Maquetación Editorial: Alexis Colorado

CONTENIDO CONTENIDO

4. EDITORIAL

ILUSTRACIÓN COMO CARRERA PROFESIONAL.

6. ENTREVISTA ROMERO BRITTO.

8. ARTICULO DEL ANÁLOGO AL DIGITAL

10. PORTADA

LA GEOMETRÍA COMO RECURSO EN LA ILUSTRACIÓN

12. infografía

14. MONTT CARICATURISTA

El arte como Carrera

Es un momento extraordinario para empezar una carrera en ilustración. Ya han pasado los días en que los medios impresos eran, bueno, los únicos medios que existían. Hoy en día, medios como los libros electrónicos representan más del 17% de los ingresos totales de una empresa editorial. Esto no solo muestra una creciente demanda de libros, sino que en última instancia significa que los escritores y editores necesitan ilustradores con talento para dar vida a sus historias.

Cuando la mayoría de las personas investigan cómo convertirse en ilustrador, tienden a aprender dos cosas. En primer lugar, como nos dijo Katie Lyons, algunos ilustradores hacen el trabajo como un proyecto pasional durante años

antes de que se convierta en una carrera. Y lo que es más importante, muchos profesionales te dirán que no necesitas un título universitario para convertirte en ilustrador.

No te vamos a mentir: tienes mucho trabajo por delante cuando comienzas tu carrera como ilustrador. Pero para empezar, responderemos a algunas de tus preguntas más importantes y te ayudaremos a dar los primeros pasos para hacer realidad tu sueño.

¿Qué es un ilustrador?

Internet ha cambiado la forma en que la mayoría de la gente piensa sobre el término “ilustrador”. Muchas empresas contratan a ilustradores para trabajar en logoti-

pos, materiales de marketing y anuncios en redes sociales. Y hay docenas otras de formas menos tradicionales para usar tus habilidades de ilustración: como artista forense, ilustrador de moda, diseñador de artículos de papelería o artista de tatuaje, por nombrar a algunos.

Pero no nos metamos demasiado en la maleza. Aquí nos centraremos en ayudarte a descubrir cómo ser ilustrador de libros.

Las tarifas suelen oscilar entre los 12 y los 21 dólares por hora. Y, como probablemente puedas adivinar, puedes esperar sueldos ligeramente más altos para los candidatos con más experiencia y los de sectores muy especializados.

ENTRE VISTA

ROMERO BRITTO

Nació en una familia humilde de Brasil. Radicado en Miami, no sólo se hizo millonario con sus obras e intervenciones: es uno de los artistas preferidos por las principales celebridades y líderes del mundo.

¿Cómo fue su vida en Brasil?

Fui el octavo de nueve hijos. Cuando sos chico, tus hermanos mayores ejercen poder sobre vos todo el tiempo, dándote órdenes, así que fue muy difícil. Pero uno de mis hermanos vendía libros y traía a casa algunos fascinantes… Entre los siete y los nueve años leí muchos libros de arte. Los amaba.

Y en 1983 se fue a Europa… ¿Ahí estudió arte?

No, nunca fui a una escuela de arte. Me interesaba mucho Europa porque sentía mucha curiosidad por conocer la cultura, la historia, los museos… Me quedé un año.

¿Por qué eligió el arte pop como principal forma de expresión?

Porque me identifiqué con mi tiempo. Nací y crecí en los años sesenta… No vi todo porque

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no vivía en Estados Unidos, pero era lo que tenía más cerca. Amo el trabajo de artistas como Warhol y Keith Haring.

¿Qué otros artistas admira?

Leonardo da Vinci, Jasper Johns… También a Francisco Brennand, un brasileño que trabajó mucho en espacios públicos. En Miami hay una de sus obras, bastante grande. Solía ser la sede de Bacardi y ahora aloja la Fundación YoungArts. Es una pieza muy hermosa, única para él porque sólo empleó el color azul. En Brasil suele usar cerámicas de colores tierra en sus murales.

¿Por qué le gusta trabajar en espacios públicos?

