Introducción La historia del arte es el relato de la evolución del arte a través del tiempo. Entendido como cualquier actividad o producto realizado por el ser humano con finalidad estética o comunicativa, a través de la cual se expresan ideas, emociones o, en general, una visión del mundo, empleando diversos recursos, como los plásticos, lingüísticos, sonoros o mixtos. Por norma general, la historia del arte no estudia todas las disciplinas artísticas, sino solamente las artes superiores, llamadas también bellas artes (pintura, escultura, arquitectura, música, danza, literatura). El arte goza hoy día de una amplia red de estudio, difusión y conservación de todo el legado artístico producido por la humanidad a lo largo de su historia.
BREVE LÍNEA DEL TIEMPO Edad Actual Vanguardias
Edad Moderna Edad Media Edad Antigua
Prehistoria •Paleolítico •Mesolítico •Neolítico
•Arte mesopotámico •Arte Persa •Arte Egipcio •Arte Griego •Arte Romano
•Arte •Arte •Arte •Arte
Bizantino Carolingio Otomano Gótico
•Renacimiento •Romanticismo •Realismo •Naturalismo
• Impresionismo •Simbolismo •Art Nouveau •Bahaus •Expresionismo •Fauvismo •Arte abstracto •Cubismo •Dadaísmo •Surrealismo •Futurismo •Pop Art •Minimalismo
•Arte Contemporáneo •Arte Conceptual
A continuación, se mostrarán cada una de las actividades realizadas de la Experiencia Educativa ya mencionada, con la finalidad de mostrar lo aprendido en todo el curso. Las actividades se irán presentando en orden cronológico y con una breve información acerca de la época en la que se encuentra para enfatizar el tema abordado.
Prehistoria
Prehistoria Arte rupestre Se llama arte o pintura rupestres a los bocetos o dibujos prehistóricos que han sido descubiertos en piedras o cavernas, y que reflejan el imaginario de la humanidad primitiva. Las pinturas rupestres son más o menos homogéneas: las provenientes del Paleolítico muestran por lo general animales salvajes y líneas, mientras que en el Neolítico aparecen figuras humanas, huellas de manos y otras representaciones del entorno. La mayoría de los animales dibujados son mamuts, bisontes, caballos, ciervos y renos, a menudo heridos con flechas o lanzas de cacería. Priman en ellos uno o dos colores: negros, rojos, amarillos y marrones. Se untaban sobre la piedra directamente con los dedos, aunque las figuras animales a menudo se raspaban con alguna piedra o herramienta para generar efectos de realismo y tridimensionalidad.
Edad Antigua
Edad Antigua Arte Mesopotámico
Escultura
Hace referencia a las expresiones artísticas que se conservan de las culturas que florecieron en las cuencas de los ríos Tigris y Éufrates desde el surgimiento del Neolítico hasta la caída de Babilonia, el último de los antiguos imperios de cultura mesopotámica.
La escultura sumeria se realizó en piedra caliza o en alabastro, y sus principales producciones fueron de esculturas de bulto redondo y de relieves.
El Arte desarrollado por los sumerios tiene sobre todo un significado religioso, respondiendo a la unión estrecha entre religión y política. Una de sus características es la acusada continuidad estética, que se traspasará a las civilizaciones posteriores
Arquitectura La arquitectura sumeria se desarrolló en torno al desarrollo de los núcleos urbanos alrededor de un centro político-religioso constituido por el templo. Los materiales empleados fueron el adobe y el ladrillo, frente a la piedra o la madera, escasas en la zona.
Arte Persa El arte persa apareció en diversas zonas ricas y por ello se incluyeron diferentes y variadas disciplinas como son los tejidos, la caligrafía, la mampostería, la pintura, la metalurgia, la escultura, la arquitectura y la cerámica. La elección de los temas de la naturaleza, simplificada en patrones casi irreconocibles, puede llamarse el principio formativo del Arte Persa. Gran parte del arte iraní del cuarto milenio está fuertemente influenciado por Mesopotamia.
