12. tema de hoy: la elección tipográfica
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CONTENIDO 04. 06. 08. 10. 2
El Minimalismo
Marcas Icónicas en diseño que desaparecieron
Elementos gráficos para el
diseño: Fotografías
No juzgues a un libro por...
¡Claro que si, hazlo!
12. 14. 15. 16. 18.
La Elección Tipográfica
Combinar Imágenes y Tipografía
Consejos para diseñar una buena portada
Graphic Line: Operación Vacil
Zoltan Gócza y los 31 mitos del diseño web
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El minimalismo El término minimalista, en su ámbito más general, es referido a cualquier cosa que se haya desnudado a lo esencial, despojada de elementos sobrantes. Es la tendencia a reducir a lo esencial. El minimalismo puede considerarse como la corriente artística contemporánea que utiliza la geometría elemental de las formas. Las formas son las que establecen una estrecha relación con el espacio que las rodea. Para ello el artista se fija sólo en el objeto y aleja toda connotación posible. Las obras del Minimalismo buscan la sencillez y la reducción para eliminar toda alusión simbólica y centrar la mirada en cuestiones puramente formales: el color, la escala, el volumen o el espacio circundante.
Los minimalistas pretenden que sus obras sean como los números, moral y metafísicamente neutrales. Que no demuestren evidencia de trabajo, pues no se valora la habilidad manual. Para ellos el trabajo es alienante, rechazan el concepto heroico de la actividad creadora y, sostienen que la labor física es lo menos importante del arte, preferían absorber ideas más que técnicas. El minimalismo no es metáfora ni símbolo de nada.
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Marcas icónicas en diseño que desaparecieron. Nokia: Microsoft compró a la compañía filnadesa desde hace casi un año atrás, pero la operación se concluyó a principios de año. Aunque se pensaba eliminar la marca, tiempo después se decidió que no y ahora parece ser que siempre si se eliminará el nombre de Nokia. Todo ello se debe a que los de Redmond quieren enfocarse sólo en la línea Lumia. Pese a ello, Nokia siempre será recordada por haber sido la reina indiscutible de la telefonía celular en la década de los 90 y principios del nuevo siglo. Así 147 años se van a la basura.
Blockbuster: La llegada de servicios de televisión en streaming fue la principal causa para que este gigante del alquiler de vídeo cayera estrepitosamente de la cima en la que estaba hasta el más profundo vacío. Ahora, las tiendas de esta cadena que fue comprada por Dish Networks, cerraron.
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PAM AM: Es posible que pocos sepan de ella, pero Pan American World Airways fue la aerolínea que todos los viajeros de Estados Unidos utilizaban para viajar al extranjero, incluso se llegó a convertir todo un ícono que fue hecha una serie de televisión. De ser el must para el jet set de los años 60 y 70, pasó a la quiebra inevitable en 1991, en parte por e atentado terrorista del vuelo 103 sobre Lockerbie, Escocia, en 1988; y el aumento en los precios del combustible.
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Elementos gráficos para el diseño: Fotografías En primer lugar, las fotografías representan de modo excepcional el mundo real que nos rodea. Una ilustración puede resultar bella, un icono, significativo; pero ninguno de estos elementos causa tanto impacto visual en el espectador como una fotografía adecuada al tema. Por ejemplo, cuando se trata de crear un estilo de época o clásico, por ejemplo, las imágenes en blanco y negro son perfectamente apropiadas. Las impresiones en sepia o coloreadas a mano, que estuvieron en boga antes de la llegada de la fotografía en color, se pueden usar para dar un aspecto clásico y distintivo. Por otra parte, las fotografías en color pueden utilizarse para remarcar un estilo de diseño, para definir un mercado, para exagerar las cualidades naturales, etc. Además, es posible realizar sobre ellas tal cantidad de operaciones de retoque que los resultados posibles son casi infinitos.
El control último sobre el aspecto de la fotografía recae en el diseñador, quien debe definir la forma, tamaño y proporciones adecuadas para cada diseño concreto. No es lo mismo un proyecto de cartel para valla publicitaria, en el que puede usarse sin problemas una fotografía de gran tamaño para impactar a los espectadores que una página web, en el que una fotografía de tamaño y calidad excesiva puede aumentar en exceso la descarga de la página.
