Artistas del siglo 20

ArtistasDel Siglo 20 1

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Ă?ndice:

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Andy Warhol 2-3 Roy Lichtestein 5-6 Keith Haring 8-9 Rene Magritte 11-12 Joan Miro 14-15 Man Ray 17-18 Chema Madoz 20 Henri Matisse 22-23 Sigmar Polke 25 Gustav Klimt 27-28 Robert Rauschenberg 30-31 Salvador Dali 33-34 Jackson Pollock 36-37 Jeff Koons 39-40 David Lachapelle 42-43 Cindy Sherman 46-47 Frida Kahlo 49-50 Stan Brackhage 52-53 Pina Bausch 55 Anish Kapoor 57-58

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Andy Warhol Andrew Warhola (Pittsburgh, 6 de agosto de 1928 - Nueva York, 22 de febrero de 1987), comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió fama mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad.

Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales, celebridades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos.

Warhol utilizó medios diferentes para crear sus obras, como el dibujo a mano, la pintura, el grabado, la fotografía, la serigrafía, la escultura, el cine y la música. El Museo Andy Warhol en su ciudad natal, Pittsburgh, Pensilvania, contiene una amplia colección permanente de arte. Resulta ser el museo más grande de Estados Unidos dedicado a un solo artista.

Uno de los aportes más populares de Warhol fue su declaración: «En el futuro todo el mundo será famoso durante 15 minutos». Esta frase de cierta manera vaticinó el actual poder de los medios de comunicación y el apogeo de la prensa amarilla y de los reality shows.

Fue un personaje polémico durante su vida —algunos críticos calificaban sus obras como pretenciosas o bromas pesadas— y desde su muerte en 1987 es objeto de numerosas exposiciones retrospectivas, análisis, libros y documentales, además de ser recreado en obras de ficción como la película I Shot Andy Warhol (Mary Harron, 1996). Al margen de la fama y de la polémica, está considerado como uno de los artistas más influyentes del siglo xx debido a su revolucionaria obra.

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Campbell’s Soup Cans

Consiste en treinta y dos lienzos, cada uno de 50,8 cm de alto por 40,6 cm de ancho (20 x 16 pulgadas) y con una pintura de una lata de sopa Campbell —cada una de las variedades de sopa enlatada que la compañía ofrecía en aquella época—.2​​Las pinturas individuales fueron realizadas con un proceso semimecanizado de serigrafía. El apoyo de Campbell’s Soup Cans en temas de cultura popular ayudó al arte pop a instalarse como un movimiento artístico de trascendencia.

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Green Car Crash

Green Car Crash (Green Burning Car I) es una de las pinturas representativas del arte pop. Forma parte de la serie de la «Muerte y Desastres» pintada por Andy Warhol en 1963. La pintura está atribuida a Warhol, pero se supone que su ayudante Gerard Malanga tuvo una contribución enorme en esta creación.

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Roy Lichtenstein Nació el 27 de octubre de 1923, en Nueva York en el seno una familia judía de clase media alta. Fue el primero de los dos hijos de Milton y Beatrice Werner Lichtenstein.

Roy demostró capacidad artística y musical desde el principio: él dibujó, pintó y esculpió siendo adolescente y pasó muchas horas en el Museo Americano de Historia Natural y el Museo de arte moderno. Tocó piano y clarinete y desarrolló un amor perdurable al jazz, frecuentando los locales nocturnos en Midtown para oírlo.

Lichtenstein asistió a la escuela de Franklin para los niños, una secundaria privada y se graduó en 1940. Obtuvo el doctorado en Bellas Artes por la Universidad Estatal de Ohio en 1949.

Sus primeras obras eran de estilo expresionista abstracto, pero después de 1958 comenzó a experimentar con imágenes tomadas de los cómics que había en los papeles de envolver chicles de menta, libremente interpretadas y mezcladas con imágenes sacadas de los cuadros del Viejo Oeste de otro artista estadounidense, Frederic Remington.

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Blam

La pintura se basa en la serie de los cómics del All-American de enero-febrero 1962 de la edición cómica # 89 del libro publicada por las publicaciones periódicas nacionales Inc. (ahora parte de los tebeos de DC ). La pintura representa a un piloto que expulsa de un avión que explotó.

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Ok Hot-Shot, bien!

