Re vuelta (web)

R E - V U E L T A Terce r a mu e st r a de e g re sados

Universidad de Bogotá Jorge Tadeo Lozano www.utadeo.edu.co Carrera 4 # 22-61.

PBX 242 7030 Rectora Cecilia María Vélez White.

Directora Museo de Artes Visuales Isabel Vernaza.

Director Programa Artes Plásticas Javier Gil. Equipo curatorial Mariana Dicker / Manuel Santana / Andrés Gaitán / Javier Gil. Diseño Sebastián Mira / Juan Daniel Robledo.

MEQUETREFE 2015.

R E - V U E L T A Te rce r a mu e st r a de e g re sados

c

MEQUETREFE

R e - v u e l t a Re-vuelta llega a su tercera versión. Se trata de una exposición de egresados, de los últimos cinco años, cuyos • trabajos de grado y posteriores desarrollos, tanto artísticos como laborales, resulten significativos.

• Como en las anteriores versiones, Re-vuelta hace alusión al múltiple sentido de esa palabra: renovación, regreso, estar de vuelta, etc. Básicamente apunta a señalar la continuidad y desarrollo de propuestas inicialmente planteadas en los • proyectos de tesis pero que –desde ese entonces- anunciaban posibles y alentadores desarrollos futuros. En consecuencia, • se trata de advertir esos desarrollos posteriores en una especie de juego de tiempos en los que se avanza retrocediendo. Al mismo tiempo, Re-vuelta permite revisar y volver sobre las pedagogías de la creación desarrolladas en el Programa de • Artes. En ese sentido recoger los desarrollos de los procesos de creación de egresados se constituye en una re-vuelta pedagógica.

Re-vuelta es una trama de tiempos, una necesidad de volver al pasado para anunciar futuro, una revuelta sobre sí para decirse de otro modo, una re-vuelta del lenguaje y de la práctica de sí. Re-vuelta de lo aprendido para lanzarlo en otras direcciones. En consecuencia, la muestra cumple diversas pretensiones:

•

• •

•

Mantener acciones de articulación, seguimiento y enlace con egresados, sobre todo desde sus prácticas artísticas.

Pensar en las transiciones que ocurren entre el proyecto de grado y la práctica profesional.

Captar experiencias y sugerencias relativas a esa zona de transición.

Evidenciar y hacer público el trabajo de ex -alumnos.

Proyectar pedagógicamente la muestra a partir de un diálogo con los invitados acerca del devenir de sus procesos de creación y de otras derivas de lo artístico en el plano laboral.

Evidenciar cómo un cierto saber, una experiencia, un pensamiento de tipo artístico se transforma, e incluso cómo abre posibilidades inéditas, conexiones y prácticas inesperadas.

Iniciar un programa de entrevistas con egresados, incluso susceptible de volverse una publicación periódica, acerca de sus incursiones laborales y sus procesos de creación. En ese sentido se complementa la exposición con textos en los que se registran intercambios con las participantes acerca de sus procesos de creación, prácticas y pensamiento artístico.

Evidenciar cómo un cierto saber, una experiencia, un pensamiento de tipo artístico se transforma, e incluso cómo abre posibilidades inéditas, conexiones y prácticas inesperadas.

Iniciar un programa de entrevistas con egresados, incluso susceptible de volverse una publicación periódica, acerca de sus incursiones laborales y sus procesos de creación. En ese sentido se complementa la exposición con textos en los que se registran intercambios con las participantes acerca de sus procesos de creación, prácticas y pensamiento artístico.

Baltasar vischi, 2015

A los participantes de Re-vuelta se les formularon algunas preguntas, relacionadas con la transición de la vida universitaria a la laboral, los desarrollos ligados a los proyectos de tesis y la forma como se plantean los procesos de creación. Estas inquietudes, muy asociadas a la filosofía que anima este tipo de reencuentro con los egresados, se formulan inicialmente y cada uno de ellos las responde en el mismo orden en que figuran a continuación.

1. ¿Cuál ha sido el proceso de transición de la etapa formativa universitaria al mundo laboral y artístico?

2. ¿ Cómo se ha prolongado, derivado, transformado, su proyecto de grado desde que salió de la Universidad hasta este momento de su participación en Re-vuelta?

3. ¿Cómo se desarrolla su proceso de creación artística: qué explora e investiga; qué acciones, operaciones y estrategias emplea usualmente; a qué tipo de recursos apela como materia prima para sus trabajos: experiencias personales, referentes, viajes, archivos visuales?

