La letra en la Nouvelle Vague by Manel de Ramón Reyes

LA LETRA EN LA NOUVELLE VAGUE

Catálogo sobre el papel de la letra en la Nouvelle Vague Impreso en Barcelona Mayo 2010 Diseño y texto Manel de Ramón Profesor Marc Salinas Tipografías utilizadas Jenson y Proxima Nova Maquetado con Adobe InDesign Agradecimientos a Tere Martínez

LA LETRA EN LA NOUVELLE VAGUE

ÍNDICE Érase una vez...

Los títulos en el cine francés

Y Méliès creó el cine El cine y las vanguardias La influencia del cine Norteamericano Los precursores de la Nouvelle Vague

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La letra en la Nouvelle Vague Agnés Varda: Cléo de 5 à 7 Jacques Tati: Mon Oncle François Truffaut: Les quatre cents coups Jacques Demy: Lola, Les parapluies de Cherbourg Louis Malle: Zazie dans le metro Jean-Luc Godard: À Bout de Souffle, Le Mèpris, Une femme est une femme, Charlotte et son Jules, Les Carabiniers, Pierrot le Fou, Bande a Part, Masculin Feminin, Alphaville, Vivre sa Vie, Made in U.S.A.

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ÉRASE UNA VEZ...

⊲ Une femme marrièe fotograma de la película de Jean-Luc Godard del año 1964

ÉRASE UNA VEZ... Fue a partir de finales de los 50 cuando Saul Bass revolucionó el mundo de los títulos de crédito marcando un antes y un después. Él fue quien introdujo el diseño gráfico en el mundo de los títulos. Sin embargo al mismo tiempo, en Francia, un grupo de jóvenes directores surgían, creando un cine de autor que no dejó de lado el hacer una buena secuencia de créditos

ste nuevo cine duró solo hasta la mitad de los años 60, apróximadamente. JeanLuc Godard, François Truffaut, Claude Chabrol, Eric Rohmer, Agnès Varda y Alain Resnais fueron algunos de los directores que formaron parte de este grupo. De hecho existen debates sobre quienes formaron parte o no de la Nouvelle Vague ya que no se trataba de un grupo cerrado, si no de una serie de jóvenes que amaban y realizaban cine y fueron etiquetados con ese nombre por la prensa. No vamos a debatir que películas pertencían o no al movimiento, pero intentaremos hacer un recorrido por los títulos más interesantes que podemos encontrar de sus autores durante este período. Las películas eran de bajo presupuesto y no eran comerciales, Jean-Luc Godard fue el más radical de todos, tanto en planteamiento como en ejecución, algo que se

nota claramente en sus títulos de crédito, como veremos más adelante, en las películas de Godard, la escritura y la letra tienen un papel fundamental. Tendemos a mirar en Saul Bass y a lo que viene posteriormente para entender la importáncia de los títulos que tienen en la actualidad, pasando por alto la influencia que dejó la Nouvelle Vague en el cine, en directores como el iranés Abbas Kiarostami, Quentin Tarantino, o Martin Scorsese, si hablamos de títulos de crédito, cinemtaográficamente la influéncia es realmente enorme, muchos hablan del cine actual como post Nouvelle Vague. A través de esta exposición haremos un recorrido por el cine francés desde las primeras películas de Georges Mèliés, hasta llegar a los años 60 para descubrir la relación entre la letra y el cine francés.

LOS TÍTULOS EN EL CINE FRANCÉS Si tuviéramos que situar en un punto geográfico el nacimiento del cine, lo haríamos en Francia, concretamente en París, en la Rue de Rennes número 44, donde los hermanos Lumière presentaron el cinematógrafo, el 22 de marzo de 1895 y proyectaron la película La sortie des ouvrières de l’Usine Lumière. Es por ello que Francia tiene un papel fundamental en el mundo del cine, y por consiguiente, en el diseño de títulos de crédito

⊲ The Ballet Master’s Dream título americano de la película dirigida en 1903 por Georges Méliès, todas se caracterizan por la misma composición central y con las cuatro estrellas como logotipo ⊲ The mermaid título americano de la película dirigida en 1904 por Méliès

Y MÉLIÈS CREÓ EL CINE Con el nacimiento del cine, Méliès lo entiende como un negocio. Traslada así la imagen en movimiento al mundo de la narrativa, incluyendo dos elementos puramente tipográficos: Los títulos (no confundir con los títulos de crédito) y los intertítulos

l 28 de diciembre de 1895 los hermanos proyectaron en París L’arrouser arrosé, L’arrivée d’un train en gare de la Ciotat y Les sorties des ouvrières de l’Usine. Ninguna de las tres incluía ningún titulo de crédito, tampoco ningún rastro tipográfico. No fue hasta que el mago e ilusionista Georges Méliès decidiera crear su propia máquina, el Kinétograph, tras que los hermanos se negaran a venderle la suya. Méliès comenzó a producir sus propias películas, que se diferenciaban del resto ya que las suyas contenían una narración, mientras que el resto simplemente reproducían momentos cotidianos de la vida urbana y social laboral. Así, Mèliés, que veía el cine como un negocio y entretenimiento, grababa un cartón negro con letras blancas que indicaban el

título de la película y su logotipo, y entre medio, otros carteles con las explicaciones correspondientes, con el fin de que el público pudiera entender la narración. En los créditos de su primera película popular, del año 1902, titulada Le voyage dans la lune, podemos ver una tipografía dibujada serifa y algo condensada si nos fijamos en la forma de la O, inspirada en una tipografía antigua, difícilmente reconocible. Como demuestra esta exposición, en los títulos de crédito de Francia hasta los años 60 la técnica por excelencia fue el lettering, es decir, la letra dibujada, los rotulistas tomaban una tipografía como referencia a la hora de dibujar las suyas, pero dándole variaciones, lo cual hace que hoy en día sea realmente complicado asociar algunas de estas letras con una tipografía concreta.

