kinesis
Noviembre 2012
ÂżRacismo en los Ă“scars? David Lynch y su mundo bizarro Lo mejor de la saga Kill Bill Hollywood, imperio de cine comercial Festivales de cine, gran beneficio
Top 10: nueva ola de cine mexicano
Nuevo auge del cine hecho en MĂŠxico
kinesis Editora General María Dolores Cruz maria.dct@hotmail.com Jefe de Redacción María Dolores Cruz maria.dct@hotmail.com Diseño María Dolores Cruz maria.dct@hotmail.com Editora de Fotografía María Dolores Cruz maria.dct@hotmail.com
kinesis es una producción para la clase de Periodismo Especializado del Tecnológico de Monterrey, Campus Monterrey. Revista mensual, noviembre de 2012. TODOS LOS DERECHOS RESERVADOS © PROHIBIDA SU REPRODUCCIÓN PARCIAL O TOTAL INCLUYENDO CUALQUIER MEDIO ELECTRÓNICO O MAGNÉTICO PARA FINES COMERCIALES.
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Qué Ver en el Cine
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Cinéfilos Arte con la Cámara ¿Qué se entiende por Cine Alternativo?
Clásicos Contemporáneos La Maravillosa Mezcla Cinematográfica de la Saga Kill Bill 18 El Bizarro Mundo de David Lynch 14
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Próximos Estrenos Las tres secuelas de Avatar En Portada Top 10 de la nueva ola de Cine Mexicano Dicen los Expertos La Verdadera Función de los Festivales de Cine ¿Qué tanto implica el Proceso Fílmico?
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Cuenta tu Experiencia Harry Potter en la vida de alguien común y corriente
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Opinión ¿Racismo en los Academy Awards? ¿Hollywood o el cine de nuestras tierras?
I-Machinarius por Marcela Armas
Es una maquinaria industrial sobre muro, que conforma el mapa de México invertido. Esta maquinaria está en movimiento constante y tiene un sistema de lubricación continua a base de petróleo.
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Ed Car ito ta ria l
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El cine como un
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lenguaje universal
a historia del cine comenzó el 28 de diciembre de 1895 cuando los hermanos Lumière proyectaron públicamente la salida de obreros de una fábrica francesa en Lyon, la demolición de un muro, la llegada de un tren y un barco saliendo del puerto. Ese momento definió una nueva manera de narrar historias y acontecimientos, hasta que eventualmente llegó a ser denominado como un arte, el séptimo arte. Así, el cine ha evolucionado tan considerablemente desde sus inicios, abarcando una gran cantidad de películas y adoptando un amplio nivel de libertad de creación, al punto que hoy en día resulta muy difícil definirlo conceptualmente. Además, el cine ha logrado ser acogido por todas las personas de este planeta, porque es un lenguaje universal identificable con cualquiera. Es por ello que el cine no puede ser considerado un arte y nada más. La producción de una
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película implica un proceso creativo complejo que no todos logramos valorar cuando vamos al cine. El trabajo que conlleva una producción de tal magnitud va más allá de si los actores son atractivos o la historia es de nuestro agrado. Por otro lado, existen industrias de cine que han empezado a monopolizar, de alguna manera, nuestra concepción sobre el cine de calidad. Es muy lamentable que en nuestra Latinoamérica la mayor parte de la población prefiera el cine hollywoodense al cine de nuestra propia tierra. Si no apoyamos nuestro cine, ¿quién lo hará? Esta primera edición de kinesis tiene la intención de abrir la mente de los latinos para apreciar las nuevas tendencias que están empezando a surgir en el cine latinoamericano. Además, se busca crear una especie de agenda sobre lo que es importante conocer sobre el cine, aspectos más técnicos de producción, y qué vale la pena ver y conocer del cine contemporáneo.
Qu el é ve Cin r e e n
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Próximamente The Hobbit: An Unexpected Journey Primera entrega de la adaptación de la novela de J.R.R. Tolkien “El Hobbit”, precuela de “El Señor de los Anillos”, narra la aventura del viaje de Bilbo Bolsón, que se embarca en la recuperación del tesoro y del reino enano de Erebor arrebatados por el terrible dragón Smaug.
El Hobbit: Un Viaje Inesperado (Estados Unidos; 2012)
Director: Peter Jackson Guión: Peter Jackson, Fran Walsh, Philippa Boyens, Guillermo del Toro Reparto: Martin Freeman, Ian McKellen, Richard Armitage
Estreno: 14 diciembre 2012
Amour Georges y Anne, los ochenta cumplidos, son dos profesores de música clásica jubilados con una gran cultura. Un día, Anne sufre un infarto. Al volver del hospital, un lado de su cuerpo está paralizado. El amor que ha unido a la pareja durante tantos años se verá puesto a prueba.
Amor (Francia, Alemania, Austria; 2012)
Director: Michael Haneke Guión: Michael Haneke Reparto: Jean-Louis Trintignant, Emmanuelle Riva, Isabelle Huppert
Estreno: 21 diciembre 2012
Les Misérables Adaptación musical de la novela de Victor Hugo, que narra la vida del ex convicto Jean Valjean, perseguido por el despiadado policía Javert después de saltarse la condicional. Cuando Valjean accede a cuidar a Cosette, la joven hija de Fantine, sus vidas cambiarán para siempre.
Los Miserables (Estados Unidos; 2012) 8
Director: Tom Hooper Guión: William Nicholson Reparto: Hugh Jackman, Russell Crowe, Anne Hathaway, Amanda Seyfried
Estreno: 28 diciembre 2012
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Qué ver en el Cine
En cartelera Después de Lucía Desde que Roberto enviudó ha descuidado a su hija Alejandra de quince años. Sumido en su depresión decide mudarse a la ciudad de México. En la nueva escuela, la chica tolerará en silencio abusos emocionales y humillaciones de todo tipo con tal de no llevar problemas a casa. Padre e hija se separan cada vez más, la violencia está presente en todos los aspectos de sus vida. Director: Michel Franco Reparto: Paloma Cervantes, Gonzalo Vega Sisto, Tamara Yazbek Bernal
Después de Lucía (México, 2012))
The Perks of Being a Wallflower Una divertida y conmovedora aventura basada en la novela bestseller de Stephen Chbosky que ha vendido más de un millón de copias en EU. Es un clásico moderno que capta los vetiginosos altibajos del tormento de crecer. Una historia de pérdida, amor, miedo y esperanza– y los amigos inolvidables que nos ayudan en la vida. Director: Stephen Chbosky Reparto: Emma Watson, Logan Lerman, Mae Whitman, Ezra Miller
Las Ventajas de Ser Invisible (Estados Unidos, 2012))
El Sueño de Lú Tras un intento de suicidio, Lucía resignificará su vida para seguir adelante. Al enfrentar la pérdida de su hijo encontrará nuevos vínculos y pequeños milagros; un encuentro y un viaje inesperado abrirán espacio para comprender que puede permanecer en la vida y descubrirá que la eternidad se contiene en un instante. Director: Hari Sama Reparto: María Deschamps, Emilio Echevarría, Úrsula Pruneda, Gerardo Trejoluna
El Sueño de Lú (México, 2011)) 9
Cin éfi los
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Arte con la
¿Qué tan importante es la cinematografía para los filmes?
cámara
Por María Dolores Cruz
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la hora de juzgar una película no muchas personas toman en cuenta la cinematografía. Se analiza la trama, las actuaciones, la dirección y hasta el vestuario y musicalización, pero se deja de lado la grabación en sí y la calidad de las tomas y movimientos de cámara. Sin embargo, el uso de las tomas adecuadas es parte esencial en el proceso fílmico, un pequeño error en cinematografía puede destruir toda una película. Aún así, muchos dan por sentado las buenas tomas, ignorando el hecho de que no siempre es fácil filmarlas. La importancia de la cinematografía surgió casi a la misma vez que el cine en sí. Desde la era de películas mudas se requería un buen manejo de cámaras, especialmente porque no había otro sonido aparte de la música de fondo ni diálogos. En ese entonces se dependía de las luces, del set, de las actuaciones y, por supuesto, de la cinematografía. Con el paso del tiempo y la llegada de la luz artificial y rollos de película fotográfica cada vez más rápidos y sensibles a la luz, además de los avances tecnológicos en óptica y
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nuevas técnicas de fotografía en color y pantalla ancha, se requirió de un especialista que se encargara específicamente de la cinemato-
grafía en las filmaciones. Antes de esto era el director el que se encargaba de operar la cámara.
