Días de arte by Marta Porras Laguna

DĂas de arte Rosa Maroto

Índice

7. Prólogo 8. Reflexión I. Madrid, 1986 10. A mis inefables muñecos. Madrid, 1988 12. Memoria I. Madrid, 1988 18. Reflexión II. Madrid, 4 agosto 1989 20. Reflexión III. Madrid, 18 julio 1989 22. Proyecto Exposición.

Pies de hombre I.

Madrid, 18 octubre 1989

26. Reflexión IV. Madrid, 19 julio 1989 28. Cátedra de dibujo del

movimiento.

Madrid, octubre 1989 30. Tanatos. Madrid, 10 diciembre 1990 32. Reflexión V. Madrid, 10 diciembre 1990 36. Reflexión VI. Madrid, 28 julio 1990 40. Proyecto instalación.

Cinta de Möebius. Madrid, 3 junio 1990

42. Picores. Madrid, 10 diciembre 1990

56. Reflexión X. Madrid, 10 Febrero 1991

44. Memoria Banesto. Madrid, 1990

58. Memoria III. Madrid, 1991

46. Memoria II. Madrid, 1990

62. Reflexión XI. Madrid, 1 noviembre 1992

48. Pies de hombre II. Madrid, marzo 1990

66. Reflexión XII. Madrid, 3 agosto 1992

50. Reflexión VII. Madrid, 1 mayo 1991

68. Reflexión XIII. Madrid, 29 julio 1992

52. Reflexión VIII. Madrid, 7 agosto 1991

70. Reflexión XIV. Madrid, 30 julio 1992

54. Reflexión IX. Madrid, 15 diciembre 1991

72. Reflexión XV. Madrid, 1992

74. Reflexión XVI. Madrid, 1agosto 1993

94. Falacia. Madrid, 1994

76. Reflexión XVII. Madrid, 2 agosto 1993

96. La mosca. Madrid, 4 Junio 1995

78. Reflexión XVIII. Madrid, 3 agosto 1993

98. Beca París. Madrid, 1996

80. Reflexión XIX. Madrid, 16 julio 1993

100. Imágenes Tabuladas. Madrid, 1997

82. Museo Crítico. Madrid, marzo 1993

102. Corpus reflexivo. Madrid, 13 diciembre 1998

84. Reflexión XX. Madrid, diciembre 1993

104. Cosas Imposibles. Madrid, 1999

90. Reflexión XXI. Madrid, 1 Mayo 1993

112. El Arca de no es. Madrid, octubre 1999

116. Fumador rubio -

fumador negro. Madrid, 2000

136. Lenguaje del pensamiento. Madrid, martes y trece 2005, revisado el 14 marzo 2006

118. Heraclitinas. Madrid, 10 mayo 2000

144. Suerte de azar. Madrid, abril 2007

120. Comienzo Santas. Madrid, 17 septiembre 2000

148. De lo ajeno, lo propio. Madrid, 5 enero 2008

124. Santas Proyecto. Madrid, 8 agosto 2000

154. Memento mori. Madrid, 21 marzo 2008

128. Santas. Madrid, 2002

160. Reflexi贸n XXII. Madrid, 30 marzo 2008

132. El cuaderno como soporte

160. Los B de M. Madrid, 13 febrero 2009

铆ntimo de creaci贸n. Madrid, 7 marzo 2003

170. Cat谩logo de obras

reproducidas.

Prólogo. Encontré esta Rosa en el sorprendente jardín de la casualidad. Su olor a libertad dibujaba en el entorno unos trazos deformados que llamaron mi atención. Vi la imagen tabulada de una Rosa creadora, de una flor de luz de vela…Y entonces, quise saber más.

Un ejercicio reflexivo que invita a la contemplación. Colección de pensamientos que conforman el origen de una plástica surgida del instante de emoción que a veces muerde por dentro.

DÍAS DE ARTE

Cada página de este libro es un pétalo que se desgrana con el acto de leer; un preludio al desnudo relevante, a lo íntimo del ser.

Te animo a ser espectador de este museo del alma. A disfrutar de la belleza de sentirte vivo a su manera. Vulnerable por expuesta; tan efímera y tan eterna. Arte que obra arte de sonrisas siempre ausentes. Momento interior. Colores y formas. Textura. Ternura. Desgarro vital. Un día casual que causa la obra.

¡Que se abra el telón!

Son Días de arte…

Cristina Hidalgo Muñiz 7

Reflexión I.

Madrid, 1986

No puedo pintar aquello que no sale de mí con ira, recelo, miedo y odio; mi mano se mueve bruscamente en el mar blanco de tesoros no cuidados, que cuando se abren después de los siglos explotan en garabatos.

1. La muerte me agarra, 1986

DÍAS DE ARTE

A mis inefables muĂąecos. Madrid, 1988

2. Sin tĂtulo, 1988

No digáis nada, mirad sólo con vuestra horizontal que ríe del mundo, o con vuestra vertical atenta al ascenso mundano.

DÍAS DE ARTE

No preocuparos de la jaula blanca que os limita, os protejo de las risas y sonrisas de los sarcásticos humanos, y algún día, aunque rían, formaréis parte de sus preocupaciones.

Memoria I. Madrid, 1988 “Toda obra de arte es hija de su tiempo, y muchas veces es madre de nuestros sentimientos. De la misma forma, cada periodo de la cultura produce un arte propio que no puede repetirse”. Kandinsky, De lo espiritual en el arte.

3. Retrato de boda, 1988

Todos nosotros, los pintores que estamos en proceso de aprendizaje, no podemos quedar ajenos a lo dicho por Kandinsky, asimismo no podemos apartar ni quedar al margen de toda la historia y creación artística que nos precede. Sería paradójico que la gente joven de ahora nos encerrásemos en una urna de cristal y creásemos nuestra propia obra sin influencias de una larga trayectoria artística. Socialmente nos ha tocado vivir un mundo que parece desbordado por el tiempo, el estrés, la rapidez en definitiva; y esto, queramos o no, se ha de reflejar en nuestra obra. “En todo pintor de nuestro tiempo hay un dibujante chapucero” Guijarro, Artistas Contemporáneos. Un pintor puede pintar socialmente, es decir, su producción puede estar movida por la demanda social y trabajar aislado de aspiraciones posteriores e imperecederas, pero sería simplemente un pintor. Es innato en el hombre plasmar sus sentimientos, su interior, y no creo que ninguna persona con capacidad artística excluya su ego interno ni sus 12

preocupaciones más inmediatas a la hora de ejecutar una obra artística; aunque “es la propia pintura la que transforma la obra”, como dice F. Bacon. Personalmente, me interesa expresar lo que siento, lo que me preocupa y domina, dentro de un contexto histórico y generacional, pero no puedo desplazar de ello mi situación particular como persona a la que le ha tocado vivir, digamos, de manera distinta. Por esto, la obra de arte “no” ha de ser un simple desahogo, sino todo lo contrario: la forma de vida que he elegido y en la cual buscar las aspiraciones máximas a las que pueda llegar. DÍAS DE ARTE

“El artista busca siempre los esquemas fundamentales, las justificaciones más generales de las cosas, los símbolos que les dan valor universal y duradero”, Tapies. Ahora me interesa buscar y asentar una buena base pictórica intentando sumergirme en toda la historia artística del siglo en el que me estoy desarrollando; conocer la pintura, pintores y movimientos aparecidos en dicho siglo y tomar referencias de éstos, y estudiarlos de forma profunda y así adaptarlos a mi obra, no tratando de imitar su quehacer artístico, sino para llegar más adentro de este periodo estético; tratando de buscar soluciones válidas en cuanto a la técnica y el conocimiento de la historia, la estética, el arte y su evolución. Todo ello me gustaría que fuese aplicable a mi obra personal, en plan de estudio del arte actual, para en un futuro poseer una base sólida que dé lugar a una obra propia, extensa y variada con una evolución y nunca un estancamiento de fórmulas pictóricas.

Esto se puede lograr, pienso, en el interés por pintores a modo de estudio de su obra, que por alguna causa me impresionan y despiertan mi curiosidad como:

Bonnard, del cual me llama la atención sus composiciones fuera de los cánones y su utilización del color. Degas, por su plasmación instantánea. Gauguin, su empleo de tintas planas, influencia oriental y estudio de la línea. Ernst Kirchner, su semejanza al fauvismo. Kokoscha, Mueller Otto, Munch, por su pintura psicológica y llena de carga dramática. Toulouse-Lautrec, M. Blanchard, Cossio, por sentirme ligada a ellos física y psicológicamente.

Rothko, me interesa su evolución de las formas y el color. Matisse, me intriga su utilización del color y la línea.

F. Bacon, “toda la pintura es un accidente”.

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Chagall, su carga simbólica y el impacto del color en el subconsciente.

Duchamp, su intromisión en nuevos campos estéticos. Hopper Edward, sus composiciones. Jean Dubuffet, me interesa su visión del mundo a través de la fealdad.

Además de estos pintores individualmente tratados, serían muchos otros de los que hay recogidos los que me interesan, porque no hay ninguno en exclusiva, sino que creo que de cada uno se pueden aprender diversas aptitudes, sin menospreciar ni alabar a ninguno, ya que todos han aportado visiones nuevas en el campo del arte y de ellas hemos de aprender. Aparte de éstos, también considero importantes los movimientos artísticos que se han generado en el siglo XX. Los “ismos” dan respuestas novedosas a periodos de la historia, surgen a consecuencia de ella y reflejan sus formas de ver: el fauvismo, dadaísmo, futurismo, constructivismo, surrealismo…

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Los grupos como El Paso, (“los artistas de El Paso buscaban un futuro arte universal en el cual predominan ciertas características mantenidas como constantes en el arte ibérico de todos los tiempos”, catálogo de Españoles en Nueva York), han de estar vinculados a mi generación por ser nuestros predecesores. Canogar, Feito, Saura, Tapies, Tharrats, Millares…, creo que han ejercido una gran influencia en la joven pintura de hoy. El Land Art, Pop Art, el arte Underground, arte Minimal, los americanos como Jasper Johns, Stella, Andy Warhol, todas las manifestaciones artísticas, aún siendo muy amplias, creo que despiertan el interés de los jóvenes artistas y de ellas debemos tomar el punto de partida para nuestra propia evolución artística.

4. El sillón rococó, 1988

Reflexión II. Madrid, 4 agosto 1989 No sé qué pensar todavía de ello (Muestra de Arte Joven en el MEAC). Habrá cosas buenas y otras basura, ¿arte-teoría?, ¿conceptual?, demasiados interrogantes; a lo mejor sólo fórmulas consumistas del mercado del arte.

Nunca somos ajenos a lo que trascendemos en muchas obras y si trascendemos algo; ese algo es el propio sentido de nuestra existencia. Pero puede que ahora mismo mi existencia tenga poco sentido o esté de vacaciones.

5. La espina del dedo gordo, 1989

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Para mí, todo aquello que se ha pintado y concluido, jamás ha de tocarse; es igual que el pasado, nunca se puede volver a él. No es por un sentimiento romántico, ni por una sensación purista de no rehacer lo concluido, no. Es porque pienso que lo realizado es el fruto de unas circunstancias establecidas y de un tiempo determinado, e igual que un minuto no es igual a otro, lo que se hace en uno y otro ha de ser distinto.

Reflexión III. Madrid, 18 julio 1989

La pintura morirá con el tiempo, tal vez y como siempre se ha concebido; lo que no morirá será la admiración que posee para aquellos, muchos, que ven en el pintar un acto milagroso o de precisión tecnológica inexplicable. Quizás nos quede esa ventaja antes de que pintar se vuelva una artesanía.

6. No todo vale, 1989

Una de las mejores exposiciones, la que hoy he visto de los Cuadernos de Picasso. ¡Qué cabrón, el tío!

DÍAS DE ARTE 21

Proyecto Exposición. Pies de hombre I. Madrid, 18 octubre 1989

Éste constará de unas seis obras, más o menos. Surgió a partir del cuadro del Autobús 1989 y la idea se desarrolló en Ciudad Real en agosto de 1989. Consiste en un tratamiento artístico-geométrico de la idea de transporte colectivo como elementos fríos que transportan masa humana. Pocas veces nos paramos a pensar que esas estructuras mecánicas desplazan a personas e incluso no nos damos cuenta de que son manejadas por otros congéneres. De aquí que me limite a representar sólo formas externas ajenas a las vidas que existen dentro. Los autobuses, trenes, aviones… son fríos, inhumanos, trágicos; deseo llevarlos a su frialdad máxima. 22

7. Autobús , 1989

Me he preguntado si los arañazos gestuales son indicios de aquello que bulle dentro, pero esto lo dejo para los estudiosos. También he querido dar mi visión personal de esas máquinas que utilizo todos los días. Todos los artistas representan su entorno…

El autobús

El metro

Seguimos siendo ratas, aunque empaquetadas.

Tranvía

En homenaje a tiempos oscuros de mi infancia, aunque no me acuerdo de él. Quizá la primera vez que subí a uno fue embarazada mi madre de mí.

Tren

Parecen infinitos y fuera del tiempo y.... lugar, pero siempre llegan a algún sitio.

Avión

Sueño leonardiano hecho más que una realidad.

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Dos planchas separadas unos veinte centímetros. Siempre tuve en la cabeza aquellos autobuses dobles, a la larga, que cogía para ir al colegio de pequeña, en los que la rueda de atrás parecía la cola de una serpiente, dependiente o independiente de la cabeza.