Ok Hot-Shot, bien! (A veces bien caliente ) es una pintura 1963 del arte pop de Roy Lichtenstein que utiliza su estilo de los puntos de Ben-Día y un globo del texto . Es uno de varios ejemplos de arte militar que Lichtenstein creó entre 1962 y 1964, incluyendo varios con temas aeronáuticos como este. Se inspiró en paneles de cuatro cómics diferentes que proporcionan las fuentes para el avión, el piloto, el globo de texto y la onomatopeya gráfica, “VOOMP!”.

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Keith Haring

Keith Allen Haring, fue un artista y activista social cuyo trabajo refleja el espíritu de la generación pop y la cultura callejera de la Nueva York de los años 1980.

Nacimiento, muerte, amor, sexo, guerra, son temas recurrentes en sus obras. Nacido en Kutztown (Pensilvania) en 1958, creció en los sesentas, en una familia de clase media, influenciado por Walt Disney y su padre, un caricaturista aficionado. Estudió arte en la Ivy School of Art de Pittsburgh y posteriormente continuó sus estudios en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York. En 1980 comenzó a hacer grafitis, dibujando con rotulador imágenes similares a dibujos animados sobre anuncios en el metro de Nueva York.

Fue arrestado en varias ocasiones por dañar la propiedad pública. Su primera exposición individual fue en la galería Tony Shafrazi de Nueva York en 1982. En 1986 pintó un trozo del muro de Berlín.

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IGNORANCIA = MIEDO, SILENCIO = MUERTE

Keith Haring creó esta pintura en 1989; Keith Haring era un artista famoso en el arte del arte pop y del graffiti. Al parecer, esta pintura trata de animar a esas personas y Keith Haring, él mismo que tienen enfermedad del SIDA a afrontar su propio estatus en esta enfermedad, sean o no negativos o positivos. El nombre de esta pintura es IGNORANCE = FEAR, SILENCE = DEATH, Es realmente una pintura significativa. Hay un refrán famoso que dice: “El silencio es siempre de oro”, pero mirando el fondo de esta imagen de conciencia del SIDA, dice: “Silencio = Muerte”, es muy claro que Keith Haring no cree que el silencio es de oro.

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Radiant Baby

Radiant Baby , también conocido por los nombres Radiant Child y Radiant Christ , es una de las imágenes más emblemáticas de la leyenda del arte callejero Keith Haring. El personaje sencillo Radiant Baby apareció por primera vez en el graffiti de metro de Keith Haring, el artista regularmente lo utiliza como una etiqueta para firmar su arte callejero.

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René Magritte René François Ghislain Magritte, fue un pintor surrealista belga. Conocido por sus ingeniosas y provocativas imágenes, pretendía con su trabajo cambiar la percepción precondicionada de la realidad y forzar al observador a hacerse hipersensitivo a su entorno. Magritte dotó al Surrealismo de una carga conceptual basada en el juego de imágenes ambiguas y su significado denotado a través de palabras, poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y uno real. Nació en Lessines, provincia de Hainaut, en 1898, el mayor de los hijos de Léopold Magritte, sastre y comerciante de telas, y Regina (nacida Bertinchamps).

Comenzó sus lecciones de dibujo en 1910.

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Golconda

Golconda representa una escena de hombres casi idénticos vestidos con abrigos oscuros y sombreros que parecen ser gotas de lluvia pesada (o flotar como globos de helio, aunque no hay indicación real de movimiento), sobre un fondo de edificios y azul cielo.

El propio Magritte vivía en un entorno suburbano similar y se vestía de manera similar. El sombrero bowler era una característica común de gran parte de su trabajo, y aparece en pinturas como El Hijo del Hombre.

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Los misterios del horizonte

Tres hombres o uno solo, visto desde tres diferentes ángulos y con una luna creciente sobre sus cabezas. Se trata de un atardecer y el personaje masculino, aislado, pensativo y distante aparece rígido y estático, como si se tratara de un muñeco, con una cara inexpresiva, como de cera, y nos hace pensar sobre qué sentido tiene todo esto. Tres lunas y tres hombres, totalmente iguales; soledad y misterio; claridad y oscuridad. La interpretación queda así abierta y Magritte sólo nos sugiere un campo de posibilidades para que nosotros busquemos explicaciones, si es que podemos.

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Joan Miró Joan Miró nace en Barcelona en 1893, pero sus paisajes emocionales, los que lo formarán como persona y artista, son esencialmente Mont-roig, París, Mallorca y más adelante Nueva York y Japón. Mont-roig, una pequeña población de la comarca del Baix Camp, será el contrapunto a la agitación intelectual que vive en París en los años veinte junto a los poetas surrealistas, y al estímulo del expresionismo abstracto que descubre en Nueva York en los años cuarenta. Más tarde, en plena Segunda Guerra Mundial, Joan Miró abandonará su exilio en Francia y se instalará en Palma de Mallorca, espacio de refugio y de trabajo, donde su amigo Josep Lluís Sert diseñará el taller que siempre había soñado.

