
De hecho, hay que volver a pensar y sopesar conceptos como hogar, oficina, tienda, escuela, hospital, museo o fábrica. Son conceptos en gran medida obsoletos, ajenos a los modos de vida de nuestra emergente y sincrética realidad. Sólo con una armoniosa reordenación de los cánones del arte, de la arquitectura y de la solidaridad social lograremos reorientar la investigación científica, adaptar las nuevas tecnologías y provocar cambios de gran alcance. Por mucho que se diga, la ciencia no ha sido de gran ayuda para el arte, más allá de facilitar entretenidos grafismos, patrones de diseño o actos circenses. Antes convendría decir que la ciencia necesita del arte: para liberarse de la financiación chantajista del Pentágono, de la prudencia universitaria o de Wall Street y poder así dar rienda suelta a su capacidad de visión y proyección y, también, para poder dar cabida a lo subjetivo en el laboratorio y a lo espiritual en la especulación. Piensen en la negación ontológica del físico cuántico, ¡la letal enfermedad del neo-darwinismo!
In fact, concepts of home, office, shop, school, hospital, museum, and factory – all need to be rethought and reconsidered. They are for the most part obsolete concepts, totally unrelated to living in our emergent, syncretic reality. Only a sympathetic re-ordering of the canons of art, architecture, and social solidarity can hope to achieve the re-direction of scientific inquiry and the adaptation of new technologies that major change demands. For all the bluster, science has been no great help to art, except to provide entertaining illustrations, designer demos, and circus acts. Rather, science needs art: to release it from the funding grip of the Pentagon, university caution, and Wall Street investment, to open it up to its fullest visionary potential; to bring subjectivity to the laboratory, and the spiritual into speculation. Think of the ontological denial of the quantum physicist, the deadly disease of neo-Darwinism!
Buscando nuevas asociaciones, nuevas conexiones, nuevos significados, abrimos agujeros de gusano en el cerebro, en un ejercicio de excavación cognitiva. La cultura telemática teje tan densamente sus redes globales que inevitablemente acaba vinculando sitios dispares, creando una suerte de red de túneles de alcance global. La mente es móvil, el cerebro se extiende, nuestra mente es migrante. La mente se expande y va cubriendo el mundo, confiriendo significados a cada vez más elementos del entorno construido. Descartado el materialismo fundamentalista, construimos ahora una cultura noética: nos encaminamos hacia una arquitectura sensible, hacia sistemas autónomos y reflexivos de vida artificial. Nos hemos adentrado en los dominios de la tecnoética y la prioridad es ahora la conciencia. 22
We wormhole in the brain as we search for new associations, new connections, new meanings, in a kind of cognitive tunneling. The telematic culture weaves its global webs so densely that tunneling between disparate sites - a kind of worldwide wormholing, - is an inevitable consequence. The mind is mobile, the brain is extended, we are mentally migratory. The mobile mind is spilling out into the world, conferring intelligence on more and more parts of the built environment. After the disillusionment of fundamentalist materialism, we are building a noetic culture, moving towards a sentient architecture, and the self-organising, and self-aware systems of artificial life. We have entered the technoetic domain, and consciousness is at the top of our agenda.
Con esa incipiente capacidad humana llamada cibercepción nos estamos adentrando por entre los mundos interiores y exteriores de una manera mucho más profunda de cuanto nos lo permitían nuestros desarmados sentidos naturales. La aparición de una paranaturaleza –con su simbiosis de mente, tecnología y fluidos sistemas mediáticos– nos exige ser doblemente responsables a la hora de perfilar el tipo de mundo que podamos construir. Ni los artistas ni los arquitectos, tras demasiados años flotando en la postmoderna ingravidez moral, pueden ya eludir la gravedad de la ética y deben necesariamente dar con nuevos valores y con una nueva moralidad. Podemos ayudar en esta tarea, explorando la inteligencia colectiva del hiper-córtex, esa mente repartida por los dominios telemáticos. El hiper-córtex, por su parte, nos impone tener en cuenta la presencia de un hipercuerpo, y el acomodo de este hiper-cuerpo reclama un nuevo tipo de arquitectura inteligente y, en última instancia, un sentido completamente renovado de la comunidad política. El agujero de gusano simboliza, en todo su alcance metafórico, el próximo gran reto al que se enfrenta la creación de mundos y de procesos sociales, y apunta al tipo de sistemas que nos permitirán relacionarnos de manera más intensa con nuestra mirada paranatural sobre lo que una vez fue la Naturaleza. Con los nuevos materiales inteligentes y los sistemas auto-regulados que anuncian la llegada de una arquitectura inteligente, el diseño urbanístico podría estar en vías de convertirse en un diseño ciberurbanístico. Ahí, en las ciberurbes, podremos sin apenas esfuerzo abrir agujeros de gusano entre nuestras múltiples realidades; vivir con los múltiples yoes que sin cesar crearemos. La ciudad debe reagrupar sus barrios, dislocar su centro, rebautizar y redistribuir sus elementos y funciones. La arquitectura debe atender el reto de la ciudad sensorial y complementar así nuestra ontología post-biológica. Los sistemas computacionales deben aprender a sentir y empatizar. ¿De qué otra cosa manera si no podremos dar cabida a las emergentes tecnologías de la conciencia, tanto electromagnéticas como farmacéuticas, y dar acomodo al cibernauta, apoyo al viajero telemático o terreno de cultivo a la vida artificial? La civitas cibernética exige algo más que tejer redes sociales, visionar Al Jazeera o rechazar la American Way. Exige revitalizar y redefinir el Ser, el cuidado del Otro y la regeneración del entorno, todo ello dentro de unas de redes de alcance global que compartan un destino dinámico. © 2012 Roy Ascott
The emerging human faculty of cyberception is enabling us to enter into both inner and outer worlds more deeply than our unaided natural senses hitherto permitted. The emergence of paranature – with its symbiosis of mind, technology and moist media systems – confers upon us a great responsibility for the kind of worlds we construct. Both artists and architects, after being suspended for many years in a state of post-modern moral weightlessness, are now subject to the gravity of ethics, and must find new values and a new morality. We can play a useful part in this by navigating through the collective intelligence of the hypercortex, the distributed mind of the telematic domain. The hypercortex calls, in turn, for the recognition of a hyperbody, and the housing of the hyperbody requires a new kind of intelligent architecture, and ultimately an entirely new sense of the body politic. The wormhole, in the fullness of its metaphorical reach, identifies the next great challenge for world-building and social process, and the systems by which we might more richly relate to our paranatural view of what once was Nature. With the advent of smart materials and self-regulating systems that promise the emergence of an intelligent architecture, urban design could be on the way to becoming cyburban design. It is there, in the cyburbs, that we shall wormhole effortlessly between our many realities; meeting with the multiple selves we shall ceaselessly create. The city must gather up its suburbs, dislocate its centre, redesignate and redistribute its functional parts. Architecture must respond to the challenge of the sensuous city, if we are to complement our postbiological ontology. Computational systems must learn to feel and empathise. How otherwise can we accommodate the emergent technologies of consciousness, both electro-magnetic and pharmaceutical, and house the cybernaut, service the telemadic traveler, or farm artificial life? Cybernetic civitas is more than social networking, the sharing of Al Jazeera, or the dumping of the American Way. It’s about a revitalization and redefinition of the Self, the care for the Other, and the regeneration of environment, set within worldwide networks of dynamic destiny. ©Roy Ascott 2012.
23
SECCIONES / SECTIONS
SECCIÓN OFICIAL INTERNACIONAL OFFICIAL INTERNATIONAL SECTION La sección Oficial Internacional de la Muestra consta de un total de 73 videocreaciones a competición procedentes de 30 países que se proyectarán en el Auditorio de “CentroCentro Cibeles de Cultura” de Madrid del 10 al 16 de diciembre. The Official International Section is made up of 73 video creations from 30 different countries, to be screened at the Auditorium of “CentroCentro Cibeles of Culture” in Madrid, December 10th to 16th.
AUDITORIO CENTROCENTRO AUDITORIUM CENTROCENTRO Programación recomendada para mayores de 18 años Programme recommended for over 18’s
Sandra MarianaALVARO CARRANZA
(Alemania/Germany) CONSTELACIONES 1, CONSTELACIONES 2 CONSTELLATIONS 1, CONSTELLATIONS 2 /02’ 09”/2011
Un cuerpo que con sus movimientos dibuja grafismos animados, en infinitas variaciones posibles. Imagen generada, de forma interactiva, por un software diseñado en Processing especialmente para producir ésta obra. El cuerpo al moverse activa las partículas de un sistema, que reaccionan, con un determinado porcentaje de random, dibujando los grafos sobre la imagen. Así es que el video no resulta de una superposición de dos imágenes diferentes, sino que se autogenera computarizando los píxeles del video de la danza, cada vez de una manera diferente.
With its movements, a body sketches infinate variation of animated drawings. The images are generated interactively through software designed especially for this work in Processing. As the body moves, it activates particles of a system which react, to a certain extent at random, by drawing figures onto the image. The video, then, is not the result of superimposing two different images but is self-generated, computerising the pixels from the video of the dance, each time in a different way.
Sandra ALVARO Roderick STEEL
(Brasil/Brazil) TRANSFIGURATION: A TELEMATIC TRYPTYCH TRANSFIGURACIÓN: UN TRÍPTICO TELEMÁTICO /03’08”/2012
PROGRAMA Nº 1
Tríptico de una intervención telemática en una catedral brasileña. Lo documental y lo teatral difuminan las fronteras entre los mundos reales y virtuales en un montaje fluido de fotograma sobre fotograma. La mirada itinerante del móvil crea un mapa del cuerpo de la catedral dentro de otro cuerpo, en comunión con los medios móviles de comunicación.
Martes 11 de Diciembre
PROGRAMME #1 Tuesday 11th December
Triptych of a telematic intervention in a brazilian Cathedral. Documentary and theatrical documentations blur borders between actual and virtual worlds in fluid frames-within-frames. The cell phone’s itinerant gaze maps the cathedral-body within another body, in communion with mobile modes of communication.
Sandra ALVARO Miguel Ángel CONCEPCIÓN (España/Spain) LAST SUPPER /03’ 14”/2012
Sandra ALVARO Iñigo Benito MOLINERO
Doce artistas son invitados para una próxima última cena en la que se van fusionando o metamorfoseando unos con otros. Y como si de Savonarola se tratara, el fuego arde en cada uno de ellos. Una crítica a la religión frente a la inteligencia, el arte y los últimos tiempos.
(España/Spain) SIGNAL_LOST /04’ 49”/2012
Twelve artists are invited to a last supper in which they fuse and metamorphose into each other. As if a Savonarola theatrical, a bonfire burns within each of them. A criticism of religion set against intelligence, art and modernity. 24
Pieza audiovisual creada por medio de metraje encontrado y técnicas de corrupción de datos de vídeo en torno a los problemas de “conectar” modernos, la identidad ciborg y el laberinto de la ciudad.
Audiovisual piece created from found footage and video data corruption techniques, dealing with modern-day issues of ‘connecting’, cyborg identity and the labyrinth city.
25
Sandra ALVARO Ulf KRISTIANSEN
SandraLUSTYCH Jarek ALVARO
(Noruega/Norway) I FEEL YOU - TE SIENTO /05’ 14”/2010 Un escalofriante relato poético acerca de la obsesión, el terror y la muerte. A chilling poetic tale about obsession, horror and death.
Sandra ALVARO Matías MONTARCÉ
(España/Spain) EL PROCESO - THE PROCESS /15’00”/2012 Reflexión personal en tono crítico sobre alguno de los aspectos que nos afectan actualmente a nivel social, económico y cultural, entre los que se destacan el lento resurgir de la pobreza, la falta de oportunidades laborales o el retroceso progresivo y generalizado en sectores como la sanidad, la educación o la cultura. Dejando una puerta abierta al cambio positivo basado en la semilla que germina en la respuesta social.
A personal, critical reflection on some of the issues currently affecting us at a social, economic and cultural level. Among them, particular attention is paid to the slow resurgence of poverty, the lack of employment opportunities or the gradual, generalised slide in sectors such as health, education or culture. The door is left open for positive change based on the seed germinating within society’s common response.
Sandra ALVARO Jonathan DESJARDINS
(Canada) VARIATIONS FLEXIONNELLES EN TROIS MOUVEMENTS – VARIACIONES FLEXIBLES EN TRES MOVIMIENTOS /02’ 18” Variations Flexionnelles son estudios en escritura sonora y esta pieza es un vi-deo animación creado a partir de una serie de dibujos realizados para Variations Flexionnelles 3, 4, y 5. Es una investigación morfológica del movimiento, especifico a esta manera de escribir. Cada movimiento se construye sobre el scroll de una serie secuencial, cada uno hecho a partir de una partida de escritura distinta. La posibilidad de doblar crea, en primer lugar, un desfase acústico entre los elementos repetitivos únicos a cada movimiento y, segundo, entre los mismos movimientos. Nos permite entrever la resonancia espaciotiempo que ya se pudo oír.
26
Variations flexionnelles are studies of sound writing. Variations flexionnelles en trois mouvements is an animated video made from series of drawings done for Variations flexionnelles 3, 4 and 5. This serial connection is a morphological study of movement specific to this type of writing. Each movement is built on the scroll of a sequential series, each of which is constructed from a distinct writing proceed. The possibility of bending that create firstly, the phase shift between the repetitive elements unique to each movements, and secondly, between those same movements. It gives us a glimpse of the space-time resonance that could be heard.
(Polonia/Poland) GOD LOVES THREESOME *RUSSIAN PROVERB – DIOS AMA LOS TRIOS *PROVERBIOS RUSOS /0’ 30” loop/2012 La película pretende juntar conceptos violentamente opuestos, originarios de sistemas de creencias comunes. Tiene una calidad hipnótico, como de sueño, con la intención de recordar nuestro anhelo por ese mismo objetivo. This is my attempt to unit violently opposet concepts from common systems of beliefs. It has a dreamlike or hypnotic quality, designed to suggest our longing to achieve this aim.
Sandra Jose Manuel ALVARO SEGUÍ
(España/Spain) IL SOGNO DELLA RAGIONE – EL SUEÑO DE LA RAZÓN /05’ 20”/2010-2012 Reflexión sobre la naturaleza del monstruo a partir de la obra de GOYA. Imagen real, animación 2D, collage. Reflection on the nature of the monster, based on Goya’s work. Real images, 2D animation and collage.
Sandra ThomasALVARO LORENZ
(Austria) BROKEN LAND - TIERRA ROTA /03’ 35”/2012
Tierra Rota es una simulación interactiva en tiempo real que desarrolla un paisaje virtual en tres dimensiones reactiva a la música; su fin es crear una obra que va mas allá que un juego de formas y colores puramente abstracto. La pieza muestra algo que se podría entender como un paisaje en evolución continua, un “otro espacio” lleno de movimiento que transmite una sensación de familiaridad y extrañeza al mismo tiempo.
Broken Land is an interactive realtime simulation that develops a virtual, three dimensional scenary which reacts to the music in real-time and aims to create a visual that goes beyond a purely abstract play of forms and colours. The work shows something that one could understand as a landscape in constant change, an “other space” which is full of motion, conveying a sense of familiarity and strangeness at the same time.
27
Sandra ALVARO Paul O’DONOGHUE
(Irlanda/Ireland) PRETTY IN PINK – BONITA EN ROSA /04’ 41”/2012 Música visual formada por elementos creados a base de tecnologías analógi-cas, donde los componentes, tantos sonoros como visuales, se generaron de forma simultánea. La frecuencia en forma visible; todos los contenidos visuales mantienen los sonidos que los engendraron. Luego, estos fragmentos se re-organizaron para crear una composición audiovisual. Lo que oyes es lo que ves.
Visual music comprised of elements created using analogue technologies, where both audio and visual components were generated simultaneously. Frequency transformed into visible form, all the visual parts retain the sounds that created them. These fragments were then digitally rearranged to create a rhythmic audio/visual composition. What you see is what you hear.
Sandra ERGEN Volkan ALVARO
(Turquía/Turkey) HAMADRYAD /04’ 59” ella es un genio ella es una dríade ella es una hamadríade siempre está enamorada del todo besándose con el gigante en lo obscuro cansada de identificar su soledad cubriendo el mar desmalezado del bosque con todas las joyas dentro de los ojos donde follan las dríades en los sueños de las mariposas nuestros hijos sólo están hechos de luz recorriendo los frágiles órganos por encima de mí.
she is a djinn she is a dryad she is an hamadryad she is in love all an over kissing with the giant in the small tired of identifying her loneliness covering the sea weeded arms of the forest with all the jewelry within the eyes where dryads are fucking in the dreams of the butterflies our children are only made up of light going around the fragile organs above me.
Sandra ALVARO Diego SERAFINI
(Argentina) DEBTS - DEUDAS /01’ 39”/2012 Cámara fija hacia un plano blanco, comienzan a caer balas, las cuales, van manchando el plano de un color rojizo a forma de sangre, cuando terminan de conformar la imagen hay un leve corte, y por último caen monedas y finaliza el video.
Sandra ALVARO Salome MC
(Japón/Japan) AQUAPHOBIA /01’ 24”/2012 Aquaphobia supone un miedo al agua más allá de lo que el paciente es capaz de controlar y que puede condicionar su día a día. El agua cubre el 70,9% de la superficie de la tierra y es esencial para todas las formas conocidas de vida.
A static shot towards a white background. Bullets start to fall, staining the area blood-red. When the image is formed there is a short cut; finally, coins drop and the video comes to a close.
Aquaphobia is a fear of water beyond the patient’s control, which may interfere with their day to day. Water covers 70.9% of the Earth’s surface, and is vital for all known forms of life.
Sandra SRETENOVIC ALVARO Miroslav
(Serbia) SPRINGBOARD - TRAMPOLÍN /05’ 25”/2012 Procesamiento en tiempo real de imágenes en 3D, paisajes sonoros de música electrónica en directo, toques de glitch y ruidos discretos. Un proyecto audiovisual desde Belgrado, creado por el artista sonoro y productor, Springboard y el artista de video, Incredible Bob. Realtime rendering 3D visuals live Electronic music soundscapes, glitchy pasajes and discrete noises by Springboard, an AV project from Belgrade, formed by sound artist and producer Springboard and video artist Incredible Bob. 28
Sandra Roland ALVARO QUELVEN
(Francia/France) ROJA CATHARSIS /01’ 00”/2012
La catarsis describe el resultado de las medidas tomadas para limpiar la culpa de sangre. “La sangre se purifica con la sangre.” Walter Blanket. Catharsis describes the result of measures taken to cleanse away blood-guilt. “Blood is purified through blood” Walter Blanket.
29
PROGRAMA Nº 2 Martes 11 de Diciembre
PROGRAMME #2
Sandra Jym DAVIS ALVARO
Tuesday 11th December
(EE.UU/USA) DARK SURFACE - SUPERFICIE OSCURA /05’00”/2012
Sandra ALVARO Ana Rodríguez LEÓN
(España/Spain) LA MÁQUINA ESPIRITUAL - THE SPIRITUAL MACHINE /19’ 00”/2012 Un viaje hipnótico hacia el interior del ser humano y el profundo misterio que alberga en su interior. Un misterio lleno de belleza y de potencial destructivo. La enfermedad, entendida como posible colisión entre las facetas emotivas, cerebrales y corpóreas del ser humano, revela su poder en tanto que herramienta de introspección y autoconocimiento.
A hypnotic journey, delving inside the human being, unveiling the profound mystery hidden within. A mystery replete with beauty and the potential to destroy. Illness, understood as a possible collision between the emotive, cerebral and bodily facets of the human being, reveals its power as a tool for introspection and selfdiscovery.
Superficie Oscura es una meditación abstracta sobre la creación y/o resurrección de la vida en un planeta desolado, yerma; forma el segundo acto a la obra de video, White Space. La película ofrece muy pocas pistas al espectador en cuanto a la interpretación de su significado, centrándose en ofrecer una experiencia sensorial: texturas, sonidos, ritmos y movimiento. Se puede detectar la influencia de David Lynch además de la música repetitiva de compositores minimalistas como Philip Glass o Steve Reich.
Dark Surface is an abstract meditation on the creation and / or resurrection of life on a desolate baron planet. Dark Surface is a the second act to video art piece White Space. The film offers very little to guide the viewer’s interpretation of meaning, instead focusing on a sensory experience: textures, sounds, rhythms, and movement. Influences of David Lynch as well as the repetitious music of minimalist composers Philip Glass and Steve Reich can also be seen.
Sandra Paco GRAMAJE ALVARO
(España/Spain) INSIDE VAN GOGH DREAMS /02’ 57”/2012
ALVARO LizSandra RODDA
Video danza: “Anoche soñé con una bailarina...y bailó para mi toda la noche” (Vincent Van Gogh Septiembre 1868)
(EE.UU/USA) CUT - CORTE /02’ 45”/2012 Corte presenta dos videos en paralelo: una serie de sonidos provenientes de animaciones encontrados en crecimiento muscular, junto con un video que muestra el giro infinito de un diamante.
30
Video dance: “Last night I dreamed of a dancer...and she danced for me all night.” (Vincent Van Gogh, September, 1868)
Cut pairs two videos side-by-side: a series of sounds of found muscle growth animations with a video of an infinitely spinning diamond.
31
Sandra Fabio ALVARO SCACCHIOLI - Vicenzo CORE
(Italia/Italy) MISS CANDACE HILLIGOSS’ FLICKERING HALO El HALO PARPADEANTE DE LA SEÑORITA CANDACE HILLIGOSS /13’ 30” “The Beginning” es una película del cine negro americano de los principios de los 60: imágenes destripadas, torturadas o “detournadas” se organizan en unas estructuras precarias en proceso de evolución; se entremezclan en múltiples y retorcidas narrativas en un estado permanente de colapso. El objetivo es provocar la explosión de un sistema cerrado por medio de un bombardeo de implosiones audiovisuales. Olvídate de lo que ves en la película; empápate en una vibrante herencia visual. El Halo Parpadeante de la Señorita Candace Hilligoss trata ese intervalo que, de forma simultanea, separa y unifica; el silencio entre las palabras, el negro que divide una imagen de otra. Es una película en contra de los opuestos dialécticos en el cine, montado según la teoría de la incertidumbre de Heisenberg, utilizando el fenómeno de la persistencia retiniana como herramienta expresiva.
Sandra ALVARO Bakary DIALLO
(Francia/France) TOMO /07’ 00”/2012 La historia de un territorio abandonado por la guerra y un personaje perturbado por su experiencia subjetiva de la violencia.
The Beginning is an American film noir from the early 60s: disemboweled, tortured and “detourned” images organize themselves into precarious and evolving structures, intertwined in multiple, twisted plots in a state of permanent collapse. The aim is to incite the explosion of a closed system through a battery of audiovisual implosions. Forget what you see while you are actually watching it, and soak in a vibrating, optical ancestry. “Miss Candace Hilligoss’ Flickering Halo” is about the interval simultaneously separating and uniting, the silence between words, the black between pictures. It’s a film against the dialectical opposites in cinema, assembled according to Heisenberg’s uncertainty principle and the use of the phenomenon of retinal persistence as an expressive tool.
The story of a territory deserted because of war and a character disturbed by his subjective experience of violence.
SandraFernández Pablo ALVARO PUJOL - Miguel Ceballos
(España/Spain) CIBERPÁJARO (Párte I) - CYBERBIRD (Part I) /02’ 27”/2012
Sandra ALVARO Alessandro AMADUCCI
(Italia/Italy) ANATOMY THEATER - TEATRO ANOTÓMICO /03’ 30”/2012 Un drama teatral, interpretado por actores anatómicos. Theatrical drama with anatomical actors.
32
Ciberpájaro plantea desde la metáfora artística una reflexión sobre la metamorfósis y los procesos de transformación como elementos necesarios para readaptarse a un entorno en continuo cambio. A través de un personaje mutante, entre lo mecánico y lo orgánico, se activa un viaje virtual que utilizará al protagonista como vehículo para recorrer diferentes situaciones, en distintas etapas, dentro del mapa europeo. La pieza está realizada en stop motion, utilizando una escultura articulada; ésta, se inserta en un entorno prácticamente desértico, apocalíptico, que amplifica junto al sonido, el sentido inquietante de la historia.
From an artistic metaphor, Cyberbird proposes a reflection on metamorphosis and processes of transformation as elements that are essential in order to readapt to an ever-changing environment. Through a mutant mechanicalorganic character, a virtual journey is begun; the main character is used as a vehicle to travel through different situations, in different eras, within the map of Europe. It is a stop-motion piece, using an articulated sculpture, inserted within a practically deserted, apocalyptic environment which, along with the sound, amplifies history’s disturbing message. 33
PROGRAMA Nº 3
Miercoles 12 de Diciembre
PROGRAMME #3
Sandra ALVARO Isabel PEREZ DEL PULGAR
Wednesday 12th December
TAXONOMÍA 5 - TAXONOMY 5 /04’ 29”/2012 Éste trabajo es una pieza integrante de la serie “Proyecto Taxonomía”, compuesto de 5 vídeos y una serie fotográfica. La definición del término Taxonomía viene dada como el estudio de las relaciones de parentesco entre los organismos y su historia evolutiva. Más allá de su definición dentro de un marco de de ordenamiento y clasificación científica, la autora plantea la relación existente entre el cuerpo como elemento orgánico y sus diversas realidades. Realidades fracturadas a modo de espejos en los que se refleja la imagen subjetiva. Subjetividad dependiente de la percepción individual, de la propia naturaleza frágil y efímera de la estructura orgánica que arma el cuerpo y la comunicación establecida de manera directa con la conciencia. Paralelamente el tener conciencia y conocimiento, tanto consciente como inconscientemente, de la finitud, la decadencia; en definitiva la idea de la muerte y su negación.
SandraRodriguez David ALVARO GIMENO
(España/Spain) DEVELOP/MOVEMENT Nº1 /03’00”/2011 This work forms part of the Taxonomy Project, made up of five videos and a photo series. ‘Taxonomy’ is defined as the study of links between organisms and their evolutionary history. Beyond this definition, within a framework for scientific classification or management, the artist addresses the relationship between the body, as an organic element, and its diverse realities. Fractured realities, mirrors that reflect a subjective image. Subjectivity dependent on individual perception, on the fragile and ephimeral nature of the body’s structure and direct communication with one’s consciousness. At the same time, awareness and knowledge – both conscious and unconscious – of the finite, of decadence. In short, the idea of death and its denial.
Proceso de recorrido en el paisage condicionado por la proyección de la geometría cartesiana en el lugar donde ésta se transforma en concéntrica. Reconstrucción de la memoria faccionda del recorrido. Pieza grabada en la Antártida.
The process of travelling across terrain conditioned by the projection of Cartesian geometry at the point where the landscape becomes concentric. A reconstruction of the fractioned memory of this journey. Filmed in Antarctica.
H.D. MOTYL Sandra ALVARO
(EE.UU / USA) NUDES DESCENDING A STAIRCASE #2 – DESNUDOS BAJANDO LAS ESCALERAS Nº2 /03’ 50”/2010 La pieza es un video-homenaje a la obra seminal de Marcel Duchamp, Desnudo Bajando una Escalera #2, al igual que la obra de Michael Somoroff: Query (2004). Las imágenes de siete hombres bajando una escalera son fracturadas, deconstruidas y montadas de nuevo en el espacio y el tiempo. Con este procesamiento de imágenes surgen cuestiones acera de la desnudez y la belleza masculina, mientras la banda sonora subraya todo con sonidos/ruidos creados a base de ‘encontrados’ sonoros.
34
The work is a video tribute to Marcel Duchamp’s seminal painting, Nude Descending a Staircase #2, joining that already made by Michael Somoroff: Query (2004). The images of seven descending men are fractured, deconstructed and reassembled in time and space. This processing of the images evokes questions about male nudity and beauty, as the soundtrack underscores it all with sounds/noise created with ready-mades.
35
Sandra ALVARO CAPARRÓS Miguel Maldonado
(España/Spain) A PLACE IN THE SUN /03’53”/2012
SandraMeliveo Victor ALVARO NOGUES
(España/Spain) NEUKÖLLN BERLIN WAKE UP DANCE /04’ 30”/2011 Esta pieza de videodanza nos traslada a un terreno medio entre lo mental y lo físico, lo anímico y lo tangible. El cuerpo como vía de comunicación, sin palabras, repleto de emociones y sensaciones, donde cada símbolo cobra vida y se hace material. Los sentidos y el intelecto forman uno, para poder leer una historia argumental tan abstracta como el mismo corazón humano.
