Revista Perceptiva

perceptiva

editorial

La percepción es un punto en común en el arte y el diseño, sin embargo, ésta ofrece diferentes significados dependiendo no sólo de quién mire sino también desde el lugar a partir del cuál se posiciona para hacerlo. Estas características generan en tonces problemas para la percepción y por lo tanto, problemas para comunicar algo de manera correcta o única.

Por esto es que, desde Perceptiva, buscamos indagar en la ma nera en la que las personas perciben y procesan la información, presentando nuestro contenido mediante diferentes represen taciones visuales, otorgándole a nuestros lectores la posibili dad de mirar desde otra perspectiva y con un sentido diferente.

MUSAS O ARTISTAS: EL ROL DE LA MUJER EN LA HISTORIA DEL ARTE. Sociedad y cultura

sumario

IRRUPCIÓN DEL CRIPTOARTE. Innovación y tecnología

SERGIO DE LOOF. Personajes

EL AFICHE IS NOT DEAD. Línea del tiempo Poema ilustrado Misceláneas

MINIMALISMO EN AUGE. Línea del tiempo

staff

Universidad Nacional del Litoral Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo Licenciatura en Diseño de la Comunicación Visual Taller de Diseño III Cátedra Gorodischer

Proyecto Final Revista Bandeo Mercedes

Año 2022 Santa Fe, Argentina

EL LENGUAJE GRÁFICO Y GRAMÁTICO. Sociedad y cultura DISEÑADORES EN LA SOMBRA. Sociedad y cultura

MARTA MIJUNÍN. Personajes

Cuerpo docente: Prof. Titular: Arq. DG. Horacio Gorodischer

Prof. Adjunto: LDCV Lud. Silvia Torres Luyo Jefes de Trabajos Prácticos: LDCV. Mariana Oliva LDCV. Gabriel Juani LDCV. Darío Bergero

Pasantes en Docencia: Ignacio Simarro Victoria Cina

Los textos de las notas –exceptuando el cuerpo de la noticia, que utiliza texto simulado– son elaborados por la cátedra para la correcta realización del proyecto. Estos son desarrollados a partir de artículos de diferentes au tores, por los docentes y los propios alumnos del taller 3.

Familias tipográficas: Source Serif Pro Krylon Fira Sans

SANTIAGO ARTEMIS. Personajes ARTE CLÁSICO Y MODERNO. Línea del tiempo

La revista trabaja con imágenes desa turadas por decisiones estéticas. Los nombres y autores son mencionados en los epígrafes correspondientes, para validar su originalidad. Las mismas son extraídas de banco de imágenes como Pinterest, Freepik y/o Pexels, e intervenidas posteriormente en el programa de Photoshop.

Por André Ricard

Irrupción en el criptoarte

Los NFT son el nuevo modo de coleccionismo en activos digitales únicos que viene a desbancar viejas tradiciones en la transacción de arte y el consumo de última generación, planteando otro paradigma en el sector cultural.

Al principio se acostumbraba a realizar diferentes publicaciones ocasionales de cuatro a ocho páginas plegadas, sin cabecera ni anuncios, que se ocupaban cada vez de un único tema. Los más comunes eran las guerras contra los turcos, los viajes, los descubrimientos, la rebelión de Lutero, la división religiosa, una lista susceptible de análisis. La idea misma de que el diseño gráfico tenga una finalidad, o sea para algo, en el contexto de la sociedad de principios del siglo XXI, es algo que resulta anacrónica para quienes coexisten dentro de este universo.

Revolución en el mundo del arte.

Se expresaron mediante un lenguaje gráfico orientado hacia el futuro que incluía el fotomontaje, los tipofo-tos y la composición asimétrica, y no por el atractivo estético de estos elementos; esta elección partía directamente de su convencimiento de que tenían una misión que cumplir. Los manifiestos, los escritos y la obra de aquellos integrantes de la modernidad pusieron de relieve un papel nuevo y duradero para el diseño gráfico en cuanto medio cuya formación estuvo vincu lada a las revoluciones políticas de las primeras décadas del siglo xx y como herramienta cuyo propósito era el avance social. Todos los elementos visuales constituyen lo que generalmente llamamos «forma», que es el objetivo primario en nuestra actual investigación sobre el lenguaje visual. La forma, en este sentido, no es sólo una forma que se ve, sino una figura de tamaño, color y textura determinados la manera en que una forma es creada, construida u organizada junto a otras formas, es a menudo gobernada por cierta disciplina a la que denominamos “estructura”. a tipografía, en su definición más simple, es el uso de tipos de letra para expresar y comunicar mensajes. Como el lenguaje escrito presenta relativamente pocos condicionantes estructurales, el tipógrafo puede disfrutar de una considerable libertad.