No hay arquitectura religiosa, sólo altares con fuego y unas torres. Los altares eran muy sencillos, a veces para proteger el fuego tenían una pequeña bovedilla. La arquitectura persa, en general, presenta unas características y procedimientos constructivos muy semejantes y derivados del mundo mesopotámico y no aporta novedades de importancia. La decoración, escultura y arquitectura es el resultado de la fusión de distintas influencias: Babilonia y Siria.
Arte Egipcio
Arte Romano
El arte egipcio es, indudablemente, la manifestación artística que más ha subyugado al hombre moderno.
El arte romano está afectado por el arte etrusco y el arte griego. De los etruscos tomaron la disposición urbanística, los elementos constructivos (el arco, la bóveda), la estructura interna de los templos, el realismo de las imágenes; de los griegos, el idealismo de las figuras, los órdenes constructivos, las tipologías como el teatro, algunos elementos estructurales y de concepto del templo. Todo es asimilado y reinterpretado bajo una base pragmática, natural y realista hacia las nuevas aportaciones que resultan de lo constructivo, lo escultórico y lo pictórico.
Fundamentado en la religión y en sus ideas sobre la vida de ultratumba, en el carácter divino y sagrado del faraón, así como en la influencia del vivir agrario, se caracteriza por el colosalismo y monumentalismo de su arquitectura, por el hieratismo y frontalidad de sus esculturas y por la preponderancia del elemento lineal en su pintura.
ARTE GRIEGO
Historia
Final del mundo micĂŠnico
Inicio de la ĂŠpoca arcaica
◦ Se manifiesta a mediados del siglo XI a.C.
Historia
◦ La influencia más importante en la evolución del arte occidental. ◦ Reflejo de la vida diaria en figuras humanas.
Períodos Geométrico.
1000 – 750 a.C.
Oriental
VII a.C. – principios VI a.C.
Arcaico.
610 – 480 aprox., a.C.
Clásico.
V y IV
Helenístico.
323 – s. I a.C.
Origen Inicia entre los siglos V y VI a.C. Distingue: • Armonía • Belleza • Perfección
PINTURA • Cerámica • Decoración • Comercialización • Formas geométricas • Siglos IX y VIII a. C. • Influye figura humanas.
ARQUITECTURA. El Partenón en la Acrópolis de Atenas
Columnas dóricas del Heraión de Olimpia
• • • •
Adobe para los muros Madera para las columnas Arcaico (VII) piedra. Ordenes arquitectónicos: • Dórico (Sur) • Jónico (Este)
• Partenón de Atenas 447 a.C. y 432.
Restos del Templo de templo Júpiter de Apolo
Kouros
Victoria de Samotracia
ESCULTURA Hermes sosteniendo a Dionisos niño
Zeus
• Arcilla, marfil o la cera. • Arcaico – Kouros (hombres) y • korés (mujeres). •
Llegada del clasicismo ( siglos V y IV a. C. )
•
Contrapposto
Coloso de Rodas
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Edad Media
Edad Media Arte Bizantino
Arte Carolingio
Por arte bizantino se conoce el conjunto de manifestaciones artísticas desarrolladas en el Imperio romano de Oriente, llamado Imperio bizantino, desde el siglo IV hasta el siglo XV. Sin embargo, este estilo se mantiene vivo actualmente como vehículo de expresión de la Iglesia ortodoxa. El arte bizantino nació con el ascenso del cristianismo a la corte imperial. Arte estático, que tiene a Cristo como tema central. En Arquitectura se destacaron las basílicas con cúpulas, o las iglesias con forma de cruz griega, siendo una característica predominante el uso de arcos y capiteles decorados.
Es una corriente artística que posee una designación historiográfica. Esta corriente artística fue un estilo artístico que floreció con el reinado de Carlomagno y su imperio. Carlomagno intentó dar una nueva vida y visión del arte en toda Europa Occidental, cuya innovación llegó a un punto límite del agotamiento. Los carolingios usarán el arte con motivos propagandísticos, de exaltación del poder, es decir, se trata de un arte áulico.
hasta los principados de Túnez y Árgel. Sería en este imperio donde la arquitectura islámica recobraría su perdido vigor.