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Mayo 1968

Los sucesos del mayo francés sorprendieron a Miró con 75 años de edad. Ello no fue óbice para que el pintor no se sintiera atraído por las ansias de libertad que aquel movimiento preconizaba. Así pues, se lanzó con ímpetu a la, realización de este cuadro que, sin embargo, no finalizó hasta pasados algunos años.

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PERRO LADRANDO A LA LUNA

En esta fase, Miró hace una serie de cuadros que representan una especie de paisaje horizontalmente dividido en dos partes. Ante un fondo de los colores de la tierra, tratado de manera bastante plana, destacan figuras y objetos que parecen recortados como siluetas para un collage. Es evidente la influencia de Arp en estas obras. Miró crea un clima humorístico y narrativo al mismo tiempo, un relato que pertenece a un universo irreal y fantástico que funciona con arreglo a sus propias normas.

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Man Ray Su verdadero nombre era Emmanuel Radnitzky. Nació en 1890 en Filadelfia (Estados Unidos) de familia judía, su padre era de Kiev, Ucrania y su madre de Minsk, Bielorrusia. Su familia se traslada a Nueva York en 1897. Man Ray estudia en la High School y en La Escuela de Bellas Artes del Francisco Social Center de NY. En 1913 pinta su primer cuadro cubista, un retrato de Alfred Stieglitz. En 1915 hizo el primer oneman-show, con el que se hizo famoso su nombre por América, como uno de los primeros pintores abstractos. Adquiere su primera cámara para hacer reproducciones de sus cuadros.

Con Duchamp participa en experimentos fotográficos y cinematográficos y en la publicación del número único de New York Dadá. Impulsado por Duchamp, Man Ray se mudó a París en 1921, con la única excepción de 10 años (entre 1940 y 1951) que vivió en Hollywood durante la Segunda Guerra Mundial, pasó el resto de su vida allí.

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The Rope Dancer Accompanies Herself with Her Shadows

Aunque ejecutada enteramente en pintura al óleo , The Rope Dancer se acompaña con sus sombras creció a partir de los experimentos de collage de Man Ray numerosos. La composición original del trabajo fue inspirada por la opinión de un bailarín de la cuerda floja en una actuación del vaudeville. De vuelta en su estudio, Man Ray cortó papel coloreado en formas parecidas a su memoria de los movimientos acrobáticos del bailarín, pero, insatisfecho con lo que había hecho, descartó los restos en el suelo. Mirando hacia abajo, notó que por casualidad habían formado un patrón abstracto. Comparando el patrón accidental con las sombras que un bailarín pudo haber lanzado, lo incorporó en su composición.

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L’Enigme d’Isidore Ducasse

L’Enigme d’Isidore Ducasse, 1920, rehecho 1972, consiste en una máquina de coser, envuelta en una manta y atada con cuerda. La idea de Man Ray de usar una máquina de coser fue inspirada por un símil usado por el escritor francés Isidore Ducasse (1809-87), más conocido como el Conde de Lautréamont, “Hermoso como el encuentro accidental, en una mesa de disección, de una costura Máquina y un paraguas ‘. Fue una frase que fue muy admirada por los escritores de París con los que Man Ray eran amigos íntimos y que formaron el núcleo de los papas de París y los grupos surrealistas posteriores.

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Chema Madoz Nace en Madrid, en 1958. Fue discípulo de Javier Valhonrat en los talleres de fotografía del Círculo de Bellas Artes de Madrid. Estudia Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid, carrera que simultanea con los cursos de fotografía del Centro de Enseñanza de la Imagen. En 1983 realiza su primera muestra individual en la Real Sociedad Fotográfica de Madrid. Desde 1990 comienza a desarrollar el concepto de objetos, tema que será una constante en su fotografía hasta la fecha. La obra de Madoz se acerca a la variante de las esculturas perecederas; caracterizadas por una sencillez total, siempre en blanco y negro con una cuidadosa iluminación y primorosa simplicidad en la fabricación de los objetos que fotografía.