En pocos meses, los NFTs han trastocado el mundo del arte digital hasta tal punto que muchos artistas ya no conci ben su trabajo sin ellos.

La exclusividad, siempre la exclusividad.

Parece provenir de una era en la que era posible sostener una ideología, creer en verdades funda mentales, y proclamar manifiestos. En las primeras décadas del siglo XX, muchos diseñadores por toda Europa, y más tarde en Estados Unidos, asumieron los principios de la modernidad. Creyeron que era su deber moral poner la energía del diseño al servicio de los impulsos de cambio político y social. Crearon sistemas de comunicación como los alfabetos de caja baja y de palo seco. Con la esperanza de que llegasen a ser comprendidos universalmente y, por lo tanto, mejorasen las relaciones internacionales que tenían una misión que cumplir, como manifiestos, pactos y escri turas. Al principio se acostumbraba a realizar diferentes publicaciones ocasionales de cuatro a ocho páginas plegadas, sin cabecera ni anuncios, que se ocupaban cada vez de un único tema. Los más comunes eran las guerras contra los turcos, los viajes, los descubrimientos, la rebelión de Lutero, la división religiosa, una lista susceptible de análisis. La idea misma de que el diseño gráfico tenga una finalidad, o sea para algo, en el contexto de la sociedad de principios del siglo XXI, resulta anacrónica.

Mediante el lenguaje gráfico orientado hacia el futuro que incluía el fotomontaje, los tipofo-tos y la composición asimétrica, y no por el atractivo estético de estos elementos; esta elección partía directamente de su convencimiento de que tenían una misión que cumplir. Los manifiestos, los escritos y la obra de aquellos integrantes de la modernidad pusieron de relieve un papel nuevo y duradero para el diseño gráfico en cuanto medio cuya formación estuvo vinculada a las revolucio nes políticas de las primeras décadas del siglo xx y como herramienta cuyo propósito era el avance social. La labor principal es la expresión del contenido o el carácter mediante las numerosas po sibilidades que ofrecen los tipos de letra, que incluyen los distintos tamaños, grosores, estilos y también el espaciado entre las letras, las palabras y los párrafos. A lo largo de todo el siglo XVI los ocasionales van dando lugar a impresos periódicos que comienzan a ser regulares en el s. XVII que es cuando se considera el comienzo de la historia del periodismo en su sentido estricto, aunque ya se encuentran publicaciones periódicas antes.

Con sólo la estructura básica de letras unidas en pala bras y éstas organizadas en frases, por lo demás dispo ne de la libertad de dar forma al texto escrito. En una definición más amplia, la tipografía incluye toda la comunicación escrita, que comprende la escritura, la caligrafía y la tipografía en sentido estricto, mediante el uso de letras de imprenta. Mientras que la escritura y la caligrafía ofrecen la mejor oportunidad de expre sar una mayor individualidad, la tipografía incorpora las características de coherencia y perfección técnica. A la vista de la amplitud de los temas sobre tipografía que trataremos en esta obra, nuestra intención no es presentar la caligrafía como un elemento indepen diente, sino presentarla cuando aparezca en el con texto de los otros temas de tipografía. Aunque el dada sea el período citado con más frecuencia, esta actitud es igualmente visible en la tipografía de principios de los años 50, principios de los 70 y en la actualidad. Las escuelas tipográficas constructivas, más racionales, y su correspondiente espíritu orienta gran parte de lo que consideramos diseño lógico, metódico y sistemá tico en cuanto a tipos de letra.

¿Por qué tengo que pagar por algo que puedo tener gratis?

¿Es el criptoarte realmente arte?

La aventura del coleccionismo alcanza un nuevo “territorio”, un espacio virtual donde el arte busca expandir fronteras.

Foto de Super Rare: ‘’Subway station’’ por @mrmi sang e ‘’In the zone...’ Edition 1 of 1 por Deekay Kwon.

Con sólo la estructura básica de letras unidas en palabras y éstas organizadas en frases, por lo demás dispone de la libertad de dar forma al texto escrito. En una definición más amplia, la tipo grafía incluye toda la comunicación escrita, que comprende la escritura, la caligrafía y la tipografía en sentido estricto, mediante el uso de letras de imprenta. Mientras que la escritura y la caligrafía ofrecen la mejor oportunidad de expresar una mayor individualidad, la tipografía incorpora las características de coherencia y perfección técnica. A la vista de la amplitud de los temas sobre tipografía que trataremos en esta obra, nuestra intención no es presentar la caligrafía como un elemento independiente, sino presentarla cuando aparezca en el contexto de los otros temas de tipografía. Aunque el dada sea el período citado con más frecuencia, esta actitud es igualmente visible en la tipografía de principios de los años 50, principios de los 70 y en la actualidad. Las es cuelas tipográficas constructivas, más racionales, y su correspondiente espíritu orienta gran parte.