Una noche, en Royal City, me eché una gran parrafada sobre esta exposición, lo que pretendía y pensaba en un vocabulario muy artístico, pero por la mañana se esfumó. Tendré que poner una libreta en la mesilla de noche.

Exposición fotos de amigos, estoy en ello. Los monstruos o mis muñecos.

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Recopilar relatos cortos para seguir escribiendo.

Reflexión IV. Madrid, 19 julio 1989 “La disolución de la imagen es un fenómeno que algunos han considerado como un progreso hacia una nueva sensibilidad estética y otros como debilitación de nuestro vocabulario visual”. Roland Penrose, Tapies, Ed. Polígrafa. 1977.

He de pensar sobre esta cita. 26

8. Foto en San Sebastián , 1989

ellos se han originado en el tiempo de acostarse a dormir, que es cuando creo que mi cabeza funciona mejor y cuando todos los pensamientos pasan por mi ordenador personal, siendo mi pobre oyente la almohada de mi cama. Siempre he pensado que la mejor cultura se adquiere defecando, en la cama y con los amigos de juerga. Antes he dicho que esto es presuntuoso. Sí, lo creo, porque todo el mundo (artistas plásticos) parece obligado a dejar constancia de sus pensamientos, criterios y valoraciones artísticas. Jugaré al juego.

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La verdad es que me parece en parte presuntuoso y un poco tonto pretender hacer una especie de libro sobre temas de arte. Pero quien me conoce sabe mi manía de apuntarlo todo, y otra peor de justificar o explicar todos mis actos y lo que digo. Esto ha surgido por una especie de reto personal propuesto por Amaya, que, dicho sea de paso, siempre me pica. En una conversación hablando de todo un poco le dije que no sabía si tenía mis propios criterios artísticos. Sí, los tengo, como todo el mundo, pero los he considerado algo muy íntimo, tan íntimo que la mayoría de

Cátedra de dibujo del movimiento. Madrid, octubre 1989 Tema a tratar: la locura No existen tal vez separaciones en la mente, o tal vez existen cuando las conversaciones entre los seres humanos tienen lugar. En la infancia se habla un mismo lenguaje, y unos ojos, pequeños ojos, no disciernen la locura de la lucidez cuando se presenta la convivencia como un juego. Jugar en un gran edificio lleno de pequeñas mentes andantes; unas rayando la locura porque así lo han decidido los lógicos, los lúcidos o porque la comodidad, incomprensión o impotencia de los adultos dirigen futuras existencias, de las cuales se desentienden para mantener inmaculado el prestigio de las familias; y otras obligadas a permanecer junto a ellas. Las miradas extraviadas ocultan pensamientos que nadie osa descubrir, porque la lucidez encierra las verdaderas miserias de los seres humanos. Dejemos una puerta abierta de algún cráneo socialmente señalado y danzarán grafismos, sensaciones, voces, gritos, lloros, risas que ningún hombre, por libre que se muestre, conseguirá. Mucha timidez, extrañas personalidades, taras físicas, que no mentales, se esconden en las paredes de la locura conviviendo con los afortunados locos, que no sufren los horrores de la existencia. Los horrores germinan del trato cruel que los elegidos lúcidos dan al miedo que en ellos produce la locura. 28

9. Locura , 1989

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Tanatos. Madrid, 10 diciembre 1990 La exposición, que aún está sin confirmar, creo que muy poca gente la va a entender, y no es que dude de la inteligencia de los demás seres mortales; el sitio me ha venido a huevo. La muerte es algo que siempre da coletazos en mis neuronas, aunque no de forma obsesiva. Obsesiva es la fobia a los ataúdes: quiero ataúdes abiertos, que dejen ver a los cuerpos antes de su putrefacción, donde los sentimientos de los seres queridos antes de ser tapados éstos, son más fuertes, más íntimos, aferrándonos a ellos física y mentalmente. Es una ausencia sin retorno, creyendo incluso en breves instantes que no será posible, tontos de nosotros. No reivindico la inmortalidad, sí el derecho al enterramiento deseado, por el individuo al que acontece el hecho. Enterramientos vikingos o a lo indio en el río Ganges; las citas (ambas) del catálogo lo explican todo, pese a que las autoridades competentes hayan pedido algo más explícito (a lo cual me he negado diplomáticamente). Luces, sombras, penumbra, paso del estado de vida a la muerte, dos momentos en uno, en el que ambos se confunden. Ataúdes de ricos y pobres, los que no tienen más que la tapa. Pero todos rascaremos la misma tierra; música que evade del miedo, levitación del alma fuera del estuche, fuera del cuerpo. Y al que le parezca desagradable, lo siento. 30

Citas del catálogo Tanatos. “Yo muerto, en fin; y porque nunca esperé buen suceso en la muerte ni en la vida, pertinaz estaré en mi fantasía”.

Ritos de muerte, danzas y miedos, cajas, cajas, muchas cajas del regalo del paso efímero, del largo sueño.

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Cervantes, El Quijote.

El eterno sueño egipcio, aire, barca-balanceo.

10. Enterrado , 1990

Reflexión V. Madrid, 10 diciembre 1990 Por una extraña disposición, al ver a Úrculo en televisión, me ha dado por coger el boli. Desde luego, Pierre Le Mure me ha dejado de piedra; no sé nada de la fiabilidad de este escritor, pero ciertamente me ha desmitificado a Leonardo; cuando se tienen quince años se evaporan las admiradas miradas a aquellos seres que creemos superiores. Si cuando alguien nos impone nos acordáramos o le visionáramos en el inodoro... Lo único que impone es el poder y el dinero, con los cuales disponen a la fuerza sobre nuestras vidas. Me invadió un sentimiento de pena al leer el libro, y eso sí, no creía que la vida de un genio reconocido socialmente fuera tan aburrida. Se tenía que haber dedicado a pintar y haberse dejado de trivialidades. Llevo mucho tiempo dando vueltas a un proyecto, el maldito dinero de los cojones; si lo mando a alguna beca he de presentarlo de forma clara, pero aquí me puedo explayar. El Land Art siempre me ha interesado desde que vi la obra de Cristo; de esto hace muchos años...Últimamente he pensado más en la idea de obras que 32

¿Si algún día desaparecen las Meninas? Ningún medio de reproducción nos las harán tan bellas como las pensemos; lo desaparecido o muerto siempre nos parece o nos aparece en el tiempo mejorado, purificado y elevado.

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en la obra en sí. Pese a mi gran mosqueo hacia Duchamp, ahora creo que puede tener el mismo valor una obra pensada (idea) sin llevar a cabo su forma práctica, tangible. ¿Por qué no puede existir un arte teórico en el que se perciban las mismas satisfacciones que al ver un objeto artístico? ¿Por qué no se puede contar una obra de arte, que sólo se ejecute mentalmente en el orador y en el oyente/s? Obras de arte por tradición oral. Sin título , 1990

Lo único que no le perdono a Duchamp es que se engañara, que se ocultara, que no fuese consecuente. Quizás esa fascinación que es coger el pincel, el hacer de dios-creador por unas horas fuese su única justificación y la única respuesta que encuentro por ahora para no ejecutar un arte teórico. Ya algo de todo esto apunté en un trabajo de estética que he de volver a leer. Decía Úrculo que pintar era una actividad absurda, y sí, lo es, pero más absurdo es hacer del arte la vida y la corta vida de cada ser. 33

El arte efímero es una realidad, los videoartes, las fotos, las puestas en escena artísticas, ¿o seguiremos grabando y regrabando cintas eternamente? El arte efímero, que es un acto que se filma, una idea que se ejecuta y desaparece o se acaba, o alguien o algo lo hace morir, deja de existir. Pero ha existido un tiempo determinado, ha sido un acto de un solo tiempo, dos: desarrollarse y morir. Quisiera filmar en video muñecos realizados en la arena de la playa, muñecos dibujados con lo primero que encuentre: una piedra, una chapa de botella, un palo de polo; muñecos que se comería el mar, o que la gente se encargara de destruir; devorados por ese gran monstruo negro onírico mío que es el mar, esa masa viscosa oscura que recuerdo como aprisionada en mi mente aún cuando despierto. Muñecos gigantes dibujados en la arena que se vayan extinguiendo conforme nacen, que sean hijos del primer pensamiento, muñecos mecidos al son de los dientes blancos de esa inmensa masa. Vídeos y fotos de gran formato, llevados a una sala blanca, negra, verde o rosa; ¡qué más da! Pero que en mí dejarían la experiencia hecha, realizada, sabiendo que últimamente mi postura es antagónica a eso que quisiera exponer; pero no sólo la idea que elaboro en mi cabeza, aunque no se lleve a cabo, me hace participar de otra forma de sueño, un sueño mental en la vigilia.

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11. Ahorcado , 1990

Reflexión VI. Madrid, 28 julio 1990 Corren malos tiempos, una mala época, tal vez por las circunstancias. He acabado la carrera: por una parte, ha sido una gran liberación, una liberación de ataduras, al gusto del profesorado, la única forma de acabarla cuanto antes, sin verdaderamente claudicar a sus deseos en muchas ocasiones. Realizando un balance de estos cinco años, el resultado es positivo, no por lo aprendido, que ha sido escaso, sino más bien por la gente que he conocido, algunas muy interesantes y otras no tanto. Otro factor positivo ha sido el trabajo continuo: he pintado lo suficiente para ellos, pero he aprovechado el tiempo para pintar para mí e investigar en sus propuestas lo que a mí me interesaba. Los dos primeros años fueron como estar en el colegio, en una permanente clase de dibujo y manualidades; simplemente acabé todos los trabajos a presentar. Me quedó la pintura de segundo por no someterme a la ridícula forma de pintar por planos, como si el cuadro fuese un puzle. Con lo cual en tercero, después de mancharme con óleo pintando desnudos, tenía que ir con la caja abierta a la clase de al lado a seguir manchándome de este 36

medio pictórico (que no menosprecio, pero pocas veces lo uso) en bodegones, a la manera académica más tradicional, en los que algo aprendí, pero casi todos los cuadros los repinté. En cuarto y quinto toda mi atención (en las clases de pintura y procedimientos) se centró en el abstracto, movimiento muy saturado en los últimos años de DÍAS DE ARTE

12.Perro , 1990

la década de los ochenta, pero que según el gusto del profesorado, era el que había que tocar, obligatoriamente, si se quería aprobar e incluso sacar nota. En cuarto curso, trabajé sobre madera en un abstracto texturado, que yo pensaba como fondos, pero el experimento resultó tan interesante, que los supuestos fondos para posteriores cuadros de muñecos fueron, una vez acabados, cuadros pictórica y estéticamente 37

concluidos, y en los cuales, como dijo Barceló en su conferencia del Prado, aprendí cocina, al igual que en procedimientos en los que sólo buscaba soluciones visuales-estéticas (y en los que el color fue fundamental). Todos estos cuadros del periodo de cuarto tuvieron gran éxito, y personalmente me siento muy satisfecha; los he movido fuera del ámbito de la facultad y de igual manera han tenido aceptación. Al principio de cuarto realicé varios cuadros figurativos, pero Datas (el profesor) me aconsejó probar con el abstracto. Para mí fue curioso que Datas, con el cual hablé en dos ocasiones, me animara siempre a seguir. El último día me habló durante dos horas. “Defiende siempre lo que hagas”. “Llevas muy buena trayectoria”. Fueron dos cosas que no olvidaré, entre otras. En quinto curso lo más destacado fue la propuesta de pintar sobre papel; elegí durante todo el año dos metros por uno, que deposité en el suelo para pintarlos y para que la gente los pisara, realizándose así una obra en la que trabajé muy a gusto. Las razones de este tipo de trabajo las expuse en una charla obligada ante mis compañeros que otro día comentaré. La clase de dibujo fue un gran desahogo, pues hice lo que me dio la gana con sumo placer; realicé numerosos dibujos de muñecos, pensando siempre que la clase era mi estudio en la que trabajaba con otras personas, un gran estudio en el que cada cual hacía e iba a lo suyo. Paisaje fue una tortura; sin embargo, los bocetos seguían el adiestramiento y el constante hacer, unos buenos, otros malísimos, pero pintando...

DÍAS DE ARTE

La parte teórica de la carrera, aparte de los trabajos obligatorios, que siempre me gustó hacer, me ha dado la pauta para interesarme por la lectura de libros de arte, algunos muy aburridos, pero de todo se saca. He guardado todas las bibliografías para seguir leyendo siempre y a menudo porque muchas veces, la parte práctica hay que sostenerla con la teórica, empezando por ser primero asunto mío y luego de los entendidos. Y el gran descubrimiento para mí fue la fotografía (que no abandonaré) y una de mis pasiones. Tuve ocasión de ejecutarla en primero y cuarto (y ahora cuando me haga con un laboratorio). 13. Locura , 1990

¡Ya no tenemos estudio! (Pero esto es otro capítulo)

Proyecto instalación. Cinta de Möebius. Madrid, 3 junio 1990

Infinito, atemporal, movimiento constante, oscuridad absoluta; cualquier calificativo no abarcaría la sensación, la intención y el disfrute que los que hemos emprendido esta instalación esperamos obtener. Personalmente no había oído ni leído nada sobre la cinta de Möebius, pero me ha interesado desde el principio porque engloba parte de los sentimientos que poseo acerca de la obra artística. La solemnidad ante la visualización de la obra, el misticismo ante la contemplación. Lo que más me ha llamado la atención es la constancia del movimiento que puede proporcionar dicha 40

cinta. Si nos atenemos al postulado, la materia ni se crea ni se destruye; se transforma; el recorrido trasladable a la superficie de la cinta es constante e infinito, atemporal e imperecedero; por lo cual sería inmortal si la autonomía del objeto (visión en algún caso) fuera real. ¿Buscamos tal vez una respuesta a una nueva estética? Sí, pero una nueva estética atrayente, fresca, sin rencores con la estética academicista.

