Aux Tuileries by Éditions Dilecta

Claude Lévêque est né en 1953 à Nevers. Il vit et travaille à Montreuil. « À l’occasion de la FIAC 2007, Claude Lévêque a présenté Mon repos aux Tuileries dans le Bassin Rond. Des lampadaires typiquement parisiens à moitié immergés encerclent une camionnette de type « Tube Citroën ». Éclairée de l’intérieur par un lustre à pampilles, la camionnette glisse sur l’eau, prise dans le cercle de ces éclairages de rue, comme des torches dansantes presque englouties. Par ces visions dédoublées et ces multiples diffractions de lumière, le bassin se transforme en un paysage renversé recueillant des brins de lumière comme les restes d’un feu d’artiﬁce retombant. Cet univers féerique et théâtral met en scène des émotions personnelles indissociables d’une mémoire collective. » D’APRÈS UN TEXTE DE TIMOTHÉE CHAILLOU

ISI

Claude Lévêque Mon repos aux Tuileries, 2007

DIMENSIONS VARIABLES GALERIE KAMEL MENNOUR UR

Claude Lévêque was born in 1953 in Nevers. He lives and works in Montreuil. “ During FIAC 2007, Claude Lévêque presented Mon repos aux Tuileries in the Round Basin on the Louvre side of the Tuileries: a circle of typically Parisian streetlamps surrounded a “Tube Citroën” van. Lit from the inside by a chandelier, it seemed to glide on the water, caught within the circle of the streetlamps resembling half-submerged dancing torches. Through the split visions and multiple diffractions of light, the basin morphs into an upturned landscape, gathering blades of light like the remains of falling ﬁreworks. This magical, theatrical universe alludes to an inner world of private emotions, indissociable from collective memory.” EXTRACT FROM A TEXT BY TIMOTHÉE CHAILLOU

CLAUDE LÉVÊQUE — MON REPOS AUX TUILERIES, 2007

WANG DU — LES MODES, 2007

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BRONZE DIMENSIONS VARIABLES GALERIE LAURENT GODIN, GALERIE BARONIAN FRANCEY

Wang Du Les Modes, 2007

Né en 1956 à Wuhan, en Chine, Wang Du vit et travaille à Paris depuis 1990. L’artiste est passé maître dans la manipulation des photographies liées aux mass media, en se réappropriant et en déconstruisant les images spectaculaires de notre société, notamment celles soumises aux logiques de création, consommation et manipulation textuelle et visuelle des informations. Wang Du transforme les événements extraordinaires relatés dans les médias en sculptures ironiques et absurdes : « Je gère mes projets de la même façon que les médias arrangent la réalité », dit-il. La série Les Modes est composée de sculptures de bronze, agrandissements démesurés de cinq pages de journaux de langues et de cultures différentes : arabe, américaine, russe, espagnole et chinoise. Wang Du assimile ainsi une action ordinaire (froisser, plier, déchirer, jeter les journaux et les papiers) à un geste sculptural. Par le procédé utilisé, modelage en terre et fonte de bronze à la cire perdue, il ﬁge et installe une tension entre le caractère éphémère, volatile et fragile de l’information et la matérialité sourde et monumentale du bronze.

Born in 1956 in Wuhan, in China, Wang Du has lived and worked in Paris since 1990. The artist has become a master at manipulating photographs drawn from mass media, reappropriating and deconstructing spectacular images from contemporary society, especially those subject to the logics of creation, consumption and textual/visual manipulation of information. Wang Du transforms the extraordinary events related in the media into ironic and absurd sculptures: “I handle my projects in the same way that the media arranges reality,” he says. The series Les Modes consists of bronze sculptures, huge enlargements of ﬁve newspaper pages in different languages: Arabic, American, Russian, Spanish and Chinese. Wang Du assimilates ordinary actions (crumpling, folding, ripping and discarding newspapers and papers) to a sculptural gesture. By means of the technique employed –clay modelling and lost-wax bronze casting– he creates a tension between the ephemeral, volatile and fragile character of information and the muted, monumental materiality of bronze.