En el siglo pasado, el robo de millonarias obras de arte requería, al decir de Roberto Arlt, “pericia, co nocimiento y coraje”. No cualquiera se llevaba de un museo altamente vigilado un Rubens, un Van Gogh o un Picasso. En 1911 se produjo el que hasta hoy es el atraco más famoso de la historia, el del italiano Vin cenzo Peruggia, cuando entró un lunes, día de asue to, al Museo del Louvre, y se llevó tranquilamente La Gioconda bajo el brazo. Sin embargo, a diferencia del ladrón más sofisticado de mitad de siglo XX hacia acá (esos delincuentes de guante blanco que tan bien des cribió Jules Dassin en la película de 1964 “Topkapi”, con Melina Mercouri, Maximilian Schell y Peter Usti nov), a Peruggia no le hizo falta ni demasiada pericia, ni demasiado conocimiento ni demasiado coraje. La vigilancia humana era casi nula en el sector donde se encontraba la obra maestra de Da Vinci, y no había alarmas. La razón es simple: hace 110 años la Mona Lisa no era famosa sino que fue la espectacularidad del robo, la facilidad con que se hizo, y la cobertura de prensa que tuvo lo que la volvió famosa mundial mente. La obra apareció dos años más tarde, cuando Peruggia intentaba vendérsela a un comerciante de Florencia, y tanto su captura como la restitución de la pintura en el Louvre también fueron tapa de los diarios y revistas de todo el planeta. En los tiempos que corren, cuando un NFT (obra digital de criptoarte) puede llegar a cotizar más que una obra de los grandes maestros, también han variado las formas con el arte.

El creador del mítico Nyan Cat vende una ver sión de su meme por más de 360.000 euros en una subasta de cripto-arte. Se trata nada más y nada menos que de un gato hecho en 8 bits con cuerpo de galleta de sabor a cereza que vuela por el espacio.

El arte de robar arte

Antes, los artistas que trabajaban con soportes digitales tenían verdaderas dificultades para comercializar su producto porque no podían distinguir el original de una copia. Con la inclusión de los NFTs se puede confirmar la au tenticidad de las obras de manera democrática y descentralizada.

El mercado del arte y las criptomonedas.

La labor principal es la expresión del contenido o el carácter mediante las numerosas posibi lidades que ofrecen los tipos de letra, que incluyen los distintos tamaños, grosores, estilos y también el espaciado entre las letras, las palabras y los párrafos. A lo largo de todo el siglo XVI los ocasionales van dando lugar a impresos periódicos que comienzan a ser regulares en el s. XVII que es cuando se considera el comienzo de la historia del periodismo en su sentido estricto, aunque ya se encuentran publicaciones periódicas antes: a parte de los almanaques o los Price currents ingleses que ofrecían información comercial, estaban los anuales y semestrales que resumían las principales noticias del año como los objetos que se mostraban y también vendían en la feria de Frankfurt. Ayuda a las personas a encontrar su camino y a comprender datos, pero también les lleva a perderse en nuevas ideas, fantásticas narrativas o paisajes, y a poner en cuestión toda información que se presente. El diseño gráfico se inmiscuye en todos los aspectos de la vida social. Desde las señales que indican a los conductores que tienen que parar en los cruces o la etiqueta con información nutricional que indica claramente a un consumidor cuánto colesterol contiene un artículo alimentario, hasta la secuencia de créditos que captura de forma gráfica el ambiente y los temas de una película y favorece la credulidad de los espectadores. Por su mera diversidad, y por su omnipresencia al igual que por sus inherentes contradicciones, los productos y los resultados del diseño gráfico se resisten a dejarse acotar en una lista suscepti ble de análisis. La idea misma de que el diseño gráfico tenga una finalidad, o sea para algo, en el contexto de la sociedad de principios del siglo XXI, resulta anacrónica.

Las obras digitales, por su propia naturaleza, pueden ser copiadas y replicadas infinitamente. Los NFT no eliminan ese riesgo, pero generan un registro digital único que autentifica la propiedad de una versión concreta de una obra digital.

Obra de Enrique Poppe, artista 3D, especializado en la creación de personajes de cartoon.

SERGIO DE LOOF, el rey del under nunca muere.

Una obra ambulante, un alquimista que transformaba el cotolengo en arte contemporáneo, un príncipe-mendigo del under de los ochenta, noventa y más acá. Sergio De Loof, que pasó sus últimos años fumando en la cama, no temía a la muerte sino al olvido: antes que un velorio mediocre, su último deseo fue que sus cenizas sean arrojadas en Río de Janeiro. Su obra fue él mismo: una vida contra toda etiqueta, contra todas las caretas.

