EDITORIAL Si se tiene interés por la historia de la humanidad, se está obligado a conocer la cultura y el arte, que son la expresión colectiva e individual de una sociedad y de quienes la constituyen. En este caso se tomará a una de las artes más destacadas para desarrollarla: la pintura. La cual ha sido utilizada desde la Pre-historia hasta nuestro días. Por lo tanto es muy importante saber sobre ésta. Los materiales utilizados en pintura, al igual que sus procedimientos, son diversos. Es muy importante saber sobre la pintura, ya que es un lenguaje particular del hombre en donde se vuelcan sus sentimientos y sus ideas, la pintura es una de las expresiones artísticas en que primero se manifestó la voluntad humana de reproducir el mundo circundante y al mismo tiempo la concepción creadora del hombre. Como ya se ha expuesto, la pintura tiene remotísima procedencia y su ejecución responde a una necesidad y a un placer estético del ser humano. La civilización antigua abunda en muestras que, a través de distintas épocas y diferentes pueblos, van jalonando la evolución de la pintura. Muestra de la antigüedad de la pintura son por ejemplo los dibujos que se encontraron en las cavernas de origen pre-histórico, especialmente en las cuevas de Altamira (Santander). Después podemos nombrar a las paredes y techos pintados con motivos originales en los palacios egipcios. Pero fueron los griegos los que inicialmente dieron un amplio y bastante complejo desarrollo al arte de la pintura. Los romanos imitaron hábilmente la perspectiva y el claroscuro de los griegos, para captar paisajes de ciudades, ruinas, y especialmente para desarrollar escenas de la mitología. La civilización medieval destaca sobre todo los retablos, y las miniaturas góticas, los mosaicos y las tablas de los bizantinos. Durante el siglo XV comienzan a operarse transformaciones que van preparando el Renacimiento. Hasta entonces la pintura se había re-
alizado en el soporte material del muro o cuando más de la tabla, primer paso hacia el cuadro de caballete, que distinguiría las expresiones de la Edad Moderna y permitiría las invenciones y matices expresivos de un nuevo sentimientos de la vida. En Italia o en Alemania, en Francia, en España o en los Países Bajos, el Renacimiento llevó a la pintura los grandes ideales de belleza, armonía y perfección con excelsos artistas. Posteriormente prevalece el sentimiento romántico, que informa la trayectoria de otros grandes innovadores. En la segunda mitad del siglo XIX culminó las escuela impresionista, y derivó al post-impresionismo. Hasta el siglo XIX la pintura se jerarquizó y enriqueció al influjo directo del objeto (Realismo) o de su apariencia (Impresionismo), pero en el siglo XX tendió a liberar la expresión del sometimiento al sistema de imágenes volcándose hacia la abstracción, el expresionismo, el cubismo, etc. El artista pintor mira dentro de sí mismo, elude la figuración como expresión de la realidad exterior, y si antes había recreado el mundo natural y circundante, ahora su lenguaje tiende a ser casi exclusivamente subjetivo.
