Revista Enfoque

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TRUCOS PROFESIONALES LAS MEJORES FOTOGRAFIAS DE PAISAJES

ENTREVISTA CON:

DAVID LACHAPELLE

2015 LAS MEJORES TOMAS DEL AÑO SUPERTEST VIDEOCAMARAS: ASI FUNCIONAN LOS SISTEMAS AF.

TIPS PARA QUE TE VUELVAS UN MASTER EN PHOTOSHOP. 1

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EMILIO BEHAR ENTREVISTA: FINE ART LANDSCAPES

Como parte del lanzamiento de Fine Art Landscapes, galería dedicada a promover la fotografía de paisaje contemporánea, entrevistamos a uno de sus artistas, Emilio Behar, un fotógrafo de amplia trayectoria que ha retratado impresionantes paisajes. Él platicó con nosotros para que, por medio de sus propias palabras, conozcas su trabajo.

CUÉNTANOS, ¿QUÉ ESTUDIASTE Y CÓMO INICIASTE TU TRAYECTORIA PROFECIONAL? Estudié Arquitectura en la Universidad Iberoamericana, y desde antes de la Universidad ya me gustaba la fotografía como medio de expresión. A través de la foto, una persona puede expresar sentimientos ocultos y manifestar emociones, como sucede con la música, que me gusta también.

Mi trayectoria profesional como expresión del fotógrafo que llevo dentro tomó un giro muy fuerte cuando, por el crecimiento de mi propio taller, me vi en la necesidad de crecer y mostrar las imágenes en un aparador. Eso fue un gran reto para mí y me imagino que es un reto para cada artista. Una cosa es realizar obra para familiares y amigos, que de alguna manera te apoyan e invierten algo de su patrimonio en ti, y otra muy distinta es poner tu obra en un aparador y apostar por ti mismo ante gente que no te conoce.

¿CÓMO CAPTAS CADA FOTOGRAFIA? Cada imagen que muestro es el resultado de ver la escena y manifestar un cambio en ella. Nunca es la misma. Cada sujeto o escena presenta retos y metas distintas.

¿VIAJAS EN BUSCA DE IMÁGENES O YA LAS TIENES PENSADAS DESDE ANTES DE TOMARLAS? Algunas imágenes son espontáneas, surgidas en algún lugar que estemos visitando. Muchas otras las planeamos desde antes. Siempre y cuando el clima nos lo permita, podemos planear lo que vamos a obtener.

¿CUÁL ES EL RETO MÁS IMPORTANTE PARA UN FOTÓGRAFO DE PAISAJES? Creo que el más importante para un artista en general es poder salir de su cotidianidad y romper con lo que ya tiene establecido, para así seguir creciendo. Siento que permanecer en una misma línea tiende a destruir nuestro proceso creativo.

¿CUÁLES SON LAS TOMAS MÁS DIFÍCILES? ¿Tomas difíciles? Creo que no existe tal frase. Soy amante de la aventura y de salir de lo habitual. Los acantilados, el frío y el mal clima siempre acompañan al artista del paisaje. Mientras más complejo se vea el tema, más nos llama la atención.

Eso sí, debo admitir que a veces nos da ceguera de taller. Al tener cerca cosas sencillas, no vemos esa parte hermosa. Creo que ahí está lo difícil: encontrar algo interesante que mostrar donde no vemos nada. ¿EXISTE UN LUGAR QUE QUIERAS FOTOGRAFIAR, PERO QUE TODAVÍA NO HAYAS TENIDO OPORTUNIDAD DE HACERLO? Hemos estado planeando un viaje a Inglaterra y por alguna razón se aplaza. También creo que las zonas de los extremos norte y sur del planeta son las que ofrecen más paisajes espectaculares.

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Háblanos un poco de tus proyectos.

A corto plazo, los proyectos que tengo se relacionan con lugares a visitar. Conozco las regiones del Golfo de México y el Pacifico, y me gustan mucho. Voy a tratar de visitar más la zona norte de México para conocer más y tomar algunas imágenes.

Dentro de los proyectos a largo plazo está crear una serie de galerías para así mostrar las imágenes ante más personas.

¿Dónde podemos ver tus obras?

Tenemos una página,www.fineart-landscapes.com.

La pueden visitar para ver la mayoría de las imágenes que tenemos listas. Además, tenemos una galería en Centro Comercial Paseo Interlomas y otra en Centro Comercial Parque Interlomas.

¿En quién piensas cuando tomas una fotografía?

