Diseño: María José G.
El Dibujo tecnico y la tegnología del momento
Apasionada por el arte y respetuosa del medio ambiente, marca la diferencia en la moda Colombiana utilizando diseños vintage.
Historia
Nixa sierra con sus creaciones.
El dibujo técnico es un sistema de representación gráfica de diversos tipos de objetos, con el propósito de proporcionar información suficiente para facilitar su análisis, ayudar a elaborar su diseño y posibilitar la futura construcción y mantenimiento del mismo. Suele realizarse con el auxilio de medios informatizados o, directamente, sobre el papel u otros soportes planos. Es la representación gráfica de un objeto o una idea práctica. Esta representación se guía por normas fijas y preestablecidas para poder describir de forma exacta y clara, dimensiones, formas, características y la construcción de lo que se quiere reproducir.
La historia del dibujo técnico se inicia gracias a la necesidad de grafismos o dibujos. Las primeras representaciones que conocemos son las pinturas rupestres, en ellas no solo se intentaba representar la realidad que le rodeaba, animales, astros, al propio ser humano, etc., sino también sensaciones, como la alegría de las danzas, o la tensión de las cacerías. A lo largo de la historia, esta necesidad de comunicarse mediante dibujos, ha evolucionado, dando lugar por un lado al dibujo artístico y por otro al dibujo técnico. Mientras el primero intenta comunicar ideas y sensaciones, basándose en la sugerencia y estimulando la imaginación del espectador, el dibujo técnico, tiene como fin, la representación de los objetos lo más exactamente posible, en forma y dimensiones. Hoy en día, se está produciendo una confluencia entre los objetivos del dibujo artístico y técnico. Esto es consecuencia de la utilización de los ordenadores en el dibujo técnico, con ellos se obtienen recreaciones virtuales en 3D, que si bien representan los objetos en verdadera magnitud y forma, también conllevan una fuerte carga de sugerencia para el
Época primitiva y antigua. Aún antes de convertirse en Homo Sapiens, el hombre demostró talento para pintar. Las denominadas pinturas rupestres encontradas en las paredes de algunas cavernas son testimonios de ese talento. El hombre primitivo solía pintar figuras de animales o de personas con extraños atuendos o a grupos de hombres cazando a algún animal, porque tenían la creencia de que la representación gráfica de la acción le daría suerte en la cacería. Las pinturas prehistóricas constituyen documentos De incalculable valor, porque de ese modo narró su historia el hombre que no conocía la escritura. Época clásica y edad media. Al alcanzar la civilización las imágenes y dibujos se transformaban en símbolos abstractos así del arte de la imagen, nació el arte de la escritura. Los dibujos siguen siendo unos de los principales apoyos pues ya no se construyen pirámides sino palacios, coliseos y templos calculando desniveles y cimentaciones, como Hipodamo de Mileto, en Grecia introduce el trazado en cuadricula, así como los Romanos el Trazo del Arco. Donde manifiestan sus costumbres en vasijas, ánforas y cerámicas, dibujadas en diferentes formas, caladas, pintadas, así como relieves. Aún en la Edad Media, el dibujo deja huellas en sarcófagos, criptas, cúpulas y pergaminos religiosos, usando en esta época el trazo en Isométrico para la construcción. El arte de la Edad Media es esencialmente religioso, aunque haya producido obras maestras de carácter profano.