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no juzgues a un libro por...
¡claro que si, hazlo! Al momento en que comenzamos a concebir una determinada publicación deberemos hacerlo pensando en que nuestro principal objetivo debe ser acercar el contenido de la publicación al lector, por lo que es fundamental construir una estructura o anatomía que invite y ayude a navegar por las diferentes partes o secciones que constituyen la publicación. Un libro puede tener infinidad de partes diferentes como: la portada, contraportada, página de guarda, presentación, prólogo, bibliografía, la cubierta, lomo, solapas, etcétera. Pese a todo, en el diseño editorial actual la anatomía o partes que componen una publicación deben ser consideradas de una forma más flexible añadiendo y eliminando partes, ordenando estas de una forma diferente a la tradicional o uniendo partes para dar una estructura diferente sin perder la perspectiva tradicional de la edición. Los libros suelen poseer: Sobrecubierta: La parte colocada sobre la cubierta. Se utiliza en algunos casos para añadir calidad a la publicación y como elemento decorativo y protector de la edición. Normalmente adquiere el mismo diseño que la cubierta, pero en aquellos libros en los que la cubierta es de piel o tela la sobrecubierta es en papel con una
impresión y conteniendo difer- elementos ornamentales que lo entes datos de la obra (título, identifiquen con una determiautor, editorial...). nada colección. Solapas: Son las partes laterales de la sobrecubierta que se doblan hacia el interior. En muchas ocasiones se utiliza este espacio para incluir datos sobre la obra (sinopsis), el autor (bibliografía) u otras colecciones o títulos de la misma editorial.
Lomo: La parte del libro en la que se unen los pliegos de hojas constituyendo el canto del libro, por lo que dependiendo del número de éstas, del gramaje del papel y del tipo de encuadernación, varirará el grosor. Normalmente en esta parte se coloca el título del libro, el autor Tapa o cubierta: del mismo y la editorial o logoCada una de las dos cubiertas tipo de la misma. Estos datos se de un libro encuadernado. Las pueden disponer de abajo arricubiertas de un libro pueden ba o en la dirección inversa. ser de diferentes materiales, papel, cartón, cuero u otras Contratapa: menos comunes. En la parte No tiene un uso predetermianterior de la cubierta, tanto nado. En las novelas se utiliza en la forma como en el con- como resumen del texto princepto a transmitir debe estar en cipal o, en ciertos casos, para relación con el contenido del ubicar la biografía del autor. libro. Los elementos que nor- También, como continuación malmente aparecen en ella son del concepto predominante o el título de la obra, autor y la del diseño de la tapa. identificación gráfica de la editorial. Normalmente se incluye alguna fotografía o ilustración o
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la elección
tipográfica Hay que considerar a la tipografía no sólo como el vehiculizador del contenido, sino como un elemento que viene a aportar más información visual al diseño general, por lo que nuestra elección tipográfica debe estar en sintonía con el tema y el estilo de la publicación que estemos trabajando.