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En 1919, en Hollywood, la capital mundial del cine, se creó una de las primeras y todavía existentes asociaciones: La Sociedad Americana de Cinematógrafos (ASC). Esta sociedad se encarga de reconocer la contribución de los cinematógrafos al arte y ciencia que es la creación de cine. A partir de esta, otras asociaciones similares se han ido estableciendo en otros países. La ASC define cinematografía como el proceso creativo e interpretativo que culmina en la autoría de un trabajo de arte original en lugar de la simple grabación de un evento físico. Los aspectos que contribuyen en el arte de la cinematografía y deben
Cinéfilos
tomarse en cuenta son: los rollos de película o los sensores de imagen, en el siglo XX se utilizaban rollos, actualmente con el cine digital se utilizan sensores de imagen de alta definición; filtros, ya sean para difuminar las tomas o agregarles efectos de color, son utilizados para realzar el drama o humor de las tomas; lentes, se pueden adherir a las cámaras para crear ciertas profundidades, feelings, apariencias o efectos de color y enfoque; el ancho y altura de las tomas y su encuadre, diferentes tamaños de pantalla crean diferentes efectos estéticos; luz, ayuda a contar las historias y la respuesta emocional de la audiencia, después de todo la luz es lo que
diferencia a una película erótica de la porno; y movimiento de cámara, es vital para el lenguaje emocional de la película porque es el punto de vista y perspectiva de la audiencia, por eso se han montado cámara en casi cualquier medio de trasportación imaginable. En los últimos años, las películas que han sido premiadas en los Oscars en esta categoría han sido Hugo (2012), Inception (2011), Avatar (2010), y Slumdog Millionaire (2009). Si no has visto estas películas velas, y si ya las viste vuelve a verlas para que aprendas y puedas apreciar el arte de la cinematografía.
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Cinéfilos
¿Qué se entiende por
cine alternativo?
Demasiadas personas desconocen la amplitud de este término. Por María Dolores Cruz
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unque se utiliza mucho el término cine alternativo, realmente muy poca personas saben exactamente a qué se refiere y todos los elementos que implica. Para empezar, no hay que confundirlo con cine independiente, el cual supone el esfuerzo constante de desligarse de las grandes industrias de cine. El cine alternativo es un concepto muy amplio y difícil de definir porque no hace alusión a ningún tipo de cine o género en específico. Es un concepto, más bien, para un tipo de cine que no es de masas, que no se encuentra en las salas de cine y que, por tanto, se considera una alternativa al cine comercial que es creado con el fin de obtener ganancias y tener éxito en las taquillas. Así, este tipo de cine pone más énfasis en los aspectos artísticos y técnicos del cine. Es por ello que comprende una gama muy amplia de tipos de clasificaciones de cine desde el neorrealismo italiano, el cinéma verité francés, el free cinema inglés, el dogma 95 danés, el cine novo brasileño y el “nuevo cine” latinoamericano. Otras clasificaciones encontradas dentro de este término son el cine extranjero ya que es un tipo de cine que no se enmarca ni en el tiempo ni en el espacio, y hasta el cine independiente precisamente
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porque representa un divorcio entre los realizadores y las grandes productoras. A continuación se detallarán más detenidamente cada uno de estos rasgos que componen al cine alternativo. El neorrealismo italiano surgió en la década de 1940 y entre las cualidades que lo definieron está el empleo de actores no profesionales, el naturalismo a la hora de plasmar la trama, el uso de localizaciones reales y el rechazo de lo pintoresco y estereotipado en los personajes. Todo esto tenía el propósito de conmover y estimular la reflexión socio-política. De algún modo se asemejaban mucho a lo que hoy conocemos como los documentales. Inmediatamente después del neorrealismo italiano surgió un nuevo movimiento en Francia, denominado cinéma verité, o cine realidad. Este estilo comenzó como una reacción europea hacia el sistema clásico de hacer películas, ya que incorpora el realismo subjetivo en lugar del realismo objetivo de las narraciones clásicas, lo que aumenta la riqueza de la expresividad autoral. Así, se tiende a presentar personajes y situaciones de la vida real donde las cosas que pasan no siempre tienen un mensaje o propósito claro; en cambio, se presenta un mensaje difuso, vago y hasta misterioso.
En Gran Bretaña, el free cinema se encuadra dentro de una estética contestataria, insatisfecha con la sociedad en que vive y crítica de su sociedad puritana y clasista. Este cine plantea las inadaptaciones sociales que ocasionan la vida en las grandes ciudades industriales y la soledad del hombre contemporáneo en ellas. Su espíritu social es el de reacción contra las estructuras industriales imperantes y su contenido transmite un mensaje basado en la lucha contra el establishment inglés que imperaba en la sociedad de ese mundo. En el año 1995 nace en Dinamarca un nuevo movimiento que privilegia la producción de películas simples, sin modificaciones en la post producción y poniendo énfasis en el desarrollo dramático. Los directores de estilo de cine se comprometían a tratar sus películas respetando una serie de normas estrictas y sus filmes se caracterizaban por lucir un certificado que otorgaba autenticidad al proyecto; hasta se necesitaba un número de matrícula. A principios de los sesenta surgió en Brasil una generación de jóvenes realizadores que intentó combatir la situación de pobreza intelectual en que se veía inmerso el cine de su país. En su rasgo más esencial, la intencionalidad reivindicativa y crítica, con un claro compromiso de
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Cinéfilos
El Tambor de Hojalata (1979) de Volker Schlöndorff es una excelente representación del cine alternativo que cuenta la historia de un niño que, durante la turbulencia del nazismo, sufre un accidente que le impide crecer.
izquierda, ha quedado siempre manifiesta en el cine novo. En sí, este cine surge ante la opresión en que sentía Brasil, ante el hambre, la sequedad de la tierra castigada por un sol implacable, la dominación colonial de los monopolios norteamericanos y el caciquismo latifundista. Por ello, todo esto se ve en las pantallas del cine novo. El cine latinoamericano permanece durante gran parte sólo como la expresión aislada de cinematografías nacionales. Sin embargo, de un tiempo para acá se ha logrado encontrar un nuevo significado para el cine y ahora se destaca la importancia de utilizar al cine como instrumento didáctico, político, social, histórico, es decir, un vehículo de denuncia de las desigualdades económicas, del atraso social y de la opresión política que sufren varios países del con-
tinente gobernados por dictaduras militares. Una de las características del llamado nuevo cine latinoamericano es el carácter personal de las películas. Este cine se basa principalmente en proyectos personales, ya sea de un director o autor que lo utiliza como un medio de comunicación de sus ideas, sus emociones, su estética particular y su intención de reflejar en los filmes la identidad de su país. Otro de los rasgos destacables del cine alternativo es el cine extranjero, entendido como aquel producido fuera de los Estados Unidos, y más particularmente, fuera de la máquina industrial que es Hollywood. Este término en ocasiones se mezcla con el cine independiente, el cual consiste en las producciones que no cuentan con el respaldo de las grandes productoras cinematográficas, y por
tanto no tienen grandes presupuestos para su financiamiento. Estos filmes, debido a que se financian con capitales propios o de inversionistas pequeños, normalmente cuentan con equipos de producción, filmación y post-producción desconocidos. Los géneros descritos anteriormente representan sólo los momentos más importantes que han aportado al cine alternativo en algunos países. Sin embargo, este término abarca cualquier cine que empiece a ser considerado más allá de pura mercancía por los cineastas, artistas y críticos. Además, es un cine conocido por un público culto, que germina la idea de producir y difundir cine auténtico que plantea la importancia de expresar ideas, igual que en la literatura, la pintura, la arquitectura o la música.
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Co nt Clá em s i po cos rá ne os
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La maravillosa mezcla
cinematográfica
La obra maestra de Tarantino se ha convertido en un must-see de esta era. Por María Dolores Cruz
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ntre los directores que mejor ha sabido inspirarse en el trabajo de otros cinematógrafos sobresale el nombre de Quentin Tarantino. Este amante del séptimo arte ha sabido impregnar en sus obras las esencias de diferentes tipos de cine, pero siempre dándole un carácter que las hace suyas y únicas. Las películas que más han llamado la atención de toda su filmografía son Kill Bill Vol. 1 y 2. Esta saga es a la vez un homenaje y revisión a los géneros y películas que Quentin ha visto y ama: los spaghetti westerns, las películas chinas de artes marciales y las películas japonesas de samuráis y animé. No obstante, estos dos films, siendo los más ambiciosos de toda su obra, no son sólo una mezcla de géneros, sino también de estilos: la esencia de las películas de Sergio Leone, de Kurosawa y hasta del mismísimo Bruce Lee. Su idea inicial era realizar una sola película, pero al ver la magnitud
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de la saga
Kill Bill
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que alcanzaba su proyecto con más de cuatro horas de duración, lo que además podría ser muy arriesgado, decidió dividirla en dos partes. Kill Bill Vol. 1 muestra una historia de venganza. “La Novia”, Uma Thurman, también llamada “Mamba Negra”, es una ex asesina que sobrevive a la matanza que ha organizado su jefe, el enigmático Bill, el día de su boda. Cuatro años después, tras salir de un coma, comienza la encarnizada venganza buscando y asesinando a cada uno de los miembros que estuvieron a punto de matarla. Sin embargo, no se trata de una persecución a escondidas, “La Novia” se acerca
Clásicos Contemporáneos
a cada uno de los ex miembros del Comando Letal Víbora en su propio entorno, les deja elegir armas y los reta a un duelo, lo que muestra a un personaje que respeta una especie de código ético y es noble en el interior. El destino final de su venganza, evidentemente, es matar a Bill, como lo indica el título de la película; sin embargo, el título también puede apreciarse en doble sentido porque “Bill” en inglés significa cuenta o factura, por lo que también se podría interpretar como “Saldar Cuentas”. Kill Bill es mucho más que una película violenta. Sí contiene mucha violencia extrema, salvaje y
magnificada, pero más allá de la cantidad de sangre derrochada, hay una especie de caricatura, como un auténtico animé en imagen real, que en lugar de desagradar consigue divertir. Además, la primera parte de la saga esconde—bajo la apariencia frívola simulada—autenticas lecciones de cine: una estética minuciosamente trabajada junto con una banda sonora sublime. Estos elementos convierten a esta película en una experiencia cinematográfica sin precedente. La escena de la masacre de los 88 maníacos y la posterior batalla con O-Ren no se pueden definir de otra manera que auténtica poesía visual. Por otro lado, al ser Tarantino un experto en la técnica de jugar con los tiempos a través de montajes, Kill Bill se va desarrollando a través de continuos flashbacks, lo que consigue la acción se desarrolle con un ritmo más frenético. En Kill Bill Vol. 2 de nuevo se puede percibir las continuas referencias al séptimo arte. En las secuencias de aprendizaje de la “Mamba Negra” con el maestro Pei Mei, Tarantino rinde homenaje a uno de los temas centrales del cine de kung fu: el entrenamiento para la venganza, en el que se puede contemplar a un aprendiz adquiriendo destrezas que tiempo después demostrará en la batalla final. En el segundo volumen, Quentin equilibra su historia de venganza dejando a un lado el frenetismo acelerado de la primera parte por uno más pausado, que ofrece una hermosa pieza mucho más reflexiva y armoniosa, y deteniéndose en el lado más emocional e íntimo de los personajes. La violencia explícita se sigue mostrando y siguen habiendo luchas cuerpo a cuerpo, sin embargo, la naturaleza de estas batallas tienen un tono mucho más profundo.