Inspirada en un texto Walt Whitman, esta videocreación pretende evocar sensaciones acerca de la evolución y existencia del ser humano como animal casual en el universo. Inspired by a Walt Whitman text, this videocreation aims to evoke feelings around evolution and the human being’s existence as a chance animal in the universe.
This video-dance piece transports us to a midway point between the mental and the physical, the emotional and the tangible. The body as a means of communication, without words, brimming with feelings and sensations, where each symbol comes to life, becomes something material. Senses and intellect fuse in order to read a plot as abstract as the human heart itself.
Sandra ALVARO Sonia ARMANIACO
(Italia/Italy) TALE OF SUSPENSUS SERIE - CUENTO DE SUSPENSUS SERIE /04’ 54”/ 2011-2012 Cuento # 5: Miniserie La Prolongación de la Vida 2 Oxitocini. Soneto 47. Tale # 5: Miniserie Life Extension 2 Oxitocini. Lecture Sonnet 47.
Sandra ALVARO LUCAS Marta Azparren
(España/Spain) TRACTO - TRACT /04’ 58”/2012
SandraGarcía ALVARO Alfredo BARROSO
(España/Spain) THE PERFECT HUMAN BOMBAY REMAKE /02’ 24”/2009 Esta pieza es un ejercicio de indagación audiovisual en torno a lo natural y lo sintético en la obra de Jorgen Leth. This piece is an audiovisual inquiry on the natural and the synthetic in the work of Jorgen Leth.
36
Tracto es la imagen de un lugar inerte que, al ser tocado, se transforma en centro orgánico, confluencia de lo seco y lo húmedo, de lo perfecto y lo palpitante, de lo calculado y lo imprevisible. Es el viaje por un interior preservado, el recorrido por la oscura gruta de cuyos orificios surge la respiración, el aliento y el ruido, en definitiva, la endoscopia en el interior de un saxofón bajo.
Tract is the image of an inert place which, when touched, becomes an organic centrepoint, a melting pot of dry and wet, perfect and palpitating, calculated and unpredictable. It is a journey within a preserved interior, a voyage through the dark grotto whose openings are outlets of gasping, breath and noise. In short, an endoscopy inside a bass saxophone.
37
SandraGASGONIA ALVARO Joaquín
Sandra Bo LEE ALVARO
(Corea del Sur/South Korea) DIVINE NATURE OF MOTHER AND HER SINS WITHIN LA DIVINIDAD DE LA MADRE Y LOS PECADOS QUE LLEVA DENTRO /02’ 30”/2010
(Filipinas/Philippines) BANIG /17’ 04”/2010 La esterilla de dormir utilizada en el sur-este de Asia, el banig, es un lugar para relaciones sociales, tanto productivas como contradictorias, que trasciende las costumbres culturales específicos. Es un punto de enfoque para las inversiones humanas de carácter universal, en lo emocional o lo material, y para la estética de la relajación, la procreación y el cuidado de los niños. Además, su utilización principal como cama o alfombra lo vincula con eventos sociales de mayor envergadura: ritos de la comunidad, espectáculos públicos y entierros. De ese modo el banig cumple numerosas funciones de forma simultanea. Un complemento textil sencillo y frágil que asume una variedad de sentidos que abarcan las preocupaciones humanas más comunes; la identidad, la forma de vivir y la predestinación.
Joas Sandra Sebastian ALVARONEBE
The Southeast Asian sleeping mat or banig, is a site of contesting/productive social relations that transcends particular cultural conventions. It is a venue for universal human investments in the emotional or material, and the aesthetics of relaxation, procreation, and nurturing. Its prevalent use as bedding or floor covering also associates it with larger-scale social occasions: community rituals, public spectacles and burial rites. The banig thus fulfils several roles simultaneously; a simple, otherwise fragile piece of furnishing which takes on a range of meanings covering broader human concerns, such as identity, way of life and predestination.
(Alemania/Germany) THE PROVERB PICTURES - LAS IMAGENES PROVERBIO /23’ 00” 1.Pep Talk Picture – 1.Palabras de Ánimo /01’ 57”/2012 Las Imagenes Proverbio componen 6 videos artísticos que analizan la naturaleza independiente de las palabras o frases y las fantasías del que habla o escucha. El cineasta se deja absoluta libertad de interpretación, combinando las imagenes con las palabras en un estilo dadaísta. Palabras de Ánimo es una composición audiovisual acerca de las frases utiliza-das para levantar la moral, por ejemplo con las charlas pre-partido en el deporte.
“El mundo: una forma bellísima arrollada por la materia humana que la satura.” En un principio, se trataba más de la forma y el movimiento, pero cuantas más capas se añadió, más se da cuenta de que estas acciones sólo sirven para despojar la esencia de la obra. Los trocitos de metraje incorporados sólo dañan y, al final, cambian el sentido del video.
“A world: a beautiful form overwhelmed with human materials that saturate it.” In the beginning, it was more about form and movement but the more layers added, the more one can realize that these actions only strip away the essence of the piece. The incorporated bits of footage only damage and eventually change the meaning of the video.
Sandra PascualALVARO Pau GALBIS
(México) LA LLET SIGMOIDE (LA LECHE SIGMOIDEA) /04’ 35”/2011
La catártica fuerza láctica contra la angustia y las obsesiones de los oscuros sueños del devenir animal. El vídeo es en cierto modo como una liberación novaliana de las pesadillas que nos atormentan. Traumas y sollozos desfilan en un ambiente fetichista con sonidos despiadados. La mente humana es como un templo sagrado e inmortal donde se entretejen los sueños, los temores y los deseos.
Cathartic, lactic strength against the anguish and obsessions in the dark dreams of the ‘becoming-animal’. To a certain extent, the video represents a Novalis-style liberation from the nightmares which torment us. A procession of traumas and weeping within a fetishistic atmosphere of pitiless noise. The human mind is like a sacred and immortal temple, a closewoven fabric of dreams, fears and desires.
The proverb pictures are a collection of 6 fine art videos that analyse the independence of words and phrases and fantasy of the speaker/ receiver. The film maker uses complete freedom of interpretation by combining images with words in a dadaesque manner. Pep Talk Picture is an audiovisual composition of the subject of pep talk phrases used e.g. in sport. 38
39
Sandra ALVARO Albert MERINO
(España/Spain) LA SOMBRA DE LOT - LOT’S SHADOW /06’ 29”/2010 Una reflexión visual sobre las formas de habitar (a través de los gestos) un espacio vacío. Un mismo personaje encarna a la vez diferentes roles antagónicos desarrollando una mímica a base de movimientos lentos y expresivos. A través de ellos, el espacio se transforma en una sucesión de estados anímicos, a menudo inquietantes y turbadores. Esta pieza toma como referente algunos pasajes del teatro de la crueldad de Antonin Artaud, dando una forma visual a algunas de las ideas contenidas en el texto.
A visual reflection on the means of inhabiting an empty space through gestures. The same character takes on different, contrasting roles and develops a mime based on slow, expressive movements. The space is thus transformed into a succession of moods, often disturbing or alarming. Certain passages from Antonin Artaud’s ‘Theatre of Cruelty’ were used as a starting point for this piece, which gives a visual form to some of the ideas contained within that text.
PROGRAMA Nº 4
Miercoles 12 de Diciembre
PROGRAMME #4
Sandra Bret BATTEY ALVARO
(Reino Unido/U.K.) CLONAL COLONIES - LAS COLONIAS CLONALES I.Fresh Runners - I.Primerizos /06’ 50”/2011 El primer movimiento de Las Colonias Clonales (Primerizos) es un juego de texturas entremezclados, veloz y emocionante por el proceso de transforma-ción en sí. Estratos Blandos, el segundo movimiento, empieza con una simpli-cidad casi infantil, a partir de la cual una serie de suaves cambios culminan en una interjección no tan suave. Una colonia clonal en un grupo de plantas geneticamente idénticas y es análoga a los algoritmos utilizados para crear la música. Se puede entender cada frase musical como la disposición de una planta. Todos los componentes instrumentales comparten el mismo ‘código genético’ subyacente, pero cada uno ejerce una influencia y se deja influenciar por los demás. El video lleva aún más lejos mi tecnica de manipulación algorítmica ‘Brownian Doughnut Warper,’ con la incorporación de unas curvas spline tipo Bézier entre los puntos, el control de la camera y las rutinas de post-proceso. Las formas complejas que surgen de las lineas entre los puntos son otra analogia con las colonias clonales botánicas.
The first movement of Clonal Colonies, Fresh Runners, is a fast romp of densely interlocked textures, thrilling in the process of transformation itself. The second movement, Soft Strata, starts with an almost childlike simplicity, from which a series of gentle elaborations culminate in a not-so-gentle interjection. “A clonal colony” is a group of genetically plants and is analogous to the computer algorithms used in the creation of the music. Each musical phrase can be thought of as the disposition of a single plant. All instrumental parts share the same underlying “genetic code”. But each instrumental behaviour influences and is influenced by the others. The video element extends my previous Brownian Doughnut Warper technique of algorithmic manipulation of points by adding Bézier splines between points, camera control, and post-processing routines. Complex patterns arising from the lines between points forms a further analogy to botanical clonal colonies.
Wednesday 12th December
SandraCABRERA Laura ALVARO y Sira CABRERA
Sandra ALVARO Carlos Sedeño ROMERO “DRIPP”
(España/Spain) SYMMETRIC ASYMMETRIC /09’ 23”/2012 Symmetric Asymmetric muestra mundos posibles, muchos de los cuales tendrían que diferir entre sí únicamente por detalles irrelevantes. Se utilizan composiciones simétricas dotando al lenguaje visual amplitud y dinamismo, que han sido compuesta específicamente para la pieza audiovisual creando la simbiosis entre el lenguaje visual y musical. 40
Symmetric Asymmetric shows possible worlds, many of which differ from each other only in irrelevant details. The visual language gains amplitude and dynamism through the use of symmetrical compositions specifically composed for the audiovisual piece, creating a symbiosis between the visual and the musical.
(España/Spain) DESHABITARSE - SELF ABANDONMENT /03’ 21”/2012 En “Deshabitarse” una mujer va perdiendo densidad espiritual y física, se desdobla, se superpone, se enreda, se fragmenta, se pulveriza, y se transforma. El sonido está entre el canto y el aullido. Es una alarma para estar atentos contra la banalización de la vida, para no deshabitarnos.
In Self Abandonment, a woman gradually loses spiritual and physical solidity, she splits in two, is superimposed, becomes tangled, fragmented, pulverised, transformed. The sound, somewhere between song and howling, is an alarm, a warning to be alert against the trivialisation of life, against self-abandonment.
41
Sandra Eleonora ALVAROMANCA
(Italia/Italy) SING THE BODY ELECTRIC_BORDER SKIN YO CANTO AL CUERPO ELECTRICO_PIEL FRONTERIZA /03’ 49”/2012 El proyecto parte del título de un poema de Walt Whitman y se centra el tema del cuerpo humano como frontera. Una frontera entre la piel, la figura y el espacio. Se considera el cuerpo como un lenguaje dónde el ser que cuenta y el ser contado se solapan, que se revela a través de la percepción del espacio fusionado con la piel del artista.
The project starts from a line by Walt Whitman, and revolves around the topic of the body meant as a border. A border between skin, frame and space. The body is dealt with as it were a language in which the telling self and the told self overlap, and it reveals itself through the perception of space merged with the artist’s skin.
Sandra ALVARO- Moon RIBAS Neil HARBISSON
Sandra ALVARO Vincent CICILIIATO
(Francia/France) ORDINARY COMPULSIONS - COMPULSIONES COTIDIANAS /18’ 10”/2011 Un personaje a lo lejos, en un lugar oscuro y vació. Entra en primer plano, nervioso, como si su ropa le diera vergüenza. Enseguida aparece una silla: un primer objeto con el cual nuestro sujeto puede interactuar. Allí empieza la ex-traña historia de un cuerpo solitario, aislado y independiente que lucha con sus compulsiones interiores, y un territorio enigmático, poblado de objetos-actores: una silla, una puerta, un perchero, un fregadero... Cada personaje es la personificación de una compulsión especifica (de comprobar, lavarse, rascarse etc) en el proceso de invadir un espacio que se va haciendo más pequeña y limitada. A través de los movimientos repetitivos se monta una maquina peculiar, absurda y cada vez más aterradora.
A character in the distance, in a dark empty space. He comes to the foreground, agitated, as if embarrassed by his clothes. Then a chair appears: a first object with which the subject can make contact. Here begins a strange history of a lonely, isolated and independent body, grappling with it inner compulsions and an enigmatic territory populated with actor-objects: a chair, a door, a coat rack, a sink… Each character is a specific compulsion personified (checking, washing, scratching, etc.), invading a space that is becoming more limited and constrained. A strange machine is set up with repetitive movements, absurd and increasingly frightening.
(España/Spain) WALKING COLOURS /03’44”/2012 Walking Colours es un plano secuencia donde la intérprete baila movimientos mecanizados y repetitivos que se van transformando a medida que los objetos van siendo dados a la intérprete. El sonido viene dado a partir de la peculiaridad de Neil Harbisson, que sólo ve en blanco y negro pero lleva un aparato cibernético instalado en la cabeza que le transforma los colores en notas. Ésta pieza de videodanza está basada en su personal sistema, ya que cada nota que se oye es el color del objeto que aparece. A partir de ahí, Neil ha compuesto una melodía, creando así una unión y relación directa entre sonido y coreografía.
42
Walking Colours is a long take where the performer dances mechanised, repetitive movements which are transformed as objects are given to him. The sound originates in a peculiar characteristic of Neil Harbisson himself; he only sees in black and white but has a cybernetic device installed in his head which transforms colours into notes. This video-dance piece is based on his personal system, given that each note represents the colour of the object which appears. From there, Neil has composed a melody, so creating a direct link between sound and choreography.
Sandra ALVARO Michael SZPAKOWSKI
(Reino Unido/U.K.) SHIT HAPPENS IN VEGAS ASÍ ES LA PUTA VIDA EN LAS VEGAS /03’ 47”/2012 El video acompaña una pieza de un proyecto de remix dónde el artista se puso el reto de participar en un concurso de remixes cada mes durante un año, desde agosto del 2012 hasta julio del 2012. A video to accompany a piece from a year long remix project, where Ithe author undertook to enter a remix competition every month between Aug 2011 and July 2012.
43
Sandra RyoALVARO IKESHIRO
(Reino Unido/U.K.) CONSTRUCTION IN ZHUNGZI CONSTRUCCIÓN EN ZHUNGZI /09’ 51”/2011 Construcción en Zhungzi es, de forma simultánea, una sonificación y una visualización de un sistema dinámico Lorenz, un modelo de convección no-linear, caótico y sensible a las condiciones de partida. Se implanta en Max/MSP/Jitter. La actuación se lleva a cabo como una improvisación, una modificación de los parámetros de este sistema dinámica, dónde las interacciones humanas se indican por inversiones instantáneas de color. Esta obra audiovisual generativa, en tiempo real, establece un bucle de retroalimentación perpetua entre esos dos elementos por el “efecto mariposa” y el comportamiento que va mostrando el sistema dinámico. Se obtienen resultados interesantes de audio – bien como señales en la síntesis non-estándar o controles tal y como el ritmo, el tono y la panoramización (no se utilizó ningún sample pre-grabado, ni osciladores convencionales, menos las ondas sine) – además del visual OpenGL 3D. Como las dos son representaciones de la misma fuente de data, se mantiene la coherencia entre ellas sin que ninguna se subordinada a la otra. La imágenes no nacen del audio, ni viceversa, como suele ocurrir. El resultado es una actuación audiovisual integrada, en tiempo real, generativa, interactiva e improvisada en directo.
PROGRAMA Nº 5 Jueves 13 de Diciembre
PROGRAMME #5 Thursday 13th December
44
Construction in Zhungzi is a simultaneous sonification and visualisation of a modified Lorenz dynamical system, a three-dimensional model of convection that is nonlinear, chaotic and sensitive to initial conditions. It is implemented in Max/MSP/Jitter. A performance takes the form of an improvisation involving the modification of parameters of the dynamical system, these human interactions being indicated by momentary colour inversions. The real-time, generative audiovisual establish a perceptual feedback loop between these two elements due to the “butterfly effect” and the emergent behaviour of the dynamical system. Interesting results are obtained as audio, either as signal data in nonstandard synthesis or control such as rhythm, pitch and panning (no prerecorded samples or conventional oscillators are used apart from sine waves) and as OpenGL 3D visual. Being representations of the same data source, coherence between these two domains are maintained without either being subservient to the other as it is neither the audio triggering the visuals nor vice versa as is often the case. The outcome is an integrated audiovisual, real-time, generative, interactive, and improvised live performance.
Sandra Lisi PRADA ALVARO
(España/Spain) HAIKU TIME /05’ 07”/2012 Una metáfora de supervivencia, en este decadente fin de la historia, que descree de la tradicional separación entre naturaleza y cultura, entre lo humano y lo que no lo es, entre lo masculino y lo femenino, entre nacionalidades e idiomas [incluyendo otros lenguajes como el poético o el de la ciencia] y que propone abolir las fronteras de lo que nos aleja del otro y de lo otro en favor de lo que nos une y que cuestiona la alienación de la vida actual en las ciudades, donde nos perdemos a nosotros mismos tratando de ganar tiempo. Presentado como un vídeo-haiga**, estas imágenes acompañan un haikú precedido por un texto poético que es recitado de forma simultánea en inglés y alemán. Algunos versos se escuchan como un coro también en japonés, noruego, italiano, portugués o español, enfatizando que lo que se relata le sucede a cualquiera, en cualquier lugar. ** El haiga es un estilo de pintura del que derivan los haikús, cuya estructura poética presenta tres versos de 5-7-5 moras, de ahí la duración del vídeo: 5 min. 7 seg. 5 mseg. Se fundaban en observaciones simples y profundas de la vida cotidiana y en imágenes poéticas entre las que aparecía con frecuencia la luna y referencias a la naturaleza.
A metaphor of survival, at this decadent end of time, which disputes the traditional separation between nature and culture, human and non-human, masculine and feminine or nationality and language (including other languages such as the poetic or scientific). It proposes abolishing the frontiers which distance us from others, and from what is different, in favour of that which unites us. It questions our modern-day lifestyle, which leaves us alienated or lost in our attempts to save time. Presented as a haiga-video** these images accompany a haiku, preceded by a poetic text recited simultaneously in German and English. Some verses are also heard as a chorus in Japanese, Norwegian, Italian, Portuguese or Spanish, emphasising the fact that what is narrated could happen to anyone, anywhere. ** Haiga is a style of painting derived from Haiku, whose poetic structure is three verses with 5,7 and 5 syllables respectively. This explains the video’s duration: 5 minutes, 7 seconds, 5 milliseconds. Haiga were based on simple but profound observations about everyday life and poetic images, among which the moon or references to nature were a common feature.
Sandra Alba SOTO ALVARO
(España/Spain) CUENTOS CÍCLICOS DE ESTERNÓN CYCLICAL TALES OF THE STERNUM /04’ 47”/2012 Cuentos Cíclicos del Esternón es una recopilación de imágenes ligadas a sensaciones provenientes de la ansiedad consciente. Para asumirla, aceptarla y respetarla, la única salida fue visualizarla, imaginando, a modo de meditación, los elementos y el movimiento que habitaban en mi interior. Cyclical Tales of the Sternum is a compilation of images linked to feelings of conscious anxiety. To assimilate, accept and respect this anxiety, the only option was to visualise it; imagining, as a kind of meditation, the elements and movement which inhabit my own interior. 45
Sandra ALVARO Miss ENABYME
(Alemania/Germany) GROTESQUERÍA /06’ 40”/2011 Se construye un cuerpo, pieza por pieza. Una vez hecha la nueva identidad, entra en erupción, se hace añicos, imágenes fracturadas. El ojo, que anhela el recuerdo de lo que una vez vio, inevitablemente intenta recomponer y corregirlas para conseguir un todo harmonioso. La metamorfosis continua implica dejar la identidad establecida. Re-interpretar lo tradicional y explorar los limites entre el arte y la tecnología son acciones claves en este video. Una coreografía para el cerebro y los ojos, al son de un zumbido monótono y una sección de cuerda repetitiva. La banda sonora de una lucha entre los distintos niveles del yo en una transformación sin fin.
A body is constructed piece by piece. Once the new identity is built, it erupts, explodes into fractured images. The eye, longing for the memory of what it once saw, inevitably tries to complete and correct them into a harmonious whole. Constant metamorphosis means letting go of established identity. Re-translating tradition and exploring the boundaries between art and technology is central to this video. Choreography for the brain and eyes set to a mechanical drone and repetitive strings. The soundtrack for a struggle between the different layers of self involved in endless transformation.
Sandra Beate ALVARO HECHER - Markus KEIM
(Austria) IN ABSENTIA-ECSTASYINSURRECTION EN ABSENTIA-ÉXTASIS-INSURRECCIÓN /10’ 00”/2012 En Absentia/Éxtasis/Insurrección es la reconstrucción cinematográfica de un performance que estaba previsto presentar en Damasco con artistas sirios. Por el empeoramiento de la situación política de siria en el 2011, no se pudo llevar a cabo la actuación tal y como se había pensado así que los dos directores decidieron representar la obra en el desierto egipcio, a 1.000km al sur-este de Siria y sin la participación de los artistas sirios. El resultado es una película que demuestra la fragilidad del cuerpo humano y la manera en la que las personas pueden desaparecer – como si fuesen espejismos – ante una precaria situación política.
In Absentia/Ecstasy/Insurrection is the cinematic reconstruction of a performance which was intended to be staged in Damascus together with Syrian artists. Because the political situation in Syria increasingly worsened in 2011, the performance never took place as planned. The two directors then decided to re-enact it in the Egyptian desert, 1000km southwest of Syria and in the absence of the Syrian artists. The result is a film that shows the fragility of a human body, and the mirage-like disappearance of humans in politically precarious situations.
Sandra ALVARO Gabriel SALINAS AGÜERO
GRRRRR! /03’ 36”/2012
En éste video nos introducimos en el pensamiento de un viajero de metro y sus alucinaciones sinestésicas a través de la música como discurso absoluto. Los pensamientos del protagonista se vuelven un caos psicótico al sincronizarse con el sonido y crean una experiencia abstracta única de sensaciones subjetivas. This video delves into the thoughts and synesthetic hallucinations of an underground passenger, using music as true discourse. As they synchronise with the sound, the protagonist’s thoughts turn into a psychotic chaos, creating a unique abstract experience of subjective sensations.
Sandra ALVARO KirsiMarja METSÄHUONE
(Finlandia/Finland) TRANSITION PROCESS - PROCESO DE TRANSICIÓN /05’ 00”/2012 Un collage de imágenes en movimiento sobre un fotógrafo y lo absurdo que es el mundo. Moving image collage of a photographer and the absurdity of the world.
Sandra Piotr KOTLICKI ALVARO
(Polonia/Poland) ARTERY - ARTERIA /01’ 36”/2012 Un video basado en la pintura, Hombre Saltando Por Encima, del mismo autor, que utiliza fotografías de una camera cualquiera, editadas como un pase de diapositivas y realzadas por la presencia de una banda sonora. Video based on the author painting “Man jumping over”, that use photos from regular camera, edited as slideshow, enhanced with soundtrack.
46
47
Jean-Michael ROLLAND
(Francia/France) NEONS MELODY - MELODÍA DE NEONES /03’ 03”/2011 Una obra audiovisual que trata el sonido y la luz generados por una lámpara de neón colocado en el techo. Audiovisual work on the sound and light generated by a neon ceiling lamp.
Diego RAMÍREZ (Australia) POLLY, JENNIFER AND MELISSA /04’ 31”/2011 Un andrógino con el nombre de Polly recuenta un episodio de ansiedad postcoital mientras Jennifer se confiesa con un sacerdote y Melissa posa coquetamente para el espectador. Parte sci-fi, queer y horror- Polly, Jennifer and Melissa es un video performance ambientado en el futuro que cuestiona nociones contemporáneas de genero y políticas de identidad.
The androgynous Polly narrates an episode of post-coital anxiety while Jennifer makes her confession to a priest and Melissa strikes flirty poses for the spectator. A mix of sci-fi, queer and horror, Polly, Jennifer and Melissa is a video performance set in the future, which questions contemporary notions of gender and identity politics.
SandraWARNER Danny ALVARO
(EE.UU/USA) APHASIA VOLUTIA /01’ 59”/2012 Al amanecer de la edad de la bio-tecnología, esta breve obra experimental indaga en lo que es nuestra estructura física desnudada. Maquinas biotecnólogicas minúsculas, nanoscopicas, laten con energía mientras escavan agujeros; zarcillos serpentean, silenciosamente cumpliendo sus tareas misteriosas dentro de un paisaje corporal de porosa materia osea y ligamentos acuosos. Aphasia Volutis repta por el limite entre el organismo y la tecnología, donde las nanoformas manipulan, sigilosamente, los impulsos eléctricos y bioquímicos a través de los cuales sentimos (y entendemos) los mundos interiores y los de nuestro alrededor.
As the bio-tech era dawns, this short experimental work explores our bared physical scaffolding. Tiny, nanoscopic, biotechnological machines, pulsing with energy, boring holes; tendrils creeping along, quietly going about their unknown business within a vast bodyscape of porous bone and watery ligament. Aphasia Volutia slips along the edge between organism and technology, where nanoforms quietly manipulate the electrical and biochemical impulses through which we sense (and make sense of) the worlds within and around us.
RAFAËL
(Corea del Sur/South Korea) GEOSTRATEGIC DRAMA AT THE 38 PARALLEL DRAMA GEOESTRATÉGICO EN EL PARALELO 38 /03’ 25”/2012
Recep AKAR
(Turquía/Turkey) IN_BETWEEN – ENTREMEDIO /15’ 29” Los seres humanos, en nuestras vidas complejas y multi-dimensionales, podemos llegar a ser independientes en cuanto a lo intelectual sólo si interiori-zamos las experiencias y desarrollamos la consciencia. Esta lucha cobra senti-do si se toma en cuenta el devenir histórico del deseo de cada individuo a llevar las riendas de su propia vida. Esta batalla dolorosa, en dónde el vencedor y el vencido son uno y el mismo, trae consigo el cambio y una transformación interior. 48
Human beings, in our complicated and multidimensional lives, can become independent in intellectual terms only by internalising experiences and develo-ping awareness. This struggle becomes meaningful when the historical development of individuals’ desire to lead themselves is considered. This painful battle, whose winner and loser are the same, brings change and transformation within.
Esta obra forma parte de BOM (primavera en coreano). Sigue KYOUL (invierno), la primera entrega de un proyecto de cine, de un año de duración, llevado a cabo en Corea. Se filmó en una isla, cerca de la zona desmilitarizada de corea.
This work is part of BOM (‘Spring’ in Korean). It follows KYOUL (Winter), the first part of a 1 year live-cinema project made in Korea. It was shot on an island, near the Korean demilitarized zone.
49
Alessio RUTIGLIANO
PROGRAMA Nº 6
(Italia/Italy) SIX TRIPTYCHS ON THE DEATH OF A MARIONETTE SEIS TRÍPTICOS SOBRE LA MUERTE DE UN TÍTERE /06’55”/2012
Jueves 13 de Diciembre
PROGRAMME #6 Thursday 13th December
Sandra Sandra ALVARO ALVARO
(España/Spain) LABYRINTH CITY /14’ 14”/2012
Este proyecto recurre a un mundo virtual que nos envuelve al espacio próximo. A la visión cercana, parcial y fragmentaria que caracteriza el desplazarse a pie de calle. En este caso por una ciudad llena de posibilidades en que después de un “random” se establece un orden efímero en que la ciudad va cambiando transformándose y componiéndose a nuestro paso. Este video es una primera visualización de un “work in progress” de un mundo virtual interactivo. Está desarrollado usando técnicas de modelado, texturizado y animación en 3D. Poniendo especial atención a las texturas, procedentes del archivo fotográfico de la autora de fotos realizadas en diferentes ciudades.
This project deals with a virtual world which envelops us within nearby spaces: the close-up, partial and fragmentary view that characterises a stroll down the street. In this case, through a location brimming with possibilities. After a random event an ephemeral order is established, within which the city gradually changes, transforming and recomposing itself in line with our steps. This video is the first visualisation of a work in progress on an interactive, virtual world, developed using modelling, texturing and 3D animation techniques. Special attention is paid to the textures, taken from the artist’s photo archive of shots from different cities.