Porque la gente puede disfrutarlos sin tener que pagar. Alguien tiene que pagar para hacer el trabajo, pero la idea es que el arte esté disponible para que cualquiera lo pueda disfrutar.

¿Cuál de sus trabajos es su preferido?

Aunque tienen formas simples, cada una de las piezas tiene algo único y representa algo para mí. Pero hubo un proyecto muy especial: las Naciones Unidas me convocaron para crear pinturas destinadas a promover la educación en el nuevo milenio. Para mí fueron muy importantes.

El encargo, que se destinaría a producir una serie de estampillas, parecía reunir todas las aspiraciones de Britto: era la forma ideal de llegar a un público masivo con un mensaje positivo, de cruzar con su mensaje fronteras de todo el mundo.

Fotografía por: Pablo Bermúdez

DEL ANÁLOGO AL DIGITAL

El arte, avanza de la mano de la humanidad. Hoy en día estamos inmersos en una cultura interactiva y virtual, por eso, cada creador/a visual debe adaptarse estos nuevos cambios.

LA NUEVA GRIETA, ANALÓGICO VS DIGITAL.

El medio digital surge como una herramienta completa. Abarca una amplia gama de trabajos, y, nos aporta varias soluciones y simplificaciones, a procesos complejos analógicamente.

Hoy en día, es una etapa ineludible en el trabajo profesional de cualquier dibujante o historietista. Desde el escaneo y la corrección del trabajo analógico, al coloreado de un trabajo a tinta, o también, la realización total en digital del dibujo, etc.

En cualquier etapa, interviene la computadora. Como autores inteligentes, tenemos que aprovechar todos los recursos a favor de nuestro trabajo, combinar lo analógico y lo digital, sin duda, y como más nos convenga. A este trabajo lo conocemos, como humanidad, hace miles de años. Ya sabemos, que nos aporta una amplia gama de posibilidades, y opciones a elegir, el soporte

Cada cual, con su particularidad en la factura, y su aporte a nuestro trabajo.

En la etapa de aprendizaje, es ideal trabajar de manera analógica, conocer cómo funcionan los elementos, como usarlos, que aportan las texturas de los papeles, etc.

Los elementos, nos harán elegir herramientas y técnicas fa-

voritas, combinarlas, y así, ver la amplitud de gamas de cada una.

Esa es una etapa ineludible de todo artista, cada técnica nos aportará una forma diferente de trabajar, los lápices de color no se usan igual que la acuarela, o la tinta, por ejemplo.

Las herramientas analógicas han evolucionado a lo largo de la historia, no son los mismos pigmentos, hoy en día, que hace cientos de años, por eso, dentro de esta evolución, surgen las herramientas digitales.

¿Quién es la reina: ilustración de moda digital o analógica?

Hoy es casi imposible pensar en una ilustración que no sea creada 100% en el computador. Parece ser el camino no solo más fácil, sino que mucho más práctico en todos los sen-

tidos. Se puede editar, retocar y rehacer cientos de veces sin gastar materiales, excepto las horas de trabajo en Photoshop. Sin embargo, esta variante parece ser la más criticada al ser tildada de “poco artística”.

Los ilustradores de moda más admirados, parecen ser aquellos que poseen un dominio absoluto de las técnicas más tradicionales y que se alejan bastante de los medios digitales. Stina Persson, Izak Zenou, Donald Robertson o Tanya Ling son algunos, dentro de los tantos, que se inclinan por este camino.

En lo personal creo que es mucho más interesante cuando lo digital y lo análogo se combina. El resultado no es solo más rico visualmente sino que además puede tomar lo mejor de cada medio. Muchas de mis ilustraciones son creadas en un 90% a mano pero el poder intervenirlas en computador me ayuda a corregir, mejorar y a veces ahorrar bastante tiempo, sobre todo cuando hay plazos muy acotados de entrega. Una ilustración de moda hecha en computador no tiene porque ser ni más barata ni tener menos valor artístico que una análoga, pues en múltiples ocasiones el trabajo que hay detrás es igual de intenso. Tampoco debemos perder de vista que la propuesta del artista es más importante que la técnica que escoge utilizar.

