Escenografías by Majo Salas

Universidad Veritas de Costa Rica Escuela de Diseño Publicitario Curso de Diseño II, grupo A Investigación del proyecto de escenografías María José Salas Calderón Yuliana Venegas Bolaños 2 de agosto del 2010

Índice Introducci*n ,,,,,,,,,,,,,,,.3 Escenogra45as,,,,,,,,,,,,,,..4 a la 16 Escenogra45as para e;entos publicitarios = conciertos,,,,,,,,17 a la 21 Teatro de sombras,,,,,,,,,,,,,,,,22 a la 25 Teatro negro,,,,,,,,,,,25 a la 28 Mapa conceptual,,,,,,,,,,..29 Conclusi*n,,,,,,,,,..30

Introducci贸n El proyecto de dise帽o de escenograf铆as es muy interesante, debido a la libertad que da y a la misma vez hay que tomar tantos factores y reglas en cuenta para que el resultado sea 贸ptimo. La luz, el movimiento y la obra a presentarse son solo algunos de los factores que se ven implicados en el desarrollo del proyecto, es importante proyectar las dimensiones del mismo y los cambios necesarios en medio de la obra.

Una escenografía son todos los elementos visuales que conforman una escenificación, sean corpóreos (decorado, accesorios), la iluminación o la caracterización de los personajes (vestuario, maquillaje, peluquería); ya sea la escenificación destinada a representación en vivo (teatro, danza), cinematográfica, audiovisual, expositiva o destinada a otros acontecimientos. Breve historia Propuesta Teatral

Escenografía del teatro romano de Atenas

La escenografía o pintura de escena tiene sus raíces en el teatro griego. Los griegos usaron el periacto, artificio especial que empleaban en sus teatros para cambiar decoraciones. Consistía en un aparato prismático de revolución con un paisaje diferente pintado en cada una de sus tres caras. Había un periacto en cada lado del escenario, y al girar quedaba cambiada la decoración. En el Edipo Rey de Sófocles (430 a. C.), por ejemplo, el prisma que se situaba a la derecha representaba el distrito de la ciudad de la cual formaba parte el palacio central, y el periacto de la izquierda mostraba en perspectiva la campiña ática por donde entraban los personajes que venían de Delfos. El periacto es el origen de los bastidores, usados por primera vez en 1620, en el teatro Farnesio de Parma. El bastidor es un armazón de listones sobre el cual se aplica un lienzo o papel y se utiliza pintándolo sobre las dos caras: cada una corresponde al paisaje o arquitectura que debe representar el escenario; el telón de fondo da las caracteristicas principales.

Carreta escenario medieval

Entre las importantes variaciones de la escenografía que han tenido influencia en la técnica escénica, puede citarse la decoración circular de las célebres carretas-escenas del medioevo, sobre la cual se presentaban ante los espectadores los más pintorescos lugares propios de los diversos episodios de los misterios o los juegos escénicos de la época. Ese particular hallazgo es precursor de los escenarios giratorios modernos. Otra de las características de la misma época era la escena simultánea, en donde se sucedían los lugares de acción del espectáculo; dicha escena ha tenido su eco en el teatro contemporáneo, como puede verse en el decorado de varias habitaciones simultáneas, o en los carros yuxtapuestos que pasan por la boca de la escena cambiando los lugares ante los ojos de los espectadores. En toda la historia de la escenografía podrían estudiarse casos como éstos, los cuales considerados desde el punto de vista estético darían lugar a deducciones curiosísimas. Una de las innovaciones mejor logradas en los escenarios modernos de estos últimos 30 años, consiste en las magníficas sugerencias conseguidas con elementos plásticos sintéticos y con simples fondos de cortinas negras o de colores neutros. Pues bien, si se hurga en el pasado se comprueba su origen en primitivas representaciones, particularmente en Inglaterra, en las que un simple cartel indicaba el lugar o una voz despertaba la imaginación de los espectadores explicando las excelencias de un decorado que no existía. Lo anterior evidencia que ha habido problemas de formas similares en todos los tiempos, y conceptos prácticos coincidentes. La escenografía pura como contribución de la personalidad del pintor escenógrafo para lograr un todo orgánico en el espectáculo y una atmósfera adecuada a la obra, es una conquista de la época moderna. El renacimiento nos da por primera vez un teatro (el Olímpico de Vicenza, 1585, obra del arquitecto Andrea Palladio) un escenario de madera, síntesis grandiosa de la estética arquitectural de la escenografía de la época, y que consistía en que la decoración estuviera dispuesta según los cánones artísticos de la perspectiva lineal. Columnas corintias, bajorrelieves, estatuas, y cornisamientos adornan la fachada escénica. En medio se abre la puerta mayor, o puerta real, según Vitrubio, porque solo los actores principales aparecían por ella, a manera del teatro griego. A través del vano se ven palacios de relieve aplanado, reducidos en perspectiva, formando una calle que parece ser la de Tebas, porque ésa fue la ciudad en que reinó Edipo, y con la tragedia del mismo nombre se inauguró el teatro. La ilusión óptica de la extensión de la calle es completa. Paulatinamente fue transformándose la decoración fija en móvil, y la escena tuvo una época majestuosa y brillante tanto en Italia como en Francia. La ópera participó en el desarrollo, pues era un género que reclamaba gran presentación y apoyo económico. Pero para que esas nuevas conquistas cobraran importancia era necesario que el arquitecto, que era a su vez constructor y pintor, fuera dejando paso a los escenógrafos, es decir, a los especializados en el arte de crear climas escénicos.