⊲ Le voyage dans la lune título de la película dirigida en 1902 por Georges Mèliés

En la distribución americana de algunos de sus cortos del año 1902 al 1904 se utiliza una letra geométrica. Todo y que es probable que estos títulos fueran añadidos en una fecha posterior, hay que tener en cuenta que en Norte América en el año 1846 ya existía un especimen de Lovell & Gibson nombrado Montreal, una tipografía sans serif que se acerca bastante a las neogrotescas y las geométricas. Curiosamente, del mismo autor, encontramos otra película del año 1904, Le roi du maquillage, en la que el propio Méliès, entre truco y truco va dibujando en una pizarra,

en un momento determinado escribe la frase “comic excentric”, aunque no se puedan considerar unos títulos de crédito como tal, el recurso de utilizar una tipografía estilo caligráfica, escrita de manera espontánea sobre una pared o pizarra, es utilizado posteriormente y con frecuencia por diferentes autores franceses, como ya veremos más adelante. Podríamos decir pues que Georges Méliès, en estos pocos años experimentó con estos elementos que posteriormente han seguido siendo utilizados, no solo en el terreno de los títulos, también cinematográficamente hablando.

▲ Le roi du maquillage dirigida en 1904 por Georges Mèliés, en la que experimenta con varias técnicas

El blanco sobre negro en el cine Una de las características del cine clásico, período que se podría extender hasta los años 50 o 60, es la de la letra blanca sobre fondo negro, a diferencia de la tipografía en la imprenta (negro sobre blanco), la razón de ello es que los blancos mostraban las imperfecciones y manchas de la película, por lo que la utilización del negro como fondo resultaba una solución ante este problema que en la era digital ya no sucede. De ahí también que a la hora de utilizar una tipografía se recurra a aquellas con grosores pronunciados y preferiblemente sin serifa, con el fin de facilitar la lectura al espectador, teniendo una técnica entonces imperfecta.

⊲ Entr’acte dirigida en 1927 por René Clair, toda una obra experimental que contó con la colaboración de artistas como Marcel Duchamo, Francis Picabia y Man Ray

EL CINE Y LAS VANGUARDIAS Los movimientos artísticos que se produjeron en Europa a principios de siglo influenciaron al cine Norte Americano, en el caso de Europa no solo fue determinativa esta influéncia, si no que algunas películas y títulos se convirtieron en una vía más de expresión para estos artistas, creando algo más cercano a una obra de arte que a una película, no hay que olvidar que el cine no deja de ser algo comercial

l parecer de todas las producciones cinematográficas que se realizaron desde 1913 hasta 1930, se han perdido entre el 80 y 90 por ciento, es por ello que si ya resulta complicado encontrar producciones de los años 10 en Estados Unidos, más aún lo es en Francia. De hecho, las pocas producciones que se conservan de esta década han sido restauradas, generalmente por compañías norteamericanas, eliminando de estas tanto el idioma como la tipografía original que aparecían en ellas. Tanto en los años 20 como en los 30 podemos apreciar que los títulos de crédito como las películas están fuertemente influenciados por las vanguardias y movimientos artísticos de Europa. Así pues mientras en Alemania el cine quedaba influenciado por el Expresionismo Alemán y en Italia por el Futurismo, en Francia nos encontramos una influencia que viene principalmente del Art Nouveau, pero también del Impresionismo Francés y el Surrealismo.

Del impresionismo francés tenemos como ejemplo la película Entr’acte, de René Clair, en esta usa la tipografía Futura, todo y que la película data del año 1924, lo más probable es que fuera en ese año cuando se grabara y en 1927 cuando se añadieron los créditos, ya que no fue hasta este año cuando Paul Renner la diseñara. La letra Futura consiguió de manera muy rápida una gran popularidad, siendo un ejemplo de los más importantes de la nueva tipografía que se estaba gestando en Europa, que bebía de los diferentes movimientos europeos como el Dadaismo o el De Stijl, esta nueva tipografía iba en busca de una comunicación clara, sin nociones estéticas preconcebidas. Hay que decir que René Clair fue el director, pero la película contó con la colaboración de los artistas franceses Marcel Duchamp y Francis Picabia y el americano Man Ray. Este último se preocupo durante su trayectoria de unir el diseño gráfico con el lenguaje de la fotografía y del cine.

L’age d’or 1929, Luis Buñuel

Los integrantes del surrealismo, creían que el espectador debía de experimentar una sensación similar a la locura, con imágenes sin control que debían crear una experiencia sensorial. De estos tenemos el ejemplo de Un chien andalou y L’age d’or, de Luis Buñuel. Se cree que André Vigneau fue el diseñador del póster y los títulos de estas. L’age d’or, data de 1929, en ella Vigneau dibuja una letra que nos puede recordar levemente al estilo Art Decó, en el título juega con una letra sans serif grotesca, ya que de manera sutil se pueden apreciar los contrastes del trazo, se puede observar claramente que es lettering gra-

cias a las imperfecciones de las letras y las variaciones entre ellas. Posteriormente vemos una letra itálica sin serifa en caja baja, de menor grosor que la anterior, el espacio entre letras es realmente pequeño, uniéndose las letras entre ellas en repetidas ocasiones. Existen varias tipografías hoy en día que intentan recrear las letras de este estilo, pero resulta imposible asociarla a una, debido a caracteres tan particulares como la f, la z o la t.

▼ L’age d’or Vigneau diseñó los títulos para la película de Luis Buñuel, en Zero de Conduite, de 1933, de Jean Vigo se aprecían la misma letra

Los intertítulos Con la narración en el cine surgía la necesidad de crear unos intertítulos en los que facilitaran la comprensión de la acción. Una de las tipografías más utilizadas en los intertítulos del cine mudo fue la Photoplay, diseñada en 1927 por Samuel Welo, muy parecida a la que dibuja Vigneau en L’age d’Or. En aquel entonces el concepto de diseñador gráfico quedaba muy lejos, los rotulistas utilizaban pues las tipografías con mayor éxito que creaban las diferentes fundiciones.

En 1924 Fernand Léger realizó Ballet Mécanique, un artista del cubismo francés, que tras volver de la Primera Guerra Mundial se interesó por el mundo de la mecánica y del cine. Su visión cubista se nota claramente en esta película, y en sus títulos de crédito que van apareciendo de manera cortada, aportando esta sensación de mecanismo, en contraposición a la tipografía caligráfica que nos presenta, con unas curvas pronunciadas y trazos ornamentales, lejos de simular una letra espontánea.

