Spanish Made Now VOL 18 Japón

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Shibuya streets

by @Omarjlm

渋 谷 区

日 本 へ よ う こ そ

WELCOME TO JAPAN

por @Omarjlm

Torre de Tokio

東 京 タ ワ ー

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Carta del editor Japón, y nada más Porque no hace falta añadir palabra alguna. Japón es, ha sido y será siempre una de las mayores fuentes de inspiración para la industria de la moda. Pocas temporadas escapan a su refrescante repertorio, y aunque no siempre se sirven de él de manera explícita, se deja entrever este invierno en detalles como bordados florales en las deliciosas bomber de Gucci, cinturas (híper) marcadas en los corsés dorados de Loewe, aires minimalistas en el total-white de Rick Owens, o la papiroflexia más original de los drapeados multicolor en la alta costura de Versace.

lujo asiático en todo su esplendor y, por otro, el vanguardismo en cuanto a su diseño. Míticas agujas nacidas en el país de las más de seis mil islas, como Kenzo Takada, Issey Miyake o Rei Kawabuko, próxima protagonista de la exhibición del MET de Nueva York con su firma Commes des Garçcons.

Los hábitos de belleza de las chicas japonesas son objeto de análisis de nuestros expertos, quienes nos llevan desde la más adorable Hello

pasando por los guerreros samurái interpretados en clave 100% minimalista.

Pero lo que más llama la atención de una nación como Japón es, sin duda, su originalidad. Sí, ORIGINALIDAD, con mayúsculas.

Una cultura única, capaz de reinventarse ante cualquier reto; una cultura llena de variedades totalmente dispares, de contrastes, pero de una potencia visual y social sin límites. Una cultura en la cual lo clásico y lo rural conviven con las mayores metrópolis del planeta, la modernidad y la vanguardia tecnológica más puntera. Por estos motivos —y por muchos otros—, MADE Now ha querido rendir homenaje a la nación nipona. Porque, en cierto sentido, nos sentimos identificados con muchos de los aspectos que la definen y diferencian, que nos definen y diferencian, de muchas otras: tratar de desmarcarnos, huir de la copia fácil, ser únicos, ser vanguardistas, crear moda.

100% única, 100% vanguardista, 100% MADE Now

Todo lo que el Imperio del Sol Naciente ofrece está presente en esta décimo octava edición, absolutamente visual y clásicamente moderna. El street-style más extrovertido, visto en las semanas de la moda de la mano de Ms Castro Rides y su gun —ejército— de fotógrafos. Entrevistas a diseñadores como Juan Brea, cuyos estampados recuerdan a las ancestrales dinastías niponas. Piezas de un contraste tan alto como conforman las creaciones de Flori Gómez o Claudia Kurzweil, quienes muestran con sus nuevas colecciones, por un lado, la obsesión del

Kitty, hasta la naturalidad y frescura de las orquídeas. ¿Y el resto? Oh, mucha moda. Y qué moda. Todo el imaginario japonés contemplado en unas editoriales sin igual que se dan cita para cerrar con este volumen 18 un 2016 redondo en todos los aspectos. Desde la tradición de los kamishibai —cuentos populares japoneses— ilustrados en esta ocasión por un artista como Carlos Carvajal, hasta las culturas urbanas que no entienden de género y las harajuku,

Ahora pasa la página, y despide el año como se merece, con una buena dosis de nuestra revista en estado puro: 100% única, 100% vanguardia, 100% MADE Now.

Daniel Albericio, Editor Jefe

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Pendientes en plata de ley con circón y cristal, FLORI GÓMEZ

Director Rubén González Estilista Isabel Nóbrega Estilista Raúl Rodríguez Estilista Dan García Estilista Cris León Estilista Katia León Peluquería Moisés Pérez Maquillaje Patricia Santana Maquillaje Andrea Pérez Fotografía Sara García Fotografía Luis Sosa Fotografía Gema Hernández Fotografía Cristian Navarro Spots Eduardo Giménez Diseñadora gráfica Nayra González Diseñadora gráfica Naila Pérez Diseñadora gráfica Ana Lía Pérez Diseñadora web Carla Correa

Co-Directora Lola Rufino Director Creativo Rubén González Editor Jefe Daniel Albericio Editor de moda Rubén González Director de arte Carlos Carvajal Redactora jefe Florángel Sánchez Directora de producción Agnelymar Reyes Directora de belleza Lulú Ventura Directora de maquillaje Romina Elorrieta Relaciones Públicas Lupe Castro Comunicación Mónica Rodríguez Redactor Susana Martín Redactor Yolanda Castrodá Redactor Paula Albericio Traducción David González

HAN COLABORADO EN ESTA EDICIÓN

Sedomir Rodríguez de la Sierra / GM by Je / By Loleiro Atelier / Domingo Ayala / Contemporary Jewellery by Claudia Kurzweil / POPHOUSE / +QMODA / OLÉ GROUP

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MADE NOW VOL 18 - JAPÓN 008 | Fashion Diaries por Ms Castro Rides 015 | Entrevista a Irina Babanova 016 | Personal Shopper por Borja Romero 018 | Siempre Tres - Nunca Más 021 | MAX.TAN por Daniel Albericio 025 | Elvira Manrique de Lara en siete respuestas claves 028 | Entrevista a João Rôlo 032 | Japón, cuna de creadores por Paula Albericio 038 | Entrevista a Hajime Yamamoto 042 | Entrevista a Giorgia Gabriele 044 | UIMP por Sara de la Cuesta 048 | Entrevista a Juan Brea 050 | Entrevista a DILIGENT 054 | Entrevista a MANONIK 057 | Belleza: Conoce los secretos del skincare japonés 068 | Kamishibai 080 | Contemporary Samurai 090 | Asian Society 098 | Claudia Kurzweil 112 | Tokyo Without Gender 120 | About Last Night EN PORTADA: Menglei Li (OLÉ GROUP) fotografiada por Gema Hernández con estilismo de Daniel Albericio, lleva abrigo de Sedomir Rodríguez de la Sierra, pantalón de Mango y gasa al cuello de GM by Je. Maquillaje: Andrea Pérez. Peluquería: Moisés Pérez.

Ilustración: Carlos Carvajal

EDITA

MADE NOW Anillo en plata de ley con circón, FLORI GÓMEZ

Made Now. Tenerife: La Laguna 38297 Canarias /España MADE Now no se hace responsable de las opiniones vertidas por los colaboradores en sus artículos. © MADE NOW Prohibida su reproducción, edición o transmisión total o parcial por cualquier medio y en cualquier soporte sin la autorización escrita de MADE NOW

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Fashion Diaries Ms Castro Rides

¿Es posible que estemos en diciembre, y las invitaciones para la Semana de la Moda de Berlín y la London Collections Men ya estén llegando?

Este ha sido un año extremadamente intenso en lo que a moda se refiere, y parece que el año que viene va a estar igual de ocupado.

Viajar por todo el mundo para diferentes shows, semanas de la moda, reuniones y exhibiciones es siempre agotador, pero ¡lo adoro!

Y debo decir que espero con ansia adentrarme en el calendario —cada vez más lleno— del próximo año.

Durante agosto y septiembre en 2017 estaré en la Exhibición de Diseño de Bruselas, lo que significa que estaré todo el verano en esa ciudad tan preciosa, llenando mi tiempo libre con alguna que otra escapada a sus museos sobre moda y las fantásticas tiendas de antigüedades siempre que tenga la oportunidad.

También voy a organizar algo con mi My Treasure Box durante la Semana de la Moda de Londres, así que 2017 también va a suponer una gran cantidad de cielos

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nubosos y tiempo frio. Pero siempre compensa, porque será el momento para poder ver nuevos talentos y encontrarme con grandes personas a las que aprecio.

Finalmente, mi Fashion Space at the Arts abrirá en junio, lo cual será una grandísima oportunidad para mostrar todas mis piezas vintage, tan fabulosas, ¡y eso no es todo! También tengo algunas colaboraciones emocionantes por llegar, pero no puedo decir nada por el momento. ¡Estad atentos!

•L.C.

Ayana Miyamoto

Tokyo Style Fotografía Kyoung Duck Park

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Misha Janette

Misha Janette

Yuri Nakagawa

Chan Woo Lee | Diseñador de la etiqueta ACOUD

Tokyo Style

Fotografía Kyoung Duck Park

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Parisian Style Fotografía Parisdise Photography

Vanessa Hong, de @hautepursuit

Vogue Fashion Feature editor Shizue Hamano

ス ト リ ー ト ス タ イ ル

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Liu Tao

Faye Tsui

Parisian Style

Fotografía Parisdise Photography

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Justine Lee

Irina Babanova Entrevista a

o”

“Eenab

Originaria de Bulgaria, Irina lleva once años viviendo en Japón. En 2012 estableció su marca de joyas Eenabo Jewelry, y hasta ahora, ha presentado doce colecciones y más de 300 piezas originales. Sus diseños cuentan con artículos de arte únicos hechos a mano que utilizan sólo materiales de alta calidad como piedras preciosas, perlas cultivadas o cristales de Swarovsky. Irina ha colaborado en varios proyectos con artistas y marcas de moda de muchos países como estilista, directora de arte y promotora de marca. Su trabajo ha sido presentado en las principales revistas de moda, concursos de belleza y exposiciones internacionales.

¿Su misión? Inspirar y hacer feliz a la gente.

Irina, como europea y agitadora en la escena de la moda de Tokio desde hace casi seis años, ¿cuáles son las diferencias más particulares entre ambas partes del mundo?