Parque en una escenografía de Galli Bibiena

Los Galli Bibiena (1659-1743) hicieron el hallazgo de conseguir y lanzar la nueva perspectiva pictórica, de forma que la arquitectura no sólo se viera de frente, sino que nos ofreciera aspectos desde diferentes ángulos. De esta manera nació un tipo nuevo de escenógrafo pintor. La iluminación escénica también debía ayudar en las conquistas de la escenografía. Las candilejas fueron una innovación del siglo XVII. Francia debía intervenir para consolidar las nuevas conquistas. León Moussinac, experto en esta materia, dice al respecto: El sistema moderno de decorados de tela pintada, es decir, de decoraciones sucesivas en reemplazo de decorados simultáneos fue creado por Mahelot y Laurent, quienes trabajaron para Molière. De ésta época es Giovanni Niccolo Servandoni, gran escenógrafo que montó los mejores espectáculos de ópera. Fue en ese admirable siglo XVII cuando nació la decoración teatral propiamente dicha, en la que puso entonces el artista su originalidad y el aporte de su personalidad. Las nuevas tendencias en la escenografía

Representación vista entre bastidores, en la actualidad

Todo contribuye a la formación de las nuevas tendencias escenográficas para que los problemas dejen de ser de orden exterior. Las habitaciones se cierran con paredes y plafones, porque el naturalismo exige una realidad ambiente que no se consigue con bastidores y telones de fondo. El gas sustituye la iluminación a vela y aceite. En 1887, el Teatro Libre de Antoine, en París, buscaba la verdad en el decorado haciendo aparecer una fuente de la que brotaba agua durante la representación. Las estéticas se suceden como las teorías; así vemos como el simbolismo necesita de una nueva fórmula (1890): 6

La decoración debe ser una pura ficción ornamental que complete la ilusión por sus analogías de color y de líneas con el drama. Pintores como Maurice Denis y Odilón Redon se adhirieron a éste principio y un hombre de teatro como Lugné-Poé dio su talento a las iniciativas del momento en el teatro de l)Oeuvre (1892). Todos los ballets de Diaghilew (1909) descubren escenógrafos de la talla de Backs, Benois y Roerich. En Alemania se trabajaba con entusiasmo bajo las directivas de Max Reinhardt, y de Stanislawsky, director del Teatro de Arte de Moscú y una de las figuras de la vanguardia. En Inglaterra existía Gordon Craig, un genio del teatro, que luchaba por dar un estilo al escenario para que no se confundiera con la realidad. Adolfo Appia y George Fuchs proyectaban iniciativas profundas. Todo estaba preparado para recoger las grandes ventajas que aportaba la electricidad. La transformación había llegado. Existía de hecho una luz que podía exaltar el color, proyectar sombras, crear atmósferas no conocidas hasta entonces y dar relieve a lo corpóreo en la escena. Los rusos han tenido siempre el sentido del teatro. En Rusia fue donde los Ballets Rusos de Sergei Diaghilev nacieron, revelándonos la escenografía de Shéhérazade, cuya influencia duró más de diez años en la decoración teatral. Tipos de escenografía