▲ Anémic Cinema Marcel Duchamp realiza esta obra más cerca del arte que del cine propiamente dicho ⊳ Le Ballet Mecanique en 1924 Fernand Léger realiza esta película con su emblemático título

En su aportación al mundo del cine, Marcel Duchamp crea Anémic Cinema, película que se podría considerar dadaísta, en la que hace uso de juegos ópticos y alterna las imágenes de un circulo giratorio con otros que incluyen textos formados por una tipografía geométrica en relieve. Marcel Duchamp marcó con películas como Anémic Cinema una gran influéncia en la gráfica en movimiento que todavía perdura.

⊲ La Roue la película de Abel Gance, muy adelantada a su época, hoy convertida en todo un clásico del cine francés

La fundición Deberny et Peignot Fue la principal fundición de Francia, se encontraba en París y fue fundada a principios del siglo XIX. Entre las tipografías que fundieron se encuentran las de George Auriol (1863-1938), sus fuentes como Francaise légère, Auriol (1904) o Robur (1907-1911) se caracterizan por un estilo influenciado por el Art Nouveau, Georges Peignot (1872-1915) realizó la Nicolas Cochin (1912), también fundieron tipografías que tuvieron éxito como Sphinx (1924), Astree (1920) o Garamond (1920). En el período de entre guerras surgió una nueva ola creativa en Francia, de ahí surgieron tipógrafos como Marcel Jacno (1904-1989) que se caracterizaba por realizar tipografías que recordaran a la letra manual, Cassandre (1901-1968) diseñó la Bifur (1929) y la Peignot (1926-1928), que hoy en día se ha convertido en una tipografía muy popular como referente del Art Deco. En los años 50 la creación de tipografías vivió una nueva era con el desarrollo de la fotocomposición, fue en esta época cuando el suizo Adrian Frutiger diseñó la Ondine (1954) y la Univers (1957), entre otras.

Un clásico del cine francés es La Roue, de 1923, dirigida por Abel Gance, en sus títulos encontramos una letra basada en la tipografía Nicolas Cochin que fue fundida en 1912 y diseñada por Georges Peignot, hijo del director de la fundición Peignot. Esta tipografía serifa antigua fue diseñada basándose en grabados de cobre del siglo XVIII y se caracteriza por sus caracteres estilizados y elegantes.

La trama de la película se centra en la familia de un ferroviario, por lo que en los títulos vemos las letras blancas que aparecen sobre un fondo negro, con imágenes de trenes sobre estas. Tras ver la imagen de un tren y un hombre llorando, el director nos muestra un papel en el que, escrito a mano, dedica la película a su fallecida mujer, con la firma del director al final, elemento que veremos repetido en varias ocasiones.

⊲ La Roue en la película de 1923 de Abel Gance encontramos un estilo de letra serifa muy parecido a la Nicolas Cochin diseñada en 1912

LA INFLUENCIA DEL CINE NORTEAMERICANO Tras el crack del 29 y el nacimiento de nuevas productoras el cine vive un auge que lleva como consecuencia un mayor cuidado en los títulos de crédito y una gran competencia que se traduce a la necesidad de hacer destacar cada película del resto

l cine de Estados Unidos vive a partir de los años 30 su época dorada, el cine se convierte en algo más que en una herramienta de experimentación y se fomenta el carácter de negocio. Si hasta ahora los títulos quedaban definidos según los movimientos artísticos, en los próximos años estas influencias son utilizadas de manera que los títulos se conviertan en una especie de logotipos, el motivo es definir claramente el tipo de película que se va a visionar. Así pues los títulos de crédito dejan de ser un elemento únicamente informativo influenciado por las corrientes artísticas y se trata el título como si de un logotipo se tratara, el estilo de letra o tipografía definirá muy bien el género al que pertenece el film, en ese sentido es clave la aparición del

cine sonoro, que comportó la eliminación de los intertítulos. Como sigue sucediendo, el cine de Estados Unidos se impone al resto y países europeos como Francia han de luchar para no quedarse atrás, de este modo en el cine francés también se nota esa necesidad de hacerse diferenciar y trabajar los títulos como si de logotipos se trataran. En estos años el director francés René Clair, tras realizar películas como Entr’acte, adquiere un gran éxito y sus películas y sus correspondientes títulos adquieren ese aire del cine que se estaba gestando en Estados Unidos, tomamos como referencia pocas películas de este tiempo, como A nous la liberté y Le million, ya que a partir de entonces esta estética y recursos visuales son repetidos una vez tras otra.

⊲ A nous la liberté un estilo de cine muy parecido al que se está produciendo en Estados Unidos se pone de moda en los años 30 en Francia

⊳ Le Million títulos de la película de 1931 de René Clair

En la primera, del año 1931 nos encontramos con la tipografía Bodoni, diseñada a finales del siglo XVIII por Gianbattista Bodoni, aunque no fue hasta principios del siglo XIX cuando Morris Fuller Benton la creo como tal para la fundición ATF (American Type Founders). La Bodoni se caracteriza por ser una tipografía didona, que son aquellas con un gran contraste entre los trazos finos y gruesos, con los remates de las letras de caja baja horizontales. Aunque en estos títulos se sigue haciendo uso del lettering se evidencia la base de la tipografía Bodoni, que es utilizada para los

nombres acreditados, mientras que para especificar la labor de esa persona se requiere una letra itálica, de estilo más humanista. Esta combinación de tipografía serifa para los títulos o nombres en caja alta con tipografía itálica en caja baja para el resto de la información es utilizada hasta la saciedad y nace ante la necesidad de jerarquizar la información de los títulos. Por otra parte en Le Million vemos una espectacular letra caligráfica dibujada con precisión y cuidado, muy cerca del estilo de letras que se dibujaban para los créditos de películas más románticas, sin embargo,

para el resto de acreditación, nos volvemos a encontrar con una letra muy parecida a la Bodoni para los nombres en caja alta y para el resto una letra de neotransición itálica. Estas dos películas pertenecen al género de la comedia y aunque los estilos que vemos en sus títulos recuerdan más a los utilizados en las películas dramáticas incluso románticas hay que tener en cuenta que la comedia de René Clair estaba muy lejos de la que podían hacer los Hermanos Marx, en estas se jugaba con un estilo de letras más alocada y alegre, jugando con variaciones tipográficas, así como de diferentes pesos.