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Clásicos Contemporáneos
El final de esta alocada creación es una hermosa historia de emociones, mucho más humana. Es una historia de amor materno que permite un acercamiento a la realidad del personaje principal, demostrando que los sentimientos tienen cabida en el infernal mundo que supone una fría y sanguinaria venganza. Algo más que hace resaltar a esta saga
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son sus personajes, otra de las grandes habilidades de Tarantino: sabe trazar perfectamente el carácter de sus personajes, ya sean los principales o los secundarios, e incluso los papeles más pequeños, siempre se les dedica una historia exclusiva. Todos y cada uno de los personajes de Kill Bill tienen un tono tan exagerado y surrealista como el propio film, siendo resaltados por sus diálogos delirantes
y sarcásticos, además de los rasgos estrafalarios que los caracterizan. Definitivamente la saga Kill Bill es una auténtica lección cinematográfica, siendo una mezcla de muchos géneros cinematográficos que se convierten un coctel perfecto que homenajea a las mujeres y a las heroínas del cine. Esta obra maestra es un espectáculo visual creado por la pasión desbordante de un genio del cine.
David Lynch naci贸 el 20 de enero de 1946 en Missoula, Montana, Estados Unidos.
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Clásicos Contemporáneos
El Bizarro Mundo de
David Lynch
Su estilo surrealista ha revolucionado la manera de concebir el cine. Por María Dolores Cruz
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ualquier persona que diga saber sobre el cine actual, o el cine en general, tiene la obligación de conocer a David Lynch y sus trabajos, sino seguramente está mintiendo. Ha habido muchos directores y cineastas reconocidos a lo largo de la historia y existen muchos actualmente, pero son muy pocos cuyo estilo ha sido tan particular que ha ameritado ser reconocido oficialmente. El estilo surrealista de este genio cinematográfico, denominado “lynchiano”, ha perturbado, ofendido y mistificado audiencias alrededor de todo el mundo con sus imágenes oníricas y un diseño de sonido sumamente meticuloso. Es por ello que David Lynch es sin duda uno de los más grandes del cine contemporáneo, por no decir el más grande. Para empezar no sólo es un cineasta y director, se destaca también como director para televisión, artista visual, músico y actor ocasional. Al igual que en sus películas, en sus pinturas destaca el elemento de los sueños. Por ello no utiliza los colores, ya que según él el color es muy real, es limitante, no per-
mite aludir a los sueños; mientras menos se utilicen los colores más parecerá un sueño. Así, muchas de sus pinturas son muy oscuras y profundas, permitiendo hacer volar la imaginación de cada quien, encontrando allí lo que más teme o lo que más ama, convirtiendo sus pinturas en un sueño. En algunos casos también agrega palabras y formas que ayuden a detonar el pensamiento y la reflexión sobre la obra. En el 2007 presentó varias de sus pinturas, fotografías, dibujos, films alternativos y trabajos de sonido en el Fondation Cartier. Asimismo, ha estado involucrado en varios proyectos de música, principalmente en muchos relacionados con sus películas. Desde 1989 hasta el 2011 ha estado inmerso en el mundo de la música, ya sea como compositor, productor, intérprete, e incluso cantante. Por otro lado, también ha diseñado y construido muebles principalmente para sus películas, aunque, en una ocasión presentó su mueblería en el Milan Furniture Fair en Italia. Según dice Lynch, no importa si se trata de diseño o música, de arte o arquitectura, porque todos van de
la mano. Esto es algo que se ha hecho evidente en sus trabajos ya que ha logrado congeniar cualquier género de arte con su estilo personal. Además, el hecho de conocer y practicar pintura, música y diseño le da una gran ventaja en cuanto al cine. No todos los directores entienden y saben manipular de la mejor manera el espacio visual y el diseño del sonido como lo hace Lynch, y esto se debe a su pasión por todo el arte en general. Su obra cinematográfica empezó con films cortos, casi como cualquier cineasta. Sin embargo, su alto contexto y conocimiento de todas las artes fácilmente y en muy poco tiempo le abrieron las puertas a los largometrajes. Desde 1966 a 1970 trabajó en proyectos pequeños que lo llevaron a su primer film, Eraserhead en 1977. A partir de este momento empezó su creación constante de largometrajes: The Elephant Man, 1980; Dune, 1984; Blue Velvet, 1986; Wild at Heart, 1990; Twin Peaks: Fire Walk with Me, 1997; The Straight Story, 1999; Mulholland Drive, 2001; Inland Empire, 2006. Nunca dejó los cortometrajes, incluso son sus más recientes proyectos, habiendo dirigido el más reciente en el 2011.
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Es importante mencionar el hecho de que sus pinturas y trabajos musicales están presentes a lo largo de toda su obra cinematográfica, o como él querría que se pensara, sus films son como sus pinturas pero en movimiento; casi nadie en la industria del cine tiene este tipo de inspiración. Su estilo, denominado “lynchiano”, es realmente lo que hace que este director resalte de cualquier otro actualmente. Para empezar, difiere completamente del cine “promedio” estadounidense; sus películas son más similares al estilo del cine europeo. Por otro lado, la audiencia del cine “lynchiano” debe estar dispuesta y ser de mente abierta puesto que muchas veces las imágenes surreales y violentas que se presentan pueden resultar ofensivas para personas de mente cerrada. Además, la audiencia debe conocer tan siquiera los principios básicos del cine para poder apreciar el maravilloso despliegue de cinematografía y diseño del sonido en sus películas. Muchos críticos dicen que la obra cinematográfica de Lynch es muy recurrente y que se podría ver toda su creación como un rompecabezas de ideas combinadas. Para empezar, y como ya se mencionó, está el tema de los sueños. Todos sus films están compuestos por imágenes y estructuras que aluden a un sueño, al carácter surrealista que se basa en el subconsciente. Cuando Lynch se refiere a esta característica de su estilo explica que no existe nada mejor que soñar, pero soñar despierto porque cuando se está dormido no se puede controlar lo que pasa; sin embargo, estando despierto se puede navegar en un mundo que cada quien ha creado o descubierto, el
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Mulholland Drive, protagonizada por Naomi Watts y Laura Harring, le mereció el premio a Mejor Director en el Festival de Cannes en 2001 y fue la Mejor Película Extranjera de los Premios César en el 2002.
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Clásicos Contemporáneos
que cada quien ha escogido. Finalmente, agrega que esta es una experiencia personal, pero que a través del cine se puede tratar de transmitirle el mundo creado en una mente a otras mentes, y en eso radica el poder del cine. También están muy presentes en sus películas temas como la industria—maquinaria, pistones poderosos, molinos escandalosos, fábricas humeantes—con el propósito de evidenciar que hay actividad; actividad criminal y violenta dentro de una sociedad— pandillas, drogadictos—al igual que la presencia de la deformidad—deformidades físicas, heridas abiertas. Lynch ha explicado que le gusta que sus films tengan lugar en Estados Unidos, aunque haya dos que no (The Elephant Man y Dune se dan en Londres victoriano y una galaxia ficticia respectivamente), porque siente que le fluyen más las ideas y hasta se le ocurren pequeñas historias y hasta personajes con sólo caminar por allí. Otro aspecto interesante de sus películas es que acostumbra a contratar a una misma actriz par dos roles en el mismo film, algo que no hace con los personajes masculinos. Su obra cinematográfica le ha merecido a Lynch 6 premios a lo largo de toda su carrera, lo que no está nada mal para un director cuya obra no es tan comercial y fácil de comprender como suelen ser las películas de Hollywood. De cualquier manera, el cine “lynchiano” es algo que ningún fanático del cine se puede perder. Adentrarse en los mundos que ha creado Lynch en sus films promete ser una experiencia apasionante y reveladora, ya se para un principiante del cine o un experto.