Teatro a la italiana El espacio escénico más prodigado es el que llamamos a la italiana; la escena es un espacio elevado respecto al espacio donde estará el público. Este espacio estará cerrado por los lados y por detrás, de forma que el público sólo tenga un plano de visión. Esta disposición es muy práctica, ya que quedan separados público y actores, y éstos siempre pueden contar con la ayuda del regidor, el traspunte, el apuntador, etc. A la vez es más fácil resolver muchas de las dificultades que siempre conlleva la creación, soporte y movilidad de los elementos que nos son necesarios, ya que, como el público sólo puede ver por la parte frontal, es más fácil poder dar soluciones simples y sencillas.

Teatro a la italiana 1) vestíbulo, 2) distribuidor, 3) entrada al escenario, 4) platea, 5) palcos, 6) foso para la orquesta, 7) escenario, 8) camerinos o almacenes, 9) palcos del proscenio, 10) proscenio.

Algunos escenarios a la italiana tienen adaptada una plataforma giratoria que permite hacer cambios de decoración muy rápidos, ya que mientras tiene lugar una escena se pueden preparar dos o tres escenarios más. Escenario a la italiana (giratorio) 1) zona visible para el público, 2) y 3) zonas invisibles para el público donde se pueden preparar las escenas siguientes, 4) plataformas laterales sin inclinaci6n para situar elementos escenográficos, 5) laterales que enmarcan la escena, 6) proscenio, 7) entradas 8

para los actores o para elementos escenográficos (carros), 8) platea.

Teatro Circular Otro de los espacios utilizados frecuentemente es el circular. Los actores, entonces, se moverán en el centro y el público verá el espectáculo en torno al escenario; podríamos decir que es una reminiscencia de los circos romanos, donde las miradas de los espectadores confluyen en el centro. En estos casos, el público está situado en gradas que se van elevando a medida que se alejan del centro. También, a veces, es el centro el que se eleva por encima de los espectadores, como en los combates de boxeo. Escenario circular 1) graderías para el público, 2) escenario, 3) entrada de actores, 4) entrada de material escenográfico, 5) entrada del público.

Escalinatas Otro de los espacios que nos puede ofrecer un buen juego escénico son las escalinatas. Las encontraremos en muchos pueblos y ciudades, dando acceso a la entrada de iglesias o catedrales, palacios, plazas... Gracias a los diferentes niveles que nos proporcionan las escaleras, los actores se podrán mover muy libremente y siempre con una buena visibilidad por parte del público.

Aulas Y no olvidemos uno de los lugares donde quizá se hace más teatro, que son las aulas de las escuelas. 9

Dentro de un aula podemos escoger nuestro espacio escénico; será posible montarlo tanto a la italiana, como circular, como en diferentes planos, como distribuido en espacios múltiples. En cada caso tendremos que estudiar la situación del público y de los actores, las diferencias de nivel y la disposición más adecuada de los elementos escenográficos. Con las mesas del aula podremos montar espacios a diferente altura, sujetar los decorados y resolver infinidad de problemas.