⊲ Le Million título de la película, con una letra caligráfica que convierte al título en casi un logotipo

▲ Le Roman d’un Tricheur la película de 1936 adquiere cierta origininalidad integrando el título en unas cartas de poker, secuencia muy parecida a la que grabará Agnés Varda unos años más tarde en Cleo de 5 a 7

Le roman d’un tricheur de Sacha Guiltry del año 1936 trata sobre un caradura que se pasa la vida en hoteles y casinos. En sus títulos, tras ver el nombre del director en una letra geométrica con un grosor alto y perfilada con sombra, vemos unas cartas repartidas en una mesa, mientras la mano de un crupier las va girando una a una. Detrás de estas se encuentra una letra que da en su conjunto el título del film. De nuevo una blanca letra geométrica de gran grosor

y algo condensada con una sombra que se superpone al resto del diseño de las cartas. Posteriormente el resto de créditos en una imagen con una tipografía similar y seguidamente el director, sobre una pared blanca realiza su firma. Un toque de originalidad a diferencia del resto de títulos del momento en el que la letra aparece sobre un mismo fondo. Al final de la película vemos una libreta en la que escrita a mano, como de manera casual, se marca el final de la historia.

⊲ La Belle et la Bête en un intento de regresar a la infancia, Jean Cocteau escribe los títulos en una pizarra

LOS PRECURSORES DE LA NOUVELLE VAGUE Durante los años 30 y 40 pocas novedades se produjeron en el cine, la estética de los títulos se mantenía en todas las películas, todo y que cada una era distinta, parecía que en Francia el cine se alejaba de aquel cine de autor, si así se le puede denominar, de los años 20, sin embargo durante los años 50 surgieron un grupo de directores que dieron pie a la modernidad cinematográfica

stos directores recuperaron ese concepto de cine de autor, implicándose en todo el proceso de la película, recuperando todo lo experimental para crear nuevas ideas narrativas. En el diseño de títulos, generalmente realizados por el mismo director, se intenta volver a esos orígenes cinematográficos, recuperando la letra más casual y expresiva, el intento de volver a la sencillez y sobriedad de los títulos “primitivos” sin ornamentos gratuitos. Puede parecer algo sentimental respecto al cine más clásico, sin embargo uno de los elementos fundamentales dentro de estos directores que darían pie al movimiento de la Nouvelle Vague, es el de la comunicación, el de establecer una comunicación más intelectual o poética con el

espectador, por lo que todo lo que aparecía en la película tenía un significado. Uno de los más grandes de estos autores fue Jean Cocteau, este supo darle una personalidad muy definida a sus títulos de crédito, apostando por una letra dibujada, en apariencia sencilla y casual, combinándola con dibujos. El ejemplo más representativo es el de La Belle et la Bête, de 1946, en ella Cocteau escribe en una pizarra los títulos, en momentos puntuales aparecen unos dibujos que representan los dos personajes principales. La idea es recuperar el concepto de cuento y el del espíritu infantil, tal y como explica en un texto firmado por él que aparece tras los títulos iniciales. Orphée es otra película dirigida por Cocteau, en el año

1950, con un aire naíf y teatral. Se alternan dibujos con una letra dibujada en negro, en caja alta con unos puntos al principio y final de cada trazo. La tipografía se integra dentro de unos dibujos formados también por trazos sueltos, curvos y finos con puntos entre trazo y trazo, se complementan los títulos con otra tipografía de caja baja de estilo más infantil, todo un ejemplo de la implicación de los directores del cine de autor. Ambos títulos jamás imitados representados de nuevo en el cine, a excepción de Jean-Luc Godard, como ya veremos.

▲ Orphée en un intento de regresar a la infancia, Jean Cocteau escribe los títulos en una pizarra ⊲ Nuit et Brouillard unos títulos con una letra geométrica de gran grosor para un documental algo crudo por su temática

Los jóvenes directores que pertenecían a la Nouvelle Vague surgieron a finales de los años 50 y principios de los 60, pero antes algunos directores que hoy en día se les asocia a este grupo, ya dirigían películas que asentaron las bases que después tomarían el resto de cineastas, debatiéndose entre el cine clásico y el nuevo cine que estaba por llegar. Dos de ellos fueron Alain Resnais y Agnés Varda. El primero dirigió en 1955 Nuit et Brouillard, un documental sobre la experiencia en los campos de concentración, una película que se caracteriza por

la muestra de sufrimiento, de indignación y tristeza ante los hechos del holocausto, se deja de un lado las florituras o elementos decorativos para quedarnos únicamente con el blanco sobre negro protagonizado por una “dura” tipografía geométrica en una composición central, con los nombres de los testimonios y del equipo en caja baja y los apellidos en caja alta.

L’opéra-mouffe 1958, Agnés Varda

▲ L’Opera-mouffe el cortometraje dirigido en 1958 por Agnés Varda recupera el espíritu del cine vanguardista que podemos observar desde el principio en sus títulos de crédito

De Agnés Varda destaca L’opéra-mouffe, película del año 1958, que trata sobre lo que sucede en un barrio durante el embarazo de una mujer. Vemos de nuevo una letra rotulada en blanco sobre el fondo negro, las primeras que incluyen el título de la película, un subtítulo que funciona como descripción y los datos de copyright resulta ser una letra dibujada con más cuidado con un grosor bastante fino, seguido de una introducción con el mismo tipo de letra pero con un grosor algo más ancho. Tras ello vemos toda la ficha artística y técnica, con esta

letra que nos recuerda a los rótulos que se pueden ver por las calles. Reconocer también que cortometrajes y películas como los de L’Opéra-mouffe eran realmente un tipo de cine bastante vanguardista, interés por el cual lo tenían una minoría, tal y como sucede hoy en día, por lo que esa utilización de la letra y esa estética tan característica no era lo más frecuente en aquel momento, lo que realmente imperaba eran las películas de estilo más comercial, hasta que llegaron finalmente los años 60 con la recuperación de este estilo gracias a la Nouvelle Vague.