Artista, ambientador, diseñador y creador de “una moda hermo sa para pobres y feos”, Sergio De Loof fue un personaje icónico del arte y de la noche porteña. Para realizar cada uno de sus proyectos, construyó una comunidad efímera en la que inclu yó siempre a personas de diferentes procedencias, identidades y talentos. De Loof no entendía ninguna diferencia entre arte y vida. Participar de sus proyectos era también compartir y ser espectador de una personalidad fabulosa siempre al borde de la performance. A más de cien días de su partida, el Museo Mo derno reúne pequeños testimonios y anécdotas de quienes co nocieron a Sergio De Loof.

'’El camino es el arte, eso te lleva a la belleza, al amor y al brillo. Todo está escrito’’.

Los videos fueron enviados luego de la muerte de Sergio y algu nos se publicaron en las redes del Museo. De esa manera, todos hemos recibido construyendo un mosaico que da cuenta de la complejida, de la moda, hecha para la venta, del trabajo y tam bién a personalidad propia.

Por Manuel Zabala.

¿Sentiste hablar de mi?. Polémico, extravagante, trash. Si bien el nombre De Loof comenzó a sonar en los ‘80, en los que tenía amistad con otros personajes de la contracultura de entonces como Omar Chabán y Batato Barea e, incluso, circula la leyenda que convivió con Luca Prodan en San Telmo, lo cierto es que su fama llegó durante los ‘90, época del 1 a 1 y la pizza con cham pagne. En su adolescencia, el artista De Loof estudió en el Bellas Artes y comenzó a ser conocido en el microcosmos del arte a partir de la Bienal de Arte Joven de 1989, año en el que además comenzó a ser un partenaire de la noche porteña a partir de la apertura de diferentes bares como Bolivia (1989), El Dorado (1991), El Morocco (1993) y Ave Porco (1994).

Como reacción al vino en cartón de la disco Cemen to, espacio destacado del rock nacional, tanto en Bolivia como en los otros reductos, De Loof acompañó los cambios sociales del menemato, como el ascenso de la cumbia como producto cultural -que fascinaba como rareza cool a los asistentes-, y también abrió las puer tas a la diversidad, a la disidencia: es tilo, looks, cross dressing de las pri meras drags céntricas. Se convirtió entonces en un artista de su tiempo, pero con un sentido barroco de la estética, una mezcla confusa -y pro vocadora- desafiaba la mirada.

Actor, performer, rebelde y provocador. Unico en su tiempo, Batato Barea se transformó en un inspirador de sus con temporáneos y de futuros artistas. Es increíble pensar que, si el HIV no se lo hubiera llevado hace tres décadas, hoy sería alguien que podría seguir desplegando su talento, a una edad en la que muchos alcanzan su madurez artística. Sólo tenía 30 años cuando murió, en diciembre de 1991.

Un autodidacta del conurbano. Entre 1989 y 2015 Sergio De Loof realizó más de cien desfiles en distintos espacios nocturnos, ins tituciones artísticas e incluso, en las calles y en video. Contra riando la idea de colección de moda, hecha para la venta, los di seños que De Loof presentaba en cada desfile se descartaban al final o se guardaban en bolsas de consorcio para ser reciclados en la próxima ocasión. Tampoco había bocetos o figurines pre vios, sino que De Loof terminaba de decidir que las combinacio nes que llevaría cada modelo en el backstage, según la imagen que cada uno de ellos le despertaba.

'’En la naturaleza no hay malas ni buenas personas, hay gente que se come a otra.

O te dejas comer o te salen garras’’.

De Loof entendía que la moda y el arte eran lo mismo y nun ca se preocupó por diferenciarlos. Ese estilo kitsch, en el que se mezclaban corrientes a las que por convención se las consideraba con trapuesta le otorgó caracterís ticas que hicieron que en el mundo de la moda su creaciones sean reco nocibles, inconfundi bles. De Loof alcanzó un sello, lo que no es nada desdeñable. Para el creador no había terreno prohibi do, no había juego que no se pudiera llevar adelante. Mixturaba en su diseños telas con papeles de revista Vogue, desperdicios con figuras de plástico, y en sus es cenografías podía aparecer un chandelier adquirido en la casa de antigüedades más paqueta de San Telmo con muebles a bajo costo recuperados de los depósitos. Además de diseñador de moda e impulsor de espacios y actividades culturales, De Loof editó su propia revista, junto a otros artistas reconocidos como Alfredo Visciglio y Paulo Russo.