Aldemar Muñoz

osiriz66@hotmail.com 1) Mi proceso de transición duró aproximadamente dos años, en los que estuve indagando en profundidad sobre mis intereses como artista, y acerca del desarrollo de mi trabajo.

Así mismo, he reflexionado sobre la importancia que tiene este en relación con los espacios en los que se exhibe y de esta forma localizar los espacios adecuados para mostrarse.

2)A partir de mi tesis de grado he venido desarrollando ciertos avances de la misma. Tomé los dibujos que había realizado en la Universidad y profundicé en los conceptos y en la estética, advertí que en los proyectos realizados había una obra en desarrollo, así que tomé los dibujos realizados como punto de partida y me tomé el tiempo y el trabajo para pulirlos formal y estéticamente.

3 ) Mi proceso comienza instintivamente, escogiendo materiales que llaman mi atención por su textura forma o color. Después experimento con ellos hasta encontrar una conexión entre la materia y mis emociones. Todo esto se traduce en telas, bordados, canutillos aglomerados, dibujos, performance e imágenes fotográficas que revelan mis espacios más íntimos. Finalmente el resultado me permite generar un lugar de reflexión y una pauta para orientar mis indagaciones como artista.

Fantasmática. Mixta sobre pergamino. 2015.

Catalina Mora

catmofe2@gmail.com

1) En la universidad uno cuenta con la asesoría de varios profesores y amigos en las diferentes clases, recibiendo constantemente retroalimentación. Después del grado buscas trabajo y existe el miedo de dejar de hacer lo realizado en la universidad. Ocasionalmente se abandona el trabajo personal, aunque es muy enriquecedor trabajar en equipo con personas de tu misma carrera y de otras profesiones. Aprendes de los expertos y crece tu conocimiento en otras áreas. Es muy importante identificar cuando las cosas no funcionan o cuando son buenas, no esperar que alguien te diga “que buen trabajo” o “no me gusta”, sino creer en lo que ves y sientes. Al mismo tiempo, es elemental comprender que de la noche a la mañana es imposible que salga un gran resultado, una investigación lleva su tiempo. Por otro lado, en la vida laboral empiezan a aparecer compromisos que no tenías cuando estabas en la universidad, entonces se hace necesario aprender a administrar el tiempo.

Fue entonces cuando empecé a desarrollar historias visuales sobre el carbón, contando su historia en diferentes escenarios, reflexionando distintos conceptos como la ruina, progreso, construcción y destrucción. Entonces me di cuenta que las fuentes de energía tiene el poder del movimiento de la vida, el tiempo y de la muerte. Dejo que el carbón hable y sea como es, ya que ha estado en diferentes atmósferas.

Ahora me gustaría empezar a interpretar diferentes historias naturales del agua, la tierra, el viento, la arcilla, y el fuego.

3) En estos momentos me interesa descifrar los posibles desarrollos naturales de las diferentes fuentes de energía los cuales pueden aparecer a partir de la experimentación con la materia. Identifico sus características físicas y antes de leer algo sobre ella me gusta acercarme y experimentarla sin un juicio previo.

Las posibles interpretaciones o hallazgos se desarrollan posteriormente y ahí sí empiezo a buscar referentes, fotografías, imágenes y/o experiencias personales para encontrar un sentido. Al mismo tiempo, siempre tengo en cuenta las preguntas de proyectos anteriores, porque pueden surgir soluciones o aparecer una nueva idea. Los posibles residuos de trabajos anteriores pueden encajar para la nueva propuesta o investigación. Para mi es vital la repetición.

2) Siempre me han interesado los procedimientos de las ciencias naturales en sus procesos de investigación. Este gusto lo adquirí por la cercanía con los animales, plantas, paisajes y familiares que han estudiado y trabajan en biología, geología, y antropología. Gracias a ello, aprendí a aplicar procedimientos de investigación científica en mi proceso creativo, aunque el orden planteado por las ciencias cambia sustancialmente en los procesos artísticos.

Estudié y experimenté el carbón en la universidad, aún lo sigo experimentando. Este material me invitó a indagar en su naturaleza, desde sus orígenes hasta sus usos actuales. Me fui dando cuenta que el carbón se puede encontrar de distintas maneras y en diferentes lugares, aunque el comienzo de esta investigación fue en los Llanos Orientales. Cuando tuve ese primer contacto con la materia “carbón”, se me generó una inquietud sobre las cosas mínimas que me rodeaban. Empecé a indagar sobre la luz, relacionándola con las necesidades primarias del individuo (cocción de alimentos), necesidades que me regresaban temporalmente al origen y la esencia misma de las cosas.