Otros Otro de los espacios escénicos utilizados muchas veces son las plazas, iglesias o rincones urbanos de una ciudad, o algún monumento artístico, como la torre de un castillo, una plaza porticada o una estación de metro. En estos casos, habrá que decidir cómo organizar la distribución del espacio entre actores y espectadores, ya que siempre hemos de conseguir que el espectador pueda seguir todo lo que se desarrolla en el espacio que hemos escogido como escenario con una cierta comodidad; la visibilidad escénica, para que los actores no queden nunca escondidos con respecto al espectador. Siempre que escojamos un espacio escénico al aire libre, debemos tener muy en cuenta la acústica, ya que los espacios abiertos muchas veces la tienen deficiente. Una de las soluciones es elegir un espacio recogido, como una plaza cerrada, o bien procurar que el fondo del escenario esté protegido por una pared o muro sólido, ya que así la voz no se perderá por detrás y llegará amplificada al público. Según el espacio escénico que hayamos escogido, tendremos que resolver la escenografía de una manera diferente o de otra. Si elegimos un espacio a la italiana podremos utilizar cualquier fórmula, desde los telones pintados y colgados hasta cualquier tipo de aplique. No hace falta que la escenografía tenga volumen; como sólo se ve por delante, bastará decorar la cara que verá el público. Ahora bien, a la cara que hemos de decorar podemos darle el aspecto que queramos: podemos representar en ella volúmenes, planos y todo lo a la italiana, que nuestra creatividad y nuestros conocimientos nos permitan. Si el espacio que escogemos es circular, habrá que tener en cuenta que la escenografía que hemos de realizar pueda ser vista desde cualquier perspectiva; esto nos obligará a crear unos ambientes más sugerentes y a forzar la imaginación para resolver los problemas que surjan, Tendremos que utilizar seguramente más elementos reales, como muebles, objetos, detalles... que nos den el contexto de la obra. También deberemos tener cuidado de que la disposición de los elementos escenográficos no impida la visibilidad escénica a los espectadores. En el espacio circular, ya hemos dicho que podemos elevar al público, como en el circo, o bien elevar a los actores, como en el boxeo. Ahora bien, en lo que a la escenografía se refiere es mucho mejor elevar al público y hacer que los actores se muevan en un plano inferior; eso 10

proporciona al escenógrafo la posibilidad de decorar el suelo del espacio escénico y que los actores se puedan mover sobre hierba, arena, piedras o cualquier material que nos ayude a situar la acción. Si el espacio escénico es una escalinata, puede que haga falta nivelar algunos escalones para poder disponer de un espacio plano, que haya ya algún rellano. En lo que se refiere a la escenografía, dependerá de la situación del público el que podamos utilizar una escenografia plana o bien tengamos que recurrir a elementos de volumen como cuando se utiliza un espacio circular. Y, finalmente, si el espacio es un aula de escuela podemos utilizar elementos del aula, como pizarras, mesas, sillas... Las mesas, por ejemplo, nos pueden servir para fijar en ellas los decorados, que también se pueden colgar de unos cordeles tendidos de un lado a otro del aula (eso podría permitir desplazar los decorados, haciéndolos entrar y salir, del espacio escénico).

a) Escenario a la italiana. b) Escenario circular. c) Variedad de escenarios. 1) escenario, 2) público, 3) laterales, 4) espacio para los actores, 5) entrada del público.

Elementos escénicos Haremos ahora una breve exposición de los diferentes elementos que podemos encontrar es un escenario típico, es decir, en un escenario «a la italiana», que es el escenario que tienen la mayoría de nuestros teatros. Si entramos en uno de estos teatros, nos encontramos en primer lugar un gran vestíbulo que sirve de acceso a las diferentes dependencias; a continuación entraremos en el espacio destinado al público. Frente a él y en un nivel superior, el escenario.

Escenario. Para que podamos entendernos a la hora de hablar de los diferentes elementos que alli encontraremos, ha remos de ellos una breve descripción: EMBOCADURA: Abertura del escenario que separa el espacio donde actuarán los actores, de la sala donde está el público. MANTO: Pieza de tela o papel pintado situada en la parte superior de la embocadura y que sirve para dar mayor o menor altura a ésta. LATERALES: Piezas de tela o papel pintado situadas una a cada lado de la embocadura y que son móviles para poder dar más o menos anchura al espacio escénico. TELÓN DE BOCA: Pieza de tela o papel pintado situada normalmente detrás del manto y que sirve para esconder, antes de la representación, lo que hay dentro del escenario. Sube y baja o bien se abre por en medio hacia los lados. TELAR: Estructura de la parte superior del escenario de un teatro, provisto de poleas y cuerdas, que permite poder bajar o subir los telones en el punto conveniente. Conviene que los telares tengan una altura superior al doble de la altura de los telones de los decorados, para que se puedan esconder y no se vean desde el público. CORTINAS LATERALES: Son unas piezas, generalmente de tela, situadas a ambos lados del escenario a una distancia igual a la abertura de la embocadura, Su función es evitar que el público vea qué pasa «entre cajas», es decir, en el espacio existente entre las cortinas laterales y las paredes laterales del escenario. BAMBALINAS: Son unas piezas de tela o papel, lisas o arrugadas, que hacen una función similar a las cortinas laterales, pero en sentido vertical; es decir, evitan que el público pueda ver lo que hay entre ellas y el telar. BARRAS: Son unas barras, generalmente de madera, que cuelgan del telar por medio de unas cuerdas pasadas por las poleas, y que permiten hacerlas subir o bajar según convenga. FORILLO: Son unas piezas tipo biombo que evitan que el público pueda ver lo que hay fuera de la escena propiamente dicha. Cubren también espacios abiertos como puertas y ventanas. En ocasiones esos forillos están pintados y entonces forman parte del decorado. CICLORAMA: Consiste en un fondo semicilíndrico de color neutro o blanco sobre el cual se puede proyectar luz. Se utiliza a menudo para crear la ilusión de un cielo. ESCOTILLONES: Son unas aberturas practicadas en el suelo del escenario y que se pueden abrir o cerrar a voluntad, generalmente hay una a cada lado del escenario y a veces una al fondo, centrada. Estos escotillones tienen un mecanismo que eleva una plataforma donde se pueden situar tanto los actores como elementos escenográficos que tengan que aparecer o desaparecer. En las representaciones de los Pastorcillos, tienen un papel primordial, tragándose los demonios o haciéndolos aparecer. Todavía hallaríamos otros elementos fijos en algunos escenarios, pero los indicados son los más corrientes.