Los 15 mil números mensuales de Wipe se repartían gratis por la ciudad. Era una micropublicación donde trataba la moda actual y donde presentaba su propia agenda cultural, con publicida des falsas de marcas de primera categoría. Hay al menos dos documentales sobre él, Una historia del trash rococó (2009), de Miguel Mitlag, y Sergio De Loof y Francisco Garamona.

Sergio De Loof realizó el desfile Les trois divertissements el mismo año en que, además de llevar adelante otra veintena de desfiles y la revista Wipe, se disponía a abrir el bar Café Remís París sobre la calle Rodríguez Peña.

El mismo desfile consistió en tres pasadas realizadas en la pizzería Memorabilia. La primera de ellas, era un velorio para sí mismo e invitó a sus amigos a desfilar de negro.

“Yo no fui under, no me vestía de negro, lo mío eran los colores flúo, rosa, celeste, verde…”

“No soy diseñador de moda ni artista, soy todo’’.

Batato Barea

Por María Martin.

Musas o artistas: el rol de la mujer en la historia del arte.

Las mujeres han sido protagonistas de infinidad de obras de arte a lo largo de la historia. Han sido las modelos y las musas quienes se mostraban en muchos de los cuadros más importan tes de todas las épocas, como las señoritas de Avignon, las majas, la Mona Lisa, las venus o las prostitutas de Toulouse-Lautrec. Mientras algunas mujeres se dejan ver en las paredes de los museos, ¿qué pasa con aquellas que fueron silenciadas en la historia del arte?

Mucho se ha escrito sobre la discriminación de la mujer, de la falta de mención de las grandes artistas en la historia del arte. Innumerables páginas se han llenado de argumentos con nombres de artistas mujeres. Algunas, en su tiempo, tuvieron al gún prestigio y otras se van desenterrando de dentro de los ana les de la historia. Las más contemporáneas se matan a codazos para llegar a la meta de la fama y el reconocimiento. Pensemos en Artemisia Gentileschi (1593– c.1656), quien fue la primera mu jer aceptada en la prestigiosa Accademia di Arte del Disegno en Florencia, y que sus clientes fueron destacados miembros de la sociedad en esa época. Su obra queda oscurecida a través del velo de los eventos que sucedieron en su vida. Al profundizar en su biografía resalta el terrible evento de su violación. El público conoce más el drama de los acontecimientos que subsiguieron, mucho más que sus composiciones pictóricas.

“Han sido silenciadas y su rescate del olvido, afortunadamente recuperado en los últimos años, merece todos los empeños”.

El recién inaugurado museo en Nogent-sur-Seine (2017) dedica do a la trayectoria de Claudel, finalmente hace justicia a su obra; esculturas como Aurora o el busto de Rodin se pueden apreciar en su totalidad. Camile luchó por crear arte que fuera indepen diente de la influencia de Rodin, no obstante, durante su vida siempre fue relegada a ser la musa del gran escultor que en for ma tangencial también era escultora.

A la sombra de Pollock: Florine Stettheimer, primer autorretrato desnuda.

Las eternas olvidadas bajo un seudónimo.

Aunque no podemos generalizar, esto mismo sucede en varios casos; se explotan los acontecimientos catastróficos que la mu jer artista ha sufrido y se estudian mucho menos las caracterís ticas que la hacen una gran artista. Los cuadros de Artemisia son el epítome de la fuerza del chiaroscuro que había sido desarro llado por Caravaggio. La energía en sus cuadros, creada por la iluminación focal, nos muestra escenas alegóricas dentro de una composición teatral y dinámica. Sus temas abarcan mitología y religión, y en muchos casos se centran en eventos violentos. Esto mismo ha producido estudios que relacionan sus composi ciones con el hecho de que en su temprana juventud fue sexual mente violada; escenas como la de Judit, la heroína que decapita a Holofernes, o Salomé con la cabeza de San Juan Bautista son mencionadas como respuesta a sus traumas sexuales. Y aun que Artemisia fue reconocida en su tiempo como gran pintora, su posición como mujer artista la hizo seguir a su padre Orazio quien tenía una carrera renombrada nada más ni nada menos que como pintor en la corte de Carlos I de Inglaterra.

Entre otras cosas, la visión de muchos grandes hombres del arte que se despacharon con opi niones similares a la de Renoir nunca ayudó: “la mujer artista es sencillamente ridícula”.