Arte Otomano Arte producido en el Imperio turco otomano (siglos XIV al XX). Heredero teórico del arte selyúcida, se caracterizó por su esplendor arquitectónico. En menos de un siglo, los otomanos habían conseguido construir ya un importante imperio cuya capital fue la antigua Bizancio y que se extendía desde los Balcanes
Edad Moderna
Edad Moderna Renacimiento
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El Bosco Desde mi perspectiva El Bosco, fue un personaje que deja mucho qué pensar ante sus obras, en especial "El Jardín de las delicias". Además de ser un artista misterioso e inaccesible; ya que no se sabe casi nada acerca de él, es alguien que produce una idea diferente a cada espectador. Como lo mencionó una mujer en el vídeo "Para comentar esta obra, habría que inventar palabras". Creo que cada quién asimila lo que quiere cuando la observa, cada quién tiene una representación diferente o similar para poder describirla. Al parecer El Bosco, fue alguien algo introvertido y a su vez fue extrovertido.
Cada artista deja una huella cada que hace algo, pero él la dejó muy marcada en la historia del arte. Menciono esto, porque dicha obra no tiene un nombre como tal; como se menciona en el vídeo, ésta cambia de nombre varias veces y al final se quedó con El Jardín de las delicias, aunque al inicio se llamaba "El cuadro de la variedad del mundo". Es interesante y algo intrigante por qué no se sabía el nombre de la obra, pero, qué esperaban acerca de alguien que no sabían cómo era realmente. A lo que se causó un "revoloteo", ¿quién dejaría una obra sin nombre? Creo que aparte de su contenido, también
fue esto mismo que hizo que se hiciera tan famosa. Alguien misterioso, dejando una impresionante obra sin nombre. Su obra me dejó muy desconcertada, tiene tantos deslices que no sabes qué tomar. Al inicio se ve observa una obra sin color, todo en blanco y negro, frío, pero cuando abren el tríptico se observa un montón de colores festivos y tristes; en donde se representa la lujuria de una manera tan decaída que me hace sentir que es un acto inmoral que no debe de hacerse, pero a su vez parece que las personas que están en el cuadro lo disfrutan tanto, que al final de éste, parece que van al infierno; donde es todo lo contrario pero con más dolor y más inexpresivo de felicidad que el cuadro anterior, como si se tratara de un castigo. Pues, al parecer éstas se encuentran en el paraíso después de la creación; ya que en el primer cuadro lo único que deja como "pista", es la cara de Cristo con Adán y Eva (mencionado por los historiadores). Su obra tiene muchos contrastes, tanto de inicio como a fin, es por esto que menciono que no se puede tomar algo de esta obra, tiene tantas
partes repartidas que no sabes qué es lo que realmente te gusta o te disgusta. Realmente es impresionante por qué este artista nunca se dejó conocer, pues nunca sabremos qué es lo que quiso dar a entender en sus obras; tal vez solo quería que las personas se vieran a sí mismas en ellas, que se representaran o se pusieran en el lugar de él para sentir como era su manera de transmitir sus emociones, o tal vez sólo representaba lo religioso de una manera algo extraña o "burlona". El arte nunca ha sido de entenderse, sólo es perspectivo, pero la mayoría de los artistas famosos dan a conocer el porqué de sus obras, pero aquí es todo lo contrario. Sólo se conoce su nombre y gracias a sus obras. Es una manera tan propia de hacerte famoso sin que la gente sepa quién eres realmente. Hace una idea de que lo que ves, no es lo que importa, sino lo que ésta transmite o te hace sentir. Ese misterio que dejó plasmado en la historia le da una pizca a él y a sus obras. No siempre lo que vemos, es lo que pensamos, puede ser eso y más.
