Rediseño mondosonoro

M arzode 2012 nº193

t

MUSICAL, GRATUITA E INDEPENDIENTE

Uno de los nuestros The Shins

Grupo De Expertos Solynieve a Air a Klaus & Kinski a We Have Band a Lenacay • John Talabot • Miss Caffeina • Fanfarlo a Quäsar The Maccabees a Active Child a Damien Jurado a The Sound Of Arrows a Juanita Y Los Feos a Die Antwoord a Els Amics De Les Arts | www.mondosonoro.com

Pag 3 Marzo 2012

Staff

Pag 5 Marzo 2012

Coordinador General Sergio Marqués (sergio@mondosonoro.com) Coordinador Editorial Jose Macarro (jose@mondosonoro.com) Publicidad Director Comercial Dani López (dani@mondosonoro.com) T. 687 914 719 Coordinador Publicidad David Morell (david@mondosonoro.com) T. 607 366 693 Publicidad Estatal: Luis Fernández M. (luis@mondosonoro.com) T. 672 072 263 Publicidad Madrid: María Llorente (maria@mondosonoro.com) T. 676 881 519 Publicidad Catalunya: Itzbi Solís (itzbi@mondosonoro.com) T. 629 705 103 Administración y Contabilidad: Vanessa Garza (vanessa@mondosonoro.com)

Noticias 6. Air, banda sonora para “viaje a la luna” 7. Grupo de expertos solynieve, sureños y guardianescos 9. Eli ‘paperboy’ reed y the pepper pots, soul Intercontinental a

Mondofreako 11. Klaus & kinski 12. We have band 13. Active child 14. Juanita y los feos 16. Lenacay 18. Fanfalo 20. Damien jurado 21. The sound of arrows 22. Die antwoord a

Redacción Redactor Jefe: Joan S. Luna (luna@mondosonoro.com) Madrid: Luis J. Menéndez (ljmenendez@mondosonoro.com) Catalunya: Xavi Sánchez Pons (xavi@mondosonoro.com) Web: Marta Terrasa Bonnin (marta@mondosonoro.com) Diseño gráfico y maquetación: Manuel Fijo (maquetacion@mondosonoro.com)

Entrevistas 25. The maccabees desgarro emocional 26. The shins un mañana mejor a

Depósito legal: DL-L-174/95 Impresión: Rotimpres Distribución: Tengo Un Trato www.tengountrato.com Mondoweb: www.mondosonoro.com

Conciertos 29-33. Demoscópicas, russian red... a

a Ed. Aragón (aragon@mondosonoro.com) Redac-

ción/publicidad Pablo Ferrer, Sergio Falces, David Chapín (publiaragon@mondosonoro.com)

Confidencia 34-37. Els amics de les arts, l’hereu escampa... a

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Asturias José Luis Quirós Tlf./Fax 985 17 22 86 (asturias@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Cantabria Ernesto Castañeda (cantabria@mondosonoro.com) Tlf./Fax 657 674 197

Vinilos 39. John talabot Disco del mes a

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Recomendaciones 48-50. Mondo recomienda

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Redacción Eli Ibarra Publicidad Eunate Saiz (607 66 20 55) Tlf./Fax 94 415 4551 ro.com, castillayleon@mondosonoro. com) Redacción/ publicidad Carlos D. Landeira Tlf. 615 914 379 a Ed. Sur (Andalucía, Extremadura, Murcia) (anda-

lucia@mondosonoro.com) Redacción Arturo García Publicidad Azahara Gozález Tlf./Fax 958 506939 Colaboradores: Textos Alberto Comeche, Álvaro Fierro, Arnau Sabaté, Carlos Pérez de Ziriza, Celestí Oliver, Cristina V. Miranda, Dani Arnal, David Sabaté, Don Disturbios, Daniel F. Marco, Diego R. J., Fernando Fuentes, Edu Tuset, Enrique Peñas, Fernando Navarro, Héctor García, Ignacio Pato, Iván Ferrer, J. Batahola, Javi López, Joan Cabot, Jorge Ramos, José Manuel Cisneros, Joseba Vegas, Laura Fernández, Luis Argeo, Marcos Arenas, Marcos Martín Lora, María Baigorri, Miguel Ángel Sánchez Gárate, Miguel Amorós, P. Muñoz, Óscar Gual, Raül Julián, Robert Aniento, Sergio Del Amo, Toni Castarnado, Xavi Llop, Virginia Arroyo Fotografía Albert Jódar, Gustaff Choos, Dani Cantó, Fernando Ramírez, Nacho Ballesteros

The Maccabees

Desgarro emocional

Incrédulos

Empieza el desmadre, amigos lectores.

Parece no importarnos tanto esa crisis que ataca despiadadamente a la mayor parte de Europa, porque si atendemos a la sorprendente cantidad de lanzamientos que nos van a dejar sin aliento y con los oídos pitando vamos a marearnos, sin duda, pero si encima echamos un repaso a todos los artistas que se han confirmado ya para la infinidad de festivales españoles, la cosa no puede hacer más que aturdir más. Nosotros, mientras tanto, le dedicamos la portada a The Shins —el retorno de James Mercer con otros perros tras él, pero con ese mismo collar que a todos nos gusta tanto—, que no están en ninguno de los festivales españoles —por lo menos de momento—. Quien sí está y

«No solo comparte la opinión de sus colaboradores sino que se acuesta con ellos, excepto con Francesc Feliu porque a veces no se entiende ni él.»

Edita: Sister Sonic, S.L. C/ Llull, 57-61 6º 6ª 08005 Barcelona Tlf./Fax 933 011 200 E-mail: mondo@mondosonoro.com

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Foto: Archivo

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encima repite en algunos es el talentoso y —en parte— misterioso John Talabot, uno de los valores en alza de nuestra electrónica y uno de esos artistas que ha generado mayor excitación más allá de nuestras fronteras que aquí. De hecho, publica en Permanent Vacation, un sello de Munich con muy buen ojo, y en España ha tenido que editar siempre en Hivern, su propio sello discográfico. Y claro, aquí seguiremos solo con aquella cansina tonadilla de que Vetusta Morla se pasaron casi diez años antes de obtener repercusión. Será que los españoles somos así con lo nuestro, desconfiados al principio, y muchas veces incrédulos a continuación. | Foto: Archivo a Redactor, Jefe Joan S. Luna

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Pag 6 Marzo 2012

Se completa la programación del Black Music Festival

Tan Lejos...

The Jim Jones Revue (( El incansable PAUL WELLER tiene nuevo

disco, el onceavo en solitario. «Sonik Kicks» contiene catorce cortes, entre los que se encuentran las colaboraciones de Noel Gallagher y Graham Coxon de Blur. «Sonik Kicks» se edita el 26 de marzo, pero ya puedes escuchar su primer single, «Around The Lake». (( En 2010 pudimos disfrutar del biopic sobre

THE RUNAWAYS, protagonizado por Dakota Fanning y Kristen Stewart, reactivando así el interés por la banda. Pues bien, vuelven a ser noticia porque Cherie Currie, cantante, y Lita Ford, guitarrista, se han visto las caras tras años separadas. El encuentro fue posible gracias a Joan Jett, disparando así los rumores de una posible reunión.

La décimo primera edición del Black Music Festival desvela la totalidad de su cartel, con The Jim Jones Revue, Tom Principato y Gospel Viu. Además, destacan como novedades un espectáculo para los más pequeños, titulado «Reggae per xics» y una producción propia del festival que aúna el talento de Llibert Fortuny con la Big Band Girona Jazz Project. El Festival tendrá lugar del 2 al 30 de marzo.

Además de estas incorporaciones, podréis disfrutar de las actuaciones de Maceo Parker, Trombone Shorty & Orleans Avenue, Freak Power, The Brew, Andrea Motis & Joan Chamorro Quintet, Big Mama, Quico Pi de la Serra, Amadeu Casas y Joan Pau Cumellas. www.blackmusicfestival.com | Foto Steve Gullick

(( Nirvana,

Rage Against The Machine, Fleetwood Mac, Slipknot, etcétera. Todos ellos tienen en común el haber grabado alguno de sus discos en los míticos estudios Sound City Studios. Y eso es lo que ha querido plasmar DAVE GROHL, líder de Foo Fighters en «Sound City», documental que presentará en un futuro y del que ya se puede ver un tráiler en Internet.