Mmm… ¿en quién? En nadie en especial. Muchas veces, cuando has obtenido una imagen especial, la comentas con tu grupo de fotógrafos, para compartir un poco de background sobre el trabajo .

¿Qué consejo le darías a los fotógrafos que van comenzando en el área de paisaje?

La formación de un fotógrafo de paisaje muchas veces va ligada a su capacidad intelectual y al equipo que tiene. La capacidad de cada fotógrafo varía con base en su habilidad para la composición artística y a su imaginación. Me limitaría a sugerirle a las personas que se interesen en este tema que estudien mucho acerca del equipo que deseen adquirir. Es es muy costoso y, si se equivocan al hacer la compra, puede limitar mucho su capacidad.

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HELENA ALMEIDA “Mi obra es mi cuerpo, mi cuerpo es mi obra. Mi mundo es mi cuerpo dentro de mi estudio, mi cuerpo y mi estudio son mis objetos de trabajo.”

Tales palabras han sido expresadas innumerables veces por la artista portuguesa Helena Almeida, quien se distingue por sus usos multidisciplinarios con la fotografía, el performance, el body art, la pintura y el dibujo.

Almeida nació en Lisboa en un ambiente artístico ya que Leopoldo de Almeida, su padre, era escultor. Motivada por el trabajo de éste, cursó la licenciatura en Bellas Artes en dicha ciudad, donde trabajaría como modelo y ayudante para varios artistas. Más tarde, se casaría con el arquitecto y también escultor Artur Rosa, quien también influiría en su trabajo y con el que tendría una hija que también realiza notables obras, Joana Rosa.

El trabajo de esta artista está basado en el empleo de la fotografía, en blanco y negro principalmente, teniendo como objeto de sus tomas a sí misma, en lo que podría considerarse como autorretratos. Sin embargo, niega que se trate en sentido estricto de autorretratos y que incluso sea fotógrafa. Esto debido a que las fotografías que realiza las planifica previamente mediante bocetos, y porque quién pulsa el disparador de la cámara es su esposo, además de que las fotografías sufren siempre una manipulación posterior, al pintarlas y añadirles objetos tridimensionales o al acompañarlas de grabaciones sonoras o de vídeo.

Lo interesante es que tales cuestiones han derivado en obras que fungen como

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ejercicios críticos sobre la representación en el arte y la estructura lógica de ciertos preceptos que han regido la manera de percibirlo.

Es a finales de los años sesenta cuando Almeida empezó a desarrollar su propio estilo, sirviéndose de movimientos de gran auge en ese tiempo, tales como el body art y el performance. Al realizar por ese entonces pinturas tridimensionales, obtuvo lainquietud de reflexionar sobre la auto-representación y la exploración del espacio. En 1969, encontraría en la fotografía un medio en el cual podría converger, de forma provocativa, la pintura, el dibujo y diferentes manifestaciones del arte corporal, con el fin de estudiar su propio cuerpo en tanto obra de arte.

Podemos decir que nada en ella es casual o improvisado. Su afán por romper los límites del arte, y lo que puede hacer el artista en torno a él, ha dejado un fuerte legado. Al igual que sus ideas sobre la soledad, la ruptura, la incomunicabilidad y la sensibilidad, tópicos que encontramos una y otra vez en sus obras. Ciertamente lo suyo no es regirse por tendencias ni grupos de élites sino brindar a sus espectadores un saber poético que los posibilite querer examinarse a sí mismos en sus múltiples modos de ser con el mundo.

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https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&ved=0ahUKEwjeo7Gb2YnMAhUDlYMKHZLd dFG5rKl7GH6pFFfSWjkJYfA&ust=1460571016868527 MADRID DE NOCHEw

ENFOQUE UNA PARTE IMPORTANTE EN LA

FOTOGRAFIA

Hablando en términos de óptica podemos decir que enfocar es hacer coincidir los rayos de luz que inciden en la cámara en un punto llamado foco, que a su vez coincidirá con el sensor de la cámara.

Prácticamente hablando podemos decir que enfocar es dejar nítido aquello que está a una distancia concreta. Así, si enfocamos a alguien en realidad quedará enfocada esa persona y todo lo que se encuentre a la misma distancia de la cámara que ésta. Este concepto es importante. Cuando enfocamos estamos enfocando una distancia. Así, si enfocamos a una distancia y el sujeto se mueve antes de disparar, debemos re-enfocar porque la distancia del sujeto habrá variado.