Análisis
La balsa de la medusa de Théodore Géricault La escena capta el instante en el que un grupo de náufragos avistan una vela en el horizonte, la fragata que no los recogerá. En la parte inferior de la balsa se encuentran los muertos y a un par de personas que los están sujetando. En la parte superior de la balsa están los supervivientes, que están agitando los brazos para intentar ser vistos. Parece como si en la barca, repentinamente hubiera nacido una palpitación de vida y esperanza. El mar revuelto como ellos, el cielo nublado, el viento sopla hacia la izquierda, la única luz que ilumina la pintura proviene del extremo superior izquierdo del cuadro, y nos deja ver la atmósfera de sufrimiento de los ocupantes de la balsa. En el cuadro se pueden apreciar entre 17 y 21 tripulantes ente los que hay
muertos, desnudos y desperdigados sobre la pequeña balsa desecha por el oleaje. La gama de colores es muy reducida, va del beis al negro pasando por los tonos pardos claros y oscuros. Consiguiendo un ambiente de tonos cálidos produciendo una impresión dramática de angustia. El color dominante es el beis oscuro y tenue. El cuadro muestra la pérdida de la fragata Medusa, enviada a Senegal por el gobierno francés, en 1816, bajo el mando del conde Chaumareix, oficial de la armada, inactivo durante 25 años, a cuya incompetencia se le atribuía el desastre
Técnica: óleo sobre lienzo Cronología:1819 Formato: Gran formato, 490 x 717 cm Estilo: Romanticismo Localización: Museo del Louvre
Análisis
La libertad guiando al pueblo de Eugène Delacroix Obra con cierta dosis de alegoría que recoge un hecho contemporáneo. La mujer que representa a la Libertad aparece con el torso desnudo, porta en su mano derecha la bandera tricolor y en la izquierda un rifle. Le acompañan miembros de las diferentes clases sociales - un obrero con una espada, un burgués con sombrero de copa portando una escopeta, un adolescente con dos pistolas, etc. - para manifestar que en el proceso revolucionario ha existido amplia participación. A los pies de la Libertad, un moribundo la mira fijamente para señalar que ha merecido la pena luchar. Con esta obra, Delacroix pone de manifiesto su ideología y su faceta de pintor de su tiempo. La composición
se inscribe en una pirámide cuya base son los cadáveres que han caído en la lucha contra la tiranía, cadáveres iluminados para acentuar su importancia. La vorágine de la batalla se manifiesta en la polvareda que difumina los contornos e impide contemplar con claridad el grupo de figuras que se sitúa tras la Libertad. Todo este patriotismo viene por la insurrección parisina de julio de 1830, llamadas las Tres jornadas gloriosas (Trois Glorieuses), que acabó con el reinado del terror de Carlos X y puso a Luis Felipe de Orleans en el trono. Por fin Francia le daba algo de poder real a la burguesía.
Título original: La Liberté guidant le peuple Museo: Louvre, París (Francia) Técnica: Óleo (260 × 325 cm.)
Vanguardias
Vanguardias Impresionismo Un crítico que cita peyorativamente un cuadro pone nombre a un movimiento, en este caso «Impresión: sol naciente» de Monet. La pintura impresionista nace a partir de la segunda mitad del siglo XIX y quiere, a grandes rasgos, plasmar la luz y el instante, sin importar demasiado la identidad de aquello que la proyectaba. Las cosas no se definen, sino que se pinta la impresión visual de estas cosas, y eso implica que las partes inconexas dan lugar a un todo unitario. este movimiento se caracteriza por el uso de colores puros sin mezclar, el hecho de no ocultar la pincelada, y por supuesto darle protagonismo ante todo a la luz y el color.
La pradera Autor: Alejandra Sánchez Rodríguez Año: 2020 Material: Acrílico sobre opalina Medidas: 15x15 cm
La pintura que se muestra fue inspirada por el mismo movimiento ya mencionado.
