Textura: 12 Equilibrio

Por ejemplo, una sombra puede crear la ilusión de capas o darle a un elemento profundidad.

Cuando los objetos se utilizan bien, pueden convertirse en una gran herramienta para hacer que tu trabajo se destaque.

Textura:

Es la cualidad física de una superficie. Al igual que los objetos, puede ser tridimensional y dar una idea de cómo se verá en la vida real.

En diseño, la textura agrega profundidad y tacto a las imágenes planas. Los objetos pueden parecer lisos, rugosos, duros o blandos, dependiendo de los elementos.

Si estás aprendiendo, las texturas son excelentes para usar en imágenes de fondo y pueden agregar mucho interés a tu trabajo.

Ten cuidado de no abusar. Demasiada textura puede s obrecargar un diseño fácilmente.

Equilibrio:

Es la buena distribución del peso visual y puede verse afectado por muchas cosas, incluidas el color, el tamaño, el número y el espacio en blanco.

Dominar el equilibrio puede ser complicado al inicio, ya que re quiere intuición. Afortunadamente, el mundo del diseño está lleno de ejemplos en los que puedes basarte para entender cómo hacerlo.

Los diseños simétricos son iguales o similares en ambos lados de un eje. Se equilibran porque cada lado puede llegar a ser i déntico.

Los diseños asimétricos son diferentes, aunque siguen estando bien distribuidos. La composición es equilibrada porque resalta las cosas correctas.

Muchos usan algo llamado regla de los tercios , la cual te muestra tu área de trabajo dividida en una cuadrícula de 3x3. El punto focal de la imagen se ubica cerca o sobre de una de las líneas, lo que crea un equilibrio visual con el resto del espacio.

Los fundamentos del diseño van más allá de la pieza final, ya que lo importante es apreciar los detalles que conforman cada composición. Esto puede aplicarse a casi cualquier tipo de proyecto, ya sea que estés creando tus propios diseños o simplemente busc ando maneras sencillas de mejorar en tu trabajo . (global, 1998)

Arte y diseño

Arte y diseño: ¿Cuál es la gran diferencia?

Me ha tocado escuchar a gente usando los términos "arte" y "diseño" como si fueran sinónimos. Eso o utilizando la palabra "arte" para poner en un pedestal y elevar a un nivel glorioso algún trabajo de diseño que les ha gustado o que ha sido exitoso.

Aunque la mayoría de las veces lo he escuchado en conversaciones casuales, incluso los diseñadores llegan a mezclar ambos términos. A veces de manera innecesaria, ya que en realidad hay una gran diferencia entre arte y diseño .

Ok, entonces… ¿Cuál es la diferencia? ¿No deberían estar relacionadas al menos por el hecho de que comparten muchas técnicas y de qu e a veces responden a las mismas estéticas? ¿O de plano son totalmente distintos?En mi opinión, la diferencia entre arte y diseño no radica tanto encómo se ven, sino en lo que hacen . Ambas tienen diferentes propósitos, tienen diferentes procesos y son (o deberían ser) juzgados por diferentes audiencias.

Propósitos

Durante una entrevista en 1974, Milton Glaser afirmó que mientras un diseño debe llevar una carga planificada de información (con la intención de ser comunicada claramente), la función esencial del arte es “intensificar la percepción de la realidad”. Esto básicamente significa queel diseño es utilitario y arte el no .

El diseño es el cómo de una cosa : cómo ordenar partes, cómo alcanzar los intereses de un cliente, cómo hacer más clara l a información, etc. El arte, por otro lado, es su propio fin . Subordina todo lo que percibe del mundo exterior hacia sus propios propósitos.

No necesita ser claro como lo debería ser una ilustración ni satisfacer los deseos de compra como lo hace el diseñ o de moda. Ni siquiera satisfacer los gustos del público como lo hacen las tendencias del diseño.

De hecho, según Michael Brady, desde el Renacimiento los artistas han aspirado al estatus de filósofos.

Y aunque muchos artistas aseguran que en su arte alu den a lo que ven o a la naturaleza, su manera de comunicar lo que han percibido es bajo sus propios términos. Ésta definitivamente no es la ruta del diseño, el

cualprimero se pregunta su propósito y solamente después elabora su trabajo hacia ese fin .