lawrence weiner PER se, 2007 MARIAN GOODMAN GALLERY

LAWRENCE WEINER — PER SE, 2007

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Né en 1964 en Inde, Subodh Gupta vit et travaille à New Dehli. Artiste majeur de la scène contemporaine, il interroge l’identité indienne à travers, notamment, des mises en scène d’objets représentatifs de cette culture. Il aborde ainsi les grandes questions qui traversent son pays, comme la relation entre l’archaïsme et la modernité ou les rapports entre l’Orient et l’Occident. Son installation 27 light years propose une accumulation d’ustensiles de cuisine, matériaux récurrents dans le travail de Subodh Gupta, qui revêt de nombreuses signiﬁcations : celle, entre autres, de rendre visible les travers de nos sociétés contemporaines. L’œuvre joue également sur la contradiction entre des objets communs et quotidiens, typiquement indiens, qui, assemblés, prennent la forme d’une fusée, symbole d’une modernité technologique, visage de l’Inde contemporaine en pleine croissance.

Subodh Gupta 27 light years, 2007

STRUCTURE EN ACIER, USTENSILES EN ACIER 320X450X165 CM GALERIE IN SITU FABIENNE LECLERC

Born in 1964 in India, Subodh Gupta lives and works in New Delhi. A major ﬁgure of the contemporary art scene, his work examines the essence of Indian identity, often by means of the utilisation of objects, which embody this culture. He questions the major socio-political issues of his country, such as the relationship between archaism and modernity, or between East and West. His installation 27 light years presents an accumulation of kitchen utensils. These are recurrently used in Subodh Gupta’s work, which takes on different meanings, one of which is to highlight the shortcomings of our contemporary societies. The work also plays on the contradiction between common, typically Indian, everyday objects and the rocket which they form when assembled: a symbol of technological modernity and the face of contemporary India in these times of rapid growth.

SUBODH GUPTA — 27 LIGHT YEARS, 2007

Joana Vasconcelos est née à Paris en 1971. Elle vit et travaille à Oeiras au Portugal. « En 2007, l’artiste entame une série d’œuvres présentées sous la forme d’escarpins, dont l’échelle ampliﬁée découle de l’utilisation de casseroles et de couvercles. L’improbable, mais assertive, association de ces deux symboles paradigmatiques des domaines public et privé de la femme nous propose une révision du féminin à la lumière des pratiques du monde contemporain. Le titre renvoie au road movie de Stephan Elliott, Priscilla, folle du désert, qui narre le voyage intérieur de deux travestis et un transsexuel, élargissant le champ de lecture de l’œuvre au-delà des frontières classiques du genre féminin. L’effet « Gulliver » généré par l’accumulation de casseroles accentue le glamour de l’escarpin, porte-drapeau de la condition ambiguë de la femme : tantôt arme au service de son pouvoir de séduction ; tantôt accessoire inconfortable limitant la mobilité, métaphore de sa vulnérabilité. » LÚCIO MOURA - ATELIER DE JOANA VASCONCELOS

JOANA VASCONCELOS Priscilla, 2007

ACIER 430X270X150 CM GALERIE NATHALIE OBADIA

Joana Vasconcelos was born in 1971 in Paris. She lives and works in Oeiras, Portugal. “ In 2007, the artist began a series of works presented in the form of high-heeled shoes, whose ampliﬁed scale stems from the use of saucepans and lids. The improbable but assertive association of these two paradigmatic symbols of women’s public and private domains suggests a revision of the feminine in the light of contemporary practices. The title recalls Stephan Elliott’s road movie Priscilla, Queen of the Desert, which narrates the inner journey of two transvestites and a transsexual, thus broadening the work’s ﬁeld of interpretation beyond the classic frontiers of the female gender. The “Gulliver” effect generated by the accumulation of saucepans accentuates the glamour of the high-heel, the standard bearer for the ambiguity of the feminine condition: a weapon in service to her powers of seduction, or an uncomfortable accessory restricting mobility, a metaphor for her vulnerability”. LÚCIO MOURA - JOANA VASCONCELOS’ STUDIO