Ejemplos de obras impresionistas
El sol naciente. Monet
El almuerzo de los remeros. Pierre-Auguste Renoir
Un bar de las Folies Bergère. Édouard Manet
Simbolismo El simbolismo es misterio, un sueño, un enigma… Frente a la sociedad industrial que ya se estaba estableciendo, se propugna un arte poético. Hartos de tanto realismo, los artistas simbolistas vuelven a escapar de la realidad, buscando lo onírico, experimentando con drogas, volviendo de alguna manera al romanticismo de William Blake, los nazarenos y los prerrafaelitas. Parece es que todos practicaron un arte antinaturalista, casi siempre espiritual, desatando a fantasía y la subjetividad frente a la objetividad científica de impresionistas y neo-impresionistas. El símbolo, su herramienta para la expresión del estado de ánimo, de las emociones y de las ideas del individuo. Título de la obra: Orfeo Año: 1865 Autor: Gustave Moreau Tamaño: 154cm x 100cm Técnica: Óleo sobre tela
Art Nouveau
Referencia a la intención de crear un arte nuevo, joven, libre y moderno. Una vez más, y como todos los movimientos, una ruptura con lo anterior, teniendo presente una idea clara: «el futuro ya ha comenzado» Estéticamente hay una evidente inspiración en la naturaleza: vegetales y las formas orgánicas se entrelazan con el motivo central; la línea recta no interesa, se prefieren las curvas y la asimetría; todo es más sensual, buscando complacer a los sentidos. Es así como flores, hojas, tallos retorcidos, insectos, cabellos femeninos, rellenan todo el espacio.
Todo sale del gran libro de la naturaleza; las obras de los hombres son ya un libro impreso. -Antoni Gaudí
Ilustración coloreada en base a la estética de dicho movimiento
Además de las pinturas el Art Nouveau se interesó también en mubles, interiores, cristalería, etc.
BAUHAUS
Expresionismo Fue un movimiento surgido en Alemania a principios del siglo XX, coincidiendo con el fauvismo francés, con el que tiene no pocos puntos en común. Este movimiento difiere por tener un matiz más pesimista, más feo, por así decirlo, ya que los expresionistas alemanes no escatimaron en mostrar lo morboso, lo prohibido, lo obsceno. Viene a ser una deformación de la realidad para expresarla de forma más subjetiva.
“La forma en que uno ve depende también de un estado emocional de la mente. Esta es la razón por la que un motivo puede ser visto de muchas maneras, y esto es lo que hace que el arte sea tan interesante”. -Munch
Recreaciรณn de la obra El grito de Edvard Munch
Cubismo
El crítico Louis Vauxcelles ya había bautizado a los fauves. En 1908 visitó una exposición de Braque y escandalizado escribe: «Son geómetras ignorantes, que reducen el paisaje y el cuerpo humano a ínsipidos cubos». En realidad, en el cubismo no hay cubos. Más bien todo lo contrario. El cubismo consiste reconocer la naturaleza bidimensional del lienzo y no recrear la tridimensionalidad. Artistas como Braque o Picasso, inspirados por Cézanne, es mirar un objeto desde todos los puntos de vista posibles. Los géneros que pintan los cubistas son de lo más clásico: bodegones, paisajes, retratos.
Retrato cubista digital
Retrato realizado con alrededor de 10 imรกgenes diferentes. En esta actividad se solicitรณ realizar un retrato de nosotros mismos con recortes, inspirado en el movimiento ya mencionado.
Surrealismo Alejandra SĂĄnchez RodrĂguez
Surrealismo París 1924 – 1966
Se esparce por Europa a pocos años de concluida la I Guerra Mundial hasta la llegada de la II guerra Mundial. Comienza con la publicación del "Manifiesto Surrealista“ de André Breton. Siendo conocedor de Freud pensó en la posibilidad que ofrecía el psicoanálisis como método de creación artística.
Características
Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control.
Intentan plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños.
Características Utilizan recursos como: • Animación de lo inanimado. • Aislamiento de fragmentos anatómicos. • Elementos incongruentes. • Metamorfosis. • Máquinas fantásticas. • Relaciones entre desnudos y maquinaria. • Evocación del caos. • Representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías. El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.
