Contenido. 1.
Macro
2.
Profundidad de campo
3.
Modos de disparo Manual
Cálidos Neutro 12.
Gran plano general
Automático
Plano general
Prioridad de apertura
Plano entero
Prioridad de obturación 4.
Planos cinematográficos
Plano tres cuartos
Velocidad de obturación
Plano medio
rápida
Primer plano
5.
Velocidad de obturación lenta
6.
Barrido simple
Primerísimo primer plano
7.
Barrido móvil
Plano detalle
8.
Fotografía nocturna
9.
Sensibilidad de ISO
13.
Ley de los Tercios.
400
Línea de horizonte
800
Ley de la mirada.
1600
Ley por contraste.
6400
14. Angulaciones Ángulo picado y
10. Expuesto, sobre expuesto, y
contrapicado
normal 11.
Composición
Ángulo nadir y cenital
Balances en blancos
Ángulo aberrante
Fríos 15.
Iluminación Strobist
MACRO.
Macro es un elemento compositivo que proviene de la lengua griega y que señala algo que es “grande”. Se trata, por lo tanto, de lo opuesto a micro (“pequeño”). El prefijo macro permite formar diversos conceptos, como macrofotografía (la técnica que se desarrolla cuando aquello que se retrata tiene un tamaño que resulta igual o inferior a las dimensiones del sensor electrónico), macrobiótica (una forma de alimentación que apunta a aumentar el bienestar de la persona) o macroeconomía (la rama teórica que estudia el comportamiento global de la economía, analizando la totalidad de los bienes producidos, el estado del empleo, los ingresos, etc.).
PROFUNDIDAD DE CAMPO Explicada llanamente, la profundidad de campo es la zona de la imagen que está nítida o bien enfocada, en contraste con otras zonas de menor enfoque. Como bien sabes, en cualquier encuadre el objetivo puede enfocar únicamente un punto, no varios. Eso sí, ese punto enfocado puede ser amplio o reducido, según nosotros queramos y según nos permitan las capacidades de nuestro objetivo.
La zona de la imagen que aparecerá nítida y estará bien enfocada determinará nuestra profundidad de campo. Para explicar mejor este concepto te he preparado un pequeño gráfico, muy simple y fácil de entender. A la izquierda puedes ver que hemos conseguido una gran profundidad de campo, de modo que la cámara nos enfoca una amplia distancia, prácticamente desde los 5 hasta los 15 metros (por ejemplo). En cambio, en la parte derecha hemos reducido muchísimo la profundidad de campo, o sea, la zona bajo enfoque, de modo que en la foto saldrá todo desenfocado excepto lo que haya entre el 9 y el 11 en este caso.
MODOS DE DISPARO
MODO MANUAL En este modo es el fotógrafo quien controla todos los parámetros. Elegirá tanto la apertura de diafragma como el tiempo de exposición como la sensibilidad. Se puede utilizar este modo con el método de ensayo y error, o utilizando fotómetros externos o bien copiando una medición hecha en la misma situación en un modo automático y modificándola después. Este modo es recomendable utilizarlo cuando se quiere controlar absolutamente todo en la exposición. Es un método utilizado por ejemplo en fotografía nocturna. También se utiliza cuando se dispara con flash, ya que el flash supone un nuevo elemento en la combinación apertura/tiempo/sensibilidad. Utilizando el modo manual con el flash en modo TTL (flash automático) el fotógrafo ajusta la apertura, el tiempo y la sensibilidad y la cámara calcula qué intensidad de flash necesita para iluminar la escena y dejarla correctamente expuesta.
MODO AUTOMÁTICO
El más cómodo es el modo automático. Este modo te calcula automáticamente todos los ajustes que la cámara entiende óptimos en el momento de hacer la foto. No deja ningún espacio a la creatividad, aunque es un modo adecuado cuando no tienes tiempo de pararte a pensar, cuando te encuentras perezoso y también cuando acabas de estrenar tu cámara y estás leyendo este curso para aprender.
Sin embargo yo os animo a abandonar este modo lo antes posible ya que estás dejando en la cámara toda la responsabilidad de la foto y no sabes exactamente qué va a hacer ésta. Si te da pereza o miedo saltar a modos semiautomáticos al menos mira los numeritos que aparecen en el interior del visor (apertura de diafragma y tiempo de exposición) y trata de valorar sin son buenos para la foto que estás haciendo.
MODO DE PRIORIDAD A LA APERTURA DE DIAFRAGMA (semiautomático)
En este modo el fotógrafo es quien decide qué apertura de diafragma utilizar y habitualmente también decide qué sensibilidad de sensor. Dependiendo del modelo de tu cámara y de la configuración de ésta también se puede calcular la sensibilidad adecuada automáticamente. Entonces, con este modo tú eliges la apertura y la cámara calcula el tiempo de exposición adecuado.