Cambios en Santander Music Delorentos

(( No sabemos si Chaz Bundick, conocido

como TORO Y MOI, tiene ya suficiente material como para publicar una suerte de archivo, pero lo que sí sabemos es que «June 2009» (Carpark Records), contiene cinco vinilos de siete pulgadas, con dos temas cada uno, que verán la luz en una caja recopilatoria a partir del 23 de abril. Además, podrás hacerte también con este «June 2009» en versión digital. (( THE

VACCINES ya piensan en su nuevo disco. Así lo ha confirmado Justin Young, líder del grupo, en declaraciones para la NME. De momento, sabemos que el segundo esfuerzo de los británicos verá la luz este año, que será grabado en marzo en un estudio de Bélgica y que, para la ocasión, cuentan con Ethan Johns a los mandos de la producción (Ryan Adams, Kings Of Leon). (( WILD NOTHING vuelven con «Nowhere»,

(Captured Tracks), un EP que sirve para hacer más corta la espera mientras no llega ese segundo disco. Jack Tatum, líder de la banda, ha dado un salto cualitativo y grabado este EP en un estudio en condiciones, para el que ha contado con Andrea Estella de Twin Sister para acompañarlo a la voz. (( STEPHEN

LEE PIECK se personó hace unas semanas ante el juzgado del Distrito Sur de Nueva York para demandar al conocido rapero EMINEM. Al parecer, Lee Pieck, quien se considera a si mismo «un sin techo», espera una compensación de nueve millones de euros por parte del músico, quien le plagió una idea. Habrá que seguir este pleito bien de cerca.

Banda sonora para “Viaje a la luna”

Air Foto Wendy Bevan

The Vaccines ∙ Foto Archivo

Air El dúo francés de electrónica chic deja atrás una etapa de crisis compositiva con un disco inspirado en el clásico del cine «Viaje a la Luna», de George Meliès. Una aventura espacial rodada en 1902 que establece un fascinante diálogo con las melodías oníricas e inquietantes.

En 1993 se encontró en la Filmoteca de Cataluña una copia original de «Viaje a la luna», una película que George Meliès rodó en 1902 inspirándose en las novelas «De la tierra a la Luna» (Julio Verne) y «Los primeros hombres en la Luna» (H. G. Wells). Era la única cinta coloreada a mano que existía en el mundo; todos los ejemplares restantes estaban en B/N. Tras años de trabajo para recuperar el material, el filme se estrenó en Cannes el 11 de mayo de 2011. Previamente, el equipo encargado de su restauración pidió al dúo francés Air que compusiera la música de acompañamiento para los dieciséis minutos de metraje. «Sabía que era una de las grandes obras maestras del cine, pero nunca la había visto», recuerda Jean-Benoît Dunckel, una de las dos mitades del dúo de electrónica más chic del país vecino. «Me gusta el argumento, porque es muy crítico con el papel del ser humano. Cuando la nave espacial aterriza en la Luna, le hace sangrar (esto se ve mucho mejor en la versión a color). Para mí es una metáfora de la devastación que el hombre provoca en todo lo que toca. Cuando acabamos el proyecto decidimos grabar un disco entero inspirado en la obra». Contaron con la colaboración de Au Revoir Simone y Victoria Legrand (Beach House), que ponen voz y letra en «Who Am I Know?» y «Seven Stars»,

respectivamente. «Les dijimos que a la hora de interpretar se imaginaran que eran unas brujas; queríamos captar la atmósfera de una pesadilla. Sus voces, poderosas y muy originales, generan una sensación onírica».

El resultado de este atípico proyecto son once canciones que conservan las características más reconocibles del ‘sello Air’: dream pop, electrónica etérea y cool, grandilocuentes pajas sonoras que pueden resultar pretenciosas o embriagantes, según el oyente. «Nuestra música es ideal para el momento justo antes de irte a la cama, cuando todo está en silencio y puedes concentrarte, tranquilo, en los ritmos que entran en tu cabeza», sostiene Jean-Benoît, que alguna vez ha declarado que Air es ideal para los «fumetas y para las mujeres guapas que van a masturbarse». No es el primer trabajo que el grupo compone para el cine. Ahí está su excelente disco para la banda sonora de «Las vírgenes suicidas», sus temas para «Lost In Traslation» y «María Antonieta», todas ellas de Sofía Coppola.

«Nuestra propuesta tiene mucho que ver con sus películas. Su cámara se detiene en la belleza y retrata el cielo, el sol y a gente guapa riendo. Es un cine muy estético, pensado para emocionar al espectador, suave y melancólico, como nuestras canciones». a José Fajardo

Cambio de fecha para una nueva entrega de esta propuesta en un espacio privilegiado como la Península de la Madgalena. Esta nueva edición contará por primera vez con zona de acampada para los asistentes. Para esta nueva edición, la organización está preparando unas cuantas sorpresas, aunque ya podemos avanzar algunas de las bandas que actuarán los días 3 y 4 de agosto: los irlandeses, Delorentos, Lori Meyers, Love Of Lesbian, que estrenaran en Cantabria su nuevo disco, Sidonie y una de las revelaciones del año, The Zombie Kids, quienes harán bailar con total seguridad al publico asistente. www.musikaze.com/santandermusic | Foto Archivo

Primeras noticias de Cruïlla Bcn The Stooges

Ya tenemos las primeras confirmaciones del Cruïlla Bcn que se encabezan por el incombustible Iggy Pop, junto a su banda, The Stooges. Pero no estarán solos: Gogol Bordello, los responsables de esa curiosa mezcla de punk y folklore balcánico estarán también en el recinto del Fòrum. Linton Kwesi Johnson, apodado «el Leonard Cohen de la música jamaicana» y Amadou & Mariam, amor y belleza en estado puro bajo la forma de su nuevo disco, «Follia», completan el adelanto del festival. El Cruïlla Bcn tendrá lugar los días 6 y 7 de julio en Barcelona. www.cruillabcn.com | Foto Archivo

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Tan Cerca... (( Sin que hubiera pasado demasiado tiempo

desde que publicaran «Ordre i Aventura», MISHIMA se encerraron en el estudio para preparar su nuevo disco, el sexto de su carrera.

«L’amor feliç», que así se titula, tiene previsto llegar a las tiendas el 27 de marzo, pero antes se ha estrenado su primer single, «L’última ressaca», disponible en las plataformas digitales. las tenemos aquí: las primeras confirmaciones del CRUÏLLA BCN encabezadas por el incombustible Iggy Pop, junto a su banda, The Stooges. Pero no estarán solos: Gogol Bordello estarán también en el recinto del Fòrum.

Linton Kwesi Johnson y Amadou & Mariam completan las primeras confirmaciones del festival. El Cruïlla Bcn tendrá lugar los días 6 y 7 de julio en Barcelona.

Grupo de Expertos Solynieve Foto Archivo

(( Ya

Sureños y guadianescos Grupo de Expertos Solynieve Granadinos, guadianescos y audaces. Media década después del primer largo de Grupo de Expertos Solynieve —«Alegato meridional»—, la banda de J y Manu Ferrón tira de ‘malafollá’ en su regreso. Las diez canciones de «El eje de la tierra» (Ejército Rojo, 12) testimonian el desencanto actual. Corren tiempos difíciles.

«En determinados momentos resulta necesaria la acción. Nuestra manera de expresarnos es la música. Uno no se puede quedar callado. Hay un movimiento general de gente a la que le urge gritar cosas. Quizá todos a la vez y de manera un poco desordenada, pero es necesario. Los Evangelistas homenajean una gran pérdida. Aquí reaccionamos ante la coyuntura social que estamos viviendo», explica Manu Ferrón. Advirtamos las dificultades de un combo que sobrevive a las agendas de sus integrantes. Músicos de Los Planetas, Lagartija Nick, Lori Meyers y Jose Ignacio Lapido. Un contexto que obliga

a Ferrón —que ya prepara su estreno en solitario —a cargar con las exigencias promocionales. Y también con un mayor protagonismo en la composición del material. «Tengo más presencia, incluso a nivel interpretativo. La naturaleza del grupo complica compaginar los encuentros. No queremos forzar nada en esta banda. Reivindicamos cierta calma y tranquilidad en la manera de trabajar».

Un himno local en potencia, «La nueva reconquista de Graná», resume los principios filosóficos de Grupo de Expertos. ¿Secuela del «Vuelvo a Granada» de Miguel Ríos? «Es una llamada al hecho de regresar. La tierra

Nuevo cabeza de cartel del FIB At The Drive-In

es una materia literaria fundamental para nosotros. La conocemos bien, nos sirve para concretar ideas más universales».