Características • Interesados por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los dementes. • Preferirán los títulos largos, equívocos, misteriosos, importaba más el asunto que la propia realización. • Los artistas llegaron a elaborar obras en estados de trance e hipnosis.
Representantes del Surrealismo • Observamos dos vertientes: • El surrealismo abstracto: artistas como Masson, Miró o Klee crean universos figurativos personales a partir del automatismo más puro. • El surrealismo figurativo: Max Ernst, Yves Tanguy, René Magritte o Salvador Dalí que se interesan más por la vía onírica, cuyas obras exhiben un realismo fotográfico, aunque totalmente alejadas de la pintura tradicional.
•Los horizontes, la sensación de infinito, la presencia de objetos misteriosos y sin correspondencia con la realidad objetiva y las alusiones a signos sexuales caracterizan su obra consiguiendo provocar angustia y misterio.
René Magritte (1898 – 1976)
•Principales exponentes del Surrealismo utilizando la técnica del frotagge. Consiste en frotar una mina de plomo sobre un papel que se apoya en un objeto y se deja así su huella en dicho papel, con todas sus irregularidades. Las imágenes surgidas aparecerán cargadas de misteriosas evocaciones, de signos de catástrofe y desolación.
Yves Tanguy (1900 -1985)
Max Ernst (1891-1979)
Representantes del Surrealismo
• Provoca el choque emotivo de color aplicado a formas realistas puestas en lugares y momentos inverosímiles. • Realiza absurdas combinaciones de paisajes, arquitecturas, esculturas, ambientes externos e internos.
• Analiza la estructura del objeto para convertirlo en una elucubración intelectual. Su modo es más vital, sin la opresión angustiosa de la mayoría de los surrealistas.
Joan Miró (1893 – 1983)
André Masson (1896-1987)
Representantes del Surrealismo
• Es el máximo representante del surrealismo abstracto, aunque fue solamente una fase dentro de su producción. Sus cuadros están llenos de poesía. Pinta con colores puros y tintas planas.
El Carnaval del Arlequín, 1924 – Joan Miró
Los Amantes,1928 – René Magritte
Unos Transportes, 1943 – Yves Tanguy
Fugitivo, 1926 - Max Ernst Mesa de pedestal en el estudio, 1922 - André Masson
Salvador Dalí • Es más escandaloso y extravagante de todo el grupo. Sus cuadros presentan figuras imposibles fruto de su imaginación. • Le caracteriza la provocación y su método "paranoico-crítico". Su primera etapa surrealista es furiosa y ácida, las formas se alargan, se descomponen o resultan de apariencia equívoca. Utilizará alusiones al sexo y la paranoia. • Su pintura resulta excepcional en sus calidades plásticas por la corrección en el dibujo y por la presencia de la luz, transparente y limpia.
La Persistencia de la Memoria
La sangre es mรกs dulce que la miel Premoniciรณn de la Guerra Civil
El รกngelus arquitectรณnico
Medios experimentales
• El movimiento surrealista fue un momento de experimentación. Además de la pintura, muchos artistas comenzaron a explorar diferentes disciplinas artísticas, como la escultura, la fotografía y el cine. Entre las figuras más destacadas que incursionaron en el cine surrealista se encuentran • Marcel Duchamp. • Fernand Leger. • Luis Buñuel. • Salvador Dalí. • Cada uno expresó su interés en llevar sus imágenes inspiradas en sueños, conceptos absurdos y mentalidades modernistas a la pantalla grande.
El Perro anda Luz Luis Buñel y Salvador Dalí.
Pop Art
Un artista es alguien que produce cosas que la gente no necesita tener pero que él, por alguna razón, piensa que sería buena idea darles. - Andy Warhol Un arte muy político, y muy consciente de la realidad de nuestra sociedad de consumo. Documentan lo que ven a su alrededor, con sus luces y sus sombras. Es, ni más ni menos, la manifestación plástica de una cultura que se caracteriza por varios factores como son el consumo vertiginoso, la tecnología, el ocio, el consumo, las modas, la democracia. Todo fabricado, empaquetado y listo para venderse.