Sandra Henry ALVARO GWIAZDA
(EE.UU/USA) REMOTE…UP CLOSE - REMOTO...DE CERCA /05’ 07”/2003 Remoto...de cerca es una obra surrealista que indaga en las formas, tantas orgánicas como inorgánicas, desde lejos y muy de cerca. Por otro lado, se trata de la relación entre el sonido y la imagen en un sentido no narrativo. ¿Como se compaginan las imágenes y la música en una pieza abstracta para crear algo más grande que ninguno de esos dos elementos por separado? Las imágenes se han compuesto como si se tratase de música, haciendo uso del contrapunto y la fraseología musical.
50
Remote…Up Close is a surrealist work which explores both organic and inorganic shapes from a distance and close up. On another level, it is about the relationship of sound to image in a non-narrative sense. How does visually imagery and music combine in an abstract work to create something larger than either of the two alone? The visuals are composed in a musical way using counterpoint and musical phraseology.
Basado en el libro de Collodi y fuertemente influenciado por Pinocchio: un libro paralelo de Giorgio Manganelli, Seis Trípticos sobre la Muerte de un Títere es la tragedia de la carne que se convierte en palabra.Traducir el cuento de Collodi en imágenes es, en sí, paradójico: el rechazo de Pinocchio a la idea de hacerse mayor y su huida de cualquier rito que simula la muerte o el renacimiento forman una dialéctica de lo imposible. Aunque para Collodi fuera posible expresar ese rechazo en un lenguaje cinematográfica – siempre codificado de forma ‘verbal’ – se iba haciendo cada vez más difícil (Guilles Deleuze, Un manifeste de moins). En Seis Trípticos sobre la Muerte de un Títere, asistimos una gradual rarefacción del sonido y de las imágenes, un proceso continuo de erosión que afecta al cuerpo y el lenguaje.
Based on Collodi’s book and strongly influenced by Giorgio Manganelli’s Pinocchio: a parallel book, Six Triptychs on the Death of a Marionette is the tragedy of flesh becoming word. Translating into images Collodi’s fairy tale is a paradox itself: Pinocchio’s refusal to grow up and his escape from every kind of ritual simulating death and rebirth constitute a dialectic of the impossible. Even though it was possible for Collodi to express negation in filmic language - always encoded “verbally”- it became more and more complicated (Guilles Deleuze, Un manifeste de moins). In Six Triptychs on the Death of a Marionette we witness a progressive rarefaction of sound and images, a continuous process of erosion of body and language.
Bulle PLEXIGLASS
(Francia/France) ALIENATION - MARGINACIÓN /01’56”/2011 Una visualización de como nos podemos sentir en momentos de anexidad o desorden. El autor plantea la transformación de la realidad – que ha filmado o grabado – en abstracción. Con ése fin, trabaja con las capas, la transparencia, la velocidad, el difuminado, los colores y el sonido. contrapunto y la fraseología musical.
A visualisation of how we can feel in times of anxiety and disorder. The author works on the transformation of reality - which he films and records - into abstraction. To this end, he deals with layers, transparency, speed, blur, colours and sound.
51
COLECTIVO Sandra ALVARO 3 POTENCIAS
(Venezuela) (Michelina Farrauto, Patricia Proaño, Soledad Vasquez, Harol Ramos, Nick Duque, Juan Carlos Velásquez) TRANSBIOMORFOSIS /09’ 12”/2012 Una reformación recurrente. Una transformación insistente del cuerpo, de una pieza a un organismo rediseñado a voluntad, constituye la imagen central que manifiesta con fuerza, la negación del ser y de la propia orgánica naturaleza que traslada al humano a una nueva ontología: una realidad donde la composición múltiple de la vida, se va decantando, a paso fijo, hacia el chillido lacónico, indistinto, contínuo del nuevo mundo de silicio. Sangre, circuitos, cabeza, cables, lengua y vísceras llevan al espectador hacia un viaje abstracto a través de destellos del subconsciente. La carne como lienzo, como pieza de arte, la sangre.
A recurrent reformation. An insistent transformation of the body, of one piece of an organism redesigned at will, provide the powerful central image, the negation of being and of organic nature itself. This brings the human being to a new ontology: a reality where life’s multiple make-up steadily evolves toward a vague laconic screaming, a constant of the new, silicon world. Blood, circuits, head, cables, tongue and innards take the spectator on an abstract journey through the flashes of the subconscious. Flesh as the canvass and as the artwork, blood.
Fernando Garcia MALMIERCA (España/Spain) NEONOVA /08’ 55”/2012
Neonova es un trabajo de construcción y simulación de la futura evolución humana. En los seres representados la altura es mayor, la curva dorsal pronunciada, el cráneo está sobredimensionado, hay pérdida total del cabello y atrofia de los dedos de los pies. Esto puede indicar una lógica natural de comportamiento evolutivo, pero sobre todo, en este trabajo se trata el tema de la manipulación genética. En este sentido Neonova explora los retos éticos y existenciales a los que nos enfrentamos y las disyuntivas que se presentan ante el poder de modificar “lo humano” y la alteración de, la cada vez más lejana, evolución natural.
Neonova aims to construct or simulate future human evolution. The beings represented here are taller, their spinal curve more pronounced and their skull oversized; they are completely bald and their toes are atrophied. This may be the natural logic of evolution but, most of all, the piece deals with genetic engineering. In this sense, Neonova explores the ethical and existential challenges we face, along with the dilemmas which arise from being able to modify that which is human, altering our natural evolution, from which we are increasingly removed.
Marc NEYS Sandra ALVARO
(Bélgica/Belgium) POLLOCK WAS A FISHERMAN POLLOCK FUE PESCADOR /03’ 10”/2012
En busca del espititu de Jackson Pollock. La película se basó en una sola imagen de los intestinos de una gamba. Looking for the spirit of Jackson Pollock. The film was made of one image photo of shrimp intestines.
52
53
COLECTIVO Sandra ALVARO 3 POTENCIAS ERROR GRÁFICO COLECTIVO
SandraSISMAN ALVARO Candas
(Turquía/Turkey) FLUX /4’ 43”/2010
(Víctor Molero Martín y Cristina Moreno Berlanga) (España/Spain) BREAKBIT /06’ 12”/2012
Una animación digital inspirada en las características estructurales de la obra del escultor Ilhan Koman, como Pi, 3D Moebius, Whirlpool y To Infinity... Un círculo rojo sufre una transformación morfológica en una re-interpretación del planteamiento formal de Koman. A veces, el movimiento continuo recuerda las cualidades de Pi, 3D Moebius, Whirlpool y To Infinity... o las pautas de diseño que las sirven de base. A partir de un círculo de dos dimensiones, se desarrolla una esfera, creando una obra que no se parece a Pi pero cumple con sus pautas de diseño, siguiendo el flujo de un circulo que se convierte en esfera. Con la incorporación de los sonidos de varias materiales utilizadas por Koman en sus esculturas, Flux llega a ser una experiencia visual impactante. Además, demuestra que el trabajo de Koman se puede re-interpretar a través del análisis y la manipulación de las formas en el medio digital.
Videocreación con efecto 3D producida a partir de la experimentación audiovisual en directo. Errores gráficos creados mediante la manipulación de una fuente de imagen analógica se combinan con la representación de datos visuales y sonoros generados por un secuenciador digital. La investigación con dichos fenómenos audiovisuales, originados a partir de una señal analógica modificada, y el tratamiento de la representación gráfica de los datos sonoros secuenciados digitalmente (MIDI), para la obtención de una imagen de anaglifo, se fundamentan en un sentimiento de melancolía que surge de los rápidos avances en tecnología digital y 3D. La obsolescencia de los recursos técnicos utilizados en nuestra videocreación revela los propósitos por los que trabaja el presente de la digitalización: la búsqueda del mayor grado de veracidad en la representación de la realidad y, en consecuencia, el progresivo abandono del esquematismo matemático con que se formulan sus complejos códigos, desvaneciendo, en definitiva, las frágiles fronteras perceptivas entre lo virtual y lo real.
Digital animation inspired by the structural features of work by sculptor, İlhan Koman, such as Pi, 3D Moebius, Whirlpool and To Infinity... A red circle is morphologically transformed, reinterpreting the formal approach of Koman’s creations. The continuous movement sometimes connotes the characteristics of Pi, 3D Moebius, Whirlpool and To Infinity... or the design principles underlying these works. A sphere is developed from a two-dimensional circle, creating a piece which does not resemble Pi, but is true to its design principle, following through the flow of a circle into a sphere. By integrating the sounds of various materials which Koman used in his sculptures, Flux turns into an impressive spatial experience. It also exemplifies that Koman’s work can be re-interpreted by the analysis and manipulation of form in the digital medium. 54
Video-creation with 3D effects produced through live audiovisual experimentation. Graphic errors created by manipulating an analogue image source are combined with representations of visual and sound data generated by a digital sequencer. The audiovisual phenomenon - created from a modified analogue signal - are researched and the graphic imaging of digitally sequenced sound data (MIDI) is manipulated in order to obtain an anaglyph image. A process is based on that feeling of melancholy produced by the rapid advances in digital and 3D technology. The technical resources used in our video-creation are obsolete, revealing the objectives towards which digitalisation is now moving: a quest for greater accuracy in representations of reality and, consequently, the gradual loss of the mathematical schematic which make up its complex codes. In short, the disappearance of those fragile frontiers of perception between the virtual and the real.
55
PROGRAMA VIDEOINSTALACIONES
VIDEO-INSTALLATIONS PROGRAMME Sadik Sandra AL FRAJI ALVARO
(Irak) SISYPHUS GOES IN DEMONSTRATION – SÍSIFO SALE A MANIFESTARSE /30’ 00’’/2011-2012
El autor ha usado principalmente el dibujo como técnica en la construcción de la animación. La mayor parte de su trabajo se centra en la cuestión de la existencia que se manifiesta en el ser humano. Y mientras trabaja en sus obras, esa pregunta se encuentra siempre en el núcleo del concepto creativo. A este respecto todas las ideas y temas son iguales, sean políticas, sociales o incluso simples cuestiones cotidianas, que siempre están asociadas a un determinado tema existencial, como la libertad, la muerte, el amor, la identidad, la nada o sentido de la conciencia. The author mainly uses drawing as a technique in building up the animation. Most of his work concentrates on the question of Existence as manifested in the human being. And while working on any artwork, that question is always in the core of the concept the artwork is built upon. In this regard all ideas and subjects are equal, whether they were political, social or even simple daily issues, always associated with a certain existential topic such as freedom, death, love, ident ty, nothingness and sense of awareness.
56
Sandra Luis BEZETA ALVARO
(España/Spain) NORMA JEANE IS MARILYN - NORMA JEANE ES MARILYN /02’ 45”/2011 La propuesta de Luis Bezeta nos aproxima a la imagen de la Norma Jeane más auténtica, y paradójicamente, para hacerlo se inspira en una escena emblemática que reforzó aún más su irremediable mitificación; la del famoso vestido blanco que Marilyn simulaba intentar domar sobre el respiradero de la estación de metro, en la película de Billy Wilder “La Tentación vive Arriba”. El trabajo de Bezeta parte de su incondicional devoción por el Séptimo Arte. En él, aparecen seis personajes estáticos en mitad del desierto, el central encarnado por el artista Javier Arce, todos ataviados con el icónico vestido blanco que antes mencionábamos, junto a un Mustang como el que inmortalizara Steve McQueen a finales de los años sesenta.
Luis Bezeta’s piece brings us closer to the most authentic image of Norma Jeane. Paradoxically, it is inspired by a landmark scene which fuelled the irremediable process which transformed her into legend: that with the famous white dress which Marilyn fakes an attempt to control over the subway grating in Billy Wilder’s film The Seven Year Itch. An unconditional devotion to the Seventh Art is the basis of Bezeta’s work. Here, six motionless figures appear in the middle of the desert, the central character played by the artist Javier Arce. All are wearing the iconic white dress, alongside a Mustang like the one immortalised by Steve McQueen in the late 70s.
57
Sandra ALVARO Juan Carlos Sánchez DUQUE
(España/Spain) BIPOLAR SENSATION - SENSACIÓN BIPOLAR /2012 Las imágenes fueron tomadas durante la final de la Eurocopa 2012 entre España e Italia, a un grupo de aficionados que la veían por TV. En el primer vídeo se mezcla el sonido de la retransmisión deportiva con los comentarios de los aficionados. En el segundo vídeo la gente, entusiasmada, celebra con orgullo nacionalista olvidándose de la situación en la que se encuentra España. El tercer video muestra imágenes como las anteriores pero el audio es de manifestaciones, que se ha producido debido a la situación económica del país y por las consecuencias que tendrán las medidas adoptadas desde los gobiernos, como si estás fuesen retransmitidas por TV. El sonido ambiental de la instalación se ha creado filtrando una grabación tomada del sonido de la TV y los comentarios de los aficionados.
The images were filmed during the 2012 European Cup final between Spain and Italy, and show a group of fans watching the match on TV. In the first video, the TV sports commentary is mixed with comments from the fans. In the second, the excited crowd celebrate with nationalistic pride, forgetting the situation in which Spain finds itself. The third video shows images similar to the previous two, but the audio is taken from demonstrations which have taken place due to the country’s economic situation and the consequences of government measures. It is presented as if broadcast on TV. The ambient noise in the installation was created by filtering a sound recording from the TV and comments from fans.
Sandra ALVARO Mykhaylo BARABASH
(Ucrania/Ukraine) IMMERSING INTO ENVIRONMENT /05’ 40”/2011 La pieza consta de partes visuales y sonoras. La parte visual esta constituida por cubos/pilones, colocados estructuralmente en un área, proyectándose sobre ellos un video. Dependiendo del espacio, se puede proyectar el vídeo desde dos o cuatro fuentes simultáneas. La banda sonora se reproduce de cuatro o seis columnas colocadas alrededor del objeto.
The Object consists of visual and sound parts. The visual part is made by cubes/pylons structurally placed in an area. It’d be projected a video on them. A video can be projected from two – four sources simultaneous depending on the room space. The sound track reproduces from four – six columns placed around the object.
Sandra ALVARO Fabiola MARABOTTO
COLLECTING MADNESS - COLECCIONANDO LA LOCURA /25’ 00”/2010 Una colección de videos que muestran el intenso estado mental de varios individuos. El poder que la mente human puede llegar a ejercer sobre el cuerpo. Las actividades ritualistas como forma de poner fin al trauma. A collection of videos depicting the intense state of mind of several individuals. The power that the human mind can actually have over the body. Ritualistic activities used as a way to search for an end of trauma.
SandraNALPANTIDIS ALVARO Yiorgos
(Grecia/Greece) VIRTUALITIES – VIRTUALIDADES /15’ 34”/2010 Virtualities trata de la relación entre la imagen (como representación de la realidad) y la realidad en sí. La película pretende demonstrar la discrepancia entre la imagen y la realidad, con sus “espectaculares” narrativas. Con la proyección de imágenes del mundo actual tal y como está retratado por la industria publicitaria, Virtualities lucha por una representación realista de un mundo objetificado.
SandraTeresa Roser ALVARO GERONA RIBAS
(España/Spain) LANDSCAPE_2.0 - PAISAGE_2.0 /06’ 04”/2012
“Virtualities” is about the relationship between image (as a representation of reality) and reality itself. The film is attempting to demonstrate the discrepancy between image and reality and address the deformations caused by the visualization of reality and its “spectacular” narratives. By displaying images of contemporary world as it is demonstrated by advertising industry, “Virtualities” is struggling for a realistic representation of an objectified world. 58
La humanidad se mira a si misma a través de cómo representa su mirada. Como un juego de espejos, sólo podemos ver lo que ya hemos visto, re-conocer lo que ya conocemos. Paisatge_1, plantea el origen y la evolución de la mirada como construcción cultural del concepto paisaje. Paisatge_2.0, un nuevo concepto de “paisaje” para la era de la información.
Humanity views itself depending on how the action of viewing is represented. As in a set of mirrors, we can only see what we have already seen, recognise what we already know. Landscape_1 sets out the origin and evolution of our ‘way of seeing’ as a cultural construction within the concept of landscape. Landscape_2.0 puts forward a new concept for the information age.
59
Sandra Danny ALVARO WINKLER - Emilia LOSEVA (Reino Unido/U.K.) GENGHIS KHAN’S DREAMS LOS SUEÑOS DE GENGHIS KHAN /12’ 44”/2009
La película se hizo a base de grabaciones realizadas en el museo del director mítico de la Unión Soviética, Sergey Paradjanov, en Yerevan, Armenia, con la cooperación del centro. Luego se completó en nuestro estudio londinense. Esculpido como un movimiento poético, “Los Sueños de Genghis Khan” es corta e interrumpida, como un sueño. Las imágenes flotan y se transforman, al final llegando a ser un parpadeo lívido. Rozando el limite de los escenarios imaginables o posibles, la cámara transciende el compás impredecible de las texturas erosionadas, los fotogramas frágiles y los colores vibrantes. El bordado de un mantel cae por el abismo del interior como la nieve nocturna; el Genghis Khan durmiente no es nada más que un perfil incorpóreo resplandeciente; se barajan las cartas en consonancia con su fin; los abanicos vuelan como ángeles; las flores se deshacen en pétalos; las fotografías se vuelven amarillentas con el paso del tiempo y los seres queridos también se desvanecen; los dioses en sus respectivos Gólgotas se des-personifican, transformándose en una luminescencia nítida, una mortaja y crepé.
60
The film was made with of footage shot in the museum of legendary Soviet director Sergey Paradjanov in Yerevan, Armenia, with their cooperation, and completed in our studio in London. Sculptured as a poetic movement, Genghis Khan’s Dreams is short and interrupted like a dream itself. Images float and transform, reaching a livid flicker by the end. On the borderline of imaginable and possible scenarios, the camera transcends the unpredictable cadences of eroded texture, fragile frames and vibrating colours. The lace of a tablecloth falls down onto the chasm of the interior like snow at night; the sleeping Genghis Khan is just an incorporeal shining outline; cards are shuffled as is their purpose; fans float like angels; flowers fall apart into petals; photographs become yellow with time and the images of the dearest -loved also fade; the gods at their Golgothas become de-personified into clear luminescence, shroud and crêpe.
INSTALACIONES INTERACTIVAS DE ARTE AUDIOVISUAL DE LOS NUEVOS MEDIOS INTERACTIVE INSTALATIONS OF NEW MEDIA ART SALAS DE EXPOSICIONES CENTROCENTRO CENTROCENTRO’S EXHIBITION HALLS DEL 10 AL 16 DE DICIEMBRE FROM 10th TO 16th DECEMBER
VESTIBULO JORGE BERLANGA JORGE BERLANGA FOYER
MATÍAS MONTARCÉ
HOLOESCULTURAS Video instalación / video installation “Holoesculturas”. Serie de 10 figuras en movimiento completamente generadas por ordenador, retroproyectadas sobre una pantalla transparente y un entorno iluminado tenuemente generando un efecto óptico similar al holograma.
Holosculptures is a series of 10 computer-generated moving figures, back-projected onto a transparent screen in dimly-lit surroundings, which generate an optical effect similar to a hologram.
El Proyecto nace de la relación entre imaginación y memoria y del impulso básico y primitivo de perpetuar la imagen virtual-tridimensional generada en nuestro cerebro mediante la creación de una nueva imagen, similar pero ajena a la posibilidad de olvido gracias al acto comunicativo.
The project is born of the relationship between imagination and memory; of the basic and primitive urge to perpetuate that virtual, three-dimensional image created in our mind by producing a new version through the act of communicating. An image at the 61
En este trabajo, la necesidad de materialización absoluta de la idea, de convertirla en algo tangible no es necesaria, ya que se mantienen de alguna manera los valores primigenios basados en la perdurabilidad de la imaginación mediante el uso de una especie de interaccionismo simbólico, donde la “Holoescultura” permite, además de trascender el ámbito del estímulo sensorial y de lo inmediato, facilitar la imaginación y la fantasía. De este modo, las esculturas virtuales aparecen ante el espectador como figuras tridimensionales flotando en el vacío, girando lentamente sobre su eje 360º en sentido de las agujas del reloj, esperando un lugar imaginario donde descansar. Así mismo, en la idea conceptual de cada una de las “Holoesculturas” existe una reflexión crítica a una sociedad manipulada y caprichosamente materialista. Esta temática es a su vez apoyada por la propia intangibilidad de la obra.
same time similar to yet distant from the option of forgetting. In this work, the need to completely materialise an idea, to transform it into something tangible, is not present. Fundamental values - based on the perdurability of the imagination - are maintained, to some extent, by using a kind of symbolic interactionism, where the Holoscuplture also enables us to transcend the realm of sensory stimuli or the immediate, encouraging imagination and fantasy. The virtual sculptures appear before the viewer as threedimensional figures floating in a vacuum, slowly turning clockwise around a 360º axis, waiting for an imaginary place to rest. At a conceptual level, each of the Holosculptures, offers a critical reflection on our manipulated and capriciously materialistic society; a theme which is also underlined by the intangibility of the work itself.
Bio
Bio
Matías Montarcé (Madrid 1978). Actualmente reside y trabaja en Madrid, su obra se caracteriza por conectar procesos empíricos con elementos conceptualmente abstractos mediante el uso de recursos poético-visuales relacionados con la antropología y con los problemas de carácter social.
Matías Montarcé (Madrid 1978) currently lives and works in Madrid. Characteristically, his pieces connect empirical processes with conceptually abstract elements using visually-poetic means, and are often linked to anthropology or social concerns.
SALA POLIVALENTE 1 POLYVALENT ROOM 1
NUNO SERRAO
PAPERCLIP Exposición de fotografía con soundscapes en tiempo real / photography exhibition with real-time soundscapes exhibition Proyecto Paperclip es la primera exposición fotográfica que usa paisajes sonoros procesados en tiempo real. El concepto pretende transportar a los visitantes a un estado que les permita una interpretación alternativa de las 16 fotografías reunidas en la exposición. En Proyecto Paperclip, Nuno Serrão no sólo capta los momentos plasmados en las fotos, sino que genera los paisajes sonoros interactivos que las envuelven, de modo que la comunicación con el público se establece a través no sólo del nervio óptico sino también del canal auditivo. La experiencia resultante siempre es única pues el algoritmo app procesa en tiempo real las variables de la ubicación del visitante en cada momen62
Project Paperclip is the first photographic exhibit to use real-time processed soundscapes. The concept tries to transport visitors to a state that gives them a different interpretation of the 16 photographs present at the exhibit. In Project Paperclip, Nuno Serrão has not only caught the moment exhibited in the photo, he was also responsible for co-creating the interactive ambient soundscapes that accompany them, allowing the channel of communication with the public to be more than just the optic nerve by including the auditory canal. The experience is unique each time it is activated as the app’s algorithm utilizes real-time processing of variables from the visitors location,
to, tales como su movimiento, su voz, la hora del día, el ruido en la sala, entre otras muchas. El concepto de Realidad Aumentada tal y como suele conocerse utiliza una interfaz digital que permite crear un vínculo entre nuestro universo y el universo digital, creando en tiempo real un entorno mixto que reduce la separación entre ambas realidades. En esta exposición, esto se consigue con un iPhone, unos auriculares y el software app disponible en el Apple Store. Para disfrutar plenamente de esta exposición, los visitantes que dispongan de un iPhone 3 (o de un modelo superior) deben descargar la aplicación del Proyecto Paperclip en la Apple AppStore. Una vez colocados los auriculares (a mayor calidad de éstos, más envolvente será la simulación), se enciende la aplicación y se siguen las instrucciones que permitirán activar los paisajes sonoros reactivos. El proceso es sencillo, se pasa la cámara del iPhone por el Código QR de la fotografía y una vez escaneado se podrá oír el paisaje sonoro generado por la fotografía en cuestión. En Proyecto Paperclip, la Guerra Fría es el hilo conductor entre las fotografías y los paisajes sonoros reactivos. Podrá parecer extraño, incluso raro, que el conflicto militar más peligroso que haya conocido la humanidad sirva de fuente de inspiración, pero lo cierto es que en ningún otro momento de nuestra historia estuvimos tan cerca de extinción al mismo tiempo que nunca nuestra imaginación tuvo menos cortapisas. De las fotografías de paisajes y conceptuales y de los paisajes sonoros que las acompañan, surge la posibilidad de vagar libremente con la mente y sumergirse por momentos en una realidad paralela espoleada en gran medida por la ciencia y la curiosidad. www.discloseprojectpaperclip.com
Bio Nuno Serrão es un joven diseñador y fotógrafo portugués. Su presente, es decir, (esta) su primera exposición, refleja su bagaje multidisciplinario. Empezó como programador en los años 90, se inició en el diseño gráfico y de webs a mediados de los 90, y a principios de los años 2000 fue evangelista de Macromedia Flash. Actualmente se dedica al arte y el cine interactivos, mientras ejerce de director ejecutivo, diseñador, productor y director de arte en su propia agencia, urbanistas.
such as: the time of day, the level of noise that exists in the room, your voice, the movement and localization of the user, amongst many others. The concept of Augmented Reality has it’s usually known, utilizes a digital interface to permit the creation of a bridge between our universe and the digital universe, creating a mixed ambience in real time where the differentiation between these two realities is reduced. In this exhibition, this is brought about by using an iPhone, headsets and the software that is available on the Apple app store. To make full use of this exhibition, visitors that have an iPhone 3 or above need to download Project Paperclip application, at the Apple AppStore. When equipped with headphones (the better the quality, the more immersive the simulation will be), switch on the app and follow instructions to activate the reactive soundscapes. The process is simple, point the iPhone’s camera to the photograph’s QR Code and after it has been scanned, you will unlock the soundscape created for the photograph in question. In Project Paperclip, the Cold War is the common thread between the photographs and the reactive soundscapes. It may seem strange, bizarre even, that the most dangerous military conflict mankind has ever witnessed is a source of inspiration, however, if it is true that at no other time in our history we were as close to selfextinction, it is also true that we have never has so few limits placed on our imagination. Amongst the landscape and conceptual photographs and the soundscapes located throughout, a freedom to wonder is transmitted, where for moments we are immersed in a parallel reality, greatly inspired by science and curiosity. www.discloseprojectpaperclip.com
Bio Nuno Serrão is young Portuguese designer and photographer. His present, namely his first exhibit (this one), reflects his multidisciplinary past. He started as a programmer in the 90’s, got introduced to graphic and web design by the mid 90’s, and in early 2000’s was a Macromedia Flash evangelist. Currently he’s pursuing interactive arts and cinema, while maintaining his day job has a CEO, designer, producer and art director in his own creative agency, urbanistas. 63
SALA POLIVALENTE 2 POLYVALENT ROOM 2
Sandra ALVARO MARIO BASTIAN
BODY HACK Video instalación interactiva y exhibición de video arte monocanal / Interactive video nstallation and monochannel video art exhibition Body Hack es una instalación desarrollada con dispositivos interactivos mediante los cuales el público-observador se halla en constante diálogo con un software diseñado especialmente para la pieza, haciendo saltar resortes visuales y sonoros que reaccionan en base a los desplazamientos, gestos y movimientos del cuerpo. A partir de un sistema de captura de imagen, y motion tracking, toda una serie de parámetros como velocidad, posición, agrupamiento o tamaño, son recogidos por un programa informático que los transforma en valores acústicos y visuales.
Body Hack is an installation developed with interactive devices through which the audience/ observer finds themselves in constant dialogue with a software system specifically designed for the piece. This sparks visual and sound reactions based on the body’s positioning, gestures and movements. Using an image capture system together with motion tracking, a whole series of parameters such as speed, position, grouping or size are gathered by an IT programme which then transforms them into acoustic or visual values.
La pieza explora territorios híbridos de representación del cuerpo contaminado y transgenérico. Un lienzo a modo de segunda piel en el que cuerpo es tratado como masa en continuo proceso de transformación. A modo de espejo o puerta a lo invisible, la pieza genera un entorno de interacción y retroalimentación, haciendo posible que el observador se convierta en “performer”, partícipe del sistema interactivo, y cree la pieza. El proyecto forma parte de un proceso de investigación dentro del campo de la representaciónre-invención del cuerpo. En el plano sonoro tiene especial relevancia lo gestual y de qué forma se transforma el movimiento del cuerpo en sonido. El cuerpo como masa visual es transformado en masa sonora mediante síntesis granular que va variando en el tiempo de forma aleatoria mediante un proceso de mutación que tiene que ver con el comportamiento de quien interactúa con la pieza. El cuerpo del observador como anfitrión de una tecnología invisible, mapeado por herramientas de vigilancia y análisis, deviene en paradigma de un cuerpo instrumentalizado y recodificado.