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El Proceso Creativo De Chema Madoz

Empieza por una idea imaginada y bocetada en uno de sus cuadernos. Esos dibujos le dan una aproximación de cómo será la apariencia final y le permiten comprobar si funcionarían. En su estudio de Galapagar tiene un mundo lleno de objetos que fue guardando a lo largo de los años, donde selecciona los necesarios para construir esa idea.

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Henri Matisse

Pintor francés, máximo representante del fauvismo.

El 20 de marzo de 1906 se inauguraba en los grandes invernaderos de Cours-la-Reine, en París, una nueva edición del Salón de la Sociedad de Artistas Independientes. Aquella exposición supuso el primer gran éxito de Matisse y su consagración como pintor y como cabeza visible de un nuevo movimiento. Los lienzos del artista causaron sensación: de gesto espontáneo y color puro, su obra daba las pautas de un estilo nuevo, lleno de vigor expresivo y que se negaba a ser una mera imitación de la naturaleza.

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The Dinner Table

La Tabla (armonía en rojo) tiene una génesis curiosa, que ejemplifica el estilo del artista color decorativo. Matisse inicialmente concebida como “Armonía en verde”, entonces decidió cubrir el lienzo azul, venderlo como “Armonía en azul” a Shchukin colector; antes de entregarlo al nuevo propietario, sin embargo, cambió de opinión una vez más, ripassandola de color rojo brillante y brillante. El trabajo se destaca por su composición equilibrada de los diferentes géneros pictóricos, como el bodegón, la representación de la figura, el paisaje, la escena interior.

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Self-Portrait in a Striped T-shirt

Es una pintura en aceite en lona de Henri Matisse de su período de Fauvism , en la colección del museo de Statens para Kunst. Henri Matisse pintó sólo unos cuantos autorretratos propios, y esto se cuenta entre los más notables de ellos. Su sensación directa, casi confrontacional lo hace inusual. El artista se retrató a corta distancia, dirigiendo una mirada firme y confiada hacia los espectadores.

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Sigmar Polke Las obras de Sigmar Polke alcanzan precios multimillonarios en el mercado artístico y se cuentan entre las más destacadas del arte alemán actual. El fotógrafo y pintor alemán murió de cáncer durante la madrugada del viernes 11 de junio en su casa de Colonia, a los 69 años.

En su juventud, participó en el movimiento del realismo capitalista junto a Gerhard Richter y Konrad Luegen. Iniciado en 1963 cuando Polke aún era estudiante, el realismo capitalista replicaba irónicamente al realismo socialista oficial del bloque soviético, con un estilo parecido al del pop art que llegaba pujante de Estados Unidos. Ya entonces, estos artistas combinaban la pintura y las artes gráficas con los happenings, las instalaciones y la fotografía. El tratamiento caricaturesco y las maneras juguetonas entrañaban, no obstante, una intención crítica hacia el consumismo del “milagro económico” alemán y la realidad política en las democracias occidentales.

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Obras de polke

Sus obras reflejan con ironía la manipulación de los medios de comunicación. Utiliza elementos de la pintura moderna pero también otros de la cultura de masas, como lo kitsch o de la publicidad. Ha realizado cuadros que, con un tratamiento especial, cambian de color al reaccionar frente a la contaminación medioambiental

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Gustav Klimt Pintor austriaco. Fue la figura más representativa del modernismo pictórico (Jugendstil) en el mundo de habla alemana. Se formó en la escuela de artes aplicadas de su ciudad natal y triunfó como autor de grandes pinturas decorativas en un estilo de corte academicista, del que constituyen un buen exponente las pinturas de la escalera del Museo de Historia del Arte de Viena. En 1897, su interés por el arte de vanguardia lo llevó a abandonar la Asociación de Artistas Vieneses y a fundar, con algunos amigos, la famosa Secesión Vienesa, de la que fue el primer presidente y máximo exponente. Las pinturas murales alegóricas para la Universidad de Viena, en las que se advierte ya un evidente cambio de estilo, suscitaron duras críticas, por lo que el artista abandonó el encargo antes de finalizarlo (las que había concluido las destruyó un incendio en 1945).

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Muerte y vida

La vida y la muerte serรก una de las temรกticas favoritas de Klimt que se extenderรก a los miembros del expresionismo como Schiele o Munch. Algunos especialistas relacionan el auge de este asunto con la percepciรณn de la vejez por parte del artista, al tiempo que ve mรกs cerca la muerte.

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The Sunflower

El Girasol es inusual en las pinturas de Klimt de árboles y flores en que parece haber un cierto elemento antropomórfico.