JOANA VASCONCELOS — PRISCILLA, 2007

PASCALE MARTHINE TAYOU — POUPÉES PASCALE, LES SAUVETEURS, 2007

Pascale Marthine Tayou est né en 1967 au Cameroun. Il vit et travaille en Belgique et au Cameroun. « Les objets sont le dénominateur de mon action existentielle. La matière première peut être n’importe quoi, ce que je croise sur mon chemin et que je détourne en lui instillant une âme. Les sculptures de cristal sont d’inspiration tribale, surtout africaine. La base est faite de cristal, mais elles sont parées d’éléments contemporains tirés du fétichisme moderne. L’Ancêtre taillait un morceau de bois dans la forêt et plantait, sur la tête, deux plumes de perroquet. Je moule du cristal dans les montagnes de Toscane. Au lieu d’utiliser des plumes pour la tête, je peux très bien prendre les vêtements de rappeurs locaux pour habiller mon cristal. Je suis toujours à la recherche de transparence, mais je me rends compte que ﬁnalement, nous sommes toujours dans l’opacité. »

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6 SCULPTURES EN CRISTAL, MATÉRIAUX DIVERS DIVE M, 80 GALLERIA CONTINUA NUA

Pascale Marthine Tayou Poupées Pascale, les sauveteurs, 2007 07

PASCALE MARTHINE TAYOU

Pascale Marthine Tayou was born in 1967 in Cameroun. He lives and works in Belgium and Cameroun. “ Objects are the denominator of my existential action. The material can be anything that I ﬁnd around me which I transform, endowing it with a soul. The crystal sculptures are of tribal inspiration, mainly African. The base is made of crystal but they are dressed with contemporary items borrowed from modern fetishism. The Ancestor would carve a piece of wood in the forest and ﬁx two parrot feathers in the head. I mould crystal in the Tuscany mountains. Instead of using feathers for the head, I might use local rappers clothes’ to dress my crystal. I am constantly searching for transparency. But in the end, I realise that we are always in opacity.” PASCALE MARTHINE TAYOU

Mona Hatoum, née à Beyrouth en 1952, vit entre Londres et Berlin. Son travail questionne les limites du corps humain et social ; ses représentations des objets de la vie quotidienne les transforment souvent en des signes d’aliénation et de menace. Les œuvres de l’artiste sont réalisées à partir de matières organiques telles que cheveux ou ﬂuides corporels, ainsi que matériaux industriels comme des grillages, des panneaux vitrés ou du fer barbelé. Le Jardin Suspendu prend la forme d’un mur de sacs de sable, comme ceux utilisés aux postes de contrôle et aux passages des frontières dans les zones de guerre. L’herbe qui pousse en surface confère à cette œuvre l’idée, pleine d’espoir, que la vie peut éclore même dans l’environnement le plus inhospitalier.

Mona Hatoum Jardin Suspendu, 2008

SACS DE JUTE, TERRE, HERBES DIMENSIONS VARIABLES GALERIE CHANTAL CROUSEL

Born in Beirut in 1952, Mona Hatoum lives between London and Berlin. Her work questions the limits of both the human and the social body; her unconventional representations of familiar objects often convey sensations of danger and alienation. The vocabulary of the artist includes organic materials such as hair or body ﬂuids, but also industrial materials like wire fencing, barbed wire or glass panels. Jardin Suspendu (Hanging Garden) takes the form of a wall of sand bags such as those used at the border checkpoints which proliferate in war zones. Grass growing on the surface gives this work the hopeful connotation of life sprouting in the most inhospitable environment.

MONA HATOUM — JARDIN SUSPENDU, 2008

ATELIER VAN LIESHOUT — FAVELA, 2003

TECHNIQUES MIXTES 570X260X260 CM GALERIE JOUSSE ENTREPRISE

Atelier Van Lieshout Favela, 2003

Fondé en 1995 par l’artiste hollandais Joep van Lieshout, l’Atelier Van Lieshout fonctionne comme une PME collégiale. Il regroupe une vingtaine de personnes aux compétences complémentaires. Leurs productions brouillent les frontières entre architecture, design et art contemporain. Tous partagent la même vision d’un monde en pleine mutation. Tous mettent l’art au service d’une éthique. La Favela est réalisée en collaboration avec des habitants de São Paulo. L’Atelier a conçu un élément de façade dans son style propre, fabriqué en cinq unités, qui furent transportées à São Paulo et conﬁées aux habitants des favelas aﬁn qu’ils puissent se les approprier pour la construction de leurs habitations, généralement élaborées à partir de matériaux divers trouvés sur place. La Favela, elle-même construite par les habitants des favelas de São Paulo et exposée au Jardin des Tuileries, témoigne de ce projet à double portée artistique et sociale.