Procesos creativos

Si los propósitos del arte y del diseño son diferentes, entonces también deberían serlo las maneras de llegar a ellos. Por ejemplo, cuando pensamos en un artista a punto de pintar, lo imaginamos parado frente un lienzo en blanco concentrado encómo resolver su obra...

Algo así

Y es que el artista usualmente tiene un fin en mente. Algo que puede ser tan simple como un retrato o un paisaje, o algo tan elaborado como el “Formas únicas de continuidad en el espacio” de Umberto Boccioni. Lo importante al final, es que para decidir est o no existe ningún tipo de limitación o restricción .

En contraste, el diseñador comienza con componentes ya existentes , como el texto, fotos, formatos de producción, colores básicos o si tiene suerte, un manual de identidad. El diseñador consulta al client e sobre el uso final, audiencias, aplicaciones y otros factores. La tarea del diseñador es tener la visión de cómo estos elementos deben conjuntarse (con una habilidad técnica) para generar un producto que contenga una sensibilidad estética, buen gusto y c umpla sus objetivos.

Cómo saber si funcionan

A través de la historia, los propósitos del arte han cambiado constantemente: promover moralidad, compartir verdades visionarias, “mirar hacia adentro”, juzgar a la sociedad, etc. Es por eso que el arte debe ser juzgado en términos de belleza y verdad , donde ni el número de utilidades ni su practicidad son criterios que deban influir en su valor (y si no, pregúntenle a Van Gogh).

El diseño es juzgado de otra manera: si no hace el trabajo satisfacto riamente, no es bueno . ¿El diseño sirve al producto? ¿Logra el fin de vender, informar, persuadir, dirigir o entretener? Éstas son las preguntas esenciales y si no responde a alguna de ellas (usualmente con números), es

considerado como un fracaso. Si eso pasa, ninguna cantidad de glamour estético será capaz de reparar el daño.

La diferencia entre arte y diseño reside en cómo los vemos

En fin, la diferencia entre arte y diseño reside en la forma en que los vemos. El diseño tiene la intención de ser visto “ desde afuera” y el arte de ser “visto hacia adentro”. El diseño debe hacer más fáciles nuestras vidas a través de la generación funcional y estética de cosas u objetos que nos beneficien. El arte debería complacernos con representaciones de cosas para perc ibir y deliberar.

Arte y diseño, aunque están cercanamente relacionadas, no están ni cerca de ser lo mismo. Y para el beneficio de ambas, lo mejor -creo - es mantenerlas así. (qualium, 2016)

Principales representantes del diseño

Dedicarse al diseño gráfico requiere de mucha imaginación, experiencia y domino de los miles de recursos de los programas que hacen posible el diseño. Cuando se piensa en el diseño gráfico aplicado a la imagen de una empresa se tienen que tener en cuenta una variedad de elementos como por ejemplo, a quién va dirigido el producto o servicio, el nivel sociocultural, edad, sexo, entre otros. Dentro del diseño gráfico, el logo es –sin dudar - el elemento más importante y, a partir de él, se elaboran otras estrategias relacionadas como la publicidad en sus múltiples facetas, gráfica, multimedia, o en medios de comunicación, pero el logoestá presente en todas ellas siendo un fact or fundamental a la hora de crear una identidad corporativa. Esto lo han sabido millones de diseñadores en el mundo, sin embargo, no todos lo han podido practicar a la perfección. Entre lo más destacado a nivel mundial, tenemos a:

1. Storm Thorgerson

Nacido en el Reino Unido, el fallecido diseñador gráfico fue conocido por haber creado las portadas de los álbumes del

grupo Pink Floyd , como “The Dark Side of the Moon”. Imaginativo, surrealista y talentoso, el estilo de sus creaciones lo convirtieron en un artista destacado de su tiempo. Además de su trabajo con Pink Floyd, Thorgerson colaboró con Led Zeppelin, Peter Gabriel, Phish, Styx, The Cranberries y Muse, entre otros.