ÍNDICE 2 4 6 8 10 13
El realismo El naturalismo El impresionismo El expresionismo Venezuela en el arte Entrevista sobre Pintura Realista
El realismo
Comenzo a mediados del siglo XIX, el romanticismo empezó a decaer, dándole así paso al realismo, produciendo diversos fenómenos en la sociedad de dicha época, los cuales comenzaron a notar las consecuencias de la revolución industrial, como fueron: el trabajo de niños y mujeres, horarios excesivos, muy malas condiciones de vida así como malas viviendas; se torno importante la temática social; se representa al hombre en sus quehaceres cotidianos; el tema de la fatiga toma protagonismo. Todas estas características se van a ver reflejadas en la pintura, en la literatura así como en la música. A pesar de todo esto, en las artes se observa un gran positivismo filosófico, el cual es considerado como fuente de conocimiento en la observación y en la experimentación. El Patriarca Hermógenes rechazando bendecir a los La pintura en el realismo
polacos. Pável Chistiakov. 1860
Con el decaimiento del romanticismo los pintores de la época fueron abriendo camino hacia el realismo, viendo a la sociedad transformándose, trayendo consigo a la crisis, debido al desplazamiento del hombre por la máquina. Las artes plásticas van a la par de dichas protestas, tratando éstas de buscar nuevas finalidades político-sociales, en donde se va a imponer la realidad como principio fundamental del arte. Los temas de carácter religioso decaen fuertemente, debido a que se enfoca el lado material más que el lado sentimental del hombre. A mediados del siglo XIX el pintor francés Gustave Courbet rechaza tanto al neoclasicismo como al romanticismo, proclamando así un nuevo movimiento denominado realismo. La idea no era representar la pintura histórica, ni a los gobernantes, ni temas exóticos, solamente se quería representar temas reales, como los diversos acontecimientos cotidianos de la gente común.En la pintura se trata de buscar el equilibrio exacto entre la luz y las sombras; interpretando de manera vibrante el color, dándole un dominio casi perfecto de las técnicas, imponiéndose la tónica del claroscuro en las representaciones de temas humildes, pero con carácter solemne.El realismo supone para el siglo XIX una gran novedad desde el punto de vista de la pintura francesa; la cual se convierte
en la pionera en cuanto a toda la pintura Europea. El realismo no va a ser mas que la puesta al día de diversas tendencias, las cuales ya habían sido representadas dos siglos antes por pintores españoles como Rivera y Zurbarán inclusive hasta el mismo Rembrandt. Todos estos pintores fueron estudiados por Courbet, el cual se inspiro en ellos para crear el realismo de sus obras. Con el pasar de los años el realismo fue perdiendo el sentido
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En el bosque de Fontainebleau de Díaz de la Peña.
temas vulgares; por ello tuvo que esperar a la suspensión del sistema de jurados para que así se le admitiera en el Salón. A su vez ofreció una muestra paralela de sus obras en la Exposición Universal, destacando entre ellas El taller. Con él llega a su fin la tendencia pictórica del realismo moderno. En su realismo quiso transmitir un inconformismo revolucionario, por lo que también fue atacado y la burguesía trato de discutir ya que no podían soportar las visiones que él tenía tan crudas de la vida. Su pintura representa características sombrías de la belleza, vigorosos empastes, armonías ásperas, coloreas tostados. Fue retratista y cultivó el paisaje, la naturaleza muerta y el desnudo. Entre sus obras principales se encuentran: la mujer de la hamaca, los picapedreros, un entierro en Ormans, muchachas a la orilla del sena y Bonjour, Monsieur Courbet, entre otros.
Jean Françoise Millet (1816-1875), fue hijo de labradores y se crió dentro del catolicismo mas puritano. social y poco a poco se fue orientando hacia un realis- Trabajó en el campo para ayudar así a su familia. En mo más objetivo, netamente artístico; en donde sobre- sus ratos libres dibujaba, hasta que su padre se dio salen: Fatin-Latour, Toulouse-Lautrec, Manet y Degas. cuenta de su gran afición y lo envió a Cherburgo en donde comenzó su formación. Millet fue uno de los más grandes representantes de la escuela de Barbizon. Principales exponentes del realismo. También uno de los mejores intérpretes de la vida campesina y de todo lo que se encuentra alrededor de ella, como hambre y miseria. Contempló la gran lucha por Eduardo Manet (1832-1883), Es considerado uno de la supervivencia dentro de la burguesía, pero nunca los precursores más importantes de la pintura moddenunció todo aquello que vivía mediante sus pinturas, erna. Es considerado como un impresionista, pero en sino simplemente se limitó a representarlas tal y como si representó la transición entre el romanticismo y el era, a representar la realidad. Entre sus obras más impresionismo. En sus inicios posee gran influencia de conocidas se encuentra el sembrador, los segadores, las Tiziano, Frans Hals, Velásquez y Goya. En su intento espigadoras y el ángelus. de descubrimiento del impresionismo trabaja fuertemente la Luz, y el color; dichos elementos van a ser los caracteristicos de sus obras en su epoca ya madura. En Rosa Bonheur, Feria de caballos, 1853 (Museo la fusion que trata de hacer entre la tradición clásica Metropolitano de Arte, Nueva York). renacentista con el realismo realiza dos obras muy importantes: Desayuno en el campo y Olimpia; dichas obras produjeron tal impacto que se le prohibio colocarlas en los museos, y se criticaron de pornograficas; pero hoy en día se encuentran en el Museo de Louvre en Paris.Otras obras importantes de dicho autor son: El bar de Folies-Bergère, En el jardín, Nana, El fusilamiento del emperador Maximiliano, Lola de Venecia, El pifano, entre otras Gustavo Courbet (1819-1877), es considerado el líder del Realismo Francés. Su pintura se caracteriza por producir grandes polémicas, debido a su elección de
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El naturalismo Es una manifestación artística que aparece debido al decaimiento del romanticismo. Se puede definir el Naturalismo por medio de lo natural, lo cual es todo aquello que funciona por si mismo, de manera espontánea; debido a este sistema se dice que nada puede existir fuera de la Naturaleza, ya que ésta es la máxima realidad.