Éste es el modo que yo utilizo en el 80% de mis fotos. Cada uno debe habituarse a una forma de disparar y yo me habitué a ésta. Generalmente elijo la apertura que quiero. Al pulsar levemente el botón de disparo la cámara me indica cual es el tiempo de exposición que ella considera correcto. En función de si ese tiempo me parece muy bajo o muy alto abro o cierro el diafragma. Vuelvo a pulsar el botón de disparo y si tengo el tiempo que quiero entonces disparo. Es recomendable utilizarlo cuando quieres controlar la profundidad de campo, que es algo de lo que hablaremos un par de temas más adelante.
MODO DE PRIORIDAD AL TIEMPO DE VELOCIDAD (Semiautomático) En este modo el fotógrafo es quien elige el tiempo de exposición a utilizar y la sensibilidad del sensor. Igual que antes, hay cámaras que también calculan automáticamente la sensibilidad. La cámara será quien calcule la apertura de diafragma adecuada. Este modo es recomendable utilizarlo cuando quieres controlar el movimiento. Por ejemplo en fotografía de deporte, donde queremos asegurarnos de congelar el movimiento, utilizamos este programa para ajustar un tiempo de exposición bajo. Igualmente, si queremos obtener un efecto seda de un riachuelo utilizaremos un tiempo de exposición alto.
LA VELOCIDAD DE OBTURACIÓN La velocidad de obturación es simplemente el tiempo que está abierto el obturador de la cámara y por lo tanto el tiempo que llega luz al sensor. De esta forma regulamos la cantidad de luz que llega al sensor y controlamos la exposición. A mayor velocidad de obturación, menos luz llega al sensor y viceversa, cuanto más lenta es la velocidad de exposición, más luz llega al sensor La velocidad de obturación es uno de los tres elementos que nos permiten definir la cantidad de luz que vamos a dejar pasar al sensor. Los tres elementos de la ExposiciónPara que entiendas como funciona, imagina un grifo. La velocidad de obturación controla el tiempo que vas a tener abierto el grifo. Para un determinado grosor de la tubería por la que pasa el agua, con la velocidad de obturación determinaremos el tiempo que tendremos abierta la tubería y, por consiguiente, la cantidad de agua que pasará.
En fotografía, ocurre exactamente lo mismo, pero con luz en lugar de agua. La velocidad de obturación determina el tiempo que tendremos abierto el diafragma, marcando la cantidad de luz que dejaremos pasar hasta el sensor. Si fotografía objetos en movimiento como coches o gente corriendo hace falta escoger una velocidad de obturación rápida para capturar la foto más ajustada. Una excepción a esto es cuando se hace un plano general del objeto, lo que hay que hacer es precisar el sujeto y desenfocar el fondo, así que es necesaria una cuidadosa elección de la velocidad del obturación. A menudo encuentro que un pequeño desenfoque en el sitio adecuado nos da una mayor sensación de movimiento que si todo está bien ajustado. Este desenfoque, sin embargo, debe estar en los lugares adecuados, normalmente queremos ver la cabeza y el cuerpo bien ajustados pero, si los pies y las manos están borrosos, a menudo puede ser algo bueno. Emborronar el fondo también le puede ayudar, quitarnos problemas cuando hay desorden en el fondo que nos puede distraer del sujeto principal. Conseguir la velocidad de obturación adecuada para dar el balance de ajuste y desenfoque apropiado en cualquier sujeto sólo se puede determinar a través del intento y el error.
BARRIDO El barrido en una fotografía es una técnica que consiste en crear la sensación de movimiento dejando estático el elemento central o el fondo y correr o barrer el otro.
BARRIDO SIMPLE El barrido simple por su parte es aquel donde la técnica se construye de otra forma: Ahora el fotógrafo sigue el movimiento del objeto o sujeto, cuando esto suceda, por la calibración baja de la cámara el fondo será el que se mueva y se verá barrido y, por lo tanto, será el que contextualizará al objeto o sujeto principal. Al realizar un barrido simple es muy probable que el sujeto u objeto principal no saldrá perfectamente enfocado, pero no se preocupe, ya que en ocasiones, ese leve desenfoque aumentará la sensación de movimiento. Por último, hay que tener también mucho cuidado en qué ocasiones se usará el efecto ya que como se ven en estos ejemplos, es lógico hacer el efecto en una motocicleta y no en el carruaje ya que el segundo es obvio que se mueve mucho más lento que el primero.