Animálculo debajo del horizonte. Dibujos sobre papel carbón y vídeo. 2015.

Irving David Becerra davidbecerra_art@hotmail.com 1) Este proceso ha ido madurando a partir de algunas experiencias y de enfocar los procesos y técnicas de trabajo.

En su momento estuvo bloqueado por completo y por falta de claridad tomé malas decisiones. Esto me llevo a redefinir mis opciones: por un lado tratar de aprovechar la diversidad de técnicas aprendidas a lo largo de mi trabajo en el taller e ir ejecutando con cierto orden una idea, teniendo en cuenta siempre los procesos de elaboración de un proyecto, lo cual solo lo había experimentado en el proyecto de grado. Dicho proceso lo empleo actualmente en cada trabajo.

En este tiempo me he dado cuenta que depende de uno mismo dar solución a ciertos planes de trabajo, dentro y fuera del taller. Me refiero a una etapa de madurez donde se busca obtener una idea más o menos clara, así como también la manera de ejecutarla y convertirla en un proyecto.

Una de las ventajas que tengo en el campo laboral es la de trabajar desde los cuadros de arte popular que yo mismo fabrico, porque los comercializo directamente y conozco el comportamiento de este tipo de mercado. Sigo trabajando en ello, una experiencia de taller por varios años. Esta situación me ha permitido pensar en una academia o taller para dictar cursos en algunas técnicas específicas en las me desenvuelvo muy bien, ya tengo algunos alumnos trabajando en mi taller. Al mismo tiempo me mantengo conectado permitiéndome pensar en la ejecución de proyectos y para darme a conocer como artista plástico.

2) El proyecto de grado ha sido un importante punto de partida, para continuar mi trabajo. Me ha permitido desarrollar una idea preconcebida hasta su ejecución, así mismo la seguridad para plantear una idea y darle solución; también para pensar como proyectarme y de qué manera utilizar las herramientas, facultades y conocimientos que poseo dentro del taller y para ponerlas a funcionar de una manera ágil y eficaz. El proyecto de grado facilita la reflexión y propicia la constitución de una empresa (oficina) de arte contemporáneo con una plataforma amplia de servicios que sintetice diferentes tipos de medios y procesos artísticos. Busco la manera de dedicarme completamente a

la producción de obras y así moverme en el campo artístico, trabajo desde hace un tiempo apuntando a ese objetivo y buscando las herramientas necesarias para llevarlo a cabo.

3) Busco la manera de explotar la parte práctica de taller analizando e investigando temas de interés, identificando obras que puedo copiar para darles otro sentido. Así genero archivos digitales, fotos, películas, tomándolos como referentes en algunos proyectos.

He obtenido un valioso conocimiento profesional de los materiales utilizados en proyectos anteriores, lo cual es importante para explorar la materia prima a utlilizar. Así, se me facilita tomar decisiones en cuanto a los posibles materiales a emplear en la construcción de las obras. Procuro emplear materiales de alta calidad y de bajo costo, mirando opciones tanto de construcción como de acabado.

El vacío de un blanco. intervención pictórica. 2014.

Matías Quintero Sepúlveda matt_quintero@hotmail.com

1) El proceso de transición de la etapa formativa universitaria al mundo laboral artístico ha sido lento y difícil, con relación a la independencia económica y la posibilidad de tener mi propio taller y obtener recursos para desarrollar nuevos proyectos. Sin embargo, gracias a las oportunidades brindadas por el Programa de Artes a través de convocatorias y pasantías durante mi etapa universitaria, y gracias a los enlaces y relaciones que formé en esos procesos, he tenido la oportunidad de mantener un constante vínculo con el entorno artístico. He desarrollado residencias, voluntariados, trabajos de producción y montaje con diversos artistas y entidades, he participado en exposiciones y he mantenido una relación constante con artistas y curadores de Colombia y el extranjero.

Aplico continuamente a diferentes convocatorias, algunas de las cuales he ganado, y eso me ha permitido desarrollar temporalmente proyectos nuevos.

2) En cuanto salí de la universidad tuve la fortuna de poder seguir trabajando en mis proyectos personales.