Hay otros conceptos que influyen en la nitidez de los objetos en una escena, como la profundidad de campo o la distancia hiperfocal, que veremos en temas posteriores.

Podemos utilizar el enfoque manual y enfocar nosotros mismos utilizando el dial del objetivo, aunque generalmente es mucho más cómodo y rápido dejar que la cámara enfoque por nosotros. La mayoría de las veces será más precisa que nuestros “imperfectos” ojos (que nadie se sienta ofendido).

Las cámaras antiguas sólo permitían autoenfocar en el centro de la escena. Sin embargo las cámaras DSLR actuales disponen de varios puntos donde pueden enfocar. Esto facilita enfocar cuando nuestro sujeto no está centrado en la imagen, como en la siguiente imagen. [endif] Podemos ajustar la cámara para que ésta elija por nosotros el punto de enfoque o elegirlo nosotros mismos. Éste es el método más preciso, si bien en aquellas fotografías donde haya mucho movimiento (por ejemplo deportes) puede resultarnos especialmente difícil pararnos a elegir el punto de enfoque. En ese caso es más recomendable dejar que la cámara elija por nosotros donde enfocar, que generalmente es el objeto más cercano que coincida con uno de los puntos de enfoque. Sin embargo, en aquellos casos donde podamos pararnos un segundo a elegir el punto de enfoque es más que recomendable hacerlo. En la siguiente imagen vemos cómo en modo totalmente automático la cámara enfoca la mano de Mario porque es lo que más cerca tiene. Sin embargo, en mi opinión, el interés está en el ojo, que es el que transmite. Aquí debería haber elegido manualmente el punto de enfoque y enfocar en el ojo.

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¿Qué debemos enfocar? Pues eso depende de la creatividad de cada uno y de la intención del fotógrafo. Si bien, generalmente se enfoca el objeto que queremos destacar sobre el resto. También dependerá mucho del tipo de fotografía. En retratos se suele enfocar en los ojos, en paisajes se debe enfo-car la distancia hiperfocal para conseguir la máxima nitidez, etc…

En el siguiente ejemplo ajusté el punto de enfoque en el ojo. Si hubiera dejado a la cámara elegir el punto de enfoque probable mente habría enfocado las manos, Métodos de enfoque Teniendo en cuenta que a menudo los objetos se mueven, las cámaras DSLR actuales tienen eso en cuenta y nos permiten varios métodos de enfoque que podemos configu-rar. Si no sabías esto probablemente ahora mismo estés pensando en leer el manual de tu cámara, y si no deberías hacerlo.

• Aufo-focus simple: Consiste en que al apretar el botón de disparo levemente el enfoque queda bloqueado hasta que disparas. La cámara sólo enfoca una vez. Este método se utiliza para fotografías estáticas e instantáneas.

• Auto-focus AI Foco: Consiste en que al apretar el botón de disparo levemente el sujeto queda enfocado y si éste se mueve de repente la cámara re-enfoca. Este modo se utiliza para motivos que se muevan de forma impredecible, como niños, animales, etc…

• Auto-focus AI Servo: Consiste en que mientras se apriete el botón de disparo la cámara enfoca continuamente. Es un método muy útil cuando el sujeto se mueve constantemente, como deportes.

Distancia mínima de enfoque Cada objetivo tiene una distancia mínima entre el objetivo y el sujeto, por debajo de la cual no es capaz de enfocar.

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Cada objetivo tiene una distancia mínima entre el objetivo y el sujeto, por debajo de la cual no es capaz de enfocar.

Los zooms de largo alcance (p.ej. 70-300) tienen una distancia mínima mayor que los objetivos de menor alcance (p.ej. 28-80).

La distancia mínima puede reducirse para fotografías de cerca con lentes de acercamiento. Los objetivos específicos para fotografía macro tienen distancias mínimas de enfoque muy bajas.

Consideraciones útiles en el enfoque • Para enfocar con autofocus, elegir el método de enfoque (puntual manual o automático) y pulsar a la mitad el disparador. Una vez pulsado a la mitad podemos recomponer la escena, pero cuidado porque al pulsar el botón a la mitad también habremos medido la luz, y si ésta cambia al recomponer la escena podemos variar considerablemente la exposición.

• Ojo con enfocar y luego cambiar distancia focal (zoom) porque al cambiar la distancia focal se pierde el enfoque ligeramente.

Enfocar debe ser el último ajuste que hagamos antes de disparar.

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enfocada la distancia y aseguramos no perder la foto. Como veis su uso es muy específico, pero en muchas ocasiones resulta muy útil.