The piece explores hybrid territories in the representation of a contaminated, transgender body. A canvass, a second skin, in which the body is dealt with as a mass in continual process of transformation. Acting as a mirror or doorway to the invisible, the piece creates an environment for interaction and feedback. The observer thus becomes a performer - a participant in an interactive system - and creates the work itself. This project forms part of a research process related to the representation and re-invention of the human form. In terms of audio, gestures take on a special relevance, along with the way in which body movements are turned into sounds. The body as a visual mass is transformed into a sound mass through granular synthesis; this varies randomly over time via a mutation process linked to the behaviour of whoever interacts with the piece. The body of the observer as a host to invisible technology, mapped by surveillance and analysis tools, evolves into a paradigm for the instrumentalised and recoded form.
Bio Mario Bastian (León, 1968). Desde 1992 vinculado al teatro, la fotografía, la música experimental, el diseño, el arte de acción y el videoarte, iniciando sus trabajos en el entorno de las compañías de teatro y danza. En 1996 comienza su trayectoria en el arte electrónico generando 64
Bio Mario Bastian (Leon, 1968) with a background in theatre and dance, since 1992 has also been involved in projects related to experimental music, design, performance and video art. In 1996 he began working in electronic art, creating interactive projects with real time audio and vi-
proyectos interactivos con procesamiento de audio y vídeo en tiempo real. En este año comienza así mismo a colaborar con Silicon Artists Inc., conceptualizando y diseñando proyectos interactivos para realidad virtual y mundos virtuales 3D. En el año 2001 crea el proyecto de Live cinema “Unicoder“ junto al artista Nico Arianoutsos (Resonic), presentando su trabajo en festivales como Territorio Eléctrico (Madrid, Casa Encendida) o FIB (Carpa de música experimental), entre otros. También en esos años muestra su trabajo de videocreción en festivales como ExperimentaClub 05 y 07, Magma Meeting, entre otros. Fundador de la plataforma hybridaRT.net y del netlabel hybridaRT_label (2011), actualmente desarrolla una labor de promoción y divulgación del arte experimental desde este sello híbrido. Su trabajo es transdisciplinar y difícilmente enmarcable en una sola disciplina artística. En sus creaciones da una especial relevancia al los procesos en los que hibridación y la transdisciplinariedad originan áreas de coexistencia y contaminación entre filosofía, política, ciencia y arte. Desde el 2011 colabora con Estudio 3 (Escuela de Artes escénicas en Madrid) en la enseñanza de danza improvisada aportando sus propios sistemas de motion tracking y danza interactiva.
deo processing; that same year, he also started to collaborate with Silicon Artists Inc. on the concept and design of interactive projects for virtual reality and 3D virtual worlds. In 2001, Mario Bastian created the ‘Unicoder’ live cinema project together with Nico Arianoutsos (Resonic), which was presented at festivals such as Territorio Eléctrico (Casa Encendida, Madrid) or FIB (at the experimental music marquee). His videocreations were also screened as festivals including Experimenta Club 05 and 07, Magma Meeting. Founder of the web platform hybridaRT.net and the netlabel, hybridaRT_label (2011), he is currently working to promote experimental art and bring it to a wider audience. His crossdisciplinary work is difficult to classify within one particular artistic area; in his creations, special relevance is given to processes in which hybrid or cross-disciplinary approaches give rise to areas of coexistence and contamination between philosophy, politics, science and art. Since 2011, he has worked with Estudio 3 (Madrid School for the Performing Arts) teaching improvised dance and contributing his own systems of motion tracking and interactive dance.
SALA JORGE BERLANGA JORGE BERLANGA HALL
EDUARDO VALDERREY
OutBorders Escultura Cinética / kinetic sculpture OutBorders es un proyecto basado en los conflictos entre la arquitectura y la identidad y donde se plantea un recorrido por diferentes espacios periféricos de ciudades en proceso de transformación. La relación directa entre las continuas redefiniciones y lecturas de los límites de la ciudad plantea una serie de cambios estructurales y urbanísticos dejando al descubierto espacios y territorios cuya característica principal es la ausencia de una identidad definida. Las vías de conexión (autopista, pasos elevados, circunvalacio-
OutBorders is a project based on the conflicts between architecture and identity, a journey through different suburban spaces of cities undergoing a process of transformation. The direct relationship between the continuous redefinitions and readings of a city’s limits creates a series of changes in its structure and urbandevelopment, revealing spaces and territories whose principal characteristic is a lack of defined identity. Transport infrastructures (motorways, overpasses, ring-roads...) and rapid 65
nes,…) y el rápido crecimiento urbanístico plantea una serie de conflictos entre el espacio natural y el urbanismo acelerado por la especulación y los cambios sociales. Estos no-lugares coinciden en su aspecto y características en la mayoría de las ciudades donde se ha desarrollado el proyecto malpais (Barcelona, París, Nueva York, Roma, El Paso, Denver, Brooklyn, Dublín,…) , ciudades que con su continua transformación han creado sus propios territorios de conflicto Naturaleza-Urbanismo. OutBorders es una instalación (Site Specific) realizada con estructuras de madera que funcionan como contenedores de imágenes proyectadas. Elementos que se articulan al espacio como arquitecturas dentro de otras arquitecturas. Piezas / Imágenes que se defragmentan en el propio contexto de la obra y provocan múltiples lecturas de una misma imagen. La obra ha sido creada específicamente para uno de los espacios del antiguo edificio de correos de Madrid y se basa en una intervención con vídeo proyección y arquitectura “de ocupación” en el espacio, donde se planteara una obra basada en los lugares de paso que circundan y conectan la ciudad de Nueva York. www.malpais.org
urban growth generate a series of conflicts between the natural space and this development, accelerated by speculation and social change. The appearance and characteristics of these non-places coincide in most of the cities where the malpais project has been carried out (Barcelona, Paris, New York, Rome, El Paso, Denver, Brooklyn, Dublin...), locations where continuous transformation has created new focuspoints of conflict between nature and urban development. OutBorders is a sitespecific installation composed of wooden structures which act as containers for projected images. Elements that articulate space, as architectures within other architectures. Pieces that defragment in the context of the installation itself, enabling multiple readings of the same image. Created especially for a location inside the former Post Office building in Madrid, the work combines video projection with ‘spaceoccupying’ architecture, based on the routes which surround and connect the city of New York. www.malpais.org
Bio
Eduardo Valderrey (Barcelona, 1963) is a visual artist whose work is based on the interconnections between architecture, identity and the relationships between urban spaces and the land. His projects are hybrid pieces, combining photography, video and sculpture in synthesis with the exhibition space. Recently, his work has been shown internationally at venues including La Chambre Blanche Gallery de Québec, Lucca Digital PHOTO Fest, Italy, the International Art Fair de Toronto, as well as the ISCP and Triangle Programs in New York. Inside Spain, Valderrey has shown a number of solo exhibitions; Galería Astarté y Rafael Pérez Hernando in Madrid, the Museo de Arte Moderno, Tarragona and the Colleges of Architects and Quantity Surveyors in Leon and Barcelona. He has been recognised by the Pollock-Krasner Foundation in New York and awarded the CAM scholarship for visual arts as well as receiving prizes such as the Julio Antonio Sculpture Award and the Guasch-Coranty de Valls. Among the numerous artists’ programmes he has attended are: Triangle Artists, the International Studio
Eduardo Valderrey (Barcelona, 1963) es un artista visual que basa su trabajo en las interferencias entre la arquitectura, la identidad y las relaciones del espacio urbano con el territorio. Realiza proyectos híbridos donde se mezcla la fotografía, el vídeo y la escultura en una síntesis con el espacio expositivo. Recientemente su trabajo se ha exhibido internacionalmente en La Chambre Blanche Gallery de Québec; Lucca Digital PHOTO Fest en Italia; the International Art Fair de Toronto; en la ISCP y Triangle Programs de Nueva York. También en España ha participado recientemente con exposiciones individuales en las últimas ediciones de PHES con la Galería Astarté y Rafael Pérez Hernando de Madrid, el Museo de Arte Moderno de Tarragona y los Colegios de Arquitectos y Aparejadores de León y Barcelona. Ha recibido premios y becas como la de la Pollock-Krasner Foundation de Nueva York; la beca CAM de Artes plásticas; el Premio Julio Antonio de escultura y el Guasch-Coranty de Valls; y ha participado en numerosos programas para artistas como los de 66
Triangle Artists, el International Studio Program y ArtOMI en Nueva York; el Tyrone Guthrie Program en Irlanda; la Beca de la Academia de España en Roma y la del Colegio de España en París. Tiene obra en instituciones, museos y colecciones como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, el Museo de Arte Moderno de Tarragona y Museo de Valls; en la colección Greenburger, ArtOmi y en Triangle collection de Nueva York ;la Fundación Suñol, la Colección CAM de arte contemporáneo, y en ARSFUNDUM.
Program and ArtOMI in New York; the Tyrone Guthrie Programme, Ireland; the Spanish Academy Scholarship in Roma and the Spanish College in Paris. Various institutions, museums and collections hold work by Eduardo Valderrey, including Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; the Museo de Arte Moderno, Tarragona and Museo de Valls; the Greenburger Collection, ArtOmi and the Triangle Collection in Nueva York; Fundación Suñol, the CAM Collection of Contemporary Art and ARSFUNDUM.
SALA CINE JORGE BERLANGA JORGE BERLANGA CINEMA HALL
LECH MAJEWSKI
BRUEGEL SUITE Tríptico, video instalación / Triptych, video installation. Una obra inspirada en la pintura de Peter Bruguel. A work inspired by the paintings of Peter Bruegel.
Bio
67
SECCIÓN MONOGRAFÍAS VIDEOARTE EN FINLANDIA MONOGRAPHS SECTION VIDEO ART IN FINLAND
La sección Monografías revisará la obra en conjunto de festivales, de programas especialmente encargados a comisarios de países con una producción muy representativa, de colecciones privadas así como de instituciones y sellos independientes. The Monographs section will encompass works by festivals, specially-comissioned programmes put together by curators from countries which have a representative media arts production, pieces from private collections, cultural institutions and independent labels.
AUDITORIO CENTROCENTRO AUDITORIUM CENTROCENTRO
Programación recomendada para mayores de 18 años Programme recommended for over 18’s MARTES 11 DE DICIEMBRE TUESDAY 11th DECEMBER
INTRODUCCIÓN / INTRODUCTION Flirtear Fluir Rasgar Rugir Flirting Flowing Ripping Roaring Los trabajos experimentales de doce video artistas finlandeses componen el Programa de Video Arte Finlandés: obras no-narrativas, intuitivas a nivel poético, sin pulir incluso, pero a la vez irónicas y analíticas. Los videos más recientes que se proyectan aquí se han finalizado este mismo otoño. El punto de enfoque es la diversidad, tanto de los artistas finlandeses como de su obra. Este pro68
The Finnish Video Art Program includes twelve Finnish media artists and their experimental non-narrative poetically intuitive, even raw but also ironic and analytical works. The most recent videos that will be shown here were finished this fall. The focus is on the diversity of both the Finnish media artists and their works. The program invites the viewer into a myste-
grama invita al espectador a emprender un viaje misterioso, oscuro, pero ingenioso y juguetón, por un paisaje mental finlandés de dolor y belleza, con autenticas mujeres, semi-bestias y otros personajes complejos. Es un periplo que abarca los universos interiores y las vistas exteriores, el amor, la identidad y el comportamiento humano. La colección también indaga en la originalidad de expresión y los factores que han hecho del video y del arte de los nuevos medios finlandeses un éxito internacional.
rious and dark, yet witty and playful journey through Finnish mindscape of pain and beauty reflecting love, identity and human behaviour, inner universes and outer vistas with real women, half-beasts and other complex characters. The presentation also looks into the originality of expression and the factors behind the success of Finnish video and media art internationally.
COMISARIO CURATOR KirsiMarja Metsähuone se licenció en Bellas Artes (Cine Experimental) en San Francisco Art Institute, EEUU y tiene un máster en media arts de la Finnish Academy of Fine Arts. Sus peliculas y fotografías se han expuesto en numerosos festivales y muestras: en EEUU, Finlandia, Italia, Suecia, Reino Unido, China, España y Canadá. Entre los más recientes y futuros proyectos destacan Buenos Aires IV International Videopoetry Festival 2012 Argentina, TR1-Kunsthalle, Photographic Centre Nykyaika 30th Anniversary Exhibition 2012 Tampere Finland, BBC’s LiveLive Media Art Project 2012 England, Sardinia Film Festival’s Official International Selection 2012 Italy, Cinesonika International Film and Video Festival of Sound Design 2012 Vancouver Canada, Madatac03 Video Art Festival’s Competitive Official International Section 2011 Madrid Spain, Helsinki Short Film Festival 2011 Finland, Spazi Aperti 2011 Rome Italy.
Helsinki Finland based media artist KirsiMarja Metsähuone works with film, video and photography. Her experimental short films are without a traditional narrative and the structure is often times cyclical relying on repetition, close-ups and semiabstract ambiguity. Metsähuone holds a B.F.A. degree in experimental film from San Francisco Art Institute in United States. Her M.F.A. degree in media arts is from the Finnish Academy of Fine Arts. Metsähuone’s films and photographs have been shown in numerous festivals and exbitions e.g. in United States, Finland, Italy, Sweden, UK, China, Spain and Canada. Upcoming and most recent video shows and festivals include Buenos Aires IV International Videopoetry Festival 2012 Argentina, TR1-Kunsthalle, Photographic Centre Nykyaika 30th Anniversary Exhibition 2012 Tampere Finland, BBC’s LiveLive Media Art Project 2012 England, Sardinia Film Festival’s Official International Selection 2012 Italy, Cinesonika International Film and Video Festival of Sound Design 2012 Vancouver Canada, Madatac03 Video Art Festival’s Competitive Official International Section 2011 Madrid Spain, Helsinki Short Film Festival 2011 Finland, Spazi Aperti 2011 Rome Italy.
69
Sandra ALVARO Maria Duncker
The Holy Road - El camino santo / 2:19 min/2009/Original: Super 8 mm film
Sandra Nina Lassila ALVARO
5 am /1:05 min/2011
Una mujer sentada en una silla en una habitación con luz artificial. Cartas en el suelo empiezan a revolotear a su alrededor antes de desaparecer llevadas por el viento. Oímos una voz que repite las palabras “Son las 5 de la mañana en una capital europea. Hay una mujer despierta en su cama”; el volumen de la voz va subiendo.
Hace diez años, los himnos aparecieron mientras, desde la improvisación, aprendía a tocar el armonio. Siguen viniendo. Hymns came out when I was teaching myself to play the harmonium in a freely improvisational way some ten years ago. And they still come.
Sandra ALVARO Helinä Hukkataival
Milk - Leche /3:00 min/2009
We see a woman sitting on a chair in a lit room. Letters on the floor start flying around her and vanishing from the frame as carried away by wind. We hear a voice repeating the words “It is 5 AM in a European capital. There is a woman awake in her bed” , the volume escalates towards the end.
Sandra Nina Lassila ALVARO
Una vaca de juguete y una enigmática mujer caminan un trecho juntas.
Woman Pacing - Mujer andando /1:23 min/2010
A mechanical toy cow and an enigmatic woman walk together for a while.
Vemos un par de pies desplazándose rápidamente hacia atrás y hacia adelante sobre el suelo. Parece un baile. Una voz en off habla de una artista que marca el ritmo sobre le suelo de un bar mientras se cuestiona su trabajo artístico.
Sandra ALVARO Henna Inkinen
We see a pair of feet moving rapidly back and forth over a floor. It looks a bit like dancing. A voiceover talks about an artist woman who is pacing on a bar floor and has issues with her artistic work.
Adaption - Adaptación /4:10 min/2009/Original: 16 mm film Adaptación es una representación pavorosamente bella de los procesos de una mente suicida. Reflexiona sobre lo inadecuado de la realidad circundante. Una joven está a punto de tomar la decisión de su vida. Es una más de los muchos supervivientes de una sociedad, la nuestra, que espera de nosotros logros siempre más inalcanzables. La película se desarrolla en un paisaje mental finlandés: el oscuro invierno boreal.
70
Adaption is a frighteningly beautiful depiction of the workings of a suicidal mind. It deals with the maladjustment faced in the surrounding reality. The main character is a young woman who is making the decision of her life. She is one of those many burnt out performers of the modern day, of whom the society expects more and more unrealistic results. The movie takes place in a Finnish landscape of the mind: the wintery period of darkness.
Sandra Nina Lassila ALVARO
Woman - Mujer /0:58 min/2009 Declaración de la mujer real. Parece expresar el deseo de ser unamujer “jodidamente” real en la ciudad más bella del mundo, París.
Declaration of the real woman. Supposedly a wish to be a “fucking” real woman, in the most beautiful city of the world, Paris.
71
Sandra ALVARO Arttu Merimaa
Nonchalant 2-Fireplace - Despreocupado 2-Ante la chimenea /2:33 min/2009 El clásico motivo de los “amantes antela chimenea”: un hombre y una mujer tumbados, relajados, antelas llamas. Un joven tumbado de costado sobre una manta lee, indiferente, una revista mientras, detrás de él, una joven vestidacon un traje de pieles se agacha y se frota contra él. El hombreacaba girándoseparamostraruna espalda desgarrada y ensangrentada y una nuca que la mujer lame suavemente. Esta idea de “la bella y la bestia” se harelaboradotantas veces que el vuelco en los roles de género es ya un lugar común. Pero lo cierto es que, en una relación, a uno u a otrale toca ocasionalmente hacer la parte del monstruo. Sólo se trata de saber quien lo hace mejor.
The video represents the classic “lovers in front of a fireplace” scene in which a man and a woman lie relaxed in front of a blazing fire. A young man lies on his side on a blanket reading a magazine while a woman behind him in a furry beast outfit is crouching and rubbing herself to the indifferentseeming man. In the end the man turn on his stomach and reveals his ripped and bloody back and the beast woman gently licks the back of the neck of the man. The concept of “the beauty and the beast” has been constructed and reconstructed countless times so that the flipping of the gender roles in this context has itself turned into a convention of some sort. However, in a relationship one or the other has to occasionally play the part of the monster. It is just a question of which one can play the part better.
Sandra ALVARO KirsiMarja Metsähuone
Thy Eternal Summer - El eterno verano /5:59 min/2009-2012 El verano como metáfora del autorretrato y la identidad y de la búsqueda de la felicidad. “La experiencia visual nos transporta a la naturaleza escandinava en pleno verano y convocaen nosotros una memoria casi táctil, aunque nunca hayamos estado ahí”.
Sandra ALVARO Juha Mäki-Jussila
Night Train - Tren nocturno /2:21 min/2010 En esta animación experimental, semi-abstracta, un tren cruza un oscuro paisaje, y algo sorprendente ocurre. In the semi-abstract, experimental animation, something unusual happens on a train journey through a dark landscape.
72
Summer as a metaphor for self-portrait and identity and search of happiness. “The viewing experience feels like being in the middle of Scandinavian Midsummer nature producing an almost tactile memory without actually having been there”.
Sandra Juha Mäki-Jussila ALVARO
The Kiss - El beso /1:45 min/2007 “El beso” es una historia de amor. Reflexiona sobre el aislamiento del amor y el poder de la unión. “The Kiss” is a love story. It deals with the isolation of love and the power of unification.
SandraNäsänen Elena ALVARO
The Mountain - La montaña /4:12 min/2007-2012 Lentamente la niebla va cubriendo la montaña. Se oye el viento soplar. El sonido del viento queda cubierto poruna algarabía en chino, pero no se va a nadie; entonces, el viento se deja oír de nuevo y cubre las voces humanas. Fog slowly covers the mountain. There is a sound of wind blowing. The sounds of wind are replaced by loud voices of Chinese people. No one is seen. Then the wind sounds again cover the human voices.
SandraPulkkinen Anssi ALVARO
Decay - Descomposición /1:00 min/2005 Decay es una animación stop-motionrodada en las alas abandonadas del hospital de tuberculosos deBeelitz, Alemania. Descubre, muestra y juega con las múltiples texturas y capas de los papeles pintadospegados sobre las paredes de los decaídos pasillos y salas. Combinando el gesto de despegar y rasgar y el ritmo acelerado en que se suceden las distintas texturas,el proceso de decadenciase hace visible de manera tangible y lúdica.
Decay is a stop-motion animation shot in the deserted tuberculosis hospital buildings in Beelitz, Germany. It discovers, records and plays with the multiple textures and layers of decorative papers of the walls of the decaying halls and corridors. With the tactile act of ripping and tearing apart, and the fast pace of the changing textures, it brings the process of decay visible in a tangible and playful manner.
73
Sandra ALVARO Kai Rennes
Andromeda /4:10 min/2012/Original: photographs Andrómeda es un video montado con autorretratos masculinoscolgados por sus autores en Internet; al tratarse de fotos tomadas ante un espejo, por efecto del flash, los rostrosquedan ocultos. Esta paradójica situaciónpodrá resultar irónicao trágica, según sea el estado de ánimo. La reflexión es aquí en torno al individuo y su reconocimiento a través de la acción, el cuerpo, el género, la pertenencia a un lugar específico. Las imágenes se suceden con un ritmo acelerado componiendo un extraño baile de halos y cuerpos. En la realidad digital de Internet, la identidad, ¿se afirma o se pierde? En esa comunidad/constelación de rostros quemados por el flash,la visibilidad, ¿se gana o se diluye en Andrómeda –nombre que etimológicamente significaría “quien tiene consciencia de los hombres” o, también, “quien gobierna a los hombres”?
Andromeda video is made of self-portraits of men, which men themselves have posted on the internet. However, as they took the photos standing in front of a mirror, the flashlight hides their faces, the most evident and common markers – or features (as of a face) – in one’s identification. This paradoxical situation can be seen as ironical or tragic, depending on your actual state of mind or predisposition. Rennes’ subject of inquiry is the individual here, the identification through action, the body, gender, sex, through belonging to a particular part of the universe. The images follow one another in a fierce tempo composing a strange dance of halos and bodies. Do you gain or lose your identity in a community like the ones in the digital reality of the internet – in this constellation of flashlight-stars? Are you visible or lost in Andromeda – whose name means, among others, “mindful of men”, “ruling over men”?
Sandra ALVARO Kai Rennes
Brain Drain - Fuga de cerebros /2:57 min/2012/Original: drawings El cerebro sigue siendo como un planeta desconocido dentro de nuestro universo interior. Los neurólogos suelen ilustrar con profusión sus artículos científicos. 150 ilustraciones del cerebro humano, yuxtapuestas al principio, van desapareciendo una tras otra. Las 150 transparencias empiezan dibujando juntas un extraño mapa del “conocimiento acumulado”. Los colores se mezclan aleatoriamente. Al final quedasólo un boceto.
Brain is still a kind of unknown planet of our inner universe. Brain scientist publish frequently new studies about the human brain and there are a lot of illustrations attached in scientific and medical journals. In this video there are some 150 illustration images of human brain placed on top of each other. The images disappear one by one. In the beginning the image with 150 transparent illustrations together seem like a weird map of ‘accumulated knowledge’. The colours mix randomly. In the end there is only a simple sketch left.
Sandra Miia Rinne ALVARO
Sea - Mar /5:43 min/2012/Original: 35 mm film Sea (Helsinki-Estocolmo), película de 35 mm pintada a mano, muestra un nocturno con mar embravecido. Por momentos, el paisaje se torna abstracto. La obra es una reflexión sobre las orillas, sobre el vivir en los márgenes. Esta película se estrenó este mismo otoño de 2012,simultáneamente en Helsinki y Estocolmo.
Sea (Helsinki-Stockholm) is a hand painted 35 mm film. It shows a wildly moving sea at night. At times the scenery disperses into abstraction. The work is about being on the shores. The premiere of the film is in Autumn 2012 at the same time in Helsinki, Finland, and Stockholm, Sweden.
SandraSuoniemi Minna ALVARO
Little Red Riding Hood and Wolf - La pequeña caperucita y el lobo /1:30 min/2012 En medio del bosque, una niña vestida de negro aúlla; su grito ralentizado recuerda al de una bestia: caperucita roja y el lobo feroz en un mismo personaje. Little girl dressed in black stands in the forest and howls.The slowed down sound resembles the voice of some large animal.The little red riding hood and the big bad wolf meet in the same character.
SandraSuoniemi Minna ALVARO
Lullaby - Canción de cuna /3:30 min Lullaby es una versión másde las muchas nanas que en la historia del arte se han podido representar. Un niño juega con la cara de su madre, recostada en la cama; la madre gruñe y enseña sus colmillos, pero al niño no le asusta su madre-bestia. Lullaby is a version of the many mother and child -motives throughout the history of art. The mother lies on a bed while the child is playing with her face. The mother growls and shows her fangs, but the child has no fear of her beast mother.
74
75
SECCIÓN MONOGRAFÍAS FESTIVAL VIDEOFORMES MONOGRAPHS SECTION VIDEOFORMES FESTIVAL La sección Monografías revisará la obra en conjunto de festivales, de programas especialmente encargados a comisarios de países con una producción muy representativa, de colecciones privadas así como de instituciones y sellos independientes. The Monographs section will encompass works by festivals, specially-comissioned programmes put together by curators from countries which have a representative media arts production, pieces from private collections, cultural institutions and independent labels.
AUDITORIO CENTROCENTRO AUDITORIUM CENTROCENTRO
video en el mundo del arte contemporáneo. Es una espacio para la exposición, producción, reflexión y debate. Cada año, en Clermont-Ferrand (Francia), VIDEOFORMES International Video art and digital culture Festival presenta las últimas tendencias del arte a través de videoinstalaciones, conferencias, performances, arte digital, virtual e interactivo art. VIDEOFORMES apoya a los artistas emergentes y propone y desarrolla eventos destinados a las redes locales, nacionales e internacionales. VIDEOFORMES también publica trimestralmente una revista online (Turbulences Video), gestiona una galería (Art du Temps), estancias para artistas y una archivo online de video-arte. Está comprometida con el desarrollo del Digital Video Archives, una de las colecciones de video-arte y arte electrónico más importante de los últimos veinte años. VIDEOFORMES es miembro fundador del archivo de videoarte: www.24-25.fr www.videoformes.com
It is a space for presentation, production, reflection and debate.vEvery year, in ClermontFerrand (France), VIDEOFORMES International Video art and digital culture Festival presents the latest trends in installations, videos, lectures, performances, digital, virtual world and interactive art. VIDEOFORMES supports emerging artists and projects and develops proposals for audiences in local, national and international networks. The organisation also publishes a quarterly online magazine (Turbulences Video), runs a gallery (Art du Temps), art residencies and an online video art digital archive. It is engaged in the development of Digital Video Archives, one of the most important video and electronic art collections that has been put together in the past twenty years. VIDEOFORMES is a founding member of the video art archive : www.24-25.fr www.videoformes.com”
Programación recomendada para mayores de 18 años Programme recommended for over 18’s SABADO 15 DE DICIEMBRE SATURDAY 15th DECEMBER
Mihai Sandra Grecu ALVARO
(Francia-Rumanía/France-Romania) We’ll become oil Nos convertiremos en petróleo /2011/ 8’00˝
INTRODUCCIÓN / INTRODUCTION VIDEOFORMES @ Madatac 2012 VIDEOFORMES @ Madatac 2012 VIDEOFORMES presenta las obras más destacadas de la escena internacional del videoarte. Programa VIDEOFORMES 2012 comisariado por Gabriel Soucheyre. VIDEOFORMES es un festival cultural sin ánimo de lucro que promueve la difusión del video arte y del arte multimedia. Funciona como un observatorio permanente sobre la evolución de la cultura digital y del 76
“VIDEOFORMES presents the highlights of the International Video Art scene. VIDEOFORMES 2012 selection curated by Gabriel Soucheyre. VIDEOFORMES is a cultural non-profit organisation for the dissemination of video and multimedia-based art works. It acts as a permanent observatory of the evolution of video and digital culture in the contemporary art world.
Paisajes áridos repletos de huegas de metaconflicto, más allá de cualquier visible cuestión política o ideológica. Un inexplicable y contínuo estado de crisis se apodera de los espacios y de las vistas, tranformando una geografía de mineral puro en un teatro de guerra. La historia del petroleo que se apodera de la historia. Dry landscapes are filled with the traces of a meta-conflict, beyond any visible political or ideological issue. A continuous and unexplainable state of crisis takes over the spaces and the view, transforming pure mineral geography into a theater of war. The story of oil taking over history.
77
Olivier Campagne & Vivien Balzi
(Francia/France) 5:46 am /2011/3’45
Distintos espacios publicos de París, cubiertos por un metro de agua, para crear una visión surrealista y serena de la ciudad. A selection of different public spaces in Paris, 1 metre underwater, offering a surrealist and serene view of the city.