Una vez piensa inmediatamente en los girasoles de Van Gogh, que eran casi autorretratos. Sin embargo, las flores de Klimt todavía están in situ, creciendo en el jardín, mientras que las de Van Gogh han sido recogidas y arregladas en un jarrón.

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Robert Rauschenberg Pintor estadounidense. Desarrolló su formación en lugares muy diversos: Kansas City, París, Carolina del Norte y Nueva York. Tras un primer período pictórico que podría enmarcarse en algunas de las formas del expresionismo abstracto, en la década de 1950 empezó a realizar sus combine-paintings, piezas de difícil adscripción en las que combinó el lienzo con el ensamblaje de objetos dispares, en muchos casos de desecho: animales disecados, sillas, botellas, ruedas de coches, ventiladores, receptores de radios, etc.

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Autobiography

La monumental litografía de tres partes de Robert Rauschenberg ofrece una serie enciclopédica de información que significa identidad personal. El primer panel combina la ciencia dura y blanda con una radiografía del esqueleto del artista sobrepuesta a una carta astrológica. El panel central alude al rastro indiciario de una huella dactilar, similar al autorretrato de Rauschenberg de 1964 (para el perfil “The New Yorker”). El tercer panel incluye una fotografía a gran escala de Rauschenberg durante una actuación de Pelican (1963), junto con imágenes que transmiten su historia geográfica, una fotografía del horizonte de Nueva York y una carta náutica cerca de su ciudad natal de Port Arthur, Texas.

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Factum I

El entusiasmo de Robert Rauschenberg por la cultura popular y, con su contemporáneo Jasper Johns , su rechazo a la angustia y seriedad de los expresionistas abstractos lo llevó a buscar una nueva forma de pintar. Un prolífico innovador de técnicas y medios, utilizó materiales de arte no convencionales que van desde la suciedad y la pintura de la casa a los paraguas y los neumáticos de coche.

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Salvador Dalí Pintor español. Si bien parte del inmenso prestigio y popularidad de que gozó ya en vida se debió a sus estrafalarias e impostadas excentricidades, Salvador Dalí acertó a insuflar nueva vida al surrealismo europeo hasta convertirse en su más conocido representante; sus confusas ideas estéticas (el llamado método paranoico-crítico) fueron mucho menos decisivas que sus impactantes composiciones, a las que trasladó con magistral precisión técnica un personalísimo universo onírico y simbólico, tan nítido y luminoso como profundamente inquietante y perturbador.

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Jirafa en llamas

En el cuadro, “Jirafa en llamas” resalta una figura femenina, al puro estilo de Dalí: Grande, alargada y detallada cuidando la estética de la silueta, que me hace referencia a la posición corporal de la “Venus de Milo”. La figura su vez está siendo “sostenida” o “erguida” por muletas que le ayudan a guardar una postura de estética con clase. La mujer lleva un movimiento sonámbulo, perdida en la dimensión del sueño que no sabe por dónde seguir su camino.

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La Cara de la Guerra

La Cara de la Guerra (1940) es una pintura del surrealista español Salvador Dalí . Fue pintado durante un breve período cuando el artista vivió en California .

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Jackson Pollock Pintor estadounidense. Durante su infancia y su adolescencia vivió en Arizona y California, y en 1929 se trasladó a Nueva York para estudiar pintura con Benton en el Art Students League. Durante su período de formación conoció la pintura de los muralistas mexicanos, que le impresionó hondamente. Comenzó su carrera con obras figurativas, en las que presta ya particular atención a los valores matéricos y el cromatismo. Hacia 1938 empezó a interesarse por la pintura abstracta e irracional, y para las obras de este período buscó inspiración en el mundo de los indios americanos.

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Guardianes del secreto

La imaginería se basa en el arte africano, nativo americano, así como prehistóricos, pero también hay toques de Miró y Picasso. Los “guardianes” masculinos y femeninos abstractos han sido interpretados de innumerables maneras: como totems del noroeste de la India; Dioses egipcios; Incluso como confluencias de naipes y piezas de ajedrez con máscaras africanas.

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Landscape with Steer

Pollock realizó doce litografías, entre ellas, Landscape with Steer, entre 1934 y 1937. El tema, una escena occidental, habla de su educación en el oeste americano.

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Jeff Koons Artista estadounidense, uno de los autores vivos más cotizados y también más polémicos. Con los años sus creaciones, inicialmente kitsch, han derivado hacia el monumentalismo, como en el caso de Puppy, el perro gigante que preside la entrada del Museo Guggenheim Bilbao. Jeff Koons se formó en la School of the Art Institute of Chicago (SAIC) y se licenció en bellas artes por el Maryland Institute College of Art (MICA) de Baltimore en 1976.