Un grupo de pintores que estaban insatisfechos debido al arte impuesto por la academia se establecieron en la ciudad de Barbizon, en el bosque de Fontainebleau; aquí se ponen en contacto con la naturaleza creando así sus propios cuadros de paisajes naturales, los cuales se denominaron íntimos debido a que mostraban solamente pequeñas porciones del campo. Los pintores románticos fueron los que comenzaron el trabajo del paisaje a través del amor hacia la naturaleza, y a su vez protestan por la actitud de los burgueses ante el arte el cual era dominado por ellos.
La condesa Adéle. 1881. Toulouse-Lautrec
Trataban de representar siempre estados naturales de lluvia o tormenta, así como árboles, ríos, montañas, praderas, aire, y la luz, entre otros temas, tratando siempre de volver a trabajar en la naturaleza. Muchos de los pintores eran de clases muy humildes, viviendo en pequeñas chozas de Barbizon. Por lo que trataban de pintar siempre la naturaleza que los rodeaba estando en contacto directo con ella, y luego le aplicaban el color a las pinturas en los talleres.
Principales exponentes.
John Constable (1776-1837), desarrolla una nueva manera de ver las cosas, mediante una técnica de color, la cual usó para representar la naturaleza siguiendo siempre los ejemplos de los grandes maestros paisajistas de Holanda, los cuales abandonaron el paisaje ideal para representar el cielo, algunos prados y colinas, pantanos, entre otros; siempre haciéndolo como sus ojos lo veían. El color era aplicado mediante una espátula demostrando con esto lo que sentían por la naturaleza. Algunas de sus obras son: la bahia de Weymouth al aproximarse al huracán, La catedral de Salisbury, el puente Waterloo y los pinares de Hampstead.
William Turner (1775-1851), trata de seguir
la tradición de los ingleses en torno al paisaje, pero llega más lejos aun, ya que en dichas representaciones
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la naturaleza pierde un poco la forma pero nunca la luz, ni su brillo ni sus coloridos. El tema principal de sus pinturas fue la atmósfera de luz difusa en muchas de sus gradaciones las cuales van desde niebla gris de Londres hasta el cielo azul plata de los diversos paisajes marinos, siendo este unos de los principales precursores del impresionismo por él usado. La técnica de la acuarela fue muy usada por él, ya que esta tiene su primera aparición en esta época. Sus obras más resaltantes son: el yate de la costa, Batalla de Trafalgar, El Téméraire remolcado a la dársena, el entierro de Sir David Wilkie, entre otras.
Teodoro Rousseau (1812-1867), se dice que fue
la figura directiva de la escuela de Barbizon, así como también el maestro del paisaje íntimo, el cual poseía un pequeño tamaño, al igual que no poseía detalles. Teodoro pintó siempre lugares muy tranquilos de los bosques, lo cuales estaban compuestos por grupos de árboles y por lagunas desoladas. Algunos de los paisajistas ingleses tuvieron gran influencia sobre él. Sus cuadros se caracterizan principalmente por poseer un estudio minucioso de piedras, los reflejos, los musgos, entre otros detalle; esto se observa claramente en las obras Salida del Bosque de Fontainebleau, Lomas de Ginville, El sendero, Paisaje de rió, entre otros.