Diferencias entre: “ARTE ANALÓGICO” y “ARTE DIGITAL”

Desde la aparición del mundo informático y digital, se habla

de arte analógico como una forma de diferenciar el resultado de las creaciones “hechas a mano” de aquellas hechas por medio de programas de computadora.

En términos más científicos, la información analógica es aquella que se trasmite por medio de ondas, y la información digital por medio de códigos binarios, compuestos por 0 y 1. La luz y el sonido, al igual que el tacto, se trasmiten por medio de ondas y frecuencias. Nuestros sentidos perciben las cosas porque reciben sus ondas, y envían la información o los estímulos recibidos al cerebro para ser interpretados allí: es decir que nuestros sentidos son “analógicos” porque están diseñados para captar ondas: el oído medio recibe y trasmite las ondas sonoras que atraviesan el tímpano, par que podamos es-

cuchar nuestro entorno. Los ojos reciben y clasifican las ondas, o las frecuencias de la luz, comprendiendo el volumen a partir del claro-oscuro y percibiendo el color en función de las longitudes de onda de la luz (verde, rojo, azul)

El universo digital descubre que casi cualquier tipo de información puede trasmitirse convirtiéndola en pulsos eléctricos, un poco como los códigos morse, donde a través de un circuito se envía electricidad o no se envía. Todos los sistemas informáticos existentes en la actualidad funcionan a partir de este principio: la información se codifica en ceros y unos, donde cero es “No trasmitir electricidad” y 1 es “trasmitir electricidad”.

LA GEOMETRÍA

COMO RECURSO EN LA ILUSTRACIÓN

Por: Luis Carlos ávila

LA HISTORIA DETRÁS DE EDGAR ROZO

Edgar Rozo encontró en la ilustración una forma de narrar el mundo. Desde pequeño, sentado frente al televisor, intentaba imitar personajes animados con sus trazos. Tras dibujar y dibujar encontró en las figuras geométricas y los colores saturados un estilo que ahora lo representa. A lo largo de su carrera ha trabajado en campañas para marcas como Póker y Trident, y ha publicado

ilustraciones, proyectos y cursos en Bacánika y Doméstika.

Su trabajo es muy intuitivo y suele dejarlo fluir volviendo frecuentemente sobre los temas que más le gustan, como el fútbol, las caricaturas y la música. Esta ocupa un lugar tan importante en su vida que en un momento consideró estudiar música, aunque desistió y escogió el camino del diseño y la ilustración. Edgar dice que

Ilustración: Edgar Rozo

tiene sueños musicalizados y todos los días se despierta con una canción dando vuel tas en su cabeza. No se trata solo de un placer sonoro, es también una de sus mayores fuentes de inspiración en el trabajo.

Edgar Rozo es un experto en ilustración digital de Bogotá (Colombia) con un estilo que se caracteriza por ser geomé trico, de colores vibrantes, fantástico y lleno de texturas que simulan la tridimensiona lidad. Ha colaborado con mar cas de la talla de CNN, BBC, adidas y Movistar, entre otras.

Su formación en ingeniería multimedia le otorgó bases de diseño gráfico y progra mación, aunque ya hace más de siete años que se dedica exclusivamente a la ilustración. Muchas de sus piezas toman inspiración en la cultura pop, por lo que en su porfolio podrás encontrar reinterpretaciones de perso najes famosos de la música, el cine y el deporte.

Creando veneno gráfico

Ingeniero multimedia de la Universidad Militar Nueva Granada, ha tenido una visión creativa que le ha permitido evolucionar de diseñador web a ilustrador. Su característica más fuerte nace al combinar herramientas para lograr piezas gráficas únicas.

Amante del color, la geometría y ahora los gatos, Edgar Rozo ilustra a diferentes personajes que se encuentran inmersos en la cultura popular –videojuegos, deporte, películas, música y series televisivas–. “Meterle veneno” parece convertirse en su lema a la hora de iniciar nuevos proyectos visuales: puede pasar horas ex-

perimentando con nuevas texturas y sombras –por nombrar algunas herramientas– para llegar a su característica línea de ilustración.