DÍAS DE ARTE

Buscamos dar validez a nuevas imágenes, que la idea por sí misma sea poseedora de su verdad artística, de su plasticidad. ¿Por qué no entender la idea como una gran verdad aunque no sea ejecutada? La idea trasciende; como las leyendas, es comunicada de boca a oído, puede perdurar de generación en generación. Tal vez sea inextinguible, la obra por su materialidad puede desaparecer. Creo que en dicha instalación se conjugan aspectos olvidados por nosotros, y si no olvidados, sí anulados por algunos seguidores del academicismo más puro; el action painting, no entendido como tal, yo lo llevaría hacia la acción de pintar en colectividad, anulándole el concepto de individualismo tan prolífico en el terreno artístico, el graffiti tampoco entendido en esta obra como firmas de individuos, con sus protestas o egos, sino como un gran graffiti que revindica nuevas estéticas, nuevos lenguajes comprensibles, de nuevas formas de lógica artística, y por último se conjuga el deseo de poder hacer lo que de verdad siente y expresa cada cual sin llegar a la falacia que en ocasiones se nos impone. 14. Instalación Cinta de Moebius en la Facultad B. Artes de Madrid, 1990

Picores. Madrid, 10 diciembre 1990 Picores, nueva serie de varios cuadros en formato cuadrado. Todas las partes del cuerpo pican y mis muñecos se rascan. El otro día hablé con Keka del peligro de hacer en serie los muñecos (no series de cuadros) sino las mismas posiciones, que sean repetitivos. Si ellos hablan por mí, cada instante es diferente, y si no el álbum de fotos de cada persona debería ser destruido. Y eso que Saura me aburre. El día que ellos hagan lo mismo habrá fallecido, pero por ahora es como mejor expreso todo mi ego.

15. El corro de la patata III , 1990

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Memoria Banesto. Madrid, 1990 Las razones que me mueven a solicitar la Beca Banesto de creación artística en su III Convocatoria son varias, y entre ellas la más importante, la situación personal de poder acabar y obtener la licenciatura en Bellas Artes (pintura) en este curso 1989-90. Con lo cual estaré en un periodo de tiempo en el que puedo desarrollar el trabajo plástico que se hace a diario durante años. El deseo de seguir mi formación artística mediante cursos, conferencias, lecturas, etc… y disponer de un lugar apropiado para trabajar.

Objetivos:

• Personalización del grafismograffiti como visión universal de lo que es un fragmento suelo-mundo, como concepto innato en la vida humana.

• Continuación del proceso de investigación con nuevos materiales y soportes.

• Circunstancia plasmada no como sujeto narrativo, sino en forma de sustantivo que encierra plásticamente una idea. • Desacralización de la obra de arte, en cuanto al soporte elegido, papel, por su característica fragilidad, que se involucra activamente en el proceso. Igualmente como la utilización de cualquier material que deje una huella plástica en el soporte.

• Creación de una obra artística amplia y numerosa que me permita respuestas plásticas y posibles exposiciones.

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Proceso de investigación:

• Elaboración de un trabajo diario y continuado con reflexión teórica posterior.

• Actuación física sobre el soporte-obra, situado en el proceso sobre el suelo.

Memoria II. Madrid, 1990

16. Ataúd negro , 1990

17. Simetría cruz , 1990

Hace tiempo que realizo las figuras que vengo desarrollando en los distintos ejercicios. Algunas de ellas las he llevado a cuadros, pero todavía quiero seguir profundizando en éstas; al plasmarlas en el lienzo encontré que le faltaban la fluidez que deseo y la movilidad que algunas precisan. Durante años las he ido ejecutando en pequeño formato, escueto y preciso; he obtenido siempre una crítica común, falta de integración figura-fondo. Por ello al tener la oportunidad de dibujarlas como un tema propiamente de dibujo, estoy recibiendo respuestas, incompletas aún, a mis propósitos. 46

18. Miró , 1990

La búsqueda principal se basa en la deformidad y deformación, en algunos casos ilógica del ser o figura. ¿Por qué? Preocupación personal, como es evidente, pero más allá de ésta por motivos personales, que dejarían la obra en una simple anécdota, es la obsesión por llevar a su consecuencia límite esta deformidad con un contenido y respuesta estética.

En el próximo trabajo intentaré llegar a la deformación exenta de cualquier tema o referencia literaria, aún con el temor de que esta propuesta sea demasiado angosta, pero procurando asirme al llamemos tema, la deformación.

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Quisiera seguir buscando todo esto, ¿con un tema como pretexto?, lo cual para mí ha sido muy positivo para tener un punto inicial en el desarrollo del trabajo. Sin embargo, ahora se nos propone la búsqueda de un tema o trabajo, y me encuentro en la duda: anatomía deformada excluida de cualquier tema o incluir ésta en él.

Siempre me han interesado los artistas que tratan o trataron dicho tema en cualquiera de sus manifestaciones o estilos: Goya, Rodin, Munch, Giacometti…, pero aquellos que participan físicamente de la deformidad, Pancho Cossio, Marie Blanchard, Toulouse-Lautrec, me atraen más porque creo que son los que verdaderamente comprenden, entienden y trascienden la esencia de la deformación. Tomaré como referencia a modo de información la obra de todos aquellos artistas que han tratado lo amorfo para completar y ayudar mi propio trabajo, pero con la intención de encontrar un lenguaje personal. 47

Pies de hombre II. Madrid, marzo 1990

Aislar un fragmento del suelo es cortar un tiempo de historia, historias personales, universales. Pollock decía que pintar en el suelo le recordaba la manera de los indios al escribir en él.

19. Sin título , 1990

La alfombra que dejo en el suelo congela las huellas de seres que me rodean en un tiempo, un lugar. El graffiti requiere las firmas de individuos, el suelo las pisadas, el papel las intercepta manipuladas originando nuevos campos creados.

20. Sin título , 1990

DÍAS DE ARTE

21. Sin título , 1990

Reflexión VII. Madrid, 1 mayo 1991 El arte es una gran sabiduría, parecido a las cosas más elementales de la vida.

22. Jordan V, 1992 50

Es sorprendente que las fobias se conviertan en amores profundos, en seres que se quieren porque con anterioridad eran absolutos desconocidos. DÍAS DE ARTE

Si todo se llegara a conocer, ¿tal vez amaríamos más lo que nos rodea? Jordan me ha facilitado una movilidad plástica dormida, despertada por millares de rayados, de dibujos, de técnicas que ha explotado en sus ciento treinta centímetros, ¡bonita dimensión! Casi más grande que yo, pero puedo ver todavía, aún por encima el largo camino que deseo caminar, explotar, trabajar. ¡Necesito espacio físico! Nota: Jordan es un perro que me quitó la fobia a éstos.

Reflexión VIII. Madrid, 7 agosto 1991

Mañana me voy a Italia. Besos. Hojas preparadas, espacio libre, limitado; situar, colocar. Jugadas de billar perfectas. Pluma-bola negra a emplazar en su debido sitio. Jugar sin gravedad, sin reglas de peso-espacio. Siguiente proyecto. Las circunstancias casuales suelen causar…

23. Sin título , 1990

DÍAS DE ARTE

Reflexi贸n IX. Madrid, 15 diciembre 1991

24. Brasil , 1991

25. Egipto II , 1991

DÍAS DE ARTE

Italia, Egipto, Brasil; sigo creyendo que deberíamos pasear por el mundo, ese mundo en el que sólo estaremos una vez. Laguna italiana subsanada, Egipto me abrasa el corazón, en el recuerdo, y Brasil es bonito, ahora a México, ¿creo?

Me he enamorado de un hombre de piedra mucho más alto que yo, que por poco dejan mutilado de los dedos de los pies.

Paisajes, simplemente paisajes, pero no renunciaré de mis partos-hijos.

Reflexi贸n X. Madrid, 10 Febrero 1991

26. Pose en la bici , 1991 56

Su obra la conocí hace algunos años, y me sorprendió su anacronismo ejecutorio, la degustación por cada pincelada, por cada línea grabada, por cada línea marcada, en el tiempo de los rapicuadros.

DÍAS DE ARTE

Desde hace dos años mis intereses artísticos se han centrado en el dibujo. Siempre he pensado que la línea mimosamente tratada en todos los estilos acerca el yo interno al yo externo de todos, vínculopuente de los dos mundos que separan la dermis, la epidermis, las asociaciones celulares.

27. Inocencio X , 1991

Razones se piden para asistir a los talleres. ¿Y por qué no sólo el placer de compartir el tiempo, las experiencias, palabras y gestos, con otro pintor, con otros pintores? (Texto para el taller de Arte Actual impartido por el artista José Hernández en el Círculo de Bellas Artes).

Memoria III. Madrid, 1991 La continuidad de mi obra plástica, tanto a nivel teórico como práctico y en la que busco respuestas reflexivas y plásticas en las incógnitas que toda persona se plantea como mente pensante.

28. Picores III , 1991

Mi obra persigue la reflexión en cosas que en un primer momento pudieran parecer triviales. Los temas escogidos con intención (interior de ataúdes, la muerte, los picores, las bicicletas antiguas, fumar contemplando una situación, etc) actúan como motivo de autorreflexión-expresión, uniendo exterior con interior, filosofía-estética-pensamiento. Detener el tiempo en los pocos momentos en los que solos nos enfrentamos a nuestra mente y al combate-choque con los demás.

DÍAS DE ARTE

29. Picores V , 1991 59

Objetivos Los objetivos más inmediatos son dos proyectos:

• Serie de diez cuadros de gran formato (cuadrados), en los que me propongo estudiar las formas plásticas, que ofrece el tema de los picores como expresión de la deformación de la figura, en la que he trabajado en los últimos años. La elección del tema, aparte del estudio plástico, es la reflexión que se traslada, al estado en que todos los humanos, al asirse desesperadamente a sus malestares cutáneos, se liberan durante escasos minutos, pensamientos comunes, ocultos, triviales, grotescos, nobles, propios, profundos y decisiones, que dan forma a la continuidad del existir.

• Proyecto video-fotográfico. Consistiría en trasladar mis formas plásticas sobre la arena de la playa, in situ. Arte efímero, cuyo testimonio quedaría filmado en video, y fotografiado durante su generación y destrucción. Incidir con objetos encontrados, sobre-en-cerca, en la arena, las figuras que nacerían amaneciendo y que se destruirían por acción del mar, viento, hombres… Arte destrucción. El objetivo final quedaría concluido con fotografías murales o de gran formato y vídeo ¿videoarte? de toda la ejecución.

Esta serie sería completada con bocetos, ejecutada con diferentes técnicas pictóricas. Y el número total resultante, diez, resumiría y analizaría el total de una producción imprevisible y continuada. 30. Picores I , 1991 60

Plan de actuación Aunque dentro del arte el tiempo es algo aleatorio, la dedicación a cada proyecto sería:

• Diez meses para el primer proyecto y cuatro meses para el segundo.

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31. Picores XI , 1991

32. Picores VII , 1991 61

Reflexión XI. Madrid, 1 noviembre 1992 Estoy en contra del estilo, pero también en contra de que una misma no pueda elegir lo que desee pintar; ¡es lo único que hacemos por expreso e íntimo deseo! Y haré siempre lo que me dé la gana. Si hago muñecos es porque quiero, y si la gente ya se lo sabe es porque se quedan en el arañazo que hace la pintura en el lienzo y no traspasa ni se molesta en leer la larga historia que cada uno representa. Todo el mundo se queda en las fórmulas formales, técnicas, pero existe una evolución lenta, porque realmente es ahora cuando me implico en la obra, porque la obra soy yo, y no cambio radicalmente de un día a otro, sino paulatinamente. Es paradójico que siempre he abanderado el eclecticismo pictórico y la libertad absoluta del pintor para cambiar de estilo, de lenguaje. Y hoy por hoy todos mis conocidos y amigos me critican que últimamente no hago otra cosa que muñecos. ¡Y qué! Cuando no tenga necesidad de hacerlos, yo misma prepararé los ritos funerarios y los enterraré, sin cortar su cordón de plata...

¿Realmente hay que plasmar algo para ser artista? ¿Puede ser una forma de ser, de vivir, de pensar? ¿Por qué nos ponemos delante de un lienzo blanco, para llenarlo de algo? ¿Por qué pintar? ¿No sería más feliz siendo secretaria? ¿Quién me mandaría a mí ser o tener una actitud artística?

33. Serie Apuntes Picasso, 1992

DÍAS DE ARTE

¿Por qué?

Madrid, 1 noviembre 1992

Todas las personas se hinchan cuando en una exposición aciertan en tono peyorativodubitativo. Es un dubuffet,...es un picasso,...es un...millares,...es un barceló,…es un giacometti… ¡Bingo! La señora engalanada, el señor con aspecto de culto y el estudiante pijo de arte han cantado bingo, ninguno se ha confundido; los estilos son tan representativos que ni las señales de tráfico les parecen tan claras y algunos de ellos se han examinado tres o cuatro veces. La gente se va muy satisfecha porque identifican el pintor con la obra.

¡Bingo! La señora engalanada, el señor con aspecto de culto y el estudiante pijo de arte que ha dejado boquiabierta a su guapa acompañante, han cantado bingo. Todos a su salida adquieren con desesperada obligación el catálogo de tan magna exhibición cultural, libro que no ha de faltar en su extensa biblioteca, felices de su adquisición con la bolsa de plástico vestida de la más reciente publicidad y marketing atractivo, se dirigen a los cafés, cafeterías cercanas para desgañitarse en expresar sus saberes artísticos y la maravillosa muestra que acaban de disfrutar.