Ironía como armadura, un mecanismo de defensa inteligente. «Se relacionó mucho nuestro primer disco con la indolencia. No fomentamos la vagancia física, intelectual ni moral. Ahora mostramos de forma clara un posicionamiento. No hay manifiestos políticos. Explicitamos lo que en el anterior álbum estaba más oculto. Considero que el humor es fundamental en el arte y en la vida». Entre medias, la formación —a la que se suma el barniz en los teclados de Raúl Bernal— disfrutó de abundantes actuaciones con el tirón de «La reina de Inglaterra». «Los lugares comunes han cambiado. No somos panfletarios, pero sí contestatarios contra lo que no nos gusta y contra los que no nos gustan». a Eduardo Tébar

El Columpio Asesino, Pional, John Talabot en el Estrella Levante SOS 4.8 Pional

La Casa Azul ∙ Foto Archivo (( El FESTIVAL DE GUITARRA DE BARCELO-

NA ha presentado de forma oficial su cartel y han confirmado nuevos nombres. Entre ellos destacan los de Eli ‘Paperboy’ Reed con The Pepper Pots, Jorge Drexler, Michael Schenker y The Waterboys. El festival se celebrará en diversos espacios a partir del 10 de marzo. (( BLINK 182 regresan a España para presentar

en directo «Neighborhoods», su sexto disco de estudio. Y no lo harán solos, les acompañarán The All-American Rejects en sus dos conciertos en nuestro país. Los californianos actuarán en Barcelona, en el Sant Jordi Club el 19 de julio. Al día siguiente, viernes 20, harán lo propio en el Palacio de Deportes de Madrid. (( Nuevas incorporaciones para el SONORAMA.

Los Enemigos, La Casa Azul, Jero Romero, Maika Makovski, We are Standard, The Bright, No Band For Lluvia, The Cabriolets, Smile, Napoleón Solo, Polock, Odio París, Novedades Carminha, Maga, The Pepper Pots y The Birkins. La próxima edición del Sonorama tendrá lugar del 9 al 12 de agosto, en Aranda de Duero. (( El HEINEKEN JAZZALDIA (del 19 al 23

de julio en Donosti) ha anunciado los primeros nombres del cartel de su 47a edición. Antony And The Johnsons, Bobby McFerrin, Peter Evans, Marc Ribot, Ray Gelato y el combo Jamaican Legends (Monty Alexander, Ernest Ranglin, Sly & Robbie). (( ARENAL SOUND regresa a la actualidad

Coincidiendo con la publicación del nuevo disco de The Mars Volta, la reunificación de la banda de post-hardcore tejana At The Drive-In encabeza las nuevas incorporaciones al FIB 2012, una sorpresa que no llega sola. La lista de novedades se completa con la presencia de The Maccabees, Dave Clarke, Little Dragon, Bat For Lashes, Yuksek, SebastiAn, Delorentos, Lisa Hannigan, Arp Attack, Sons Phonetic y Ham Sandwich, así como, una importante representación de bandas españolas como Pony Bravo, Klaus & Kinski, The Secret Society y Juanita y Los Feos. Estos, se suman a los ya confirmados The Stone Roses, New Order, Florence + The Machine, Noel Gallagher’s High Flying Birds, David Guetta, De La Soul, Dizzee Rascal, The Horrors, Bombay Bicycle Club, The Vaccines y otros. Los abonos de cuaro días siguen a la venta al precio de 165 €, incluyendo ocho días de camping gratuito —del 9 al 16 de julio—. Por otro lado, ya están a la venta los Abonos VIP para cuatro días al precio de 320 €, incluyen las mismas condiciones de camping gratuito que los abonos de cuatro días. También están a la venta los tickets de la zona de acampada de pago del festival, VillaCamp. http://fiberfib.com | Foto Archivo

Llegan las confirmaciones más bailables del Estrella Levante SOS4.8, encabezadas por el barcelonés John Talabot, formato DJ SET, además de Pional, íntimo colaborador. Con ellos estarán también los responsables del mejor disco del 2011: El Columpio Asesino. Y no serán los únicos que nos obligarán a bailar hasta la madrugada, porque se han confirmado también nombres como los de Rusty Warriors, Feed Me, Yelle Dj Set o Dj Kosmos. Por su parte, Maika Makovski pondrá música a la resaca mañanera con su actuación en el Aperitivos Sos4.8, los conciertos gratuitos de la Plaza de las Flores. Estos nombres se suman a los ya confirmados: Pulp, The Flaming Lips, Friendly Fires, Mogwai, Gossip, Cansei De Ser Sexy, Matthew Herbert, Simian Mobile Disco, The Kills, Yuck, La Casa Azul, Bigott, Buraka Som Sistema, Nacho Vegas, Grupo de Expertos Solynieve y muchos más. La quinta edición del Estrella Levante SOS4.8 tendrá lugar los días 4 y 5 de mayo, en Murcia. Además de música, contará con una programación paralela dedicada a la literatura, el arte, el espectáculo y una oferta de mesas redondas y debates. www.sos48.com | Foto Archivo

con una gran tanda de confirmaciones. A la cabeza de esta nueva hornada y a nivel internacional, tenemos Metronomy, Crystal Fighters y Kakkmaddafakka. Las nuevas confirmaciones nacionales están encabezadas Love Of Lesbian, Catpeople, Niños Mutantes, La Sonrisa de Julia y Smile. El festival se celebra del 4 al 7 de agosto en Burriana (Castellón). (( El brit pop de The Kooks, que estarán pre-

sentando su cuarto disco «Junk Of The Heart», los escoceses Glasvegas y las angelinas y menos clásicas Warpaint se suman a la lista de las bandas anunciadas para el BBK LIVE 2012, encabezada por Radiohead y The Cure.

Recordamos que ésta será la séptima edición del festival y se celebrará del 12 al 14 de julio, como siempre, en Kobetamendi.

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Nuevo cabeza de cartel del FIB

Primeros nombres del Sónar

The Rapture - FIB

Deadmau5 - Sónar Barcelona

Metallica, Slayer y Soundgarden en el Sonisphere Metallica - Festival Sonisphere

Aunque pueda parecer imposible, recientemente se han anunciado más confirmaciones para la nueva edición del San Miguel Primavera Sound.

Con ellos, la lista de artistas es sorprendente en cantidad, y también en calidad. Los últimos en unirse a la fiesta han sido Josh T. Pearson, Kings Of Convenience, Death In Vegas, The Rapture o Saint Etienne, pero habrá grupos para todos los paladares. Si lo tuyo es el hardcore, Refused ofrecerán uno de sus conciertos de retorno en el Parc del Fòrum durante el festival (que os recordamos, se celebrará desde el 30 de mayo hasta el 3 de junio); si eres fan de Alex Chilton podrás disfrutar con la banda tributo de lujo Big Star’s Third, pero podríamos seguir con la electrónica, el indie, el shoegazer, el rap y muchos otros géneros y subgéneros, así que mejor repasa el listado de participantes, la parrilla por días y los conciertos gratuitos que se harán antes y después del grueso del evento. www.primaverasound.com | Foto Archivo

Se acaba de descubrir buena parte de la programación de la próxima edición del Sónar Barcelona. Sin duda, el grupo estadounidense The Roots es una de las apuestas del festival, considerados como uno de los imprescindibles del hip hop actual. Además de ellos, Isam, Deadmau5, Diamond Version (el proyecto de Alva Noto y Byetone), aportarán su carga extrasensorial al festival. Y no serán los únicos. Los amos de las pistas de baile se suman a la fiesta: Richie Hawtin, Azari & III, Jacques Lu Cont, Modeselektor, John Talabot, Luciano o Laurent Garnier (presentando su último proyecto, LBS). Y más fiesta, pero con el pop electrónico de Hot Chip, Austra, Metronomy y Friendly Fires. El Sónar también ha reservado una parte de su programación a esos nombres que suenan con fuerza, generaciones que empujan y reclaman su sitio en la escena electrónica, como James Blake, Maya Jane Coles, Jacques Greene, Julio Bashmore, Thundercat, Cooly G, The Suicide Of Western Culture, Uner o Blawan, entre otros. Mouse On Mars, Squarepusher, Peaking Lights, Maria Minerva, LA Vampires, Plapla Pinky o Supersilent y el show de la BBC Radio con Annie Mac y otros invitados. El Sónar Barcelona tendrá lugar los días 14, 15 y 16 de junio en varios espacios de la ciudad. www.sonar.es | Foto Archivo

No solamente de indie vive el hombre, el Sonisphere, uno de los festivales imprescindibles del calendario metalero, acaba de confirmar una lista de nombres suculentos. Entre ellos, Metallica, quienes regresan a nuestro país para interpretar al completo «Black Album», que les situó como reyes absolutos del rock duro. Además de Hetfield y compañía, Soundgarden confirman su actuación, cita ineludible al tratarse del retorno, tras catorce años, de uno de los referentes del grunge y que ahora mismo prepara ya nuevo disco. Ambos grupos llegan a nuestro país de la mano de la cuarta edición del Sonisphere, sin ninguna otra fecha confirmada. Pero no estarán solos. A la lista de nombres se suman también Slayer, Within Temptation, Mastodon —a quienes pudimos ver en directo esta semana en Madrid y Barcelona—, Children Of Bodom, Kyuss Lives!, Gojira, Clutch u Orange Goblin, Skindred, Ghost, Sister y Vita Imana. Pero este es solo un pequeño avance para la próxima edición del festival, que tendrá lugar el 25 y 26 de mayo en el Getafe Open Air de Madrid. www.es.sonisphere.eu | Foto Archivo

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Nuevas fechas para las Jack Daniel’s Sessions

Continúan las Jack Daniel’s Sessions, con diversos artistas estatales que van a presentar su material más reciente dentro de estos conciertos organizados por la marca de bourbon. El pistoletazo de salida será el próximo 10 de marzo en la sala The Mirror de Valencia.