Petrina Hicks
(Australia/Australie) Gloss - Brillo /2011/6’48 Grabado en alta definición con una Phantom a 800 fotogramas por segundo, una adolescente se mueve a cámara lenta y en alta definición. El escenario es un jardín artificial, creado en el estudio, con un fondo de cielo azul. Muestra una relación simbiótica entre la chica, distintos animales y la naturaleza, aun cuando el carácter manipulado, artificial, controlado e hiperrealista del set sea incompatible con la idea de simbiosis.
Filmed on high-speed Phantom video camera at 800 frames per second in HD, a teenage girl appears in extreme slow motion and high resolution. The setting is a studio-created artificial garden with a fake blue sky background. A symbiotic relationship between the girl, creatures and nature is suggested, yet the artificial, manipulated, controlled and hyper-real look of this environment is incompatible with this notion of symbiosis.
Jérôme Laniau
(Francia/France) Casablanca /2011/ 1’20˝ “Humphrey Bogart y Ingrid Bergman están en Casablanca, una pareja intemporal que nos regala una de las más bellas escenas de la historia del cine”, puede leerse en la contraportada del DVD. Ahora os mira directamente a los ojos. La inmortalidad de la leyenda ya no resulta tan evidente. “Humphrey Bogart and Ingrid Bergman are, in Casablanca, a timeless couple who offer us ones of the most beautiful scenes in cinema history,” you read on the back cover of the DVD. This time, they are looking at you right in the eyes. The immortality of legend is not so evident any more.
Michel Pavlou
(Grecia-Noruega/Grèce-Norvègee) Shadowlands - Tierras de Sombra /2011/ 7’41˝ “Escorada confrontación entre un grupo de manifestantes y la policía antidisturbios en paisaje urbano al atardecer. Shadowlands indaga en la idea de la visibilidad del poder estableciendo un paralelismo entre el proceso cinematográfico y el histórico.” The indirect clash between a group of demonstrators and the riot police in a twilight urban landscape. Shadowlands explores the notion of power’s visibility by constructing its imaging on the analogy between historic and cinematic processes.
Sasha Huber
(Finlandia/Finland) Louis’s who? - Louis quién? /2011/3’50 In ‘Louis Who? What you should know about Louis Agassiz’ el espectador puede ver un relato de colonialismo y opresión, tal y como a escribirlo Louis Agassiz. Como un mensajero del pasado, Sasha Huber apaerece en la pantalla a lomos de una caballo negro, mientras informa a los viandantes de la Praça Agassiz, en las afueras de Río, acerca de la persona que dio nombre a la plaza: “Científico, biólogo, glaciólogo, racista de referencia, pionero del apartheid, adalid de la segregación racial en los Estados Unidos…” 78
In ‘Louis Who? What you should know about Louis Agassiz’ the viewer is confronted by the history of colonialism and oppression as created by Louis Agassiz. Like a messenger from times past, Sasha Huber enters the picture on a gleaming black horse, telling the passers by of Praça Agassiz, in the suburbs of Rio, and about the person who gave the square its name: “Scientist, naturalist, glaciologist, influential racist, pioneering thinker of apartheid, proposed racial segregation in the US…”
Johan Rijpmau
(Países Bajos/Pays-Bas) Tape generation - La generación de la cinta /2011/ 2’39˝ Montones de rollos de Cintas pasan por un largo proceso de desarrollo y degeneración. El ritmo de vida extremadamente lento de estos objetos queda al descubierto dentro de un espacio aislado en el que todo parte de una equilibrada estructura simétrica. Desde este orden, las desviaciones y los distintos comportamientos se van hacienda poco a poco visibles, produciendo formas y movimientos insospechados y, sin embargo, familiares.
Large groups of tape rolls go through a long process of development and degeneration. The extremely slow-paced life of theses objects is revealed within an isolated space where everything starts from a balanced symmetric structure. From this orderly state, deviations and differences in behaviour slowly become visible, resulting in unpredictable shapes and movements that somehow feel familiar. 79
Eder Santos
(Brasil/Brésil) Cinema - Cine /2010/13’ En el campo de Minas Gerais (un Estado del interior de Brasil) las cosas discurren con su propio tiempo. Una farola, la lluvia, el muchacho jugando al futbol en la calle, las alambradas. Se mueven, como imágenes en movimiento: “CINEMA”. In the countryside of Minas Gerais (an inland state of Brazil) things have their own particular time. A street lamp, the rain, the boy who plays football in the streets, a barbed wire fence. Their motion, like moving images: “CINEMA”.
Valerio Murat & Antonio Poce
(Italia/Italie) Habeas Corpus /2011/6’20
La sección producciones inexploradas presenta creaciones audiovisuales con poca visibilidad o repercusión y de territorios en las antípodas culturales. Unexplored Territories will present creations from countries with little-known audiovisual production.
AUDITORIO CENTROCENTRO AUDITORIUM CENTROCENTRO
Programación recomendada para mayores de 18 años Programme recommended for over 18’s MIERCOLES 12 DE DICIEMBRE WEDNESDAY 12th DECEMBER
“Habeas Corpus” es una flash-opera: voz, música e imagen se funde en una única visión, en un proceso creativo único. Fragmentos desperdigados del espíritu, se exploran desde el lenguaje nuevas maneras de escribir. “Habeas Corpus” is a flash-opera: voice, music and image merged in a single vision, in a unique creative process. Scattered fragments of the spirit, a language that explores new forms of writing.
INTRODUCCIÓN / INTRODUCTION Pausa en el tiempo y el espacio
Momoko Seto
(Francia/France) Planet Z - Planeta Z /2011/9’30 En algún lugar... el planeta Z. La vegetación va tranquilamente echando raíces y todo parace estar en armonía. Pero un invasivo hongo empieza a ocupar el espacio, hasta destruir este mundo ideal. Somewhere... planet Z. Vegetation is peacefully taking root on the planet and everything seems to live in harmony. But a sticky mushroom starts insidiously taking over the place, to finally destroy this ideal world.
80
SECCIÓN TERRITORIOS INEXPLORADOS: VIDEOARTE EN TAIWAN UNEXPLORED TERRITORIES SECTION: VIDEO ART IN TAIWAN
– España –Taiwan Intercambio de videoarte
Pause in Time and Space
– Spain ‐Taiwan Video Art Exchange El “espacio” y el “tiempo” se modifican mutuamente. En el video arte contemporáneo, la percepción del “espacio” se basa en la secuencia cronológica de las escenas. El tiempo, por su parte, se enriquece colmándolo de experiencias espaciales. La percepción del tiempo en el visionado de videos puede acelerarse o ralentizarse, invertirse o prolongarse, dirigirse en distintas direcciones. La yuxtaposición de esce-
“Space” and “time” modify each other. In contemporary video art, perception of “space” is established by the chronological sequence of scenes. “Time”, meanwhile, is enriched by cramming it with spatial experience. In modern society, however, perception of time, as part of any video‐viewing experience, can be accelerated or decelerated, reversed or dwelt upon, vaulted in each direction. The juxta81
nas produce asociaciones visuales en la mente del espectador. Asimismo, distintas secuencias de tiempo pueden confluir en una misma narración visual. Así, cada posición espacial –el moverse hacia arriba, hacia abajo, hacia delante o hacia atrás- suscita emociones diferentes. Como ha demostrado Paul Virilio, la sensación de velocidad que suscita la tecnología del vídeo se ha erigido en símbolo de poder. Conquistar esa velocidad supone imperar, asegurarse el dominio. Virilio denomina dromocratie a este dominio logrado gracias a la velocidad. La dromocracia barre con todo (con toda escena). También difumina los vínculos sociales entre las personas. Ante un telón de fondo marcado por el “la-velocidad-loes-todo”, los medios digitales se apropian y redimensionan la percepción de las distancias temporales y espaciales. Para Virilio la “aceleración” es el motivo que impulsa los avances tecnológicos. En la dimensión temporal, la transmisión de información queda reducida al máximo. En la espacial, casi todos los espacios físicos son ahora accesibles a través de las tecnologías de la comunicación. “El otro lugar” se convierte en ‘un lugar cualquiera’. En definitiva, la tecnología de los medios de comunicación, desdibujándola con violencia, ha modificado de manera decisiva nuestra percepción del tiempo y del espacio. Nuestro sentido del tiempo/espacio ya no es el mismo. Bajo el título de Pausa en el Tiempo y el Espacio, esta exposición indaga en la “pausa” como suspensión temporal del proceso narrativo. Con cada transición, cada narración, cada escena o posición se modifica. ¿Qué nos espera en las encrucijadas del futuro? Adoptando distintas estrategias de “narración fragmentaria”, las obras de arte distorsionan toda la retórica visual y todo el contexto narrativo, creando pausas específicas o durées que apuntan en distintas direcciones. Con la “poesía que fluye” sobre las imágenes en movimiento, los espectadores pueden leer las distintas relaciones sintácticas y semánticas y sentir la discontinuidad en el tiempo y el espacio.
82
position of scenes produces associative visual images in the mind of the viewers. Likewise, several sequences of time may be compressed into a single visual text. As a result, different emotional sensations are attached to spatial positions ‐‐ moving upward, downward, frontward or backward. Undoubtedly, as demonstrated by Paul Virilio, the sense of speed created by modern video technology is a symbol of power. Conquest promises outright supersession; speed secures commanding power. Such command of power, obtained by speed, is what Virilio called dromocratie. Put simply, dromocratie sweeps away everything (scene). It also erases the social connections between people. Against a “speed‐is‐all” backdrop, perception of temporal and spatial distance is re‐measured by digital media technology. Virilio considered “acceleration” as the core of technological advancement. On temporal dimensions, transmission of information is shortened to the extreme. On spatial dimensions, almost all physical spaces can be reached via communication technologies. “The other place” easily becomes “another place”. That is to say, modern media technology has decisively altered our perception of time and space, which has fallen victim to destructive obliteration. Consequently, our sense of time/space is no longer the same. Titled Pause in Time and Space, this exhibition explores “pause” as a temporary suspension of a narrative process. After each transition, every narrative, scene and position becomes somewhat different. What awaits us at the crossroads ahead? Adopting various “fragmentary narrative” strategies, all artworks distort the entirety of the visual rhetoric and narrative context, forming peculiar pauses or durées in different directions. Through the creation of “flowing poetry,” made possible in these artworks with moving images, viewers are able to read the distinct syntactic and semantic relations so as to feel the discontinuity in time and space.
COMISARIO CURATOR Chih-Yung Aaron CHIU es professor adjunto en el Departamento de Comunicación, Providence University. También trabaja con la Fundación Digital de Arte y dirige el “Research Institute for Media Technology and Creative Industries”. Su doctorado es de la “School of Interdisciplinary Arts, Ohio University, U.S.A.” y está especializado en arte y estética de los nuevos medios, lo cual combina con su trabajo como comisario de exposiciones. Sus artículos entitled (2007) e Inter/face: A Reconsideration of Myth of Transparency (2008) han sido nominados en los Digital Art Awards Taipei (DAA Taipéi). Sus últimas publicaciones incluyen ‘Fill in the Blank: On the Position of Spectatorship in the New Media Arts,’ ‘Textual Blank and Creative Participation: On the Dialectics Relationship between the Creator, Artwork, and Participant on the Interactive New Media Art,’ ‘The Intervention of History toward Contemporary Era: On Appropriations and Re-creation of Visual Archive Images,’ ‘City Spectacle and Imagescape: The Multiple Carrier of Contemporary Visual Images,’ ‘The Work of Art in the Age of Digitized Culture,’ y ‘Aesthetic Perception of Digitized Art Image in Cyberspace: Toward A Phenomenological Experience’
Chih-Yung Aaron CHIU is Associate Professor at the Department of Mass Communication, Providence University. He is also works with the Digital Art Foundation and directs the Research Institute for Media Technology and Creative Industries. He has a PhD from the School of Interdisciplinary Arts at Ohio University, U.S.A. and specialises in new media art and aesthetics, which he now combines with work as an exhibition curator. His articles entitled (2007) and Inter/face: A Reconsideration of Myth of Transparency (2008) have been nominated for Digital Art Awards Taipei (DAA Taipei). Recent publications include ‘Fill in the Blank: On the Position of Spectatorship in the New Media Arts,’ ‘Textual Blank and Creative Participation: On the Dialectics Relationship between the Creator, Artwork, and Participant on the Interactive New Media Art,’ ‘The Intervention of History toward Contemporary Era: On Appropriations and Recreation of Visual Archive Images,’ ‘City Spectacle and Imagescape: The Multiple Carrier of Contemporary Visual Images,’ ‘The Work of Art in the Age of Digitized Culture,’ and ‘Aesthetic Perception of Digitized Art Image in Cyberspace: Toward A Phenomenological Experience’
Jun‐Jieh WANG
Project David III : David’s Paradise - Proyecto David III: El Paraiso de David /Video de alta definición, color, sonido/19’32”/2008 Las instalaciones video-gráficas del Proyecto David son una serie de trabajos creados por el artista Jun-Jieh Wang en memoria de su amigo. Ya ha proyectado Untitled 200256 (instalación en doble pantalla sincronizada, 2004) y Condition Project II (instalación interactiva en triple pantalla, 2005). El Paraíso de David es la última pieza de esta serie. A través de las imágenes en movimiento y de
The Project David film installations form a series of works created by artist Jun_Jieh Wang in memory of his friend who passed away. Previously, he showed Untitled 200256 (two-screen synchronous installation, 2004) and Condition Project II (three-screen interactive installation, 2005). David’s Paradise is the last work of the project. Featuring non-narrative moving images projected on five screens, it seeks 83
forma nonarrativa, busca revelar los sentimientos indescriptibles, abstractos y sutiles que se esconden en los recovecos del corazón. La película está ambientada en un hogar cualquier que va desdoblándose de forma continua, desde el exterior hacía el interior, pasando por la puerta, el estudio, la sala de estar, el baño, la habitación y otra vez al exterior. Se mueve pausadamente desde las escenas realistas a las más surrealistas. En una serie de ambientes cotidianas, tanto reales como ilusorios, intenta transmitir la ambigüedad e incertidumbre de la coexistencia de espíritu, alma y cuerpo en el lugar, el espacio y el tiempo.
to reveal the indescribable, abstract and subtle feelings deep within people’s hearts. The setting is an ordinary living space that unfolds continuously, from exterior to interior, through the doorway, study, living room, bathroom, bedroom, and back to the exterior again. The film moves slowly from realistic to surrealistic scenes. In a series of real and illusory everyday settings, it attempts to convey the ambiguity and uncertainty of the coexistence of spirit, soul and body in the environment, space and time.
Goang‐Ming YUAN
Disappearing Landscape‐Scotland - Paisajes en extinción_Escocia /Single Channel Video/06’28”/2008 Para la exposición en solitario, Paisajes en Extinción (2007), concentré mis esfuerzos en cambiar mi camino creativo con la grabación de “momentos cotidianos” en el hogar, la naturaleza y el entorno. En el verano del 2008 me escogieron como artista en residencia en la destilería de Glenfiddich en Dufftown, un pueblo con una población de unos 2000 personas. Esta experiencia hizo que me diera cuenta de los cuidados, el nivel de atención y el tiempo necesario para crear un whisky. Aunque el ritmo de trabajo en la fabrica no fuese nada fuera de lo común, el entorno dónde se encontraba era un ejemplo de lo mejor que la naturaleza puede ofrecer. Allí conocí a Andy Fairgrieve. Era el encargado de la villa de los artistas, pero tenía pinta de punk y con el tiempo descubrí que, efectivamente, tocaba batería en un grupo. Enseguida lo ví como un personaje principal bien desconectado de esa estructura estable que nos rodeaba. El trabajo de video vuela por distintas escenas en la destilería: Andy tocando la batería, el bosque detrás de la residencia, yo fregando platos en la cocina, la gente joven de la zona en pleno baile tradicional de las tierras altas, un músico tocando la gaita. Para mi, estas personas y momentos estaban conectados con la idea de “cosas cotidianas” que quería desarrollar en mi última exposición en solitario.
84
In the 2007 solo exhibition, “Disappearing Landscape,” I made a concerted effort to change my creative direction by recording “moments in daily life” from home, the environment and nature. In the summer of 2008, I was chosen as a resident artist at the Glenfiddich refinery in the town of Dufftown, with a population of around 2000. It was this experience that first made me aware of the care, attention and time it takes to distill whiskey. Although the work patterns at the distillery were ordinary, the surrounding environment was very much nature at its magnificent best. It was there that I met Andy Fairgrieve. He was in charge of the artist’s village, but looked like a punk rocker and, as I later discovered, also played rums in a band. He instantly struck me as a key character suitably detached from the stable structure that surrounded us. The video work flies over different scenes at the distillery; Andy playing drums, the forest behind the dormitory area, me cleaning dishes in the kitchen, local youths dancing a highland fling, a musician playing the traditional bagpipes. In my mind, these people and events were naturally connected to the idea of “daily things,” growth and decline used in my last solo exhibition.
Ya‐Hui WANG
Visitor - Visitante /Video, color, sonido/07’11”/2007 ¿En qué se distingue una historia cotidiana? Siempre me llama la atención la forma en la que los objetos del día a día se transforman en relatos. Éste es un apartamento antiguo donde vivía de recién nacido. Situado en un barrio histórico de Taipei, el edificio se construyó de una forma larga y rectangular, con un patio. En el exterior, las escenas se sucedían de forma rápida, mientras por dentro, el aroma de la vida diaria se hacía cada vez más pesado. Con el lento paso de una nube y bajo la luz del sol, el tiempo y la memoria llegaron a ser de ensueño.
What makes a daily‐life story? I am always obsessed with the way daily items are transformed in a story. This is an old apartment where I first lived after being born. Located in the historical district of Taipei, the building was built with a long rectangular shape and an open‐air atrium. Scenes on the outside changed rapidly while the scent of daily life inside grew ever thicker. As a cloud slowly passed by, time and memory, under the light of the day, became dreamlike.
Po‐Chih HUANG
Self‐Portrait No.2(RED) - Autoretrato No.2(ROJO) /video mono canal/07’ 17”/2007 Con el cuerpo pegado al cristal del escáner, no podía sino reflexionar sobre el significado de la distancia. A pesar de nuestra proximidad, ¿cual es el impacto de esa distancia carnosa entre el cristal y yo? ¿Existe en ese espacio recóndito alguna imagen que va más allá de los sentidos? Creo que sí existe algo entre la piel y el yo. Me daban miedo las imperfecciones pormenorizadas que salieron a la luz por el escáner. No podía visualizar el reflejo de mi forma producido por la radiación del escáner, ni imaginar mi auto-imagen nacida de la ausencia, el desplazamiento, una caída de la realidad. Pero no minimicé las fisuras creadas por esta distancia entre el cristal y mi cuerpo, ni las cubrí. Al contrario, me fusioné con las fisuras por medio de materiales rojos y tangibles para crear el efecto de la alienación. Tal efecto me calmo el pánico y la ansiedad hacía esas imperfecciones.
As my body clinched to the glass of the scanner, I could not help but ponder upon the meaning of distance. “What is the implication of the fleshly distance between the glass and I in spite of our closeness?” “Does any imagery that is beyond senses exist in this obscure space?” Something exists betwixt the skin and the self, I believe. I was frightened by the detailed imperfections which surfaced by means of the scanner. They engendered my panic toward the absence of my fleshly senses; my anxiety was aroused by the notion of displacement as well. I could not visualize the reflection of my figure produced by the radiation of the scanner, nor could I envision the image of a self that was given to birth by absence, displacement, and the fall from reality. However, I did not minimize or plaster the fissures produced by the distance between the glass and I. Instead, I integrated myself into the fissures by applying materials which are crimson and tangible in order to establish the effect of alienation. Such effect soothed my panic and anxiety toward the detailed imperfections. 85
Chin‐Chung DIN
Vacant Room 3 - La sala vacía 3 /Obra audiovisual digital/02’00”/2012 La sala vacía abarca las relaciones entre la estructura, la rotación y el espacio. En el video, la luz rotatoria se trata como una manera de esculpir el espacio, cambiándolo gracias a la maleabilidad y variedad de la luz en sí. Los rayos forman un circulo rotatorio, captado por una cámara giratoria. La actividad repetitiva que nace de esta rotación tiene importancia no por los rayos de luz en sí, sino por el desbaratamiento que causa en la estabilidad y emociones tanto del creador como de los espectadores según vaya pasando el tiempo. La sala vacía intenta investigar las posibilidades entre lo estructural y la luz; el dispositivo está re-programado para simular la relación entre las manillas del reloj, o sea, la luz y la cámara. El video demuestra como se transforman el espacio y la luz, provocando la incertidumbre. Los círculos de luz crean un desequilibrio con la gravedad, cuestionando nuestra forma de entender el tiempo y el espacio.
The Vacant Room series concerns the relationships among structure, rotation and space. In the video, the rotating light is treated as a sculpture of space which can be shaped by the malleability and variability of light itself. The tracks of light form a rotating light circle, captured by a revolving camera. The repetitive activity created by rotation matters not in the difference of tracks but in the disrupted stability and emotions of both the creator and observers evoked by the experience accumulated with the passing of time. The Vacant Room series has attempted to investigate the possibilities between structure and light by resetting the device to simulate the corresponding relationship between moving clock hands i.e. the relationship between the light and the camera. The video shows the transformation of spaceand light into a sensational stimulation of uncertainty. The strings of light circles create imbalance against gravity and overthrow the common understanding of time and space.
Wen‐Chi CHEN
FACE 2 - ROSTRO 2 /10’00 “/2011 La sombra de la modelo participa en un ritual secreto, como si fuera una micro experiencia de la muerte. No es algo subjetivo ni objetivo, sino una aventura basada en el despertar de la conciencia. El conflicto entre imagen y percepción descubre los diferentes tipos de ‘reconocer’ más allá del tiempo. Vivimos en un mundo del presente; sería imposible para nosotros detener cada segundo que pasa. Nuestra forma de reconocimiento es como la de una cámara de vídeo, registra los momentos silenciosos que suceden delante de nuestros ojos pero no puede comprender un cambio real. Experimentamos cada momento y también activamos cada perturba-
86
The shadow of the model participates in a secret ritual, as a micro experience of death. It is neither subjective nor objective but an adventure based on the awakening of self-consciousness. The conflict between image and perception exposes different types of ‘recognising’ over time. We live in a world of now; it would be impossible for us to detain every second that passes. Our recognition is like a video camera, recording the silent moment before our eyes, but it could not understand real change. We experience every moment and we also trigger every disturbance in our heart. The real world in our mind is like a frozen image. Even
ción en nuestro corazón. El mundo real en nuestra mente es como una imagen congelada. Incluso si creemos en lo que vemos, seguiremos sin tener ninguna evidencia. Nuestra mirada es un agujero negro en nuestra mente, imposible de entender, que absorbe todo lo que tuvimos una vez.
if we believe in what we see, we still do not have any supporting evidence. Our gaze is a black hole in our mind, impossible to understand, absorbing everything that we once had.
Chih‐Chien CHEN
Flowing Pride II - Orgullo que fluye II /Video, color, mudo/07’05 “/2009 Mirando solo el “tiempo”, esta pieza habla de un descuidado período de tiempo en una ciudad. Estado del tiempo: nublado. El “espacio” es representado como un aterrizaje en una azotea desierta. Visto desde un ángulo vertical, el “espacio” se desplaza paralelamente al “espacio tiempo”. Mantiene un estado de “desactivado” y una forma de mirar a su entorno “desactivada”. Un trozo de lienzo ha sido acoplado a una antena; revolotea sin cesar, retratando la vida menguante y el agotamiento del tiempo.
By looking at “time” only, Flowing Pride II speaks of a neglected period of time in a city. Weather condition: hazy. “Space” is depicted as docking at a deserted rooftop. Seen from a vertical angle, “space” is drifting alongside “time space”. It maintains a “disengaged” status and a “disengaged” way of looking at its surroundings. A piece of canvas is attached to an antenna, flutters endlessly, portraying dwindling life and depleting time.
87
Jui‐Ming WANG
Yi HUANG
Twins - Gemelos /03’05”/2006
Spin - Giro /08’00 “/2010 El bailarín Yi Huang es un coreógrafo del Teatro Cloud Gate Dance y su trabajo “Giro” es un proyecto experimental con cuatro años años de antigüedad que se centra en la relación entre tecnología, danza y arte para crear una obra única. Para la última versión de Giro, el elemento humano fue eliminado para proporcionar una actuación dominada por máquinas y tecnología y para reducir al mínimo la participación de las emociones y experiencias de la vida personal. Tal demostración de miembros artificiales combinados con efectos visuales especiales acaba por crear un diseño más conceptual para una experiencia visual totalmente nueva.
Dancer Yi Huang is special choreographer of Cloud Gate Dance Theater 2 and his choreographed work Spin is a four‐year experimental project combining technology with dance, focusing on the interrelationship between technology, dance and art to create a unique work. For the latest version of Spin, the human element was eliminated to provide a performance dominated by machines and technology and to minimize the involvement of emotions and personal life experiences. Such a display of artificial limbs combined with special visual effects created a more conceptual design for a totally new visual experience.
Guan‐Ming LIN
In the Memories of … - En los recuerdos de… /video monocanal, mudo/07‘20“/2008 “En la actualidad, la información define una clara línea para el mundo conocido. Dicta, como si proclamase, “cree, y ganarás la eternidad.” También se puede optar por “escapar”, lo que no se considera un acto de cobardía o traición, sino un deseo de libertad de los decretos. Para mí, lo inesperado es mas atractivo que lo obvio. Un día, cerca de la frontera entre los condado de Yunlin y Jiayi (sur de Taiwán), me llamó la atención,más allá de la orilla del río, una red de pesca flotando por encima del mar. Atravesó la tranquila superficie, revoloteando en el aire durante algún tiempo, hasta que finalmente se hundió en el mar. Mi corazón palpitó por esa red de pesca. Después del episodio de flotación y de la zambullida final, no había ninguna señal de la red, tan sólo quedaba un océano silencioso. El momento del encuentro que acababa de pasar se mantenían aún fresco. Me pregunté varias veces: ¿que clase de estado de la mente era este? Al parecer, la red de pesca no se presentaba como una “red de pesca.” Preferí obviar la respuesta. Era solo un expresión de la libertad.”
88
Today, information draws a clear line for the known world. It dictates, as if it proclaimed, “believe, and you shall gain eternity.” You may opt for “escape”, which is not seen as an act of cowardice or betrayal, but a desire for freedom between decrees. For me, the unanticipated appeals greater than the expected. One day, near the county borders between Yunlin and Jiayi (southern Taiwan), and beyond the river’s embankment, a fishing net floating above the sea caught my attention. It swept the tranquil surface, hovered mid‐air for some time, and eventually plunged into the sea. My heart palpitated, solely for that fishing net. After bouts of floating and the final dive, there were no signs of the net in sight, only a silent ocean left behind. Fresh was the moment of the encounter that’d just passed. I asked myself repeatedly, what state of mind this is? Apparently, the fishing net appeared not as a “fishing net” I chose to escape the proclamation. Freedom, it is merely so.
El marco creativo de este video contiene tres capas: concepto, sistema y aplicación. Investiga la relación triangular entre tiempo, velocidad y espacio. Las escenas de las hermanas gemelas de pie filmadas en posiciones correspondientes se proyectan en pantallas duales, donde los espectadores son guiados por un avión. Esta obra de arte es un intento de revelar hechos poco conocidos acerca de los gemelos. Mientras tanto, se propone un punto de vista entre la simulación y la realidad, tal vez bastante apropiado para un mundo intensamente falso y artificial. Utilizando dos proyectores, los dos videos de igual tamaño se proyectan en dos paredes opuestas, mostrando a dos hermanas gemelas en una pradera mientras la luz del día va cambiando progresivamente. Las hermanas permanecen de pie sin moverse y con los ojos cerrados, integrándose pacíficamente con la naturaleza. Cuando los espectadores se acercan, un avión atraviesa las dos pantallas conectando los videos, incluidos ambos fondos y los recuerdos compartidos de las gemelas, dejando ver cómo las dos son inseparables e interdependientes.
The creative framework of Twins contains three layers: concept, system and application. It probes the triangular relationship between time, speed and space. The twin sisters filmed standing in corresponding positions are projected on dual screens, between which viewers are guided by an airplane. This artwork is an attempt to reveal lesser‐known facts about twins. Meanwhile, it proposes a point of view between simulation and reality, perhaps quite fitting for a heavily fabricated and fake world. Using two projectors, two videos of the same frame size are displayed on two opposing walls, showing two twin sisters on a lawn while capturing the change of light during the day. The sisters are both in a stand‐still position, eyes closed, merged peacefully with nature. As viewers draw near, a plane in descending glides through the two corresponding screens, connects the two videos, including their backgrounds and the twins’ shared memories, showing how the two are inseparable and interdependent.