Se me ocurre un relato corto e irónico: “Una tarde cultural”

Yo echaba de menos algo de la escuela de Nueva York.

Tono peyorativo, dubitativo, pero con gran seguridad de los visitantes visuales, a una exposición colectiva (cualquier exposición).

Sí, Esther; comprende que toda ella englobaba maestros con nuevas respuestas estéticas. Sí pero...

Mira, Esther, un dubuffet, un juan gris, un chillida, un miró, un matisse, un barceló, (durante seis minutos) un picasso, un maroto... 64

¡Las diez! Bueno, Esther querida, nos vemos otro día en la Fundación Thyssen.

¡Moncho, me has dejado alucinada! Entiendes mogollón de arte. Querida, tengo ganas de llegar a casa para ojear este catálogo; la fotocomposición curiosamente es de Hernández, ¡sí mujer!, que te he comentado que alguna vez ha trabajado para nosotros...

Dubuffet = un Tapies de la primera época. Juan Gris = Picasso cubista. Chillida = un Oteiza de colección particular. Miró = escultura de Alberto Sánchez. Matisse = proyecto de Henri Moore para una escultura. Barceló = Enzo Cucchi. Picasso = un Dalí de la época abstracta. Maroto = un maroto en cualquier época o cualquier cosa menos un maroto.

DÍAS DE ARTE

Hacia las once de la noche todos coinciden en ojear el catálogo, seguros, felices, porque el estilo de un pintor es algo que les pertenece y no les puede defraudar; sólo Picasso tuvo cambios. Visualmente se aferran al libro para ampliar sus conocimientos...pero:

¡El bingo no es correcto! A las doce y media de la noche en las tres casas un solo pensamiento: Pues hubiese asegurado que era un... 65

Reflexi贸n XII. Madrid, 3 agosto 1992

34. Serie Apuntes Picasso, 1992

Siempre me alucina (Picasso), genio, persona y también persona genio; cuando crees que es como los demás, coge la tangente. ¿O es la tranquilidad de saberse un ser especial? Debe ser eso.

DÍAS DE ARTE

Dualidad, dos seres, un recuerdo, aferrarse a la presente realidad adelantada en el tiempo; dos antagónicos, pudo y se evaporó y ahora se presenta ante mí y no me puedo apartar.

Reflexión XIII. Madrid, 29 julio 1992 Empuña tu arma, degüella la fiera que desea destrozarte y verás que después de años de cebarla, también se la comerán los gusanos; no queda nada, sólo el triste recuerdo de sus pasos.

35. Esgrimamando, 1992

DÍAS DE ARTE

ReflexiĂłn XIV. Madrid, 30 julio 1992

Socavamos durante largos periodos, araĂąando las entraĂąas de la tierra, sin llegar a ver el fondo; cuando creemos tener la piedra filosofal, nos damos cuenta de que es un simple canto rodado.

36. Mirando la obra, 1992

DÍAS DE ARTE

Reflexi贸n XV. Madrid, 1992

Picasso tambi茅n es un buscador de posturas; por eso nos llevamos bien.

37. Moma , Nueva York, 2012

DÍAS DE ARTE

Reflexión XVI. Madrid, 1 agosto 1993 Paul Bowles decía que en el próximo milenio tal vez no existan los libros, y quizás la gente no sepa leer. Quizás tampoco existan los cuadros y las personas no sepan ver. ¿?

Tuve una interesante conversación con Rafael Befán; sus conceptos son algo anticuados. Le comenté que pensaba que en el futuro el arte podía ser radicalmente opuesto a lo que ahora se considera arte y que yo abogaba por un arte efímero futuro. Él creía que esto no se podía dar y que si era así sucedería en generaciones muy posteriores, cuando él no existiera. En sus palabras vi un miedo enorme a perder su rol de pintor. ¿Acaso no estamos preparados para dejar de ser esos diosecillos artísticos que somos y nos da tanto miedo que nos despojen de nuestro trono?

¿La duda siempre es compañera del artista? ¿Duda-arte?, ¿Nos perseguirá hasta nuestra muerte? 38. Dados chinos,1993

DÍAS DE ARTE

39. Juegos ancestrales,1993

Paul Bowles otra vez; le obligan a hacer un diario, y él lo realiza. Reflexión: para las personas que no están dentro del mundo artístico es muy interesante la vida de otro ser que elige una existencia a su gusto; Bowles comenta que su vida es aburrida. Nos creemos distintos, somos distintos, ni mejores ni peores que los demás, nos divertimos y nos aburrimos como todos, pero no nos aburrimos casi nunca porque nuestro cerebro siempre está conectado en otras historias que sólo el arte proporciona; es como el mito infantil del amigo invisible. Somos infantiles, estamos solos, pero siempre tenemos otras compañías o compañía, y las historias que inventamos también en parte las forzamos para que surjan en la realidad. 75

Reflexión XVII. Madrid, 2 agosto 1993

Cocteau: “Todos los días veo en el espejo trabajar a la muerte.”

40. Sin título, 1993

Francis Bacon. El autor es: David Sylvester. Los datos editoriales son: Ediciones Polígrafa

Entrevistas con Francis Bacon de David Sylvester. Ediciones Polígrafa.

DÍAS DE ARTE

Bacon: “Pintura accidente, azar racionalizado por el subconsciente. Estilo que proviene de estilos anteriores adaptados a su forma de ser, de decir”. No explica su obra ni sentimientos; solamente cuando se dice alguna tontería, da una explicación sencilla, simple, como casi siempre suele suceder (de cuando en cuando hay rebajas en la pintura azul que marcan un estilo).

Uno de los mejores piropos. Vino de Gerardo Cabra, que hace honor a su apellido y es con conocimiento de causa. “¡Eres Picasso!” Yo le contesté: “Ya lo sabía, pero soy Picasso en mujer”. No tienes nada que envidiarle... concluyó; a los veinte minutos me dio un corte de manga con tres sonoros “mierda” y de fondo el coro de ladridos de dos perros. Esto no tendría importancia sin su retrato que me sobrecogió, y sin sus primeras palabras llenas de aspavientos cuando lo primero que me contó fue su experiencia en el manicomio. Le envidio su sentido de libertad, pero estoy demasiado entrelazada en las costumbres sociales para salirme del redil a lo bestia; cada uno busca su forma de libertad condicionada. Todos somos muy jueces.

Reflexi贸n XVIII. Madrid, 3 agosto 1993

¿Algún día podremos dibujar nuestra propia sombra, contornearla y fijarla con nuestra propia mano? Yo he hecho la prueba y todavía no puedo.

DÍAS DE ARTE

41. Autorretrato en Ciempozuelos, 2009

Reflexi贸n XIX. Madrid, 16 julio 1993

Lo evidente anula la genialidad.

DĂ?AS DE ARTE

42. Mano de tres cabezas, 1993

Museo Crítico Madrid, marzo 1993 Prólogo a la instalación Museo crítico presentada y expuesta en marzo de 1993 por Alejandro Aguilar y Rosa Maroto en los ascensores del Círculo de Bellas Artes de Madrid.

Desplazamiento vertical, cerrado en su propio ámbito; abierto en su ranura para todos aquellos que deseen participar de su lujo.

DÍAS DE ARTE

Subimos con él a lo más alto. Cada uno se despoja (de él) en el nivel que le corresponde o en aquel nivel que comprende o en aquel nivel que sus medios consiguen calmar sus conciencias de poseedores de objetos engalanados en terciopelos, en maderas talladas a mano, que cercan las imágenes poderosas, por las cuales asistimos a la idolatría del ojo, rey ojo que se refleja en el angosto espacio temporal que tiene vida, y ahora gime, que se queja por el brusco desplazamiento a los sótanos de lo que contempló como panacea, como vellocino de oro y que agoniza pronunciando unas pocas palabras: crisis-arte-muerte. Dichoso botón, salvador de las imágenes reinantes, futuro circular reflejado, breves momentos de reflexión, camino oscilante, arribaabajo; la respuesta la dará cada cultura. Pero ahora el hombre calla.

43. Instalación Museo Crítico en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, 1993

Reflexión XX. Madrid, diciembre 1993

Tomando como referencia teórica una cita de Tapies en el año 1989 surgió una evolución teórica-plástica que dio muchas pautas a mi obra: “La disolución de la imagen es un fenómeno que algunos han considerado como un proceso hacia una sensibilidad estética y otros como una debilitación de nuestro vocabulario visual.” Roland Penrose, Tapies, .Ed. Poligráfica. 1989.

44. La bombilla, 1993

DÍAS DE ARTE

En el proceso de desarrollo de cualquier artista es inevitable al principio ese vaivén de estilos de los que se van tomando referencias que aumentan nuestro vocabulario visual y estético. Conforme se va consolidando el quehacer artístico de cada día, las referencias estilísticas pasan más inadvertidas y el artista impone su lenguaje, que ha de estar exento e inmerso en el periodo temporal que se desarrollará. Exento de cualquier lenguaje ya comunicado por otros, aunque es inevitable que, después de milenios de evolución humana, no deje de funcionar la memoria de retentiva histórica, es decir, que los genios, los buenos, los mediocres y los malos artistas beben fuentes estilísticas.

DÍAS DE ARTE

Inmerso en el periodo: “Toda obra de arte es hija de su tiempo, muchas veces es madre de nuestros sentimientos. De la misma forma, cada periodo de la cultura produce un arte propio que no puede repetirse”. Kandinsky en De lo espiritual en el arte.

45. El misterio de los dedos, 1993

Un pintor puede pintar socialmente, es decir, su producción puede estar movida por la demanda social y trabajar aislado de aspiraciones posteriores o imperecederas, pero sería solamente un pintor. Es innato en el hombre plasmar sus sentimientos, su interior y no creo que ninguna persona con capacidad artística excluya su ego interno ni sus preocupaciones más inmediatas a la hora de ejecutar una obra artística. Mi obra, como objeto entendido e intelectualizado, superada ya la fase de búsqueda formal y estilística, se desarrolla como una constante reflexión filosófica-vital, entendiendo como tal término la recreación a la hora de la ejecución, como un conglomerado de pensamientos y reflexiones sobre la existencia y, antagónicamente, la no existencia (la muerte, la transformación del objeto que existe, esta transformación y sus diversas lecturas). La vida esta ahí; cada individuo y cada sociedad la vive y la posee en un periodo determinado; pero las acciones, los hechos y el existir siempre son los mismos.

46. El reloj de arena, 1993

Una vez que el elemento formal (muñecos) es encontrado de forma causal y casual. Casual porque todo individuo posee una forma que la determina y por la que se relaciona o comunica con los demás, y el hallazgo de las formas; se podría decir que es casual tras una búsqueda formal estilística. La causa se determina por la casualidad antes citada y por el existencialismo que propugna, Heidegger (el ser en sí), éste está puntualizado por el mismo (yo) y lo que le rodea (su propia existencia y la de los demás).

Margarite Youcenar, en sus Memorias de Adriano, deja ver que toda la existencia temporal es similar en la antigüedad y en la actualidad, el mismo marco (mundo), distintos cuadros (actores, situaciones paralelas y valores ascendentes y descendentes que cambian, pero que en diferentes épocas toman la misma importancia).

DÍAS DE ARTE

El lienzo en blanco es el espacio físico en el que en la actualidad más a gusto me comunico; la superficie blanca me permite que las formas transformadas, con lecturas en diversos planos, tomen conciencia de mi propia existencia; recreo mundos, pensamientos y situaciones que han sucedido, suceden o sucederán y que en todo caso son las mismas, que pueden existir en otras personas y en otros periodos de tiempo (pasado, presente o futuro). Ejemplo: todos morimos, la muerte es un no existir para cualquier forma vital; los prehistóricos le dan un contenido mágico por desconocimiento, y las culturas mayas un contenido esotérico, y en la actualidad posee un sentido eufemístico; pero el tema es universal.

Reflexión XXI. Madrid, 1 Mayo 1993 El sábado pasado creo que por fin supe qué es lo que quiero a nivel artístico. Me habían confundido ciertos intereses y ciertas manipulaciones. Sentada contemplando mis obras, y después de haber ojeado Los cuadernos Catalanes de Miró, vino a mi cerebro una ráfaga de claridad, lo vi todo con una decisión que incluso me sobrecogió. Las obras no deben ser concluidas para exponerlas como si se tratara de un objeto manufacturado; hay que acabarlas, sí, pero para goce mío, no pensar nunca si van a gustar o no, a mí es a quien tienen que gustar, que para eso las realizo.

47. Sin título, 1993

Creo que hay que defender e imponer el estilo o la forma de expresarse de cada uno; “todo lo demás es secundario”.

DÍAS DE ARTE

La evolución de unas formas estéticas es después de la experimentación de dichas formas. Mi obra está dando los primeros balbuceos, y si ahora la abandono por miedo, por estancamiento, por comentarios… diría muy poco sobre mí y sobre mi obra. Creo que tengo que luchar como siempre por lo que creo y pienso; y más por lo que siento; si no no pintaría y todas esas luces y deslumbramientos que los que te rodean te presentan, son importantes, pero nunca debe anteponerse a lo que en verdad amas, que es esa actividad que ocupa todo tu cerebro durante muchas horas del día, por no decir todas.