2. Paul Rand

Un notable profesional que trabajo para gigantes corporativos comoIBM, ABC, Enron, Ford o NexT. En todos ellos, Rand hizo valer los principios de las corrientes modernistas europeas en EE.UU, aunando bajo un mismo paraguas el constructivismo ruso, la deconstrucción holandesa de De Stijl y el racionalismo alemán de la Bauhaus . Sus diseños sobrios apuestan por la sencillez, sin por ello menoscabar el papel comunicador del logotipo . En sus propias palabras, “el diseño es simple. Por eso es tan complicado”.

3. Andreas Preis

Es un ilustrador y diseñador gráfico de Berlín, que ha trabajado para empresas como Adidas, Nike, TNT, Atomic, Bruce Dunlop & Associates, CK one, DC Comics, Digitalarts, ESPN Classic, entre otras firmas. Su estilo se caracteriza por plasmar con aerosoles y acrílicos retratos de personas y animales, por trazar líneas, abusar de ellas y combinar figuras geométricas con irregulares. “Al final, todo te inspira. La naturaleza, la gente que te rodea, la música, la ciudad, cosas que encuentras en Internet y alguno s otros artistas”, dice Andreas en su sitio Web. Y agrega que todas sus piezas son obras de arte porque las dibuja y luego las escanea para trabajar digitalmente en ellas.

4. Dr. Alderete

Es unas de las leyendas de la ilustración y diseño en América Latina. Su imaginación ha formado parte de la portada de muchos discos de grandes músicos. Nacido en Argentina, su trabajo ha sido publicado en varias antologías especializadas

como Illustration Now y Latin American Graphic Design (Taschen); Illusive, Pictoplas ma, Los logos series, Latino y Play Loud (Die Gestalten Verlag); Place (Actar), Kustom Graphics (Korero), entre otros. Y su obra ha sido expuesta en distintas galerías del mundo. Ha colaborado como animador independiente para varias televisoras como MTV, N ickelodeon, Canal Fox y Once TV. Ha lanzado proyectos alternos, como una disquera, la publicación de libros y una tienda virtual.

5. Milton Glaser

Uno de los diseñadores más importantes de los Estados Unidos. Fue co -fundador de Pushpin Studios , y creó la reconocida revista New York Magazine junto con Clay Felker. Se asoció con Walter Bernard en WBMG, en donde rediseñó periódicos como The Washington Post, La Vanguardia y O‟ Globo . Su talento ha sido expuesto en diversas galerías y colecciones permanentes fuera de su país. Una de sus creaciones más emblemáticas es el famoso logotipo: I Love New York (INY). Su obra ha sido catalogada como una profundidad de comprensión y pensamiento conceptual, com binado con una gran riqueza del lenguaje visual, altamente inventiva e individualista.

6. Alex Trochut

Sus creaciones conocidas internacionalmente han catapultado a este diseñador gráfico catalán a ser toda una referencia en Europa. Entre sus clientes más destacados se encuentra: Nike, The Rolling Stones, Nixon, Brittish Airways, Coca -Cola, The Guardian, No n-Format, Wieden + Kennedy, Saatchi and Saatchi, BBH y Fallon, entre otros. Sus diseños, cargados de una tendencia minimalista, son de trazo elegante, detallado, a tal grado de transmitir indulgencia. La tipografía mezclada con otros elementos es algo que siempre destacará en su trabajo.

7. David Carson

Arriesgado y siempre polémico, este diseñador es uno de los mejores de todos los tiempos. Sus trabajos más famosos fueron resultado de la dirección artística que él realizó en

las revistas Transworld Skate B oarding, Musician, Beach Culture, Surfer, Ray Gun. En 1993, se convirtió en consultor de diseño de grandes firmas como Burton Snowboards, Game Net Outdoors, Gotiche Clothing, Hallmark Corporation, Levis, Nike y Pepsi. En 1994 y 1995 realizó tareas como dir ector fílmico de comerciales publicitarios para empresas como American Express, Citybank, Coca -Cola, Hardees, MCI, Norton Bank, Ryders Trucks, Sega, Tv Guide, Vans y Microsoft.