El tipo de letra empleado, se denomina en general escritura gótica, pese a que tiene muchas variantes locales y regionales. Siendo una de las más comunes: la escritura carolingia; ésta consistía en una derivación de las mayúsculas romanas. El soporte que mas se asemeja a los actuales libros, es el códice; cuya técnica de fabricación consistía básicamente en coser los pergaminos por uno de los extremos. Además estas obras eran decoradas con minuciosas ilustraciones, calderones, etc., que le daban un aspecto bastante colorista. Por otro lado, los individuos de aquella época eran en su mayor parte analfabetos; por lo que debían interpretar las escrituras ayudándose de los dibujos. Época del renacimiento El Renacimiento comenzó como un movimiento orientado por artistas e intelectuales en Italia, bajo el signo del Humanismo; es un renacer de las artes donde los asuntos representados, desde el punto de vista ético y estético se liberaron de los vínculos del concepto de vida cristiano. Para ellos el arte ya no era un servicio anónimo, ofrecido a Dios y a la iglesia, sino un himno personal en alabanza a la belleza; así, se perfecciona el dibujo y se utiliza como base de la pintura. Entre los representantes más significativos del Renacimiento, podemos destacar por sus majestuosas obras pictóricas a Sandro Botticeli, Miguel Ángel Buonarroti, Durero, Tintoretto, El Greco, Leonardo de Vinci y Rafael Sanzio. En las artes plásticas, se producen un cambio principalmente en las pinturas
de Giotto que se esforzaba por dar a las figuras formas corpóreas y a los paisajes, dimensiones y profundidad. Este es el punto fundamental que caracteriza el arte Renacentista. Es la ilusión del claroscuro (luz y sombra) y a la perspectiva. La teoría de las proyecciones de objetos sobre planos imaginarios de proyección no se desarrolló sino hasta la primera parte del siglo quince, y su desarrollo se debe a los arquitectos italianos Albe Brunelleschi y otros. Es del conocimiento general que Leonardo da Vinci usaba dibujos para transmitir a los demás sus ideas y diseños para construcciones mecánicas, y muchos de tales dibujos existen hoy en día. Sin embargo, no está muy claro, si Leonardo hizo alguna vez dibujos mecánicos en los que aparecieran las vistas ortográficas como las que se hacen en la actualidad, pero es muy probable que sí. El tratado de Leonardo da Vinci sobre pintura, publicado en 1651, se considera como el primer libro impreso sobre la teoría del dibujo de proyecciones; pero, está enfocado a la proyección ortográfica. El compás de los romanos se conservó prácticamente sin cambio en la época de Leonardo. Las circunferencias se marcaban con puntas metálicas, ya que los lápices de grafito no se inventaron sino hasta el siglo dieciocho, cuando Faber estableció su compañía en Nuremburg, Alemania. Revolución industrial Antes de la... La industria antigua Estaba muy dispersada (familias, aldeas, pequeños talleres). - Había muy pocas fábricas grandes y la producción era limitada. - Lo esencial de los capitales industriales y la mano de obra, se concentraban en las industrias de consumo, especialmente en las textiles. Después de la... Características de la industria moderna. Disminución del papel de la agricultura aunque su producción aumenta debido a la introducción de mejoras en ella: maquinaria, obreros... Elevada proporción de mano de obra ocupada en el sector terciario. - Nacimiento del sector secundario (minería, manufacturas y construcción). Esta transformación se hizo patente por primera vez en Inglaterra, de ahí que se haya definido a Gran Bretaña como “la primera nación industrial”. Época contemporánea El dibujo es una actividad que está debajo de casi todas las actividades humanas. La imagen que nos representamos del mundo es un dibujo que mentalmente nos hacemos de él para ordenarlo, para ponerle cotas y entenderlo. La escritura misma está hecha con letras que son dibujos sobre los soportes que se nos antojen. Los signos convencionales con los que a diario convivimos en computadoras, señales de tránsito, medios de comunicación y afines, son también dibujos. Ni hablar de los proyectos de diseño industrial, arquitectónico o de modas. En todos ellos vive ese acto voluntario de definición y unión de puntos en el espacio que es el dibujo. Hoy Dibujo no es apenas lápiz, tinta o crayones sobre papel; es también el Mouse de la computadora, la pantalla, la reproducción fotostática de unas líneas o la traza que deja
“Al alcanzar la civilización las imágenes y dibujos se transformaban en símbolos abstractos así del arte de la imagen”
un dedo sobre la arena; es también la mirada que escoge lo que quiere ver, la mente que recuerda y que le da a los objetos «imaginados» un paradigma de contenidos, de relaciones y medidas. En nuestra época, los descubrimientos como el átomo, la construcción de máquinas en el que todo se puede programar, así como todo tipo de aparatos automatizados, en todos los campos de la actividad humana, artes ciencias, industrias, comercio, los proyectos los estudios y la realización de objetos o mecanismos exigen un intercambio de nuevas ideas Técnicas. Así que podemos concluir en que el dibujo es el apoyo esencial del pensamiento técnico actual.