Juan Bautista Camilo Corot (1796-1875),
aunque no pertenecía de manera oficial a la escuela de Barbizon siempre se consideró como un miembro de ella. El paisaje para él no se construía a base de líneas solamente, sino también tenía que poseer diversos valores de luz y de oscuridad, tratando de bañar los reflejos de luz con un brillo plateado, convirtiendo así la naturaleza en una obra de arte muy bien elaborada. Representaba la figura humana de manera que se incorporaba a los cuadros. Sobre él influyeron de gran manera los pintores impresionistas. Entre sus obras tenemos: La iglesia de Marissel, Ninfa recostada, el árbol, La dama de perla, Paisaje de Coliseo, Junto al río y La ventolera.
Arriba. La costurera. Siglo XIX. JeanFrançoise Millet Abajo. Los Gavilladores. 1858.Jean-Françoise Millet
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El impresionismo Es la tendencia pictórica que se dio en Francia a finales del siglo XIX como reacción contra el arte de la academia de Bellas Artes. Este movimiento es considerado el punto de comienzo del arte contemporáneo. Los impresionistas escogieron como tema primordial la pintura al aire libre y la vida cotidiana. Como punto principal trataron de conseguir una representación espontánea del mundo, por lo que se valieron de los diversos efectos que produce la luz natural sobre los objetos, preocupándose muchas veces más por captar la luz sobre el objeto que por la representación exacta de las formas. Esto sucedía debido a que la luz tiende a difuminar los contornos, reflejando los colores de los objetos circundantes en las zonas de penumbras.
Es importante resaltar que éste movimiento provocó En las Carreras(1879) Edgar Degas un gran escándalo. La población del momento no estaba preparada para aceptar una revolución como la que se estaba dando, por eso nunca faltaron las burlas y duras críticas, que a su vez con el tiempo los llevaron al éxito. Dicho movimiento se afianzó y tuvo su máximo reconocimiento entrado el siglo XX.
Principales exponentes. Claude Monet (1840-1926), Es considerado el padre del impresionismo. Este artista es un impresionista puro, ya que nunca abandonó ninguno de sus planteamientos. A lo largo de toda su carrera llego a componer aproximadamente tres mil cuadros. Su idea principal era la de pasmar la vibración cromático-lumínica en todos sus lienzos; de igual manera en sus temas la luz crea el color y la forma. Su retina captaba de una manera muy hábil el reflejo de la luz en cualquier lugar que él observara: en la superficie del agua, en un suelo nevado, en la puerta de una catedral, entre otros.
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Edgar Degas (1835-1917), Es considerado un
le ha considerado como un impresionista sensual. En sus inicios comienza pintando en una tienda de porcelana China en la ciudad de París, donde comienza a pintar temas que demuestran gran dulzura y sentimentalismo los cuales toma del rococó. Con los años entró al estudio de Gleyre donde contactó diversos pintores impresionistas como Sisley y Monet. En sus primeros años influyó también en él la escuela de Barbizon, y de manera más resaltante la pintura de Gustave Courbet.
Esquina de un café-conciert (1878) Manet
impresionista más de la forma, que del color. Participó en siete de las ocho exposiciones impresionistas, su arte se mantiene siempre al margen, por lo que encarna la vena del clasicismo. Estudió el renacimiento, sobretodo el arte de Rafael, años más tarde se educó en la Escuela de Bellas Artes de Francia, donde estudió a Ingres. A pesar de su clasicismo, la modernidad en Degas se observaba en la manera como desplazaba los temas académicos por los contemporáneos, estableciendo una analogía con Manet. Fue un hábil dibujante lo que hizo que le preocupara Impresión atardecer (1872) C. Monet captar el movimiento con gran fidelidad, mostrando esto en temas como bailarinas y carreras de caballos. Muchas veces usa los mismos temas que Lautrec, pero a diferencia de éste lo hace desde la óptica clásica.
Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), siempre se
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Los primeros movimientos expresionistas Es la tendencia pictórica que se dio en Francia a finales del siglo XIX como reacción contra el arte de la academia de Bellas Artes. Este movimiento es considerado el punto de comienzo del arte contemporáneo. Los impresionistas escogieron como tema primordial la pintura al aire libre y la vida cotidiana. Como punto principal trataron de conseguir una representación espontánea del mundo, por lo que se valieron de los diversos efectos que produce la luz natural sobre los objetos, preocupándose muchas veces más por captar la luz sobre el objeto que por la representación exacta de las formas. Esto sucedía debido a que la luz tiende a difuminar los contornos, reflejando los colores de los objetos circundantes en las zonas de penumbras.