48. Sin título, 1993

Hay que pintar, esculpir o grabar; el trabajo de alterne que lo lleven otros. Miró me dio una gran lección; nada de prisas, todo tiene su tiempo, y el mayor tiempo hay que dedicárselo a la obra, seguir investigando todas las posibilidades que da el lenguaje de cada uno y trabajar mucho; creer en lo que se hace. Todos tenemos obras muy buenas, geniales, malas y mediocres; pero igual que no tenemos el mismo aspecto cuando nos levantamos, nuestro arte es cambiante y seguimos siendo nosotros. DÍAS DE ARTE

Como siempre haré lo que me dé la gana, y si mi obra no gusta, lo siento por los demás: nadie le puede quitar a un artista la satisfacción que da crear.

49. Sin título, 1993

Falacia Madrid, 1994

La gran falacia de la humanidad tal vez sea el arte, espejo de los necios que queremos alcanzar cierto grado de felicidad.

DĂ?AS DE ARTE

50. La muerte de Van Gogh, 1994

La mosca. Madrid, 4 Junio 1995

Muchas veces he explicado que la abstracción, cuando me han preguntado qué es la pintura abstracta, es como la escena de la película de La Mosca.

51. Muy bajo, 1995

DÍAS DE ARTE

52. Espectadores gusano, 1995

Existen dos formas (cápsulas): el objeto que tenemos (objeto, sensación, realidad, sentimiento) y queremos abstraer, se desintegra en el espacio mutándose en la primera cápsula con otros conceptos y formas más simples o complejas; en ese paso de una cápsula a otra el resultado de esa desintegración de la forma originando otra es abstraer, “Separar por medio de una operación intelectual las cualidades de un objeto para considerarlas aisladamente o para considerar el mismo objeto en su pura esencia o noción”, un ejemplo que me ha funcionado.

Beca París. Madrid, 1996 La investigación de materiales propios del dibujo elevados a la categoría del lienzo y esa simbiosis de pintura-dibujo es la que estoy llevando a cabo desde hace unos seis años; quisiera seguir esta investigación cuya pauta me transmite Dubuffet con su Art Brut, como los graffiti; profundizar en su obra y teoría, complementando esta investigación con el siguiente proyecto a realizar en París. Quiero trabajar varias piezas de gran formato siguiendo la evolución natural de trabajo técnico, pero aplicando la técnica del frottage sobre el lienzo, transcrito por medio de las lápidas o monumentos de aquellos artistas que subconscientemente se incorporan en mi obra y que hayan muerto en Francia. Todo el trabajo se complementa con obra fotográfica y teórica, muy importante en mi proceso creativo y necesario para la comprensión total de la obra.

53. París, Francia, 2006

DÍAS DE ARTE

Imágenes Tabuladas. Madrid, 1997

Posición sentada. Campo visual pequeño y paralelo a la vista. Proposición, leer con predisposición. “Han de ser múltiples las piezas resultantes; es insuficiente el espacio físico para el espacio imaginado”. “Límites = tabuladores”.

54. Ausencias causan olvido, 1997 100

Tabulados, limitados ambos soportes, coincidían en esa finitud espacial; las medidas poco importan, pues los hechos, sensaciones y traslaciones narradas sólo buscaban un lugar propio. Los materiales: los que suelen salir de mis manos, escribo con bolígrafo negro, pinto… con lo de siempre; resultante narrar no en pequeñas

formas estereotipadas que son universales, universal es la visualización. “Cuando alguien busca fácilmente puede ocurrir que su ojo sólo se fije en lo que busca; pero no con lo que halla; tampoco deja entrar en su ser otra cosa, ya que únicamente piensa en lo que busca, tiene un fin y está obsesionado con esa meta. Buscar significa tener un objetivo. Encontrar, sin embargo, significa estar libre, abierto, no necesitar ningún fin.” Estas palabras de Herman Hesse resumen en parte el significado de esta obra: he buscado, tenía un objetivo; materializar en piezas conceptos, frases, sensaciones, imágenes cerebrales que aparecían en miles de páginas. Pero también me he encontrado en millones de palabras con la necesidad y libertad de hallar mi fin. Muchos buscan y su ojo sólo se fijará en lo que buscan. Que pregunten lo que yo encontré, en cada pieza, en cada narración…

DÍAS DE ARTE

Esto escribí el 3 de junio de 1996. Las ideas iban colocándose con una inercia asombrosa; pero la idea partía de muchos años atrás. Leyendo fluían imágenes muy claras que no podían escapar. Se creaban a partir de grafismos oscuros que siempre me habían perseguido en mis telas y en esos pequeños soportes blancos y finos, marginados y encuadernados; con un significado cuyo significante quedaba dentro de mi reflexión, pero que no tomaba materia ni presencia, por interiorizarlo como deseaba o tal vez no los que obligaban a visualizarlos y sentirlos.

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Corpus reflexivo. Madrid, 13 diciembre 1998

Tomo y retomo el cuerpo, infinitas posturas, milimétricas variaciones formales que buscan su ubicación en espacios limitados y congestionados por su ser espacio. La figura y figuras aparecen corpóreas retomando su identidad de cuerpos humanos en posiciones que vuelven vertiginosamente a las preguntas sin respuesta, a las preguntas que nos hacemos en un bis a bis con nuestra mente. Figuras que muestran su sexo, sus sentimientos íntimos y caen y recaen en sus posturas en un acto reflexivo particular y universal. Pero el desenlace será obligado cuando cada uno coja con las manos su propia sombra.

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55. El dibujante en penumbra, 1999

DÍAS DE ARTE

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Cosas Imposibles. Madrid, 1999 Sorprenderme. Todavía tengo ese anhelo infantil de que algo que exista me rompa algún esquema. Hace algunos años pinté un cuadro que denominé Las 3 B (Beuys barre el bosque). Esa acción, que sacada de la realidad asemeja un cuento imposible, me hizo reflexionar: Barrer el bosque... Se barren las calles, se barren las casas, los suelos que edifican los hombres, pero el bosque sólo lo barre el aire, el fuego, en pequeños surcos los animales grandes o diminutos y en última instancia algún gnomo despistado. Nos aferramos al mundo consciente, existente, real, aprendemos, cogemos, asimos, racionalizamos. Yo necesito tener la realidad tangible, necesito plasmar y limitar la realidad en los lienzos, porque como alguien dijo quiero justificar mi existencia, mi ser individual, mi camino vital, pero también quiero 104

que sucedan cosas imposibles, paradojas, irrealidades, metamorfosis, metáforas que tengan su razón de ser en las telas; que se desarrollen y desenvuelvan en los fragmentos destinadas para ellas. Ortega y Gasset: “Sólo con una cosa tenemos relación íntima; esta cosa es nuestro individuo, nuestra vida, pero esta intimidad nuestra al convertirse en imagen deja de ser intimidad.” Nos gustaría Volver el tiempo; muchas veces el cine se ha dejado cautivar por un viaje al pasado o al futuro; ¿no volvemos al pasado en las fotos, en los videos, revistas o periódicos en deseo nostálgico que por unos segundos nos subyuga y nos deja esa desolación interior? Aunque cualquier tiempo pasado fue mejor, apostillaré, no volverá.

56. Una vaca a lunares, 2000

DÍAS DE ARTE

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En la paradójica pieza Retrato de nadie, en la que nadie existe, pero si tiene su retrato existe aunque tenga un ente telar. Tal vez exista a partir de mi retrato como los personajes inventados de escritores, pintores, escultores, muchos de los cuales han acabado siendo personas con identidad propia y que han pasado el umbral de la irrealidad para confundirnos muchas veces y poner cara dubitativa. En el demiurgo lúdico que posee todo artista, tanto en literatura como en las artes plásticas, han jugado los primeros verbalmente con lo imposible en refranes (La hebra de Marimoco, que cosió siete camisas y le sobró un poco), dichos (La honra de la gallina, tan difícil e imposible es quitar el sambenito a alguien o a algo, es como desplumar una gallina y querer volver a colocar las plumas), cuentos (La Reina de los mares), parábolas (es más fácil que un camello pase por el ojo de una aguja que un rico entre en el cielo); lo segundo visualmente en algunos estilos o ismos, pintura metafísica, surrealista, mitológica, religiosa (El niño de la concha, de Murillo), montajes fotográficos o las últimas mutaciones que ofrecen los ordenadores. Todo lo que es imposible no es improbable. Mi fascinación por los libros, esos pequeños ladrillos de hojas que construyen nuestro interior, que cultivan nuestra alma y que, como Néstor Lujan, dudo de su existencia no física, dieron fruto en mi anterior trabajo Imágenes Tabuladas, en el cual quise paralelamente dar una visión de los fragmentos, ideas, palabras, reflexiones que me sorprendían, trasladadas a los límites del cuadro. 106

57. Si me abrazo me rompo, 1998

DÍAS DE ARTE

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Esta nueva serie, Cosas Imposibles, no quiero que sea una continuación de lo anterior, pero algunas obras literarias sí han despertado el latigazo creativo denominado por Russell o Jung. 58. Contar las estrellas, 2000

Mis herencias creativas se remontan en mensajes cifrados en la memoria en los primeros balbuceos pictóricos, a mi gusto por diferentes disciplinas, tendencias, movimientos, historia...; a una estética ecléctica fraguada a lo largo de unos veintitrés años más o menos de actividad artística. Estas herencias tomaron una sólida forma interior hace unos meses viendo un vídeo sobre El Bosco. Intervino dicha filmación como revulsivo para reflexionar sobre mi pasado; pues en 1984 realicé una copia a témpera, de la parte inferior del tríptico El Jardín de las Delicias, de la imagen infierno; copia que tardé cinco meses en realizar y que poseo en mi taller como un preciado tesoro.

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Fue curioso observar esas acciones tan imposibles que El Bosco como otros muchos pintores, toman licencias pictóricas palpables y casi reales en las telas. Se duda en ocasiones si la realidad de estas telas juega como en la época actual en la televisión, fotografías u ordenadores y nos muestra imposibles hechos posibles que se nos desvelan como mundos reales y verdaderos.

DÍAS DE ARTE

El ser humano juega a Dios, no vetado este hacer nunca a los creadores. Ahora se juega a dioses: nuevas formas y lenguajes estéticos, visuales, superficies y soportes que sujeten los pigmentos; nuevos seres clónicos, engendros, mutaciones genéticas, injertos, nuevas sustancias; nuevas religiones, sectas que transforman el individuo jugando con los yos internos, nuevas morales y costumbres. ¿Corre peligro el hombre al poner el imposible en posible? La humanidad gira, evoluciona (¿?); en la corteza terrestre como en la habitación de A Puerta Cerrada de Sartre, se tiran los dados para la eternidad. En la corteza de mis lienzos, en las imprimaciones que con mimo preparo para tirar mis dados, y como Borges en su libro de Seres Imaginarios, he querido hacer mi particular bestiario de cosas que en un principio la razón, la lógica, la física u otras ciencias no dan lugar a que mi mundo imaginario suceda, pero sí en mi utopía pictórica.

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Mis aisladas islas pictóricas, que conforman mi archipiélago, han surgido, a mi modo de ver, de realización y factura muy barroca; he abandonado conscientemente esa herencia tan querida del expresionismo alemán, y me he volcado en la fusión que emerge de las tintas chinas en conjunción con el perpetuo acrílico de mi obra; cómo no, continúan acompañándome los materiales propios del dibujo y algunos collages (que en las últimas obras no tenían cabida pues eran más directas de ejecución). Los collages como esparadrapos visuales (término acuñado en una charla con un amigo del mundo del teatro). Esparadrapos pequeños: pequeñas pinceladas, post-tabulaciones, definidas en la totalidad del lienzo o líneas continuas que atraviesan toda superficie y que separan en dos partes el espacio visual; utilizados éstos como plantea Philip Roth al opinar que “la ficción ha de tratar de las cosas que nos da vergüenza hablar con la gente de más confianza”.

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No quisiera que se confundiera lo imposible con lo absurdo, pero sí realizar un Indiccionario como Miguel Tirado Zarco. Tal vez, como el pintor alemán Kurt Schwitters, al realizar su Catedral de Escombros, emulando a los alquimistas, revelaba la tradición que se estaba perpetuando en su inconsciente, y el mío necesite materializar lo imposible, en ese estado del “camino del desprendimiento” que Eugen Herrigel

59. El don de la ubicuidad, 2000

propugna en su Arte del tiro con Arco “Para ser un verdadero maestro del tiro con arco no basta el dominio técnico. Se necesita rebasar este aspecto, de suerte que el dominio se convierta en un arte sin artificio, emanando de lo inconsciente.” DÍAS DE ARTE

Quizá entienda ahora por qué me gustaba el surrealismo a los trece años, pudiendo ser el antecedente inconsciente de las Cosas Imposibles, con lo cual no quisiera renegar de herencias aunque no hubiese nacido. Quisiera ser Julio Verne, un visionario, que lo imposible deje de ser y se vuelva óntico, o un científico de ingeniería genética del pensamiento irónico que crea sus seres imaginarios. Ciertos imposibles pretéritos en el presente son reales o como dice Fausto de Goethe, “En el placer del devenir próximo está la alegría creadora.”

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El Arca de no es. Madrid, octubre 1999 Todos los animales me ocultan sus patas, sus pezuñas; a veces pienso que están pisando la tierra con una solidez mayor que los humanos. Son más conscientes que nosotros, por ello aún en contra de lo que sabemos que no es; ellos entraron motu proprio en un arca que les salvó como especie, como seres acompañantes, que no partícipes, de la vida del ser humano. Salvaron su dignidad, su estructura social, su evolución, su salud mental, su base ósea. Cada uno puso los pies en polvorosa; el Arca de no es, fue: es dogma de fe para los creyentes y salvación misteriosa para científicos y estudiosos. Pero los animales me siguen ocultando sus pezuñas, sus finales... unas veces en el agua, otras entre la diversidad de flora y vegetación.