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El Dibujo Artistico Estrategias para el uso de materiales y procesos en el diseño
“El carboncillo o carbonilla es un medio ideal para dibujar con rapidez y eficacia” La técnica del dibujo al carboncillo es aquella que emplea el carboncillo o carbonilla para su ejecución. La carbonilla es una barra de carbón de origen vegetal que se utiliza para dibujar. Es un pigmento no graso, por tanto no tiene buena fijación al papel. El carboncillo o carbonilla es un medio ideal para dibujar con rapidez y eficacia. Es una barra de carbón vegetal que se utiliza para dibujar. Este instrumento ofrece un pigmento no graso que resulta más sucio y menos adherente al papel. Estas características son positivas ya que permite una fácil difuminación y el borrado, lo que lo hace ideal para el estudio de luces y sombras, del cuerpo humano, de la composición. Esta técnica nos permite mediante el simple trazado del contorno de la figura y un par de manchas que se correspondan con la sombra propia y la proyectada, conseguir la representación de una figura geométrica. El difuminado de manchas nos permite dar volumen a las piezas. Dicho difuminado puede hacerse con el dedo.
Para aclarar las zonas iluminadas se resta color pasando el dedo limpio o un paño limpio. Para reforzar el blanco tenemos la Creta blanca, que se aplica sobre las zonas que deseamos aclarar bien.
Cómo dibujar al carboncillo: Para dibujar con esta técnica necesitamos barras de carbonilla de distintos grosores. Para detalles que necesiten mayor intensidad, utilizaremos un lápiz conté, que es como un carboncillo artificial que posee una mayor adherencia, por lo que, además de ofrecer un color más negro, mancha menos al pintar. Otro elemento indispensable para el dibujo a carbonilla es el difumino, que es una barra de papel concentrado con forma de lápiz que se utiliza para suavizar las líneas y difuminar las sombras. También se utilizan para este procedimiento, la goma de miga de pan (que se amasa como plastilina), trapos y esponja. Cuando se dibuja al carboncillo, no se puede mezclar el lápiz común, pues este es un pigmento graso incompatible con el carbón.
Técnica del retrato: El retrato es a menudo uno de los principales motivos de dibujo; de hecho pocos artistas se han resistido en algún momento a realizar un retrato con tan solo un lápiz y un papel, Captar el rostro y la personalidad del retratado requiere un completo conocimiento de la técnica del dibujo y de la representación de los rasgos en proporción de unos con otros. De todas maneras, no se puede hablar de un único sistema de trabajo a la hora de plantear retrato; existen retratos de marcado carácter académico y otros libres y espontáneos, con el denominador común de que tanto un estilo como otro se sirven del dibujo como base. Estudio de las formas El retrato atiende a unas medidas determinadas como aproximación al encaje en el papel. Al igual que cualquier cuestión que se represente, el rostro, del mismo modo que los rasgos o la forma de la cabeza o el tronco, se puede llegar a entender como una combinación de formas geométricas, a través de las cuales se concreta una síntesis sobre el papel. Las formas esenciales son siempre las mismas: un ovalo, un cono, un cilindro y un cubo. A partir de dichas formas, los rasgos se han de situar y concretar, dependiendo el parecido de la capacidad de observación y del oficio del artista. Superposición de planos Con el rotulador se pueden plantear superposiciones de color a modo de planos, de una gran transparencia. El rotulador se puede aplicar como si se tratara de filtros de color que se superponen a los colores inferiores con el efecto cromático que ello conlleva. La superposición de planos produce una adición del color añadido sobre los planos de