Cuando me enfrenté por primera vez a mi taller vacío, sin más recursos que lo que me había quedado de mi proyecto de grado, tuve que romper una barrera mental muy fuerte: comprender que no siempre habría alguien que me ayudaría a entender y a confrontar mi proceso creativo, esto me llevó a desarrollar lentamente una metodología de trabajo muy rigurosa. El punto de partida para el primer proyecto realizado fuera de la universidad fue el proyecto de grado.

Dado que no tenía más recursos, decidí continuar con una técnica desarrollada desde el laboratorio de creación y seguir con la experimentación técnica sin definir un objetivo específico, simplemente con el propósito de experimentar y descubrir nuevas posibilidades.

Poco a poco descubrí que las posibilidades eran ilimitadas y que podía entablar una relación colaborativa con la materia al someterla a mis necesidades, a su vez ella me exigía desde sus limitaciones y su naturaleza, guiándome en el camino hacia el que debía ir. Absolutamente nada de lo hecho está desvinculado de mi proyecto de grado, en la medida en que ese fue el lugar y momento para plantar

los cimientos tanto de mi relación con la materia como de mi metodología de creación. Si bien mi trabajo actual se ha modificado radicalmente en términos conceptuales, materiales y de proceso, llegué a comprender que las obsesiones solo se evidencian cuando se pueden observar en una escala macroscópica y en un margen temporal amplio. Gracias a eso, un tiempo después del proyecto de grado, empecé a encontrar relaciones poéticas importantes dentro de ese trabajo y que inconscientemente se manifestaban en el desarrollo de otras piezas. Esas relaciones no habrían evidenciado para mí si no les hubiera dado el tiempo y el espacio que requerían para manifestarse. Con el tiempo he podido identificar con mayor claridad mi propia metodología, que si bien ya sucedía durante el proyecto de grado aún no era evidente para mí, por lo tanto no podía utilizarla como una herramienta sino que estaba sometido a una deriva angustiante por su desconocimiento.

3) Mi proceso de creación opera en diversas dimensiones. Por un lado está la idea, constantemente surgen muchísimas ideas y, poco a poco, con la constante revisión de referentes y ocasionales diálogos con otras personas, mi criterio sobre las ideas se transforma. Lo anterior me ha permitido aprender a dejar a un lado las ideas que tal vez no tienen tanta potencia dentro de mis necesidades, o que tal vez por razones de recursos y habilidades no puedo desarrollar en el momento. Esas ideas existen en el momento en que las anoto o dibujo y quedan latentes a la espera de algún momento que las haga viables o más potentes, dependiendo de las circunstancias.

Junto a ellas están las ideas que me conmueven, son aquellas que al surgir adquieren un sentido fuerte dentro de mi propio proceso y pueden ser realizadas con mayor probabilidad, o me exigen buscar recursos para desarrollarlas debido a su propia potencia.

Por otro lado, está el desarrollo matérico: este proceso solo puede suceder en la medida en que tengo las manos untadas con la materia, tal vez sin razón aparente, tal vez sin motivos ni conceptos. Sin embargo, a partir de una pulsión, siento la necesidad de usar una u otra materia y a medida que la trabajo ella me indica sus posibilidades. Así, en medio de un diálogo mutuo, la materia va tomando forma y adquiere un sentido dentro de mi proceso y mis necesidades. Algunas de mis obras actuales han surgido sencillamente de la necesidad de hacer algo con una materia específica. Luego, cuando siento que la pieza está terminada, porque tal vez se agotan los caminos, empiezo a desarrollar un proceso de interpretación de mi propio trabajo que me permite identificar pulsiones y obsesiones que toman forma de concepto.

He descubierto en mi proceso que me resulta muchas veces difícil bocetar una obra dado que en muchos casos la idea está sometida a una materia especifica y solo en la experimentación con ella puedo saber el rumbo que va a tomar.

Así, he descubierto que en muchos casos me resulta imposible trabajar en dos tiempos: uno en el que boceto y proyecto y otro en el que materializo.

He llegado a comprender el dibujo como una materia, más que como una técnica, y siento que no puedo conocer las limitaciones ni las potencias de un proyecto sino en el acto de desarrollarlo con la materia específica con que nació la idea. Tengo gran facilidad para desarrollar una forma con la materia.

Constantemente, y paralelo al proceso con la idea y con la materia, mantengo una constante recopilación de imágenes, textos y materiales.