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60. Pulpo, 1999

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61. Libro El Arca de no es, 1999 114

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Fumador rubio-fumador negro. Madrid, 2000

62. Fumador negro, 1999 116

Busqué una historia. Siempre dicen que mis obras, cada una de ellas, es una narración, una historia, un cuento, una leyenda, un pensamiento...Sí, lo son. Lápices peludos que escriben sobre blanco, que sueñan, nacen, yacen sobre blanco. Busqué un cartón, dos cartones y horadé en ellos, busqué la incisión que en nuestro cuerpo produce el humo, rubio o negro humo. Mis muñecotes también fuman; sí..., pero que cada uno busque la historia de su adicción.

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63. Fumador rubio, 1999 117

Heraclitinas. Madrid, 10 mayo 2000 Todo fluye, todo cambia. Postulado de la filosofía de Heráclito. Recuperar iconografía y fragmentos de los muñecos aislándolos y situarlos en las obras con entidad propia. Factura de la pintura hacia la abstracción, en el continuo movimiento que fluye del agua y los pigmentos, ayudados por materiales vinculados o no a la pintura, materiales que trasladaría la corriente de un río. Traslación al lienzo de formas originales y originadas en la continua transmutación de las sustancias sometidas a la manipulación dirigida.

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64. Sin título, 2000

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Comienzo Santas. Madrid, 17 septiembre 2000

65. Santa Casilda, 2001 120

Hoy comienzo, he comenzado la serie Santas. Como el buen vino, no necesariamente sacro, irá tomando cuerpo y tal vez alma. Llevo tiempo con los pensamientos ocupados en este tema, ¿tiempo? Meses, quizás años desde aquella foto en el Círculo de Bellas Artes, que cual catapulta tiró hacia mí el tema. DÍAS DE ARTE

Por qué tanto tiempo en materializarse; ahora, por falta de espacio y otras historias que no vienen al caso. Antes, ¿por qué no? Necesitaba tiempo, meditación, oración estética, contemplación y templanza de espíritu y física para abordarlo. La santidad no se alcanza de un momento a otro; según los hombres, se necesitan muchas muestras y evidencias para afirmar y declarar a alguien santo. Pero la santidad, cual acto místico o éxtasis, si se alcanza en un momento, en el paso de un minuto a otro; como la visión estética, las musas o la inspiración, no quiero que se mal interprete este razonamiento, pues es un paralelismo metafórico o un símil que propongo con sumo respeto. La obra está surgiendo muy lenta, cosa inusual en mí, pero deseo darle tiempo…

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66. Bocetos Santas, 2001

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Santas Proyecto. Madrid, 8 agosto 2000 Una visión, ver. Doce visiones, acto de ver. La Luz deja ver. El alma, ¿se puede ver? Un haz oblicuo ilumina un recinto, un espacio; los envuelve el misticismo entendido como estado de quien se dedica a la vida contemplativa o doctrina que enseña la comunicación directa entre el alma y su Creador, en la visión intuitiva o en el éxtasis. Dejadme que sea creadora de doce visiones que fueron paradigma del acto de ver más allá; en ese paralelismo entre la actividad artística y la mística encauzo mi nuevo trabajo, en el cual los colores más luminosos (amarillo-blanco) y los más opacos (negros-sienas) deambulan en los lienzos buscando como zahorí la emanación de su ser, de su dejarse ver.

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El proyecto que pretendo desarrollar Santas y pequeños martirios, se alumbra de una visión asceta en un camino artístico, en los cuales la libertad formal, gestual y conceptual tuvo su reflexión, muy vinculada a los temas que ocupan cualquier creencia de tipo ético-religioso. Tanto en alguno de los proyectos anteriores como Tanatos o Posturas, en los cuales la muerte regidora de la vida, o las diversas posturas corporales, mentales, sociales éticamente correctas o no, siempre han sido para mí acto reflexivo.

DÍAS DE ARTE

Doce Santas, doce mujeres, doce personas que aislaron su vida de la corriente humanidad. Aunque la categoría de santo es posterior a su existencia, estas personas iluminaron su vida; luz, importantísimo elemento de los creadores plásticos, importante para el creador: “hágase la luz”. Luz primigenia que da sentido a los objetos. Luz inmaterial que ilumina el alma, que ilumina a las musas que vomitan formas. Doce Santas, doce personas que interrumpieron su vida… Martirios, ¿pequeños?, en cualquier superficie que se hayan representado a lo largo de la historia artística, el espacio físico resulta pequeño y ridículo cuando el dolor, también físico… es extenso.

67. Santa Águeda, 2001

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Doce Santas, gui帽o metaf贸rico a los doce Ap贸stoles; doce mujeres, doce personas que aislaron su vida de la corriente humanidad.

68. Santa Teresa, 2001

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Santas. Madrid, 2002 Suspendidas en un halo de luz, las almas de ciertas fĂŠminas transitan por una vida creada y realizada al margen de la vida social. Muros cercados e intramuros que vierten al exterior en los aĂąos, pequeĂąos anecdotarios de su paso por este mundo.

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69. Santa Cecilia, 2002

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70. Santa Escolรกstica, 2002 130

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71. Santa Rosa, 2001 131

El cuaderno como soporte íntimo de creación. Madrid, 7 marzo 2003

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72. Cuaderno Imágenes tabuladas, 1996

Quiero elevar a categoría de pequeña gran obra diferentes cuadernos poseedores de los verdaderos secretos artísticos (dudas, arrepentimientos, egos inflados con formas abstractas o figurativas). El cuaderno como soporte de una obra acabada, reflexionada, meditada y lista para ver como objeto-obra-arte.

El cuaderno como reflejo de íntimos pensamientos que deambulan por la creatividad; pequeñas obras que me permiten trasladar mi quehacer plástico desarrollado en más de dos décadas.

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Muchas obras de arte en diferentes disciplinas se originan torpemente o no, en pequeños cuadernos que todos los creadores manipulamos como la semilla que en algún futuro germinará en obras de mayor envergadura.

Manipulados-cuadernos-pensamientos-dibujos-grafismos-escritos-estampados-collages-pintados… ¿Enmarcados y aislados… son obras? Cuadernos de Miró, cuadernos de Picasso, de Dalí, de Leonardo, de Gaudí…no hojas sueltas que la historia disemina, sólo objeto-cuaderno.

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73. Cuaderno Imรกgenes tabuladas, 1996

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Lenguaje del pensamiento. Madrid, martes y trece 2005, revisado el 14 marzo 2006

A veces nos vemos sorprendidos en pensamientos que ocupan nuestra mente escasos segundos, minutos, horas y existen algunos que no se descuelgan de nuestro cerebro nunca, pues son intermitentes. Mi madre hace una observación desde hace años: un pie se adelanta, luego otro y después otro, se hace un camino. El ser humano con esta simple acción ha recorrido latitudes y longitudes de todo el orbe. Un ladrillo y otro y se consiguen ciudades, una puntada y otra y se consiguen primorosos trajes. Con unos pocos se consigue un todo, con unas pinceladas se consigue que cada artista cree un mundo, que está hipotecado a las herencias 136

materiales que los humanos nos empeñamos en dejar. Dejar siempre constancia de nuestro paso por aquí, la Naturaleza tiene un proceso de creación y destrucción que la equilibra y no se preocupa de hacer o rehacerse mejor, es. Incluso nuestro cerebro crea y destruye pensamientos constantemente…y nosotros empeñados en dejar constancia de todo, estamos saturados hasta de nuestro propio yo. DÍAS DE ARTE

Pero en esa controversia del yo, existe el mundo. Toda la obra que ahora presento es la recapitulación de pensamientos transformados al lenguaje pictórico. Los proyectos anteriores eran temáticos, Conversaciones y música, Tanatos, Imágenes tabuladas, Santas, Cosas imposibles; paro: a qué corresponde toda esta nueva fase creadora, qué busco, qué vueltas estéticas sigo provocando. Le decía a mi amigo Fernando Puche (fotógrafo de naturaleza), que estaba en esa época o etapa en la que todos los artistas nos autocopiamos, plagiando nuestra propia fórmula formal y estética, pero con un dominio técnico que el resultado objeto-imagen a nivel técnico es el mejor que hemos obtenido hasta ahora e incluso obtengamos nunca; esta madurez artística no es pesimismo, pero sí observo esto en muchos artistas, incluidos los grandes genios. Bien decía Aristóteles que “el círculo es la

74. Obstinato rigore, 2005

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expresión de una transformación perpetua siempre idéntica en sí misma”; creo que cada individuo es en sí mismo su propio círculo. ¿Tendríamos que tener una vida artística finita? ¿Nos tendríamos que retirar como los cantantes a los que les falla la voz? Sé que esta reflexión se me puede volver en contra y lo asumo. Tal vez nadie se atreve a formularlo por miedo a desaparecer del panorama artístico, pero al igual que la profecía “la pintura ha muerto”, deberíamos pararnos a meditar y reflexionar, pues eso azogaría nuestro espíritu de superación y no nos haría involucionar y tiraría de nosotros para seguir creando. Este pensamiento anterior se ha colado, pero ahí queda; estas obras son el resultado de un paro mental, de un paro temático, de una acumulación de vivencias, horas de estudio, lectura y pintura, pues igual que Ernst Fischer comparto que “la obra de un artista es un proceso altamente consciente y racional, al término del cual surge la obra como una realidad dominada y no fruto de un estado de inspiración mística y exaltada.” Este texto, al igual que las obras, sale de dentro, de seguido, no pretendo erudiciones, ni teorías estético-filosóficas, sale de tabaco y café.

75. Todos podemos todo, 2005 138

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Varios cuadros, los cuadros, las obras, casi todas de formato tirando a grande, recogen treinta años de contacto con la pintura, con el arte, aparecen patrones de visión de mis anteriores obras, pautas de estilo, color por el color pero simbolizado casi siempre, el eterno color negro que no me abandona. La misma figura que incluso se hace sombra-mancha que posee su propio existir, su independencia de la figura. No me gustó Van Gogh. Viaje a Holanda en 2002. Fuimos a ver a Van Gogh y descubrí a Rembrandt; el mito del holandés de una sola oreja se vino abajo. Le sobran facultades, frase que a todos los que se dedican a cualquier disciplina artística le han dicho alguna vez. La libertad ofende, en una época en la que supuestamente somos más libres, el peor insulto o agravio que nos arrojamos es la falta de libertad que cada persona entiende de forma subjetiva. ¿Quién te quiere más que tú?; respuesta: Tú. Perdida en el éxtasis, consecuencia de haber 140

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reflexionado y pintado doce santas, pero existen éxtasis mundanos que nos pierden de igual manera, e incluso la palabra “éxtasis” tiene morbo. Inmortalidad mundana, seguimos obsesionados con dejar cada uno de nuestras manos, materialmente objetos o pensamientos traducidos en objetos para cuando dejemos de ser mortales: quiero hilar esto o enlazarlo con dejar de testamento un estilo propio. Orhan Pamuk en su libro Me llamo rojo reflexionaba que “la verdadera maestría del ilustrador consistía en pintar una maravillosa imagen inigualable y no dejar el menor rastro que permita reconocer la identidad del ilustrador”, reflexión opuesta al espíritu del artista actual, queremos que se nos reconozca como una marca publicitaria y que nuestras obras tengan denominación de origen. Imperfección secreta, es una obra que surge y se sustrae de otra cita de Orhan Pamuk: “(Mi maestro) me enseñó que el estilo no es algo que el ilustrador escoja por su propia voluntad, sino que esa imperfección secreta viene determinada por su pasado y sus recuerdos olvidados”. Baile azteca, si nuestra sombra fuera libre quizás estaría constantemente bailando al sol, como aquel día en el Museo Arqueológico de Ciudad de Méjico.

76. Iré a Nueva York, 2005

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Qué busco, por qué daros el título en los cuadros, por qué estos colores y no otros. Justificar mi existencia, a estas alturas no. El inmenso placer de estar ante un problema-blanco, que tiene solución, que yo se la daré y dará soluciones pero será infinito en sus respuestas; no hay temática, no hay clichés, no hay una sola preocupación, ni parcelas de pensamiento, ni una sola disciplina artística y reflexiva. Dice Orhan Pamuk, “Un buen pintor, no se limita a permanecer en nuestras mentes con sus prodigios, sino que además acaba por cambiar el paisaje de nuestra memoria”. Si rebobinamos es un todo, y el concepto “todo” es lo que siempre me ha ocupado y preocupado. Escribe Ramiro Calle que “el conocimiento es fragmentario y la sabiduría total”; hoy por hoy sigo juntando fragmentos con el anhelo de un cierto saber, pues sé como Heráclito de “la variabilidad y fugacidad de cuanto existe y su perpetua mudanza (panta rei) y de lo inabarcable del todo.” Si rebobinamos, acabamos en el instante fusión pinturapincel-mano-cerebro, bigbang de la creación de cada artista; mano racional, “habet homo rationem et manum” (la mano liberó a la razón y produjo la conciencia humana), escribe Santo Tomás y yo apostillo: y la conciencia artística. A nivel formal busco un caldo de cultivo para desarrollar los Marotos, pues como Julián Bell en su libro Qué es la pintura, sostengo que en “el siglo XX pasó de poner énfasis en descubrir maneras de plasmar y crear formas, a descubrir y desarrollar la persona artística que mejor se ajuste al artista.”