Es importante resaltar que éste movimiento provocó un gran escándalo. La población del momento no estaba preparada para aceptar una revolución como la que se estaba dando, por eso nunca faltaron las burlas y duras críticas, que a su vez con el tiempo los llevaron al éxito. Dicho movimiento se afianzó y tuvo su máximo reconocimiento entrado el siglo XX.
Edgar Degas (1835-1917), Es considerado un im-
presionista más de la forma, que del color. Participó en siete de las ocho exposiciones impresionistas, su arte se mantiene siempre al margen, por lo que encarna la vena del clasicismo. Estudió el renacimiento, sobretodo el arte de Rafael, años más tarde se educó en la Escuela de Bellas Artes de Francia, donde estudió a George Rouault, prostituta frente al espejo
Principales exponentes. Claude Monet (1840-1926), Es considerado el pa-
dre del impresionismo. Este artista es un impresionista puro, ya que nunca abandonó ninguno de sus planteamientos. A lo largo de toda su carrera llego a componer aproximadamente tres mil cuadros. Su idea principal era la de pasmar la vibración cromático-lumínica en todos sus lienzos; de igual manera en sus temas la luz crea el color y la forma. Su retina captaba de una manera muy hábil el reflejo de la luz en cualquier lugar que él observara: en la superficie del agua, en un suelo nevado, en la puerta de una catedral, entre otros.
10 Ingres. A pesar de su clasicismo, la modernidad en Degas se observaba en la manera como desplazaba los temas académicos por los contemporáneos, estableciendo una analogía con Manet. Fue un hábil dibujante lo que hizo que le preocupara captar el movimiento con gran fidelidad, mostrando esto en temas como bailarinas y carreras de caballos. Muchas veces usa los mismos temas que Lautrec, pero a diferencia de éste lo hace desde la óptica clásica.
Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), siempre
Jackson Pollock, Senderos ondulados (1948 )
se le ha considerado como un impresionista sensual. En sus inicios comienza pintando en una tienda de porcelana China en la ciudad de París, donde comienza a pintar temas que demuestran gran dulzura y sentimentalismo los cuales toma del rococó. Con los años entró al estudio de Gleyre donde contactó diversos pintores impresionistas como Sisley y Monet. En sus primeros años influyó también en él la escuela de Barbizon, y de manera más resaltante la pintura de Gustave Courbet.
Figura y Máscara, Nolde
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Venezuela en el arte Venezuela no queda excepta de los movimientos astísticos que hay en el mundo. Algunos de estos pintores fueron Antonio Alcántara, Pedro Báez, Armando Barrios.
Antonio Alcántara Premio Federico Brandt, 1952 Nació en 1898 y se formó en Caracas. En sus inicios se le asoció con la influencia de Manuel Cabré, sin embargo, Alcántara surgió como gran paisajista por sus propios méritos desde su primera exposición realizada en 1918. Frecuentó el Taller Libre de Arte y realizó numerosas exhibiciones individuales en galerías del país. Fue invitado a participar en la Exposición Internacional de Liega, Bélgica, en 1930; en la Bienal de Artistas Latinoamericanos, Madrid, en 1951; y en la Exposición de Arte Contemporáneo del Principado de Mónaco, en
1969, donde se le distinguió con diploma y medalla. Está representado en la colección del Museo de Bellas Artes de Caracas. La obra de Antonio Alcántara ofrece una contemplación divisionista del paisaje con matices tornasolados por el efecto de la luz del sol.
Pedro Báez Nació en 1939 y estudió en Caracas y en París. A su regreso alternó su trabajo de pintor con la docencia artística en varias ciudades del país, y ocupó el cargo de director del Taller de Arte Federico Brandt. Realizó numerosas exposiciones en galerías y salones, entre las que destacan: Galería Círculo El Pez Dorado, 1962; Galería G, 1963; Ateneo de Caracas, 1966; Galería Viva México, 1973; Ateneo de Barcelona, 1974; y Sala Ocre, 1978. Al principio Báez se valió de su obra plástica como medio de denuncia de los conflictos internos del hombre y la violencia urbana. Mas adelante se interesó en una apreciación introspectiva en la cual formas abstracto-orgánicas, llenas de color e impulso gráfico, crean composiciones con gran dinamismo y contenido lírico. Pedro Báez aborda el paisaje imaginativo, despojándolo de las referencias de la naturaleza, para dejar aflorar la visión interior que yace en el subconsciente.