Elementos escénicos 1) laterales, 2) proscenio, 3) escena, 4) barra (con un telón colgado), 5) barra (que sostiene una bambalina), 6) barra (que sostiene las cortinas laterales), 7) barra (con un telón de fondo colgado), 8) cuerdas que mueven las barras, 9) visuales, 10) firme de rocas, 11) aplique, 12) forillo, 13) bambalina, 14) cortina lateral.

Pasaremos ahora a los elementos puramente escenográficos: los decorados.

Decorados. Los decorados pueden constar de un solo elemento o de diversos, pueden ser pintados o construidos. Hablaremos ahora de los decorados clásicos, formados por telones, rompimientos, firmes, y apliques según la jerga teatral. Todos esos decorados pueden hacerse con diversos materiales de los cuales nos ocuparemos más adelante.

TELÓN: Pieza de tela o de papel pintado y que generalmente ocupa toda la altura y anchura del escenario. TELÓN DE FONDO: Es el telón que va al fondo del escenario y que no tiene ninguna abertura. Generalmente son celajes o bien paisajes que dan la sensación de profundidad. ROMPIMIENTO (Telón recortado que en una decoración de teatro deja ver otro u otros en el fondo. QUINTA en italiano): Pieza pintada y que ocupa un a parte de la anchura de la escena; una escenografía puede tener diversos rompimientos, situados uno detrás de otro. Se llama primer rompimiento al situado más cerca de la embocadura, detrás de éste vendrá el segundo y así sucesivamente. Lo mismo los telones que los rompimientos irán colgados de las barras, y por lo tanto estarán paralelos a la boca del escenario. VISUALES: Son unas piezas situadas en cualquier posición respecto a la boca del escenario. Como estas piezas no pueden estar colgadas de las barras, ya que no coinciden con el paralelismo de ellas, hará falta, para, poder sostenerlas de pie, proveerlas de una «armadura». ARMADURA: Se hace con unas tiras de madera de 2,5 cm de grueso y 5 cm de anchura que van bordeando todo el contorno exterior de las visuales. Se sostienen con los HremosI. REMO: Cada una de las barras de hierro con los extremos en ángulo que sirven para sostener las visuales. Los remos se clavan en el suelo y detrás de las visuales, formando un triángulo con la visual y el suelo del escenario. FIRME: Pieza baja que sirve para esconder rampas, asientos, escaleras, etc. Generalmente simulan rocas, matojos, barandillas, etc. APLIQUE: Pieza concreta más grande que las firmes y que constituye un elemento entero que puede formar parte de diversos decorados, como los faroles, fuentes, cruces de término, árboles, etc. Con todo eso no hemos hecho más que dar una visión muy general de los diferentes elementos que se pueden encontrar en un escenario y que forman parte del propio escenario, como los citados en primer lugar, y de los que son propios de cada escenografía.