Es difícil hablar de moda en toda Europa... Siento que allí, la moda en general es más elegante, los colores son más silenciados y cuidadosamente combinados. La gente no experimenta mucho y prefiere ropa práctica y cómoda. Por otro lado, en Asia, y particularmente en Japón, la moda es muy audaz, con colores brillantes y variedad de estilos que a

Fotografía: Terrence Jones

Artista digital, diseñadora de joyas, diseñadora y productora de eventos, bloguera y modelo, conocí a Irina a través de un amigo en común, Joe Nickols, y llegamos a la conclusión de que Japón nos ha traído algunos de los diseñadores más grandes, quienes son particulares por la forma en que consideran la moda.

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menudo chocan. Parece que no hay reglas para la moda y todo el mundo es libre de experimentar. El aspecto de las chicas es “lindo” (kawaii) y más femenino, mientras que el look de las europeas es más “fresco” y con estilo.

La gente en Japón usa sombreros y bufandas a menudo; Los tacones altos son muy populares en cualquier momento del día entre la mayoría de las mujeres, mientras que en Europa prefieren zapatos cómodos y usan tacones altos sólo cuando salen por la noche, o para ocasiones especiales. Los europeos prefieren grandes, audaces, y en muchos casos simples piezas de joyería y gafas de sol, mientras que en Japón las mujeres usan piezas muy pequeñas y delicadas con un montón de brillo; las gafas de sol son sólo un accesorio de moda, no hay razones prácticas para usarlas.

Fotografías: Terrence Jones y Hugo Poveda

¡Debo mencionar que hay un código de vestimenta estricto para la gente de negocios! Principalmente trajes negros, camisa blanca y corbata. Si utilizas el transporte público durante la hora punta, verás a gente que usa el mismo tipo de traje, lo cual contrasta con la imagen vibrante y colorida que se ve en la calle.

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Desde el punto de vista de “establecerse como diseñador o artista en Japón”, ¿cómo de difícil puede llegar a ser?

Lo que encontré desafiante al principio es que los artistas extranjeros en Japón pueden sentirse muy aislados y se necesita mucho tiempo para poder ser aceptado en los círculos de la moda y el arte. Incluso si tienes talento y eres bueno en lo que haces, incluso

si trabajas duro, todavía necesitas contactos, ser introducido por un nombre importante, para obtener tu nombre por ahí. Supongo que así es como funciona en todas partes, pero siento que en Japón todo toma demasiado tiempo hasta que confían en ti para trabajar con ellos. El lenguaje es otra barrera. Me tomó varios años para establecer mi propia red y averiguar cómo funcionan las cosas aquí exactamente. Y todavía estoy aprendiendo.

Hoy en día, puedo apoyar a otros compañeros creativos —artistas y diseñadores de diversas nacionalidades, organizando eventos de arte y moda donde puedan exhibir su trabajo, ampliar su red, obtener confianza y apoyo y encontrar oportunidades para futuras colaboraciones.

Tokio es famosa por sus tribus urbanas. ¿Puedes darnos alguna idea de cuáles encontrar? ¿Cuáles son tus favoritas, o las más populares? Yendo aún más lejos, ¿dónde encaja su estilo?

La moda en Tokio es increíble en términos de variedad, singularidad y libertad de expresión. La moda callejera recibe una atención mundial. Hay una gran variedad de subculturas japonesas y la escena está cambiando constantemente, lo que hace que sea muy difícil seguirles la pista. Sin embargo, hay varios estilos, o «kei» en japonés, que han logrado evolucionar conservando su estilo original, como los Gosurori, Fairy Kei, Lolita Kei... Durante varias décadas, el corazón de la moda callejera de Tokio han sido las Harajuku, principalmente jóvenes

Ser parte de todo esto inevitablemente cambia tu perspectiva, la forma en que percibes la moda y la auto-expresión. En cuanto a mi estilo, siempre he estado interesada y he respetado varias formas de creatividad en la moda. No hay color o estilo que no intentaría en mí misma y disfrutaría llevándolos, dependiendo del estado de ánimo y las circunstancias, por supuesto. Es por eso que me siento muy «en casa» en Japón —sea lo que sea que esté usando, nadie lo juzgará o le dará una mirada de desaprobación. Supongo que tal actitud fomenta y alienta la creatividad, la auto-expresión, la originalidad, lo que da lugar a los diversos estilos de moda y las tendencias que hemos estado viendo. Realmente respeto y absorbo una gran cantidad de inspiración de ellos para mis diseños o estilismos. Me encanta experimentar, y el ambiente de moda tan seguro en Japón me da la libertad para hacer lo que quiero. Creo mi propio estilo; aquel con el que me siento cómoda.

La mayoría de las personas describe mi estilo como elegantemente valiente, «teniendo ese toque europeo».

Bueno, soy europea y es bueno recordar que me he mantenido fiel a mis orígenes hasta cierto punto.

Hablando de la Amazon Fashion Week del mes pasado, ¿a quién consideras el diseñador más emocionante?

¡Había muchos diseñadores talentosos! Algunos de renombre, otros debutando.

Para mí, la más emocionante es la marca ACUOD

by Chanu, por Chanwoo Lee, con moda callejera unisex.

Su filosofía se basa en la asimilación de «hombres y mujeres» y el estilo deportivo. En otras palabras, podemos ver una interpretación más amplia del estilo de moda sin género que mencionamos antes. Otro diseñador digno de mención es Leonard Wong, que crea sorprendentes siluetas futuristas en cuero y otros materiales. Presentó un gran espectáculo protagonizado por los artistas invitados Ayabambi y la modelo japonesa Kozue Akimoto.

Puedes seguir el trabajo de Irina Babanova en estas webs: www.eenabo.com www.irina-babanova.pixels.com

Fotografías: Yuki Tei y Kyoung-Duck Park

adolescentes y niñas que se reúnen y experimentan con la moda y se divierten expresando quiénes son.

Todo aquí es muy intensa, intrigante y en constante evolución.

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INSPIRACIÓN

NIPONA Servicio de Personal Shopper disponible en

Pocas temporadas escapan al influjo de una cultura milenaria que deja su impronta en cualquier sector de la industria.

Es común ver en tiendas la influencia de antiguas civilizaciones o culturas en las colecciones tanto de primavera/verano como de otoño/invierno. Atuendos típicos, estampados, diseños o modas de determinadas épocas influyen en las creaciones de muchos diseñadores.

En esta ocasión, hablaremos del inspirador Japón. Kenzo fue uno de los pioneros en fijarse en este país a la hora de crear sus colecciones.

Posteriormente, otros diseñadores como Chanel siguieron esta tradición.

Los estampados orientales de tendencia son aquellos que representan los jardines zen combinados con motivos geométricos, las flores y el árbol del almendro, las grullas y la arquitectura típica.

Además, se caracteriza por el uso urbano del color, donde el negro, el rosa empolvado, salvia y el rojo

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ladrillo definen las líneas de los nuevos looks orientales.

Este tipo de estampados no sólo pueden verse en las firmas de lujo; las tiendas low cost cuentan también con grandes representaciones de los mismos. Firmas como Sfera muestran las chaquetas bomber con bordados orientales en espalda y brazos. Amitié nos ofrece kimonos con toques actuales como el uso de tejidos metalizados en lamé. Y en la moda joven, las skort u origami, que nos recuerdan el arte de la papiroflexia.

Este otoño/invierno 2016, las prendas pijameras en seda con motivos orientales (especialmente con print de flores japonesas) no pueden faltar en el armario tanto de hombres, como mujeres.

El típico estampado nipón no sólo se apodera de este tipo de prendas, sino que también invade vestidos

con fajas obi y cierre cruzado, mini-chaquetas acampanadas con mangas geisha, y dobladillos en contraste.

Hasta ahora hemos hablado de la moda occidental inspirada en Japón, pero… ¿Cómo visten los habitantes de este gran país? No podría terminar este artículo sin mencionar los peculiares estilos que conviven entre los japoneses. Sin duda, no hay otro sitio en el mundo donde la libertad icónica resulte tan original y atractiva. El estilo japonés se caracteriza por llevar los looks hasta el límite, y la mezcla de contemporaneidad y tradición sin prejuicios ni ataduras históricas.

Las mujeres no tienen costumbre de exponer mucha piel o llevar una imagen seductora —al menos en su concepto occidental. En general, buscan en sus outfits un

toque femenino y dulce, donde los accesorios de firma son de “vital” importancia.

Con respecto a la moda joven, las tribus urbanas han inundado las calles de Tokio; encontramos chicas vestidas como muñecas francesas, con pieles muy blancas y estilo lady. O por el contrario, versiones góticas y punk de éstas.

En la moda masculina, los chicos visten con prendas andróginas de colores llamativos.

En resumen, Japón es un país rico en cultura y tradiciones que sirven como fuente de inspiración para múltiples artistas. Desde su tradicional, o todo lo contrario, contemporánea arquitectura, hasta su representativa escritura seguirán ornamentando pasarelas, vistiéndolas de costumbres milenarias y el cuidado del detalle. • B.R.

Por Nayra Gonzรกlez

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Siempre Tres Nunca más

“A veces no me entiendo, no sé qué me pasa. ¿Por qué tengo este comportamiento? ¿Por qué he vuelto a dejarme llevar por Orlando? ¡Volví a caer! No fui capaz de decir ¡no! Me dejé llevar por sus besos, sus caricias, sus palabras… Todavía le amo, pero no puedo seguir con esta relación, no tiene ningún sentido después de tanto dolor.