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Avatar
las tres secuelas de
os im os óx n Pr stre E
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James Cameron sigue extendiendo lo que será el último proyecto de su carrera. Por María Dolores Cruz
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n el 2009, Avatar se posicionó como la película más taquillera de toda la historia, recaudando 2,021,767,547 dólares a nivel mundial, con un presupuesto de 237,000,000. Por eso, no fue una sorpresa que hace algunos años el director James Cameron haya anunciado que habría no sólo una secuela, sino tal vez hasta cuatro. Recientemente se dieron a conocer las últimas noticias sobre las secuelas. James Cameron se encuentra actualmente escribiendo los guiones para Avatar 2 y Avatar 3. Además, ha recalcado que no está interesado en ningún otro proyecto más que el suyo. En una entrevista en mayo de este año, Cameron le dijo al New York Times “Estoy haciendo Avatar 2, Avatar 3, tal vez Avatar 4, y no voy a producirle las películas a otras personas. No estoy interesado en leer otros guiones.” Inicialmente se planeó el estreno de Avatar 2 para el 2014, luego se retrasó al 2016, como míni-
mo. Lo más reciente que se ha escuchado es que las tres películas se estarían filmando a la misma vez y estrenándose a un año de diferencia cada una, lo que sería muy razonable. Siendo que la audiencia está ansiosa por estas secuelas, ¿por qué tomarse tiempo entre cada película y después tener que reunir a todo el elenco y staff de nuevo si se pueden grabar todas las películas a la misma vez? Aunque todavía se está trabajando en el uso de las nuevas tecnologías que quieren emplear en el film y se siguen preparando las producciones de diseño, Cameron ya ha asegurado un nuevo estudio para la grabación de las secuelas. La grabación y producción de Avatar 2 y Avatar 3 se llevará a cabo en el Manhattan Beach Studios. El estudio Playa Vista, donde se filmó la primera película, actualmente está siendo renovado, por lo que el cambio de estudio asegura que las películas no se retrasen más debido a esta construcción. Cameron sigue siendo igual de técnico y meticuloso como siem-
pre, habiendo hecho un viaje al Amazonia que le sirvió para investigación para sus secuelas. Y aunque el año pasado tuvo que cancelar sus planes de bucear en la Fosa de las Marianas en Japón debido al tsunami, no hay duda de que sus proyectos de ciencia ficción serán impecables, al menos a un nivel técnico. Lo último que se ha escuchado sobre las secuelas es que la segunda podría tener lugar en otro planeta del mismo sistema solar que Pandora. También ha comentado que exístela posibilidad de que se explore el océano de los planetas. Cameron comentó además que algunos personajes que sobrevivieron el primer film estarán en el segundo film, al menos en cierta forma. No se sabe todavía la fecha exacta del estreno de Avatar 2, pero sí es seguro que una vez que se estrene, seguirán estrenándose las secuelas año con año. En cuanto a James Cameron, ha declarado que probablemente esté produciendo películas de Avatar por el resto de su carrera.
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Po r ta da En
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Top 10 De la
cine mex
El cine mexicano contemporáneo ha alcanzado un auge internacional desde el comienzo de este milenio. Por María Dolores Cruz
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esde que empezó este nuevo milenio se ha venido presenciando un cambio radical en el cine mexicano. Esta nueva ola, como se le puede denominar, ha logrado dejar en el completo olvido a Pedro Infante, a María Félix, a Cantinflas y a los luchadores que en algún momento fueron la sensación. El cine latinoamericano en general está entrando en un
auge que vale la pena presenciar, y algunas películas mexicanas de los últimos años no son la excepción. Una gran parte de las recientes producciones mexicanas ha empezado a resaltar a sus pueblos, tradiciones, héroes y problemas sociales. Puesto que no todas las películas mexicanas contemporáneas son dignas de apreciar, kinesis ha compilado a las mejores de la nueva ola en este top 10.
10. Los Bastardos (2008) El fenómeno social de la migración ha causado que se mezclen culturas y que se estrechen lazos. Sin embargo, esta interacción no siempre resulta positiva, y es lo que precisamente trata Amat Escalante en este film. Aunque es un tema muy reciclado y viciado, Escalante no sólo muestra una perspectiva concreta, ya que vivió en Estados Unidos en una comunidad de latinos y conoce personalmente la situación. Es por eso que el director logra abrir un debate sobre este choque de culturas a través de esta película, lo que permite realizar una reflexión no sólo sobre el proceso migratorio, sino también sobre la transformación de la sociedad, del ser humano y de los
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motivos que conducen a un hombre a cambiar su nombre. “Los Bastardos” no es otra película más sobre migración y, aunque está situada en la frontera de México y Estados Unidos no es privativa de esta región. Los problemas migratorios se dan en todo el mundo, y las transformaciones afectan a todas las sociedades. Director: Amat Escalante Guión: Amat Escalante, Martín Escalante Reparto: Jesus Moises Rodriguez, Rubén Sosa, Nina Zavarin Duración: 90 minutos
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En Portada
nueva ola de
xicano
9. Arráncame la Vida (2008)
Basada en la novela de Ángeles Mastretta, trata la transformación de la vida de la mujer en el periodo post-revolucionario. Es una película que gira alrededor del personaje de Catalina Guzmán y su repentino involucramiento en el mundo político dominado por el machismo mexicano, personificado por el General Andrés Asencio. La película es muy mexicana y
habla del autoritarismo político, la corrupción, el machismo, la sumisión de la mujer ante figuras patriarcales.
película más cara de la historia del cine mexicano.
Su implacable recreación de los años 30 se explica en gran parte gracias a su equipo de arte, y un poco por su presupuesto de 85 millones de pesos, (alrededor de 6.5 millones de dólares). Es la segunda
Director: Roberto Sneider Guión: Roberto Sneider Reparto: Ana Claudia Talancón, Daniel Giménez Cacho, José María de Tavira Duración: 110 minutos
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8. La Ley de Herodes (1999) Director: Luis Estrada Guión: Luis Estrada, Jaime Sampietro, Fernando León, Vicente Leñeo Reparto: Damián Alcázar, Pedro Armendáriz Jr., Isela Vega, Ernesto Gómez Cruz, Evangelina Sosa Duración: 123 minutos
Es una película basada en el libro “La Ley de Herodes y otros cuentos”, de Jorge Ibargüengoitia, en la que Luis Estrada utiliza el humor negro, que es de hecho su sello personal, para contar la historia del Partido Revolucionario Institucional (PRI). El personaje principal es el encargado de un basurero, que llega por casualidades de la vida a ocupar el puesto de alcalde de una localidad y va descubriendo poco a poco los beneficios del poder
y la corrupción, convirtiéndose en un tirano capaz de hacer cualquier cosa para perpetuarse en el poder, incluso de recurrir al crimen. Lo interesante es que antecedió a la aclamada transición democrática del año 2000 y es una excelente manera de darse cuenta de lo que ocurría en México durante el largo mandato del PRI, o la “dictablanda.”
7. Luz Silenciosa (2007) Aunque el idioma de la película es el plautdietsch, esta es una película mexicana, filmada en México, donde actúan mexicanos y hablan su lengua materna. Los protagonistas no pueden ser otros que los menonitas: miembros de un grupo religioso que huyeron de la persecución que sufrían en los Países Bajos y Bélgica en el sig-
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lo XVI, o como dirían en lenguaje coloquial: alemanes granjeros que viven apartados de la sociedad moderna. Todos los que aparecen en la pantalla son menonitas auténticos de las comunidades de México, Alemania y Canadá. En esta película se puede apreciar y hasta entender su modo de vida par-
ticular, disfrutando de una increíble fotografía. Sin embargo, no es una película para todos, a mucha gente le puede resultar muy lenta, pero así es el cine de Reygadas, caracterizado también por el uso de actores no profesionales. Es un cine contemplativo que cuenta una historia universal: un hombre que ama a dos mujeres.
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6. Temporada de Patos (2004) Es una película en blanco y negro que cuenta las historias de cuatro jóvenes personajes mediante situaciones bastante cómicas. En general aborda a una clase media mexicana, que no es precisamente la clase preferida del cine nacional probablemente porque no es políticamente correcto hablar de una clase media en un país de pobres. Pero fuera
de la corrección política, esta es una película divertida contada de manera fresca. Se trata de nada en particular y de todo a la vez, básicamente lo que es la vida de un adolescente.
Director: Fernando Eimbcke Guión: Fernando Eimbcke y Paula Marcovich Reparto: Enrique Arreola, Diego Cataño, Daniel Miranda, Danny Perea, Carolina Politi Duración: 85 minutos
Director: Carlos Reygadas, Alex Ezpeleta (Ayudante) Guión: Carlos Reygadas Reparto: Cornelio Wall, Maria Pankratz, Miriam Toews Duración: 142 minutos
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5. Rudo y Cu No es una película de deportes, es una “anti sport movie”, muestra la mafia que hay detrás del fútbol y que atrapa a dos hombres que quieren convertirse en estrellas de ese deporte. Como
Director: Carlos Cuarón Guión: Carlos Cuarón Reparto: Gael García Bernal, Diego Luna, Guillermo Francella, Jessica Mass, Dolores Heredia, Adriana Paz, Armando Hernández, Joaquín Cosío Duración: 100 minutos
4. El Violín (2007) A pesar de que fue estrenada primero en países como Francia, España, Argentina, Estados Unidos, China, Rusia, Grecia y Canadá, El violín es 100% mexicana y trata un tema 100% mexicano. Cuenta la historia de un grupo de músicos rurales y campesinos que secretamente participan en la guerrilla y planean levantarse en armas. Cuando llega el ejército al pueblo, todos los guerrilleros huyen, y sólo don Plutarco Hidalgo arriesga su vida por ayudarlos. Es la obra maestra de Francisco Vargas Quevedo y ha ganado alrededor de 55 premios nacionales e internacionales, como el
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de Morelia, San Sebastián, Huelva y Brasil. Cuando se presentó en cines comerciales de México causó un gran revuelo de medios y fue un importante éxito en la taquilla.