EL BARRIDO MÓVIL
El barrido móvil es aquel tipo de barrido en el que la mayor parte de la escena esta detallada, estática y enfocada, y el motivo principal es el que dará la sensación de movimiento, siendo representada por líneas “barridas”. Se llama móvil porque el objeto que da la sensación de movimiento irrumpe en un panorama calmo como en la fotografía de la derecha.
FOTOGRAFÍA NOCTURNA La fotografía nocturna es una de las disciplinas más espectaculares, incluso está bastante de moda. La llegada del buen tiempo puede ser una buena oportunidad para plantearse programar una salida de noche y empezar a experimentar en este campo. Hacer una fotografía de noche no es diferente a hacerla de día, pero las condiciones en las que se trabaja sí hacen que el sistema sea un poco distinto. Tenemos que completar un poco nuestro equipo y tener en cuenta algunos aspectos técnicos para poder empezar en la fotografía nocturna.
Para hacer una salida nocturna a tomar fotografías, debemos completar nuestro equipo básico de cámara y meter en la mochila algunas cosas más: Empezaremos por lo más obvio, que es un buen trípode, y digo un buen trípode, por la necesidad que tendremos de realizar exposiciones largas y casi siempre, apuntando hacia el cielo. Si la rótula de nuestro trípode no aguanta mucho peso, se puede ir moviendo o cayendo poco a poco, muchas veces sin darnos cuenta, lo que va a provocar que nuestras fotos salgan movidas.
LIGHTPAINTING la fotografía Lightpainting (pronunciado “layt Péintin”) o “pintar con luz” es uno de los tipos de fotografía más curiosos y llamativos en la actualidad, a pesar de ser una técnica que se utiliza desde hace ya bastante tiempo. La misma consiste en dibujar con luz directamente en la fotografía, líneas, formas o lo que sea que se te pueda llegar a ocurrir, utilizando el aire como bastidor y disparando a velocidades de obturación exageradamente lentas.
Los trazos de luz, son captados por el sensor de la cámara y quedan “dibujados” directamente en la fotografía final. Para que te hagas una idea de las posibilidades que te brinda esta técnica, aquí te dejo algunas fotografías alucinantes. La idea general de este tipo de fotografías es nada más y nada menos que, como su nombre lo indica, pintar con luz directamente sobre la escena. Para ello podrás utilizar luces, linternas, flashes o cualquier otro elemento que se te ocurra, con el fin de trazar las líneas o iluminar los objetos que quieras que salgan expuestos en la fotografía final.
SENSIBILIDAD ISO La sensibilidad ISO es, junto con la apertura del diafragma y el tiempo de exposición, uno de los tres elementos que definen la exposición en tus fotos. La sensibilidad ISO marca la cantidad de luz que necesita nuestra cámara para hacer una fotografía. La mayor calidad de imagen con una cámara digital se obtendrá usándola a su menor sensibilidad ISO equivalente. El uso de sensibilidades ISO mayores se traducirá en un aumento de pixeles distribuidos al azar, principalmente en las zonas de sombra de la imagen. El ruido, a diferencia del grano, no será proporcional en toda la imagen, sino que se manifestará de forma más evidente en las zonas oscuras.
El ruido se manifiesta más en alguno canales que en otros. Normalmente el canal azul suele ser el que contiene más ruido. Se puede editar este canal posteriormente con algún programa de edición para reducir el ruido mediante una aplicación de filtros. El ruido es la consecuencia del proceso de amplificación de la señal llevado a cabo por el sensor al incrementar la sensibilidad, y se manifiesta bajo la forma de unas manchas oscuras que afean mucho nuestras fotografías. Si se nos va la mano con la sensibilidad puede, incluso, arruinar una imagen. No obstante, no todas las cámaras arrojan el mismo nivel de ruido al utilizar un mismo valor de sensibilidad.
ISO 800
ISO 800
ISO 1600
ISO 3200
ISO 6400
EXPOSICIÓN La exposición es la acción de someter un elemento fotosensible (en cámaras digitales el sensor) a la acción de la luz, que, como ya vimos, es la piedra angular de la fotografía. Por tanto, la correcta exposición de una fotografía será el primer paso para lograr una buena foto, al margen de una mejor o peor composición y de una mayor o menor belleza de lo retratado. En función del grado de exposición de una foto podremos hablar de tres situaciones: subexposición, exposición y sobreexposición.
Subexposición: La fotografía presenta una carencia considerable de luz frente a la de la escena original. En pocas palabras, la fotografía "está oscura". Exposición correcta: La fotografía recoge la cantidad de luz apropiada para representar fielmente la escena fotografiada. Sobreexposición: Se aprecia un exceso de luz en la fotografía frente a la escena retratada. De forma simple, la fotografía "está demasiado clara".