NO, NUNCA MÁS, nunca más”, Julia habla en alto.

Se levanta al sonido de su móvil. “Es Marta”, murmura.

-¡Hola Marta! ¿Qué tal?

-Bien. ¿Qué haces?

-Nada, tumbada en el sofá. ¿Qué tal con Jorge?

-Fenomenal. Me reí un montón, es divertido, muy divertido. Me lo pasé genial.

-Qué bien, me alegro por ti, Marta. Me imagino que habéis vuelto a quedar.

-Sí, claro. Hace un rato me llamó y estuvimos hablando. La verdad, me gusta bastante.

-Está muy bien el chico —comenta Julia con una gran carcajada.

-Pues sí. No te pases —bromea Marta.

-¿Dónde tienes a Kamel?

-En casa de mis padres, iré a buscarlo ahora.

-¿Sabes? —comenta Julia— ayer tenía pensado proponeros un viaje al Sáhara, al final me olvidé.

-¡¿Al Sáhara?! —responde Marta sorprendida—. No está mal. Mi sueño es ir a Japón. Me llama poderosamente la atención ese país: su cultura, su gastronomía, su gente…

-Su decoración —le interrumpe Julia—, tienes la casa llena de figuras japonesas.

-Sí, me gusta mucho —responde Marta—. Podemos ir algún día.

-No es mala idea, pero tenemos que esperar a que Susana tenga su bebé.

-Cambiando de tema Julia. Tú, ¿cómo estás?

-Estoy, que ya es bastante. No quiero aburrirte con mis historias, mejor vete a por Kamel. Ya hablaremos.

-Vale, vale —responde Marta—, cuídate.

-Tú también. Besos.

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Después de colgar Julia decide no seguir dándole vueltas a la cabeza. Necesita entretenerse. Ha pensado organizar su armario y dedicar toda la tarde a cambiar muebles y así darle un aire diferente a la casa. *** A la mañana siguiente Margarita camina despacio, ha salido con tiempo suficiente para llegar al lugar en el que quedó con Roberto. Se siente nerviosa y a la vez emocionada, sensaciones que no experimentaba desde hacía mucho tiempo.

Hoy está especialmente bella. Por primera vez en mucho tiempo ha dejado su pelo suelto. Vestida con un pantalón multicolor, una sencilla camisa blanca y todo ello complementado con un cinturón, unos zapatos y un bolso con algo de decoración en dorado. Su aspecto es muy actual sin perder por ello elegancia.

Roberto tiene 52 años. Es delgado y con aspecto juvenil, sólo su pelo totalmente blanco delata su edad. No es un hombre guapo, pero sus rasgos varoniles y muy marcados le hacen tremendamente atractivo.

Margarita se acerca al lugar donde han quedado. Oye su nombre, al mirar ve a Roberto, lo reconoce inmediatamente.

-¡Qué guapo! –piensa -¡Hola Margarita! —Roberto muestra una gran emoción al verla.

Ilustraciones: Israel Castro

Es domingo por la mañana. Julia, sentada en el sofá, escribe una sola frase en su diario: “mi prisión no es de cemento, mi prisión la llevo dentro”.

Rompe a llorar, no puede dejar de pensar en lo que pasó la tarde anterior.

Siempre Tres Nunca más

-¡Hola Roberto! ¿Cómo estás?

-Bien. Tú estás bellísima, como siempre. ¡Dios, cuánto tiempo sin vernos!

-Más de 30 años —responde Margarita.

-Me parece increíble cómo pasa el tiempo, aunque para ti no ha pasado, estás igual —Roberto la alaga una vez más.

Ambos siguen hablando mientras caminan hacia una cafetería. Están nerviosos, emocionados… Tienen tanto que contarse, tantas preguntas que responderse, si es que tienen respuesta.

Parece que los años no han pasado, se sienten muy a gusto juntos. No paran de hablar, por momentos se interrumpen el uno al otro. Demasiadas cosas que contar en sólo una mañana.

Se han sentado en una pequeña cafetería situada en un callejón de una calle principal.

Julia ha salido temprano de casa. Lleva toda la mañana de tienda en tienda, haciendo encargos de algunas clientas.

No consigue encontrar un determinado bolso. “Ya no sé dónde mirar”, piensa Julia, “creo que he entrado en todas las tiendas de Ceuta… Bueno, en todas no, pero sí en muchas. Seguiré por la tarde.”

Cansada de caminar, decide tomar un café. Entra en una cafetería y se sienta en una esquina al final de la barra. Mientras

le ponen el café, observa a su alrededor y se sorprende al ver a Margarita, está hablando y riendo con un señor.

No sabe qué hacer. “¿La saludo?”, se pregunta Julia. “Creo que no me ha visto”, piensa, “mejor me voy.”

Margarita está tan entretenida que no la ve.

Julia paga el café y se va inmediatamente. Le ha dado apuro saludarla, realmente no sabe si habría metido o no la pata.

Nada más salir de la cafetería le suena el móvil. Muy enfadada responde: -¿Qué quieres ahora, Orlando?

-Perdona. Sólo quería saber cómo estabas y aprovechar para preguntarte si mi mujer ha estado contigo esta mañana.

-No entiendo —responde Julia sorprendida y a la vez intrigada.

-¿Qué es lo que no entiendes Julia?

-No entiendo que me preguntes por tu mujer.

Orlando en un tono poco amable, vuelve a preguntar: -¿Ha estado contigo o no?

Julia no sabe qué decir. Se queda callada… • Y.C.

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MARAKI BY EDOUARD MORPURGO

Serio, pero nunca frío; minimalista, pero nunca simple; frágil, pero nunca débil.

Los detalles femeninos se hacen masculinos, se suaviza la tosquedad. La androginia es más que chicos con vestido y chicas con traje. Considerando estos detalles que definen el género, se reimaginan para romper estereotipos. Estos podrían ser los aspectos que describirían su colección para 2017. En exclusiva para MADE Now, MAX.TAN.

2010. Ha sido el primer diseñador asiático en mostrar sus colecciones en Ámsterdam. Además, sus prendas han formado parte de algunas ediciones de Vogue y Surface Asia.

Para la primavera-verano de 2017, su colección posee cinco características

Imágenes: cortesía de max.tan

Los experimentos con cortes estratégicos y la expansión de ideas simples definen el lenguaje de MAX.TAN. Maximizando las ideas más minimalistas, sus colecciones evocan un universo sereno con influjo de un espíritu de rebeldía.

Con un toque de arte contemporáneo, las prendas juegan con el volumen, formas modificadas, el oversized, undersized, la deconstrucción, reconstrucción y transformación. Estos factores forman el ADN de la firma.

Tras graduarse en Diseño de Moda en 2006 por la Academia de Bellas Artes de Nanyang, Max continúa su andadura en la Semana de la Moda de Singapur en 2007, siendo premiado con el segundo puesto en el Concurso de Diseñadores del certamen. Con este reconocimiento y tras algunos proyectos, su firma debuta con la colección “Pressed” en

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que se mezclan entre si: volantes, que van de lo femenino hasta lo masculino, a medida que se les da mayor estructura usando un algodón tratado e introduciendo bandas elásticas de deporte para crear ondas que sustituyen al método tradicional, y colocadas de un modo más deconstructivo en partes inesperadas del cuerpo, introduciendo volumen y rompiendo la silueta. Suda-

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deras de rayas marineras, que van de lo masculino a lo femenino, deconstruidas en cuanto a la manipulación de la tela. Las rayas son cortadas en piezas de patrón individuales y usadas como flecos de tela realizando así patchwork en camisetas y vestidos. Las rayas más estrechas se sitúan en lugares que acentúan las formas femeninas, rompiendo así su tradicional silueta rígida.

La corsetería, tradicionalmente femenina, se aplica a artículos masculinos como chaquetas vaqueras, vestidos camiseros y camisetas, pero se sigue usando para moldear partes del cuerpo.

Los bordados, introduciendo así diferentes texturas que sugieren un tipo de pieza diferente sobre un lienzo totalmente en blanco. Y finalmente, la deconstrucción, cuyo look andrógino

es mayoritariamente rígido, overisized y desenfadado, siendo utilizado de una manera más femenina, moldeando el cuerpo, pero que aun así termina por resultar muy relajado.

Para los años venideros, Max Tan suena como uno de los nombres más destacados a escuchar en la industria de la moda. • D.A.

En estas pรกginas, imรกgenes de la colecciรณn primavera/verano 2017 de MAX.TAN, una oda al blanco y negro que difumina la frontera entre lo femenino y lo masculino

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por @Omarjlm

Fushimi Inari Taisha

伏 見 稲 荷 大 社 24 | MADE NOW / JAPÓN

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室内装飾

lvira Manrique de Lara

en siete respuestas clave

Cómodo, práctico, personal. ¿Qué característica prevalece sobre las demás a la hora de crear?

La funcionalidad, en armonía con la belleza. ¿Un estilo favorito?

El mío, la libertad para poder desarrollar cada proyecto según sus circustancias.

La tecnología forma parte de nuestro día a día. ¿Cómo se integra en un proyecto como el tuyo?

De manera que lo haga lo más

cómodo posible, se impone la dómotica, ¡facilita la vida! ¿Cuan importante es la geometría?

Es importante para equilibrar un instrumento, herramienta para buscar la armonía y belleza.

調 和 、 光 と 美

¿Qué opinas sobre la gran demanda por lo antiguo o “vintage” que recorre el mundo actualmente?