Director: Francisco Vargas Quevedo Guión: Francisco Vargas Quevedo Reparto: Don Angel Tavira, Dagoberto Gama, Gerardo Taracena, Mario Garibaldi Duración: 98 minutos
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ursi
(2008)
trata el mundo del futbol, incluye todo un repertorio de drogas, mujeres, fama, dinero, y por supuesto, no podía faltar un argentino. El guión de la película salió de la idea de hacer un falso documental sobre un futbolista de origen humilde que se convertía en una estrella, luego caía en una mala racha y desaparecía para comenzar su leyenda. Cuarón le planteó esta idea a Gael García Bernal y a Diego Luna, y los dos quisieron interpretar al personaje. Fue por eso que decidió crear a otro personaje y hacerlos hermanos compitiendo entre sí.
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3. El Infierno (2010) Es una cinta que trata de manera satírica la problemática actual del narcotráfico y el crimen organizado en México. Sin embargo, el humor es tan negro que desde el momento en que se estrenó llegó a ser prohibida en ciertos cines del país (se estrenó poco antes de las celebraciones del Bicentenario de la Independencia de México).
pueblo, San Miguel Arcángel, y lo encuentra muy cambiado, jodido, triste y bastante violento. Por otro lado, su amigo de la infancia, el Gordo Mata, conocido ahora como el Cochiloco, consigue el sueño mexicano: enriquecerse rápidamente y sin trabajar mucho.
El autor logra plasmar cínicamente la cultura del narco en México y todo lo que implica. Con los primeros acordes de la canción “México Americano” de Los Lobos, Estrada retrata el viaje del Beni, quien ha sufrido el peor destino de un inmigrante, ser deportado. Regresa a su
Director: Luis Estrada Guión: Luis Estrada, Jaime Sampietro Reparto: Damián Alcázar, Joaquín Cosío, Ernesto Gómez Cruz, María Rojo, Elizabeth Cervantes, Daniel Giménez Cacho Duración: 145 minutos
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2. Y Tu Mamá También (2001) Código del Charolastra: 1. No hay un honor más grande que ser un charolastra 2. Cada quien puede hacer de su culo un papalote 3. “Pop” mata poesía 4. Un toque al día, la llave de la alegría 5. No te tirarás a la vieja de otro charolastra 6. Puto el que le vaya al América 7. Que muera la moral y que viva la chaqueta 8. Prohibido casarse con una virgen 9. Puto el que le vaya al América (se repite porque es reputo el que le vaya al América) 10. La neta es chida pero inalcanzable 11. Pierde la calidad de charolastra el culero que sea tan culero como para romper cualquiera de los puntos anteriores
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En 2001 le dio al cine mexicano tres de sus figuras más importantes: Alfonso Cuarón, Gael García Bernal y Diego Luna. Además, se convirtió en un ícono del cine mexicano contemporáneo gracias a sus excelentes críticas y gran acogida a nivel mundial. Es una road movie sobre dos amigos con vidas muy diferentes. Por un lado está el niño rico pero no tan fresa, Tenoch Iturbide, y por el otro al clasemediero chilango,
Julio Zapata, ambos unidos por el código común del Charolastra. Emprenden un viaje con una española que les enseña varios pequeños detalles de la vida.
Director: Alfonso Cuarón Guión: Alfonso Cuarón, Carlos Cuarón Reparto: Diego Luna, Gael García Bernal, Maribel Verdú Género: Drama-Comedia Duración: 105 minutos
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Director: Alejandro González Iñárritu Guión: Guillermo Arriaga Reparto: Gael García Bernal, Vanessa Bauche, Jorge Salinas, Rodrigo Murray, Goya Toledo, Gustavo Sánchez Parra, Emilio Echevarria Género: Drama Duración: 153 minutos Esta película definitivamente no tiene comparación cuando se trata de cine mexicano. Su importancia no radica solamente en sus innumerables nominaciones a premios internacionales de renombre, sino porque marcó un momento en México, no sólo debido a sus personajes
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tan identificables, sino también por su música, sus retratos del DF, la jerga mexicana (chilanga sobretodo), y su humor. Está dividida en tres subhistorias cuyos grupos de personajes nunca se conocen. Sin embargo, sus etapas más importantes coinciden e inician a partir de un accidente automovilístico. En 153 minutos de drama se logra recrear por completo la psique chilanga, presentar los muchos Dfs que existen, sin contar con que está musicalizado de una manera casi perfecta. Después de todo, ¿qué sería de Amores Perros
sin su melancólica guitarra? En ocasiones ha llegado a ser denominada la “Pulp Fiction” mexicana. Premiaciones: 2000: Nominada al Oscar: Mejor película de habla no inglesa 2000: Nominada al Globo de Oro: Mejor película de habla no inglesa 2000: Cannes: Gran Premio Semana de la Crítica 2001: Premios BAFTA: Mejor película en habla no inglesa 2000: 11 Premios Ariel (de la Academia Mexicana de Cine)
1. Amores Perros (2000) 31
Di Ex cen pe lo rto s s
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la verdadera función de los
festivales de cine
Los festivales de cine juegan un papel sumamente importante para la industria. Por María Dolores Cruz
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os festivales de cine existen desde 1946 cuando se inauguró el primero, el Festival Internacional de Cine de Venecia. A partir de ese entonces, estos eventos han jugado un papel importantísimo en la industria del cine. Pero ¿cuántos estamos realmente conscientes de su importancia? Kinesis platicó con don Pepe Quintanilla, quien ha visitado los festivales más importantes a nivel mundial y es asesor para muchos de los festivales más importantes de México, por lo que conoce perfectamente cómo funcionan estos acontecimientos y en sí el papel imprescindible que juegan para la industria del cine y para los cineastas. ¿Cómo contribuyen los festivales de cine a la industria del cine? Los festivales tienen una misión muy interesante porque en un solo lapso de tiempo reúnen un perfil determinado de películas con un público que está interesado en el estilo, la dinámica, o la programación que ese evento ofrece. Hoy en día contamos con festivales especializados, desde un festival de cine policial, que ocurre en Francia, o festivales
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de cine lésbico, para nichos muy particulares que han evolucionado más allá de los grandes festivales que suelen ser de competencia internacional; siendo los principales Cannes, Berlín y Venecia, que son los llamados festivales de triple A, que es una categoría que otorga la federación internacional de productores de obras audiovisuales. Esto quiere decir que un cineasta puede llevar su obra para que sea vista por un público que está buscando ese tipo de cine, para que reciba cobertura periodística de prensa especializada de los críticos, y que la estructura del festival va a estar trabajando a favor de su película. Cuando un cineasta acaba de terminar su película está, si no empobrecido, endeudado. Entonces llevar la película a un festival da la oportunidad de lanzar la película en una plataforma. Por eso los festivales son útiles a la industria del cine y son útiles para los profesionales porque ayuda a destacar lo bueno o lo malo de una película. Por otro lado, están los premios que se otorgan que en primer lugar significan prestigio para una película y en segundo lugar, cuando son monetarios, contribuyen a que algún director pueda elaborar otra película.
¿Cómo está diseñado un festival? Los festivales están diseñados en secciones. Un festival mediano o grande, tradicional va a tener una sección de mercado, donde están las películas que están disponibles para venta, y la sección competitiva. Pero por ejemplo, en un festival como el de Cannes, la agenda de una película es que probablemente la exhiban a las 9:30am para la función para prensa y crítica que sólo entran periodistas y es un auditorio para 1500 personas; saliendo de allí los actores y el director se quedan a ver en el balcón para la toma de fotos; de allí se mueven a la sala de prensa para la sección de preguntas y respuestas. Las funciones nocturnas o las galas suelen ser para invitados especiales, porque muchas veces el dueño de la película no quiere que la vea nadie pero sí quiere que compita; así que depende de la estrategia que tenga cada director. ¿Qué prevalece a la hora de premiar un film? ¿La elaboración o el impacto que puede tener para la sociedad? Los jurados de los festivales son variables; están desde actores, ac-
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trices, directores de fotografía, editores, críticos, escritores. En este sentido, un jurado de 5 o 6 personas va a tomar una decisión, y otro jurado conformado por personas distintas va a tomar decisiones completamente distintas. También influye el momento histórico; Francia, por ejemplo, siempre premia a sus pecados, entonces las películas que tienen que ver con Argelia, colonialismo, el mundo árabe, ganaban, aunque nadie puede decir que no eran buenas películas. Nosotros tratamos de pensar que el jurado va a decidir la mejor solución del mundo, pero no, en el cine no existe “la mejor solución del mun-
Dicen los Expertos
do.” Es duro entender que los festivales de cine son un concurso de simpatías, pero es lo verídico, igual que en cualquier otro tipo de concurso que esté determinado por la visión de un jurado—sin desquitar los méritos del jurado. A veces ha tocado que es un jurado tan inmerso en el proceso de hacer cine que dan premios a películas que están mucho más avanzadas que los ojos del público, entonces dicen: “¿qué es eso? Yo no entiendo”. Por eso hay tantas categorías de premiación, Cannes tiene la palma de oro y el premio del jurado. ¿Cree que la identidad cultural de un lugar en que se lleva a cabo un festival, por ejem-
plo Venecia, influye en el festival en sí? Son proyecciones que le imprimimos a los eventos. Obviamente ver una película en Venecia altera tu percepción a que si la hubieras visto en el Festival de cine de San Luis Potosí, pero no tiene que ver con la película. La experiencia en torno a la película es la que puede alterar tu percepción. Y así como influye la identidad cultural, también lo hacen tus relaciones interpersonales, tu experiencia, el momento de tu vida en que te encuentras, etc. Así que más que la identidad cultural son los valores que le damos al entorno que define la identidad cultural. Sí hay un elemento adicional que es
El Festival de Cannes es uno de los más prestigiosos y glamorosos a nivel mundial.