Sólo hay que tener en cuenta que no se debe variar la posición de la cámara al sujeto una vez enfocado.

• En casos de poca luz la cámara no puede enfocar correctamente. Para ello la mayoría de las cámaras disponen de un sistema de ayuda al enfoque, bien con infrarrojos o bien con flash. Al ayudar con el flash para el enfoque tendremos en cuenta que el flash también saldrá en la foto y eso puede variar cómo queremos sacar la foto.

En casos de intentar enfocar zonas sin textura la cámara podría no conseguir enfocar, ya que el sistema de enfoque utiliza contrastes en bordes. Por ello se recomienda hacer coincidir el punto de enfoque con zonas contrastadas o texturadas (las pestañas, la barba, una doblez de ropa, un marco de una ventana, etc). Evitaremos las zonas planas sin textura ni contraste. En la siguiente foto enfoqué en el insecto porque éste tenía mucha textura y era al fin y al cabo el sujeto de la foto.

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FOTOGRAFÍAS DE COMIDAS MEM

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MORABLES EN LA LITERATURA. La comida y la literatura han tenido una larga relación. Tal vez porque son dos cosas de las que nunca podremos prescindir. Ambas poseen el poder de deleitarnos y proveernos de distintas sensaciones que nos acompañan en situaciones importantes de nuestra vida diaria.

En muchas obras literarias hay referencias sobre comida, las cuales han servido para conocer recetas de distintas épocas y lugares, ser motor de momentos y actos específicos o bien para representar alguna afección humana.

Al respecto vienen ahora a la mente tres ejemplos cumbre de la literatura, en los que la comida tiene un papel central: El principio de El Quijote de Miguel de Cervantes Saavedra —“Una olla de algo más vaca que carnero, salpicón las más noches, duelos y quebrantos los sábados, lentejas los viernes, algún palomino de añadidura los domingos, consumían tres partes de su hacienda”—.

El famoso episodio de la magdalena de En busca del tiempo perdido de Marcel Proust, en donde se desata una intensa cadena de recuerdos cuando el narrador prueba el sabor de un panecillo mezclado con té; y cuando en Fahrenheit 451 de Ray Bradbury se hace alusión al acto de leer como una suerte de degustación —“Me los comía como si fueran ensalada, los libros eran para mí el sándwich del almuerzo, la merienda, la cena y el bocado de medianoche…”—.

Un proyecto que quiso plasmar visualmente la importancia de las referencias sobre comida en la literatura es el libro Fictitious Dishes: An Album of Literature’s Most Memorable Meals de la diseñadora estadounidense Dinah Fried, en el que presen ta cincuenta fotografías de comidas mencionadas en varias obras clásicas de la literatura.

Además de haber preparado cada una de las comidas fotografiadas, Fried las presenta con el pasaje en el que aparece su descripción o receta junto con datos sobre el autor y su obra.

Su principal motivación era lograr que la gente que viera sus fotografías se pusiese en el lugar de los personajes que consumen estas comidas. Pues como bien reconoce Fried, leer y comer son dos compañeros naturales que tienen mucho en común.

Y así como las grandes novelas pueden transportarte a otro tiempo y espacio, los alimentos –ya seawn buenos o malos– pueden evocar escenas muy lejos de tu mesa y de tu cocina.

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GALERÍA L en zona maco Tras el éxito que ha tenido la feria de arte Zona Maco este año se celebrará del 24 al 27 de septiembre la primera edición de Zona Maco Foto, evento con el mismo perfil de promoción artística, pero creado para cubrir de forma especial fotografía antigua, moderna y contemporánea, de México y de otros países.

Dentro de las propuestas mexicanas que encontraremos ahí, está Galería L, un espacio que pese a su corta trayectoria se ha destacado por su integración de trabajos de artistas consolidados con los de artistas emergentes. Para ZONA MACO FOTO, ha organizado presentar obras de tres fotógrafos con estilos disímiles: el francés Joseph La Mela y los mexicanos Mariana García y Oso Parado; los dos primeros, jóvenes talentos que han desplegado su trayectoria mayormente en su país de origen, y el tercero, artista ya consolidado tanto en México como en otras partes del mundo.

Sobre La Mela podemos decir que se caracteriza por su uso recurrente de películas blanco y negro y su manejo de colores, tonos y temáticas contemporáneas con los que crea imágenes que suscitan diversas interpretaciones sobre la realidad y el tiempo.