Que es parte de nuestra vida. Hay un reconocimiento hacía lo clásico, lo básico, que se reinventa una y otra vez. La creatividad oscila siempre entre el conservadurismo y la innovación.

Fotografías: Aljosa Petric

Cada trabajo, cada diseño, ¿se imprime con algo personal?

Sí, claro. En cada proyecto siempre pongo alma, vida y corazón.

Tres pautas para crear un espacio idóneo de trabajo.

Armonía, luz y belleza

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26 | MADE NOW / por @Omarjlm

Palacio Imperial

皇 居

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Profundamente atraído por el diseño, empezó muy joven en la Escuela de Artes Decorativas Antonio Arroio, en Lisboa. Abrió su primera tienda y taller de costura en los años 80, y los privilegios del servicio personalizado hasta el día de hoy. Charlamos con el diseñador portugués Joâo Rôlo en nuestra edición de invierno.

D

espués de 30 años de carrera, ¿cómo renovarse y seguir sorprendiendo al público?

Nos es fácil seguir sorprendiendo. Yo soy una persona muy observadora y muy atenta, busco inspirarme en todo lo que me rodea: en las mujeres, en la música, en pinturas y viajes… Las que considero siempre muy ricas en inspiración. Crear y reinventarme es parte de mi propio ADN. Tus diseños son eco de la elegancia, como hemos podido ver en el último Festival de Cine de Málaga, donde la actriz Patricia Montero entró en el top 10 de las mejor vestidas con uno de tus vestidos, de la mano del estilista Juan Acuñas, siempre tan acertado. ¿Cuál es la clave para crear piezas que no solo sean atractivas para nuestros ojos?

Mi formación es clásica, y aunque por un lado me gusta mucho lo clásico, en mis creaciones intento mezclar siempre lo clásico con el estilo más contemporáneo, por eso busco lo que ambos estilos pueden ofrecer. Me gusta mucho trabajar tejidos nobles y delicados, dándoles un toque sexy y romántico, pienso que es eso lo que otorga un aspecto chic

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y elegante. Además, me alegró mucho que Juan Acuñas contactara conmigo para vestir a una actriz tan bella como Patricia Montero, ha sido una buena entrada en tierras castellanas, y después de ver que ella estaba entre las más elegantes de la alfombra roja del Festival de Cine de Málaga, no puedo estar más feliz. Me encanta trabajar con personas con buen gusto, y Juan Acuñas lo tiene.

Background: Freepik

¿Quién es tu cliente soñado?

Mis clientes son mujeres sofisticadas, chic, elegantes y a las que les gusta tener una imagen muy cuidada, que dan también importancia a los tejidos y a todos los pequeños detalles, que hacen parte integral de todas mis creaciones.

“João Rôlo Home” engloba otra faceta creativa. ¿Qué directrices tienes

en cuenta para diseñar? ¿Simplemente inspiración en la moda, o un conjunto de factores?

En cuanto a “João Rôlo Home” me gusta también, como en la moda, mezclar piezas más clásicas con otras más arriesgadas, por eso cuando diseño la colección para el hogar, me gusta ser más moderno.

Para finalizar, ¿cómo se presenta el 2017?

Deseo que sea un año de realización de proyectos.

El 2017 supondrá de muchos cambios en mi carrera.

Empezaré por presentar mi nueva colección de gafas, y también de alta joyería, mientras que en materia de moda, será un año de internacionalización.

El mis vestidos, quiero que, cada vez más, se trabajen de forma manual, para que se conviertan es objetos aún más bellos y deseados.

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富 士 山 Monte Fuji por @Omarjlm

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ás allá de su rica cultura y tradiciones, a Japón le debemos mucho en lo que a moda se refiere, y no sólo por el hecho de que diseñadores y firmas se inspiren a la hora de elaborar sus colecciones en todo lo que este místico país ofrece. Del país nipón proceden muchos directores creativos que han puesto su arte y conocimiento al servicio de la industria de la moda dando lugar a las más variopintas y maravillosas propuestas desbordantes de imaginación y rompiendo la monotonía de lo que solemos ver sobre las pasarelas.

Para quienes conciben la moda como arte y como espectáculo más allá del diseño de prendas más o menos ponibles y para abrir un poco la mente del resto, daremos un repaso por el recorrido profesional de algunos de los más destacados diseñadores de moda japoneses que traspasaron fronteras conquistando las Fashion Weeks de Occidente a lo largo de la historia.

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Rei kawakubo (11 de octubre de 1942, Tokio), fundadora de la firma Comme Des Garçons, máximo exponente del denominado diseño conceptual.

Kawakubo lleva más de cuarenta años diseñando prendas con un estilo personal y reconocible que destacan por la especial atención a la calidad y cuidado de los materiales así como el detalle en el proceso de producción.

Desde que en 1981 desfilara por primera vez en la Semana de la Moda de París, el mundo ha sido testigo de su arte a la hora no sólo de crear moda, sino de interpretarla. Con numerosos premios y reconocimientos a su espalda, como el doc-

torado honorífico de parte del Royal College of Art británico, o la mención de excelencia otorgada por la Universidad de Harvard, Rei Kawakuwo será la protagonista de la temática de la próxima exposición del departamento de moda del Museo Metropolitano de Nueva York (Met), que estará centrada en la figura la arquitecta y fundadora de la marca Comme Des Garçons.

Kawakubo será la primera diseñadora viva en protagonizar la exposición anual de moda del Met, desde que lo fuera Yves Saint Laurent en 1983. ¿Sabías que el personaje de Edna Moda en la película de animación Los Increíbles se inspira en la diseñadora japonesa?

La diseñadora Rei Kawabuko, y dos de sus diseños.

Yohji Yamamoto (3 de octubre de 1943, Tokio) Aunque inicialmente estudió Derecho, en 1969 decide iniciar su carrera de diseño de moda matriculándose en el Bunka Fukusō Gakuin. Después de haber presentado sus propias creaciones prêt-à-porter en 1977 y ganar diversos premios, con el dinero obtenido de los mismos decide trasladarse a París, debuta sobre la pasarela en 1981 y al año siguiente acaece su bautizo en la New Yor Fashion Week. Obsesionado como él mismo ha afirmado en varias ocasiones con el color negro y las siluetas oversized, Yamamoto se convierte pronto en uno de los

diseñadores favoritos en el ámbito americano, además de aumentar su prestigio y reconocimiento como estilista. El diseñador ha inspirado a artistas como Gwen Stefani (quien lo menciona en su canción “Harajuku Girls”), diseñó el vestuario de la gira de Elton John en 2003, se ha encargado también del vestuario de las películas del director de cine Takeshi Kitano, además de producir una línea sportwear en colaboración con Adidas.

Yohji Yamamoto, junto a una propuesta para la primavera/verano de 2017.

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El creador Issey Miyake, y diseño de su colección “Pleats Please”, 1993.

Issey Miyake (22 de abril de 1938, Hiroshima), especialista en combinar magistralmente diseño y tecnología en la exploración conceptual indicativa de lo natural, tanto en sus colecciones como en sus diseños.

Formado en artes gráficas en la famosa Universidad de arte Tama en Tokio, al graduarse, se mudó a París para ampliar sus estudios en la École de la Chambre Syndicale de la Couture Parisienne. En 1966 comienza a trabajar junto a Guy Laroche y en 1968 entra en Givenchy. Al año siguiente se traslada a Nueva York, donde trabaja en colaboración con Geoffrey Beene. En 1970 abre su propio estudio de diseño en Tokio, donde experimentaba con nuevos tejidos y métodos de confección hasta que, en 1971,

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funda su propia marca: Miyake International Incorporated, y es así como sale a la luz su primera colección, exhibida en Nueva York. Su segunda colección la presenta en París en 1973, y es ésta la que lo consagra definitivamente en el mundo de la moda. Hasta este momento había permanecido fiel a su radical filosofía de diseño pero, al llegar la década de los años ochenta, cambia de orientación para dar a su ropa un tinte más práctico y lanza a la calle sus característicos trajes plisados. Miyake es uno de los diseñadores más respetados y conocidos de Japón, sus diseños han alcanzado la consideración de

“arquitectura del arte”. Sus prendas no visten al cuerpo separándolo, protegiéndolo y diferenciándolo del entorno que lo rodea, sino que lo entrega en completa participación. Miyake ha hecho uso de la más avanzada tecnología textil, la cual le ha permitido desterrar casi por completo el uso de botones, costuras y otros elementos ajenos a la esencia de la prenda. Una de las ambiciones más grandes del diseñador ha sido crear una prenda intrínsecamen-

te oriental que sea el equivalente al tejano americano por su practicidad, comodidad y alcance. Así, en 1998, surge Pleats Please. Se trata de una colección creada en tejidos de poliéster plisado, que no han desplazado al tejano, pero se ha convertido en la línea que más alcance y reconocimiento le ha dado.

La diseñadora Hanae Mori, ya retirada.

Imágenes: Pinterest / Livingly / Tumblr

Hanae Mori (8 de enero de 1926, Yoshika), quien en su haber ostenta el ser la única mujer japonesa que ha presentado sus colecciones en las pasarelas de París y Nueva York, y la primera mujer asiática en ser admitida como miembro de la alta costura de diseño por la Federación Francesa de la Couture.

El modisto Kenzo Takada.

Kenzo Takada (27 de febrero de 1939, Prefectura de Hyogo) Formado en la academia de moda Tokio’s Bunka Fashion

Graduada por la Universidad Cristiana de Mujeres de Tokio y tras haber estudiado en la escuela de confección de ropa, abrió su primer taller en 1951 y en los años siguientes se encargó de diseñar el vestuario de cientos de películas.