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77. La libertad ofende,2005

Quisiera terminar con una frase de José Ángel Valiente en su Elogio del calígrafo, ya que resume admirablemente el todo que deseo ejecutar como artista y que denomina “clasificables desconocidos”: cosas del alma y de la conciencia que se encuentran en el interior del conocimiento. Tal es en ese lugar, ahí precisamente, en ese espacio intersticial, en los intersticios del conocer, está el poema, está la obra de arte, un clasificable desconocido, ignorado o esencialmente ignoto, que irrumpe en los lugares de la meditación, lugares de alto riesgo, donde se trata o entra en pugna abierta con los dioses y con los demonios. Seguiré buscando, y deseo y espero que en mi lenguaje del pensamiento habiten más dioses creadores que demonios, ¿destructores o creadores?

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Suerte de azar. Madrid, abril 2007

¿Qué harías si te tocara la lotería?, ¿qué sueño realizarías?

Hace un par de años el azar quiso que llegaran a mis manos cientos de billetes de laLotería Nacional. He querido utilizarlos como soporte artístico, mezclándolos con mi lenguaje pictórico, que está evolucionando a un lenguaje de arte callejero que el azar de igual manera hizo llegar a mí en la ciudad de Berlín y que ha fusionado el azar, mí obra y el graffiti, que me interesa desde hace muchos años. El resultado son estas piezas de diferentes formatos realizados sobre DM, material que me permitía el gran collage de los billetes con mi iconografía. He realizado una encuesta a un centenar de persona…Cada una tenía su sueño, pero todas coincidían en repartir, parece que el alma humana todavía no se ha corrompido del todo y eso me alienta; asimismo, las respuestas eran de lo más dispares, con lo cual me ha dado la pauta a reflexionar sobre el tema de la suerte y el azar en general, en piezas como La suerte loca, Suerte de agua, Barco o avión, Comprar una isla, Ser tu propio reloj, etc.

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78. Tu cámara y tú, 2007 145

79.. Ser el propio reloj, 2007 146

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80.Buscando รกtico, 2007 147

De lo ajeno, lo propio. Madrid, 5 enero 2008 cerebro estos recuerdos y con el gusto de la fotografía, caí en la cuenta de que poseía una amplia colección de fotos de graffiti cercanos y de muchos países que he visitado. El interés que surge en mi obra actual por el graffiti se remonta a los primeros años de facultad: alguien me dejó un libro Los graffitis de Graig Castleman, un libro poco visto en esa época, que resumía y explicaba la obra de graffiteros de Nueva York. Se tenía una idea generalizada de que el graffiti era una guarrada que manchaba los muros y las paredes, los trenes y los apeaderos; pasó mucho tiempo para que en Madrid se hiciera famoso el Muelle. Pocas personas teníamos fascinación por esas pintadas anónimas, guarradas anónimas que explotaban con sus colores en las ciudades. Anclados en mi 148

¿Qué es lo que me subyugaba de estas imágenes?; ¿su color?, ¿su inaccesibilidad en algunos casos?, ¿su anonimato?, ¿su mensaje en ocasiones agresivo?, ¿su inmediatez visual y plástica?, ¿su desarrollo e historia?, ¿ser en el fondo el arte más colectivo que ha existido? Todo ello se amalgama en un gran muro mental, mi muro mental que dará un cóctel de reflexiones pictóricas. Pero he de mirar también los resortes de

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mi memoria, en la historia del hombre y del arte; Basquiat, Haring, las primeras manifestaciones de arte primitivo, Dubuffet, el desierto de Tassili y todas aquellas anónimas imágenes que a diario nos asaltan, incluso los garabatos infantiles que para mí cobran categoría de graffiti, en ocasiones.

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Contestando las preguntas anteriores, he de decir que el color me sorprendía en una época que en la facultad todavía andaba por la mímesis por la mímesis, sin alma, sin concesiones de libertad; de la imagen a copiar del natural. Paradójico, en una época de interés por el diseño y la publicidad, que ahora a tantos años vista ha evolucionado sobremanera. Mi gusto por el expresionismo alemán, la escuela de Nueva York y los últimos movimientos del siglo XIX y principios del XX, me dirigían de una forma natural al color por el color, a pocas mezclas y más claridad, aunque la naturaleza y lo que me rodeara no lo fuera. Ese lado lúdico del arte se materializaba en los colores, los artistas nos sentíamos niños jugando con cubitos de colores. ¿Fue ésta una de las causas intrínsecas que me hizo sustituir el óleo por el acrílico? Tal vez, eso y la rapidez; vivo en la época del botón (todo se resuelve con inmediatez presionando un botón o tecla), contradictoria al hacer del arte, pero mi obra necesitaba más rapidez que el lento secado del óleo. Sigo contestando; creo que el anonimato y la colectividad en el graffiti van unidos. Anonimato ancestral del hombre-mujer artista que anhela su trascendencia, su necesidad imperiosa de manifestarse, de dejar huella, huella lítica, huella en hormigón. Contradicción anónimo-colectivo de la ejecución del graffitero; quiero ser anónimo, hago mi obra a escondidas, al margen de la ley, pero que sea de disfrute colectivo. La sociedad colectiviza el arte, sobre todo actualmente (no hay más que ver las filas de devoradores de cultura de las últimas 150

81. Barrio de Chelsea , Nueva York, 2012

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exposiciones). El artista del graffiti necesita para su ego que la máxima cantidad de personas lo vea, ¡necesidad infantil de reconocimiento!, ¿necesidad de igualarse a los artistas serios y reconocidos, algunos mundialmente? Ser graffitero conlleva sus riesgos, ¡qué mejor premio que la máxima audiencia visual! La fama se sustenta en el recuerdo del vulgo. Los TAG (firmas) dan todo el valor anónimo-reconocimiento al graffitero; entre ellos se reconocen, su anonimato es relativo, algo parecido a los artistas de cada país, de cada ciudad.

Una de las características que me llama la atención, aunque no es una constante en la mayoría, es la inaccesibilidad de algunos graffiti. Piensas incluso que surgen por generación espontánea en puentes, recodos, tejados, farolas…; entroncando con un sentido oculto del arte rupestre, realizado en abrigos montañosos o en lugares inaccesibles, cuya función mágico-artística estaba reservada a los iniciados; en la cultura del graffiti habrá un camino iniciático (dato que desconozco), pero al ver pintadas con ubicaciones casi imposibles supongo que lo habrá. Comenté en mi trabajo anterior Suerte de azar, que se basaba, en parte, en el arte callejero. Curiosamente este proyecto también posee uno de sus puntos de apoyo en un libro encontrado en un museo de Berlín; ambos proyectos enlazan en el mismo libro y en el arte dado, donado, regalado en la calle, por artistas que no buscan galerías, ni museos. ¿Es el arte más genuino o es una consecuencia de la saturación de imágenes que nos acechan en todos los minutos de nuestra vida?

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Haring institucionalizó el graffiti, ahora es una marca. A Basquiat no le dio tiempo, pues su imagen era más desgarradora y no cuajó en la gran masa. Iconografía fácil, los iconos nos facilitan la comprensión de la imagen, en definitiva la comprensión del mensaje. En el libro Estrategias del dibujo en el arte contemporáneo de Juan José Gómez Molina (coord.), se dice en el apartado el modelo del dibujo: “La valoración de los otros a través de nuestros dibujos es un factor importante de autoreconocimiento”. Conocimiento del yo artista, sea de la disciplina que realice, es de muy amplia oferta ahora, oferta porque se ofrece a otros, como los graffiteros nos ofrecen sus tag, mensajes, iconos…, aunque sea efímeramente, característica general del graffiti auténtico, no comercializado. Validez de lo efímero en el mundo del arte, obra a disfrutar en un corto espacio de existencia, como el land art deja su impronta y desaparece, se fija o no en la retina.

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82. De lo ajeno lo propio I, 2011

DÍAS DE ARTE

Recuerdo; se filma o se fotografía para que perdure. En ese recuerdo baso mis próximas obras; paradójicamente es la primera vez que realizo antes el texto escrito, previamente reflexionado teórica que pictóricamente; las obras surgirán de graffiti de otros, de mensajes comunes y propios, y de mi muñeco, ajeno al graffiti, pero después de darle categoría como forma artística, se me ha revuelto y toma identidad como… graffiti, tal vez de momento… ¿volverá a sus orígenes después? De lo ajeno, lo propio; no quisiera ni quiero apropiarme de imágenes que no he parido, en este mundo global todos nos inspiramos en todos. Estos graffiti han sido objetos encontrados en determinados momentos. Cada uno posee su historia; mi biografía pictórica se construye en los años, ahora sustituyen mis inseparables collages, los collages de otros; maravillosas imágenes para mí con un poder de mándala. Alguien me dijo: ¿Por qué no haces un homenaje a pintores y obras de la antigüedad? No contesto porque como muchos artistas en alguna ocasión lo realice, pero qué mejor homenaje a todos los artistas famosos o no.

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Memento mori. Madrid, 21 marzo 2008

Sol, mucho sol. Nunca me ha gustado el sol, tengo algo de vampiro y mucha fotofobia. Pero los toros sin sol, no son toros, las sombras no se mueven igual, los colores no vibran y las luces (sobre todo el traje de los toreros) quedarían a baja potencia. No quería escribir este texto por varias razones. La principal es porque me revuelve el alma, el sentimiento más profundo, y sabía que alguna lágrima resbalaría por mi cara. Tampoco quería, porque es una exposición con ausencia de una de las personas más importantes de mi vida, y que me la dio, ayudándome a ser quien soy.

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83. Cuerno azul, 2007

He pintado una veintena de toros polimorfos, sólo toros. Van Gogh simbolizaba a su padre con sillas y pipas de fumar; en un guiño pictórico mi padre es un toro, honor y fuerza; en el año 2002 pinté un cuadro que titulé Toropapi, y en parte de ahí surgió la torada.

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Mi padre, Manuel Antonio Jiménez Picazo, decía que la herencia que nos dejaba a mis hermanas y a mí (lo conté en un catálogo anterior) era una carrera universitaria, lo hizo; el carnet de conducir, también, y el apellido, que no utilizo artísticamente, pero tengo la buena casta de los Jiménez. Aunque esto del apellido, pues utilizo Maroto, el de mi madre (que cumple años casualmente el 15 de mayo, día de San Isidro), esto del apellido decía, era causa de cariñosos reproches, pero él siempre sentía gran orgullo, a pesar del Maroto. Quisiera contradecirle: la herencia que nos dejó fue honestidad, honradez y fortaleza, características muy taurinas, muy del toro bravo.

Toros, sólo toros, no he querido introducir ninguna otra imagen taurina. El toro todo lo compone, todo lo estructura, se mueve en el lienzo-coso en diferentes momentos, Memento Mori (recuerda que eres mortal). Somos mortales, el toro no sabemos si tiene conciencia de ello, el torero sí. Tal vez esta inconsciencia le lleve a mantener una lucha titánica, a desparramar su fuerza física y a ser honorable en el ruedo; mi padre lo fue en vida.

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Al margen de que estas piezas sean un paréntesis en mi obra y proceso creativo, he tomado y retomado actitudes y registros estéticos constantes en mi trabajo, como puede ser una nueva vuelta a la figuración expresionista. Esta cuestión sé que va a suscitar alguna crítica y alguna alabanza; la razón fundamental es que es un homenaje a una persona que aunque respetaba el arte actual, prefería un arte más figurativo, y donde esté le va a gustar más como le gustaba ir a los toros por “el arte del toreo”. La mayoría de los artistas hemos comenzado por el figurativo, ¿Por qué no hacer una claudicación por amor infinito a alguien?; no suelo hacerlas. Vuelta al formato cuadrado, siempre es un reto para las composiciones, no más razones. El omnipresente negro y el collage, ambos elementos son muletas estéticas y cuasi categóricas del estilo…Maroto. El color borracho, como alguien me dice, pero he dicho que eran toros polimorfos; cada uno varía su forma sin abandonar su naturaleza, así somos todos, las personas y los

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84. Banderillas verdes, 2007

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animales; cada día, cada minuto variamos, decía Heráclito, “somos río pero no dejamos de ser agua”. A pesar de todas estas cuestiones, he querido poner mi hierro Maroto, el ojo y nariz (ele invertida), que da carácter y son el símbolo de mi ganadería artística. Todos mis toros la tienen grabada en su piel-lienzo, todos la poseen, no puedo poseer ausencias, pero sí formas y sentir. La maravillosa capacidad del artista tiene eso, poder vomitar el alma en ocasiones, hacer el duelo materializado, dar capotazos, verónicas y cualquier figura taurina al sentir, al vivir,… al morir, temiendo o no al Islero, pero cuajar mi mejor faena al toro Ratón como hizo Manolete.

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Confieso, sólo he presenciado una corrida de toros, la estética me cautiva como la de muchas religiones; sólo importan las formas en toda la extensión de la palabra, los elementos e instrumentos a utilizar, la belleza y la muerte. Todo se reduce a vida-muerte. Constante ésta, lo he escrito con anterioridad en algún catálogo; constante reflexión en mi obra. Aquí toma entidad propia. Como dicen los taurinos, el toro de lidia nace para morir en la plaza, muerte de un ser querido, muerte que baila, danza y se exhibe delante de todos, espectadores sedientos de culminar con olés y vítores cuando ello se lleva a cabo.