En el colegio le decían que “dibujaba bonito”, desde ahí comenzó a nacer ese sueño por querer ilustrar. También el ver series de dibujos animados alimentó ese gusto.

Uno de los artistas que más admira es el argentino Pablo Lobato, un genio de la caricatura, que tiene gran influencia en él. Otro es el artista español Bakea, que según Edgar, es muy bueno tanto en la ilustración como con fotografía. Y el trabajo de Tartakovsky en Cartoon Network [por ejemplo, El laboratorio de Dexter] también le gusta mucho.

trabaja con la Comisión Nacional del Servicio Civil haciendo piezas de publicidad.

Lo que más le agrada a sus seguidores de sus obras es la simplicidad con la que dibuja elementos orgánicos, “les gusta mucho cómo logró transformar los rasgos, con unas simples pinceladas o con unas simples líneas. Con sólo hacer unos trazos, la gente ya detecta el personaje”, asegura.

Edgar Rozo

artista digital que se ha caracterizado por utilizar en sus trabajos la geometría, las líneas rectas, las curvas y el estallido de color. Por medio de sus ilustraciones ha querido recordar a todos sus seguidores que deben quedarse en casa y que la cuarentena puede ser una oportunidad para crear un futuro.

Igualmente, se dedica a elaborar retratos, animaciones y caricaturas, “son un sello característico, están alejadas de los estándares clásicos, de exagerar los rasgos de una forma muy orgánica, pues siempre busco algo más lineal”, afirma. También,

Los colores son algo primordial de este dibujo, “como el significado es quedarse en casa, pues esta debe ser acogedora y caliente. Por eso elegí colores rojos, naranjas y morados”. Para Rozo, los tonos deben producir emociones y armonía, así como un concepto de felicidad, paz y amor.

Uno de los artistas que más admira es el argentino Pablo Lobato, un genio de la caricatura, que tiene gran influencia en él.

“Hay que saber que estamos en un momento de cambio a nivel global, entonces lo más importante es mantener la calma y estar dispuestos a lo que se venga”, es el mensaje que desea transmitir a todas las personas que están en aislamiento social.

MONTT

Un caricaturistra de historias cotidianas

Alberto Montt está de luto, dice; un poco caricaturizando su realidad, un poco en serio. Su libro ‘Solo necesito un gato’ iba a lanzarse en Colombia en la Feria Internacional del Libro de Bogotá, en abril, pero “ya viste cómo funciona, justo se cortó una semana antes la posibilidad”, se lamenta. La pandemia paralizó la promoción del libro, aunque no su actividad como ilustrador. Montt es una mente inquieta que se alimenta de tragedias, en especial de las más cotidianas. Lo dejan ver sus dibujos del libro de gatos, a los que trata tanto de dioses como de ‘trolls perfectos del reino animal’; o sus viñetas sobre otro ‘bicho’, la ansiedad, al que dibuja con forma de virus rojo experto en infectar lo más profundo de la mente y las emociones humanas.

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Durante los meses de pandemia no solo no ha parado de dibujar, sino que creó el pódcast La vida es increíble junto a su amigo y colega argentino Ricardo Liniers, con quien ya es costumbre verlo dibujar en su stand up comedy donde hacen ilustraciones mientras cuentan ‘excesos’ de su vida de artistas. Además, acaba de publicar en Chile su nuevo libro, Ansiedad, que llegará muy pronto a Colombia y México.

Se declara impedido para hablar imparcialmente de la recepción de su trabajo en Latinoamérica, “soy un latinoamericanista”, asegura con ese tono de ironía que tienen también sus dibujos. Mientras

algo de esa ironía llega a través del teléfono, Montt habla de que juega a hacer libros, así como a hacer featurings de dibujos de gatos con sus amigos ilustradores con una idea simple en mente: “ustedes, bichos, son hermosos, déjenme dibujarles algo”.