Hui‐Yu SU
A Horror Day - Un día de horror /HD video, color, sonido/06’00 “/2010 Desde su creación, el horror ha sido un género clásico del cine que ha continuado afectando la visión del mundo y la vida de las personas durante generaciones. Imágenes realizadas de modo primoroso se emiten en las televisiones de todos los hogares del mundo. Una noche, después de tomar mi medicina, la cual había aletargado mis sentidos, terminé de ver una conocida película de horror que no causaba miedo. No fue hasta la mañana siguiente que el miedo se apoderó de mi. Descubrí que la vida podía ser una película de terror. Sonidos horribles, movimientos de cámara, técnicas de edición y la propia imaginación del espectador habían invadido nuestras vidas. Nada más horrible podía ocurrir, como si el horror se hubiese convertido en un hábito, o en un patrón común.
Since its inception, horror has been a classic film genre and continued to affect people’s worldview and life for generations. Delicately made images are delivered to every household’s TV via broadcast. One night, after taking medicine, which had blunted my senses, I finished watching a re‐run horror, un‐scared. It was the next morning that I felt consumed by fear. Life could be a horror film itself, I found. Horrifying sounds, camera moves, editing techniques and the viewer’s own imaginations have all invaded our life. Nothing more horrifying can occur, as if horror had become a habit, or a standard procedure. 89
SECCIÓN TERRITORIOS INEXPLORADOS: VIDEOARTE EN IRAN UNEXPLORED TERRITORIES SECTION: VIDEO ART IN IRAN La sección producciones inexploradas presenta creaciones audiovisuales con poca visibilidad o repercusión y de territorios en las antípodas culturales. Unexplored Territories will present creations from countries with little-known audiovisual production.
AUDITORIO CENTROCENTRO AUDITORIUM CENTROCENTRO
Programación recomendada para mayores de 18 años Programme recommended for over 18’s JUEVES 13 DE DICIEMBRE THURSDAY 13th DECEMBER
COMISARIO CURATOR Mona Mohagheghi, nació en Teherán, Irán en 1981 y ahora reside en Florencia. Se mudó allí tras licenciarse en matemáticas en la Universidad de Teherán. Cursó en la Academia de Bellas Artes de Florencia, donde se licenció en Artes Visuales (especializándose en pintura) y completó un máster en Artes Visuales y Nuevos Medios. Durante estos años ha participado en numerosas exposiciones y festivales tanto individuales como colectivos. Como artista, Mohagheghi refleja su trabajo e ideas a través de diferentes medios, especialmente la instalación y el videoarte. Su investigación artística abarca temas como los recuerdos y la relación espacio-tiempo. Las situaciones que estudia y explora a través de su trabajo combinan su experiencia como joven mujer Iraní con ideas arraicadas en los valores cultuales compartidas a nivel global.
INTRODUCCIÓN / INTRODUCTION Con el arte de los nuevos medios, el videoarte en particular – uno de los canales de expresión artística contemporánea más significativos – se difuminan las fronteras y la voz del artista puede lanzarse a un escenario global. Cada vez mas, los artistas iraníes están haciendo uso del video, un medio versátil que les permite expresar sus opiniones, trasmitir sus mensajes y llamar la atención a la problemática social. Esta selección de trabajo realizado por artistas iraníes, en la mayoría una joven generación que aún reside en Irán, acerca al espectador a los contextos culturales y a la realidad social del país, además de tocar conceptos comunes a nivel universal. Las obras no se han seleccionado bajo un tema en concreto, pero sí que hay un denominador común: hasta cierto punto, todas reflejan la realidad de haber experimentado situaciones críticas. 90
By using new media and videoart in particular, as one of the most significant channels of contemporary artistic expressions, bounderies are blurred and voices of the artists can be heard in a global context. Iranian artists today increasingly use videoart as a versatile artistic medium that best expresses their visions,conveys their messages, and provokes questions regarding social concerns. Through this selection of videos of Iranian artists mostly from the young artists generation living inside Iran, viewers can have an insight of differences in cultural context, country’s social reality, as well as common global concepts. The works are not selected under a special theme. But what they all have in common is some how the reflection of the experience of having lived in rather critical situations.
Mona Mohagheghi was born in Tehran, Iran in 1981 and is now based in Florence. She moved there after graduating in Mathematics from Tehran University, and attended The Florence Academy of Fine Arts, where she graduated in Visual Arts (specialising in painting) before going on to receive an MA in Visual Arts and New Media. During the past few years she has participated in numerous solo and group exhibitions and festivals. As an artist she portrays her work and ideas through different languages, in particular through installation and videoart. Her artistic research involves issues like memory and the space-time relationship. The situations that she studies and explores through her artistic work combine her experience as an Iranian young woman with ideas whose roots lie in global cultural values.
Sandra ALVARO Mehrdad Afsari
There is no news in Iran - Sin novedades de Iran /06:18 ¡No hay noticias en Iran! ¡No hay noticias en Iran! ¡No hay noticias en Iran! ¡Sí que las hay! There is no news in Iran! There is no news in Iran! There is no news in Iran! There is!
91
Sandra Amin ALVARO Davaie
Here,is a maximum of two thousand meters above sea level Aqui, a dos mil metros por encima del nivel del mar /06:36 El titulo del video se refiere a Tehrán. Cada lugar puede englobar distintos ambientes según las condiciones del entorno. ‘Saltar’ es una palabra vinculada a una experiencia que supone algún que otro elemento de elección, pero a veces nos lanzan, lo cual no tiene necesariamente conexión ninguna con un lugar en concreto. El lanzar es una acción compulsiva y es un error de él que lanza suponer que otorga sentido al lugar. En el fondo, la persona que es lanzanda es el que cambia el concepto del lugar a favor de su propia idea.
The title of the video refers to Tehran. Every location can provide different settings according to environmental conditions. ‘Jumping’ is a word related to an experience involving some element of choice but sometimes we are thrown and this is not necessarily related to a specific location. Throwing is a compulsive act and it is the thrower’s mistake to assume that he is giving a sense of meaning to the location. Ultimately, the one who is thrown changes the concept of location in favour of his/ her own idea.
Sandra ALVARO Samira Eskandarfar
I’m not here - No estoy aquí /06:18 Los columpios donde antes jugaba, los toboganes donde yo me tiraba, las escaleras que me empeñaba en subir. Llegaban hasta muy alto. Desde allí arriba, saludaba a mi cuidad. El parque con el que yo crecí y donde vuelvo, pasados 23 años. Ha cambiado mucho. Los niños disfrutan de los columpios y el tobogán, pero ya no hay escalera para subir. He estado allí antes. Este lugar se ha quedado en mi mente, intacto, pero ya que vuelvo, veo que todo es distinto. ¿En realidad, había estado aquí? Ahora estoy aquí, no estoy aquí ahora.
The swings I used to play with, the slides I used to slither down, the ladders I used to climb. They were very high. From up there, I used to wave to my city. The park I grew up with, where I return after 23 years. It has changed a lot. Kids are playing on the swings and slides but there is no ladder to climb anymore. I’ve been there before. This place had stayed in mind, intact, and now I see that it has changed. Had I been there before or not? I am here now, I am not here now.
SandraFayez Arash ALVARO
Untitled 209 - Sin título 209 /0:55 Esta obra trata las ideas del fracaso y la desesperación. La ausencia de ningún lugar ni fecha específica la vincula a cualquier historia de cualquier rincón del mundo. Una narrativa conectada a la verdad de que estamos simplemente observando la opresión, nada más.
Shahram Sandra ALVARO Entekhabi
Mimra /05:34
Mimra presenta un comentario claro sobre las ideas de sospecha y terror, donde la presencia de la insurgencia terrorista esta creando un estado de emergencia no sólo en Occidente pero también en el Oriente Medio. En este contexto, todos somos sospechosos, pero se da por hecho que los autores de esos crímenes son, en su mayoría, hombres. En Mimra, un escenario completamente femenino cuestiona los estereotipos acerca de la masculinidad y el Islam. La libertad de movimiento y sus limitaciones, dentro del espacio urbano en particular, son temas también explorados en esta obra. 92
Mimra is a clear commentary on the ideas of suspicion and terror, where the presence of terrorist insurgents is creating a state of emergency not just in the West but within the Middle East itself. In this climate, everyone is a suspect but the perpetrators are assumed to be largely men. In Mimra, a scenario that is entirely feminine challenges stereotypes concerning masculinity and Islam. Questions about mobility and constraint, particularly in the domain of urban space, are readily identifiable within the video.
This video is made around the ideas of failure and despair. The absence of a specific place or date connects it to any worldwide story. A narration related to the truth that we are just observing the oppression, nothing more.
Sandra Arah Khakpour-Arash ALVARO Radkia
Tehran Zoo - El Zoo de Tehran /10:30
Centrándose en el concepto de la esclavitud, esta película retrata el zoo de Tehran. Concentrating on the concept of slavery, this film portrays the wildlife zoo in Tehran.
93
Farid Sandra Jafari ALVARO Samargahndi
Sandra ALVARO Khosro Khosravi
Trilogy - Trilogía /06:11
Sus ojos esperan el sueño, Pueden girar uno alrededor del otro. Convertirse en resaca, lentamente, debido a la intensidad del sueño Tal vez en un poco de paz y tranquilidad durante un tiempo, Se tuercen, arremolinan y se distancian, se acarician Son acariciados, Puede que se hayan convertido en uno de estos organismos, Ninguno otros tres nunca podrán estar más cerca que esto Mientras se entrelazan como una hiedra, Sus pensamientos están tan alejados que los hace insomnes.
Fifth grade - Quinto grado /04:54 Their eyes await sleep, they may swirl around each other Becoming hangover, slowly, because of intensity of sleep Maybe some peace and quiet for a while, They twist and swirl and go far apart, they caress They get caressed, They might have become one in these bodies, No other three can ever get closer than this while they are intertwined like an ivy, Their thoughts are so far apart that makes them sleepless
Behnam Sandra Kamrani ALVARO
Gallery - Galería /05:12
Una muñeca mecánica flota en el agua, dentro de una bombilla de cristal. Los movimientos pausados de la muñeca, su flotabilidad y los ambiguos escritos que se entreven al fondo son símbolos de la vida contemporánea. Este juguete peculiar recuerda las tradiciones que nos son impuestas o de las que estamos forzosamente distanciados, además de la inocencia, la artificialidad y otras connotaciones.
A wind-up doll floating in water, inside a glass bulb. The slow movements of the doll, its buoyancy and the ambiguous writings behind it are symbols for contemporary life. The peculiar toy brings to mind traditions distanced from or imposed on us as well as innocence, artificiality and other connotations.
Simin Sandra Keramati ALVARO
94
In this work, the artist looks into the educational structure for 10-11 year-old girls in Iran. The work carefully explores the effect of the governing patterns of education on the children at that vulnerable age, when their childish characteristics mingle with adolescence. While the video directly addresses religious and pedagogical issues, deep inside it deals with broader cultural contradictions; literature and politics, life and death. The paradoxical dialogues read by schoolgirls are chosen from the fifth-grade reading book (Farsi). We observe a blurred image, gradually transforming to sharpen in on a close up frame of a girl’s school uniform and hijab, the clothing that must be worn by all women in Iran. In this video, the artist tries to show the contradictions existing in a simple cultural process.
Sandra ALVARO Sepanta Ghasemkhani
Latheral Inversion - Inversión lateral /04:48
School Diary - Diario de Instituto /05:57 Esta obra explora el terror relacionado con el colegio o a los niños que: podría ser el diario de alguien con mi edad. Todas las películas documentan hechos reales descargardas de YouTube, criticando, de alguna forma, lo que estamos haciendo a nuestros niños hoy en día…
En este trabajo, el artista investiga la estructura educativa para las niñas de entre 10 y 11 años en Irán. Explora, con rigor, el efecto de los patrones de educación en las chicas de una edad tan vulnerable, cuando sus características más infantiles se fusionan con la adolescencia. Aunque trata directamente cuestiones de religión y pedagogía, el video también resalta contradicciones culturales más amplias: la literatura y la política, la vida y la muerte. Los diálogos paradójicos que leen las chicas se han seleccionado del libro de texto para el quinto grado en farsi. Observamos una imagen difuminada que se va transformando para enfocarse en un primer plano del uniforme colegial de las chicas. Incorpora el hiyab, una prenda obligatoria para todas las mujeres en Irán. En este video, el artista pretende sacar a la luz las contradicciones que existen dentro de un sencillo proceso cultural.
The work is about the terrors related to schools or school children; it could be a diary of someone at my age. All the films are documents from real events downloaded from “youtube”, which criticise in some way what we are doing to our school children in our time...
La primera vez que me enfrenté a un espejo, descubrí mi existencia como ser independiente… Poco después del nacimiento y ése espejo sigue estando cerca para que pueda llevar puesta mi identidad todos los días, engalanarme y ser engalanada. Hablo de identidad, una identidad que se viste, una identidad fingida, una pretensión engañosa, una pretensión invertida. Yo, delante de un espejo plano, soy una inversión lateral. The first time I confronted a mirror, I discovered my independent existence ...a little while after birth and this mirror is still nearby so I can wear my identity before it everyday, adorn myself and be adorned. I am talking about identity, a wearable identity, a made up identity, a pretended identity, a deceptive pretension, an inverted pretension. I, in front of the flat mirror, am a lateral inversion. 95
Shadi Sandra Noyani ALVARO
Sandra ALVARO Hamed Noori
Harmonica - Armónica /04:05 Tanto el titulo como el punto de empiece de esta obra se toman prestados de la película de Amir Naderi, La Armónica (1973). Narra la historia de uno niño llamado Amirou, fascinado por ese instrumento que tiene otro joven. Solo por tocarlo está dispuesto a hacer lo que haga falta. La Armónica es un relato simbólico del colonialismo en el tercer mundo. Tras la revolución en Irán, esta película – acorde con las lemas idealistas, revolucionarias y heroicas – se emitió una y otra vez en la televisión estatal. En aquel momento, Noyani tenía unos 4 o 5 años y se obsesionó por el personaje de Amirou, que aparece en una escena humillado por los demás niños que le piden bailar como un mono en cambio por unos segundos de soplar la armónica… En metraje encontrado muy inusual, de la cineteca de su familia, Noyani baila en su mundo infantil al igual que Amirou, con un palo y tocando la armónica. Sin tener la más mínima idea de lo que significa el colonialismo, dice “quizás el encontrarse tocados por el colonialismo es una consecuencia de la inmadurez y comportamiento infantil tan extendidos en los países del tercer mundo.”
96
Generalized Anxiety Disorder - Trastorno de ansiedad generalizada /01:30 El trastorno de ansiedad generalizado (TAG) se caracteriza por un patrón de ansiedad crónica, preocupación exagerada y tensión que llega a trastornar la vida cotidiana de los que lo padecen. Las personas de sufren TAG se preocupan continuamente por el futuro, con la sensación de que su ansiedad está fuera de control precisamente porque algo malo esta a punto de ocurrir. Generalized Anxiety Disorder (GAD) is characterized by chronic anxiousness, exaggerated worry and tension that disturb the person’s everyday life. People with GAD constantly worry about the future and feel that their anxiety is out of control because something bad is about to happen.
The piece borrows its name and starting point from Amir Naderi’s film The Harmonica (1973). It narrates a story of a boy called Amirou who is fascinated by this instrument, owned by another boy. He is willing to accept anything just to play it. The Harmonica is a symbolic tale of colonialism in the thrid world. After Iran’s revolution, this film - in line with idealistic, revolutionary and heroic slogans - was broadcast time and again from state-run TV. At the time, Noyani was 4-5 years old and became possessed by Amirou’s character in the film, were he is being humiliated by the other boy in front of others by being asked to dance like a monkey in exchange for few moments blowing on the harmonica … In rare found footage from her family archive, Noyani, in her childish world, is playing the harmonica and dances like a Amirou with a stick. Without having the slightest idea of what colonialism means, she adds “maybe being affected by colonialism is a consequence of our wide spread immaturity and childish behaviour in 3rd-World countries”.
SandraGhoseiri Ronak ALVARO
Sweet girl - Chica dulce /03:36 Una mujer lucha y sufre tantísimos obstáculos, además de la discriminación en un país como el mío. No sabe como aguantarlo, como superar todas las barreras y prohibiciones procedentes de su padre, su hermano, su marido y la sociedad masculina, fanática de Irán.
A woman struggles & suffers from so many obstacles and discrimination in a country like mine. She does not know how to cope, how to overcome all the hurdles and prohibitions that come from her father, brother, husband and Iran’s fanatical, masculine society.
97
SECCIÓN TERRITORIOS INEXPLORADOS: VIDEOARTE EN COREA UNEXPLORED TERRITORIES SECTION: VIDEO ART IN COREA La sección producciones inexploradas presenta creaciones audiovisuales con poca visibilidad o repercusión y de territorios en las antípodas culturales. Unexplored Territories will present creations from countries with little-known audiovisual production.
AUDITORIO CENTROCENTRO AUDITORIUM CENTROCENTRO
Programación recomendada para mayores de 18 años Programme recommended for over 18’s VIERNES 14 DE DICIEMBRE FRIDAY 14th DECEMBER
INTRODUCCIÓN / INTRODUCTION
98
CINE EXPERIMENTAL DE COREA
KOREAN EXPERIMENTAL FILM
1. Cine experimental en Corea - los inicios: Los albores del cine experimental coreano se remontan a la década de 1960. En 1961, Yoo Hyun-mok realizó Chun-mong (Sueño de primavera), inaugurando una tendencia a producir un cine más poético, el llamado “CinePoema”, que dramático. Chun-mong tomó como motivo los sueños, lo cual, considerando asimismo el título de la película y el subsiguiente movimiento denominado “CinePoema”, permite pensar que esas obras tenían en su conjunto una querencia surrealista. La misma noción de ‘CinéPoème”, que aparece en la primera escena del Emak Bakia de Man Ray, lo corroboraría. Sin embargo, como estas películas se han perdido y no con-
1. Experimental film in Korea – the beginnings Experimental films in Korea started in the 1960s. Director Yoo Hyun-mok made Chun-mong (Spring Dream) in 1961 and, led by this director, poetic films rather than dramas started to be produced at this time under the umbrella term ‘CinePoem.’. Chun-mong took dreams as a motif. Given the name of the film and the following ‘CinePoem’ movement, we can assume that these works were rooted in surrealism. The term ‘CinePoem,’ which appears in the first scene of Man Ray’s ‘Emak Bakia,’supports this assumption. However, as those films are not available nowadays, nor we can find any documents about them, there is no way to find out what was made
tamos con documentación alguna sobre las mismas, poco sabemos de su tenor o de la difusión que recibieron. Sí sabemos que la generación sucesiva no les dio continuidad. En la década de 1970, surgió un nuevo movimiento de cine experimental impulsado por dos grupos de trabajo: la Image Society y Kaidu. Aunque tampoco disponemos de un registro de sus actividades, sí sabemos que el director Han Ok-hee y el pintor Kim Jum-sun fueron los promotores de Kaidu y que tras la Image Society habrían estado, según las memorias escritas por Han Ok-hee, algunos profesores influidos por el New American Cinema mientras estudiaban en el extranjero y que se propusieron producir un nuevo tipo de cine al regresar a Corea. En la azotea de los almacenes Shinsaegae, alquilada a tal efecto, organizaron un festival de cine experimental que conoció varias convocatorias pero que no tuvo mayor repercusión ni, por deficiencias de organización, continuidad. Sí sabemos que las cintas ahí mostradas tenían cierto grado de complejidad narrativa. Se conservan de esa época dos películas de Han Ok-hee -Mujae (Sin título) y Sakdong (Colorido)- pero las animaciones abstractas de Kim Jum-sun -75-A y 75-B- se han perdido. Las circunstancias de la década de 1980 no fueron propicias para el cine experimental. Se dieron algunos conatos, principalmente entre estudiantes de cine, pero de un calibre apenas reseñable. Será en la década de 1990 cuando, a raíz de un taller de cine experimental organizado entre el Instituto Goethe en Corea y el Centro de Cine Experimental, el cine experimental empiece a tomar forma. Wet Dream (1992) de Kim Yoon-tae surgió del taller del Instituto Goethe, mientras que el Centro de Cine Experimental, llamado primero Grupo Nueva Imagen, produjo dos películas en 1993: Industrial de Bae Hyo-ryong y I don’t know you dirigida por Hwang In-yong que se completarían sólo en 1994. De este mismo año data la obra de Im Chang-jae Org. Estas tres cintas se proyectaron en un festival realizado en el Centro de Arte de Dongsung del 26 de abril al 6 de mayo de 1994, junto con otras obras coreanas y extranjeras, entre ellas la mencionada Wet dream, Scorpio Rising de Kenneth Anger, T.Z. de Robert Breer, The Tie that Binds de Su Friedrich, A Girls’ Own Story de Jane Champion o Through the Room de Doug Hall. Este festival fue el primer evento oficial en el que se estrenaron en Corea películas experimentales extranjeras. En el invierno de ese mismo año, se celebró un segundo pase en los locales de la empresa editora Minum-
and how these works were screened. It seems that the outcome did not pass on to the next generation. Once again in the 1970s, a movement for experimental film arose. Image Society and Kaidu were two leading groups working on experimental films at that time. Although there is no record of their activities, it is known that director Han Ok-hee and painter Kim Jum-sun organized Kaidu. According to Han Ok-hee’s memoirs, a few professors, affected by New American Cinema while studying overseas, began to speak about producing a new kind of film after coming back to Korea. Image Society was also organized under their influence. They held an experimental film festival several times, renting the rooftop of Shinsaegae Department Store as a venue, but these activities stayed within their own group and were not wellorganized enough to stand the test of time. Besides, these films had a certain level of background narrative. Mujae (Untitled) and Sakdong (Colorful) by Han Ok-hee still remain but Kim Jum-sun’s abstract animations 75-A and 75-B are nowhere to be found. There was no visible experimental film movement in the 1980s due to the circumstances of the times. Of course, it seems there was a minor movement, mainly by university film studies undergraduates, but not outstanding enough to be noticed. The 1990s is when experimental films began to take shape and the starting point was an experimental film workshop at the Goethe Institut in Korea and the Experimental Film Center. Kim Yoon-tae’s experimental film, Wet Dream, was one outcome of the Goethe Institut workshop in 1992, while the Experimental Film Center, which started out as the New Image Group, produced two films in 1993: Industrial by Bae Hyo-ryong and I don’t know you directed by Hwang In-yong. After numerous trials and errors, both were finally completed in 1994. Another film produced in 1994 was Org by Im Chang-jae. These three films were screened at a festival held at Dongsung Art Center from 26th April - 6th May, 1994, along with other Korean and international works including Wetdream, Scorpio Rising by Kenneth Anger, T.Z. by Robert Breer, The Tie that Binds by Su Friedrich, Jane Campion’s A Girls’s Own Story and Through the Room by Doug Hall. This festival was probably the first official event to introduce foreign experimental films to Korea. There was the second screening in winter that same year at Minum-sa, a publishing firm. Here, Mu (Nought) by Choi Bo-gun, and August by Hwang In-tae were 99
100
sa, ocasión en la que se estrenaron Mu (Cero) de Choi Bo-gun y August de Hwang In-tae, así como un nuevo montaje de Industrial. Volvió a proyectarse Org y también pudieron verse Print Generation de JJ Murphy y Spacy de Takashi Ito. Tras estos dos eventos, el Centro de Cine Experimental se centró más en la enseñanza que en la producción y exhibición. De esa misma época datan la traducción y publicación, promovidas por Kwon Byungsun, de dos libros (Image Aesthetics of New Media y World of Avant-garde Pictures) que proporcionaron un marco estético a los cineastas de entonces. Entre éstos, sólo Im Chang-jae siguió realizando películas, como Over Me y Aqua Requiem. El tercer festival, celebrado en 1997, se abrió a los colaboradores ajenos al Centro, pero, por motivos internos y externos, el festival no tuvo continuidad y, tras la muerte de Kwon, el Centro acabó desmantelándose. Desde entonces, el número de cineastas coreanos interesados en la experimentación empezó, no obstante, a aumentar poco a poco.
introduced as new works, and a newly-edited version of Industry was shown. Org was rescreened and Print Generation by J.J Murphy, together with Spacy by Ito Takashi, were selected films. After these two events, the Experimental Film Center focused more on learning while re-organizing, rather than producing. Around that time, two books (Image Aesthetics of New Media and World of Avantgarde Pictures) were translated and published with the help of a leading figure, Kwon Byung-sun, providing an aesthetic framework to filmmakers of the time. Among them, only Im Chang-jae continued to produce films, such as Over Me and Aqua Requiem. The third festival, held in 1997, was opened up to contributors from outside the Center. Due to a number of internal and external reasons, the festival could not continue after that and the center fell apart after Kwon died. Subsequently, however, the filmmaking population who took interest in experimental pictures slowly started to grow in Korea.