LA LETRA EN LA NOUVELLE VAGUE A finales de los años 50 y principios de los 60 surgen una serie de directores preocupados por la recuperación de lo clásico que fueron bautizados con el nombre de Nouvelle Vague (Nueva Ola), de hecho fue un nombre que se dio a todo lo nuevo o joven que aparecía en Francia, aunque a día de hoy se utiliza para designar a este cine de autor donde el papel del director era fundamental, el cual se involucraba en todo el proceso de la película, considerando las películas dentro de un todo, involucrándose también en los títulos de crédito, en ocasiones, como veremos, el mismo director era el encargado de realizarlos

⊲ Clèo de 5 a 7 títulos iniciales de la película de Agnès Varda en la que vemos lo que le sucede a una cantante pop durante desde las cinco hasta las siete de la tarde

AGNÈS VARDA: CLÉO DE 5 À 7 Nacida en Bruselas en el 1928, fue estudiante de fotografía y realizó varios cortometrajes, películas, así como documentales. En los años 70 se convirtió en un mito del cine feminista, siendo a día de hoy una de las realizadoras más interesantes del cine

omo ya se ha explicado, no vamos a debatir sobre que películas pertenecen a la Nouvelle Vague y cuales no, tampoco si Agnès Varda pertenecía al movimiento o fue más bien una precursora, lo que está claro es que su película Cleo de 5 a 7 de 1962 se convirtió en todo un referente del nuevo grupo de cineastas. Agnès Varda estudió fotografía antes de dedicarse al mundo del cine, de ahí el especial cuidado de las imágenes, como se puede apreciar en sus películas, cada imagen es una fotografía en movimiento en la que todo está perfectamente diseñado. La película comienza con la visita de una joven cantante llamada Cléo a una tarotista, mientras esta le va echando las cartas y le anuncia que se encuentra en peligro de muerte, los títulos van apareciendo, jugando con los movimientos de la tarotista.

Esta secuencia inicial nos puede recordar a la película Le roman d’un tricheur de Sacha Guitry, en la que un crupier iba descubriendo las cartas, que al mismo tiempo incluían el título de la película. En Clèo de 5 à 7 el lettering que encontramos en los títulos tiene similitudes con la Futura, sin embargo existen diferencias que se aprecian claramente en los números o en caracteres como la “M” o la “S”.

▲ Clèo de 5 a 7 títulos de la película dibujados con una tipografía geométrica que juega con las cartas

La recuperación de los intertítulos Los integrantes de la Nouvelle Vague amaban el cine clásico. En algunas de sus películas los directores recuperan un elemento característico de estas, los intertítulos. En el cine mudo servía para narrar la historia que se contaba o transcribir diálogos, en el caso de estas nuevas películas los intertítulos son utilizados generalmente para fragmentar la película en distintas partes, como si de una novela se tratara. Así pues en el caso de Clèo de 5 à 7, Agnès Varda divide la película en trece capítulos, según las acciones que se van produciendo durante una serie de minutos determinados, así hasta explicarnos lo que le sucede a la protoagonista en esas dos horas

▲ Clèo de 5 a 7 Varda utiliza los intertítulos para fragmentar la película en trece partes

⊲ Mon Oncle protagonizada por el propio Jacques Tati se ha convertido en todo un referente del mundo del cine

JACQUES TATI: MON ONCLE Nacido en Yvelines en 1907 y fallecido en París en 1982, destaco por su cine cómico que tenía como base la comedia muda francesa y norteamericana, pocas veces asociado a la Nouvelle Vague, dio una de las mejores películas de la historia del cine: Mon Oncle

acques Tati fue el director, protagonista y guionista de Mon Oncle, su película más valorada. Esta es una comedia que realiza una crítica sobre la modernidad, combinando en ella elementos modernos, casi futuristas, con los tradicionales de las calles de París, crítica también del nuevo diseño que comenzaba a invadir las calles y casas, en el que las formas geométricas predominaban. Por todo ello el brillante título de la película resulta estar dibujado con tiza sobre una pared de una casa en las calles de París, donde aparecen un grupo de perros jugando y meando sobre ella, un ejemplo de sencillez y genialidad. Pero antes, y como

muestra de esa lucha entre el mundo moderno y el rústico, vemos el resto de títulos integrados en una obra utilizando una tipografía humanista en caja alta sobre placas blancas. El film ganó varios premios, lo que nos indica que aún siendo un cine de autor tenía la popularidad o por lo menos el reconocimiento igual que las películas comerciales de entonces.

⊳ Mon Oncle En la película Jacques Tati combina la vida tradicional con la moderna y hace lo mismo en los títulos

⊲ Les quatre cents coups titulo final de la ópera prima de François Truffaut

⊲ Les quatre cents coups (Página Siguiente) títulos iniciales que se van mezclando con las calles de Montmartre de París hasta llegar a la Torre Eiffel

FRANÇOIS TRUFFAUT: LES QUATRE CENTS COUPS Junto a Jean-Luc Godard fue el que más definió la ruptura y el espirítu de la Nouvelle Vague, nacido en París en 1932 y fallecido en 1984 en la misma ciudad. Antes de ser director fue crítico de cine realizando varias publicaciones para Cahiers du Cinéma

es quatre cents coups es tal vez la película más aclamada de François Truffaut, también la primera que realizó. El film trata sobre un niño de 12 años que tras varias disputas decide marcharse de casa, es expulsado del colegio y finalmente llevado a un reformatorio del cual intenta escapar. La película comienza con unas imágenes rodadas desde un coche en las que vemos las calle del París de Montmarte, mientras van apareciendo los títulos de crédito entre edificio y edificio hasta llegar a la Torre Eiffel. La letra que se muestra resulta ser una tipografía de escritura dibujada con

pincel donde no hay caja baja ya que es substituida por la misma pero en tamaño inferior, como si de una versalita se tratara. Se desconoce el autor de esta letra dibujada que destaca por su perfección y por la casi nula diferencia entre los mismos caracteres. Los títulos de color blanco entran en una perfecta combinación con la tipografía en blanco y negro de un París gris.