Ya más cerca, a mediados de los años 1970’s, con el auge del movimiento feminista, Artemisia fue usada como pancarta pro pagandista y analizando la cuestión de mujeres artistas, subsi guieron artículos y estudios dedicados a mujeres artistas como Gentileschi. La explotación de la vida de mujeres artistas es clara cuando estudiamos la vida de Camille Claudel (1864-1943), de quien se han escrito numerosos artículos, novelas y se han producido películas que exaltan su sufrimiento, su locura y su relación con August Rodin. Sin embargo, dejan de lado su maes tría, y su talento como escultora innovadora y revolucionaria. Sus piezas creadas a la sombra del gran maestro están llenas de energía y sensualidad. Hoy se estudian como piezas que entran en un diálogo con las de Rodin, como si unas fueran la respuesta de las otras. Entra en conversación con Claudel, un beso aquí, un abrazo allá, un retrato de uno es el espejo del otro.

Esposas y artistas en la sombra.

Han existido muchas mujeres artistas olvidadas a la sombra de los hombres: de sus mari dos, de sus padres o incluso de sus ayudantes. Las dificultades que tenían las mujeres para dedicarse al arte, el miedo al menosprecio público o que se cuestionase su autoría empujó a muchas mujeres a dejar a un lado su identidad. Dicen que “detrás de todo gran hombre existe una gran mujer”; y el tiempo (y el esfuerzo de los que trabajan para recuperar a las mujeres artistas) está demostrando que algunos han llegado a ser grandes apropiándose del trabajo de ellas. Luego están los casos en los que era la misma sociedad la que dejaba a las mujeres artistas a la sombra de sus maridos asignándoles la etiqueta de “mujer de” o “amante de”; pero de su trabajo nadie hablaba. Las pintoras Gabriele Münter y Francoise Gilot fueron eclipsadas por Kandinsky y Picasso respectivamente; y no sería hasta después de la muerte de la fotógrafa Lee Miller que se recuperaría su legado gracias a los esfuerzos de su hijo. Pero no siempre ha sido por error. Los comerciantes de arte borraron la firma de Judith Leyster porque las obras firmadas por una mujer tienen menos valor que las de los hombres; y hace unos años, la artista Fumiko Negishi además de denunciar a Andrés de Felipe por despido improcedente, le reclamó que le reconociese la autoría y coautoría de varias obras que el artista habría exhibido y vendido sin reconocer su trabajo.

Por Arturo Pérez Reverte

La joven de la perla, también conocida como Muchacha con turbante, es una de las obras maestras del pintor neerlandés Johannes Vermeer realizada entre 1665 y 1667. Como el nombre indi ca, utiliza un pendiente de perla como punto focal.

Rodin toma a Claudel como modelo e inspiración y sus obras cargadas de erotismo son mundialmente famosas; mientras que Claudel, plasma en obras como “Shakuntala” (1905) (conocida con otros nombres como “El Abandono” o “Vertumnus y Pomo na”) o el “Waltz” (1905), su idealizada pasión por el escultor. Ca mile y Auguste en sus obras se vuelven uno, la sensualidad de la obra de ambos se desarrolla durante su idilio, ese amor pasional que explota, donde las curvas femeninas se mueven, se entrela zan, donde los cuerpos despiden sensualidad. Camille Claudel es la modelo del maestro, es su asistente, y se convierte en co laboradora de ella.

Artistas como Angélica Kauffman, Marie Loise Elisabeth Vigée Lebrun, Luisa Roldan o Artemisia Gentileschi, Berthe Morisot, Mary Cassat o Marie Bracquemond son reivindicadas en la actualidad.

Claudel encuentra el tiempo para trabajar en sus propias obras, esas esculturas íntimas que nos hablan de amores legendarios, de Shakuntala quien espera a su amante, de esta mujer que baila rítmicamente un vals, pero también esa dama desesperada que ruega, que se arrodilla ante la negación del amor (Edad Madura, 1898). Camille se convierte en la medusa atormentada, degollada por Perseo, es ella quien grita en agonía (1899, 1902).

Mujeres, arte y poder.

Sin embargo, Rodin, encumbrado como el precursor de la escul tura moderna, opaca la obra intimista de Claudel, esas figuras de pequeña escala que nos muestran el otro lado del arte y la sociedad, el chismorreo de las mujeres en el baño (1897), la so ledad de una mujer sola frente a la chimenea de su casa (Sueño de chimenea, 1899, 1905); esas son las imágenes autobiográficas de Camille que no logramos ver en Rodin, esa mujer que busca el calor del hogar, que pensativa se sienta frente al fuego, mientras la obra de Rodin se despliega de unas puertas que no dejan pa sar a nadie, son las Puertas del infierno (1880), el portón sellado del que se derivan la mayoría de sus obras. Rodin, crea el famo so monumento a Balzac en su bata de casa (1891-97), intimando en el hogar del escritor, recreando el momento de creatividad genial del famoso autor, pero Rodin no se retrata a sí mismo, no es una introspección personal, mientras que la obra de Claudel hace referencias constantes a su vida y también su sufrimiento.