En la actualidad mi archivo es digital, sin embargo cuando tuve la posibilidad de tener un espacio llené las paredes con imágenes impresas de mi archivo, para que inconscientemente me invadieran, siguiendo con la idea de procrastinación que propone

William Kentdridge la cual sucede en el taller mientras un individuo se demora, cuando decide hacer “algo” sin intención ni conocimiento de lo que ese “algo” sea, hasta el momento en que sucede la confrontación con el papel o el lienzo en blanco. En ese tiempo, el artista se ve invadido de ideas, pensamientos, imágenes y de todas las cosas que con él habitan su estudio y que sin saberlo afectan sus decisiones. Porque, aunque no lo parezca, son proyecciones de su propia psique. Considero que el archivo tiene en especial la capacidad de inseminar la mente para que, sin darse cuenta, se gesten ideas.

Estas son el parto de algo ya existente, como una obra ajena, una imagen, una textura, un material, una frase o un libro que inseminó las pulsiones y necesidades del individuo, como en un proceso de gestación cualquiera.

La idea nueva es la combinación genética de ambas partes.

Así, las pulsiones se manifiestan a través de un proceso obsesivo e influenciado por lo que ya existe.

Esta es la forma en la que he interpretado la famosa frase de Picasso, y gracias a ello se entabla un diálogo con la historia del arte rompiendo con la linealidad y creando una constelación en la que varios artistas, a través de sus obras, hablan, critican, argumentan, etc.

En definitiva mi proceso de creación, aunque opera en diversas dimensiones, tiene una metodología que parte de la noción de azar de Cage y Duchamp, donde nada es coincidencial ni accidental, todo tiene una razón de ser. Fundamentalmente mi trabajo es el encuentro de la materia y la idea, en esos dos aspectos se desarrolla y surge de un padre que es un referente (entiéndase de forma muy amplia) y una madre que es mi mente invadida de necesidades, pulsiones, obsesiones, traumas, y búsquedas.

Minotauro, Instalaci贸n. 2015.

Kabel. Instalaci贸n. 2015.

Natalia Rivera Pascuali

nataliariverapascuali@gmail.com 1) Este proceso, en un principio fue difícil, puesto que en el mundo “laboral” no hay muchas oportunidades si no se tiene experiencia de X años y no sé cuántas maestrías, especializaciones etc...Y cursarlas es imposible, a no ser que se ahorre o se endeude, y para ahorrar se necesita tener un lucro. En cuanto al “mundo artístico”, es difícil incursionar, pues a veces son estigmatizados ciertos procesos artísticos los cuales no pueden ser exhibidos o simplemente no son interesantes para quienes proliferan estas grandes vitrinas.

La consecuencia de estos procesos de selección es que él o la artista terminan realizando lo que el otro necesita mostrar para vender, y esto es otro lío, pues para vender se parte del gusto de quien quiere determinada obra, porque si no es un coleccionista o amante del arte, es simplemente alguien con dinero que quiere decorar su espacio. Pero esta no fue ni ha sido una complicación para mi, el proceso que he llevado ha sido gratificante, lleno de incertidumbre, indecisiones, dudas, aciertos, satisfacciones y un sin número de preguntas. Lo anterior me ha llevado a no parar con mi proceso de producción.

Después de buscar y buscar incursionar en el mundo laboral, decidí enviar información, así que empecé a dictar talleres a domicilio y finalmente logré acceder al mundo “educativo”: colegios y proyectos artísticos. En consecuencia, llevo un proceso de docente de artes plásticas en 2 proyectos. Tengo que decir, que es gratificante porque llevo un proceso de producción y de docencia al mismo tiempo, dos mundos que se complementan en el hacer.

2) Mi proyecto de grado, se ha ido derivando en dos realizaciones audiovisuales, las cuales parten de “40 minutos Bajo Tierra”. La primera producción que realicé después del proyecto de grado, fue “Santoku”, corto animado en stop motion y cuya intención fue continuar enfatizando en el viaje que emprendí en esta primera producción. En un ambiente oscuro y hostil planteo la idea del ojo vigilante y destructor. En la tercera producción, aún en proceso, mi intención es generar suspenso permaneciendo en un espacio oscuro donde ocurrirán ciertos acontecimientos.

Esta saga no pretende tener un final, aborda la muerte

como eje central, la víctima y el victimario son entes recurrentes en cada una de las realizaciones, se presentan momentos de tensión y peligro con un fuerte contenido expresivo. No manejo una narrativa específica, el proceso parte de la experimentación.