⊲ Lola título inicial de la película de 1960 protagonizada por Anouk Aimée y Marc Michel

JACQUES DEMY: LES PARAPLUIES DE CHERBOURG, LOLA Jacques Demy es tal vez el menos valorado del grupo de cineastas debido al amaneramiento y baja calidad de sus películas posteriores a Les parapluies de Cherbourg, nació en Pont-Châteu en 1931 y falleció en París el año 1990, estudió música y decoración

ola fue su primer largometraje, este empieza, tras mostrarnos un proverbio chino, con la imagen de una playa y una carretera, muy rápido se nos muestra el titulo de la película Lola en un tipo de letra difícil de definir que se podría incluir en el grupo de letras decorativas ya que adquiere caravterísticas de las tipografías humanistas sin remate con un alto contraste de grosores, en algunos caracteres tiene grandes parecidos con la Optima (Herman Zapf, 1958) y en otros con la Peignot (Cassandre, 1937) por sus trazos rectos y contrastados. Los títulos aparecen en color blanco mientras vemos a un personaje conduciendo, en algunos momentos vemos algunas letras en caja baja, de nuevo una humanista sin serif. Estos títulos recuerdan mucho a los títulos finales de Kill Bill V.2 de Quentin Tarantino, del año 2004, en los que vemos en blanco y negro a Uma Thurman

conduciendo, mientras los títulos aparecen en una tipografía bastante parecida a la utilizada en Lola de Jacques Demy. El film Les parapluies de Cherbourg es una película romántica con todos los diálogos cantados, Jacques Demy se podría decir que crea un nuevo estilo de cine, romántico sin llegar a lo cursi y adoptando una estética bastante pop. Destacan los títulos de crédito iniciales en los que vemos un puerto, de pronto la cámara pasa a un plano cenital mientras vemos un suelo de piedras mojado por la lluvia y pisado por los transeúntes con sus paraguas, bicicletas y carritos que van parándose y jugando con los títulos que aparecen. Es probable que estos títulos fueran realizados digitalmente, en ellos la tipografía utilizada es la Antique Olive, de un color azul que contrasta con el fondo gris del suelo y los coloridos paraguas que van apareciendo.

Roger Excoffon y la fundición Olive La fundición Olive se encontraba en Marsella. Para ella Roger Excoffon (19101983) diseñó la Banco en 1951, la Mistral en 1953, la Choc en 1955 y en 1956 Diane. En general sus tipografías simulaban la letra dibujada. Sin embargo la tipografía más popular que realizó fue la Antique Olive, diseñada en 1962, una tipo sans serif que tiene como base la letra rotulada, con una línea gruesa y elegante, fue diseñada para el logotipo de Air France, su aportación a las nuevas tipografías sin serifa fue un carácter más refinado y elegante, a diferencia de las más frías y geométricas que estaban triunfando en aquel momento. Las tipografías de Roger Excoffon obtuvieron un gran éxito en Francia, cosa que no sucedió fuera del país, pero su influencia, sobretodo en la publicidad del país fue tan importante que hoy en día sigue perdurando

⊲ Les parapluies de Cherbourg títulos de la película de Jacques Demy de 1964 con una cierta estética pop de la época

⊲ Zazi dans le Metro dirigida por Louis Malle, una película lejos de la Nouvelle Vague pero bastante actual para el año 1959

LOUIS MALLE: ZAZIE DANS LE METRO Con el nacimiento del cine, Méliès lo entiende como un negocio. Traslada así la imagen en movimiento al mundo de la narrativa, incluyendo dos elementos puraramente tipográficos: Los títulos de crédito iniciales y los intertítulos.

a película de Louis Malle del año 1959 difícilmente se le podría considerar una película de la Nouvelle Vague. La película trata sobre una niña de 12 años maleducada que hará todo lo posible por visitar el metro de París. En realidad es una comedia que rinde homenaje a las películas de los hermanos Marx, la Nouvelle Vague, a Federico Fellini, Jacques Tati... Juega el director con el montaje creando unas bases que fueron copiadas posteriormente por las películas y comedias pop de los años 60. Los títulos iniciales comienzan desde la vista delantera de un tren que va llegando a la ciudad, es el personaje protagonista el que llega de fuera, primero aparece el título de la película Zazie dans le metro, con una

letra roja dibujada en caja alta con un aire infantil, como si fuera un niño o niña quien hubiera escrito esas letras. Seguidamente se nos muestra el reparto, pero únicamente del equipo técnico, no el artístico. Este aparece al final de la película, mostrándonos imágenes de la película donde aparece un personaje con el nombre del actor debajo, con el mismo estilo de letra pero de color blanco. Después volvemos a ver el recorrido inicial del tren, pero al revés, mostrando el resto de títulos. El hecho de poner los títulos artísticos al final era más propio del cine comercial que el cine de autor de la Nouvelle Vague, aún así resulta interesante ver como el cine pop que vendría después supo utilizar esta herencia que tiene el cine francés.

⊲ Zazi dans le Metro peculiar comédia con una niña protagonista bastante peculiar, es la base de películas cómicas francesas como la popular Amelie, dirigida por Jean-Pierre Jeunet en 2001

JEAN-LUC GODARD: A BOUT DE SOUFFLE, LE MÉPRIS, UNE FEMME EST UN FEMME, CHARLOTTE ET SON JULES, LES CARABINIERS, PIERROT LE FOU, BANDE À PART, MASCULIN FEMININ, ALPHAVILLE, VIVRE SA VIE, MADE IN U.S.A.

⊲ A Bout de Souffle La primera película de Jean-Luc Godard de 1960 es la obra referente de la Nouvelle Vague

Nacido en 1930 en París, una de las particularidades más importantes del cine de Jean-Luc Godard es la literatura, el escrito y por lo tanto la letra. La comunicación y la falta de esta es uno de los elementos más importantes de sus films, realmente determinativa

e hecho algunas de sus películas se podría decir que son nada más que textos hablados y filmados, véase La chinoise o Week-end, películas formadas por reflexiones o citaciones sobre temas sociales. De ahí que la letra y la muestra de esta sea un elemento importante y característico de su cine tan particular, lo refleja de distintas maneras, a través de comentarios, subtítulos o traducciones. Pero su utilización más importante y curiosa es la de los títulos de crédito. En cierto modo sus títulos dejan de ser un texto concreto más para convertirse en una parte más de la película, un texto dentro del conjunto como aquellos que podremos encontrar posteriormente durante el

resto del film, entrando en juego la creatividad del autor a la hora de realizarlos, se interpreta así como una figura libre. En su primera película Jean-Luc Godard nos muestra la “visa de contrôle cinématographique”, una dedicatoria y el título de la película A bout de souffle, de 1960, utilizando una letra dibujada en caja alta, basada en la tipografía Vendome, diseñada por François Ganeau en 1952 para la Fonderie Olive, Ganeau se basó en trabajos de Claude Garamond y Jean Jannon, más cerca de este último. Vendome se caracteriza por sus serifa punzante y por su estilo clásico pero al mismo tiempo desenfadado, una tipografía que resulta perfecta para la opera prima de Jean-Luc Godard, de color