¿Se adaptó bien a la nueva realidad? Sí, uno tiene que estar todo el tiempo tratando de encontrar formas. Lo que empezamos a hacer con Liniers es este pódcast como una forma de mantenernos conectados. Claro, tú sabes que con las redes sociales siempre tienes posibilidades de enfocarte en un solo aspecto de la obra de una persona. Hay mucha gente que solo asocia nuestros nombres con los dibujos y no tiene idea ni que tenemos un stand up, ni que existe el pódcast, y si lo oyeron recién se están dando cuenta de que en realidad lo que nos gusta es contar historias y esas historias obviamente no son siempre humor, también hay temas más contingentes que nos importan.

El humor viene siendo hoy en día el último bastión donde se permite lo políticamente incorrecto y está sufriendo bastante peligro de extinción. Yo siento que la gente que hace humor no solamente gráfico, sino en general, tiene la obligación de mantenerse firme con respecto a la libertad de expresión. Por lo menos yo estoy muy parado en esa línea. Siento que es parte del crecimiento de cualquier idea, el enfrentarla al escrutinio, a la duda, e incluso, al humor como una herramienta de estudio y confrontación. Para mí la risa no es el humor. Yo creo el humor está más ligado a la mirada desde otra perspectiva que la risa en sí misma. De hecho, hay muchas cosas que yo consumo que son humor y no necesariamente son risa, desde las películas de Wes Anderson o las de Quentin Tarantino, hasta libros de Oscar Wilde, que para algunos son una tragedia absoluta, pero para mí son profundamente humorísticos, simplemente por el hecho de que te obligan a plantearte tu posición desde la mirada del otro. Y a veces esa sorpresa genera risa, otras veces incluso dolor o angustia. Absolutamente. Las historias que cuento en el libro como personales son reales. Es como cuando te dicen “tienes que dibujar un dos y el dos es como un pato”, creo que hay esquemas para jugar con los niños al dibujar que ya están socialmente establecidos, pero hay gente que nunca tuvo a alguien que le enseñara a dibujar un gato con un ocho (risas), bueno, para esa gente está este libro.

En general los libros no los planifico mucho. El libro de los gatos lo comencé a escribir página a página, sin estructura. Y llegó un momento en donde dije: ‘voy a contar la historia de cómo los gatos conquistaron el mundo’ y simplemente me puse a dibujar. La historia fue apareciendo, supongo que viene de la idea de que en realidad nosotros estamos supeditados a lo que ellos quieren y no al revés. Dentro de todo el mundo de las mascotas creo que son las que, definitivamente, pueden considerar que nosotros somos sus mascotas, tal como dice la frase que puse al principio del libro: “los dueños de los gatos se han dado cuenta de que, si les das comida, agua, refugio y cariño, ellos sacan la conclusión de que son dioses”.

Creo que es un libro de agradecimiento más que de idolatría. Los gatos son unos ‘bichos’ que a mí me alegran mucho la vida, me parecen preciosos los gatos y en general los felinos. Me dio la impresión de que hay una campaña de desprestigio contra los gatos, como que todo el mundo piensa que son nefastos, traicioneros, y me gustó jugar un poco a retratarlos. Cuando comencé a hacer el libro en algún punto alguien me dijo: “argh, me habría encantado hacer un dibujito de un gato”. Entonces yo le dije, “bueno, ¿por qué no me haces un dibujo para el libro?”. Le dije que este es un libro que es un juego, donde puedo meter su dibujo. Para mí los libros no son un objeto sagrado de adoración, son un lugar donde la gente entra

a descubrir el mundo desde la mirada de otros. Hay tanto rapero que de repente invita a alguien en la mitad de la canción, para mí fue exactamente la misma idea. “