Subexposiciรณn
Exposiciรณn normal
Sobreexposiciรณn
BALANCES EN BLANCOS La temperatura de color es el método usado para cuantificar el color de la luz. Se expresa en Kelvins (K), que no en "grados Kelvin". Por ejemplo, la luz del día tiene alrededor de 6.500 Kelvins (6.500K). La luz cálida tiene una temperatura de color baja, este es el caso del atardecer, que tiene alrededor de unos 4.000K. La luz fría tiene una temperatura de color más alta. Las noches con luz azulada tienen alrededor de 7.500K. Por tanto, cuanto más cálida sea la luz (amarillorojo) más baja será la temperatura de color y cuanto más fría (azul), más alta la temperatura de color.
El balance de blancos (White Balance, WB) es un control de la cámara que sirve para ajustar el brillo de los colores básicos rojo, verde y azul (RGB) con el objeto de que la parte más brillante de la imagen aparezca como color blanco, y la menos brillante como negro. Este control, dependiendo de las cámaras, puede ser automático o manual. Los colores registrados por la cámara digital dependen de la iluminación. La luz que entra por el diafragma y registra el CCD no es siempre la misma. Puede ser natural o artificial, existiendo subtipos que dependientes de una serie de características diferenciadoras. Una de ellas es precisamente la temperatura de color, que expresa la dominante de color de una fuente de luz determinada, que varía según la distribución espectral de la energía.
Cรกlidos
Neutro.
Frío.
PLANOS CINEMATOGRÁFICOS
Gran plano general: El Gran plano general o Plano general largo (P.G.L.) muestra un gran escenario o una multitud. El sujeto (o figuras) no se puede ver o bien queda diluido en el entorno, lejano, perdido, pequeño, masificado. Tiene un valor descriptivo y puede adquirir un valor dramático cuando se pretende destacar la soledad o la pequeñez del hombre enfrente del medio. Recoge la figura/s humana/s en contextos tan amplios en los que se pierde la figura o el grupo. Se da así más relevancia al contexto que a las figuras que se graban.
Plano general: Muestra con detalle el entorno que rodea al sujeto o al objeto, como un amplio escenario. A veces se muestra al sujeto entre una 1/3 y una 1/4 de la imagen. Se utiliza para describir a las personas en el entorno que les rodea.
Plano entero: También llamado “plano figura”, denominado así porque encuadra justamente la figura entera del sujeto a tomar, es decir, se podría decir que el plano abarca justo desde la cabeza a los pies.
Plano americano: El Plano americano (P.A.), se le denomina también plano medio largo o plano de 3/4, encuadra desde la cabeza hasta las rodillas. Se le llama americano porque era utilizado en las películas de vaqueros para mostrar al sujeto con sus armas.
Plano medio: El Plano medio (P.M.) encuadra desde la cabeza a la cintura. Se correspondería con la distancia de relación personal, distancia adecuada para mostrar la realidad entre dos sujetos. Por ejemplo una entrevista entre dos personas.
Primer plano: En el caso de la figura humana, recogerĂa el rostro y los hombros. Este tipo de plano, al igual que el Plano detalle y el PrimerĂsimo primer plano, se corresponde con una distancia Ăntima, ya que sirve para mostrar confidencia e intimidad respecto al sujeto.
PrimerĂsimo primer plano: En este plano se capta una parte del cuerpo del sujeto, como una mano, una boca, un ojo y la ceja, etc.
Plano detalle: También llamado “plano primerísimo”. Este plano se utiliza para destacar un elemento que en otro plano podría pasar desapercibido, pero que es importante que el espectador se dé cuenta para seguir correctamente la trama.
REGLAS DE COMPOSICIÓN
Son una serie de “consejos” no obligatorios en sí mismos pero sí una guía de referencia a la hora de conseguir esa composición “técnicamente perfecta”. El buen fotógrafo debe conocerlas y tenerlas grabadas a fuego en su cabeza pero no debe dejarse guiar únicamente por ellas limitando su propia creatividad, su propio ojo fotográfico.
La regla de los tercios Nos indica que debemos situar nuestro motivo principal en uno de los tercios horizontales o verticales (imaginarios) en que podemos dividir nuestra toma. De hecho, muchas cámaras incorporan la posibilidad de mostrar una rejilla con los tercios para facilitar el encuadre. Es una indicación, nada más. Con ello lo que quiere expresar dicha regla es que visualmente tendremos más posibilidad de que la imagen “funcio
Ley de horizonte Consiste en dividir el encuadre con tres líneas imaginarias horizontales; no importa si tu encuadre se encuentra en posición horizontal o vertical. Estas líneas te ayudarán a posicionar los elementos principales en su lugar ideal dentro de la toma. Esta ley básica es generalmente utilizada en caso de capturar paisajes pero es posible aplicarla en diferentes situaciones.