Autorretrato, por Liliana Porter (Buenos Aires, 1941), es una artis ta contemporánea argentina que reside en Nueva York desde 1964. Trabaja en múltiples medios incluyendo grabado, pintura, dibujo, fotografía, instalación, teatro, video y arte público.

Crítica al canon.

Como sucede en tantas disciplinas, en el sector de la joyería las mujeres han permanecido en la sombra. Innovadoras, emprendedoras, pero sin el reconocimiento que merecen y que sí tuvieron sus colegas masculinos. Hasta finales de los 60, este era un sector eminentemente masculino. Eran años de cambios sociales y de visión del mundo, del Mayo del 68 y sus imputs culturales y este ofi cio también vive una transformación. Las primeras escuelas especializadas, galerías, asociaciones y exposiciones donde se exhibían esas joyas de arte, dieron impulso a aquella creatividad femenina. Ella realmente ha sido un caso atípico, porque se inició ligada a la moda “y la moda se lleva todo el éxito. Al lucir mis joyas en los desfiles de Miró me hice un nombre. Y porque mis piezas eran gracio sas, la gente se divirtió con ellas.

El recién inaugurado museo en Nogent-sur-Seine (2017) dedica do a la trayectoria de Claudel, finalmente hace justicia a su obra; esculturas como Aurora o el busto de Rodin se pueden apreciar en su totalidad. Camile luchó por crear arte que fuera indepen diente de la influencia de Rodin, no obstante, durante su vida siempre fue relegada a ser la musa del gran escultor y mantes de los grandes que en forma tangencial también era escultora.

¿El resultado? Una visión androcéntrica del arte que ha borrado a muchas pioneras que merecen un lugar destacado en nuestras conciencias artísticas.

Más de cien años han pasado desde la creación de Shakuntala y todavía hoy la mayoría del público no conoce esta obra de gran envergadura. Las mujeres artistas se han relegado a ser compa ñeras, esposas y amantes de los grandes, siempre recibiendo las migajas del reconocimiento y la fama. Es imposible hablar de todas las grandes artistas en este artículo, mujeres que no han tenido la fortuna de tener la misma fama de sus compañeros, sin embargo, podemos mencionar a Sonya Delaunay que a la par de su esposo Robert fundó el movimiento artístico conocido como Orfismo, pero que, a pesar de su excelente colaboración y empu je, es más conocida por su aportación al diseño textil, lo cual la hace ser relegada al ámbito limitado de las artes.

Por Ítalo Martinez.

‘‘Moulin Rouge’’ (Toulouse-Lautrec’s). Elevó el estado del cartel a la categoria de arte. Las exposicione, los expositores y los distribuidores del cartel proliferaron, satisfaciendo la demanda del público por el cartel.

‘‘Tournée du Chat Nor’’ (Théophile Steinlein). Anunciaba una gira del cabaret parisino ‘‘El gato negro’’ (Le Chat Noir). Fue dise ñado con una medida original de 95,5 x 135,9cm. En cualquier recopilación de pósters históricos aparecerá este, sin duda.

‘‘Maurin Quina’’ (Leonetto Cappiello). Este diablo verde pistacho convive con un fondo negro que marcó la maduración de un estilo que dominaria el arte parisino del cartel hasta el primero de Art Decó de Cassandre en 1923.

1891 1896 1906 1917 1935

‘‘I Want You for U.S Army’’ (James Montgomery). Diseñado para reclutar tropas para la Primera Guerra Mundial. Reproducido hasta la sociedad, no existe persona que no lo conozca.

La necesidad de expresar mensajes de manera gráfica ha estado siempre presente. A lo largo de la historia, el cartel se encuentra

‘‘Normandie’’ (Cassandre). Se concibió como una muestra del art decó francés, diseño y destreza tecnológica. Se trata de nada más ni nada menos, que el superliner más grande jamás construido, incluso requiriendo la extensión de los muelles. encontraban sumergido sus habitantes. Además, su evolución va de la mano de las necesidades de comunicación de

‘‘We Can Do It’’ (J. Howard Miller). Diseñado para animar a las mujeres a trabajar en las fábricas que suministraban al ejército durante la Segunda Guerra Mundial.

‘‘Schützt Da Kind (Protejan a los niños)’’ (J. Müller-Brockmann). El coche a toda velocidad se precipita hacia el peatón que huye, su enorme tamaño crea una sensación palpable de velo cidad y peligro hacia el personaje y el espectador del mismo.