3) Mí proceso de creación, parte de mis experiencias, y de como repercuten estas en mí.

Ligado a eso empiezo a generar historias sustentadas el cine, libros, internet. Investigo los temas que me interesan y consecutivamente busco películas donde se aborde lo que necesito. Lo anterior con respecto al área audiovisual.

Los otros procesos que he realizado también parten de mis experiencias e intereses, me planteo una pregunta y la voy resolviendo a lo largo del proceso creativo. En este proceso también hago una selección de materiales e indago material audiovisual.

El proceso audiovisual lo genero casi que todo el tiempo, utilizo medios como el celular para crear escenas que necesito hacer. Hablo de una necesidad porque son imágenes que se generan por distintas circunstancias, y es necesario documentarlas y jugar con ellas de forma que en el proceso de edición agrupe mis ideas y las plasme en una realización experimental. Otro factor importante es la deriva, esta me permite generar encuentros con objetos los cuales se vuelven parte del archivo de mis experiencias.

El área laboral también me permite generar procesos artísticos porque con los chicos que trabajo hago proyectos donde se vincula toda la práctica artística y diferentes técnicas. A su vez este material lo utilizo para la creación de nuevas ideas.

Santoku. Corto animado [Stop Motion]. 2013

Nicolás Buenaventura Arango mucharata@gmail.com

1) Cursando el pregrado de Bellas Artes en la Tadeo tuve la oportunidad de participar en el Festival Internacional de Cine de Cartagena, obteniendo el Premio India Catalina a mejor video-arte 2011. Esto me dio un impulso conceptual para poder realizar mi tesis de pregrado y fortalecer mi discurso artístico. Gracias al desarrollo plástico obtenido durante y después del pregrado en la Tadeo, en 2013, fui aceptado para cursar una maestría en la BauhausUniversität Weimar, Alemania, donde vivo y me desenvuelvo profesionalmente.

2) Sin duda, el proyecto de grado me dio las bases tanto prácticas como conceptuales para el desarrollo futuro de mis proyectos. Hoy en día se pueden ver los rastros de aquel proceso de investigación. El proyecto de grado de la Tadeo fue la primera vez en la que el animal apareció conscientemente dentro de mi proceso de creación, como parte fundamental de mi obra. Desde ahí cada proyecto nuevo se relaciona con el anterior, lo que se podría interpretar como una metamorfosis del proceso de investigación que empezó durante mis estudios en la Tadeo y que ha continuado prolongándose en el tiempo.

3) Mientras cursaba el pregrado, el video siempre llamó mi atención. Desde entonces no he dejado de producir videos tanto artística como comercialmente, siendo este el principal recurso técnico con el que desarrollo mí proceso creativo.

Como estrategia conceptual, normalmente produzco la obra desde la biología como punto de partida. Esta es mi principal interés y pasión desde antes de cursar el pregrado en Artes y los proyectos artísticos son el espacio donde puedo profundizar mi relación con las ciencias naturales por medio del video.El proceso audiovisual lo genero casi que todo el tiempo, utilizo medios como el celular para crear escenas que necesito hacer. Hablo de una necesidad porque son imágenes que se generan por distintas circunstancias, y es necesario documentarlas y jugar con ellas de forma que en el proceso de edición agrupe mis ideas y las plasme en una realización experimental.

Is it possible to argue with an animal?.

Video HD1080p . 2’26’’. 2015.

Uriel Ladino

edurielk9@gmail.com

1) Mi proceso ha sido bastante atípico, ya que me vinculé al mundo laboral antes de entrar a la Tadeo, con la Fundación Cuarto de Hora (http://www. fundacioncuartodehora.blogspot.com). Gracias a que me vinculé a grupos de investigación, como “Mi casa mi cuerpo” de Oscar Moreno, un grupo de Alejandro Araque, o a los montajes de exposiciones del Museo de Artes Visuales, logré hacer conexiones con muchas personas.

También, gracias a los procesos de montaje e investigación, realicé vínculos con personas como Carmen María Jaramillo y Mariana Dicker, y me vinculé a proyectos como Flora ars Natura y a la Fundación MISOL para las artes donde trabajo actualmente desde hace un año.