color inferiores, por ello se debe repasar la teoría del color para tener en cuenta cómo reaccionan los colores al mezclarse unos con otros. Para conseguir por medio del rotulador un plano continúo sin cambios tonales, el plano se debe pintar a base de trazos o franjas uniformes, paralelas y superpuestas; de esta forma se pueden pintar los colores base y, una vez secos estos, superponer el color deseado, igualmente con trazos paralelos y superpuestos. Volúmenes y luces Para la realización del volumen y de las luces se puede partir incluso de un dibujo realizado con anterioridad, para de este modo apreciar las diferencias de los cambios de tonalidad en los realces. En este caso se va a reelaborar un dibujo hecho con sanguina natural, partiendo de entrada de un aumento en la valoración de las zonas más oscuras, como pueden ser el pelo y las sombras, pero advirtiendo que el trazado de las nuevas líneas debe ser envolvente, siguiendo las formas de la anatomía. Las luces se insumían a partir de la situación de las sombras, las cuales actuaran por contraste con respecto a las zonas más claras. Los brillos en la piel se reafirman abriendo blancos con la goma de borrar, igualmente modelando las formas y respetando aquellas zonas anatómicas que generen sombras. Por ultimo, los contrastes máximos se pueden llegar a perfilar con un lápiz sanguina oscura degradando la sombra con suavidad, siguiendo la forma del plano anatómico. Trazo y mancha en medios secos o grasos
Retrato de niña
El dibujo se pone de manifiesto sobre el papel a partir de las líneas que lo conforman, siendo estas las que componen la estructura en la construcción
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del mismo. Existen muchas formas de plantear el tipo de trazo y de línea, según la intención que se pretenda imprimir en el trabajo dibujantico. Cada uno de los diferentes medios que se utilicen en la elaboración del dibujo permite plantear un tipo de línea y trazo diferentes: regular, con variantes de presión sobre el papel, intenso o delicado… todo dependen del medio y de la intención. El papel y el medio de dibujo El dibujo no se puede comprender como el simple hecho de la aplicación de un trazo, sin más. Como es lógico, requiere un soporte; y el mismo medio (carbón, grafito, sanguina o lápiz) resultara diferente en cada soporte. Por ello el papel puede presentarse en muchas y diferentes calidades, que varían según el grosor y densidad (gramaje), el encolado de su superficie (permitiendo una mayor o menor absorción del medio dibujantico), o de la textura que presente el papel, (ya que este puede tener un grano marcado o bien presentar una superficie lisa y satinada). El medio graso y el medio seco EI dibujo se puede plantear siempre partiendo del conocimiento y posibilidades del medio utilizado; de manera que el trazo o la mancha que se aplique, se realice con conocimiento de los límites, tanto de tonalidad, como de posibilidades de fusión o valoración. El medio se puede dividir en graso o seco. Son medios grasos los derivados del grafito y los lápices con mina grasa, incluyéndose dentro de esta clasificación los lápices cerosos solubles en agua. Los medios secos son los que son producto de maderas carbonizadas y de minerales; estos son el carboncillo, el lápiz carbón y la cresta.
Técnicas para el trazado a lápiz Para lograr un buen trazo se debe: 1. Colocar el lápiz con una inclinación aproximada de 60º hacia la dirección del trazo. 2. Girar el lápiz durante todo el recorrido, a fin de que la punta se mantenga afilada y se desgaste uniformemente. - Trazado de líneas horizontales Para trazar líneas horizontales a mano alzada, el lápiz debe moverse de izquierda a derecha. El movimiento se realiza en una sola ejecución. - Trazado de líneas verticales Para trazar líneas verticales a mano alzada, el lápiz debe moverse de arriba hacia abajo. El movimiento se realiza en una sola ejecución. - Trazado de líneas oblicuas Para el trazado a mano alzada de líneas oblicuas inclinadas a la derecha, el trazo se realiza hacia arriba.