Elementos técnicos 1) embocadura, 2) laterales, 3) manto, 4) telón de boca, 5) ciclorama, 6) guía que sostiene el ciclorama, 7) telar, 8) escena, 9) escotillones, 10) proscenio, 11) foso, 12) paredes laterales, 13) pared del fondo, 14) elevadores.

PROYECTACIÓN. El punto de vista en la escenografía. Según el aspecto que queramos dar a la escenografía, necesitaremos la ayuda de la perspectiva. No haremos de ello un estudio exhaustivo, pero sí que daremos unas pequeñas normas de aplicación de la perspectiva al diseño escenográfico. En primer lugar debemos conocer las líneas básicas y los puntos que utilizaremos en la resolución de las perspectivas.

Tenemos la línea de horizonte (H), situada en un plano que pasa por el nivel de nuestros ojos y que es paralelo al plano de suelo. El punto de vista (V) nos da nuestra posición en el espacio. Los puntos de fuga (F) nos servirán para obtener las fugas de las líneas paralelas o perpendiculares, según el caso. En principio situaremos la línea de horizonte, que será paralela al plano de suelo o plano horizontal y a una distancia de 1,40 metros.

Ahora bien, hemos de tener en cuenta que el espectador tiene un horizonte que no es el del actor. En general siempre utilizaremos el horizonte del actor; sin embargo, si queremos dar unas sensaciones concretas, como de grandiosidad o de lejanía, podemos utilizar el horizonte del espectador, que en muchas ocasiones corresponde al mismo plano de suelo. En el caso de que el escenario no tenga inclinación, la línea de suelo será paralela al horizonte, y estará a 1,40 m de él. En el caso de que el escenario tuviese inclinación, haría falta saber exactamente el ángulo de inclinación o, mejor aun, el porcentaje de desnivel. Ese porcentaje lo podemos encontrar de una forma sencilla, utilizando la ayuda de una madera de un metro de largo y de un nivel. Cogeremos una madera de un metro de largo y que sea perfectamente recta y la pondremos encima del escenario, perpendicularmente a la boca; pondremos luego el nivel sobre la madera e iremos levantando ésta hasta que el nivel nos indique que está totalmente horizontal, es decir, que está a nivel. Mediremos entonces el espacio que queda entre el extremo de la madera y el suelo del escenario y éste será el porcentaje del desnivel. Como un metro tiene 100 cm, si la distancia que hemos medido es de 7 cm diremos que el escenario tiene un 7 de desnivel. En la página siguiente podéis ver un ejemplo práctico de la utilización de la perspectiva.

Escenografías para eventos publicitarios y conciertos

Escenografía del fantasma de la ópera

Escenografía de un espectáculo del Cirque du Soleil

Escenografia de un concierto de AC/DC

The Beatles en concierto

The Black Eyed Peas en concierto

Evento publicitario de Red Bull

EscenografĂa para el Festival Imperial 2008

Escenario del Festival VolcĂĄn 2010

Escenografías para eventos publicitarios La escenografía, ha salido del encuadre de teatro y ha tomado los escenarios cotidianos, hoy en día es posible encontrar pequeños escenarios apoyando productos o destacando temas y objetos, su uso se ha multiplicado enormemente y como bien se sabe la escenografía es una de las cinco ramas del que hacer teatral y ha jugado un papel importantísimo en la televisión y el cine, podríamos decir que su papel es protagónico aun cuando no se perciba está presente a los ojos del espectador, formas, colores, texturas visuales, y elementos compuestos son parte integral de la escenografía, y el uso de materiales no convencionales toma cada vez más fuerza y modifica el arte de la escenografía sin restarle vigor y carácter, para entender la escenografía como un elemento indispensable en toda producción visual basta con mirar alrededor y se verá que todo elemento sólido puede ser transformado en color y textura y cumplir una función dentro del marco escénico que deseamos proyectar, de esta manera el escenógrafo en ciernes debe de sensibilizar su atención y descubrir que toda forma puede ser copiada y reproducida con materiales más livianos y dar la apariencia que se pretende, a mi manera de ver hoy en día la escenografía es a gusto del diseñador y puede ser realista, subJeti;a, cubista,, pero será siempre imprescindible para crear la atm*s4era que dará la imagen visual que pretendemos.