13 de Arte Abstracto de Dewasne y Pillet en París, donde inició su transición de la pintura figurativa a la abstracción geométrica, al tiempo que participaba en las actividades del grupo Los Disidentes. Viajó intensamente por Italia, España, Inglaterra y Estados Unidos. Presentó sus obras en salas y museos de Europa y América, entre ellos el Salón Des Realités Nouvelles y el Salón de Mayo, en París. Realizó los murales de la Plaza del Rectorado y el Estadio Olímpico de la Universidad Central de Venezuela. En 1956 participó en la Bienal de Venecia y se desempeñó como director del Museo de Bellas Artes. Se le otorgó la Orden Andrés Bello en 1961. En 1977 la Galería de Arte Nacional organizó una retrospectiva de su obra. Está representado en las colecciones del Museo de Arte Contemporáneo, de la Galería de Arte Nacional y del Museo de Bellas Artes, en Caracas, así como del Museo de Bellas Artes de Barcelona, España, y del Museo de Los Ángeles, Estados Unidos. Sus exposiciones individuales más importantes incluyen: Museo de Bellas Artes, 1947 y 1948; Galería Wildenstein, Nueva York, 1958; Sala de la Fundación Mendoza, 1967 y 1970; Galería Acquavella, 1965, 1975 y 1982; y Galería Freites, 1986, 1989 y 1995. La adhesión al Cubismo marcó el destino de Armando Barrios, uno de los artistas más coherentes de la generación del ‘40. Su obra se concentró en la búsqueda de una síntesis de línea y color que concilia el espíritu de la abstracción con una temática figurativa. Recrea escenas íntimas construídas con estructura rítmica, una línea en su expresión geométrica más esencial y una melodía cromática audaz y contrapunteada.
Armando Barrios Premio Nacional de Pintura, Premio Armando Reverón, Premio Antonio Esteban Frías, Premio Arturo Michelena, Premio John Boulton 1946, Nació en 1920 y estudió en Caracas y en el
1957 1961 1957 1947 1954. Taller
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Entrevista sobre Pintura Realista Adriana Villagra Venezuela no queda excepta de los movimientos astísticos que hay en el mundo. Algunos de estos pintores fueron Antonio Alcántara, Pedro Báez, Armando Barrios. La pintura de Adriana Villagra Pasen y miren
El origen del arte y su propia naturaleza es un misterio y por qué existen seres humanos capacitados para hacer arte también es un misterio. Por qué esas capacidades siempre han estado encausadas a través de la belleza es otro gran misterio. ¿Existe belleza en el entramado de un simple alambre que alguna vez cumplió la función de ser un cerco o en una madera envejecida ahora transmutada en una “escalera al Cielo”? Por si solos quizá pasan desapercibidos, pero en las pinturas de Adriana Villagra estos simples objetos adquieren una nueva y trascendente dimensión. Los invito a conocer la pintura minimalista de esta joven artista paraguaya. Ella (muy amable) también nos ha contestado en forma exclusiva algunas preguntas que ayudan a despejar tanto misterio. Pasen y miren. -Madera, papel y alambre ¿Por qué, qué significan estos elementos para usted? Son elementos que forman parte de mi entorno cotidiano. Estos elementos nos rodean permanentemente, a veces pasan inadvertidos, la madera por ejemplo, cuando está resquebrajada o sufre el accionar de los fenómenos de la naturaleza deja entrever una infinidad de texturas, líneas, huecos y recovecos, el papel mediante sucesivos dobleces permite generar figuras o ser portadores de un mensaje, mientras que el alambre despierta una especial fascinación en mi por esas figuras caprichosas que es capaz de adquirir, es como si pudiera palpar la vida misma en esos trozos insignificantes, porque siento que cada uno es poseedor de una belleza que invita a ser descubierta pero para ello es preci-