Founded in 1995 by the Dutch artist Joep van Lieshout, the Atelier Van Lieshout functions as a small business with a collective approach. Approximately twenty people with multidisciplinary talents make up the creative team. Their productions stretch the limits between architecture, design and contemporary art. They share the vision of a constantly changing world, and a belief that art should serve an ethical purpose. The Favela project was produced in collaboration with the inhabitants of São Paulo. The Atelier devised a façade module in their signature style, manufactured ﬁve elements and shipped them to São Paulo where they were given to the inhabitants of the favelas for use in the construction of their dwellings, generally built with whatever materials can be found at hand. The Favela, itself built by the residents of São Paulo and exhibited in the Tuileries Garden, testiﬁes to the Atelier’s two-fold motivation, both artistic and social.

Aleksandra Mir est née en 1967 en Pologne. Elle vit et travaille à New York. Le projet Plane Landing repose sur la création d’un ballon gonﬂé à l’hélium, reprenant les formes et dimensions d’un avion de ligne. Suspendu au-dessus du sol en position de décollage, l’avion a été présenté pour la première fois en juillet 2004 dans un cadre typiquement anglais, avant d’entamer un tour du monde vers d’autres paysages de cartes postales. L’avion a « atterri » en octobre 2008 à Paris sur la Terrasse Lemonnier dans le Jardin des Tuileries. Plane Landing est une œuvre performative dont chaque étape fait partie intégrante : la fabrication du ballon, ses voyages, son gonﬂage à l’hélium, son « décollage » et son « atterrissage », ainsi que les photographies qui témoignent de tous ces épisodes.

Aleksandra Mir Plane Landing, 2004

TECHNIQUES MIXTES, BALLON GONFLÉ À L’HÉLIUM 20X80X15 M GALERIE LAURENT GODIN AVEC LE SOUTIEN N DE L’AVION PARIS–NEW YORK

Aleksandra Mir was born in 1967 in Poland. She lives and works in New York. The project Plane Landing reposes on the creation of a purpose-designed helium balloon in the shape and size of a passenger jet plane. Suspended above the ground in a permanent state of take-off, the plane’s premiere took place in the United Kingdom in 2004 against a quintessentially English backdrop, before it embarked on a global tour to other “picture postcard” destinations. In October 2008, the plane “landed” in Paris on the Terrasse Lemonnier in the Tuileries Garden. Plane Landing is a performance work in which each of the different phases –the production of the balloon, its travel to new destinations, the inﬂation, its “take-off” and “landing” and the related documentation– constitute the artwork.

ALEKSANDRA MIR — PLANE LANDING, 2004

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Mark Dion est né en 1961 à New Bedford aux États-Unis. Au cours des vingt dernières années, il a étudié la relation entre nature et culture, faisant référence aux systèmes de classiﬁcation et s’inspirant des méthodes de muséologie. Fidèle à ses recherches, The Tuilery Conservatory for Confectionary Curiosities, conçue spécialement pour le Jardin des Tuileries en collaboration avec Dana Sherwood, se compose d’une gloriette de style XIXe qui renferme une table sur laquelle sont disposés plusieurs gâteaux en résine, très colorés, décorés et recouverts d’une multitude d’insectes échoués, créant ainsi une vanité atypique et exubérante.

Mark Dion The Tuilery Conservatory for r Confectionary Curiosities, s, 20 2008

STRUCTURE EN ACIER, ET SERRE EN VERRE RRE RÉSINE, BOIS, GRAVIER 300X170X170 CM GALERIE IN SITU FABIENNE NE LECLERC

Mark Dion was born in 1961 in New Bedford in the United States. For the last twenty years he has explored the relationship between nature and culture, referring to systems of scientiﬁc classiﬁcation, and exhibiting the methodological practices of museology. Pursuing his research, The Tuilery Conservatory for Confectionary Curiosities, created especially for the Tuileries Garden by Mark Dion in collaboration with Dana Sherwood, takes the form of a gloriette whose form and decorative elements recall nineteenth century style. An accumulation of brightly coloured and lavishly decorated cakes, covered by a multitude of stranded insects is presented on a table inside. The ensemble evokes an atypical and exuberant vanity.

MARK DION — THE TUILERY CONSERVATORY FOR CONFECTIONARY CURIOSITIES, 2008