La noche contará con el grupo vasco We Are Standard y los madrileños Cosmen Adelaida. En marzo habrá tres fechas más que son: 24 de marzo en Salamandra (L’Hospitalet) con Lori Meyers, Verveken y Ruidoblanco; también el 24 de marzo en La Iguana Club (Vigo) actuarán Mendetz y Cosmen Adelaida, y el 30 La Casa del Loco (Zaragoza) acogerá las actuaciones de Sidonie y Cosmen Adelaida. Como fin de fiesta, todas las Sessions contarán con los Pin&Pon Dj’s como invitados especiales. Por otro lado, te recomendamos que estés atento al cartel del concierto especial que Jack Daniel’s presentará para el día 20 de abril. www.jackdanielsmusic.es | Foto Archivo

The Pepper Pots y Eli `Paperboy ́ Reed Foto Archivo

The Stooges Foto Archivo

Soul intercontinental Eli ‘Paperboy’ Reed y The Pepper Pots El último gran paso de la banda de Girona ha sido grabar «Time And Place» (Double Back, 12) un EP de versiones con Eli ‘Paperboy’ Reed, el rey del soul blanco actual.

Todo empezó al coincidir en directo en algunas ocasiones y al iniciar una relación vía mail gracias a la mediación de Binky Griptite, alma mater de los Dap Kings, amigo de Eli ‘Paperboy’ Reed y productor y amigo de The Pepper Pots.

La idea consistía en realizar un EP con algunas versiones de clásicos ocultos del soul. La grabación se llevó a cabo la pasada primavera

en los Black Pepper Studio, en Cornellà del Terri (Girona). El resultado de todo esto es «Time And Place». El grupo catalán nos cuenta como fue la grabación. «Pues la verdad que fue una experiencia muy enriquecedora, sobre todo a nivel musical. Eli es un tipo que ha tenido la suerte de tener una buena educación musical ya desde muy pequeño y esto se nota

en el estudio. No solamente es conocedor de la música que practica, soul & rythm’n’blues, sino de todo tipo de música! Desde música country, a música jamaicana, gospel, pop, rock...» Sobre el proceso de elección de las cuatro versiones que han acabado apareciendo en el EP comentan lo siguiente. «Primero Eli nos pasó varios temas, todo versiones ocultas, ningún hit, algunas no las habíamos escuchado nunca, ni sabíamos que existían, otras si... Todos eran temas que encajaban a la perfección con su voz rasgada». a Xavi Sánchez Pons

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Foto: Blanca Galindo

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Un matrimonio bien avenido Klaus & Kinski No hay dos sin tres, ya lo dice el refrán. Y aun más, si cada uno supera al anterior. Esto es lo que ocurre con «Herreros y fatigas», el nuevo trabajo de Klaus & Kinski; un álbum que está en la calle desde el pasado 6 de febrero, editado por Jabalina Música, y que está destinado a copar los primeros puestos en las listas de lo mejor de 2012.

Como en sus trabajos anteriores, en «Herreros y fatigas» encontramos una variedad estilística (pop, electrónica, folk, canción española, rock...) digna de remarcarse, pero con una línea general muy marcada por sintetizadores, guitarras con delay, arreglos de cuerda, la elegancia literaria de Alejandro Martínez y la suave voz de Marina G. Carruthers, los auténticos capitanes del barco. Le das al play y te acuerdas de tu pareja, tu jefe, tu abuelo, tu profesor de literatura, de historia, el bar que hay debajo de tu casa, Antonio Machín, Fausto, Aleister Crowley... Estamos ante la consolidación definitiva de un grupo con identidad propia, cuya diversidad es solamente una cuestión de impulsos. «No es tan premeditado como la gente cree. Realmente todo es más intuitivo y natural que el ir andando con la receta del libro de estilo. Salvo casos concretos, intentamos huir de los moldes establecidos de los géneros. Yo creo que es

menos ecléctico. Aunque claro, según con qué se compare», afirma Álex. «Supongo que este disco no nos va a salvar la vida, ni el anterior, ni el futuro, pero si tus oyentes creen que mantienes aceptablemente el nivel álbum tras álbum, te alejas de ser visto como una casualidad o un hype». Si la comparación la establecemos con sus predecesores, observamos que «Herreros y fatigas» bebe de las mismas fuentes: lo añejo, lo obrero, lo costumbrista, lo amoroso...

Incluso los homenajes a sus bandas favoritas siguen ahí. Véanse, por ejemplo, los guiños a My Bloody Valentine en «Contrato» y «Cumbres profundas». U otros que aparecen casi sin querer, como en el estribillo de «Soneto»; dos cuartetos y dos tercetos sobre idas y venidas, vueltas y revueltas. ¿Se acuerdan de Roberto Carlos (cantante, no futbolista) y su «Un millón de amigos»? «Estando grabando voces, nuestro técnico, Antonio Illán, nos

dijo lo del parecido y nos cantó la de Roberto Carlos. “Coño, pues es verdad”. Pero ya era un poco tarde para cambiar la melodía, y además yo pasaba bastante, porque fue una casualidad no intencionada. Algunas veces sí que puedes darte cuenta, durante el proceso, de que algo recuerda a otra cosa y, si crees que es demasiado evidente, lo modificas.

En otras ocasiones la cita es intencionada y no te importa, lógicamente, que la gente lo relacione». Tras una primera pasada, dos canciones destacan sobre las demás: la bailable «Dos males tienes» y la que ejerce de primer single, «Ojo por diente»: una preciosa declaración de amor incondicional puesta

aún no me atrevo a hacerlo en los directos».

Unos directos a los que se unirán Paco (bajo), Pilar (violín) y Antonio (teclados). Entre tanto hit, se entiende aún más que lo de elegir un tema como presentación del álbum sea el eterno caballo de batalla entre el grupo y su discográfica. Pensar en fans, ventas, en llenar salas... «Elegir el single es horrible, dudamos un montón. Puedes seguir distintos criterios para la elección. Como los temas suelen ser tan distintos, tienen sus pros y sus contras a nivel de marketing, que es de lo que se trata. No lo vemos como un criterio artístico, sino aburridamente mercantil. De ahí a que sea lo mejor... Al que le

«Elegir single no lo vemos como un criterio artístico, sino aburridamente mercantil» recientemente en imágenes por Chema García Ibarra. Aunque no se puede negar el poderoso atractivo de la decimonónica «In The Goethe» o la castiza «Sacrificio», donde la voz de Marina alcanza sus cotas más altas.

Nadie dijo que el lírico fuera fácil, ni siquiera ella. «Me siento más orgullosa que cómoda.

Era un registro complicado, y creo que al final ha quedado bastante resultón aunque

gustes ya escuchará el disco. Siempre nos quedamos con la sensación de que nos hemos equivocado». El 3 de marzo en Santana 27 (Bilbao) comenzará la presentación de «Herreros y fatigas». Luego continuará en Valencia, Barcelona, Madrid y Zaragoza. Una gira que Klaus & Kinski se plantean como «cosas para hacer juntos y contar a los sobrinos». a Víctor Martínez

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Tridente refinado We have band No hay dos sin tres, ya lo dice el refrán. Y aun más, si cada uno supera al anterior. Esto es lo que ocurre con “Herreros y fatigas”, el nuevo trabajo de Klaus & Kinski; un álbum que está en la calle desde el pasado 6 de febrero, editado por Jabalina Música, y que está destinado a copar los primeros puestos en las listas de lo mejor de 2012.

Si alguien tenía alguna mínima esperanza acerca de la supervivencia de la nu rave británica, sentimos decirle que We Have Band han vuelto para desmarcarse (como otros tantos) de aquella etapa de hedonismo desenfrenado que sufrimos no hace tanto tiempo en nuestras carnes. Tal como ocurriera en 2011 con Metronomy, los ingleses se nos han refinado y poco tienen que ver actualmente con lo que predicaban hace dos años en «WHB». Con la mente mucho más fría que cuando debutaron, el trío ha oscurecido sus señas de identidad y hace gala de unas composiciones mucho más complejas que en celebrados temas previos como «Divisive» o «Honeytrap». Aunque hagan suya la manida expresión de renovarse o morir, oyendo «Ternion» queda bien claro que la banda se ha autoimpuesto un ambicioso antes y después en su carrera. «El título del disco proviene de una palabra latina que significa algo así como el poder de tres. En los últimos cuatro años hemos estrechado nuestros vínculos y hemos vivido todo

tipo de experiencias, tanto buenas como malas, que de alguna u otra forma se plasman en estas nuevas canciones. Cuando empezamos éramos los típicos músicos de dormitorio que cantábamos cosas sin sentido y únicamente tocábamos para animarnos. No obstante, esta vez teníamos una gran oportunidad para explorar otro tipo de sonidos y seguir pasándolo bien mostrando otras caras de nosotros mismos». Dede, ejerciendo como portavoz del grupo para esta conversación, no comparte precisamente que todos les acusen de haber perdido la fe en la escena de baile. «En gran medida no estoy de acuerdo con ello. Quien quiera puede seguir bailando con estos temas. Todas las pistas de baile tienen un lado oscuro que es igual de disfrutable».