8. Stefan Sagmeister

Es de esos genios del arte que se pueden dar el lujo de descansar un tiempo cada siete años. Estudió Diseño Gráfico en la University of Applied Arts.de Viena. Gracias a una beca logró ingresar en el Pratt Institute de New York. En 1991 se mudó a China para trabajar en las firmas Leo Burnett y Tibor Kalman. Fina lmente decidió abrir su estudio donde ha trabajado con los más diversos clientes del mundo de la música, diseñando portadas realmente sorprendentes, como a David Byrne, Lou Reed, The Rolling Stones y la artista japonesa Mariko Mori.

9. Yugo Nakamura

A parte de ser diseñador, también se desempeña como ingeniero y director creativo apasionado para la exploración de diversas formas de interacción en ambientes digitales interconectados. Es apodado como Yugop o el Genio del Flash. Estudió ingeniería, arquitect ura y el paisaje del diseño, en Tokio, Japón. Después de graduarse, trabajó como ingeniero especializado en diseño de puentes. Sus trabajos comerciales han recibido numerosos premios internacionales, entre ellos Cannes Lions, One Show, Premio Clio, y NY AD C. Hoy es uno de los principales diseñadores de Japón.

10. Nigel Holmes

De nacionalidad inglesa, comenzó su carrera a principios de los años 70 como diseñador de revistas y diarios en su Londres natal, pero en 1977 viajó a Nueva York para crear el departa mento de gráficos de la revista Time. Desde allí se convirtió en uno de los precursores de la infografía moderna y

16 años después creó su propia empresa, Explanation Graphics. Su estilo, basado en siluetas, líneas negras gruesas y uso muy limitado del col or, se fortaleció en la década de los ochenta cuando las primeras computadoras Mac comenzaron a llegar a las redacciones de la revista Time, pues según Holmes, era fácil trasferir sus trabajos en papel a la máquina. Ha dado servicio a firmas de la talla de Apple, Sony, Nike o Visa.

11. Saul Bass

Su nombre está ligado a algunos de los mejores títulos de crédito de la historia, como sus conocidas composiciones para las películas de Alfred Hitchcock (Psicosis, Con la muerte en los talones) o Martin Scorsese ( Uno de los nuestros), entre otros. En cierta manera, Saul Bass introdujo el movimiento y el ritmo en el diseño gráfico, pronosticando la importancia actual que tienen los motion graphics dentro de las artes visuales. Por si fuera poco, Bass es el responsab le de algunos de los carteles cinematográficos más celebrados del mundo, y de algunas de las identidades corporativas más recordadas de todos los tiempos. (creativa s. )

Importancia del mundo del diseño

Diseño gráfico La releva ncia del diseño gráfico estriba en que el mismo desarrolla diversas estrategias para lograr una comunicación desde el punto de vista visual. Este hecho es de enorme importancia desde la perspectiva del marketing, puesto que permite el elaborado de distinta s presentaciones que rápidamente comunicarán valor a un potencial comprador. En este sentido el diseño gráfico a menudo se presenta como un medio de mucha eficacia por la inmediatez de su mensaje; en efecto, en una época signada por el vértigo y la experie ncia rápidamente cambiante, el tiempo es de enorme importancia; una correcta imagen permite comunicar algo ahorrando una enorme cantidad del mismo.

El diseño gráfico tiene una serie de competencias asociadas que pueden ser en extremo amplias. En efecto, en este tipo de disciplina existe una combinación de fotografía, dibujo, uso de software dedicado, etc. Es por ello que puede ser un tanto vago describir una tarea recurrente. Lo importante a considerar es que toda este abanico de competencias se interrela ciona para lograr algún tipo de impacto desde la perspectiva de la vista. Este hecho hace también factible que en el futuro se agreguen nuevas disciplinas, o que las actuales muten generando toda una nueva camada de competencias. En cualquier caso, el obje tivo seguirá siendo el mismo.

Un ámbito en el que el diseño gráfico tiene un enorme peso es en el de la confección de diarios y revistas. En efecto, la relación que los lectores tienen ante estos elementos es ante todo visual y es por ello que ningún detalle se deja al azar si lo que se pretende es generar algún tipo de fidelización. Lo que se busca ante todo es que el contenido se presente de una forma estética, circunstancia que hace que existan fotos de alto contenido expresivo conjuntamente con el text o. La diagramación en este sentido también es de enorme importancia, haciendo que exista un mayor interés en el contenido.