En 1965, se presentó con éxito su primera colección en Nueva York, “East Meets

College, al terminar sus estudios se instala en París en 1964, ciudad en la que trataba de ganarse un lugar en el mundo de la moda asistiendo a eventos, haciendo contactos con los medios y vendiendo sus bocetos hasta que en 1970 funda su propia firma, KENZO, de la que se encarga personalmente hasta su retiro en 1990. Los colores vibrantes y sorprendentes e impredecibles estampados son el sello de las prendas creadas por el diseñador. Responsable de una nueva forma de entender el prêt-à-porter, para el japonés, vestir sus creaciones suponía salir de la cotidianidad para “entrar en un sueño”. El propio Takada se lamentaba y afir-

West”. Doce años más tarde, se abrió una sala de exposición de alta costura en París, dando lugar a su nombramiento como miembro de La Chambre Syndicale de la Couture Parisienne. Mori también diseñó los uniformes de las azafatas de vuelo de Japon Airlines durante tres años consecutivos: el primer uniforme fue usado entre 1967 y 1970; la segunda, que causó sensación al presentar una minifalda, usado entre 1970 y 1977; y la tercera etapa, de 1977 a 1988. Con la mariposa como inspiración y sello de su firma, entre sus clientas se cuentan la princesa Grace de Mónaco y la princesa Masako de Japón, para quien Mori hizo un vestido de novia; también ha realizado el vestuario de óperas como Madame Butterfly y Elektra, ballets como Ce-

maba en algunas entrevistas posteriores a su retiro que “en el pasado, era fácil distinguir qué prendas eran de cada marca. Hoy ya no es así”. Tras su ausencia al frente de la firma y ser sustituido por Antonio Marras, desde 2011 son Carol Lim y Humberto León los encargados de la dirección creativa de KENZO, integrando en cada colección el espíritu oriental y el pragmatismo urbano devolviéndole su espíritu colorista, arriesgado y, sobre todo, ensoñador, filosofía del fundador.

nicienta y musicales como la producción japonesa de Evita, además de crear perfumes y publicar libros autobiográficos. Actualmente retirada, su obra creativa y su trayectoria como diseñadora han sido galardonadas con la cruz de la Legión de Honor francesa por el presidente François Mitterrand de Francia y con la Orden de Cultura por el emperador de Japón en 1989 y 1996, respectivamente.

Ni son todos los que están, ni están todos los que son, pero a los mencionados, la industria de la moda les debe no sólo el haber abierto las puertas a las nuevas generaciones de diseñadores orientales, sino también el aportar un enfoque excéntrico y un soplo de aire fresco y originalidad, más allá de las tendencias que cada temporada imperan.

Y es que, a fin de cuentas, eso es la moda: riesgo, originalidad y cambio. • P.A.

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EDITOR LOVES De arriba abajo: anillo de plata rodeada con circón; anillo engarzado chapado en oro, perla y rubí; y argollas de plata con circón, todo de FLORI GÓMEZ.

HAJIME YAMAMOTO Entrevistamos al ilustrador japonés, icono de la nueva ola de creadores que aman el cuerpo masculino.

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¿Cuándo nace tu interés por la ilustración?

Todo comenzó cuando yo era pequeño. Recuerdo que mi tía me dio unos lápices de colores por mi cumpleaños, debía tener unos seis años entonces, y desde ese momento nunca he parado de dibujar. Me gustaba tanto que recuerdo a mi madre enfadada porque, en lugar de dormir la siesta, ¡me ponía a dibujar con mis colores!

Una enorme colección de desnudos masculinos, ¿cómo surge esta corriente artística?

Creo que, en el mundo del arte, el desnudo frontal masculino es todavía un tabú, a diferencia de cuando se

usan modelos femeninas, que está más aceptado. Es por ello que mi trabajo es una declaración de que ¡el desnudo masculino puede ser tan hermoso como el femenino!

El negro se impone en tus obras, pero ¿cuál es tu color estrella?

Para esta serie [la que acompaña esta entrevista] retomé los básicos, de ahí el uso del color negro. Sin duda es uno de los colores más potentes que hay, y personalmente uno de los que más me gustan. Sin embargo, si ves mi trabajo previo, uso otros colores como el violeta o el naranja. Si vamos a hablar de colores estrella, sin duda, tendría que decir que el negro y el violeta.

Una cultura tan rica como la japonesa, ¿te inspira, o te lo pone difícil?

Vivir en Japón es genial para mí, es una experiencia maravillosa. Nuestra cultura y estilo de vida son una inspiración en sí mismos. Por esto es que nunca he tenido problemas a la hora de inspirarme, ¡en Japón la inspiración está por todas partes! ¿Quién podría ser tu ilustrador de referencia?

Mi ilustrador favorito es Aubrey Beardsley, también es una de mis mayores fuentes de inspiración. Luego, podría decir también a Gustav Klimt y Egon Schiele.

BEARDSLEY y GYOKUSEN JO, dos de sus artistas de referencia

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金 閣 寺 Pabellón Dorado por @Omarjlm

GIORGIA

GABRIELE Dejando a un lado su relación con Gianluca Vacchi, objeto de todos los flashes, el estilo de la italiana es mundialmente conocido, siendo el último combo de modelo-empresariaeconomista hacia el éxito en la moda.

Hace ya bastante que las celebridades han empezado a diseñar con un éxito más o menos reconocible. ¿Fue un proceso fácil en tu casa? Quiero decir, las gemelas Olsen y Victoria Beckham fueron muy criticadas por algunos medios y el público al principio, por ejemplo.

Tengo que decir que fue fácil para mí, porque a diferencia de Victoria Beckham o las gemelas Olsen, yo ya estaba en el mundo de la moda. Me refiero a que he llegado a ser popular más tarde, mientras que ellas entraron después en este negocio, y ya se sabe muy bien que cuando eres famosa, hay muchos más ojos puestos en ti. La moda siempre me ha fascinado, y la mía era una verdadeNuestra compañera Mónica Rodriguez, junto a Valentina Bombaci en el showroom InStyle de Milán.

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デザイナー

ra vocación desde que era muy joven. ¿Cuál es el factor más importante en tus diseños? El estilo, la manufacture, los materiales, tu equipo…

En primer lugar, nos enfrentamos a cada colección con una inspiración muy clara en mente y trabajamos con combinaciones de colores, bordados y materiales finos, naturalmente, flanqueados por mi equipo. ¡Es el conjunto de elementos lo que gana! ¿Para qué tipo de mujer está diseñada tu última colección? Podría decirse que hay mucha impronta de tu estilo personal.

Hay una gran parte de mi estilo en ella. Me inspira una mujer femenina, moderna y poco convencional, que refleja mi forma de ser.

“una serie de looks de día y noche para la mujer cosmopolita”. Street-style y ropa de fiesta, ¿dónde ves un mayor mercado?

Yo creo que no hay límites.

Sabiendo cómo mezclar elegantes piezas nocturnas con otras más de calle es la mejor opción para mí, y que es lo que viene a ser más fácil; la fusión de estilos es muy importante para mí.

Dices que “los vaqueros no podían quedarse fuera de la colección”, y pudimos ver durante las últimas semanas de la moda como muchos diseñadores pensaron de ma-

nera similar: Vaccarello en Saint Laurent, Sarah Burton en McQueen, entre otros. ¿Qué implican los vaqueros en la moda? ¿Son el básico por excelencia, no es así?

Totalmente, funciona siempre. Es por excelencia el básico del street-wear, pero con el tiempo se ha ido usando en todas las ocasiones. Me encanta mezclar y, si es necesario, jugar con nuevas mezclas. Creo que es la única herramienta imprescindible… ¡Junto con la camiseta blanca!

フ ァ ッ シ ョ ン Si pudieras diseñar el vestuario de una actriz para la temporada de alfombra roja, ¿quién sería? ¿Y por qué?

Mi icono es Charlize Theron; un día me gustaría verla en una alfombra roja con una de mis creaciones; en mi opinión, se expresa en cualquier situación su simplicidad y elegancia.

Fotografías: Karel Losenicky

“Wandering”, tu última colección —para la primavera/verano de 2017— podría ser descrita como

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D

esde hace varios años, la Universidad Internacional Menéndez Pelayo de Tenerife viene realizando una serie de cursos, seminarios y talleres dedicados al mundo de la Moda. En cada edición se tratan temas de interés y de actualidad en moda, seleccionados como capítulos que conforman y ayudan a la formación complementaria de profesionales del sector. Esto viene marcado por la búsqueda de la excelencia con la participación de conferenciantes de alto nivel que año tras año participan y dejan huella en las aulas de la UIMP de Tenerife.

ño de vestuario era uno de nuestros principales temas, y hemos tenido el placer de escuchar a la diseñadora de vestuario Yvonne Blake, ganadora de un Óscar y cuatro Premios Goya y actual Presidenta de la Academia de las artes y las ciencias Cinematográficas de España, que nos hizo un recorrido por su trayectoria profesional a través de las películas más destacadas. Asimismo, María Ortega Cornejo, directora de producción de la Sastrería Cornejo que desde 1920 está dedicada al cine y espectáculos, nos adentró en el mundo de la ambientación y reutilización del vestuario, destacando producciones especiales de películas memorables.

Golden

Japanese Elegant pattern En el mes de octubre se celebró la sexta edición de estos cursos bajo el título: ANTIGUOS Y MODERNOS. Diseño de Vestuario, de Hombre y Cajón de Sastre. Su directora, Sara de la Cuesta Taboada licencia en Bellas Artes y especializada en moda, nos cuenta cómo se desarrolló el evento.