No es necesario elegir, muchos tipos para nuestro trabajo, ya que eso sólo hará que el resultado pueda ser más caótico. Lo que si puede ser recomendable es elegir un tipo que contenga variedades en cuerpos y estilos, ya que eso nos permitirá una mayor flexibilidad en nuestro trabajo. Como en un trabajo editorial la presencia tipográfica es amplia y el objetivo del diseñador debe ser que se lea, sería conveniente tener en cuenta las leyes de legibilidad tipográfica y facilitar en la medida de lo posible esa lectura. Con respecto al cuerpo tipográfico con el que trabajaremos, debe buscarse una armonía entre ese tamaño, junto con el interlineado y la longitud de las líneas de las columnas. No olvidemos que aunque estemos hablando de un tamaño tipográfico o cuerpo, no todas las letras tienen la misma medida, ya que esto depende de la altura de la “x”, a mayor altura de la “x” mayor legibilidad tipográfica. Cuando estamos hablando de un bloque de texto deberemos decantarnos por una medida tipográfica que estará entre 8 y o 12 puntos, dependiendo de la letra elegida y el destinatario. A partir de la elección del cuerpo de texto, deberemos determinar el interlineado que debe facilitar al lector el salto de una línea a otra sin distracciones
ni confusiones, para ello lo normal es que el interlineado sea unos puntos mayor que el tamaño tipográfico que estemos utilizando (un 20% más del tamaño del tipo) , indicándose de la siguiente forma: 8/10 o 10/12, que indica un tamaño tipográfico de 8 con un interlineado de 10 o un tamaño de 10 con un interlineado de 12. Dos cosas deberemos considerar en cuanto al interlineado: que la medida de éste será diferentes en las columnas que sean más anchas, ya que requieren un mayor interlineado para seguir manteniendo la legibilidad tipográfica. Y otro punto a considerar es con respecto a la medida de los titulares (36 puntos o más) que en este caso el espacio entre líneas debería reducirse en proporción al aumento del tamaño del punto. Otro de los elementos a determinar será la anchura de la columna, que evidentemente debe seguir en relación con los elementos anteriores para buscar esa armonía de legibilidad tipográfica. Lo normal es que las columnas tengan un ancho que puede ir de sesenta a setenta caracteres. Para romper la monotonía tipográfica o la textura que creamos mediante el texto y aplicado a ciertos detalles, podremos jugar con el interletraje de
una determinada frase o un elemento tipográfico Cuando hayamos determinado estos factores obtendremos una mancha tipográfica o también denominado "color tipográfico" que nos proporcionará una textura formada por el texto de la página y que será en mayor o menor medida denso o gris dependiendo de lo "apretada" que esté la tipografía en el bloque. Podemos hacer una prueba que será alejar la hoja impresa y ver la tonalidad que nos da, si es excesivamente negro
el bloque, quizás sería conveniente que ajustásemos algunos de los factores como el interlineado y buscar, si es que es lo que queremos, un flujo tipográfico "armónico". Este tipo de recursos pueden ser utilizados, pero siempre que no lo hagamos de forma extensiva o en bloques demasiado largos.
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Combinar imágenes y tipografía Mediante la fotografía o las ilustraciones conseguiremos establecer una serie de puntos de atención que aportarán color, texturas y dinamismo que son los elementos de más inmediata comunicación. La ilustración puede ser más eficaz cuando se trata de transmitir ideas, mientras que la fotografía es más literal. En la maquetación de textos e imágenes podemos seguir una pauta rígida que nos ajuste tanto un elemento como el otro a la retícula base o la la línea de base, ya que muchos programas de composición lo realizan de forma automática. Aunque lo normal será que luego tengamos que ajustar las imágenes con respecto a algunas líneas de texto o a los pies de foto. Otra posibilidad que se ha generalizado desde que el diseñador utiliza herramientas informáticas es la de que las imágenes rompan la estructura rígida establecida por la retícula y las imágenes se inserten dentro de los propios bloques de textos de una forma más libre, giradas, contorneadas o atravesando diversos bloques de texto y siendo contorneadas por las propias líneas de los párrafos en los que se inserta. El contorneo debe ser en este caso lo suficientemente amplio como para que deje suficiente aire o espacio de reserva entre la imagen y las líneas que están alrededor, asimismo como cualquier otro elemento
que se contornee las columnas deben ser suficientemente anchas como para que lo permitan y no queden espacios de la columnas demasiado/ pequeños. El espacio reservado es el espacio que se ajusta entre el texto y los lados de la caja de éste que lo contiene cuando estamos poniendo una imagen o ilustración o cuando introducimos un corondel junto a esa caja de texto. Corondel: Línea fina que separa dos columnas en sentido vertical. En separaciones con blanco únicamente se denomina Corondel ciego. En muchas publicaciones, se utiliza un espacio reservado de 3 o 4 puntos, que tendrá que ser doble cuando la caja tiene un fondo de color. La mayoría de las publicaciones siguen unas pautas ya establecidas en el diseño editorial y no se apartan de las reglas, pudiendo resultar correctos aunque no especialmente interesantes desde el punto de vista del diseño. Alejarse de las pautas tiene un riesgo y es que el resultado puede ser realmente interesante o un verdadero desastre. Pero el riesgo es la única forma de conseguir resultados diferentes. Asimismo el texto también puede tener un uso más gráfico que textual, jugando con tamaños tipográficos inusuales o girados con respecto a la horizontal, con respecto a esto último indicaremos que cuando giramos un texto o una ilustración deberemos seguir una norma para no dar una sensación de desorden, siendo importante que uno o dos de los vértices del elemento girado esté en contacto con una línea base o con la guía.