blanca, de un tamaño bastante grande que llega a ocupar casi toda la pantalla y dentro de una composición justificada. No menciona su nombre ni el de ningún técnico o artista que participe en el film. La intención no era más que cambiar las reglas del cine, pero jugando como vemos, con elementos tradicionales, como el sobrio blanco sobre negro del cine clásico. Algo parecido vuelve a suceder unos años más tarde en Le Mépris, de 1963, en ella vemos de nuevo la “visa de contrôle 66

cinématographique” de color blanco sobre negro, el nombre de la productora Cocinor, en caja alta y alternando los colores de la bandera francesa (azul, blanco y rojo), colores que como veremos es utilizado frecuentemente para la tipografía como en secuencias del film. Por último vemos el título Le Mépris, de nuevo en caja alta con un grosor pronunciado y de color roja, que al compás de la música nos alarman de que algo va a suceder, seguidamente vemos los estudios de Cinecittà y un equipo rodan-

do unas imágenes, de fondo oímos la voz de Jean-Luc Godard leyendo los nombres del equipo, mientras el equipo de rodaje se acerca, aún no ha empezado la película, no hay tipografía, pero los títulos de crédito no finalizan hasta que Godad termina de recitar todos los créditos. El motivo, de nuevo el intento de transgresión, pero en este caso aún queda más justificado en una película que trata sobre la ruptura de un matrimonio debido a los malentendidos y como no, la falta de comunicación.

El tráiler de Le Mépris ⊳ Le Mépris una nueva manera de contar una historia y los títulos de crédito ▼ Le Mépris (Trailer) un trailer donde la letra y la palabra nos explican de que va la película

Tal vez Le Mépris no es tan rica tipográficamente como lo fueron otras de esta primera época del director, cosa que no le sucede al trailer que realizaron entonces. El trailer comienza con las voces de los actores protagonistas que leen los textos que van apareciendo en la pantalla en una letra geométrica, cada palabra de un color distino (blanco, rojo y azul), aparecen imágenes de la película mientras los actores las describen (el hombre, la mujer, el alfa romeo...), cuando mencionan nombres del equipo vemos el título del film, cambiando de colores. Al final del trailer se muestra el título con un fondo de color y la letra de otro mientras van cambiando. Esta última parte del trailer puede recordar al inicio de Clockwork Orange de 1971, se inspirara Stanley Kubrick o no en ella, los títulos de Clockwork son pura Nouvelle Vague.

El caso contrario, y tal vez el más interesante, visualmente, sea el de Une femme est une femme. Primero en una composición central vemos un texto dividido en cuatro lineas, cada una de un color, formando de nuevo la bandera francesa en la que se nos informa de los diferentes premios que ha recibido el film y su protagonista, posteriormente la visa de control, junto al logotipo del laboratorio y la información de los derechos de autor, de nuevo composición central y blanco sobre negro. Entonces comienzan los títulos, escuchando de fondo las voces del rodaje de una película o ensayo de una obra teatral, van apareciendo con-

⊳ Une femme est une femme (Página anterior) títulos iniciales y final de la película de Godard de 1961, una comedia musical protagonizada por Anna Karina, Jean Claude Brialy y Jean Paul Belmondo ⊲ Charlotte et son Jules cortometraje de 1960 prtoagonizado por Anne Collete y Jean Paul Belmondo

ceptos que definen la película “sentimental, “comedia”, entre medio de los nombres del equipo como el director o el músico, pero sin especificar sus funciones, los conceptos, adjetivos, nombres, incluso una fecha, van apareciendo sin aparentemente un orden claro, de-construyendo de nuevo las reglas. Esta vez la tipografía funciona claramente como imagen. Se alternan otra vez los colores mencionados y escuchamos a la actriz protagonista gritar “Lights, Camera, Action!”, y vemos “BRIALY” sobreimpreso en el actor Jean-Claude Brialy, “Karina” sobre Ana Karina y “BELMONDO” sobre Jean Paul Belmondo. La tipografía que pode-

▲ Les Carabiniers cortometraje de 1960 prtoagonizado por Anne Collete y Jean Paul Belmondo

mos ver podría parecer hecha con letraset con alguna tipografía específica pero se pueden encontrar pequeñas imperfecciones en algunos caracteres y resulta realmente difícil encontrar una tipografía con esos mismas características en cada letra, por lo que lo más probable es que nos encontremos de nuevo con letra dibujada. En los títulos de Une femme est une femme podemos leer la expresión de “Il Etait un fois”, utilizado con frecuencia en las primeras películas del cine, se puede considerar un homenaje a Jean Cocteau, aunque en Charlotte et son Jules el homenaje se hace más evidente, sobretodo en los títulos. Tras

la visa de control vemos sobre las imágenes de una carretera de la ciudad de París una letra blanca dibujada con el aire infantil y desenfadada, característica de los títulos de las películas de Jean Cocteau, se incluye incluso un elemento no tipográfico como una estrella, vemos casi como en Une femme est une femme, los nombres de los dos protagonistas sobreimpresos en imágenes de ellos interpretando su papel. Los títulos de Los carabiniers resultan del mismo estilo, con una letra caligráfica blanca sobre negro vemos, en un mismo título, toda la información necesaria: título, la visa de control, músico, actores, productores...

▲ Bande à Part títulos de la película de 1964 sobre una banda formada por tres jóvenes que planean robar el dinero gaurdado en casa de la joven protagonista ⊳ Pierrot le fou (Página anterior) títulos de la película de 1965 protagonizada por Jean Paul Belmondo y Anna Karina

Otros títulos interesantes de Jean-Luc Godard son los que realizó para Pierrot le fou, en la que vemos aparecer poco a poco las letras en orden alfabético hasta formar los nombres de los protagonistas, el título de la película y el nombre del director, durante casi un minuto. Todas las letras aparecen en color rojo a excepción del título que lo hace en azul, finalmente queda solo este hasta que desaparece. Godard ilumina así la pantalla con letras y colores. Como en el caso de Une Femme est un Femme la letra vuelve a ser de nuevo dibujada aunque en este caso nos encontramos con unas carac-

terísticas bastante evidentes de la Antique Olive, nada extraño teniendo en cuenta que esta tipografía consiguió una gran popularidad en la publicidad francesa. En Bande à Part Godard sigue jugando en ese intento de transgresión con una película sobre una banda formada por tres integrantes bastante inusuales, como sus títulos en los que va alternando de manera frenética imágenes de los tres protagonistas, mientras que poco a poco, casi sin darnos cuenta, van apareciendo las letras que forman el título “Bande à part” con una rotulación de una letra geométri-

ca y bastante bold en caja alta y de color blanco, después, como ya hemos visto en otras películas, el resto de títulos aparece sobreimpreso a las imágenes de una carretera donde circula un coche, donde se encuentran dos de los protagonistas, se utiliza una composición central con una letra de nuevo geométrica y bold, en este caso algo condensada. Resulta interesante como introduce el director su nombre al final “JEANLUC CINÉMA GODARD” en una composición central y justificada en la que crea de una manera un logotipo propio del director.