La publicidad gráfica suele hacer uso de esta disciplina con probidad. En efecto, recordemos que el principal interés de una campaña que haga uso de elementos se diseñó gráfico será beneficiarse con un mensaje eficaz y que tome muy poco tiempo en trasmitirse. En efecto, cualquier individuo considera su tiempo con enorme valía y suele dejar de dar atención a mensajes complicados y que l levan demasiado trabajo decodificar. El objetivo en este sentido para una campaña de tipo publicitario sería que los potenciales consumidores de un producto se den cuenta a partir de una imagen de la importancia de adquirir el mismo. (importancia)

Elementos de la composición del diseño

¿Qué es la composición en diseño gráfico?

Una de las partes más importantes y decisivas a la hora de crear un nuevo proyecto de diseño gráfico es el estudio de la composición. Esto es, la disposición de los distintos elementos dentro del espacio visual de manera equilibrada y ordenada, con el fin de transmitir un mensaje al público objetivo. El éxito de un proyecto gráfico reside fundamentalmente en una composición perfecta que sea capaz de transmitir una idea de manera sencilla y directa. Hay que tener claro desde un primer momento qué elementos vamos a incluir, y de qué manera vamos a combinarlos para crear una estructura compositiva armónica. Dentro de la composición entran en juego aspec tos como el tamaño, las texturas, colores, pesos… Cada uno de ellos debe estar en concordancia y dispuestos de manera equilibrada. (mique)

Calidad del diseño

La calidad de concepción o calidad de diseño es la capacidad de real izar un diseño que se ajuste correctamente a las necesidades del cliente y a las cualidades de la calidad (como por ejemplo la escalabilidad), básicamente es la capacidad para convertir las ideas del cliente en especificaciones técnicas para el desarrollo del proyecto. (fandom)

Utilización técnica de los instrumentos e diseño

¿Cuáles son las técnicas más habituales en diseño gráfico?

A lo largo de tu formación profesional, es importante que domines las diferentes técnicas de diseño gráfico que existen. Éstas pueden variar acorde al tipo de herramientas que estés usando, desde los clásicos lápices y plumillas hasta el uso de programas informáticos como Photoshop o Ilustrator.

Asimismo, también es importante tener en cuenta los sistemas de impresión existentes para llegar al producto final. Por eso mismo, te explicaremos las técnicas más habituales que existen en el diseño gráfico y en qué aspectos de tu carrera te serán útiles para su aplicación en diferentes proyectos.

Técni cas de diseño e ilustración gráfica

Desde hace décadas, el dibujo ha sido una parte esencial de las diferentes ramas del diseño. A continuación, te explicaremos las técnicas más habituales en diseño gráfico que puedes aplicar con el uso de herramientas grá ficas como lápices, estilógrafos, marcadores y plumillas.

Ilustración hiperrealista

En el ámbito de la ilustración gráfica, el hiperrealismo destaca por su alta precisión de detalles. Esto comenzó como una técnica artística y muchos diseñadores optaron por dominar esta técnica gracias a su capacidad de llamar la atención, convirtiéndose a sí en una excelente herramienta para el diseño gráfico con énfasis en publicidad y marketing .

Diseño de figurines

Entre las técnicas de diseño gráfico más conocidas se encuentran los figurines de moda. Estos dibujos, por lo general, se presentan en el ámb ito de la moda, ya que sirven para esbozar la idea de una prenda de vestir, junto con accesorios y otros detalles.

El sombreado

Si has investigado acerca del diseño de productos, es muy probable que hayas escuchado hablar de la técnica del sombreado. Esta consiste en el uso de líneas superpuestas con diferentes tonalidades para generar un efecto tridimensional en los dibujos. Esta es una de las técnicas más conocidas del diseño gráfico y se puede aplicar en toda clase de proyectos.