Ciertamente, el cuerpo y el desnudo tienen un papel importante en sus obras, tanto por las cargas eróticas que imprime en ellas como por las reivindicaciones que logra hacer del cuerpo.

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ZONA

2016

A MACO

Conocida principalmente por sus trabajos editoriales vinculados a la moda, Mariana García se distingue por mostrar una gran calidez en el manejo de la luz, gracias a su experimentación con texturas y con luces naturales, tenues y poco saturadas. Sus obras remiten a lo misterioso y lo sublime; en ellas suelen aparecer cuerpos desnudos en escenarios poco comunes que invitan al espectador a reflexionar sobre el goce y la intimidad femeninos.

El juego de apropiación y reinvención de distintos referentes culturales es una de las cosas que define el trabajo de Oso Parado. Este fotógrafo hace suyas imágenes tras intervenirlas e imprimirlas en formatos poco convencionales. Así que no sólo presenta fotografías impresas, sino que las convierte en objetos de arte utilizando todo tipo de materiales y soportes. De esta manera, busca generar elementos que lleven a la crítica y al cuestionamiento del medio artístico y su autoría.

Hay que añadir, finalmente, que además de estos fotógrafos Galería L presentará en su espacio algunos proyectos editoriales del artista Alejandro Cartagena, quien nació en República Dominicana pero vive y trabaja desde hace muchos años en México. Su trabajo destaca por centrarse en la exploración del paisaje y el retrato como herramientas de observación de las construcciones culturales, sociales y políticas que conforman las sociedades latinoamericanas

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NACHO LÓPEZ

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PRIMER FOTO ENSAYISTA MEXICANO,

LLEGA A BELLAS ARTES.

Apenas entrado el siglo XX en México trajo consigo un gran cambio para el país. Explotó la Revolución y todo aquello establecido durante el final del siglo anterior se tambaleó hasta caer. Se necesitó de tiempo para poder darle calma a todo el territorio nacional y para la segunda mitad de esta centuria las aguas se veían más calmadas. La política se estableció en un partido y la modernización mexicana era ya un hecho. Los personajes políticos querían mostrar sin descanso y sin falta que su trabajo estaba rindiendo frutos, por lo que los periodistas y fotógrafos gozaban de una rica dieta monetaria basada en chayote. Hubo, por otra parte, alguien que prefirió mostrar la vida cotidiana de la región más transparente: Ignacio López Bocanegra.

Nacho López, como le gustaba ser conocido, tomó el rumbo contrario al que todos los fotógrafos de su época. Durante los años cincuenta se dedicó a buscar la vida del México que Carlos Fuentes o José Emilio Pacheco hablaron en sus libros, el México de lo aparentemente significante, fuera de los círculos de poderosos políticos, banqueros, empresarios y estrellas de televisión. Creó toda una narrativa, que denominó “fotoensayo”, en donde retrató el México de los mexicanos y no de las celebridades. Tal como escribe John Mraz, fotoperiodista californiano, en su libro Nacho López y el Fotoperiodismo Mexicano de los Años Cincuenta: “se interesó en comunicar la condición de los humildes como sujetos en el mundo, en lugar de retratarlos sólo como objetos”.

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Pionero del fotoensayo y el happening en México La manera discursiva de presentar las imágenes era un trabajo de artistas en los 50’s, y en nuestro país la fotografía era solo vista como un recurso documental propio del diarismo. Las imágenes solo estaban ahí para decir que algo pasó, pero no cómo es que pasó.

Nacho buscaba por la calle tomar fotos de transeúntes en sus actividades diarias, aparentemente irrelevantes, y después las conjuntaba en una serie para buscar crear un discurso alrededor de un tema.

Muchas de sus series encerraban una amplia crítica social, pero también jugaban con el costumbrismo mexicano y la vida cotidiana. Ejemplo de esto es la La Calle Lee, serie que fue armada tras su muerte con fotos archivadas que tenía sin publicar.

Asimismo, Nacho controlaba de alguna forma sus series fotográficas. Para muchas de ellas contrataba actores para fungir como un vehículo conductor entre el entorno y la escena que vislumbraba.

Una de sus fotos más famosas, Cuando una mujer guapa parte plaza en Madero, fue realizada de esta forma. El fotógrafo contrató a una actriz para caminar por la calle frente a la gente para generar la reacción de los hombres que se encontraban ahí. Otro ejemplo es la serie La Venus se va de juerga para la que compró un maniquí y lo fue paseando por la ciudad en cantinas, calles, e incluso pidió a algunas personas que la cargaran.