Ley de la Mirada: Normalmente se suele dejar aire hacia el lugar donde se dirige la mirada de nuestro sujeto. Es decir, si la persona a la que fotografiamos observa hacia un lado, es justo hacia ese donde deberemos dejar un espacio. Es algo utilizado para hacer que el espectador de la imagen siga con sus ojos el recorrido de esa mirada, llegando a plantear incluso quĂŠ observa ese personaje.
COMPOSICIÓN POR CONTRASTE
El ojo humano tiende naturalmente a dirigirse hacia aquello que destaca en una imagen. De un montón de pelotas de color azul, en la que haya sólo una amarilla, destacará la amarilla por contraste al resto y por lo tanto nuestra mirada se dirigirá automáticamente hacia allí.
AsĂ pues, podemos considerar el contraste como una herramienta compositiva mĂĄs y por ello es importante que aprendas a dominarlo y a aĂąadirlo de forma consciente a tus imĂĄgenes.
ANGULACIONES El ángulo de una fotografía es la inclinación con respecto al suelo, de una línea imaginaria que se genera al fotografiar a un sujeto. Una de las técnicas que comúnmente se usa para dar más importancia a un sujeto o resaltar las características de éste es cambiar el ángulo desde el que tomamos la foto. Existen diversos tipos de ángulos a la hora de tomar las fotos:
Normal Este ángulo es aquél en el que la cámara se encuentra paralela al suelo. Es en el que hacemos la mayoría de fotos cuando estamos de pie. Nos da la sensación de estabilidad y se ha de hacer siempre a la altura de los ojos. Uno de los errores en este aspecto es la fotografía de niños desde nuestra altura, los cuales obtendrán mucho más protagonismo si les fotografiamos desde su altura.
Picado
La foto se toma a una altura superior a la de los elementos de la escena. Este punto de vista tiende a disminuir el peso visual de los sujetos u objetos fotografiados. Si lo utilizamos en paisajes, podremos conseguir reducir la presencia del fondo. Además, será sólo posible en las fotografías urbanas en ángulo picado conseguir captar de la mejor manera los coches y peatones en movimiento. Si pensamos en los retratos de personas, éste ángulo representa a un sujeto débil o inferior.
Contrapicado En este caso, ocurre todo lo contrario al picado. Nos encontramos a una altura inferior a la de los elementos de la escena. Con el contrapicado conseguiremos que los objetos o personas bajas cobren altura. Con estos รกngulos conseguimos invertir el sentido de las proporciones con unos resultados muy sugerentes. En el caso del retrato de personas, conseguiremos la apariencia de un personaje fuerte o superior.
Nadir La cámara se coloca completamente bajo el sujeto, de manera perpendicular al suelo. Aquí conseguimos un efecto más exagerado aún que con el ángulo picado. Conseguimos una perspectiva central, ya que las líneas tienden hacia el centro de la escena.
Cenital
Colocamos la cámara desde arriba, totalmente perpendicular al suelo. El ángulo cenital es muy usado en producciones cinematográficas o tomas desde helicóptero para grabar extensiones muy amplias. O los mapas por satélite son el ejemplo más representativo de ángulo cenital.
EL ÁNGULO ABERRANTE Se refiere al punto de vista desde el que se toma la imagen. Se da cuando “la cámara capta la imagen con una inclinación lateral y pierde el nivel paralelo al suelo. Se puede utilizar este tipo de ángulo para crear un efecto expresivo de inestabilidad o simplemente por usar un encuadre inusual y rompedor con la norma”
ILUMINACION STROBIST Estilo de iluminación que utiliza únicamente flashes de zapata fuera de la cámara para obtener resultados como la usada en los estudios de fotografía Consiste en un flash de zapata (también llamado strobe), un cable o transmisor inalámbrico para disparar el flash fuera de cámara adicionalmente hasta opcional un tripie de iluminación con un soporte de sombrilla y una sombrilla para modificar la luz (más adelante les explicare el porqué). De igual manera puedes tener 2, 3, o hasta más flashes que sean disparados en conjunto para obtener resultados interesantes.
1. Flash externo. 2. Flash externo con sombrilla. 3. Iluminación con dos flashes ¾ 4. Iluminación con dos flashes lateralmente, en el mismo eje
1
2
3
4