so detener la mirada y ver más allá de las apariencias. -¿Por qué los cielos se ven tormentosos, pero la luz se filtra entre la nubes para iluminar los pocos objetos que componen sus pinturas? Una vez me dijeron que mis cielos eran “emocionales” y tal vez sea así porque siento que ellos representan el infinito y lo trascendente, aquello que no podemos abarcar y sin embargo a diario procuramos hacerlo. Esas nubes cargadas de agua, es la lluvia que se avecina, aquello “inevitable” pero con una luz de esperanza. Mi obra se trata mucho de esos contrastes que se relacionan mucho con la esencia humana, donde hay oscuridad hay luz y donde aparentemente hay tristeza también hay lugar para la alegría. -¿Qué significan esas aves de papel? Esas aves son figuras de “origami”. El origami es una técnica milenaria de origen japonés que consiste en hacer figuras a partir de papel plegado. Si bien a simple vista, la primera relación que uno puede hacer es con ese origen japonés, sin embargo, hacer cada una de las figuras es una experiencia fascinante en sí misma. Cada una de las figuras las hago personalmente, y al ir plegando sucesivamente el papel a partir de una forma simple como un cuadrado para dar lugar a una figura más compleja como las aves de papel, siento como una analogía de la vida misma, porque cada figura simple de papel es capaz de generar una figura más compleja que después cobra vida por sí misma y eso me motiva a pintarlas continuamente. Siempre estoy investigando nuevos plegados para ir generando nuevas figuras. Hasta ahora, las figuras que más he utilizado son la grulla, la paloma, la mariposa de tal manera que inviten a una reflexión sobre conceptos como la paz, el cambio, la búsqueda constante, la introspección.
-La escalera también es un elemento recurrente en su obra: Madera vieja, sin rastro de pintura. La escalera tiene un significado muy especial para mí porque se relaciona con el concepto del ascenso-descenso. Selecciono aquellas características que más me llaman la atención, en este caso la escalera se presenta con imperfecciones, escalones rotos que se relacionan con nuestras imperfecciones pero que a partir de la aceptación de nuestras limitaciones es como se consigue el ascenso hacia ese ideal que perseguimos. Se relacionan con los obstáculos del diario vivir y esa lucha que emprendemos para alcanzar ese anhelado ascenso. -¿El suyo es un realismo mágico? Yo suelo llamarlo realismo simbólico, porque los elementos que utilizo en mis pinturas pasan a convertirse en un símbolo; son tomados de la realidad y son reconocibles en su forma, colores, texturas pero no se limitan a presentarse como algo literal, objetivo o puramente descriptivo, sino más bien como una ventana o vía de entrada hacía conceptos más trascendentes que se relacionan con el mundo de las ideas, las emociones, los sentimientos. Tal vez eso le confiera una dimensión “mágica” al realismo que planteo en mi obra. Cada obra es una invitación a mirar un poco más allá de la realidad material que nos rodea. -¿Le costó llegar a esa síntesis y simpleza? Tal vez no tanto llegar, pero sí seguir en el trayecto porque es una búsqueda constante. Yo empecé pintando bodegones, porque en ese momento mi búsqueda se orientaba a lograr un conocimiento técnico, de los materiales, ya que mi experiencia anterior a la pintura era la del dibujo y el diseño. Hasta que un día me encontré con una escena fantástica en una huerta familiar que teníamos que era la de una flor de la planta de la esponja que trepaba por la muralla en medio de los alambres, y esa imagen siento que marcó el inicio de todo este “estilo” o búsqueda en la que estoy metida ahora. Para mí fue un momento mágico y ahí empecé a indagar cada día más en aspectos relacionados con el simbolismo de los elementos que voy recogiendo para armar mis composiciones. Mi investigación ya no se limitó simplemente a aspectos técnicos de la pintura, sino también a aspectos humanos, filosóficos, espirituales, ya no era suficiente “pintar bien” sino también comunicar, expresar algo a través de cada pintura. -¿Reconoce algún tipo de influencia? Si busco influencias, las encuentro en el romanticismo