—Este año hemos querido reunir en nuestro Cajón de Sastre el diseño de vestuario y de hombre, las tendencias y la sostenibilidad en la moda. En un momento en el que Canarias se está convirtiendo en uno de los escenarios preferidos por las grandes productoras cinematográficas, el dise-

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—Pienso que el gran olvidado es el diseño de hombre.

Todo parece girar en torno al diseño para la mujer.

Desde la docencia, incluso, trabajamos más moda femenina que masculina, pero se están realizando cambios importantes y, quizás, están surgiendo nuevas líneas de diseño que están marcando tendencia. Tuvimos la oportunidad de conocer dos formas de entender el diseño de hombre: por un lado, Jesús Vargas, director de la firma Fuentecapala, nos explicó la evolución del traje clásico hasta la actualidad y cómo desde las formas tra-

dicionales también se puede innovar. Por otro lado, el diseñador Josep Abril, que también ha realizado diseños de vestuario para diferentes obras de teatro, nos explicó su filosofía y línea de diseño que hacen que sus creaciones sean tan especiales, donde el patrón y la construcción del tejido tienen un papel importante.

—Las tendencias están, pero hay que saber mirar. Javier Plazas, Vidorreta Brand Manager y Coolhunter, nos explicó en su conferencia dónde se sitúan los espacios que crean tendencia.

Debemos no sólo observar la calle sino todo lo que hay alrededor, y ver donde nadie mira. Pensar que no somos el centro del mundo porque hay muchos otros centros, otras miradas y otras visiones.

ma, sociólogo y crítico de moda, estableció las pautas para poder posicionarnos entre lo antiguo y lo moderno, lo masculino y lo femenino, la forma y la función.

—La sostenibilidad surge en nuestro cajón de sastre de forma casi natural. Ya en el momento de la ideación y creación en moda se están utilizando nuevos parámetros marcados por la identidad cultural y el diseño, desde la elección de la materia prima, ya se está diseñando el futuro de la prenda en una evolución circular, y no lineal como hasta ahora. Pilar Riaño, directora de Modaes.es, nos planteaba si la sostenibilidad era un negocio, si se puede ser sostenible desde la pequeña o mediana empresa.

Golden

Japanese El debate de Antiguos y Modernos viene de lejos, pero quizás es más actual que nunca y Pedro Mansilla Vied-

En nuestra agenda, la sostenibilidad es un elemento imprescindible, constituye un valor añadido que nos diferenciará dentro del sector de la moda. •S.D.L.C.

Elegant pattern

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MERAKI

BY EDOUARD MORPURGO

una charla con...

Juan Brea ma. Además, la mayoría de los clientes que tenemos huyen de excentricidades, con lo cual, a la hora de diseñar, se piensa en ellos ante todo.

Un estilo definido. ¿Cuáles son las claves para dar con el más adecuado dentro de una oferta tan amplia en la industria?

Creo que cada persona es diferente, y la clave está en ser uno mismo. Brea es una visión muy personal del mundo que me rodea, es una vía de escape a las percepciones, gustos, experiencias de mi vida, y todo ello se materializa en las

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prendas que hacemos, en cada colección.

Tus colecciones desbordan elegancia, ¿te considerarías algo así como un “clásico moderno”? ¡Podría decirse que sí! (Ríe).

Siempre he estado muy influido por mi abuela y madre en las prendas, y ellas excéntricas no son, así que marcan mucho de un modo indirecto el estilo de la fir-

Produciendo en España, ¿crees en la importancia del “made in” y el “handmade” de nuestra industria?

Por supuesto que sí, alabamos la calidad, ante todo, calidades de tejidos y remates, muchos de los cuales obligan a hacerlos a mano. Es un valor añadido a las prendas, pero también hay que controlar mucho el tiempo de producción de cada pieza, para no encarecer costes.

Una prenda o diseño que nunca harías.

No me planteo el no diseñar una prenda; muchas veces vienen clientes pidiendo prendas que nunca me había imaginado, pero supone un reto, y eso me gusta.

Has creado tendencia con el “azul Brea”. ¿Se ha convertido en una característica para la firma?

La verdad es que sí, el azul Brea ahora me persigue (ríe). Bueno, es un color que siempre ha gustado, y tuve la suerte, con un buen fabricante de Valencia, de dar con el tono exacto que me gusta. Ahora en las coleccio-

nes intentaremos que esté presente, ya sea en prendas completas o simplemente en detalles. ¿Qué veremos en BREA próximamente, puedes contarnos algún plan o detalle?

Bueno, un adelanto de la colección de febrero…

Tendrá una visión muy íntima sobre el amor, y habrá que pensarla en la corte de Luis XIV.

Imágenes: cortesía de BREA

El diseñador Juan Brea en el showroom de Mazzuco Comunicación Debajo, propuestas para este invierno de su firma homónima.

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DILIGENT En sus diseños multicolor, uno puede encontrar connotaciones de la novela que dio reconocimiento internacional a Jerzy Kosinski. DILIGENT es una firma que tiene en mente la asociación con la ambición, la diligencia y la extraordinaria imaginación del dúo formado por Szymon Mrózek y Marta Pospieszna, entrevistados aquí por MADE Now.

¿Cómo nace DILIGENT? La historia de DILIGENT empieza en ciudad, una preciosa ciudad polaca donde Marta Pospieszna y Szymon Mrozek se conocen durante las clases de psicología en la School of Form, y desde el primer instante establecen una fuerte conexión.

Siendo ambos Virgo, así que se complementan a la perfección en sus decisiones, como en la moda, la selección de tejidos, cortes y colores. Szymon estudió diseño de producto en la Academia de Bellas Artes en Cracovia. Igualmente, su amor por la moda se demostró superior, y es así como nace la firma DILIGENT, caracterizada por su elegante

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minimalismo. Inicialmente, los diseños eran creados sólo para mujer, aquellas capaces de apreciar la ligereza, las siluetas propiamente acentuadas y la calidad de su manufactura. En 2013 Marta se une al proyecto, una terapeuta que no concibe la vida sin la moda.

Gracias a ella, el potencial creativo de la firma se enriquece y se añade una nota de extravagancia y colores suntuosos.

Con un abanico de color tan amplio, ¿tenéis alguna tonalidad determinada que se identifique con la firma? Si es así, ¿por qué?

El color define nuestra marca, pero varía de una

colección a otra. Lo elegimos según la temporada y nuestra inspiración, la cual encontramos en el arte, en la historia; el medioambiente y las modas… Tratamos de encontrar qué es nuevo e interesante. Buscamos detalles que pasen desapercibido, como el dorado en nuestra colección “Soft Power”, en la que se contrasta con el rojo. Así añadimos una nueva perspectiva en la que nuestro proyecto no resulta “obvio”, por decirlo de alguna manera.

Arte y moda. ¿Combinación explosiva, o fuente de creatividad?

La moda sin el arte, así como el arte sin la moda,

no existen. Siempre se inspiran el uno al otro. El arte, particularmente, es una gran fuente de inspiración para nosotros en lo que a forma y color se refiere.

Además, como los artistas, encontramos el balance y la relajación en lo que hacemos, lo cual influye en nuestras propias reflexiones y nos hace pensar siempre más allá.

DILIGENT es una firma que diseña tanto para los jóvenes como para los que no lo son tanto. ¿Tenéis algún público que sea clave?

Hoy en día es difícil dirigirse sólo a un público determinado cuando habla-

Imágenes: cortesía de DILIGENT.

mos de lujo. La clave para encontrar clientes es jugar con las emociones, hacer que deseen tu producto.

Nosotros tratamos de hacerlo por medio del color, que nunca pasa a un segundo plano. DILIGENT crea prendas para personas que buscan la opulencia en el color y en la forma, aquellos a quienes no les asusta ir a contracorriente, una característica propia de la juventud, pero sabeos perfectamente que el mundo está lleno de personas de 50 años que buscan sobresalir entre la multitud, por lo que nuestra firma cubre ambos aspectos. La edad no importa. Damos a nuestros clientes la posibilidad de combinar libremente nuestros diseños. ¿Cómo veis el futuro con el ritmo que lleva la industria de la moda actualmente?

Una de nuestras máximas es lanzar las colecciones a mitad de cada temporada, las llamadas “colecciones crucero”. Determinan la temporada y el estilo de la firma para un año en concreto. También se configura como base para las colecciones de primavera/ verano y de otoño/invierno. Más allá de este concepto, nos centramos en una clientela que ya está harta de las cadenas textiles y quiere adquirir algo original. Identificamos el futuro de la moda con la autenticidad —de origen y de conocimiento por parte del consumidor a la hora de disfrutar el producto. Contamos con que, en un futuro cercano, la gente empezará a buscar la calidad y los beneficios que esta tiene.

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por @Omarjlm

Talud del Lago Oeste

西 湖 の 堤

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Promoviendo la cultura de la artesanía hecha a mano

M A N O N I K

El alma de Manonik es Yoshiyui Minami, sólo un par de manos en un humilde estudio de Brooklyn, que cuenta a MADE Now como la artesanía se ve en la moda actual.

El proceso de producción y desarrollo es el sello de Manonik. ¿Cómo es el mimo que le das a tus productos?