Fotógrafo de México Ignacio López Bocanegra, Nacho para sus amigos, dedicó su vida a mostrar el México de verdad y, aunque suene a cliché, en su tiempo fue una proeza salir del molde de aquel fotoperiodismo. Su tiempo en publicaciones no fue largo. Trabajó entre 1949 y 1955 en Pulso, Mañana, Hoy, Rotofoto, Presente y Siempre!, para encontrarse que sus fotografías y fotoensayos incomodaban a los dueños de las revistas, por lo que continuó su carrera de manera independiente hasta el día de su muerte.

Siempre se enfocó al periodismo “duro2 en los entornos políticos y sociales. Sin embargo, su trabajo no tenía los tintes politiqueros de los periódicos oficialistas o de oposición. Su obra, además de ser un gran recurso documental de la época, apostó por la estética y una narrativa en imagen. Las imágenes que realizaba, además de presentar el hecho, tenían que cumplir con todos los requerimientos técnicos, estilísticos y estéticos para ver la luz.

A treinta años de su muerte, el Palacio de Bellas Artes montará una exposición que cubrirá gran parte del museo, en donde se mostrará una retrospectiva a su trabajo dentro del diarismo y fuera del él. Se mostrarán más de 300 fotos que forman parte del acervo oficial del fotógrafo. La exposición inaugura el 14 de abril, abrirá al público el 15 de abril y estará disponible hasta el 17 de junio de este año. Una muestra necesaria para comprender a la Ciudad de México y a los chilangos, esos que respiran, viven y mueren, en la región más transparente del aire.

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FOTÓGRAFAS con MUSAS FEMENINAS

En el arte es muy común ver el cuerpo estilizado de la mujer como musa de cualquier artista visual, pero en específico, la fotografía se ha saturado de todas estas musas y sus rostros bellos, a partir de la mirada de los hombres.

Durante los años 80´s un movimiento feminista defendía a la mujer ante una discriminación artística en el cual hacían referencia a que “menos del 5% de los artistas en las secciones de Arte Moderno son mujeres, pero un 85% de los desnudos son femeninos”. Actualmente las mujeres dedicadas a las artes, han decidido salir a mostrar desde su punto de vista y sus experiencias personales: cómo ve una mujer a otra mujer. El resultado es una belleza mayor a la estética que los hombre buscan, aprovechando su actual desnudes sumada a su talento en las artes.

Estas son seis fotógrafas que retratan a la mujer, desnuda o con ropa, pero desde el punto de vista femenino.

Evelyn Bencicova: Bencicova tiene 23 años de edad y aún es estudiante de fotografía y artes finas en la Universidad de Artes Aplicadas en Vienna, Italia. Con fotografías descritas como ficción basada en la realidad, Evelyn se ha caracterizado por tratar de encontrar un punto entre lo comercial y lo artístico, logrando en sus fotografías una combinación entre el interés estético o visual y el lado conceptual o el mensaje de las mismas. Su obra suele estar basada en personajes ficticios o reales principalmente femeninos.

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Olivia Locher: Fotógrafa estadounidense, que de manera sarcástica y colorida, aprovecha las fotografías de estudio para transmitir su pensamiento ante la vida, siendo el personaje femenino en diversas situaciones, uno de los principales atractivos de su obra.

Aneta Ivanova: Fascinada de un inicio por la pintura y el dibujo, esta fotógrafa búlgara ha probado diversas técnicas de fotografía a lo largo de su vida artística. La doble exposición es una de las técnicas una que sobresale en sus últimas series fotográficas. Para Aneta es muy importante mantener su arte lo más personal posible y lo ha logrado gracias a la ayuda de su hermana, quien a sido su modelo durante mucho tiempo debido a que ella es la única que puede representar los que Aneta quiere transmitir, según creencias de la misma fotógrafa.

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Hellen Van Meene: Fotógrafa neerlandesa, representada por galerías en Nueva York y Tokio, es conocida por sus retratos cuadrados y en tonos pastel. Suele capturar mujeres en plena adolescencia. Sus fotografías la han llevado a exponer en museos como el MoMa de Nueva York.

Actualmente podemos observar su evolución fotográfica mediante la añadidura de naturaleza muerta y animales, a sus últimas series.

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Isabelle Chapuis: Entre la moda y el arte, esta fotógrafa de origen francés, ha encontrado el espacio perfecto para desarrollarse. Basada en la luz y las texturas, Isabelle logra crear una apariencia frágil, femenina y estética a su vez, utilizando la piel de sus modelos como factor principal.

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