Ante este drástico giro, ¿temen que aquellos que les siguieron en sus inicios les giren la espalda? «Pues no. Bueno, quizás un poco.

A cualquier disco se le pone amor, sangre y lágrimas. Seguramente, nuestros antiguos fans acabarán amando estos temas porque

han crecido igual que nosotros. El disco es como un viaje: hay momentos para dejarse llevar, mover las caderas, gritar a pleno pulmón y relajarse en aquellos minutos que son más downtempo», confiesa la punta femenina de este triángulo que no ha variado ni un ápice su metodología de trabajo. «El proceso de composición se ha mantenido igual respecto a nuestro primer trabajo.

de gira, y otra como “Pressure On”, por ejemplo, trata sobre mis brotes de insomnio». El tiempo, sabio como él solo, nos dirá si acaban cosechando los mismos éxitos de su debut. Pero sea lo que sea lo que les tiene deparado el caprichoso destino, si de algo no se arrepienten es de haber trabajado a las órdenes del productor Luke Smith, miembro de los ya extinguidos Clor. «Es un hombre

«A cualquier disco se le pone amor, sangre y lágrimas.»

Thomas empieza a trabajar las canciones con el laptop y añade las guitarras y los sintetizadores. A partir de ahí, los tres juntos vamos añadiendo otras partes del puzzle.

Esta es nuestra forma natural de trabajar.

Siendo tres, desde el principio tenemos la capacidad de reconocer si una pieza va a llegar a alguna parte cuando está en proceso embrionario». De todos modos, su inamovible modus operandi musical no puede extrapolarse a sus letras. «Esta vez sí que hemos puesto parte de nuestra alma en las letras. Hemos buscado en lo más profundo de nosotros mismos para contar aquellas cosas que nos han ocurrido durante los últimos tres años. Temas como “Shift” o “Steel In The Groove” reflejan nuestras sensaciones mientras estábamos

encantador. Sin duda, después de haber compartido tanto tiempo con él, le consideramos un auténtico amigo. Tiene un gran poder de persuasión para hacerte probar cosas nuevas. Además, toca brillantemente la guitarra y se pone a tocarla mientras piensa qué va a hacer. Antes de “Ternion”, desconocía por completo cuál era la intensa experiencia que se vive al producir un disco. Estar durante tantas horas en un estudio, desayunando, comiendo y cenando sin salir apenas a la calle, te hace llegar a conocer de una forma más profunda a la otra persona. Esperamos de todo corazón volver a trabajar con él en un futuro». a Sergio del Amo

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«Hay una parte de mi a la que le gustaría esnifar cocaína del cuerpo de una prostituta.»

Kokoshca en Jenesaipop

«A veces los grupos tienen que pagar para tocar.»

Kokoshca en Jenesaipop

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Pura Emoción Active Child No todo el mundo te va a mirar con buena cara cuando le digas que tu nuevo artista favorito es un chaval que toca el arpa y hace gorgoritos, pero vete acostumbrando porque «You are all i see» enamora desde el minuto cero. Y, encima, en concierto gana enteros.

Tras sorprender a propios y extraños con sus Ep’s «Curtis Lane» y «Sun Rooms» (exclusivamente editado en cassete) en 2010, Active Child se estrenó en largo a finales del año pasado con «You Are All I See», un álbum sensual y emocionante donde el pop y el r’n’b flirtean bajo el paraguas del chill wave y unas atmósferas balearic. Pero lo que consigue atraparte como una mosca enfangada en miel es, sin duda, su voz. Una voz magnética e hipnótica que Patrick Grossi lleva por terrenos insospechados con destreza y florituras, rozando el exceso, pero siempre por debajo del larguero. Y es que la predominancia de la voz en su música está ya en sus raíces, cuando entró en el coro de la iglesia local. «Empecé en el mundo de la música muy joven. Me uní a un coro en Philadelphia con sólo nueve años y ese fue mi primer mecanismo musical para exteriorizar mis emociones», recuerda Patrick. «Ese periodo duró aproximadamente cuatro años y dejó una marca indeleble tanto en mi voz y mi manera de interpretar las melodías como en la forma en que compongo». El secreto no es otro que excavar, encontrar la emoción más pura y cincelar con ella el alma y las melodías. «La única cosa que siempre ha sido de vital importancia en todo lo que he escrito ha sido la emoción auténtica».

«No ser emotivo porque sí», puntualiza este nativo de New Jersey, residente en Los Ángeles, «sino perderte en tus propios pensamientos y sentimientos de verdad,

de una forma honesta». Ésa es, según él, la verdadera diferencia entre «You Are All I See» y sus anteriores creaciones. «En grabaciones anteriores, me sentía como si estuviera explicando una historia de amor, en lugar de vivirla. Pero este disco ha sido diferente: me he abierto completamente y, aunque me ha dado miedo hacerlo, sentía en mi interior que era lo que tenía que hacer». Y puede que sean esa honestidad y esa apertura las que confieran a la emotividad de «You Are All I See» el equilibrio imprescindible para no resultar excesivamente dramático o acabar tirando

briel, Annie Lennox, Enya o Fleetwood Mac —«todos ellos me los introdujo mi padre», rememora Pat— a cosas que ha descubierto con los años y de las que se ha empapado hasta caer completamente enamorado, «cosas tan diferentes como The Knife, Björk y Owen Pallett». Y si algo comparte con el canadiense, además de una facilidad pasmosa para componer temas absolutamente redondos, es su fascinación por situar como protagonistas a instrumentos poco comunes en el pop contemporáneo.

En el caso del ex-Final Fantasy, el violín, la viola o el clavicordio, y en el de Patrick, el arpa. Gracias a esfuerzos como los suyos, cada vez más artistas se atreven a romper barreras y tabúes e introducir instrumentos tradicionales o inusuales en los géneros más variopintos. «El arpa parece estar extrañamente de moda ahora mismo: la

«De vez en cuando necesitas un subidón, un ritmo estruendoso...» por lo pastelón: un perfecto punto medio entre la intensidad emocional y la paz de espíritu, que ni siquiera él sabe bien cómo ha conseguido. «Para serte sincero, no tengo ni idea. Supongo que esa paz de la que hablas era la única vía para no quedarme perdido en mis emociones para siempre.

Necesitas algo que te levante el ánimo en medio de toda la mierda que te rodea.

De vez en cuando necesitas un subidón, un ritmo estruendoso, unas melodías vocales en crescendo... Al menos, yo lo necesito». Ese vaivén musical, esa necesidad vital de alternancia en los estados de ánimo, se refleja a la perfección en las influencias que cita nuestro hombre: desde Peter Ga-

veo más presente que nunca en la cultura y la música pop. Sea como sea, lo que me gustaría es que cualquiera que me escuchara sintiera que puede romper las normas, que puede ser diferente, que en lugar de aprender a tocar la guitarra o el bajo, puedes elegir un instrumento del que nunca antes habías oído hablar, qué sé yo, la kora por ejemplo». La de Active Child es, pues, la historia de un niño extraordinariamente sensible y dotado para la melodía al que no le asustó ser diferente, que hizo de ello su bandera y que grabó un disco precioso que te mantiene el vello erizado durante la totalidad de sus cuarenta y ocho minutos. a Virginia Arroyo

«Estoy embrujado por mí mismo. No puedo parar —y no quiero hacerlo— las voces en mi cabeza.»

Randy Newman Uerncut

«Estoy contento de estar con vida. Es algo que me preguntab a hace un tiempo.»

Trent Reznor, en Q

«Si no tienes afección por la música pop, si no sabes ver el encanto de Eats Domino o Eminem, no deberías de estar escribiéndola» Randy Newman Uerncut

«Dylan y Beatles son como JFK y Marilyn Monroe, ¿de verdad hubo alguna vez figuras públicas como esas?»

Robyn Hitchcock en Ruta 66

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Foto: Alfredo Arias

Bote de colón Juanita y los feos Evolucionar siempre es positivo, por lo menos si es para mejor. El caso de Juanita y los Feos es uno, y muy válido. lo demuestra «pesadilla adulta», un disco en el que se nos revelan como una banda de pop y new wave realmente eficaz y disfrutable.