Foreshortening

En un pr incipio, el Foreshortening se utilizaba para la creación de personajes en diferentes perspectivas y movimientos. Sin embargo, se ha extendido a otros ámbitos por su gran capacidad de personalización, por lo cual es de las mejores técnicas de diseño gráfico que puedes aprender si quieres impresionar con tus proyectos.

Overlap

La técnica del Overlap consiste en la superposición de diferentes dibujos con el uso del sombreado para darle mayor dinamismo a tus diseños. Hoy en día, se usa en el ámbito del diseño gráfico, diseño editorial y diseño

publicitario.

Técnicas de diseño gráfico con programas informáticos

Tanto Photoshop como Ilustrator son programas informáticos que ofrecen un sin fin de herramientas para aplicar diferentes técnicas de diseño e ilustración gráfica para lograr ciertos propósitos, ya sea generar una imagen envejecida o aumentar las tonalidades de una fotografía. Aquí te diremos las más utilizadas.

Smudge

Para lograr un efecto borroso o una imagen más dinámica, podemos usar la herramienta dedo de Photoshop para aplicar la técnica de smudge. Se puede combinar con diferentes pinceles hasta lograr el mejor resultado.

Máscara de recortes

Otra de las técnicas de diseño gráfico más conocidas es la máscara de recorte. Con ella podrás en mascarar imágenes o capas en formas, fondos o selecciones y sirve para hacer figuras dinámicas con diferentes efectos en poco tiempo.

Máscara de Capa

En diseño publicitario e ilustración gráfica , es habitual querer ocultar partes de una imagen por diferen tes motivos. Sin embargo, si nos equivocamos, con la técnica de máscara de capa podrás revertir la ejecución y tu imagen volverá a su estado original.

Capas de ajuste

La técnica de capas de ajustes te ayudará a modificar la saturación y el tono de imagen por capas. Lo primordial es saber fusionarlas bien para lograr el resultado deseado y poder conservar la imagen original en caso de que necesites alguna otra modificación.

Filtros

Es muy común querer lograr una imagen envejecida en diseño e ilustración gráfica, por lo cual puedes usar los filtros para darle el aspecto final a tus

fotografías. En Photoshop existen una gran variedad de filtros predeterminados, pero también puedes modificarlos bajando la opacidad, cambiando la opción de fusión o alterando los colores.

Mood Board

Esta técnica se utiliza bastante en Ilustrator y sirve para experimentar con una gran variedad de herramientas de diseño para crear un collage rápidamente. Gracias a la versatilidad del Mood Board , se ha vuelto muy popular entre los diseñadores gráficos, por lo cual lo usan para recibir sus feedbacks antes del trabajo final.

Tipos de impresión en diseño gráfico

Ahora que conoces las técnicas de diseño gráfico , repasaremos rápidamente los sistema s de impresión que puedes utilizar para obtener un prototipo o trabajo final.

Offset

También conocida como “imprenta tradicional”, este sistema de impresión transfiere la imagen a la superficie mediante presión, logrando así una alta calidad del dise ño de folletos, carteles, revistas y libros enteros.

Digital

Otro de los sistemas de impresión en diseño gráfico que existen es la impresión digital, el cual consiste en la impresión directa de un archivo de imagen a papel con uso de cartuchos de tinta o tóner.

Huecograbado

El huecograbado se utiliza para lograr impresiones de imagen con alta calidad. Una de sus ventajas es que la tinta empleada es de secado rápido y no contiene tanta grasa, por lo cual es ideal para usarla en ediciones de libros y revistas de gran tirada. (aula creativa )

Punto, línea, plano, volumen

Elementos concep tuales: punto, línea, plano y volumen

Un diseñador de interfaces web debe conocer los elementos conceptuales básicos del diseño y utilizar un lenguaje común que describa de manera genérica las acciones y los elementos, incluso antes de que estos sean visibles en la interfaz.

Los elementos conceptuales se utilizan durante las primeras etapas del diseño, cuando aún se está prototipando. Son efímeros e invisibles, ya que son utilizados únicamente para plasmar una idea, una posición o una dirección dentro de u n determinado espacio visual.

Los elementos conceptuales son el punto, la línea, el plano y el volumen.