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CONsEJOS PARA DISEÑAR
UNA BUENA PORTADA
Si tú portada es atractiva a la vista pues habrá curiosidad por verla, así que porque no crear una buena portada para libros, revistas, etc. Les daremos unos pequeños consejos para hacer una buena portada.
1. Títulos fáciles
4. Imágenes adecuadas
para una portada es adecuado buscar títulos que llamen la atención a la primera, deben ser cortos y llamativos.
La imagen es crucial para una portada, no solo porque es lo primero que vera el lector si no porque todo el diseño se verá afectado por ella, si el texto no se ve bien con la imagen, que este color no cuadra con él, etc.
2. ¿Comic Sans? Algo crucial en el texto en una portada es no utilizar Comic Sans es una tipografía que no se ve profesional y muchos diseñadores no importan que tan añejos en la rama saben que esta es una casi prohibida.
3. Ortografía
5. Un solo formato Trata de no mezclar colores que no se vean bien, tipografías que desentonen, posiciones que se vean poco geométricas; cambiar algunas secciones de la portada harían verse como si fuera dos portadas en una.
Saber escribir es una habilidad que se ocupa todos los días así que porque olvidarla cuando haremos una portada, si nadie ve tu diseño antes de que se imprima o se publique se verá mal ver letras donde no van.
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graphic line:
Cada proyecto audiovisual que exista, no importa en la rama que se realice, debe tener una línea gráfica; hablare de una en particular. La línea grafica del proyecto de sketches cómicos salvadoreño en YouTube: “Operación Vacil” tiene una bastante interesante, esta fue creada por Jaime Antonio Castellanos, un diseñador y productor audiovisual que también es parte del equipo de producción del mismo.
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Vemos que la línea va diseñada con tonos azules y grises; siendo marca de la casa la figura del rayo el cual logra dar un toque de impacto a las producciones, las portadas de los distintos videos logran tener igualmente un toque de la línea grafica aun siendo cada una distinta. Es interesante ver como se utilizan dos tipografías para el logo ya
que muchos mostrarían desagrado al ver dos tipografías distintas en un solo texto pero la elección de estas fue adecuada junto con los colores y sobras.
En los videos se observa que la línea no se distorsiona al ser animada es más las tonalidades de color ayudan a tener una buena mezcla con su fondo.
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El hecho de suponer que las personas leen en los sitios web, que la funcionalidad de un diseño se califica con la eficacia de resolver todo en solo tres clics o de que la experiencia del usuario se basa en hacer “ver bien” una página web, son algunos de los mitos que rodean al diseño web y los cuales se deben disipar de inmediato
El diseñador de user experience con sede en Hungría Zoltan Gócza creó una llamativa lista con los 32 mitos más comunes sobre UX y diseño web. Para sorpresa del mismo diseñador, su novedosa lista fue vista por una agencia de comunicación y publicidad italiana llamada That´s Com, la cual amó tanto que con la ayuda del diseñador gráfico Alessandro Giammaria la convirtieron en una lista de brillantes carteles de colección.
Zoltan Gócza y los 31 mitos del diseño web 18
Hay 32 carteles en total, cada uno dedicado a un solo mito de diseño web o UX. Junto a cada mito, cada cartel contiene una explicación y presenta casos, pruebas, estudios y artículos específicos para disipar dicho mito. Estos pueden ser una gran fuente de consejos y sugerencias para diseñadores UX con experiencia y principiantes.
UX es clave cuando se trata de diseño web o cualquier metería relacionada que se presente, como las apps. A veces, una suposición no es suficiente para crear una experiencia de larga duración que motive a los usuarios a visitar un sitio web de nuevo o volver a consumir un producto.
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