Una evolución remarcable, la de Juanita y los Feos. Partiendo en sus inicios de un garagepunk descacharrado y lo-fi —«Cuando empezamos queríamos ser los Gories», confiesa su cantante—, han terminado convertidos en una excelente banda pop de ascendencia nuevaolera, y firmando un elepé absolutamente magistral, en dicha línea. Pero que no te confunda su desenfadado nombre; Juanita y los Feos son un grupo serio, y más allá del bote de Colón, han demostrado poseer un talento excepcional para pergeñar melodías casi perfectas, y un exquisito gusto para los arreglos. Fadrike (guitarra y compositor de los Feos), parece consensuar el parecer de todos sentenciando: «hemos conseguido el sonido que buscábamos desde hace tiempo». Por su parte, Violeta, cumpliendo con su papel de Juanita, aporta la nota discordante y políticamente incorrecta: «Era lo que queríamos hacer desde hace mucho tiempo, pero ahora que lo hemos hecho, me parece una mariconada padre». Ángel (bajista, y también compositor), zanja el debate con un «A mí me

encanta». Mariconadas aparte, cuesta creer que un disco tan redondo haya sido autoproducido por el grupo, ya que, como puntualiza Fadrike, «todos los arreglos, todos los punteos, todos los teclados, todo es nuestro».

«Estuvimos diez días grabando», continúa Ángel, «con lo que tienes mucho tiempo para escuchar el resultado y decidir qué arreglos necesita cada canción, y todo está grabado con metrónomo, así que todo va clavado en su sitio». Sin embargo, algún truco debía albergar tan portentoso sonido. Violeta lo desvela: «No nos lo produjo nadie en el estudio, pero la persona que nos lo mezcló, Carlos Hernández (productor de Triángulo de Amor Bizarro o Los Planetas), consiguió el sonido que buscábamos». Y después de trabajar con el productor de Los Planetas, ¿lograrán el puesto que merecen junto a estos, o Sidonie, en primera fila del pop español, tocando en festivales como Primavera Sound?, ¿O seguirán condenados a ser un grupo de culto, una referencia respetada y reputada, pero de impacto underground? El dilema no

parece quitarles el sueño, más que por falta de ambición, por la pereza de tener que funcionar al dictado de la parapléjica industria musical.

«No sé si accederemos a esa liga, y no me preocupa», argumenta Ángel. «Y en cuanto a festivales de verano, tenemos fechas en algunos, pero no en el Primavera, y tengo claro que si no tocamos en el Primavera con este disco, no vamos a tocar nunca ahí».

Por su parte, Violeta se muestra incómoda con según qué perspectivas. «Personalmente odio a Los Planetas, y me jodería mogollón jugar en esa liga. Eso es lo que me da miedo, y a eso iba cuando hablaba de mariconadas.

Tocar en el Primavera estaría guay, pero el giro este mainstream que estamos dando con Munster (¿giro mainstream?, ¿con una indie?) lo dimos un poco por probar pero no me gusta nada. Siempre nos lo hemos guisado y comido nosotros, y ahora de repente han entrado en juego un montón de terceros». Los hados dirán, de momento, si bien cumplen con los cánones estéticos del pop peninsular (barbas, gafas, etcétera), sus letras, cargadas de muertos y mal rollo, pueden echar para atrás a más de un cándido indie.

Violeta se defiende: «Bueno, yo me eché un novio siniestro, y puede que eso tenga algo que ver (risas). De todas formas, lo bonito me parece un poco coñazo, cantar sobre

cosas bonitas en español queda un poco estúpido. Igual yo soy un poco retorcida, pero me parecen más interesantes las cosas chungas que las cosas bonitas, en general despiertan más interés en la gente. De todas formas el tono es sarcástico, más de coña que oscuro». Otra baza a su favor es la formidable distribución de su sello, Munster. «En distribuidoras pequeñas no se encuentra, porque el disco ha salido más caro que los

«Personalmente odio a Los Planetas, y me jodería mogollón jugar en esa liga.» anteriores, y eso es una putada», se lamenta Ángel, «pero sabemos que Munster los acabará vendiendo todos, seguro». Al final, sus expectativas, son modestas, como comenta Ángel. «Tocar con mejores condiciones, nada más. Cobrar un dinero para no palmar, si es posible poder pagar a un conductor, tener alojamiento y cena, que nos pongan backline... Así podríamos estar años componiendo nuevas canciones y girando sin enfadarnos entre nosotros. O sin enfadarnos mucho (risas)». a Dani Marco

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El fluir de tu mirada Lenacay El Brujo, el Mago, el Guerreo, la Joya, la camaleón, el Hechicero, imágenes arquetípicas asociadas a los diferentes músicos que han dado forma a «ryma», el primer disco de lenacay. Un combo surgido a partir de la agónica disolución de ojos de Brujo y que, de las cenizas, busca nuevas vías de experimentación a partir del flamenco.

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No vamos a hacer leña del árbol caído y tampoco vamos a caer en la tentación del cotilleo más cutre. Ojos de Brujo ya no existen y la disputa por el nombre ha acabado con más arañazos emocionales de los que hubiéramos deseado todos los que les hemos conocido y seguido de cerca. Lo mejor, al menos para mi, es pasar página y centrarse en el nuevo proyecto del que desde el principio fue alma musical del combo catalán: el guitarrista Ramón Giménez.

Porque si algo distingue a Ojos de Brujo de Lenacay es que, mientras los primeros se debatían en asamblea, los segundos son un proyecto unipersonal que ha acabado sumando a otros dos ex-Ojos de Brujo, como son Dj Panko (teclados, bases, scratch...) y Xavi Turull (percusionista), además de a Paula Domínguez como cantante, a Yolanda Cortés como bailadora y a su hermano Eduardo Cortés a la guitarra. Gracias a esa suma de talentos las composiciones de Ramón, que siempre parten de algún palo del flamenco, han adquirido diferentes texturas

que han forjado un disco con tres aristas. La más cercana a Ojos de Brujo, con canciones como «Tangoranto» o «Yo quiero más de ti»; la más alejada, con canciones en inglés como «If I Let You» o «7 Days» donde la nueva vocalista otorga una vertiente más

«Una de las bandas que me ha hecho trabajar como lo hago han sido los Zeppelin.» madura gracias a un timbre modulado en el soul y el jazz; más una tercera vía mucho más canalla representada por los temas aportados por Dj Panko y cantados por él como esa rumbita en spanglish que es «Walking On The Ramblas» o «Identidad».

«Es normal que un primer disco acabe resultando un abanico de lo más variado.

Sucedió algo parecido con “Vengue”, el primer disco de Ojos de Brujo, donde

había canciones que no tenían nada que ver, y sin embargo fueron los diferentes genes que luego acabaron resultando en el “Barí”. Ahora la situación es muy parecida. Todavía estoy esperando que los roles de cada uno de nosotros, la naturalidad por sí misma, vaya dándole esa forma al proyecto. No sé si en el siguiente disco me voy a volver mucho más oscuro o mucho más luminoso, ya habrá tiempo para seguir investigando». Muchos esperábamos encontrar esa oscuridad con mayor intensidad en este primer trabajo de Lenacay, y más si tenemos en cuenta el año tan duro que ha tenido que sufrir nuestro protagonista cuando se veía apartado de los últimos pasos de su anterior banda y de un disco conmemorativo como «Corriente vital», del cual reniega. «Al principio el disco de Lenacay iba a ser mucho más oscuro y agresivo, pero a medida que hacía temas me di cuenta de que me estaba metiendo en un sitio en el que había demasiado énfasis demostrativo y poco énfasis artístico. De hecho, con todo el material que tenía casi me salían dos bandas. Tenía temas basados en el flamenco con la energía de Red Hot Chili Peppers y Rage Against The Machine combinado con dosis de electrónica, pero de pronto todo se me empezó a oscurecer demasiado y

Sube ADELE, porque se atrevió a levantar su dedo medio en los British Awards, sobre todo sabiendo la que se lió con M.I.A. y Madonna poco antes.

Sube el despiste sobre la valía del disco de LANA DEL REY. Obra maestra para unos, un montón de canciones obviables para otros. Veremos en enero próximo.

Bajan las posibilidades de ver a WHITNEY HOUSTON en directo.

Baja que TOMMY IOMMI haya tenido que cancelar los conciertos con Black Sabbath debido a su enfermedad.

entonces puse el freno. Lo hice porque en el fondo es algo que ya había hecho en “Techarí” y creo que ahora lo que tocaba era otra cosa. Así que me dije: “ábrete, mira a ver qué tienes ahora”. Por eso es un disco en el que la bailadora canta, el Panko también canta. Paula canta. Vaya, que fue un “mira lo que hay a tu alrededor y adáptate a la gente con la que cuentas, entiéndelos, sácales partido, mira cómo respiran, aprende de ellos y no te cierres a nada”». Y es que, si algo ha caracterizado a este gitano del barrio de la Trinidad de Barcelona, ha sido una proverbial apertura de miras que ha encauzado su talento natural a no cortarse ante nada. El propio Enrique Morente le animó a seguir creciendo sin importar lo que de él pudieran decir los puristas del género, y es capaz de citarte a Kraftwerk o a Led Zeppelin en una misma entrevista. «Una de las bandas que me ha hecho trabajar como lo hago han sido los Zeppelin. Ellos iban investigando y sembrando canciones, luego un montón de grupos se han encargado de hacer diferentes versiones de esos mismos temas. En eso fueron unos maestros». a Don Disturbios

Independientemente del resultado, sube que MARTIN GORE y VINCE CLARKE hayan vuelto a grabar juntos.