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En México, el Festival Internacional de Cine de Morelia es uno de los más importantes.
importante, que es que la mayoría de películas en los festivales está acompañada de los talentos, así que después de ver una película te puedes encontrar a los actores. Según su opinión, ¿cuáles son los festivales de cine más importantes a nivel internacional? En cuanto a economía de cine, es muy importante el festival de Toronto porque exhibe todo lo que vas a ver en noviembre, diciembre, o sea en la carrera de la Óscares. El gran festival de máximo glamour puede ser Cannes, e históricamente en ese sentido Venecia porque siempre se ha caracterizado por muy buena programación europea. También está el de Berlín, que es magnífico, ordenado, y funcional. Hay festivales pequeños o muy poco conocidos por el público, como el Festival internacional de cine de Huesca en donde han pasado todos los buenos directores españoles y mexicanos cuando hacían cortometrajes.
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¿A nivel de México? El más grande es el Festival Internacional de Cine en Guadalajara (FICG), que ocurre en el mes de marzo, porque en realidad son varios eventos ocurriendo simultáneamente: el Festival de Cine Iberoamericano que es competitivo, el Largometraje y Cortometraje de Ficción, Documental de Animación, el Mercado de cine Latinoamericano, la sección Talent Campus, Doculab, Guadalajara Construye. También está el de Morelia que tiene mucha competencia de cine mexicano, siempre ha tenido muy buenos invitados y lo avala Cinépolis, por lo que tiene muy buena publicidad. Entre otros festivales está el Festival de Cine Francés en Acapulco, y el Festival de Cine de Guanajuato. ¿Y de toda la región de América Latina? El concepto es más “Iberoamérica” porque realmente un productor im-
portante de mucho cine latinoamericano era, o sigue siendo ahora en menor escala, España. Entonces realmente se habla de películas españolas-peruanas, españolas-argentinas. Realmente muy pocas industrias tienen películas autónomas. Además que el término de cine iberoamericano le da cabida también a Brasil, que se ha vuelto una industria muy poderosa en la región. El gran festival de cine latinoamericano es el Festival de la Habana, en diciembre. Hubo en México el Festival de cine latinoamericano en Oaxaca que debido a las autoridades se extinguió. También está el de Viña del Mar que es muy importante para este cine. Bogotá, por su parte, tiene uno internacional; Cartagena, tiene uno internacional. Pero básicamente, entre Guadalajara, la Habana y Viña del Mar son los grandes festivales de cine iberoamericano.
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¿Qué tanto implica el
proceso fílmico? La audicencia no es consciente de todo lo que conlleva una buena filmación. Por María Dolores Cruz
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as personas común y corrientes que van al cine por lo general no conocen los aspectos técnicos de este. Es probable que ni siquiera tengan una idea del proceso creativo que implica la producción fílmica. Es por ello que kinesis consultó al experto en el tema Juan Carlos Cobián para que se puedan explicar algunos de los detalles que implica esto. ¿Por qué es importante la cinematografía en el proceso creativo de las películas?
era, la segunda, la tercera persona; o existen también las voces del narrador; aquí literalmente el narrador se hace, no nada más a través del enfoque de cámara, pero sí es uno de los principales elementos a través de los cuales el narrador fílmico permite definir hacia a dónde se van moviendo las cosas. ¿Cree que el impacto de la cinematografía en la audiencia es consciente o inconsciente?
Entonces, ¿se podría decir que también es como una manera de narración?
Desde el punto de vista del creador tienen que ser unas decisiones muy conscientes. Pero la percepción del espectador es muy inconsciente, a menos de que esté muy entrenado y que conozca mucho todo eso. Sin embargo, a pesar de que es inconsciente, es un lenguaje que la mayor parte de los espectadores ya tienen asimilados desde pequeños porque empiezan a ver videos. Para las generaciones más jóvenes es un lenguaje que ya aprendieron, que lo saben usar, manipular, porque ahora las posibilidades de usar una cámara pues están en todos lados, en el iPad, en el teléfono.
Sí, totalmente. Así como en la literatura existen puntos de vista, la prim-
¿Cómo ha evolucionado la cinematografía en la historia del cine?
La cinematografía, entendiéndola como el manejo de la cámara, define el punto de vista. Es como la mirada del director; es donde de alguna forma se establece lo que para el director es importante que el espectador focalice. Sin la cinematografía no existe esa posibilidad y entre más sofisticado sea el manejo de la misma también es mucho más fino el punto de vista del director. Eso permite profundizar mucho más.
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No creo que haya cambiado mucho en cuanto al lenguaje. En cuanto al lenguaje creo que siguen siendo los mismos elementos. Lo que sí creo que ha cambiado es un poquito la portabilidad de los aparatos, que ahora es mucho más fácil el proceso de hacerlo. Pero
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en cuanto al abecedario es el mismo, lo único que ahora hay más disponibilidad y facilidad de poder usarlo. Lo que hace que la cámara se pueda mover más fácilmente también ha hecho que cosas que antes eran muy complejas de realizar ahora sean más fáciles. Pero no se han inventado nuevos emplazamientos. No quiero decir que desde el origen hasta ahorita no haya habido cambios, ha habido incorporaciones que se han ido incrementando, pero el proceso de que se incluyan nuevas palabras es cada vez menor, porque todo lo principal ya está construido. Lo interesante es cómo yuxtaponerlo, cómo mezclarlo. En esto sí creo que constantemente se están haciendo innovaciones, que depende de cada momento histórico, que se va enfatizando más. ¿Qué tanto influye el equipo de grabación en una producción cinematográfica?
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Depende de la naturaleza del proyecto, porque hay proyectos donde por ejemplo, el realismo es muy importante. Entonces si tu quieres hacer algo que genere al espectador de realidad mucho más fuerte que otra cosa, entonces la calidad técnica no importa tanto. Es como cuando estás viendo una cámara de seguridad del Casino Royale donde están saliendo los que tiraron la gasolina, no te estás preocupando porque el footage que tengas sea de una calidad extraordinaria porque lo que está mostrando es lo suficientemente fuerte y real.
se dice tanto, sobre el contraste de la calidad de películas norteamericanas con la calidad de otras películas, y dices: “no, es que esa se ve mucho mejor” ¿Por qué? Pues porque está utilizando una cámara de mucha mejor calidad, la iluminación es más sofisticada, el emplazamiento es mucho más complejo. Eso hace que uno valore más esa calidad contra productos que no cuentan con esa calidad en equipo, y sí se nota. Excepto en esas condiciones que decía en donde no importa porque tiene sentido para lo que se está narrando.
Pero si estamos hablando ya de una obra que no tenga estas condicionantes, evidentemente sí. Porque hay gente que dice: “me gustó, pero se veía como oscuro”, o “no tenía tanta calidad”. Y entonces tendemos a valorarlo menos cuando no tiene esa calidad. Frecuentemente se decía, ya no
¿Cree que la calidad cinematográfica de una película influye en su calidad en general?
Lolita (1962) de Stanley Kubrick es un buen ejemplo de un excelente uso de la cinematografía en un film.