En esta actividad se solicitรณ hacer una ediciรณn fotogrรกfica inspirada en el Pop Art.
Edad Actual
Edad Actual Arte Povera
Denominación creada por el crítico de arte italiano Germano Celant bajo la cual se integran actividades artísticas muy variadas pero que en general todas tienen en común la utilización de materiales pobres como paja, arena, piedras, ramas, hojarascas, fragmentos u objetos de metal, piezas de loza o vidrio, aunque los artistas del movimiento usaron también oro, seda, mármol o cristal de Murano. Basa su estética en las relaciones entre el objeto y su configuración, valorando especialmente dos aspectos: por un lado, los procedimientos entendidos como proceso de fabricación y manipulación del material, y por otro, los materiales.
En esta actividad se solicitó crear una pieza de Arte Povera, donde se tenía que solicitar la justificación de dicha obra. El montón
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Durante esta cuarentena he ocupado esta ropa, la cual va desde colores oscuros hasta colores claros. El acumulo representa todo lo que he estado dejando llevar en cuarentena y cada una de estas prendas se lleva algo de mi presencia, está en desorden como todo en este aislamiento, inesperado sin sentido. prácticamente he estado acumulando muchas cosas y las dejo tiradas sin esperanza de regresar a un orden, algunas veces bien otras no tanto. Los colores oscuros representan la ausencia de luz, los días difíciles y complejos, así como los colores pastel representan los días más alegres.
Arte Conceptual La única pretensión del arte es el arte mismo. El arte es la definición del arte. - Kosuth La idea es lo importante. Esa es la base del arte conceptual. Elimina toda referencia al objeto, y se centra en la idea o concepto como el aspecto más importante de la obra. Movimiento artístico, donde la ejecución es algo superficial. Lo realmente importante es la planificación y las decisiones que se toman de antemano. A veces la obra de arte conceptual es el boceto y no la obra final. Y en los años 60, eso causó una conmoción al contemplar las posibilidades de este arte para transmitir una idea política o social.
Las principales características del arte conceptual: No tiene que ser precisamente bonito. Tiene que transmitir su idea.
Ejemplos de arte conceptual
Relation in Time (1977) Marina Abramović y Ulay. Se simbolizaba esa unión hermafrodita a través de sus cabellos íntimamente entrelazados.
La fuente (1917). Marcel Duchamp
Mierda de artista (1961). Piero Manzoni.
Primera obra de arte conceptual. Quiso transmitir algo tan noble y serio como una idea, probablemente un “Fuck You” a la comunidad artística internacional.
Crítica del mercado del arte, en el que la simple firma de un artista con renombre produce incrementos irracionales en la cotización de la obra.
En esta actividad se solicitó recrear una pieza de arte conceptual. Las que faltan He decido representar esta pieza del juego de Jenga como una representación de la vida en lo personal. La torre hace referencia a que siempre ha sido la misma vida, lo único que cambian o faltan son algunas piezas, que con el paso del tiempo han ido cambiando de lugar y cada vez se vuelve más difícil el completar esta torre. Los espacios vacíos, son aquellos que quedan en nuestra vida cada que algo se va o desparece, ya que no superamos, sino que aprendemos a vivir con ello. Como todos sabemos, si alguna pieza llegar a faltar o estar en un mal lugar, la torre cae; así mismo pasa con los errores, si algo sale mal, solemos derrumbarnos y no ser lo mismos. Pero, podemos volver a empezar y aprender de ellos. Pienso que todos somos una torre de Jenga, que cada quién juega esto a su manera, ya que la vida misma es así: todos cometemos pasamos por la misma y todo alguna vez tendremos que caer y aprender a reconstruirnos otra vez, así mismo como evitar cometer los mismos errores para que esta no se vuelva a caer, pero somos humanos y solemos repetirlos. Así que sí, la vida misma para mi es un juego de Jenga, que hay que saber jugarlos y no desesperarnos para que no caigamos en caos.