Obviamente baja la NBC por pedir perdón por una actitud, la de M.I.A. que seguimos sin entender cómo causó tanto revuelo... Aunque es divertido.

Suben los SOLD OUTS de artistas estata- les. Russian Red, Vetusta Morla, Manel, Lori Meyers, El Puchero del Hortelano, La Casa Azul, Delafé...

Baja la desaparición de ENRIQUE SIERRA, uno de los grandes nombres del pop en castellano de este país.

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No confidencial Che Sudaka Diez años de trayectoria y de reivindicación social. Eso es lo que cargan ya a sus espaldas los miembros de che sudaka, que hace muy poco publicaban «10» (cavernícola, 12). Este mes lo tienen más complicado: les hemos obligado a contestar a nuestra entrevista más desalmada e irreverente.

(( ¿Cuántas veces os han detenido en la

frontera por las pintas que os gastáis? ¿Cómo lo habéis solucionado? En realidad nunca nos sobra nada para andar gastando. (( ¿Es cierto que os formasteis como banda

(( Si vais por la calle y alguien grita «¡eh,

tú, perroflauta!», ¿cuál de vosotros se giraría primero? De verdad no nos interesa lo que griten por la calle. Si no nos llaman por nuestro nombre no nos giramos. (( ¿Qué demonios significa eso de «Arriba

la vaina»? Arriba la vaina puede ser cualquier pensamiento positivo que se te ocurra. (( ¿Triunfáis en el extranjero porque también

entienden vuestras letras, o triunfáis precisamente porque no las entienden? Deberías preguntárselo a ellos, pero creo que la música es un lenguaje universal y cualquiera puede entenderlo. (( En «10» le dais las gracias a gente como

Johnny Cash o Joe Strummer. ¿Sabéis que murieron, no? Sí, ellos murieron, lamentablemente, pero sus obras no... y de no haber sido por músicos como ellos muchos grandes músicos que están vivos ni se hubieran animado a tocar música... Para nosotros están más vivos que nunca y se merecen todo el respeto. (( Diez años ya. Las cosas cambian, pero las

perillas y los bermudas permanecen, ¿no?

El saco y la corbata lo dejamos para los políticos, oficinistas y algunos periodistas... por otra parte, lo que no permanece es el cabello. (( ¿Mate o cortado? Mate sin duda. Es una

fuente de energía natural. (( Cada vez que escucho «Que viva la

gente» me imagino una plaza llena de niños, abuelas, inmigrantes, hasta policías y bomberos cantándola. ¿Tengo mucha imaginación o era vuestra intención? Es que es casi lo que se vio en Plaza Catalunya y en la Puerta del Sol... digo casi, porque la policía no estuvo de parte del pueblo. Hubiese estado bueno que se pusieran de parte del pueblo porque ellos también son parte de él y los joden igual... pero me gusta tu imaginación en este caso. (( ¿Existe algún crítico musical al que os

gustaría romperle las piernas? En realidad me parece un poco triste ponerse a criticar un disco y ponerle puntaje... esto no es fútbol...pero ¿romperle las piernas???... ¡A nadie, hombre!

Foto: Deirdre o'callaghan

en España porque en Argentina había muchos grupos como vosotros y no queríais ser como los demás? No sé de dónde sacas tu información, pero deberías cambiar de fuente...

Evolución o muerte Fanfarlo Cuando la voraz prensa británica se fijó en ellos en 2009, Fanfarlo sólo eran cinco nerds amantes del pop orquestal y las melodías épicas que vivían en londres. Tras el aclamado «Reservoir», el grupo afronta el peso del segundo disco con un giro de timón. En «Rooms Filled With light» dice adiós a las mandolinas y enchufa los sintetizadores a la corriente eléctrica.

Vivimos en una época en la que todo es instantáneo y fugaz. Lo que importa es la novedad. La última moda hoy mañana estará caduca. Aunque muy a su pesar, Fanfarlo es producto de nuestra era, estos tiempos tan ridículos en los que los amigos son virtuales, la gente habla sola por la calle y la cruzada en defensa de Megaupload es lo último en anarquismo. «Es deprimente ver a todos esos grupos que sueñan con que la prensa especializada les ponga una etiqueta. “Sonamos a pop ochentero”, dicen, orgullosos. Y creen que así se harán famosos. ¿Cómo no se pueden dar cuenta de que las tendencias son efímeras? Cuando sacan el segundo disco ya nadie se acuerda de ellos», razona el sueco Simon Balthazar —compositor, voz y guitarra—. Razón no le falta.

Sin embargo, ¿cuál es su postura ante esta situación? «Cuando sacamos el debut, los críticos nos comparaban con Arcade Fire, Clap Your Hands Say Yeah!, Beirut... Todos ellos son grupos respetables, pero ¿de verdad es eso lo que les venía a la cabeza al escuchar a Fanfarlo? Mira, no creo que nuestra música esté influida por ninguna banda actual. De hecho, no nos gusta nada de lo que ha pasado en la música durante los últimos veinte años. Creemos que es importante tener personalidad y ofrecer algo único», reflexiona. Desde luego, nadie les puede reprochar una falta de evolución.

Con el paso de «Reservoir»(2009) al recién publicado «Rooms Filled With Light» el grupo destapa una faceta electrónica desconocida en su folk-indie de antaño. Conscientes de que este es su momento de la

verdad, la formación se esfuerza en aclarar que este cambio de registro surge por una necesidad de experimentación artística y no tanto por sobrevivir en una industria que tritura al que no sabe reinventarse. Toma la palabra Cathy Lucas —teclados, violín y voces—. «Lo cierto es que escuchamos cosas muy variadas: desde el post-punk de principios de los ochenta hasta música disco, pasando por compositores minimalistas, dub, industrial... Es lógico, todo influye, pero es necesario tener un ánimo constructivo e intentar generar nuevos sonidos». En este viaje hacia un universo sonoro indudablemente más complejo, el quinteto ha contado con la ayuda del productor Ben H. Allen, que trabajó con Animal

«más experimental que el debut en todos los sentidos». «El título», aclara, «es una metáfora de nuestro trabajo como banda: el objetivo último de nuestra música es crear espacios que sean sugerentes para el que nos escucha, ya sea desde su casa o en una sala de conciertos. Me gustaba la imagen de una habitación llena de luz.

Es algo muy inspirador». Sigue Cathy: «La luz va a tener un papel muy importante en nuestras actuaciones. Vamos a utilizar unas estructuras luminosas que ha diseñado para nosotros un artista de California y proyectaremos diapositivas en el escenario». El grupo tocó en noviembre pasado en distintas ciudades españolas, pero todavía no tenía avanzado el formato del show. A tenor de lo que se escuchó en Madrid, el repertorio actual incluye varias canciones antiguas, pero sensiblemente adaptadas al nuevo Fanfarlo. «Hace mucho tiempo que salió “Reservoir” y desde entonces hemos cambiado mucho. Por eso, hemos intentado traspasar los nuevos sonidos a estos temas. Estamos viviendo un periodo de transición muy estimu-

«Es necesario tener un ánimo constructivo e intentar generar nuevos sonidos» Collective en el influyente «Merriweather Post Pavillion» (2009). «Su presencia ha sido de gran ayuda. Llegamos a tener miedo de que intentara crear algo raro y experimental, pero desde el principio sus esfuerzos han servido para dar sentido a las canciones», aclara Cathy. «Cuando acabamos la gira, en Septiembre de 2010, estuvimos seis meses explorando posibilidades y probando nuevos instrumentos.

Queríamos dar más peso a los teclados, a las guitarras eléctricas y a los sintetizadores; encontrar un sonido pop y marchoso.

Ben fue imprescindible para ordenar las ideas que teníamos en la cabeza», reconoce Simon, que asegura que el disco es:

lante. Todo es nuevo», explica el líder del grupo, que desvela que las letras del último disco surgieron como consecuencia de pasar tanto tiempo junto a sus compañeros cuando estaban de gira. «Es una sensación extraña. Por una parte, te sientes muy próximo a ellos, porque compartes todo tipo de cosas; por otra, la vida en la carretera resulta alienante, al estar tan lejos de tus amigos y familiares. Esta experiencia tan intensa ha sido el catalizador para empezar a escribir las nuevas canciones.