Teatro de Sombras Historia El origen del Teatro de Sombras se remonta a los tiempos del hombre prehistórico, cuando éste hacía sombras con sus manos y su cuerpo frente al fuego de las cavernas. Los orígenes del teatro de sombras los encontramos en la India y en China. En India y después en Indonesia el titiritero de sombras era un hombre muy especial llamado Dalang, era un artista sacerdote y al representar las epopeyas a través de las sombras entraba en contacto con el mundo superior y restablecía el equilibrio entre las fuerzas negativas y positivas de la comunidad. Por otro lado a través de los mitos tenía la función de educar y transmitir valores al pueblo. En Indonesia esta tradición se mantiene muy viva y continua estando ligada a los rituales y a la unión y comunicación con la comunidad. Las marionetas las fabrican con piel de búfalo y son figuras muy estilizadas y caladas de distintos tamaños bellamente pintadas. Los personajes son héroes, princesas, dioses, gigantes, animales... La pantalla es de tela de lino y la luz que utilizan una veces de lámpara de aceite (fuego) y otras luz eléctrica. El teatro de sombras chino es el único que incorpora decorados, mobiliario, plantas, palacios y animales, reales o fantásticos. Las figuras son de piel de camello o de buey. Al igual que en el resto de países, las representaciones tienen carácter sagrado, y los personajes representan a los seres del más allá. En Europa el teatro de sombras experimental se desarrolló en Alemania por un grupo de artistas entre los que estaba Lotte Reininger y unen el teatro de sombras con el cine, el origen de la animación. En el teatro de sombras puede ser con títeres de mano, con títeres de papel y finalmente de cuero. Integra la pintura, escultura, música, canto y representación. La sombra equivale a magia, a los sueños, al subconsciente, a la muerte, al más allá, al alma, al espíritu. Sus formas inestables y siempre cambiantes son una invitación al juego imaginativo y creativo, una constante estimulación de la fantasía. La sombra representa en casi todas las culturas el alma como ente separable del cuerpo y capaz de sobrevivirlo. Representa la fuerza oculta o espiritual de las cosas, su aura. La sombra equivale a magia, a los sueños, al subconsciente, a la muerte, al más allá, al alma, al espíritu. Sus formas inestables y siempre cambiantes son 22

una invitación al juego imaginativo y creativo, una constante estimulación de la fantasía. Es por ello que las sombras representan historias con una fuerte carga fantástica, por sus posibilidades de insinuar sin dejar ver, de deformar la realidad y dotarla de unas características que en otros medios sería difícil de conseguir. La sombra nos traslada a un mundo informe, no creado, en donde se reflejan nuestras pasiones, nuestros miedos, nuestras divisiones interiores. Esta en un plano intocable, inalcanzable. Para ejercer cualquier efecto sobre ella, es imposible dirigirse a ella de forma directa. Todo es sutil, es aparente, es de una causalidad superior. La sombra no se deforma directamente sino que se debe deformar el cuerpo o la fuente de luz que la manifiestan. La sombra solo es tocable en otra dimensión, la física.

Titiritero

Teatro negro de Praga El teatro negro de Praga es un tipo de representación escénica muda que se caracteriza por llevarse a cabo en un escenario negro a oscuras, con una iluminación estratégica que da lugar a un fantástico juego de luz y de sombras. Pese a estar presente en otros puntos del planeta, el teatro negro es principalmente llevado a cabo en Praga, capital de la República Checa, que le da su nombre. La técnica empleada le distingue de otros tipos de representación teatral. Se utilizan cortinas negras, un escenario de color oscuro, linternas negras y trajes fosforescentes. Esta técnica de la caja negra fue desarrollada por Georges Méliès, y por el innovador Stanislavsky. La danza, las representaciones mímicas y las acrobacias tienen igualmente una gran importancia en el teatro negro. En 2006 fundó un nuevo grupo de teatro negro Theodore Hoidekr artistas. Muchos actores son miembros de diversas teatro negro en Praga. Produce muy avanzada y moderna muestra. El núcleo es una danza y la coreografía relacionada con los efectos de teatro negro en combinación con el canto en vivo. El archivo se llama Luz Hoidekr Teatro Interactivo. Tambien puede ser las sombras chinescas.Es otro tipo de teatro negro. El teatro negro surgió ya en la China antigua aplicándose posteriormente en los espectáculos de magia. Actualmente ha sido el teatro negro de Praga quien ha revivido esta técnica.