2. Desarrollo En los últimos 15 años, han surgido numerosos festivales de cine; empezando por dos muy distintos: el PIFF y el Indie Forum, ambos en 1996. Siguieron luego PIFAN, JIFF, SIDoF, BASFF y otros, tanto en Seúl como en otras ciudades del país. Ahora hay festivales casi a lo largo de todo el año. En el pasado, el cine en Corea había estado dominado exclusivamente por el hecho económico. Estos festivales, indudablemente comerciales, ofrecieron, no obstante, un espacio oficial para proyectar unas pocas películas ajenas a la lógica comercial. Propuestas no comerciales llegadas de otros países también influyeron sobre los cineastas coreanos y favorecieron la diversificación tanto en las formas como en los contenidos. La llegada del soporte digital dio un fuerte un impulso al cine experimental. Como en otros países, también en Corea lo digital favoreció, al igual que ocurrió en los años 50 y 60 con la película de 16 mm, el desarrollo de nuevas áreas de creación cinematográfica. Por otro lado, el acelerado desarrollo económico del país dio a los ciudadanos de a pie la oportunidad financiera de dedicarse al cine, surgiendo entonces una “manía” por autoproducirse. La creación de distintas entidades de producción fue otro factor relevante. Hasta entonces, se habían venido realizando talleres de mayor o menor importancia pero que, en la mayoría de los casos, no daban paso a un proceso sostenido de producción. Esas entidades ofrecían la posibilidad de
2. Development Over the last 15 years, numerous film festivals have come into being. Starting with two very different film festivals, PIFF and Indie Forum in 1996, PIFAN, JIFF, SIDoF, BASFF, and others have sprung up in Seoul and in other cities. Now we have film festivals almost throughout the year. In the past, filmmaking in Korea had been dominated by the rule of money. However, these festivals provided official space to screen films that distanced themselves from commerciallyproduced pictures. Of course, most of the films showing at the festival were commercial, but at least some non-commercial films were selected along with them. Non-commercial films from other countries impacted on domestic filmmakers, helping them to diversify both in terms of form and content. Digital actually gave experimental filmmaking a boost. Like in other countries, digital made a significant contribution to developing new area of film creation in Korea, just like 16mm in the 50s and 60s. Especially-rapid economic development gave ordinary citizens the financial opportunity to access filmmaking. As a result, a ‘film mania’ group emerged, who tried to produce films themselves. Various media centres were another factor which fostered potential filmmakers. Before then, workshops were held at a various levels but, in most cases, continuous filmmaking rarely happened after the workshops. Media centres offered an opportu-
alquilar equipos de producción (tanto de cine como de vídeo) a precios razonables; asimismo, para ampliar su mercado, proporcionaron cursos de formación dirigidos a no-profesionales y a estudiantes de cine. Gracias a estos cambios, empezó a afianzarse una comunidad en torno al cine experimental. Como resultado, en 2004 se organizó el Festival de Cine Experimental de Seúl como primer festival nacional de cine experimental, convirtiéndose en 2005 en un evento internacional bajo el nombre de Exis-SpaceCell. El primer laboratorio de montaje manual también data de 2004. 3. Exis Yo mismo, junto con un grupo de cineastas experimentales, participé en la creación de Exis. En 2002, habían llegado, a través de varias galerías, distintas cintas experimentales; una de esas galerías incluso presentó varias docenas de películas. Entre éstas Touching de Paul Sharits, que, en un error garrafal, se proyectó al revés. Entendimos que debíamos proponer películas extranjeras con mejor calidad técnic y contar con un espacio que nos permitiera mostrar, de forma periódica, nuestras propias producciones. No resultó, sin embargo, fácil encontrar un espacio adecuado y menos aún lograr financiación. Se nos ocurrió entonces la idea de hacer un festival para sacar provecho de que autoridades y políticos preferían un evento anual en el que pudieran dejarse ver en público. Reunimos algo de fondos y celebramos el primer festival en 2004. 4. Situación actual Gracias a Exis, el cine experimental en Corea creció tanto en cantidad como en calidad. Durante el primer año, se presentaron cerca de 100 películas, de las que 32 se proyectaron en el festival. El número ha ido creciendo, hasta superar las 170 el año pasado. Merece la pena destacar que si las películas presentadas el primer año habían sido realizadas en los 3 años anteriores, posteriormente las películas se han venido produciendo el mismo año de su presentación. Esto indica que un festival especializado estimula la producción y, también, que no son pocas las personas que desean realizar películas. La posibilidad efectiva de difundir las obras sin duda invita a muchos cineastas in pectore a dar el paso y experimentar. En el pasado, la mayoría de las obras denotadas como experimentales tenían una propensión preferentemente literaria -especialmente hacia la poesía épica- , tendencia que perdura. El
nity for any willing person to hire production equipment at a reasonable price. To broaden public access, these centres provided education and equipment (film as well as video) to non-professionals and students who wanted to make films. Along with these changes, an experimental film community started to emerge. As a result, Seoul Experimental Film Festival was set up in 2004 as the first domestic experimental film festival, becoming an international event from 2005, under a new name: Exis. SpaceCell – the first hand-processing lab- was also established in 2004. 3. ExiS EXiS started with me and a group of experimental filmmakers. In 2002, experimental films were occasionally introduced through a few galleries, and one gallery even introduced several dozen films. Among those screened was Touching by Paul Sharits, which was shown upside down; we couldn’t overlook such a mistake. We reached the conclusion that we had to introduce better-made foreign experimental films and we also needed a space to screen our own work, so we prepared regular screening events. However, it was hard to find a venue and even harder to expect funding. So, we came up with an idea of having a festival, since government officials or politicians preferred a yearly event so that they could be seen in public. We raised some limited funds and held the first festival in 2004. 4. Current situation After EXiS, experimental films in Korea grew in volume as well as quality. During the first year, about 100 Korean pictures were registered and, among them, 32 pictures were shown in competition. The number gradually increased, reaching about 180 last year. What should be noted is that the films registered in the first year were made during the previous 3 years, but in later years, the films were produced within one year. This means that a genre-specific film festival can stimulate growth; at the same, time it shows that people long to create films. A channel through which films can be consumed definitely provides the opportunity for many potential filmmakers to take the plunge and experiment. In the past, most works grouped as experimental films opted to add literatureespecially epic poetry - to film, and this approach still exists. 101
resultado es que algunas producciones parecen ante todo narraciones fallidas. Esto quizás se deba también al hecho de que tanto espectadores como realizadores confunden el cine experimental con narraciones obtusas. Quizá también tenga algo que ver el que la mayoría de los realizadores empezaran sus carreras haciendo películas de corte claramente narrativo. Con el paso de los años, ha aumentado, sin embargo, la variedad de películas presentadas a EXIS. Por supuesto, al igual que otros festivales, EXIS no es exactamente igual que la mayoría de las competiciones internacionales, debido en gran parte a la creciente dimensión coreana de las temáticas escogidas. En efecto, las obras de corte político han ido aumentando en respuesta a las políticas del gobierno conservador de eliminar la financiación a la diversidad cultural. Además, los artistas que trabajan con tecnologías audiovisuales han empezado a presentar sus obras, difuminando con ello la frontera entre arte multimedial y cine experimental. El año pasado, Exis acogió por primera vez el Asia forum. Aún está por decidir qué puede y quiere hacerse a través del foro, pero ya ha servido para compartir información sobre lo que se está produciendo en los distintos países asiáticos. Este año, está previsto celebrar el foro en Taiwán, justo después de Exis. Si las circunstancias lo permiten, la idea es acabar celebrando un foro en cada país asiático. A partir del año que viene, Exis convertirá el Asia forum no ya en un espacio de discusión sino en un programa paralelo que de a conocer las últimas tendencias del cine experimental asiático. En 2013, EXIS separará la competición internacional de la nacional, ya que, al seleccionar más trabajos domésticos, podremos fomentar la producción local. Por otro lado, las obras coreanas también deberían atraer a más público. 5. SpaceCell SpaceCell, un laboratorio de procesamiento manual, empezó a funcionar el mismo año que Exis. Mi amigo Lee Jang-wook -que estudió en Chicago conmigo- lo abrió con su propio dinero, su equipo, mi equipo y unas pocas cámaras Bolex que adquirió con ese fin. Durante los dos primeros años, fue un espacio de exposición y también un taller, pero ahora sólo es un centro de trabajo cooperativo. Su equipo cuenta ahora con 5 Bolex, 2 impresoras ópticas JK, 1 cuarto oscuro para el procesamiento, varios focos y 1 equipo de montaje Steenbeck. Entre 6 y 9 personas suelen trabajar allí y se organizan hasta 4 talleres cada año. Tras completar los talleres, los estudiantes se 102
The outcome is that some entries feel like a failed or unsuccessful narrative. This is perhaps because many Korean filmgoers or artists misunderstand experimental films as difficult narratives. It might also be that most of the contributors involved started out as a narrative filmmakers. However, as the years have gone by, the diversity of films submitted to ExiS has increased. Of course, just like other film festivals, EXiS is slightly different from international competitions; that difference mostly comes from ‘self portrait’. Recently, political movies have begun to grow due to conservative government policies to stop funding cultural diversity. Besides, media art-based artists have also submitted their works, which means that the boundary between media art and experimental films has now blurred. Last year, EXiS held the Asia forum for the first time. It hasn’t yet been decided specifically what can or will be done but, through the forum, we were able to communicate what is happening in Asian countries. This year, I have a plan to hold a forum in Taiwan right after ExiS. Circumstances permitting, I hope to host an event in each Asian country. From next year, EXiS will have the Asia forum as an independent program, a place for continuously screening recent trends in Asian experimental films, rather than a space for discussion like last year. From this year, EXiS will divide international competition and domestic competition because, by accepting more domestic works, we can foster a larger group of filmmakers. Domestic work is also expected to attract bigger audiences. 5. SpaceCell SpaceCell, a hand-processing film lab, started in the same year as EXiS. Lee Jangwook a friend of mine who studied in Chicago with me - opened this place with his own money, his equipment, my equipment, and a few more bolex cameras that he bought. For the first two years, it was an exhibition space and also a workshop in an alternative gallery, but now it only has co-op style work space. Now, the equipment it has includes 5 bolexes, 2 JK optical printers, 1 darkroom for hand processing, various lights, and steenbeck. An average of 6 to 9 people currently work there and 4 workshops are held each year. After completing a workshop, that person is given official membership and, with limited fees, one can use equipment. In 6 to 7 years, over 100 have
convierten en miembros de la asociación y pueden, con un coste mínimo, hacer uso del equipo. En estos últimos 7 años, han participado más de 100 personas en los talleres y muchas de las que trabajan en la organización de Exis son antiguos alumnos de los talleres. Las películas realizadas se proyectan en Corea y en el extranjero, incluyendo Rotterdam, y dos de ellas se muestran en Exis. 6. Perspectivas Los realizadores de cine experimental coreanos se dividen entre aquellos que proceden del cine convencional y los que vienen del mundo del arte. Estos dos grupos tienen perspectivas diferentes: el primero tiende hacia lo narrativo, a prestar más atención al simbolismo poético y a trabajar con la cámara; el segundo es más conceptual, sus obras son más sencillas y es más propenso a las instalaciones y las performances. Por supuesto, se trata de una generalización que no tiene carácter categórico. Como ha quedado apuntado antes, Corea no tiene una tradición de estudio en torno a su propia producción cinematográfica. Este vacío puede erigirse en un obstáculo a la hora de analizar el uso del video o de los soportes digitales como medios de comunicación; un análisis no sencillo pero sin duda necesario por cuanto la razón de ser del cine experimental radica precisamente en la investigación estética aplicada a los medios de comunicación. Por desgracia, en Corea aún hay pocos cineastas con una trayectoria consolidada que abarque más de una década. Yo mismo no he podido dedicarme a esta tarea en la medida en que he apostado más por sentar las bases de esta cinematografía. Acabo de terminar un documental de corte experimental, pero se trata del único trabajo que he podido hacer en los últimos 10 años. La causa de esta discontinuidad es exclusivamente económica: hay que contar con recursos financieros para hacer unas películas que sólo atraen a un público minoritario. Ganarse la vida es un reto no sólo para los cineastas experimentales sino para todos los artistas y en nuestra corta historia aún no hemos dado con una vía para superarlo. No obstante, la cantidad y calidad de las producciones coreanas han aumentado y la situación actual nos permite ser optimistas, siempre que nuestro trabajo siga despertando interés y pueda contar con apoyos institucionales.
people participated in workshops, and many working for EXiS are ex workshop students. The film works made in the cell are shown at home and abroad including Rotterdam, and among those, a couple of them are screened in EXiS under the Lab program. 6. Future direction and outlook Korea’s experimental filmmakers are divided into those who come from film and those whose background is in art (single channel video and media art). These two groups have different perspectives. Those from film tend towards narrative, pay more attention to poetic symbolism and prefer film. Those from art are more conceptual, their works are simpler, and they are more inclined toward installation or performance. Of course these characteristics do not fit in every case, but they seem broadly accurate for the time being. As I mentioned before, Korea never carried out research on film. The void of experience might be a barrier to studying video or digital as a media. This approach is certainly hard to take, but it is definitely needed. The aesthetic search for media is why experimental film exists. Unfortunately, in Korea there are still few filmmakers who continuously produce work more than 10 years. I myself couldn’t work on filmmaking either, since I focused more on establishing the foundation for filmmaking. I have just finished an experimental documentary but it is the only work I have made in the past 10 years.The reason for discontinued production is economic. It certainly takes financial effort to keep making experimental films which draw limited audiences. Making a living is not only an issue for experimental filmmakers but for all artists. However, in experimental film, we haven’t found any exemplary case to overcome this burden due to our short history. As I mentioned earlier, experimental film in Korea has grown in volume and quality; in that sense, the future for experimental film is certainly bright. The thing is that we can remain positive only with continuous attention and policy support.
103
Sandra ALVARO Jae-KyuByun
COMISARIO CURATOR Donghyun Park cursó un master en cinematografía en la School of the Art Institute, Chicago y recibiós su doctorado de la Graduate School of Advanced Imaging Science, Chung-Ang University. Su última película, <Kimu; the Strange Dance>, se ha presentado en diversos festivales, entre ellos el Jeonju International Film Festival y el Vancouver International Film Festival. Se ha proyectado varios cortos suyos a nivel internacional. Es fundador y director de ExiS y también profesor en Myongji University.
Remembering - Recordando /02’ 39’’/2012
Donghyun Park received an MFA in Filmmaking at the School of the Art Institute of Chicago, and completed doctoral courses at the Graduate School of Advanced Imaging Science at ChungAng University. His last film, <Kimu; the Strange Dance>, was screened at several film festivals including Jeonju International Film Festival, Vancouver International Film Festival. He has also screened several other short films internationally. Founders and Festival Director of ExiS, he is also a professor at Myongji University.
PROGRAMA 1 / PROGRAMME 1 June-HyuckJeon Sandra ALVARO
INTERFERE - Interferir /07’ 15’’/2011 Interfere, una de las ocho películas realizadas por otros tantos directores para el proyecto “Across the Bridges”, rodado en el puente de Seogang. En lugar de grabar la estructura del puente la mirada se fija en el fluir del río y el reflejo del puente en el agua, ahí donde lo artificial y la naturaleza se encuentran y el fenómeno que esto produce.
Interfere, one of the eight films from eight different directors made as part of the ‘Across the Bridges’ project, shot at Seogang Bridge. I tried to focus my eyes on the river flow and the bridge, rather than filming the structure of the bridge itself; the spot where artificial meets nature and the phenomenon that occurred.
La realidad de nuestro mundo está cubierta por toneladas de fotografías. Por ello , tendemos a percibir nuestra realidad no en sí mismo sino a través de las fotografías. Lo imaginario no sólo se sustituye a lo real, lo supera. De modo que la memoria de los hechos acaba zozobrando en un proceso de destrucción, olvido y desgaste. Esta obra trata fundamentalmente de esta discrepancia y de las consiguientes fisuras entre la imagen reconstruida mediante fotografías y el recuerdo del pasado. La relación entre lo imaginario y lo real crea determinados significados, pero también borra toda memoria cierta al deshacer en pedazos flotantes los recuerdos. El lugar que aparece en la foto era el de mi recreo, ahí donde solía esperar a que mi madre volviera del trabajo. Un viejo suelo de hormigón sin color ni manchas, que ha contemplado el paso de la vida sin inmutarse. Un callejón cualquiera, gastado por el tiempo. Ahora no queda más que su rastro, la certeza de que algo desapareció. Jae-Kyu Byun es un escultor visual. Sus obras reflexionan sobre la identidad del arte visual. En particular, se centran en la reinterpretación panorámica del espacio y la plasmación de las experiencias espaciales en distintos soportes medios. Su trabajo actual se fija en las experiencias urbanas en torno al espacio-tiempo, ya sea en estructuras materiales como inmateriales.
The reality of our world is covered with tonnes of photos. As such, we tend to perceive our reality not by itself but only through photos. The imaginary not onlyn substitutes the real, but also exceeds it. So my sure memory of facts goes through a process of destruction, recession and wear-out. This work is mainly about the discrepancy and consequent fissures between the image reconstructed by photos and the memory of the place in the past. The relationship between the imaginary and the real creates a certain significance but also erases any sure meaning by breaking memories into floating pieces. The place in the photo was my playground, the spot where I used to wait for my mother to come back from work. An old, solid-concrete floor with no colour or stains upon it, which has gazed upon the labor of life devoid of facial expression. A worthless alleyway, weathered with the passage of time. Now there remains but a trace, the certainty of something disappeared. Jae-Kyu Byun is a visual sculptor. His works start out from fundamental reflections on the identity of visual art. In particular, they focus on the panoramic reinterpretation of space and the transmission of scenic experience into a variety of media. His current work looks to structure urban space-time experiences in both material and immaterial forms.
In-Han Sandra Cho ALVARO
February - Febrero /04’ 20’’/2011 Pelota, viento y árbol. Luz, sombra y superficie. In-Han Cho tiene una Maestría en Ciencias de la Información de la New School de Nueva York. Actualmente vive y trabaja en Corea. Ball, wind and tree. Light, shadow and surface. In-Han Cho holds an MA in Media Studies from the New School, New York. He currently lives and works in Korea.
104
105
Hwang, Sun-Sook
Sandra ALVARO Byoung-Lae Park
Emptiness, Shadow - Vacío, sombra /08’ 40’’/2012
Zeboriskie Point /09’ 53’’/2011
Tú y yo, separado del grupo. Alguien atraviesa la sombra, cruza el umbral de un edificio lejano, paseando, más allá de los límites del tiempo. You and I, separated from the group. Someone passes under the shade, crosses the threshold of a distant building; strolling, beyond the boundaries of time.
Jong-Han Sandra ALVARO Choi
App Self-Portrait 2012 / Auto retrato con una app / v.1.0 /05’ 40’’/2012
Autorretrato, realizado con una cámara iPad 2 app 8-Bit, que muestra imagen tras imagen el baile mecánico y repetitivo del rostro objetivado del artista San Francisco Art Institute / New Genre / MFA Class 2006 Semyung Univ. / Profesor Asociado / Departamento de Arte Mediática y Entretenimiento.
A self-portrait, photographed with iPad2 8-Bit Cam App, shows frame by frame the repetitive and mechanical ballet-dance of the artist’s own objectified and materialized facial images. San Francisco Art Institute / New Genre / MFA Class 2006 Semyung Univ. / Assistant Professor / Department of Media art and Entertainment.
Ji-Hyun SandraHa ALVARO Mask-Reversal of Men - Máscara-la inversión del hombre Mask trata del conflicto interior y de la lucha de los seres humanos en cuanto seres sociales en los complejos procesos de inclusión y exclusión social. Plantea cuestiones en torno a la moral, el poder, el juicio y los prejuicios en las relaciones humanas. Refleja lo absurdo de la violencia colectiva, de las arbitrariedades y de la opresión motivadas por las disparidades propias de un sistema social distorsionado. Perfil Ji-Hyun Ha centra su atención en los seres humanos como seres sociales y en el significado de las relaciones humanas en nuestras sociedades. Estudió Arte visual Medios en la Universidad de California, San Diego, y en la New School for Design de Nueva York. En la actualidad trabaja como diseñador gráfico, animador y director de cine, combinando su afición por la comunicación visual con la escritura creativa. 106
/12’ 36’’/2012
Mask deals with men’s internal conflict and struggle as social beings under the complex operation of social inclusion and exclusion. The story tries to convey subjects of morality, power, judgment and prejudice in human relationships. It exposes the absurdity of collective violence, abuse, and oppression caused by their differences within a distorted social system. Ji-Hyun Ha developed a profound in interest in men as social beings by seeking the meaning of human relationships in the context of our society. He studied Visual art / Media at University of California San Diego and received his MFA in Communication Design and Technology from Parsons the New School for Design, New York. He now works as a graphic designer, animator and filmmaker, expanding his passion as a visual communicator with narrative and creative writings.
Zeboriskie Point (2011) es un proyecto desarrollado siguiendo la historia de ‘Zebo-Sun-Chang’, nombre de un pequeño puerto en Gunsan-Si, provincia de Jeolla. Refleja el extraño conflicto entre el paisaje del presente y el del pasado, un pasado de abandono desde queel centro del crecimiento económico se desplazó a raíz del proceso de modernización iniciado tras la liberación de Corea. A este paisaje disonante, este paradójico escenario actual de la comunidad local representada como “Gunsan», se superponen escenas de Zabriskie Point (1970) rodada por Michelangelo Antonioni. Y se articula a través de imágenes tomadas del viaje exploratorio realizados por ‘Zebo’, un personaje desconocido que visitó ese espacio desolado. Byoung-Lae Park pretendes seguir desarrollando su investigación, ampliando la perspectiva sobre las experiencias y percepciones de los individuos respecto a la omnipresente brecha entre el individuo y la sociedad. Cineasta y artista visual, nacido en 1974. Estudió Bellas Artes en la Kunsthochschule de Kassel con el profesor Björn Melhus, y se graduó (MFA) en 2007. Vive y trabaja en Seúl. Su obra ha sido expuesta en numerosas galerías y festivales.
Zeboriskie Point (2011) is a project that was developed while tracing the history of ‘Zebo-SunChang’, the name of a small marina in Gunsan-Si, Jeolla Province. It was inspired by the unnatural conflict between scenery in the present and past; a past long-deserted since the centre of economic growth moved further away during Korea’s modernization process after national liberation. This dissonant landscape or, in other words, the contradictory present scenery of the local community represented as ‘Gunsan’, was overlapped with the scenes from Zabriskie Point (1970) directed by Michelangelo Antonioni. This is reconfigured through images from the journey of exploration made by ‘Zebo’, the unknown figure who visited this desolate space. Byoung-Lae Park plans to continue his research further, expanding the unique perspective obtained from personal experiences and perceptions of the pervading gap between the individual and society. Filmmaker and visual artist, born in 1974. Studied Fine Art at the Kunsthochschule Kassel with Prof. Bjoern Melhus, and graduated (M.F.A.) in 2007. Lives and works in Seoul. His work has been exhibited at a number of galleries and festivals.
Sandra ALVARO Min-Ha Park
Dandong Travelog - Cuaderno de Viaje Dandong /12’ 41’’/2012
Min-Ha filmó a tres norcoreanos cerca de la frontera entre Corea del Norte y China. La grabación dura 1min 52sec y, partiendo del último fotograma, imagina la historia de esas tres personas. Paradójicamente, sin embargo, sus conjeturas enfatizan una “realidad” irremediablemente ligada al marco visual del turista surcoreano. Min-ha Park es un artista multimedia y cineasta que vive y trabaja en Los Ángeles y en Seúl. Su obra más reciente se centra en cómo los contextos culturales, sociales y políticos afectan a la manera de “ver”. Para ella, el cine ha de tener una carga de significados, ha de ser una micro resistencia frente al marco visual macro que nos rodea.
For this video essay, Min-Ha Park filmed three North Koreans encountered during her trip to the borderline between North Korea and China. The total time captured on camera was 1min 52sec. From the very last frame of each footage, she developed a story about their personal lives. Ironically, however, these speculations serve to emphasize a ‘reality’ irremediably bound by the visual framework of a South Korean and tourist. Min-ha Park is a media artist and filmmaker who lives works in Los Angeles and Seoul. Her recent interest is in how cultural, social, and political contexts affects one’s way of ‘seeing’. For her, filmmaking is a meaningful gesture: a micro resistance against the macro visual frame that surrounds us. 107
PROGRAMA 2 / PROGRAMME 2 Sandra ALVARO Jae-Hun Heo
nia. Se educó en Diseño Visual y Filosofía en la Universidad Nacional de Seúl y se graduó de la Academia de Arte Mediático de Colonia. Sus videos y sus obras de arte se han mostrado en numerosas exposiciones y festivales de todo el mundo, incluyendo el Festival Internacional de Cine de Rotterdam.
Design and Philosophy at the National University, Seoul and graduated from the Academy of Media Art in Cologne. Her videos and artworks have been shown at numerous exhibitions and festivals around the world, including the International Film Festival, Rotterdam.
Expansion of Anxiety - La expansión de la ansiedad /13’/2011
Expansion of Anxiety consiste en grabaciones de archivo de situaciones “normales, sin nada reseñable”. El director recalca el grano de las imágenes aumentando su tamaño y sobreponiendo una banda sonora. Estas técnicas generan una sensación de ansiedad. Escenas sencillas, cotidianas, diarias transmiten así una impresión totalmente distinta en virtud de un pequeño retoque. De manera parecida, secuenciar las escenas cotidianas hace pensar que se trata de imágenes tomadas por cámaras de vigilancia. Recientemente, un artículo reveló que el ciudadano medio de Seúl está expuesto a las cámaras de vigilancia cerca de ochenta veces al día. Nuestra vida diaria queda asía la vista de alguien. La cierto es que cada movimiento individual queda grabado en cada detalle. Saber si el ‘Gran Hermano’ existe realmente o no, nos genera ansiedad. Expansion of Anxiety expresa visualmente estas inquietudes. (Park Donghyun) Jae-Hun Heo es un artista residente en Seúl. Su interés se centra en los medios de comunicación, y sus derivados, que influyen sobre la gente en los espacios tanto reales como virtuales. El entorno mediático contemporáneo, donde el exceso de imágenes, textos y sonidos chocan entre sí, se ha convertido en parte de nuestras vidas. El artista observa la presión que ejercen los nuevos medios de comunicación sobre las personas para luego jugar con esa interrelación en sus obras.
Expansion of Anxiety consists of footage which is “normal, nothing special occurred”. The director makes the graininess even more noticeable by blowing up the images and superimposing a layer of musical sound. These techniques amplify an air of anxiety. Simple scenes daily scenes give completely different impression through a little bit of retouching by the author. Similarly, listing the series of oridnary scenes makes it feel like we are being shown footage from surveillance cameras. Recently, in a TV news item, it was revealed that the average Seoul citizen is exposed to surveillance cameras about eighty times a day. Our daily life is always exposed to somebody. The reality is that the individual’s every move is recorded in detail. We are anxious about whether ‘Big Brother’ really exists or not. Expansion of Anxiety is the visual expression of these concerns. (Park Donghyun) Jae-Hun Heo is a Seoul-based artist. He focuses on the media that influence the public within real and virtual spaces, along with their byproducts. The contemporary media environment, where an excess of images, texts and sounds clash with one another, has now become part of our lives. The artist observes the pressure that new media exerts on people, together with its output, and then moulds the interrelation between them into his works.
Sun-Jha SandraKim ALVARO
Sandra ALVARO Mi-Hye Cha
Condensation - Condensación /12’ 47’’/2012
Hay un momento las cosas empiezan a cuajar. El momento en el que las voces se encuentran, el momento en que una silueta se deja ver en la niebla ... Antes y después de experimentar esos momentos, uno puede sentir las distintas de temperatura de la vida. Tocando suavemente las texturas creadas por estos cambios en la temperatura, se van reduciendo los intervalos de tiempo. Si los recuerdos persisten en el presente, ¿cómo representar la continua presencia del tiempo no lineal? Partiendo del deseo e interés por representar los recuerdos del pasado, la intención del cineasta fue crear una especie de viaje en el tiempo a través de seis historias breves. Mi-Cha Hye se graduó en Artes Visuales de la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de París (ENSBA), 2010, y completó un Diploma de Postgrado del ENSBA en 2011. Trabaja con el vídeo y la fotografía, y ha participado en exposiciones colectivas (Le Ventd’après, Des Chemins familiers, París), y en distintos certámenes (Illégal cinéma, Aubervilliers) en Francia.
There is a moment things begin to congeal. The moment voices encounter each other, the moment a shadow stands up in the fog... Before and after experiencing those moments, one could sense the temperature differences in life. By gently touching the textures created by these changes in temperature, time intervals are being narrowed. If memories are ongoing in the present, how can the ceaseless appearance of nonlinear time be possibly represented? Based on a thirst and a concern for representing past memories, the filmmaker’s intention was to create a kind of time-travel through six short stories. Mi-Hye Cha received an M.A. with Honors in Visual Arts from Ecole National Supérieure des Beaux-arts de Paris(ENSBA), France in 2010, and completed a Post Graduate Diploma from ENSBA in 2011. She works with video and photography, and has participated in group exhibitions (Le vent d’après, Des chemins familiers, Paris), together with other screenings (Illégal cinéma, Aubervilliers) in France.
[ ∫ ] /11’ 55’’/2011
La película experimental [∫] es una interpretación libre y una recreación imaginaria del carácter sibilante [∫]. En la película, los objetos se transforman unos en otros: Cuerpo - serpiente - cascada - piedra, todo rodeado de sonidos sibilantes. Perfil Nacido en 1983, Sunjha Kim vive y trabaja en Colonia, Alema108
The experimental film [ ∫ ] is about the free interpretation and imagination of the sibilant character [ ∫ ]. In the film, objects are transformed into one another: body - snake - waterfall – stone, accompanied by hissing sounds. Born in 1983, Sun-Jha Kim lives and works in Cologne, Germany. She was educated in Visual 109
Sandra Jang-Wook ALVAROLee
Thin Traces - Rastros tenues /13’ 30’’/2012
“Quería hacer una obra sobre los recuerdos de otras personas. Pero me di cuenta de que no estaba preparado para hacerlo cuando reuní los primeros materiales”, dice Jang-Wook Lee. La obra reúne apuntes de sus observaciones y registros de los recuerdos ajenos, tomados con su Smart phone. Jang-Wook Lee es MFA por la SAIC (Escuela del Instituto de Arte de Chicago). Director del SpaceCell Hand-made Film Lab, viene trabajando desde entonces con material cinematográfico. Su obra se centra principalmente en la memoria y la historia personales. También es profesor en el Departamento de Cine y Teatro de la Universidad de Suwon, y ha puesto su empeño enconstruir una comunidad de cine creativo.
“I wanted to make a work about other people’s memories. But I realized that I was not ready for it when I had the materials for this,” says Jang-Wook Lee. The piece brings together traces of personal observation and documentation of other’s memories, made from the director’s smart phone records. Jang-Wook Lee received an MFA from SAIC (School of the Art Institute of Chicago). Director of Space Cell Hand-made Film Lab, has kept working with film material from that time onwards. His works mainly focuses on personal memory and history. He is also a Professor at the Department of Film and Theatre, University of Suwon, and is endeavouring to build a creative film community.