Es bastante difícil, no voy a negarlo, porque ser artista es tratar de construir un castillo de naipes que se cae constantemente y toca re-armarlo con paciencia y dedicación. Se cae por la visión que tiene la sociedad del arte en general, pero también por el mismo mercado del arte. Por ejemplo, he apostado a ser independiente, resolver mis problemas financieros solo, pero eso significa dedicar tiempo a conseguir dinero, tiempo que podría dedicar a trabajar en mi obra. El dinero me ha permitido poder tener un taller para trabajar libremente, pero he visto varios compañeros que no han podido resolver su situación.

Me he dado cuenta también que hay muchos hoyos negros en el mundo del arte, por ejemplo el salón “Arte Diversidad” que realiza la Galería Casa Cuadrada, en donde le cobran a los artistas para exponer y no hay ninguna curaduría, no hay una práctica profesional y uno como artista joven los ve como una plataforma. Seria muy bueno que en la universidad incluyeran una clase que tratara sobre el mundo del arte local, las galerías que existen, los espacios independientes, las fundaciones y las dinámicas estatales, para que los estudiantes pierdan la virginidad en los primeros semestres y no en los últimos como muchos lo hacen.

Pero aunque el mundo del arte es difícil, no podría quejarme, la Tadeo y las personas que conocí allí me han permitido desenvolverme. Una cosa importante que debo

resaltar es la relación con los profesores, poder hablar de tu a tu con ellos más allá del vínculo estudiantemaestro. Hablar sobre la vida, tomarnos una cerveza, cambia mucho la percepción que se tiene respecto al arte, porque es un testimonio vivo, no imaginario. Ese vínculo, creo, debe reforzarse con mucho tacto.

En resumidas cuentas soy feliz gracias a que me he dedicado a lo que me gusta y la universidad me ha dado muchas herramientas para hacerlo, pero todo depende de como uno las use.

2) Mi obra se ha ido transformando poco a poco desde que salí de la universidad. La distancia con la que vemos las cosas a través del tiempo me permite advertir aciertos y engaños. Hace unos meses estaba seguro de tomar ciertas decisiones respecto a mi trabajo, hoy no estaría de acuerdo con la persona que era, ya que mi pensamiento ha ido avanzando. El problema ha radicado en lo que implica salir de la universidad: pagar cuentas, arriendo, transportes, comida, lo que conlleva vivir una vida normal. El salir de la universidad se parece a escalar una gran torre y luego saltar de ella sin titubear, esperando a volar y estabilizarse. En ese proceso de estabilización mi proceso plástico quedó un poco rezagado respecto a la velocidad con la que avanza mi pensamiento y estoy volviendo a sincronizar estas dos partes.

Para mi ha sido muy importante encontrar un lugar cómodo fuera de casa para trabajar, donde me siento tranquilo y el trabajo manual fluye. He identificado también qué tipo de elementos son necesarios para mi proceso, por ejemplo un computador, una impresora, un scanner, son estimulantes para crear juegos de imágenes. Y también lo son un lienzo, acrílicos, herramientas manuales.

Con la propuesta para la exposición he abordado varios temas que me interesan y que he ido evolucionando a lo largo de este año. Ha implicado un reto de simplificación ya que tiendo a volverlo todo complejo. En medio de las exploraciones plásticas que he venido realizando con diferentes materiales, me he encontrado con varios retos: la pieza “Instrucciones

para ver el jardín” (no estoy seguro ya de ese titulo) tiende a ser cada vez más tridimensional y mi lenguaje siempre ha sido bidimensional, este cambio de dimensión ha implicado pensar no solo el espacio sino los materiales, el transporte, la portabilidad, la relación con el cuerpo, cosas que antes no tenían tanta relevancia en mis propuestas.

Después de presentar mi proyecto de grado me di cuenta de errores, por ejemplo, querer incluir mucha información en una sola exposición. He ido depurando poco a poco los temas y he pensado cómo articular una exposición con otra, para que plástica y conceptualmente tenga la conexión y la hibridación que me interesa mostrar.

3) Para mí es muy importante la relación del juego y el hacer, muchas veces me encuentro estático, sin saber para dónde ir creativamente hablando. Es allí donde entra el juego, donde no se está buscando un objetivo especifico sino simplemente experimentando con la información o con la materia. Luego entro en procesos un poco más rígidos pero no completamente, momentos en los que debo cumplir fechas, metas, me pongo un cronograma para ver finalizado un proyecto. Sin embargo, aunque trate de ser rígido siempre hay lugar para la exploración. Esa dualidad me atrae y funciona a la hora de trabajar. Es muy importante estar atento a la vida diaria, siempre en lo cotidiano se revelan cosas. Si, por ejemplo, estoy viendo una película y de un momento a otro alguien dice una frase que me interesa estoy atento a escribirla.