El Boceto Un boceto (o esbozo) es un dibujo rápido y esquemático que utilizamos para estudiar las cosas, con el fin de hacer una obra definitiva o del mero estudio de las formas y volúmenes. Se utiliza también para representar ideas. Los bocetos son dibujos muy generales, hechos con poco detalle y con pocos materiales (normalmente un lápiz, aunque puede utilizarse cualquier tipo de técnica). Los bocetos pueden ser desde apuntes generales sin detalles y dibujando lo que primero nos viene a la mente (boceto Burdo o cuando plasmamos ideas) hasta bocetos en los que se ha estudiado detenidamente la composición y forma de las cosas (boceto comprensivo) Boceto (del italiano bozzetto), esbozo (del italiano sbozzare), bosquejo (de bosque), borrador (de borrar) o apunte (de punto opunta), son términos pictóricos para designar al proyecto, pruebas o traza primera; que se realiza previamente a la obra definitiva. En un boceto los contornos y los detalles no están definidos, sino insinuados de forma esquemática (abocetados, esbozados obosquejados). Aunque se puede señalar algún matiz diferencial entre “boceto” y “esbozo”, no hay en el uso general una estricta diferencia conceptual entre cualquiera de estos términos, ni entre sí ni con otros como “croquis” y “estudio”, o con el muy poco usado “esquicio”, que se suele usar directamente con la palabra italiana, francesa o inglesa schizzo, esquisse o sketch (ésta última también designa a una escena cómica breve).
sobre una superficie de dos dimensiones. Es la forma que han desarrollado los artistas para conseguir una imagen en dos dimensiones del mundo tridimensional que habitamos. Esto puede conseguirse utilizando diversas técnicas, una de ellas es la perspectiva lineal.
El término perspectiva es usado en múltiples ocasiones, y en la mayoría de esas ocasiones, se refiere el concepto a cuestiones diversas, por lo cual intentaremos poner un poco de claridad a cuáles usos puede darse a este término y cómo es usado en diferentes situaciones y contextos. Empecemos entonces por el ámbito del diseño o de la representación por medio de gráficos: en este caso, la perspectiva es una técnica por la cual se pueden representar objetos en tercera dimensión pero en una superficie que es plana, como por ejemplo un papel o una tela (lienzos). A partir de esa perspectiva de tercera dimensión, al objeto se le atribuye una sensación de profundidad y de volumen. Es utilizada de este modo la perspectiva cuando necesitamos dibujar cubos por ejemplo, y en arquitectura se utiliza mucho cuando se deben realizar representaciones de obras en tercera dimensión (en la actualidad, mucho puede contribuir a esto la utilización de programas informáticos que facilitan la tarea de dibujar). Qué es la perspectiva? En un sentido general, la perspectiva es la representación de la profundidad
La perspectiva lineal Es un tipo de perspectiva basada en esquemas. Aunque pueda parecerlo, la perspectiva lineal no se corresponde con la forma natural de ver las cosas, es una abstracción, una elaboración cultural que ha pasado a lo largo de la historia por diversas etapas de desarrollo antes de adoptar la forma actual. En el arte, cada época artística ha desarrollado medios distintos de representación, ajenos e incluso contrarios a la perspectiva lineal, pero no por ello menos válidos, ya que responden a las necesidades de la época, y todas las formas de representación son válidas. La perspectiva técnica debe ser reversible: las leyes que permiten dibujar una caja, una calle ó una catedral a partir de unos datos básicos (altura, longitud y anchura del objeto) tienen que permitir a cualquier espectador que estudie dibujo en perspectiva reconocer los datos originales que han hecho posible su representación.
El ejemplo más evidente de perspectiva técnica es el dibujo arquitectónico. La función primordial de una perspectiva arquitectónica no es otra que construir un modelo a escala de la realidad, de manera que el constructor pueda deducir las medidas reales a partir de las medidas del dibujo. La perspectiva artística no se basa en números y medidas precisas. Las leyes de la perspectiva en la pintura o el dibujo artístico tienen como finalidad que los objetos representados de la escena estén en una relación espacial coherente; que los más alejados en la realidad parezcan los más alejados en la pintura, y los más cercanos parezcan estar más cercanos. El objetivo por tanto es que la escena se asemeje a la realidad. La perspectiva artística no tiene porque ser reversible, porque no es un modelo a escala de la realidad con vistas a un fin práctico, simplemente a de ayudar al artista a representar la realidad de un forma aproximada y convincente. Hay que conocer las leyes que rigen a ambas, asimilando unas nociones básicas y unas reglas de aplicación práctica.