Hang-Jun Sandra ALVARO Lee
Why does wind Blow - ¿Porqué sopla el viento? /10’/2012
Why does wind blow? se compone de imágenes extraídas de películas científicas para uso educativo (una película sobre planificación familiar, películas anti-comunistas y otras). Es una ‘película de material encontrado “. Dos películas se muestran simultáneamente en una pantalla dividida. Esta película refleja cómo funcionan y están hechas sendas películas. El director presenta visualmente su propia experiencia cinematográfica a través de imágenes sobre el movimiento de un péndulo, un intermitente oun ojo y sobre la persistencia de la mirada, de la experimentación científica y del termómetro como hilo conductor y proyección final ... Al principio, hay una línea: “Cuando el mundo desconfía de nosotros, debemos aguantar y persistir en él, para llegar a dar con una nueva percepción”. Why does wind blow? señala indirectamente la situación en la que se encuentrahoy en día el cine experimental en Corea . (Park Donghyun) Hang-Jun Lee se centra en las perfomances y las improvisaciones multimedia acompañado de músicos. Ha tocado con Martin Tetreault, Jerome Noetinger, etc. Sus obras han sido expuestas en el South Bank Centre (Reino Unido),el Café OTO (Reino Unido), BOZAR Centro de Bellas Artes (Bélgica), Espace Multimedia Gantner (Francia). 110
Why Does Wind Blow? consists of footage extracted from scientific education films, a cultural film about family planning, anti-communism films and so on. It is a so-called ‘found-footage film’. Two films are shown simultaneously on a split-screen. This film portrays how the films work as a form and how they are made. The director visually depicts his own cinematic experience through means such as pendulum movement, intermittent movement, the actions of retinas, persistence of vision, scientific experiments, the thermometer used at a development and even final stage, screening... At the beginning, there is the line, “When the world is distrustful of us, we should stand it and hang in there, so we can give new perception.” It is telling us obliquely where experimental filmmaking is, right now, in Korea. (Park Donghyun) Hang-Jun Lee’s works focus on multiprojection performance and improvisation with musicians. He has played with Martin Tetreault, Jerome Noetinger etc. His works have been shown at the South Bank Centre (UK), Cafe OTO (UK), BOZAR Centre for Fine Arts(Belgium), Espace Multimedia Gantner (France). His recent works are distributed by Lightcone in Paris. 111
SESIÓN ABIERTA: LECH MAJEWSKI OPEN SESSION: LECH MAJEWSKI La sección Sesión Abierta está dedicada a encuentros con videoartistas y artistas audiovisuales, en los que mostrarán sus trabajos y explicarán el proceso creativo de sus obras, entablando un diálogo con el público. The Open Session provides the opportunity to meet certain video and audiovisual artists who will participate in screenings and public forums to discuss their work and creative approach.
AUDITORIO AUDITORIUM JUEVES 13 DE DICIEMBRE THURSDAY 13th DECEMBER
El lenguaje simbólico en el arte y el cine
Masterclass impartida por Lech Majewski. Duración de 6/8 horas.
Symbolic language in art and cinema
Masterclass taught by Lech Majewski. Duration 6/8 hours. Masterclass a cargo del director del cine polaco Lech Majewski, en la que se visionará su último largometraje “El molino y la cruz” (The Mill & the Cross, 2011) y se analizará su compleja realización. Asímismo se proyectará la obra de videoarte “Glass Lips” (Labios de cristal).
SandraMAJEWSKI LECH ALVARO
Trabajando en EE.UU, Brasil, Inglaterra, Polonia, Alemania, Lituania, Francia e Italia, Lech Majewski construye su visión a través de pinturas, películas, instalaciones, novelas, teatro y escenografía de óperas. Ha estudiado en la Academia de Bellas Arte y se licenció en la National Film School en Łódź. Entre sus obras destacan: The Knight, Prisoner of Rio, Gospel According to Harry, Basquiat, Wojaczek, Angelus, The Garden of the Earthly Delights, Glass Lips and The Mill & the Cross. En muchas ocasiones, sus trabajos han recibido presitgiosos premios. En 2006, El Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) le dedicó una retrospectiva individual titulada “Lech Majewski: Evocando la Imagen en Movimiento”. Su obra, Blood of a Poet/Glass Lips, se incluyó en la 52ª edición de la Bienal de Venecia y la retrospectiva del MOMA viajó por museos de todo el mundo. Su último ciclo de videoarte, Bruegel Suite, se inauguró en el Louvre en febrero del 2011, y ahora forma parte de la 54 edición de la Bienal de Venecia. 112
Masterclass presented by the Polish cinema director Lech Majewski, in which he will give, along with a screening, an introduction to the complex production of his last film “The Mill and the Cross”(2011). There will be also a screening of video art work “Glass Lips”.
Working in the U.S., Brazil, England, Poland, Germany, Lithuania, France and Italy, Lech Majewski builds his vision through paintings, films, installations, novels, theatre and opera stagings. He studied at the Academy of Fine Arts and graduated from the National Film School in Łódź. His credits include such films such as: The Knight, Prisoner of Rio, Gospel According to Harry, Basquiat, Wojaczek, Angelus, The Garden of the Earthly Delights, Glass Lips and The Mill & the Cross. His works have received many prestigious prizes. In 2006, The Museum of Modern Art in New York honored him with an individual retrospective entitled “Lech Majewski: Conjuring the Moving Image”. His art work Blood of a Poet/Glass Lips took part in the 52nd Venice Biennale and MoMA Retrospective travelled to museums around the world. His latest videoart cycle, Bruegel Suite, premiered at the Louvre in February 2011 and is now part of the 54th Venice Biennale. (find more on www.lechmajewski.com)
113
ACTIVIDADES PARALELAS PARALLEL ACTIVITIES PERFORMANCE – ACCIÓN PÚBLICA: FOLLOW US PERFORMANCE – PUBLIC ACCTION: FOLLOW US
PATIO DE OPERACIONES CENTROCENTRO PATIO DE OPERACIONES CENTROCENTRO LUNES 10 DE DICIEMBRE MONDAY 10th DECEMBER
Sandra ALVAROLÓPEZ SOLIMÁN FOLLOW US - Performance/acción pública. Con la colaboración de David Montero, diseñador de interacción. FOLLOW US - Performance/acción pública. Con la colaboración de David Montero, diseñador de interacción.
Según la famosa teoría “Seis grados de separación” de Frigyes Karinthy, estamos separados de cualquier persona del mundo por otras 6. Esta teoría, se ha hecho más famosa, se ha instaurado en el “gossip” común, y todos hacemos uso de ella. De esta instauración pública, las redes sociales en internet han tenido mucho que ver. Desde un punto de vista histórico y epistemológico, las redes sociales se han venido estudiando desde finales del siglo XVIII. Sin olvidar por supuesto que la humanidad es en sí misma una red social, antes llamada clan o grupo. Pensando desde lo unipersonal a lo global, en la actualidad los macro y microgrupos están 114
According to Frigyes Karinthy’s famous ‘six degrees of separation’ theory, we are 6 steps away from any other person in the world. This theory has become more famous, it has gained a place in popular belief and we have all made use of it. Internet-based social networks have played an important role in this process. To take a historical or epistemological perspective, social networks have been studied since the end of the 18th Century. Without forgetting, of course, that humanity itself is a social network, previously called a clan or group. From the individual through to the global, today’s macro and micro groupings are inter-
interconectados, etiquetados y agrupados sectorialmente por gustos, ábitos de actuación, comentarios o simplemente prefencias. Las redes sociales han venido a revolucionar la manera de comunicarnos y sobre todo de compartir nuestros contenidos tanto propios como ajenos. Pero como todo gran invento en la historia de la humanidad, lleva intrínsecas determinadas cuestiones antagónicas al concepto de lo social. La privacidad, el apropiacionismo, el control de masas, la alienación social, la burla o la denuncia son elementos que se entremezclan en nuestras redes sociales. Esa concienciación y evidencia de lo que somos, seres sociales, provoca un sentimiento de pertenencia y responsabilidad social sin precedentes. Profesional y personalmente estamos avocados a un uso de un canal que nos define como humanos, pero que contiene tras de sí fuertes herramientas de control, persuasión y consumo. La decisión es simple y clara, puedes sentirte persuadido a participar de la red, o quedarte al margen. Ambas decisiones tienen sus pros y sus contras, pero sin duda son importantes decisiones en la actualidad. Significan estar en la red o vivir al margen de la misma. No se trata de modernidad o tradición, se trata de virtualidad o fisicidad, de global o individual, de compartir o ser compartido. En la antigüedad, la historia actual se contaba a través de grandes frisos de relieves donde los mitos y héroes rampaban por un hueco en la historia, en posturas complicadas y difíciles. Frisos del mundo clásico que hablaban de deseos, historias y elocuencias. De logros y pérdidas y de unos valores que la sociedad debía ver y contemplar. En “Follow Us” la red ofrece los contenidos y el cuerpo los recoge para transformarse en algo que no era. Bio Solimán López (Burgos, 1981), es un artista que se encuentra a caballo entre lo plástico, multimedia, las nuevas tecnologías y la performance. Conocedor de estas herramientas las utiliza a su antojo según le exige el guión de su propio mensaje. Técnicamente hace uso del software libre para la generación de contenidos y los contrapone con la fisicidad de lo tangible o plástico. Los procesos mecanizados del cuerpo y su contraposición con la máquina son mostrados en piezas como “Human mistakes” o “Identidad”, donde la imagen se captura de manera autónoma para generar importantes registros fotográficos de la acción performativa. Su acercamiento a las nuevas tecnologías es debido a su discurso cercano a las teorías de la comuni-
connected, labelled and sorted by tastes, behavioural habits, comments or, simply, preferences. Social networks have revolutionised the way we communicate, most of all in sharing content, both our own and others’. Yet like all great inventions in the history of humanity, there are certain issues intrinsic to these networks that run counter to the concept of ‘social’. Privacy, appropriation, control of the masses, alienation, ridicule or campaigning are some of the elements intertwined within our social networks. This awareness and proof of what we are – social animals – creates an unprecedented feeling of belonging and social responsibility. Professionally and personally, we are caught up in using a means of communication that defines us as humans but carries along with it powerful tools of control, persuasion and consumerism. The decision is clear and simple: you can be persuaded to participate online or stick to the sidelines. Both decisions have their pros and cons but, without doubt, these are important decisions in today’s world. They mean being on the web or living on the margins. It is not about modernity or tradition; it is a question of the virtual or the physical, global or individual, sharing or being shared. In antiquity, history was told through huge, high relief friezes where myths and heroes battle it out for a place in history through demanding, complicated postures. Friezes from the classical world spoke of desires, stories and eloquence; of achievements, losses and values which society should contemplate. In Follow Us, the web offers the content and the body brings this content together to become something it was not. Bio Solimán López (BuRgos, 1981) is an artist who draws from visual arts, multimedia, new technologies and performance. Skilled in all of these tools, he employs them at will, in line with the message he is aiming to transmit. Technically, he makes use of free software to generate content, countering these with the physicality of the tangible or plastic arts. The body’s mechanised processes contrasted with the machine appear in pieces such as Human Mistakes or Identity, where images are captured automatically to generate significant photographic records of the performance. López’s move towards new technologies is the result of his discourse around theories of communication and society, an area he has been exploring during a significant part of his career. 115
cación y sociedad. Binomio sobre el que lleva investigando gran parte de su carrera artística. Entre sus últimos proyectos cabe destacar su reciente participación en la I Bienal de Arte Emergente de Venzuela, la selección de su trabajo para la Muestra Audiovisual y Live Performance Videolooking o la selección del proyecto “Wanna Be” por el comisariado de TEDx Valladolid para el Laboratorio de las Artes de Valladolid (LAVA) entre otros.
Among his most recent projects, it is worth highlighting his participation in I Bienal de Arte Emergente, Venzuela and the Muestra Audiovisual y Live Performance Videolooking. His piece Wanna Be was also selected by curators at TEDx Valladolid for the Laboratorio de las Artes de Valladolid (LAVA).
ACTIVIDADES PARALELAS PARALLEL ACTIVITIES PERFORMANCE AUDIOVISUAL: incite/ AUDIOVISUAL PERFORMANCE: incite/
AUDITORIO CENTROCENTRO AUDITORIUM CENTROCENTRO SABADO 15 DE DICIEMBRE SATURDAY 15th DECEMBER
dualicities (2010) y el análisis macroscópico de zoom studies (2011) con su particular mirada sobre su ciudad natal, holistic glue (otoño 2012) aúna perspectivas no convencionales. Una surrealista travesía en barco del puerto, la fauna silvestre de la ciudad, las saltarinas aventuras de los impredecibles avatares de lego –que suben y bajan escaleras o ascensores verticales y cíclicos-, manifestaciones de la gentrificación, la danza de un zapatero o la ilusión de seguridad que aboca a la paranoia urbana. Los sorprendentes y bailables ruidos de Incite/ fluyen sobre un extraordinario y sofisticado fondo de subbajos. Asentados en algún lugar entre la música electrónica, el glitch, la Intelligent Dance Music y la música industrial, sus sonidos han ganado en calidez respecto a sus anteriores montajes. El dúo sinestéticamente reúne todos esos elementos en un todo: una inmensa densidad informativa presentada desde un escenario espectacular y aderezada con proyecciones. Con holistic glue, el galardonado dúo colma, una vez más, la brecha entre el mundo del arte y la cultura del baile. Inconformista, electrizante y entretenido... sonriente.
tumn 2012) plays with unconventional perspectives: A surreal harbor-boat-trip, metropolitan animal wildlife, jump and run parkadventures of the uncontrollable lego-avatars, up and down on staircases, elevators and paternosters, gentrification issues, a shoemaker’s dance and the illusion of safety ending up in urban paranoia. incite/ ‘s challenging danceable noises built upon an extraordinary sub bass foundation keep getting another bit more sophisticated while still routed somewhere between electro, glitch, idm and industrial - their sound gaining a warmth that only sparked through in earlier sets. The two synaesthetically glue all these parts to a whole of an immense overall information density, presented in their iconic setup featuring the duo blending with their projections. With “holistic glue”, the awardswinning duo once again bridges the gap between art and club worlds - unconventional, electrifying and entertaining with a smile.
incite/ - audiovisuales impactantes y electrónica de baile poco ortodoxa incite/ - eye-catching audiovisual art and unorthodox danceable electronics incite/ - “holistic glue - nueve piezas audiovisuales” incite/ - “holistic glue - nine audiovisual pieces” El estreno para MADATAC de este espectáculo audiovisual de incite/ -el quinto de sus montajes en directo- añade perspectivas en blanco y negro sobre su ciudad natal, generando un todo superior a la suma de las partes. holistic glue (pegamento integral) es una performance absorbente de ritmos electrónicos novedosos y bailables acompañados de imágenes, autoproducidas en Alta definición, que cruzan la divisoria entre la abstracción y la semi-narración. El dúo electrónico de Hamburgo sintetiza los elementos destacados de sus anteriores montajes vanguardistas, llevándolos a nuevos y más avanzados niveles. Combinando la mecánica cuántica de lo cotidiano de mindpiercing (2007-2009), las representaciones urbanas de 116
incite/’s fifth major audiovisual live-set, and a premiere for MADATAC, ads up greyscale perspectives on their hometown to a sum greater than its parts. “holistic glue”, an immersive performance of unorthodox danceable glitchy beats in tight sync with remarkable and entirely self-produced HD-visuals between abstraction and semi-narration. The Hamburg-based electronic duo blends the main elements of their pioneering earlier work and rises them to new and advanced levels: Combining the everyday-life-quantum-mechanics of “mindpiercing” (2007-2009), the urban renderings of “dualicities” (2010) and the macroscopic analysis of “zoom studies” (2011) with their special view on their hometown, “holistic glue” (au-
incite/ nació a finales de 2002, desde sus primeros pasos con un claro enfoque en la actuación en directo. Ahora sus directos están entre los más conocidos de Europa, sirviendo de puente entre la cultura de clubbing o electrónica y el mundo del arte. incite/ nos traen ritmos extrañísimos y toques de glitch perfectamente bailables, sincronizado con impactantes visuales en una contrastada escala de grises. Galardonados en varias ocasiones, incite/ han ido forjando su reputación con más de 180 actuaciones en directo, muchas de ellas en festivales internacionales de arte de los nuevos medios, video, música contemporánea, electro, breakcore, industrial y otros géneros. Las cinco actuaciones audiovisuales presentados en directo hast la fecha son: iconicity (2004-2006), mindpiercing (2007-2009), dualicities (2009-2010), Zoom studies (2010-2011) y holistic glue (premiado en otoño de 2012).
Founded late 2002 with a clear focus on live performance incite/ have become one of Europe’s best known audiovisual live acts, bridging the gap between club culture and the art world. incite/ play seriously weird glitchy danceable grooves in synced conjunction with intense greyscale visuals. Award- wining performers, incite/ have forged their reputation with more than 180 live concerts, many of them at international festivals featuring new media art, video, contemporary music, electro, breakcore, industrial and other genres. The duo’s five major audiovisual live sets to date are: iconicity (2004-2006), mindpiercing (20072009), dualicities (2009-2010), zoom studies (2010-2011) and holistic glue (premiered in autumn 2012).
117
JURADO JURY
videocreación y arte digital. Sus videocreaciones se han visto en los principales programas culturales: Metrópolis, La Mandrágora, Antiestático, Miradas, ... Es profesora de la Escuela Universitaria EXITAE de la Universidad Camilo José Cela en los módulos de Performance Audiovisual. Fundadora del colectivo LaptopsRus con Shu Lea Cheng y Blanca Regina. Fundadora de conexión.madrid. Fundadora de Peninsulares Video.
LECH MAJEWSKI Trabajando en EE.UU, Brasil, Inglaterra, Polonia, Alemania, Lituania, Francia e Italia, Lech Majewski construye su visión a través de pinturas, películas, instalaciones, novelas, teatro y escenografía de óperas. Ha estudiado en la Academia de Bellas Arte y se graduó en la National Film School en Łódź. Algunas de sus obras son: The Knight, Prisoner of Rio, Gospel According to Harry, Basquiat, Wojaczek, Angelus, The Garden of the Earthly Delights, Glass Lips and The Mill & the Cross. Sus trabajos han recibido muchos premios de prestigio. En 2006, El Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) realizó una retrospectiva honorífica individual titulada “Lech Majewski: Evocando la Imagen en Movimiento”. Su pieza artística Blood de Poet/Glass Lips se incluyó en la 52ª edición de la Bienal de Venecia y la retrospectiva del MOMA viajó por museos de todo el mundo. Su último ciclo de videoarte Bruegel Suite se inauguró en el Louvre en febrero del 2011, y ahora es parte de la 54 edición de la Bienal de Venecia.
Working in the U.S., Brazil, England, Poland, Germany, Lithuania, France and Italy, Lech Majewski builds his visions in his paintings, films, installations, novels, theatre and opera stagings. He studied at Academy of Fine Arts and graduated from the National Film School in Łódź. His credits include such films as: The Knight, Prisoner of Rio, Gospel According to Harry, Basquiat, Wojaczek, Angelus, The Garden of the Earthly Delights, Glass Lips and The Mill & the Cross. His works has won many prestigious prizes. In 2006, The Museum of Modern Art in New York honored him with an individual retrospective entitled “Lech Majewski: Conjuring the Moving Image”. His art work Blood of a Poet/Glass Lips took part in the 52nd Venice Biennale and his Retrospective that originated at MoMA travelled to the museums around the world. His latest videoart cycle Bruegel Suite premiered at the Louvre in February 2011 and is now part of the 54th Venice Biennale. (find more on www.lechmajewski.com).
MAITE CAJARAVILLE Maite Cajaraville combina desde hace diez años sus facetas de artista y de creativa en el ámbito de los nuevos medios. Máster en Teoría y Práctica del Arte Contemporáneo (MFA), por la Universidad Complutense de Madrid y Diplomada en Informática (Madrid, 1991-93), completa su formación multidisciplinar en la Städelschule für Bildende Kunst de Frankfurt (Alemania, 1993-96), bajo la tutela directa de los artistas y profesores Peter Weibel y Thomas Bayrle, donde se especializa en arte interdisciplinar, 118
Over the past ten years, Maite Cajaraville has developed her artistic work and creative-arts career within the field of New Media. She holds an MFA in Theory and Practice in Contemporary Art from Madrid Complutense University, along with a higher education diploma in Computer Science (Madrid, 1991-1993). Cajaraville completed her cross-disciplinary training at Städelschule für Bildende Kunst (Frankfurt, Germany, 1993-1996), in the care of artists and teachers such as Peter Weibel and Thomas Bayrle, spe-
cialising in multidisciplinary art, video creation and digital art. Her video creations have been screened on leading cultural programes in Spain, such as Metrópolis, La Mandrágora, Antiestático or Miradas. Lecturer in Audiovisual Performance at the Escuela Universitaria EXITAE (Camilo José Cela University), Cajaraville founded the LaptopsRus collective (together with Shu Lea Cheng and Blanca Regina), conxión.madrid and Peninsulares Video.
SHAHRAM ENTEKHABI Shahram Entekhabi, born in Beroujerd (Iran), is an artist and architect who lives and works in Berlin. He studied graphic-design at the University of Teheran, Iran, then Architecture, Urbanism and Italian language in Perugia and Reggio Calabria, Italy. His work has been the subject of many exhibitions all over the world. Shahram Entekhabi, nacido en Beroujerd (Irán), es un artista y arquitecto que vive y trabaja en Berlín. Estudió diseño gráfico en la Universidad de Teherán, Irán. Mas tarde arquitectura, urbanismo e idioma italiano en Perugia y en Reggio Calabria, Italia. Su obra ha sido objeto de numerosas exposiciones en todo el mundo.
119
PALMARÉS / AWARDS
Esta IV edición contará con tres dotaciones que se darán a conocer durante la ceremonia de clausura de la Muestra, la cuál se llevará a cabo en el CentroCentro el 15 de diciembre 2012. Prizes will be awarded in three different categories. The winners will be announced at the closing ceremony, to be held at CentroCentro Palacio de Cibeles on Saturday 15th December 2012.
CHIH-YUNG AARON CHIU Chih-Yung Aaron CHIU es professor asociado y catedrático en el departamento de Medios de comunicación de la Universidad Providence. También trabaja con la Fundación Digital de Arte y dirige el “Research Institute for Media Technology and Creative Industries”. Tiene un PhD en “School of Interdisciplinary Arts at Ohio University, U.S.A.” y está especializado en arte y estética de los nuevos medios, lo cual combina con su trabajo como comisario de exposiciones. Sus artículos entitled (2007) e Inter/face: A Reconsideration of Myth of Transparency (2008) han sido nominados en Digital Art Awards Taipei (DAA Taipéi). Sus últimas publicaciones incluyen ‘Fill in the Blank: On the Position of Spectatorship in the New Media Arts,’ ‘Textual Blank and Creative Participation: On the Dialectics Relationship between the Creator, Artwork, and Participant on the Interactive New Media Art,’ ‘The Intervention of History toward Contemporary Era: On Appropriations and Recreation of Visual Archive Images,’ ‘City Spectacle and Imagescape: The Multiple Carrier of Contemporary Visual Images,’ ‘The Work of Art in the Age of Digitized Culture,’ y ‘Aesthetic Perception of Digitized Art Image in Cyberspace: Toward A Phenomenological Experience’.
Chih-Yung Aaron CHIU is associate professor and chairperson in the Department of Mass Communication at Providence University. He is also the inspector of Digital Art Foundation, and the director of Research Institute for Media Technology and Creative Industries. He has his PhD in School of Interdisciplinary Arts at Ohio University, Athens, Ohio, U.S.A., and specialty is on new media art and aesthetics. His articles entitled ‘On the Embodied Aesthetics of Digital Arts’ (2007) and ‘Inter/ face: A Reconsideration of Myth of Transparency’ (2008) have nominated by Digital Art Awards Taipei (DAA Taipei). Currently, He also participates in the curatorial work. His recent publications include ‘Fill in the Blank: On the Position of Spectatorship in the New Media Arts,’ ‘Textual Blank and Creative Participation: On the Dialectics Relationship between the Creator, Artwork, and Participant on the Interactive New Media Art,’ ‘The Intervention of History toward Contemporary Era: On Appropriations and Re-creation of Visual Archive Images,’ ‘City Spectacle and Imagescape: The Multiple Carrier of Contemporary Visual Images,’ ‘The Work of Art in the Age of Digitized Culture,’ and ‘Aesthetic Perception of Digitized Art Image in Cyberspace: Toward A Phenomenological Experience’ et. al..
Premios MADATAC / MADATAC Awards Cinco premios que consistirán en una innovadora obra de arte vanguardista realizada por el artista Javier Arcos Pitarque.
Five Madatac awards of a cutting-edge work of art by the designer Javier Arcos Pitarque.
MEJOR OBRA DE VIDEOARTE OBRA DIGITAL+ INNOVADORA VIDEO ARTISTA + PROMETEDOR MEJOR INTERACCIÓN VIDEOAURAL PREMIO ESPECIAL DEL PÚBLICO (Concedido por votación entre los espectadores a la mejor obra de la Sección Oficial Internacional)
Most Innovative Work
Best Video Art Work Most Promising Video Artist Best Visual-Aural Interaction Special Audience Award (Granted to the Best Video Art Work as voted for by festival audiences)
SELECCIÓN METRÓPOLIS El programa de televisión METROPOLIS (La 2) seleccionará obras de la Sección Oficial Internacional de la Muestra, que se emitirán en un programa especial de Metrópolis dedicado a MADATAC, el cual se podrá ver el domingo 23 de diciembre 2011 a las 00:30 en La 2 de TVE.”
The well-known TV programme, Metrópolis (shown on Channel 2 of Spanish public television) will select works from the Official International Section which will be shown in a special programme dedicated to MADATAC to be broadcast on TVE2 at 00:30 on Sunday, December 23th 2012.
Premios TRANSFERA / TRANSFERA Awards MADATAC y Subastas Segre elegirán 3 de las obras a competición para ser subastadas públicamente en febrero 2012. La exposición de las obras se podrá ver a partir de la primera semana de febrero en la propia sede, calle Segre 18, Madrid. El precio de salida será fijado por la Casa de subastas en ediciones de 3 copias en DVD, cantidad que percibirá el artista luego de deducirse el porcentaje correspondiente a los gastos de gestión y venta. 120
MADATAC and the auction house, Subastas Segre will select three of the winning pieces to be sold at a public auction at 18, Calle Segre, Madrid on February 2013. The works will be exhibited from the first week of the same month. The starting price will be fixed by the auction house for editions of 3 copies on DVD. Artists will receive the final sale price less a percentage commission for administration and sale fees. 121
EQUIPO / TEAM
Dirección / Concepto
Concept & Director
MADATAC
Dirección Adjunta
Assistant Director
Muestra de arte digital audiovisual y tecnologías avanzadas contemporáneas
Producción
Production
Comunicación
Comunication
Iury Lech
Oscar Rivilla
Haris Hlorou Haris Hlorou Noelia Sueiro
Iury Lech
Oscar Rivilla Haris Hlorou
Haris Hlorou Noelia Sueiro
E-MAIL: info@madatac.es WEB: http://www.madatac.es/
Presentación de la Muestra
Presenter
FACEBOOK: http://www.facebook.com/MADATAC
Foto de Cartel
Poster Photo
BLOG: madatac.wordpress.com
Oscar Rivilla
Diseño de Cartel
Producción / Comunicación&Prensa: Haris Hlorou
Poster Design
E-mail: media@madatac.es
Foto de contraportada
Back Cover Photo
Diseño de Trofeos
Trophy Design
Edición de Videos
Video Editing
Maquetación de catálogo
Publications Design
Edición y Apoyo Técnico
Edition & Technical Support
Traducciones
Translation
Medios on-line
On-line Media Assistant:
Fotos
Photographer
Elena Gómez Oscar Rivilla Oscar Rivilla Iury Lech
Fernando Casarrubios Javier Arcos Pitarque Emilio Santiago Daniel Naveira
Fernando Miranda Rebekah Rhodes Haris Hlorou Sara Bueno Rafael Carral
122
CONTACTO / CONTACT
Elena Gómez
Oscar Rivilla Iury Lech Fernando Casarrubios Javier Arcos Pitarque Emilio Santiago Daniel Naveira
Fernando Miranda Rebekah Rhodes Haris Hlorou
Sara Bueno Rafael Carral
123
ESPACIO / SPACE
COLABORADORES / COLLABORATORS
CENTROCENTRO CIBELES DE CULTURA Y CIUDADANÍA. 5Cs
Plaza de Cibeles, 1 28014 Madrid info@centrocentro.org Información general T +34 91 480 00 08 Horario Exposiciones Martes a domingo: 10.00 - 20.00 h. Entrada gratuita Transporte Metro: Banco de España Tren: Recoletos Autobuses: 1, 2, 202, 5, 9, 10, 14, 15, 20, 27, 34, 37, 45, 51, 52, 53, 74, 146, 150, 203, Línea Expres Aeropuerto Aparcamiento: C/ Montalbán Aparcamiento para bicicletas: C/ Montalbán 1
ORGANIZA / ORGANIZERES COLABORADORES TECNOLÓGICOS TECHNOLOGY-SECTOR COLLABORATORS
124
125
MEDIOS COLABORADORES / MEDIA COLLABORATORS
Aunque este libro-cat谩logo ha sido elaborado con el mayor
PARTNERS / PARTNERS
esmero, MADATAC no se hace responsable de los errores que puedan haberse producido en el transcurso de su publicaci贸n. Great care has been taken in producing this book-catalogue. Nonetheless, MADATAC cannot be held responsible for any errors that may appear.
Editorial Casimiro www.casimirolibros.es ISBN: 978-84-15715-07-8 DLP: M-38994-2012 126
127
128