También estoy muy pendiente de mis sueños, analizándolos, es muy importante aquel momento en el que las barreras se borran y mi mente juega.

Muchas veces mi subconsciente revela cosas que no tengo presentes en el momento de estar trabajando. Por eso la escritura no formal es muy importante para mí. En ese proceso de registrar mis pensamientos he encontrado una distancia muy grande entre la expresión escrita y la hablada, he identificado momentos en los que hablo y me encuentro pensando de una manera muy diferente a cuando escribo, esto me interesa y he comenzado a tratar de grabar lo que digo en esos momentos

elocuentes pero no lo he conseguido, en el momento de grabar mi voz me pongo nervioso y no logro concentrarme, aunque este solo. Poco a poco se irá dando de una manera más natural.

Un insumo muy importante es internet y la mezcla de información que allí se da, condensándose en imágenes. La materia prima para mi trabajo son las imágenes: cómo se materializan, de qué manera las hacemos presentes en nuestro aparato visual y luego en nuestro cerebro, cómo las personas de esta época se apropian de ellas, qué poder tienen, cómo desde la construcción de un archivo visual se logran tejer líneas entre temas que parecen estar separados. Todo esto me interesa mucho. Siempre contrastado la información e imágenes encontradas en la web con lecturas y vivencias que voy teniendo. También me es importante leer las noticias, estar enterado de los cambios que suceden, de la ciencia, la política, la religión. De allí, de ese cruce de información, creo yo, desemboca el motor que me lleva a pensar en las imágenes como códigos simbólicos que logran modificar conductas y luego conciencias.

Para mi proceso fue muy importante entender la influencia que ejercían los libros con los que conviví desde pequeño, mi padre con sus libros de ingeniería, donde veo los conductos, la estructura plasmada en dibujo de algo que no tiene alma y nos ha permitido existir de la manera como lo hacemos actualmente. Y mi madre con sus libros sobre fonoaudiología, una guía básica de cómo funciona el mundo que hemos creado.

Estos dos imaginarios me han alimentado inmensamente.

Es muy importante también el trabajo plástico, y mis aproximaciones usualmente ocurren desde el dibujo, el boceto, la idea rápida. Desde esa manera de previsualizar la idea dejo que ella misma me guie al siguiente paso, el tiempo que necesita para cristalizar. Pienso en lenguajes que puedan dar cuenta de ello y las connotaciones poéticas implicadas en el material, por ejemplo si utilizo el video, o la fotografía. Si no sé manejar algún proceso particular busco la manera de aprenderlo, pero gracias a la formación obtenida en la universidad, y al enfoque multidisciplinario, he encontrado buenas bases para realizar estas exploraciones. Muchas veces mis procesos se vuelcan en traducciones respecto a lo que las máquinas pueden realizar.

Me interesa qué puede hacer la máquina, busco contratar los servicios de personas que tienen el conocimiento de la herramienta, y voy guiando la realización de la idea en medio de un proceso de traducción entre el hacer de la persona que controla la máquina y yo. El hecho de no poder, o no tener que controlar todo, me gusta .mucho.

Instrucciones para ver el jardĂ­n. Pintura sobre espejo y madera. 2015.

Yorely Varelo

yorelyvalero@hotmail.com 1) Intento hacer cosas en relación con lo que estudie o afines con lo creativo, finalmente mucho de lo que aprendí para mi trabajo durante la universidad me sirve de herramienta para trabajar ahora con otras personas. Es lo que actualmente me permite trabajar como artista.

2) Desde que salí de la universidad seguí trabajando en el proyecto de grado, tratando de resolver lo que no alcancé a desarrollar durante la tesis, tanto en aspectos técnicos como conceptuales. Es para mí un punto de partida, una de las posibles respuestas a inquietudes que tengo y que apenas quedaron planteadas.

3) Pienso que funciono por fijaciones sobre eventos, y me refiero con eventos a situaciones que suceden en el tiempo; me gusta la observación, me llaman la atención los cambios apenas perceptibles de un momento. De ahí mi relación con la fotografía y el video, vuelvo con mucha frecuencia a las mismas imágenes, tomo fotografías con encuadres similares varias veces o hago un video concentrado en toda su duración sobre la misma escena. Siento fascinación por la forma en que el tiempo transcurre e intento replicarlo.

Asilo. vídeo-instalación. 2014.