Totalmente. Si nos referimos al concepto más amplio de calidad, donde no implica que se utilice un tripie o ese tipo de elementos que la hagan verse más formal, sino más bien de, por ejemplo, de una toma que se mueve mucho y que al mismo tiempo tiene un sentimiento que parece como si estuviera tomada con la mano puede ser de mucha calidad. Si nos referimos a calidad de que necesite tripie, no creo, porque hay muchas películas que no cuentan con esos elementos pero son de gran calidad. Si nos referimos al concepto más amplio, definitivamente. Si la cinematografía no tiene una alta calidad lo que ocurre es que la narración se vuelve muy simple, muy pobre. Es como cuando se oye a alguien hablar y que está aprendiendo apenas el lenguaje. Se nota cuando un director fílmico es muy torpe en cómo maneja el corte, la cámara, dónde la pone, cómo la mueve, hacia dónde la dirige, cómo hace un acercamiento, con qué velocidad hace un zoom, con qué velocidad hace el alejamiento, cómo decidió poner el ángulo de la toma,
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abajo, en medio, todo eso. Entre más dominio hay sobre eso, la narración fluye más rápido, al punto en que te olvidas de que existe alguien que está manipulando eso. Un extraordinario narrador fílmico es alguien que prácticamente para ti es como si no existiera, como si tu estuvieras allí viendo las cosas, y eso no es fácil de lograr. Ahora también hay otros narradores fílmicos que, en vez de hacer desaparecer, y no te des cuenta que hay un narrador que mueve la cámara, al contrario, lo que quieren es enfatizarlo. Y también se pueden caer en extremos. Hay gente como Tarantino, que es muy bueno en eso, que no hay película que veas de él en dónde no notes que se está moviendo la cámara y que está haciendo todo eso, pero lo hace de tal manera que disfrutas como espectador eso. Pero hay otros que hacen lo mismo, y sin embargo, no saben controlarlo y te empieza a molestar y dices: “me desespera que la cámara se esté moviendo todo el tiempo” o “Me marea”. Y ahí te demuestra cómo sí es un arte el saber controlarlo, el saber encontrar los momentos en donde es útil y sabes equilibrarlo. ¿Cree que el cine alternativo tiende a ser más creativo/libre en cuanto a la cinematografía que el cine comercial, por ejemplo? Sí, porque el cine comercial, aunque no estoy diciendo que no haya cine comercial con esos elementos, funciona más en términos de que la narración no es sólo a través de la cinematografía, también se narra a través de la historia, lo que estás platicando es muy importante. En el cine comercial la cinematografía es algo adicional, y por eso es más frecuente encontrar en el cine alternativo un trabajo más detallado en eso. Pero no quiere decir que no haya una película comercial en donde de pronto digas: “wow, qué in-
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teresante cómo maneja la cámara, qué preocupado está por eso”, y eso hace la película todavía más agradable. Aunque también, hay cine alternativo que tiene una narrativa bastante convencional, porque puede ser que lo alternativo esté en la historia que está contando, no tanto en la forma en que la está planteando a través del lente de la cámara. ¿Qué cree que le hace falta al cine latinoamericano en cuanto a este aspecto? Hay de todo. Hasta los 50’s del siglo pasado siempre se mantuvo el cine latinoamericano muy atrás, en términos de lo que estamos hablando, de una estética sofisticada en la cinematografía. Hubo momentos muy importantes con el Indio Fernández de las películas mexicanas en donde es extraordinaria la fotografía y el emplazamiento de cámara y todo. Pero tampoco era muy innovadora, generalmente era muy convencional, a excepción de películas de Buñuel y cosas así. Pero más recientemente como que la globalización ha influido mucho, entonces muchos de los creadores nuevos o más jóvenes de todas partes de América Latina consumen películas de todas partes y productos audiovisuales de todas partes. Antes dependía más de que vivieras en una ciudad grande, de que hubiera una cineteca, de que tuvieras más posibilidades de acceder a ese tipo de cine. Y ahora esos impedimentos, prácticamente ya desaparecieron. Yo creo que eso ha permitido que muchos de los creadores latinoamericanos contemporáneos, tengan un contacto mucho más intenso con ese lenguaje y se refleje en sus obras. No quiere decir que ahorita todo el cine latinoamericano esté allí, pero ya hay obras donde tu dices: “es extraordinario”, “tiene su propio estilo”. Aunque en general, toda la industria latinoamericana sigue teniendo un uso muy convencional de la cine-
matografía. Aunque tampoco creo que toda la cinematografía de Hollywood sea súper sofisticada. Por eso, en ese sentido no creo que esté atrasada, la cinematografía mexicana, sino que está a la par que las de otras partes del mundo. Desde su perspectiva personal, ¿qué película o director considera que tiene un excelente manejo de la cinematografía? Bueno, mencionaba antes a Tarantino por su excesivo uso de ella, pero que al mismo tiempo logra cosas muy interesantes. Hay muchos directores que en ese mismo tono, siguen esa línea. Bryan de Palma, no dirigía tantas películas y no sé si ya se retiró, pero es un genio en eso en todas sus películas. Hace muy notorio el manejo de cámaras y es fundamental para él cómo se emplaza la cámara, dónde la mueve, para dónde la lleva, etc. Spielberg también tiene mucho de eso, para hablar de algún norteamericano, que son muchos los que trabajan mucho más eso. Es mucho más extraordinario el cuidado de la cámara norteamericano que el de otras regiones, porque pues, en Japón, en China, o en Europa, hay extraordinarios directores pero no necesariamente su cinematografía es lo que los marca. Pero están los directores que empiezas a ver su película y dices: “es que esta película es de él porque se nota.” En las películas de Kubrick es imposible no ver el emplazamiento de cámara, se ve en cada momento. Esto luego crea imitadores de su estilo de hacer cine. Hay otros directores en donde no es tan notorio el comando, y sin embargo, son unos genios haciendo eso, porque no es notorio. Por ejemplo Terrence Malick, también norteamericano. La fotografía de sus películas es espectacular, pero allí tiene que ver más la luz, lo suave, cómo prácticamente no notas la cámara.
Ex Cue pe nt rie a t nc u ia
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Harry Potter En la vida de alguien
Los últimos estrenos causaron gran revuelo a nivel mundial.
Común y Corriente
Por María Dolores Cruz
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uando escuché por primera vez en mi vida sobre Harry Potter tenía 9 años, para ese entonces andaba circulando el primer libro en Latinoamérica. “¿Conocés los libros de Harry Potter?”, me preguntó un amigo. Yo pensé que era una serie de libros clásicos viejos o algo así, por lo que realmente me sentí avergonzada de no conocerlos. Poco tiempo después me enteré de que realmente era una tendencia que iba empezando, y obvio que en ese momento no se me pasó por la mente la dimensión del fenómeno cultural en que se convertiría ese tal Harry Potter, ni a mí ni a nadie, ni siquiera a la mismísima J. K. Rowling. En el 2001, cuando se estrenó la primera película en el cine, la cosa empezó a ponerse loca. Los que no habían leído los libros corrieron a comprarlos para saber qué pasaba después, las niñas se enamoraron del actor que interpretaba a Daniel Radcliffe desde ese entonces y, de la nada, de lo único que se hablaba era de eso. La franquicia no perdió el tiempo ni desaprovechó la oportunidad y el siguiente año se estrenó la película del
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segundo libro. La gran mayoría de mi generación seguía, por supuesto, igual de inmersa en la saga, aunque yo debo admitir que ni siquiera recuerdo si la fui a ver al cine o la vi una de las tantas veces que la pasaron en la tele años después. Lo que sí recuerdo es que es la película que más conozco a detalle porque unos tíos me regalaron un juego de computadora de La Cámara de los Secretos y simplemente no me fue fácil parar de jugarlo. El siguiente año, por primera vez, leí uno de los libros. Me prestaron El Prisionero de Askabán y la verdad es que sí me mantuvo atraída hasta que lo terminé. Es por eso que al siguiente año, en el 2004, yo sentí una ligera emoción por el estreno de la tercera película y la fui a ver al cine con mis amigas; fue la primera vez en mi vida que pude decir la tan famosa frase: “La película no está tan buena como el libro.” No volví a leer uno de los libros, y la verdad no sé por qué. Me había gustado leer el tercero pero a partir de ese entonces me conformé con ver las películas. Pero muchos adolescentes que conozco no se conformaron, y para ese año ya habían leído los seis primeros libros y esperaban ansiosos
que saliera el último. Yo mientras fui a ver El Cáliz de Fuego. Las películas que siguieron, La Orden del Fénix en el 2007 y El Príncipe Mestizo en el 2009, son las más borrosas en mi memoria. Sí sé que las fui a ver y todo, pero la verdad es que no fueron tan memorables en mi vida, yo ya andaba en otras cosas— sin albur. A pesar de todo, había algo que me atraía de cierta manera y me conmovía de esta saga, pero no lo entendí hasta que vi el tráiler de la primera parte de la última película. Desde que tenía 9 años hasta mis 19 años había estado presente; era algo increíble saber que los actores de la película, al igual que los personajes, habían ido creciendo conmigo y con toda mi generación, habían madurado con nosotros al mismo tiempo. Saber que finalmente había llegado el final de la saga fue realmente conmovedor, no quiero saber cómo fue para los fanáticos obsesionados. Fue en este momento cuando la locura potteriana empezó a alcanzar niveles inimaginables. Muchos volvieron a leer todos los libros y otros volvieron a ver todas las películas anteriores. Yo sólo consulté algunas
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Cuenta tu Experiencia
dudas con mis amigos fanáticos obsesivos. Para el estreno de la primera parte de la franquicia me tocó estar en Monterrey, una de las ciudades más caras de toda Latinoamérica. Los boletos se empezaron a vender como tres días antes del estreno, que fue el 19 de noviembre de 2010 en todo el mundo. Yo fui al estreno porque tengo amigos realmente obsesionados con la saga, de otro modo hubiera ido a verla la siguiente semana sin tanta fila y tanta gente. La emoción desmedida de los fanáticos se me fue transmitiendo poco a poco, no quiero negarlo. Muchos en la larga fila estaban vestidos como los magos de la película con sus varitas mágicas y todo, eso sí me pareció exagerado, ¿cuántas veces habrían leído los libros ellos? Entramos a la sala, primero entre murmullos y luego gritos de emoción y alguno que otro llanto, pero en cuanto se puso el logo de Warner Bros. todos se callaron. Muchos en la sala ya sabían todo lo que iba a pasar en la película porque habían leído los libros, pero yo no, y sí me mantuvo muy concentrada hasta que se acabó. Por eso muchos reaccionaban antes de los hechos; me acuerdo que escuché sollozos y llantos en los momentos antes de que mataran al elfo Dobby. En sí, disfruté mucho de esta primera parte y me dio muchas más ansias de ya ver la segunda. Cuando salí de esa sala no me sentía capaz de esperar alrededor de ocho meses para ver la parte final. Pero el momento llegó y esta vez me encontró en mi país natal Nicaragua. En esta ocasión fue diferente porque yo ya no era la acarreada al estreno,
yo insistí en ir el día del estreno, fueron mis hermanos los que preferían verla la siguiente semana sin tanta fila y tanta gente. Pero yo los convencí, y allí estuve de nuevo, haciendo esa enorme fila. No percibí muchas diferencias en la emoción de los fanáticos de una ciudad o la otra. Pensé que por ser una ciudad mucho más pequeña, en Managua no causaría tanto impacto este estreno, pero sí lo causó, igual que en Monterrey pero con un poco menos de disfrazados. Pudo haber sido que esta ya era la película final final, o no sé, pero me hizo pensar que los fanáticos están igual de locos en toda Latinoamérica. Esta vez hubo opción de verla en 3D o 2D, así que obvio decidimos verla en 3D, aunque después descubrimos que no valía tanto la pena. No es fácil describir lo que se siente cuando una saga de 10 años finalmente termina, queda un vacío, como cuando uno termina de leer un libro, en este caso un libro que se termina de leer en
una década. Me consta que no todas las personas de mi generación se identificaron aunque sea en lo más mínimo con esta saga, conozco personalmente a muchos que no. Pero no ha habido en los últimos años un estreno cinematográfico tan esperado a nivel mundial como lo fueron ambas películas del final de esta saga; el que se atreva a decir lo contrario de seguro es un fan de Twilight. De este modo, el fenómeno mundial en que se convirtió Harry Potter logró poner a prueba el comportamiento de los adolescentes latinoamericanos ante un producto cultural extranjero, en este caso inglés. ¿Qué tienen en común los ingleses con los latinos? ¿O los latinos y los magos? No creo que mucho; el éxito de estas novelas/películas consistió en la conceptualización mundial que existe de la maduración de los adolescentes y su paso hacia la adultez, y de que en diez años se puede adquirir y acumular mucha audiencia y seguidores.