Alberto Durero es uno de los artistas más famosos del Renacimiento alemán. En su producción abundan pinturas, dibujos, grabados y escritos teóricos sobre arte. Nació el 21 de mayo de 1471 en Nüremberg, Alemania. Era hijo de Alberto Durero el Viejo y Barbara Holfer. La pareja tuvo dieciocho hijos, pero solo tres lograron sobrevivir. Su padre, un orfebre húngaro, fue su primer maestro, enseñándole el oficio de orfebre y joyero. Tras trabajar con él durante un periodo de tiempo, el joven Durero se interesó más por la pintura. El padre accedió a los deseos del hijo y en 1486 ingresó en el taller de Michael Wolgemut, el principal productor de retablos, como aprendiz de pintor y diseñador de grabados. Allí permaneció cuatro años, llegando a superar la calidad artística de su maestro. Después, realizó un viaje de estudios para ampliar su formación y conocer a otros artistas. Fue a Colmar con la intención de entrar en el taller del pintor y grabador alemán Martin Schongauer, pero el maestro había fallecido. Se dirigió a Basilea y a Estrasburgo, donde realizó ilustraciones para varias publicaciones. En estos años, su arte refleja una enorme calidad en el trazado del dibujo y una minuciosa observación del detalle. Finalmente, regresó a Nüremberg en 1494, ya que sus padres habían concertado su enlace con Agnes Frey. El matrimonio le aportó el dinero necesario para crear su propio estudio Nüremberg. Ese mismo año marchó a Italia y visitó Venecia, conoció la obra de Bellini, Mantenga y Pollaiuolo. El viaje duró dos años, pintó castillos, paisajes y panorámicas, apuntes que después empleará en sus obras.
En 1512 fue nombrado pintor de corte del emperador Maximiliano I y de Carlos I. Sus últimos años los dedicó a su obra teórica, Tratado sobre la proporción, publicado en cuatro libros en 1525. Finalmente falleció en Nüremberg en 1528. Es una de las figuras más importantes del Renacimiento en Europa septentrional, y a través de sus grabados ejerció una enorme influencia en otros artistas del siglo XVI. Obras más importantes de Albero Durero Adoración del Niño (1496-97) Durero realizó esta obra al de llegar de Italia y pone de manifiesto todo lo aprendido, presenta a una Virgen monumental, casi escultórica. La construcción espacial de la sala también sigue las teorías de la perspectiva de los italianos, aunque se observan algunos detalles alemanes, como el paisaje de Nüremberg que se ve a través de la ventana. Melancolía Es la representación de la virtud intelectual. Es una mujer sentada en un banco de piedra y está acompañada por un ángel tristón y un perro a sus pies. Su aspecto es descuidado y su cabello está despeinado. Está absorta, pero no en un trabajo, sino en un estado de inactividad completa, con la cabeza apoyada en el puño. Está sumida en una intensa actividad intelectual. No continúa con su trabajo por pereza, sino porque le parece que no tiene sentido. A su alrededor aparecen objetos desordenados. En esta obra, Durero intelectualiza la Melancolía y la asocia al Arte. Su ejecución es meticulosa y está sobrecargada de significados. Sintetiza las características del artista como genio, atormentado por la creatividad, sometido a sus impulsos, huraño y solitario. El Caballero, la Muerte y el Diablo Este grabado alude la virtud moral. Ilustra la vida del cristiano esbozando una imagen perfecta del soldado de Cristo, con un aspecto monumental y lleno de la armonía. El Caballero, la Muerte y el Diablo, de Alberto Durero