15 alemán, la pintura flamenca, en los escenarios místicos de Caspar David Friedrich, el paisajismo, el surrealismo y muy especialmente la pintura oriental. Soy una ferviente admiradora de la pintura japonesa y china tradicional por esa simplicidad de elementos y trazos presentes en la obra, ya que con poco logran decir mucho y ese vacío que normalmente rodea a esos pocos elementos compositivos invita a una meditación y vaciamiento interior que nos conectan directamente con esa dimensión trascendente de la naturaleza. Por eso también me atrae la lectura del haiku que es un poema corto donde con unos pocos versos transmiten todo un universo de emociones y sensaciones que el poeta capta en un momento de introspección con la naturaleza. -¿Cuál es el momento del realismo en Paraguay? El realismo en Paraguay es un estilo que ha surgido de forma muy individual en cada artista, ya que no existe una academia de arte donde uno pueda aprender las técnicas y procedimientos que se necesitan para llevar adelante un estilo tan exigente como es el realismo. Entonces, cada artista que opta por el realismo ha tenido que emprender un aprendizaje en solitario, la mayoría de los pintores realistas son autodidactas, algunos han terminado decepcionados de los programas de estudio, otros han hecho carrera en el exterior y finalmente están los que sobresalen gracias al mérito de su talento y el trabajo constante y no precisamente por la formación académica recibida. Siento que ahora se la da un poco más de atención al realismo, ya que siempre se lo ha dejado de lado para apoyar otras expresiones más experimentales o conceptuales que muchas responden a tendencias que se dan dentro del arte. Creo que el escenario del arte contemporáneo debe poder aceptar la pluralidad de visiones y propuestas sin desmerecer a ninguno. Aun así, todavía en Paraguay hay mucho por hacer para lograr una mayor visibilidad del realismo contemporáneo y sobretodo educar la mirada de galeristas, público, coleccionistas, estudiantes. Aún hay confusión en el uso de los términos, realismo, hiperrealismo, realismo mágico, etc. incluso entre teóricos y profesores de arte. -¿Es el realismo en la pintura la única forma de demostrar talento y generar admiración? No creo que sea la única forma, me parece que hay obras abstractas (cuando están bien planteadas) que también pueden lograr admiración, siempre y cuando estén sustentadas en un conocimiento acabado del oficio y no sea pura “improvisación” vacía. Sin embargo, el realismo tiene esa capacidad de llegar a la gente de
16 una manera más directa y despierta esa admiración por la capacidad del artista para crear la “ilusión” de realidad en el cuadro. Es muy común escuchar a la gente decir “parece una foto” porque el objeto representando es tan parecido al objeto real que la gente enseguida relaciona con lo fotográfico; en las pinturas realistas hay semanas e incluso meses de dedicación en la producción y requiere del artista mucha atención al detalle y no dejar nada al descuido. Pero también es importante entender que al hablar de realismo no se limita sólo a la pericia técnica del artista, sino también que ese virtuosismo vaya acompañado de creatividad y contenido de tal manera que cada pintura pueda despertar en el público la fascinación y compenetración, de lo contrario la pintura devendría un mero objeto decorativo.
iniciaron sus carreras en los 80 y los 90, donde los circuitos tradicionales del arte dejaban a un lado la pintura realista tratándola de “arte copista” y privilegiando un arte más conceptual, pobre en oficio pero que respondía a las “tendencias” del arte en ese momento que la mayoría de las veces están marcadas por las bienales, ferias de arte, curadores o galeristas con poder. También es importante destacar el surgimiento de agrupaciones de artistas realistas en Latinoamérica, como sucede en Perú, Argentina y en el caso de España incluso hay un concurso anual de pintura y escultura realista que está posibilitando la creación de una importante colección de realismo contemporáneo y la participación de artistas de todo el mundo. Creo que las acciones colectivas son muy importantes para lograr que un estilo logre afianzarse y gener-¿Intuye algún cambio? ¿Existen más pin- ar nuevas oportunidades para que los jóvenes talentores jóvenes que se atreven con el realismo? tos encuentren un lugar donde mostrar sus trabajos. Yo creo que sí, y eso tal vez sea gracias al acceso a la información que hoy en día tenemos a través de Internet y las redes sociales. Uno puede acceder a información sobre pintores en otros países, conocer sus obras e incluso comunicarse con ellos, compartir experiencias y entonces uno ya no se siente tan solo como probablemente haya ocurrido con artistas que