Mis piezas son el reflejo de los materiales y procesos que empleo. El diseño en MANONIK no sólo significa crear un moodboard con ilustraciones y muestras de tela. Significa diseñar todo el proceso desde el principio, que es la producción de materiales. Colaboro con pequeños agricultores locales y molinos para producir materiales que se elaboran para los métodos particulares que uso. Lo que yo creo es por todos los medios influenciado por ellos, y sus creaciones. Antes de la fabricación real, considero las formas, las texturas y los colores de las prendas, pero todas ellas están guiadas por los materiales, los equipos y mis conocimientos en la confección textil tradicional. He estado reinventando y avanzando una técnica subdesarrollada llamada “tejido de formas” en el telar, y esto requiere que

cada pieza del patrón sea diseñada y calculada antes de que pueda empezar a tejer. Hay diferentes conjuntos de cálculos que necesito hacer para tejer. Una vez completados estos pasos preparatorios, cada pieza se convierte en un proyecto artístico que se basa en múltiples variantes como materiales, técnicas, mi propio estado de ánimo, el clima, la temporada, lo que está pasando socialmente en nuestra comunidad, la música que llena el estudio... La estética del diseño de Manonik es el resultado de mi propia filosofía de utilizar la mayor cantidad posible de materiales y crear piezas artísticas que crecen con el tiempo a medida que se usan. ¿Crees que el concepto de “artesanía” se ha convertido en un símbolo del lujo gracias a la moda industrializada?

Absolutamente. La artesanía solía ser la norma, independientemente de dónde estuviéramos en la sociedad. Todo era hecho a mano. Después de la industrialización, la artesanía se convirtió en el antónimo y la antítesis de las sociedades modernas y debido a su escasez, también se consideró como “lujo”. Para mí, el lujo significa simplemente cuidado y trabajo irrestricto, no necesariamente de alta cultura o lujo monetario.

También hay un valor sentimental que viene con el lujo hecho a mano. Somos nostálgicos de hacer cosas a mano. Las manos son sinónimos de la humanidad, como las manos de las madres. La mecanización quita esta calidad. El arte también tiene un papel en la preservación de piezas históricas y el ingenio humano, mientras que la mecanización muda

estas cualidades, por lo que las cosas se hacen más barato y más rápido. En este sentido, sin la existencia contrastante de la producción industrial, la artesanía es un lugar común sin merecer el término “lujo”.

futuro. Todavía habrá homme y femme, al igual que tenemos diferentes tipos de cuerpo, pero creo que lo unisex será una de las opciones. Estoy interesado en hacer ropa que “todo el mundo” pueda usar.

Y ¿por qué sólo gris o blanco?

No he averiguado completamente por qué introduciría “color” cuando los materiales vienen en diversos colores ya. Tengo una tendencia a simplificar una idea, de modo que transmito su núcleo sin mucha explicación, al menos visualmente. Supongo que es un hábito que desarrollé como diseñador gráfico y director de arte en publicidad.

Recientemente me he restringido a materiales elaborados localmente: algodón orgánico y lana de lujo producida éticamente. La lana viene en tonos de gris, negro, blanco, marrón y beige, mientras que el algodón viene en blanco, marrón, verde y azul (que no he producido en la vecindad), y he estado usando principalmente algodón blanco. Solía usar más colores cuando estaba explorando tintes naturales, pinturas a base de agua no-tóxicas para serigrafía y pigmentos naturales. Debido a que he sido más estricto en la aplicación de la “localidad” a mis materiales, el uso del color se ha vuelto cada vez más limitado, lo que creo que hace mis piezas más conceptualmente coherentes.

Manonik: minimalismo y confort. ¿De dónde viene la inspiración?

Me inspiro en las personas y las cosas que borran las construcciones y categorías sociales existentes. Me gustan los músicos que usan instrumentos tradicionales de la manera que nunca han sido utilizados, y sin embargo logran crear sonidos que tocan mi corazón. Me gustan los chefs que emplean ingredientes y técnicas en las formas en que nunca se han utilizado, y sin embargo entregan con éxito la coherencia en el paladar.

Me gustan los artistas, los filósofos, los escritores, los políticos, los comediantes, etc., que desafían la manera en que vivimos y percibimos. También estoy inspirado por mi familia y amigos cercanos, que vierten su confianza incondicional y creencia en mis decisiones y visiones. Aunque mis piezas, visualmente, pueden verse influenciadas por el modernismo, el postmodernismo, el utilitarismo, etc., que me moldearon como soy hoy, mis inspiraciones provienen de aquellos que están trabajando para otros porque no se preocupan sólo de sí mismos, sino también de nuestra sociedad en su conjunto.

La moda unisex se está consolidando cada vez más. ¿Puede ser un plan de futuro para Manonik?

El sexo continuará dictando mientras haya hombres y mujeres, biológicamente hablando. Ropa unisex…

No creo que sea el único

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por @Omarjlm

坂 城

Castillo de Osaka

大

Japones

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Fotografía CRISTIAN NAVARRO Maquillaje ANDREA PÉREZ Peluquería MOISÉS PÉREZ Texto LULÚ VENTURA

conoce los secretos del “Skincare”

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una rutina de

¿Se puede mejorar

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“Cada vez que voy por la calle y accidentalmente me topo con una chica japonesa, mis ojos indudablemente se pierden en ese rostro tan suave, de tono uniforme y con una cristalidad de buena salud. No puedo evitar preguntarme “¿cómo lo harán?”.

H

oy queremos compartir los pasos más asequibles de una rutina de cuidado facial basada en los secretos de las japonesas (que ya no son tan secretos), dado que desde hace años se han hecho un hueco bastante grande en muchas rutinas occidentales, con diversas marcas que incluso han adoptado algunos de estos pasos en sus protocolos de belleza. La mayoría de sus técnicas son sencillas, simplemente nos falta lo que principalmente a ellas les caracteriza: paciencia y disciplina.

Imágenes: Freepik / Cliqueimg / Takaski / Ibukimagazin / Bestjapaneseskincare

Pero, ¿cúal es la diferencia entre las rutinas occidentales y orientales?

Las japonesas, por su mentalidad y su educación, hacen la mayor parte de las cosas sin estrés, tienen una dieta alimentaria con hábitos muy sanos y evitan los alimentos nocivos, pero además de esto, en sus rutinas de belleza se enfocan en cómo aplicar los productos (masajes y orden), sus combinaciones (mezcla de productos y tiempo) y en completar rigurosamente todos esos pasos (rutinas diarias y especiales cuando son necesarias), más que en los productos elegidos; en cambio, en las rutinas occidentales, nos enfocamos en elegir una buena crema o serum y muchas veces nos saltamos algunos pasos debido a las prisas.

¿Cómo comenzar a adoptar las técnicas de las japonesas en casa?

La técnica SAHO se basa en 3 pasos: el primero es el más extendido y digamos que la herencia más visible de su ritual, la doble limpieza. Esta consiste en

eliminar las impurezas de nuestro rostro tanto como si nos maquillamos como si no, utilizando aceites, aguas o cremas limpiadoras con la ayuda de algodones o toa-

Ahora que ya hemos visto la principal diferencia, todo cuenta, pero sí que es posible empezar a adoptar estos rituales beauty con calma, buscando el beneficio para nuestra salud. El proceso no debe de ser una carga, más bien debe buscar armonía y bienestar. Por lo que vamos a comenzar con uno de los pasos más importantes: la limpieza facial.

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llas especiales, para luego eliminar todos los restos que hayan podido quedar de esa limpieza con agua y jabones, o geles no agresivos.

El segundo, y también por partida doble: la hidratación. Con este proceso se logra que la piel se llene de humedad y la segunda aplicación realizaría una función de revitalización.

El tercero, pero no por ello menos importante, la aplicación doble de los productos finales. Ellas aplican los productos dos veces, mejorando la absorción de los mismos y, por supuesto, aplicándolos con masajes por todo el rostro hasta el cuello. En este paso se aplican todos esos productos necesarios para las necesidades individuales de cada persona (anti-edad, cuidados específicos y/o nutritivos…).

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Ahora bien, ¿qué productos elegir? ¿Qué más puedo hacer para mejorar mi rutina?

Una pregunta frecuente es la de cuáles son los mejores productos. Podríamos hablar de muchísimas opciones, pero sin duda y de forma general, vamos a ver algunos tips para que la elección sea más efectiva.

Elige productos con protección solar, tanto en cremas faciales y maquillaje, y evita permanecer largos períodos bajo el sol entre las diez y las cuatro de la tarde.

La limpieza facial es vital.

No te saltes este paso tan importante; sin hidratación, por más que usemos productos best-seller, tu rutina no dará resultado. Utiliza agua templada y jabones no agresivos y sin alcohol.

Ten en cuenta el tónico.

Hay quien afirma que es un paso no necesario, pero sin duda deberíamos considerarlo como clave. Si lo utilizas como Chizu Saeki, a modo de mascarilla facial o manteniendo el algodón con la loción tonificante en el rostro, notarás la diferencia.

Adiós impurezas: el exfoliante. Utilizado una o dos veces por semana, verifica que el grano del producto

no sea demasiado grueso, ya que puede causar la reacción contraria o dañar pieles sensibles. Este paso es importante para eliminar piel muerta o suciedad incrustada.

Las hidratantes. Elige aquellas que tengan muchos nutrientes, aceites esenciales naturales, usa las adecuadas a tu piel y a las condiciones medioambientales.

FACTOR CLAVE: dormir bien y suficiente. No podemos perder de vista este hábito tan importante. Ayuda al cuerpo a lucir rejuvenecido y a tener mucha más energía.