El humor viene siendo hoy en día el último bastión donde se permite lo políticamente incorrecto y está sufriendo bastante peligro Cuando comencé a hacer el libro en algún punto alguien me dijo: “argh, me habría encantado hacer un dibujito de un gato”. Entonces yo le dije, “bueno, ¿por qué no me haces un dibujo para el libro?”. Le dije que este es un libro que es un juego, donde puedo meter su dibujo. Para mí los libros no son un objeto sagrado de adoración, son un lugar donde la gente entra a descubrir el mundo desde la mirada de otros. Hay tanto rapero que de repente invita a alguien en la mitad de la canción, para mí fue exactamente la misma idea. Me encantaría pensar que sí, que efectivamente tengo algo de personalidad de gato, pero me temo que no, por lo menos en las partes que me gustaría tener que son esta sensación de divismo, de elegancia, de belleza, ahí fallo. Pero hay ciertas otras cosas en las que sí: me gusta estar solo, me gusta el contexto social solo cuando yo lo busco, si me vas a acariciar y no estoy de humor, no

funciona bien... Lo dejo como una duda para mí mismo, lo hablaré con mi terapeuta. Soy un optimista, profundamente optimista. Yo creo que todo va a ir mal, pero creo que eso no es tan malo. No me amargo al respecto. Ahora, hay optimistas que son muy pesimistas, que piensan que todo va a salir muy bien y están todo el tiempo pendientes de cuáles son las cosas que se van a ir cayendo. Tiendo a pensar que soy más realista.

JHON

LOREN

La ilustración y el Mundo de los video juegos

Hay muchos factores que determinan si un videojuego es bueno o no, y uno de ellos es la ilustración, que inicia justo después de que está listo el guion, con la investigación del artista encargado, con una conceptualización gráfica y una aterrizada de las ideas en un moodboard y en una tabla de referencias.

De ahí, el proceso pasa a una etapa de creación de siluetas en miniatura para la ejecución de varias propuestas que son presentadas al equipo de arte y al director del proyecto para, finalmente, elegir qué camino seguir. No obstante, y aunque el proceso sea fácil de resumir, es mucho más complejo porque está lleno de matices y de tiempo trabajado, pues su principal función es “generar un estilo gráfico para el juego” y por ende es un factor sumamente cuidado, tal y como lo explica Williams David Cortés, artista conceptual de la Fundación Universitaria del Área Andina, magíster en ilustración

de la Escuela de Artes y Letras, e ilustrador de videojuegos en Indie Level, un estudio de videojuegos ubicado en Medellín, con el que conversamos sobre el libro de posibilidades que se abre cuando se habla sobre este tema.

Con el tiempo cada ilustrador va aprendiendo a ver las formas desde una perspectiva diferente y eso hace que, en efecto, cada uno vaya teniendo un estilo propio, lo cual es valiosísimo. Sin embargo, hay videojuegos que requieren un tipo de arte específico, un arte más realista o estilizado, por decir algo, y en nuestro rol debemos tener la capacidad de variar ese estilo propio que hemos creado según las necesidades de cada proyecto. Es decir, es maravilloso tener las dos caras de la moneda

Tener referentes es fundamental porque eso amplía el horizonte y las posibilidades. Mi mayor inspiración es el arte en general y tengo muchos referentes entre los que destaco a Frank Frazetta como ilustrador de fantasía clásica, a Brian Froud del folclor inglés,

a Adrian Smith y a Wayne Reynolds, y hay algo curioso y es que mucho de ellos han hecho arte para videojuegos, pero no es su fuerte. Sí, en estos últimos años la industria de los videojuegos y la industria cultural en Colombia, en general, han crecido y son más fuertes que antes porque hoy le apuestan a proyectos más sólidos. Estudios como Streamline, entre muchos otros de los grandes, abrió una sede en el país. Ese es un buen indicio de lo que está pasando. Hubo un momento en que todo el arte de la industria cultural se hacía análogo. Un día llegaron las herramientas digitales y los artistas se mudaron al arte digital, y los que no se mudaron al arte digital, en algunos casos no pudieron volver a trabajar, porque los tiempos de producción del arte digital son mucho más rápidos. Ahorita que aparecieron las inteligencias artificiales es difícil saber si nuestro trabajo va a desaparecer o no, pero pueden ser entendidas simplemente como una herramienta para optimizar los procesos, o para hacerlos más eficientes.