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Three Ball 50/50 Tank

Este es uno de una serie de tanques Koons realizados en 1985 para su primera exposición individual, titulada Equilibrium , en la galería de Nueva York, International With Monuments. Los tanques, vitrinas de vidrio apoyado en soportes de acero negro, se hicieron en tres tamaños, la celebración de uno, dos o tres baloncesto profesional.

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PUPPY

Puppy, Koons aúna pasado y presente, pues emplea un sofisticado modelo de ordenador para crear una obra que hace referencia a un jardín clásico europeo del siglo XVIII. El West Highland terrier gigante completamente cubierto de plantas en flor emplea la iconografía más edulcorada —flores y perritos— en un monumento al sentimentalismo.

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David LaChapelle David Lachapelle nació en 1963 en Connecticut, Estados Unidos y es conocido por sacar fotos grotescamente glamorosas. Se lo puede denominar también fotógrafo surrealista, porque además parece ser que fue el mismo Andy Warhol quien lo animó a transitar por el camino de la fotografía y no se equivocó en absoluto. Ha sabido crear su propio estilo jugando con planos abiertos, sin que apenas se produzcan sombras, con mucho colorido en la escena digno de cualquier artista pop-art.

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Fotografias

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Cindy Sherman Nacida en Nueva Jersey en 1954, Cyntia Morris Sherman no manifestó su vocación artística hasta que llegó a la Universidad de Buffalo. Allí comenzó pintando, pero pronto se dio cuenta de que no era lo suyo; de la pintura reconoce: «... no había nada más que decir. Estaba meticulosamente copiando otro arte y entonces me di cuenta de que sólo podía usar la cámara y desarrollar mis ideas con ella». Y ciertamente, fue en la fotografía donde encontró su medio de expresión, llegando a convertirse en una de las fotógrafas más relevantes.

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fotografias

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Frida Kahlo

Pintora mexicana. Aunque se movi贸 en el ambiente de los grandes muralistas mexicanos de su tiempo y comparti贸 sus ideales, Frida Kahlo cre贸 una pintura absolutamente personal, ingenua y profundamente metaf贸rica al mismo tiempo, derivada de su exaltada sensibilidad y de varios acontecimientos que marcaron su vida.

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the wounded deer

En The Wounded Deer , Frida Kahlo se pinta como un animal y hĂ­brido humano.

51

Niña con mascara de muerte

La razón por la que la pintura es muy famosa es porque las máscaras son vistos muy aterrador para una niña.

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Stan Brakhage Fue un cienasta experimental estadounidense. Es considerado como uno de los más importantes cineastas experimentales el siglo XX. Trabajó con diversos formatos de celuloide: 16mm, 8mm, 35mm, e IMAX, y fue un practicante de lo que denominó como ‘pure cinema’.

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Filmes

1993 PelĂ­cula de culto/Cine independiente 54

1971 Cortometraje/Terror

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Pina Bausch Pina Bausch, nombre artístico de Philippine Bausch (Solingen, 27 de julio de 1940 – Wuppertal, 30 de junio de 2009), fue una bailarina, coreógrafa y profesora de danza alemana, y una de las grandes figuras de la danza internacional contemporánea. Con su estilo vanguardista, mezcla de distintos movimientos, Bausch propone piezas de danza que se componen en cooperación entre distintas expresiones: movimientos corporales, emociones, sonidos y escenografía que configuran piezas enmarcadas en la corriente de la danza teatro, de la cual Bausch es pionera e influencia constante de generaciones posteriores.

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The Rite of Spring

El 29 de mayo de 1913

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Anish Kapoor Es un escultor británico nacido en la India.​Ha vivido y trabajado en Londres desde que se mudó a esta ciudad para estudiar arte a principios de la década de 1970, primero en el Hornsey College of Art y más tarde en la Chelsea School of Art Design. Anish Kapoor es uno de los escultores más influyentes de la época, creando esculturas abstractas con diferentes materiales tales como concreto, tiza, fibra de vidrio, pigmentos, piedra, fieltro y acero inoxidable. Kapoor ve su trabajo como “encarnaciones de mitologías” refiriéndose a la manera en que fueron construidas.

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Cloud Gate

febrero de 2004

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Disparando a la esquina

2009 Site-specific art 60

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