Podemos puntualizar que el teatro negro es una escenificación que se lleva a cabo en un espacio totalmente oscuro y en condiciones lumínicas especiales, utilizando la "luz negra". Esta luz hace que ciertos tejidos, materiales y colores resalten, sumergiendo al negro en la nada. Los contrastes de luces con la oscuridad más absoluta permiten que las personas u objetos vestidos totalmente de negro se hagan invisibles; de igual forma hacen aparecer cualquier material fluorescente, posibilitando lo que nosotras hemos dado en llamar "trampantojos" o milagros escénicos. A partir de aquí nuestra imaginación puede volar. Es una técnica que se adapta de muy buena manera al teatro infantil, ya que se pueden crear textos de historias fantásticas que se pueden llevar perfectamente a la práctica, por ejemplo volar, desaparecer, caminar por el aire, etc, logrando muy buenos efectos especiales para los niños. El teatro negro es una combinación de diferentes vertientes artísticas como el teatro convencional, opera y danza, creando un espectáculo que requiere un gran nivel de todas las cuestiones técnicas como luces, vestuario y escenografía para poder desarrollarse en todas sus dimensiones. Los guiones no tienen gran diferencia con el resto de las obras de teatro, no hay un formato a seguir más allá de que se debe contemplar todo lo estético. El grupo de teatro negro de Praga es la mejor compañía del mundo en este tipo de obras y hace giras por todo el mundo cada vez que estrena en cartelera un nuevo guión. Es uno de los elencos teatrales más famosos de todo el mundo y agotan sus entradas en todas las funciones que brindan. Son expertos en la tOcnica llamada HcaJa oscuraI, donde mediante una serie de objetos flúo logran un perfecto efecto en el que parece que los actores están flotando en el aire. Al igual que sucede con otras grandes compañías como el Circo de Solei, el teatro negro de Praga cuenta con una gran cantidad de actores y técnicos que componen varios elencos estables, interpretando más de una obra simultáneamente en diferentes lugares. La última gira mundial realizada por el teatro negro de Praga fue presentando la obra HLos sueQos del Doctor FranTesteinI, re;i;iendo la m5stica Uistoria fantástica de Mary Shelley pero en esta ocasión con un alto contenido humorístico.

Espectรกculo del teatro negro de Praga

Actor del teatro negro

Ciclista del teatro negro

ESCENOGRAFIAS

Teatro, cine, eventos, conciertos

Llamativo pero complementario

Teatro negro y de sombras

Conclusión La Escenografía son todos los elementos visuales que conforman una escenificación, ya sea la escenificación destinada a representación en vivo (teatro, danza), cinematográfica, audiovisual, expositiva o destinada a otros acontecimientos. Tiene gran influencia en el teatro contemporáneo, más que nada en los inicios del siglo XX. El espectador desarrolla su imaginación, ya que no es una escenografía cargada, ni descriptiva, ni objetiva. Se resaltan más el texto, el vestuario y la iluminación, que son todo en el escenario. El público disfruta más la actuación que la vista del montaje, el sentido teatral y el despliegue artístico. Es por eso que hay diferentes tipos y maneras para llevar a cabo una obra, para salir de la rutina y que el público se divierta o se entretenga. Una manera de disfrutar más la actuación es mediante el teatro negro y el teatro de sombras, que son diferentes a uno normal y llaman mucho la atención. El teatro negro es un tipo de representación escénica muda que se caracteriza por llevarse a cabo en un escenario negro a oscuras, con una iluminación estratégica que da lugar a un fantástico juego de luz y de sombras. El núcleo es una danza y la coreografía relacionada con los efectos de teatro negro en combinación con el canto en vivo. En el teatro de sombras puede ser con títeres de mano, con títeres de papel y finalmente de cuero. Integra la pintura, escultura, música, canto y representación. La sombra equivale a magia, a los sueños, al subconsciente, a la muerte, al más allá, al alma, al espíritu. Sus formas inestables y siempre cambiantes son una invitación al juego imaginativo y creativo, una constante estimulación de la fantasía. Estos son diferentes, pero los dos son entretenidos e innovadores.