Por último, respecto los títulos de crédito, tenemos la película Masculin Féminin de 1966 en la que el director vuelve a experimentar como en sus primeros títulos. De nuevo la visa de control seguida de un texto justificado en una letra que se hace más que evidente la rotulación, utilizando caja alta, integrando el punto de la i en esta. Así, en cuatro composiciones nos muestra el título, marcados por los disparos de una pistola. Otra vez el blanco sobre negro y nada de información sobre colaboradores o del mismo director, con imágenes de letras que aparecen durante toda la película.

⊲ Masculin Féminin (Página siguiente) títulos iniciales e imágenes que van apareciendo durante la película con citaciones, relacionadas directamente o no con la película

⊳ Alphaville película de Godard basada en una ciudad futurista donde la gente es asesinada al expresar sus sentimientos

Así pues, podríamos decir que Godard le da un valor estético a algo que en ocasiones es puramente funcional, como ya se ha dicho, integrando los títulos dentro de la película, dándole casi un valor poético. Para Jean-Luc Godard la letra y el texto es tan importante que hace uso de subtítulos en algunas de sus películas, pero no para traducir al actor americano, si no para aportar una información extra a la historia, en refuerzo de ese carácter de cuento que tienen sus films, podría haber utilizado una voz en off, letra o voz la función es la misma, pero hablamos de cine, y el cine es visual. Podemos verlo en películas como Une femme est une femme en la que se forma una primera

▲ Une femme est une femme subtítulos que nos explican los pensamientos y el porque de las acciones de los dos protagonistas de la película

⊲ Vivre sa Vie subtítulos de una conversación de la película en la que no se oye la voz de los dos personajes que hablan

frase que nos aclara una acción del protagonista, seguidamente nos aclara la de la otra protagonista, pero transformando la frase del final al principio, siguiendo el movimiento de la cámara. Esta utilización del subtítulo es repetida tres veces durante la película. En otra ocasión, en su película de 1962 Vivre sa vie, durante unos segundos en una conversación entre dos personajes el director incrusta los diálogos entre dos personajes, sin reproducirse el sonido, puede que la razón de ello sea por problemas de sonido o por un juego más de Godard, aún así refuerza la idea de que a través de la voz o la escritura no dejamos de establecer una comunicación, sea cual sea el medio.

â&#x160;˛ Made in U.S.A. protagonizada por Anna Karina en 1966 en ella aparecen frecuentemente elementos tipogrĂĄficos en primeros planos

Tal vez la protagonista de muchas de las películas de Godard y los autores de la Nouvelle Vague en general sea la ciudad de París y sobretodo sus calles. A través de ella podemos ver gran cantidad de elementos tipográficos a través de carteles, rótulos, revistas, diarios o neones, como en Alphaville, de 1965, los cuales nos van mostrando números y ecuaciones, así como “norte” o “sur”, algo bastante coherente en una película que nos habla de un París futurista en la que los ciudadanos son fríos y carecen de sentimientos. También

tenemos el caso de Pierrot le fou en los que aparecen de manera constante elementos tipográficos que ocupan toda la pantalla, ya sea de neones, carteles o textos escritos en papel por el protagonista, en apariencia los textos o letras que vemos en estos casos no parecen tener mucha coherencia con la acción, es utilizado como un juego por el director, dándole un interés más plástico que semántico. Ocurre lo mismo en Made in U.S.A. En la que podemos ver carteles de películas, de nuevo neones o pintadas en la pared con la palabra “Liberté”.

⊲ Pierrot le Fou (Página siguiente) durante la película Jean-Paul Belmondo, el protagonista, va escribiendo en su libreta pensamientos que podemos leer, así como carteles, letras en revistas o neones

⊲ A Bout de Souffle dirigida en 1960, la primera película de Godard, protagonizada por Jean-Paul Belmondo y Jean Seberg

▲ Le Mépris una película que es puro cine y puro godard con la letra dibujada tan característica de Jean-Luc Godard ⊲ Masculin Féminin dirigida en 1966, Godard hace un juego introduciendo parte del título “FÉMININ” para finalmente dejar el “FIN”

⊲ Bande à Part composición central con letra blanca sobre negro como los títulos iniciales de esta película de 1964

▲ Alphaville en esta película de 1965 Godard utiliza unos títulos muy sobrios, también en el final, puesto en la parte inferior derecha

⊲ Charlotte et son Jules cortometraje de 1960 en el que homenajea las películas y el estilo de Jean Cocteau

⊲ Une femme est une femme tras conseguir su proóposito, la protagonista hace un juego de palabras con el título del film, un movimiento de cámara y vemos un fin de neón ⊲ Made in U.S.A. (Página siguiente) título final con los colores de la bandera francesa en una película iinspirada en el cine de Estados Unidos

Otro elemento de los títulos de las películas son el título “Fin” perteneciente más al cine clásico que al actual. Generalmente, hasta entonces, sucedía que este título presentaba una letra con unas características distintas a las presentadas inicialmente, teniendo poco o nada que ver con los iniciales, casi siempre tomando una tipografía caligráfica y elaborada con connotaciones románticas. Jean-Luc Godard utiliza el mismo tipo de letra que utiliza en los títulos iniciales, generalmente el mismo estilo, letra geométrica en caja alta, blanco sobre

negro o los colores de la bandera francesa. En algunas películas el título es suprimido o substituido por los créditos, que no aparecen al principio si no al final, como en Pierrot le Fou, algo raro en las primeras películas de Jean-Luc Godard pero no para los títulos que estaba haciendo Saul Bass en Estados Unidos. Crea de esta manera Godard un estilo en sus películas inconfundible, que influenciaría a los directores que estaban por venir, haciéndose destacar dentro del grupo de cineastas que formaron aquella Nouvelle Vague.

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