85. Toro de frente, 2007

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He toreado veinte toros, me he vestido de torera, de luces; he pasado toda suerte de varas con ellos, a algunos les he dado la puntilla, otros a mí, pero al final la oreja y el rabo quedan para deliberación de los espectadores. Yo quería dar muerte a mi olvido; no es posible. He gestado estas obras desde el día 8 de agosto de 2001. Ahora, aunque me duela, he podido darlas forma, vida. No quería, no quise, pero ahí están, salieron solas a la plaza, a la gran Plaza de las Ventas, de Madrid, mejor ubicación no hubiese imaginado, y quisiera agradecérselo de corazón a Isabel Díez Carvajal y a Roberto Ferrer y a todas las personas de las Ventas sin olvidar a ninguna. Recuerdo que el día que fui a presentar el proyecto a las Ventas caí en la cuenta de que muchos de los grandes artistas españoles habían pintado, esculpido, fotografiado o filmado temática taurina, sentí un escalofrío (no por lo de los grandes artistas), sino por cómo la casualidad ha puesto en mi caminar artístico dicho tema: soy española, soy artista, nunca pensé pintar toros, pero va POR TI.

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Reflexi贸n XXII. Madrid, 30 marzo 2008

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86. Apunte toro, 2007

DĂ?AS DE ARTE

Duelo creador, pintor-torero Enfrente, lienzo â&#x20AC;&#x201C; toro Historias de duelos, historia del arte.

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Los B de M. Madrid, 13 febrero 2009.

Nunca quise pintar una sonrisa. Bacon estaba obsesionado por pintarla. Cuando este proyecto se planteó, mi aproximación al artista era un conocimiento teórico más que visual el de su obra, salvo alguna pieza inmersa en colectivas y libros monográficos, repito, mi aproximación era muy vaga, nos unía solamente un lazo formal. Estética aparte, sí me comentaban que entre nosotros cierto parecido desgarrador, que no formal, nos acercaba, pero he 162

de decir que también algunos críticos opinaban que además de Bacon, Guston, Otto Dix, deambulaban por mis obras. Recuerdo que el crítico Miguel Logroño, en mi taller comentó que mi obra era un vómito de color y fuerza, otro crítico dijo que era un puñetazo visual…siempre me ha perseguido una cierta brutalidad pictórica y gestual que con los años creo se ha dulcificado.

87. MUB V, 2011

DÍAS DE ARTE 163

Decir la verdad del origen de este proyecto puede parecer pueril, pues terminaba de exponer Memento Mori con gran carga emocional y Suerte de Azar estaba concluida sin exponer todavía, y aunque el proyecto fue arduo en su ejecución, la temática de esta última era fresca e intranscendente en una primera lectura, pero entre líneas tenia mucha crítica socio-moral. El comienzo de Los B de M fue casi una apuesta en una comida con un amigo

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del mundo del arte. “¿Por qué no reinterpretas Bacon, Rosa? Hay algo en su obra y en la tuya…, lo veo, lo veo”. Terminó la comida y a pesar de que en un primer momento me opuse, a los cafés mi cabeza se puso en marcha. Sus temas no me interesan, yo estoy en otros; su desgarro formal no lo siento, mi vitalidad y mi vida es otra; su tiempo en la historia fue, el mío está por hacer. Pero su color, figuras y composiciones me iban atrapando mentalmente.

88. VEBAMA ,2009

DÍAS DE ARTE

89. B-8, 2009

Pinté VEBAMA I (Velázquez, Bacon, Maroto), VEBAMA II y la obra se imponía, B1, B2, B3… y se empieza a anunciar en todos los medios de comunicación la macro exposición en el Prado de Francis Bacon. Cinco piezas realizadas antes de verla, decidí llamar a mi proyecto Los B de M (Los Bacon de Maroto).

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Madrid, 9 mayo 2009.

He visto la exposiciĂłn, tres veces. He leĂdo varios libros sobre Bacon, he navegado por Internet su obra. Todo ello reiteradamente y sigo pintandoâ&#x20AC;Ś

Rosa Maroto 166

DÍAS DE ARTE

90. B-16, 2009 167

91. Estudio de Moratalaz, Madrid, 2008 168

DÍAS DE ARTE

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Catálogo de obras reproducidas 1. La muerte me agarra, 1986 Tirada de 7 ejemplares Xilografía a una tinta 15 x 22,5 cm.

7. Autobús, 1989 Carburundum y pintura esmaltada / madera 116 x 44,5 cm. cada uno

2. Sin título, 1988 Bolígrafo / papel 15 x 15 cm.

8. Foto en San Sebastián, 1989 Bolígrafo / papel 10 x 10 cm.

3. Retrato de boda, 1988 Acrílico y materia de carga / lienzo. 116 x 89 cm.

9. Locura, 1989 Tintas y mixta / papel 100 x 70 cm.

4. El sillón rococó, 1988 Acrílico y materia de carga / lienzo. 46 x 33 cm. 5. La espina del dedo gordo, 1989 Acrílico y mixta / lienzo. 100 x 100 cm. 6. No todo vale, 1989 Óleo / cartón 16 x 21,5 cm.

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10. Enterrado, 1990 Tintas y mixta / papel 141 x 41 cm. 11. Ahorcado, 1990 Tintas y mixta / papel 140 x 75 cm. 12. Perro, 1990 Ceras y lápiz graso / papel 42 x 30 cm.

20. Sin título, 1990 Técnica mixta / papel 200 x 100 cm.

14. Instalación Cinta de Moebius en la Facultad B. Artes de Madrid, 1990

21. Sin título, 1990 Técnica mixta /papel 200 x 100 cm.

15. El corro de la patata II, 1990 Tintas y mixta / papel 70 x 50 cm.

22. Jordan V, 1992 Acrílico / lienzo 130 x 130 cm.

16. Ataúd negro, 1990 Tintas y mixta / papel 69x 46 cm.

23. Sin título, 1990 Lápiz y collage / madera 46 x 22 cm.

17. Simetría cruz, 1990 Técnica mixta / papel 35 x 28,5 cm.

24. Brasil, 1991 Acuarela /papel 21,5 x 9 cm.

18. Miró, 1990 Tintas y mixta / papel 111 x 72 cm.

25. Egipto , 1991 Acuarela /papel 21,5 x 12 cm.

19. Sin título, 1990 Técnica mixta /papel 200 x 100 cm.

26. Pose en la bici, 1991 Acuarela y mixta / cartulina 21,5 x 21,5 cm.

DÍAS DE ARTE

13. Locura, 1990 Técnica mixta / papel 62 x 52 cm.

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27. Inocencio X, 1991 Acuarela y lápiz / papel 16 x 9 cm.

35. Esgrimamando, 1992 Acrílico / lienzo 146 x 96 cm.

28. Picores III, 1991 Lápiz / cartulina 21,5 x 21,5 cm.

36. Mirando la obra, 1992 Lápices de colores / madera 12 x 10,5 cm.

29. Picores V, 1991 Lápiz / cartulina 21,5 x 21,5 cm.

37. Moma , Nueva York, 2012

30. Picores I, 1991 Lápiz / cartulina 21,5 x 21,5 cm. 31. Picores XI, 1991 Lápiz / cartulina 21,5 x 21,5 cm. 32. Picores VII, 1991 Lápiz / cartulina 21,5 x 21,5 cm. 33. Serie Apuntes Picasso, 1992 Bolígrafo / papel 29,5 x 21 cm. 34. Serie Apuntes Picasso, 1992 Rotulador / papel 29,5 x 21 cm.

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38. Dados chinos, 1993 Acrílico y mixta / lienzo 50 x 50 cm. 39. Juegos ancestrales, 1993 Acrílico y mixta / lienzo 38 x 61 cm. 40. Sin título, 1993 Técnica mixta / cartulina 46 x 32,5 cm. 41. Autorretrato en Ciempozuelos, 2009 42. Mano de tres cabezas, 1993 Lápiz / papel 29,5 x 21 cm. 43. Instalación Museo Crítico en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, 1993

44. La bombilla, 1993 Acrílico y mixta / lienzo 50 x 50 cm.

52. Espectadores gusano, 1995 Acrílico y pastel / papel 70 x 100 cm.

45. El misterio de los dedos, 1993 Acrílico / lienzo 100 x 100 cm.

53. París, Francia, 2006

46. El reloj de arena, 1993 Acrílico y mixta / lienzo 50 x 50 cm.

48. Sin título, 1993 Lápices de color /papel azul 9 x 14,5 cm. 49. Sin título, 1993 Lápices de color /papel azul 14,5 x 9 cm. 50. La muerte de Van Gogh, 1994 Acrílico y mixta / lienzo 130 x 130 cm. 51. Muy bajo, 1995 Técnica mixta / papel 100 x 70 cm.

55. El dibujante en penumbra, 1999 Acrílico y técnica mixta / lienzo 165 x 145 cm. 56. Una vaca a lunares, 2000 Acrílico y técnica mixta / lienzo 116 x 89 cm.

DÍAS DE ARTE

47. Sin título, 1993 Lápices de color /papel azul 9 x 14,5 cm.

54. Ausencias causan olvido, 1997 Acrílico y mixta / lienzo 130 x 130 cm.

57. Si me abrazo me rompo, 1998 Acrílico / lienzo 165 x 145 cm. 58. Contar las estrellas, 2000 Acrílico y técnica mixta / lienzo 35 x 27 cm. 59. El don de la ubicuidad, 2000 Acrílico y técnica mixta / lienzo 195 x 150 cm. 60. Pulpo, 1999 Lápiz y mixta / papel 29 x 41 cm.

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61. Libro El Arca de no es, 1999 62. Fumador negro, 1999 Tirada de 10 ejemplares Hueco grabado/Iluminado a mano 54 x 44 cm. 63. Fumador rubio, 1999 Tirada de 10 ejemplares Hueco grabado/Iluminado a mano 54 x 44 cm. 64. Sin título, 2000 Lápiz y collage / papel 20 x 15 cm. 65. Santa Casilda, 2001 Acrílico / lienzo 173 x 53 cm. 66. Bocetos Santas, 2001 Bolígrafo /papel 20 x 15 cm. 67. Santa Águeda, 2001 Acrílico/ lienzo 173 x 153 cm. 68. Santa Teresa, 2001 Acrílico / lienzo 173 x 153 cm.

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69. Santa Cecilia, 2002 Acrílico / lienzo 173 x 153 cm. 70. Santa Escolástica, 2002 Acrílico / lienzo 173 x 153 cm. 71. Santa Rosa, 2001 Acrílico / lienzo 173 x 153 cm. 72. Cuaderno Imágenes tabuladas, 1996 73. Cuaderno Imágenes tabuladas, 1996 74. Obstinato rigore, 2005 Acrílico / lienzo 100 x 81 cm. 75. Todos podemos todo, 2005 Acrílico / lienzo 130 x 162 cm. 76. Iré a Nueva York, 2005 Acrílico / DM 116 x 89 cm. 77. La libertad ofende, 2005 Acrílico / lienzo 130 x 97 cm.

87. MUB V, 2011 Barra conté y carboncillo /collage 100 x 70 cm.

79. Ser el propio reloj, 2007 Acrílico y collage / DM 50 x 50 cm.

88. VEBAMA ,2009 Acrílico/ lienzo 60 x 60 cm.

80. Buscando ático, 2007 Acrílico y collage / DM 116 x 89 cm.

89. B-8, 2009 Acrílico/ lienzo 146 x 14 cm.

81. Barrio de Chelsea , Nueva York, 2012

90. B-16, 2009 Acrílico/ lienzo 35 x 27 cm.

82. De lo ajeno lo propio I, 2011 Acrílico y collage / lienzo 146 x 114 cm.

91. Estudio de Moratalaz, Madrid , 2008

DÍAS DE ARTE

78. Tu cámara y tú, ,2007 Acrílico y collage / DM 100 x 100 cm.

83. Cuerno azul, 2007 Acrílico / lienzo 100 x 81 cm. 84. Banderillas verdes, 2007 Acrílico / lienzo 100 x 81 cm. 85. Toro de frente, 2007 Acrílico / lienzo 100 x 100 cm. 86. Apunte toro, 2007 Bolígrafo /papel 10 x 7,5 cm. 175

Proyecto final Gráfica Publicitaria, Escuela de arte número 10 de Madrid. Madrid, febrero de 2014. ® Textos: Rosa Maroto Prólogo: Cristina Hidalgo Muñiz. Cubierta, diseño y maquetación: Marta Porras Laguna.

Índice

Pies de hombre I.

Madrid, 18 octubre 1989

26. Reflexión IV. Madrid, 19 julio 1989 28. Cátedra de dibujo del

movimiento.

Madrid, octubre 1989 30. Tanatos. Madrid, 10 diciembre 1990 32. Reflexión V. Madrid, 10 diciembre 1990 36. Reflexión VI. Madrid, 28 julio 1990 40. Proyecto instalación.

Cinta de Möebius. Madrid, 3 junio 1990

42. Picores. Madrid, 10 diciembre 1990

56. Reflexión X. Madrid, 10 Febrero 1991

44. Memoria Banesto. Madrid, 1990

58. Memoria III. Madrid, 1991

46. Memoria II. Madrid, 1990

62. Reflexión XI. Madrid, 1 noviembre 1992

48. Pies de hombre II. Madrid, marzo 1990

66. Reflexión XII. Madrid, 3 agosto 1992

50. Reflexión VII. Madrid, 1 mayo 1991

68. Reflexión XIII. Madrid, 29 julio 1992

52. Reflexión VIII. Madrid, 7 agosto 1991

70. Reflexión XIV. Madrid, 30 julio 1992

54. Reflexión IX. Madrid, 15 diciembre 1991

72. Reflexión XV. Madrid, 1992