Controla tu dieta. Uno de los principales puntos de la belleza japonesa es, sin duda, el aporte de nutrientes de buena calidad. Hay que dotar al cuerpo de los minerales necesarios y antioxidantes que muchas veces no podemos encontrar en un producto de belleza.

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del estrés la mayor parte del tiempo —o cuando sea posible.

No somos perfectos; hay que saber encontrar el balance.

Ejercicio con frecuencia.

Esto ayuda a que las toxinas se eliminen y los poros se limpien, la circulación se mejora y en la piel lo notamos en su tonalidad uniforme. También nos ayudará a dormir mejor y, a largo plazo, supone un beneficio para nuestra salud en general.

Abandona los vicios: alcohol y cigarros. Estos dos hábitos son totalmente contraindicados para lograr una piel cuidada y juvenil. El alcohol deshidrata, por lo que no cabe duda de que tendrás que tener a raya esta parte del skincare, sobrehidratanto tu piel para prevenir los daños de alguna tarde de copas. El cigarro, literalmente, apaga la luminosidad de la piel, la envejece.

Evita el estrés. Desgraciadamente, nuestro ritmo de vida ajetreado puede dañar hasta a la mejor piel. Cuando notes que estás experimentándolo, tendrás que controlarlo por el bienestar de tu salud. Intenta huir

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Hay que admitirlo: a todos nos gusta salir y tomarnos alguna caña o una copa, hemos pasado noches sin dormir por diferentes circunstancias, tenemos cierto estrés que no podemos controlar de forma inmediata, probablemente nos guste comer algo que sabemos que no nos hace bien... Pero, sin duda alguna, debemos pararnos un momento y pensar en nuestra salud y, en este caso, en nuestro ritual skincare. Realmente no toma mucho tiempo dedicarse a ello, hay que adoptar buenas rutinas para mejorar, intentar encontrar el balance y contrarrestar lo más que podamos los efectos adversos. ¿Cómo?

Pues agregando mejores nutrientes a nuestro organismo, intensificando el proceso de hidratación en nuestra piel, realizando masajes, curas de sueño, saliendo a caminar y respirando aire fresco para combatir el estrés, días de aportar limpieza a nuestro organismo, e invertir en buenos productos adaptados a nuestras necesidades.

Esto nos ayudará a lograr tener una piel como la que siempre hemos deseado lucir. • L.V. Recuerda que puedes seguir los consejos, rutinas y protocolos de belleza y lifestyle de Lulú en su canal de YouTube y en su blog. icegirl75 Icegirlventura makeupyourbeauty icegirlventura.blogspot.com

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Modelo: Andrés Álvarez. Técnico digital: R.W. Dirección creativa: Rubén González.

Fotografías por GEMA HERNÁNDEZ Estilismo por DANIEL ALBERICIO Ilustraciones por CARLOS CARVAJAL

Como en los populares cuentos japoneses, nuestra modelo de portada se sumerge en una historia en la que, a través de coloridas imágenes, contamos el cuento que reside tras cada imagen de sutil elegancia.

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TRADICIONAL Kimono azul asimétrico con manga oversized de GM BY JE, sobre camisa blanca de seda de UTERQÜE, y pendiente en metacrilato de MANGO.

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ESTRUCTURAL Falda de paño en color burdeos de SEDOMIR RODRÍGUEZ DE LA SIERRA, sobre pantalones de pata de elefante y acompañada por un top en tela de saco con escote en uve ambos de GM BY JE, y sombrero asimétrico “ALICE” en fieltro rosado de CARLOS CARVAJAL.

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IMPERIAL Abrigo guardapolvos en paño color mostaza con bordados de SEDOMIR RODRÍGUEZ DE LA SIERRA, sobre pantalones estampados de MANGO, y gasa blanca al cuello de GM BY JE.

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ESTILO PERSONAL Chaleco oversized en tela de saco con logo en la espalda de GM BY JE, y bailarinas con hebillas en cuero negro de ZARA.

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LINEAL Chaqueta bicolor con bordados en hombros y mangas sobre chaqueta dorada ambas de SEDOMIR RODRÍGUEZ DE LA SIERRA, con pantalones en pata de elefante de GM BY JE, y cinturones en piel negra de MASSIMO DUTTI.

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FLORAL

Modelo: Menglei Li (OLÉ GROUP). Maquillaje: Andrea Pérez. Peluquería: Moisés Pérez. Técnico digital: R.W. Dirección creativa: Daniel Albericio. Dirección artística: Rubén González y Carlos Carvajal

Vestido blanco con aplicación floral de diferentes telas y lazo en tela de saco de GM

BY JE, con sombrero “UFO” de CARLOS CARVAJAL.

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CONTEMPORARY

SAMURAI

EL GUERRERO MODERNO SE VE INFLUIDO POR EL MINIMALISMO MÁS ELEGANTE Y LOS ACCESORIOS CON MAYOR PERSONALIDAD.

Fotografías por Rubén González Estilismo por Daniel Albericio

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Andrea, con americana y pantalones de EMIDIO TUCCI; cinturón de piel trenzada de POSSUM; y collares con pieza metálica, y en hojas confeccionadas en piel natural, ambos de DOMINGO AYALA.

Aquí, con americana de DUSTIN; pantalones de EMIDIO TUCCI; y collar con pieza metálica anudado al cuello, de DOMINGO AYALA.

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Capa de lana con ribete, de ZARA; cinturรณn de piel negra, de PIERRE CARDIN.

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Puramente minimalista, luciendo camisa blanca de seda, MASSIMO DUTTI; pantalón pijamero en satén, STRADIVARIUS; y collar con piezas de metacrilato y metal, de DOMINGO AYALA.

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Falda negra con aberturas sobre pantalรณn negro de pinza, ambos de ZARA; collar de cuerda con piezas de piel natural, de DOMINGO AYALA.

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Modelo: Andrea Carta. Peluquería: Moisés Pérez. Dirección creativa: Rubén González.

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por @Omarjlm

Templo Senso-ji

金 龍 山 浅 草 寺

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ASIAN SOCIETY El influjo de inspiración de la cultura nipona reside tras la grácil apariencia de nuestras tres musas.

Fotografías por SARA GARCÍA Estilismo por DANIEL ALBERICIO

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Las modelos Ámbar Carrasco, Raquel Castro y Raquel Calviche, todas con faldas de baile de MOISÉS PÉREZ; bolsos joya dorados de

BY LOLEIRO ATELIER; y sujetadores, de las propias modelos.

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De izquierda a derecha, americana en negro de MASSIMO DUTTI, con medias de plumetti, de CALZEDONIA; americana en blanco, de ZARA, con medias semitransparentes, de CALZEDONIA; y chaqueta azul con fruncidos, de MOISÉS PÉREZ, con medias de encaje vintage. Las tres lucen sombreros y cinturones joya, todos de BY LOLEIRO ATELIER.

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Representando diferentes facetas de la cultura japonesa, Raquel Castro viste falda en oro viejo, de MOISÉS PÉREZ; con americana de COS en un solo hombro; cinturón dorado de BY LOLEIRO ATELIER; y sujetador y botines de la propia modelo. En el centro, sentada, Ámbar con camisa blanca de MOISÉS PÉREZ; pantalones de pinza negros de ZARA; y botas en piel burdeos de DR. MARTENS. A la derecha, Raquel Calviche luciendo la camiseta de MADE Now con falda y chaqueta, ambas de MOISÉS PÉREZ.

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96 | MADE NOW / JAPÓN Modelos: Raquel Castro y Ámbar Carrasco (ambas en POPHOUSE), Raquel Calviche (+QMODA). Maquillaje: Andrea Pérez.

Peluquería: Moisés Pérez. Dirección Artística: Carlos Carvajal. Dirección creativa: Rubén González y Daniel Albericio.

Aquí, las tres maniquíes con blusas de MOISÉS PÉREZ; pantalones de ZARA; y caretas teatrales de CARLOS CARVAJAL.

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JOYERÍA CONTEMPORÁNEA

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Collar GEOMETRY WOOL

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Anillo KUBIK

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Collar ROUGE

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Anillos ENAMEL

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Collar GEOMETRY

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Anillos GLASS

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Anillo CIRCLE

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Collar ONE-IN-ANOTHER

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Claudia Kurzweil - Joyería - analenaalex7.wordpress.com

Collar BUNT

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por @lavarmsg

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東京

TOKYO WITHOUT Fotografías por Eduardo Cabrera

GENDER Estilismo por Raúl Rodríguez

ジェンダーのない東京

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Camisa de BENETTON, bajo kimono de MAGPIE; pantalones de ZARA, cinturón de LEVI’S y gorra vintage.

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Camisa de RUBÉN GALARRETA con guantes de KENZO x H&M, botas de ZARA y sombrilla del estilista

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Kimono de MAGPIE con vestido de BERSHKA, pantalones de H&M, bolso de SKYNNIDIP LONDON y gorra de KENZO x H&M.

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Vestido de MAGPIE con suéter vintage y plataformas de YRU.

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Modelo: Carlos Carvento.

Asistente de iluminación: Sergio San José.

Asistente de fotografía: Sara Magdaleno.

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男 男

男 竜

About

LasT

NIGHT Fotografia LUIS SOSA

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幽 玄 Yugen

幽 玄

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Slips INTIMISSIMI

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Komorebi

木 漏 れ

木 漏 れ 日

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Slips CALVIN KLEIN

Modelo Antonio González (+QMODA) Peluqueria Noelia Contioso

Shoganai

し ょ う が し ょ う が な い

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JAPÓN

ILUSTRACIÓN CARLOS CARVAJAL

www.madenow.es

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