‘‘El Bob Dylan’’ (Milton Glaser). Inspirado en un autorretrato de Marcel Duchamp, el diseñador neoyorkino añadió unos motivos con colores brillantes en el pelo, inspirados en el Art Noveau.

‘‘Second Chicago International Poster Bienal’’ (Paula Scher). Le dió un giro de 180° al contructivismo ruso y con su toque personal, generó un estilo completamente nuevo e innovador, el cual no duró mucho tiempo en ser copiado y abusado en todas partes por otros diseñadores.

‘‘Somos los límites’’ (Coco Cerella). Ni software, ni familias tipográficas, ni elementos cortantes, ni internet. Sus mensajes acerca del derecho al trabajo, a la edu cación y a la vivienda, entre otros, son contundentes.

1943 1953 1966 2010 2017

vinculado al movimiento y realidad de las ciudades, como un fiel reflejo de la realidad social, política y cultural en la que se cada momento y se ha ido desarrollando al mismo ritmo que los movimientos artísticos y los sistemas de impresión.

VIDEOJUEGOS

Abzu. A Matt Nava le fascinaba el buceo y, tras trabajar en ‘Jour ney’ (otro que aparecerá en la lista), se le ocurrió que podía trasladar la belleza del desierto de aquél al fondo submarino. El juego consiste más en maravillarte con su despliegue visual que en plantarte un reto a través del control.

Hidden Folks. Esta curiosa propuesta no es más que un ¿Dónde está Wally? en el que buscar objetos escondidos interactuando con el fantástico arte de Tegroeg. Relajante y apto para todos los públicos en el que es imposible pasarte horas escudriñando cada punto del escenario en busca de ese detalle que te saque una sonrisa.

EXPOSICIONES Y MUESTRAS

'’Percepciones resquebrajadas’’. Una muestra basada en la obser vación y percepción del artista sobre la sociedad por el cual el autor reflexiona y se autocuestiona en lo manifestado: ¿Seré acaso testigo que plasma el debacle del hombre contemporá neo? ¿O un disparate de percepciones subjetivas y todas esas obras son una cloaca confusión? Lunes a Viernes de 16h a 21h. Benjamín Matienzo, Buenos Aires.

'Soberanía de la percepción’’. El Museo Laboratorio de la UNTREF presenta este año una muestra para entrenar la mirada, un recorrido inmersivo por los diferentes modos en que el ser hu mano busca entender su entorno, desde el teatro de sombras hasta la realidad aumentada.

A partir del 17 de julio al 23 de octubre. En UNTREF Centro de Arte y Ciencia. '’Las puertas de la percepción’, por Aldous Huxley. No se trata de revelación o de un cielo o un infierno de visiones, sino del des cubrimiento de una relación de tradición arcaica y que la droga hace visible: la semejanza o la identidad de la mente humana con la realidad substancial del cosmos.

LIBROS

'’Arte y percepción visual’’, por Rudolf Anrheim. El autor deslinda los componentes básicos de la obra de arte, basándose en resul tados de numerosos estudios experimentales y mostrando la universalidad de factores como el equilibrio, la tendencia a la forma más simple y el fenómeno de figura y fondo.

PELÍCULAS

'’Inception’’ (2010). Protagonizada por Leonardo DiCaprio en el pa pel de Dom, un “extractor” especializado en filtrar información en mentes dormidas. Los mecanismos y geografía de la mente eran caprichosos, se inclinaban, tenían capas y quedaban impresos por la psique de una víctima adormecida y lista para ser manipulada. Todo sobre un planteamiento existencial que servía como perfecta excusa para poder desplegar los efectos especiales esperados por el público en general.

'’Sound of metal’’ (2007). Una historia que utiliza la súbita sordera para hablar de cuánto sobra la mayoría del ruido que hacemos y cuánto intenta ocultar, distraernos de lo que guardamos bajo nuestro, en el interior las famosas siete llaves que nos compo nen y nos aterroriza confrontar y resolver.

PODCASTS

'’¿Cómo percibimos la realidad?’’. Un podcast diferente a lo que quizás acostumbras, y sobre biodificación. La percepción de la realidad es única, personal y se encuentra entre otras cosas condicionada por nuestro sistema de creencias.

'’Sándwich de la percepción’’. Reflexionamos sobre los tan procesos psicológicos de sensación y percepción del consumidor y clase de comportamientos del mismo.

Si las puertas de la percepción se purificasen, cada cosa aparecería al hombre como es, infinita. Pues el hombre se ha encerrado hasta el punto de no ver sino a través de las grietas de su caverna’’.

William Blake. '’El matrimonio del Cielo y el Infierno.’’

PROYECTO FINAL REVISTA Bandeo Mercedes

Taller III - Cátedra Gorodisher Santa Fe - Argentina Año 2022