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¿RACISMO EN los
Academy Awards?
Por María Dolores Cruz
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n el 2012 se cumplieron 11 años desde que una mujer de color gana “mejor actriz” en los Academy Awards. En el 2001, cuando Halle Berry ganó esta distinción por primera y única vez, se tomó un momento para recordar a quienes estuvieron antes que ella y tuvieron que luchar en contra de los prejuicios, esforzándose para obtener el reconocimiento que muchas veces se les negó. “Este momento es mucho más grande que yo”, dijo Berry, antes de romperse a llorar. “Este momento es para Dorothy Dandridge, Lena Horne, Diahann Caroll.” Ese mismo año, Denzel Washington también fue reconocido con un Oscar por “mejor actor”, lo que dio la impresión de que por fin había llegado un cambio al cine, o por lo menos a los Academy Awards, habiendo premiado a sólo 7 actores de color en los 73 años anteriores. Sin embargo, ¿llegó realmente este cambio? Después de Berry y Washington vinieron Jamie Foxx y Forest Whitaker (“mejor actor”), Morgan Freeman (“mejor actor de reparto”, Jennifer Hudson, Mo’nique, y la más reciente, Octavia Spencer (“mejor actriz de reparto”). ¿A qué se debe que hayan tan pocos actores de color galardonados con este premio? ¿Existe cierto tipo de discriminación en los Academy Awards? Las controversias que surgieron en la disputa por “mejor actriz” de este año sirven de ejemplo para analizar esta situación. ¿Se discriminó racialmente a Viola Davis o fue realmente superior la actuación de Meryl Streep? La nominación de Meryl Streep por su actuación como la Dama de Hierro de Gran Bretaña, Margaret Thatcher, fue considerada impecable por los críticos: un gran trabajo al representar un personaje de la vida real, o, más bien, un personaje altamente ajeno a ella. Por su parte, el personaje que interpretó Viola Davis en The Help, Aibileen Clark, fue probablemente más familiar
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e identificable con su propia vida. Este simple detalle convierte la actuación de Streep en un papel más difícil de dominar. Tomando en cuenta detalles más específicos de las películas, la actuación de Davis fue parte de una gran composición que es The Help. Su interpretación a lo largo de todo el film no excede 25 minutos, lo que significa que en realidad tuvo mucha suerte de siquiera haber sido nominada en esa categoría. Normalmente, un actor con un papel de ese tamaño sería nominado a “mejor actor de reparto”. Streep, por otro lado, actúa a lo largo de todo The Iron Lady. No obstante en este caso Meryl Streep sí merecía su estatuilla y no se puede justificar que Viola Davis haya sido discriminada racialmente, es importante y pertinente analizar la composición de la nómina de votación de los Academy Awards, la cual a pesar de muchos esfuerzos por parte de su presidente, Tom Sherak, sigue estando compuesto por un 93% de caucásicos y 76% de hombres. Esto es, sin duda, una prueba de que el cambio que se esperaba en el 2001 todavía no ha logrado arrivar. En las palabras de Frank Pierson, miembro de la academia: “Yo no veo alguna razón por la que la academia debería representar a la población entera; para eso están los People´s Choice Awards. Nosotros representamos a los cineastas profesionales, y si eso no refleja a la población en general, pues que no lo refleje.” Esta situación al parecer seguirá igual por quién sabe cuántos años más. Mientras tanto, Viola Davis debería de tomar el consejo de la primera persona de color en ganar un Oscar en toda la historia, Hattie McDaniels: “¿Por qué habría de quejarme de ganar $700 a la semana por interpretar a una empleada? Si no lo hiciera, estaría ganando $7 a la semana siendo una.”
kinesis Noviembre 2012
Opinión
¿Hollywood
o el cine de nuestras tierras?
Por María Dolores Cruz
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a calidad del cine latinoamericano ha venido presenciando una mejora en la calidad en los últimos diez años. Sin embargo, es vergonzoso que hoy en día, el cine más visto en nuestra región sea el de Hollywood. ¿Por qué se da esta contradicción? Pues porque los latinoamericanos idealizan el cine meramente comercial de Hollywood y no son lo suficientemente expertos como para reconocer la calidad de su propio cine. Sí, hay películas latinoamericanas que son una basura, pero igual hay películas hollywoodenses que no se salvan. No porque sea Made in the USA significa que tiene un sello de calidad intachable, y no porque sea hecho en nuestras tierras significa que es incuestionablemente basura. La cantidad de películas que se producen en Hollywood al año es una monstruosidad, ni siquiera la mitad logra llegar al cine. De modo que, si a veces en el cine se están presentando basuras hollywoodenses es evidente que más de la mitad de lo que produce Hollywood es realmente una mierda. Esto se debe a que Hollywood es una industria multimillonaria que se puede dar el lujo de patrocinar proyectos que simplemente no son tan buenos como los que a veces se tienen que rechazar en Latinoamérica por falta de dinero. Esto también explica por qué no hay tantas películas latinoamericanas como estadounidenses. Por otro lado, el mismo aspecto del dinero es lo que en muchos casos marca una gran diferencia entre nuestro cine y el cine de los gringos. Ellos pueden contar con la mejor y más avanzada tecnología para facilitar la producción de sus películas, así como del manejo de efectos especiales asombrosos, como en el caso de Avatar. Sin embargo, muchas películas latinoamericanas han sido grabadas con la tecnología más básica imaginable. Y aún con estas diferencias de instrumentos,
hay películas latinoamericanas que dan la talla a las películas buenas de Hollywood, aunque no lo crean. Entonces, ¿cómo osan decir que las películas gringas son de mejor calidad? El cine fue inventado por los hermanos Lumière en Francia en 1895. Sin embargo, los gringos rápidamente se aprovecharon de esta nueva industria prometedora, como siempre, incorporaron el color, el sonido y muchas cosas más. De este modo, se pude decir que son unos expertos en la materia desde hace cien años aproximadamente. Latinoamérica, por su parte, empezó mucho más tarde en esta carrera, como en todo. Es hasta el día de hoy en que finalmente estamos logrando alcanzar las colas de Estados Unidos y Europa en cuanto al cine, y el hecho de que los latinoamericanos sean tan matamama (malinchistas) en este aspecto no está ayudando. Finalmente está el hecho de que los gringos se creen los dueños del mundo, y particularmente en el cine, se han apoderado del mercado global. A nivel mundial se producen millones de películas de las cuales ni siquiera nos enteramos; nuestros cines locales están llenos de películas gringas. Puede ser que, de vez en cuando, presenten alguna película nacional, pero nunca de otros países latinoamericanos. ¿O han visto ustedes la película La Yuma? Sólo si eres nicaragüense contestaste que sí a esa pregunta. Es casi nuestra obligación apoyar el cine latinoamericano por el simple hecho de que somos latinoamericanos. No está mal ver las películas de otros continentes, o incluso las gringas, el problema es considerar que las películas latinoamericanas son una basura sin siquiera haberlas visto. El cine latinoamericano está alcanzando su auge, no te lo sigas perdiendo.
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