Pero, por favor, que nadie se piense que es el típico disco que habla sobre estar en una banda». a José Fajardo

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que ha sido una experiencia enriquecedora para ambos. Lo más importante para mí es que me ha permitido deshacerme de la etiqueta de cantante folk, algo con lo que nunca me he sentido cómodo realmente. Tocar una guitarra acústica no me convierte en un cantante de folk. Soy un escritor de canciones y como tal debería poder llevar esas canciones en la dirección que me apetezca». «No creo que nadie se sienta confuso con este disco», aclara. «He crecido como persona y como artista, pero no ha sido un cambio brusco, sino muy gradual y lento. Si comparas éste con mis primeros álbumes, el cambio es evidente, pero la mayoría de mis seguidores han crecido también». Aunque sí sorprende el aroma a soul psicodélico de la expansiva «Nothing Is

«He dejado de temer lo que la gente piense de mí y a la vez me preocupo más por ella...»

Foto: Sarah Jurado

Paz y consuelo Damien jurado Siguiendo el camino de nuevas posibilidades abiertas con su anterior «Saint Bartlett», el de seattle vuelve a colaborar con el productor richard swift en «Maraqopa», un colorido y evocador tratado de psicodelia folk y probablemente su obra más completa.

La obra de Damien Jurado (Seattle, 1969) ha sido siempre el reflejo de su propia búsqueda de consuelo y verdad. Algo que parece haber encontrado al fin, a medida que sus obras ganaban en luminosidad y matices y sus grabaciones se enriquecían con una paleta cada vez más alejada del sonido lo-fi de sus inicios. «Siempre digo que en mis primeros álbumes era como un niño sin carnet de conducir», explica. «Ahora puedo conducir y puedo ir hacia donde quiera». No debería sorprender el sonido de «Maraqopa». Ya en su anterior disco,

«Saint Bartlett», Jurado profundizaba en la dirección aperturista de sus últimos trabajos, pero resulta difícil no sentirse conmovido por los tintes psicodélicos de algunas de estas composiciones, la plenitud y calidez que se respira en un trabajo que puede ser considerado la culminación de un viaje musical y personal. «Soy un persona más abierta ahora», comenta el artista desde su casa. «En otros tiempos era muy celoso de mis emociones. Me encerraba en mí mismo por miedo a lo que pensaran los demás. Pero he dejado de temer lo que la

gente piense de mí y a la vez me preocupo más por la gente que nunca. ¿Tiene eso sentido?». Jurado soñó una noche con un pueblo en el que no había Internet ni televisión y en el que la gente se comunicaba continuamente. «Incluso de forma no verbal», explica él. «Una de las cosas más importantes, que he aprendido durante mis giras, es que las personas no son tan diferentes como solemos pensar, algo que contrasta con el temor que solemos albergar los unos respecto a los otros».

Jurado quería reflejar ese espíritu en el disco y volvió a contar con Richard Swift para ello.

«Trabajar con Richard en “Saint Bartlett” fue como descubrir un nuevo mundo de posibilidades y en “Maraqopa” hemos ido más lejos todavía. Incluso para Richard ha supuesto explorar nuevos terrenos, así

The News» que abre el disco o los detalles que inundan un trabajo a años luz en cuanto a matices de sus trabajos más austeros y lofi. Jurado habla de la influencia de Manassas, el grupo de Stephen Stills a principios de los setenta, de los primeros álbumes de Santana y de Grateful Dead, pero también cita a Ray Conniff y viejos discos de easy listening. Y optando por grabar en directo, Swift y Jurado encontraron la forma de dotar de una gran calidez al álbum. «Hay algo puro en ello. De lo único que debes preocuparte si grabas de ese modo es de ofrecer la mejor interpretación que puedas». Lo que nos lleva de nuevo a la búsqueda de la verdad y dónde él encontró el consuelo. «Puedes pensar lo que te apetezca sobre la fe, pero yo he encontrado la paz en Dios y en el Jesús del que habla la Biblia. Eso no significa que me pase el día discutiendo con agnósticos y no creyentes, en absoluto. Sólo digo que ha sido algo importante en mi búsqueda personal de paz y que ha sido también parte de mi evolución como músico. Ya no toco música sólo para mí. Toco música para mi hijo, toco música para mi esposa y, sobre todo, toco música para mi Dios, que es quien me ha dado mi talento y el aliento de mis pulmones. Y eso supone que siempre daré lo mejor de mí para que mi familia y mi Dios estén orgullosos. Lo repito: la gente puede creer lo que quiera. No estoy aquí para convertir a nadie.

Soy sólo una herramienta. Y si la gente puede encontrar algo de paz y consuelo en mi música, incluso algo de dicha, eso es más importante para mí que cualquier cantidad de dinero». a Joan Cabot

Los discos de mi vida Evans Kati (wu lyf) Wu lyf nos sorprendieron con su «Go tell Fire to the Mountain» (11), un disco oscuro y visceral al mismo tiempo. ahora dejemos que sea Evans Kati, quien nos sorprenda con algunos de sus discos favoritos. Wu lyf estarán el próximo 30 de marzo en Barcelona.

El primer disco que tuve:

The Beatles «Yellow Submarine» (1969) «Yellow Submarine» fue el primer disco de mi colección. Mi padre me lo regaló cuando tenía unos siete u ocho años, pero lo mejor de todo es que todavía lo tengo.

El disco que escucharía hasta el fin de los días:

The magnetic fields «69 Love Songs» (1999) Hay etapas en la vida en las que, por distintos motivos, tienes discos concretos que escuchas mucho, pero si tuviera que decidirme por uno no se trataría de «69 Love Songs». Lo escucho cada una o dos semanas.

El disco que me gustaría haber compuesto:

Talk Talk «Laughing Stock» (1991) Me gustaría ser el autor de «Laughing Stock», sin duda. Una banda de pop que, de repente, dio un giro estilístico brutal y se pasó a la experimentación, pero sin renunciar a firmar canciones fantásticas.

El disco que suelo regalar:

Jonathan Richman «Jonathan Sings!» (1983) Lo suyo es puro rock’n’roll y energía, pero también tiene unos temas lentos realmente bonitos. La producción es muy cruda y eso me gusta mucho. Además, este disco contiene mi canción favorita, «That Summer Feeling». Jonathan Richman tiene un rollo naïve que adoro y habla de todas esas cosas sobre ser joven que sientes.

Un disco para torturar a alguien:

Royal Trux «Twin Infinitives» (1990) Que conste que es un disco que me gusta mucho, pero parece que la gente solamente quiere escuchar canciones. Si quisiera torturar a alguien le pondría «Twin Infinitives», que aunque esté muy bien es fundamentalmente ruido.

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The sound of arrows

Escapismo con aroma a chicle Tas hacernos partícipes de una eterna espera, y de varios singles redondos, el dúo sueco por fin se ha decidido a editar su primer largo, «Voyage», publicado por una multinacional y en el que contribuye en diversos cortes el productor richard X. Este mes lo estarán presentándolo en España.

Salidos de una instantánea de James Bidgood, ahora hace casi cinco años dos escuálidos suecos llamados Stefan Storm y Oskar Gullstrand sorprendieron con «Danger!», publicado por Labrador, un tema que suponemos sonó enfermizamente en el reproductor de Patrick Wolf. Tras aquella efectista primera toma de contacto y un segundo Ep, «Magic», The Sound Of Arrows nos prometieron a medio plazo un primer largo que tendría que volvernos a hacer devotos del electropop fantasiosamente más gayer. Sin embargo, la espera para poder escuchar «Voyage», su puesta de largo tras avanzarnos «Into The Clouds» y «Nova», se alargó sin que supiéramos muy bien por qué hasta hace apenas unos meses. Llámenlo perfeccionismo enfermizo. «Hay muchas razones acerca de la demora. En cierto modo, se ha debido a decisiones externas, aunque también tuvo gran parte de culpa que no encontráramos las canciones idóneas que complementaran y dieran cohesión al disco. Además, debería tenerse en cuenta que todo empezó

a coger forma tras el lanzamiento de “Into The Clouds”. Por aquel entonces no esperábamos tener ningún éxito y, tal vez, no estábamos preparados para ello». Quién habla es Stefan Storm, responsable también junto a Oskar de producir los temas del primer proyecto musical que ambos sienten, de corazón, como algo suyo. «Somos muy ambiciosos y siempre tenemos ganas de hacer más cosas de las que realmente podemos.

En el estudio pasamos muchas horas intentando encontrar el sonido perfecto para nuestras canciones. Al emplear un equipo muy antiguo todo era extremadamente temperamental. En ocasiones, los sintetizadores no arrancaban o se iban de tono, así que teníamos que llevarlos a reparar muy a menudo. Era doloroso, pero por otra parte también era parte del encanto». Pese a ser unos fervientes defensores de encargarse de todos los detalles de su trabajo, el dúo no dudó ni un instante en aceptar los consejos de uno de sus héroes musicales, el productor Richard X, para que pusiera su pequeño

granito de arena en algunos minutos de este carrusel sintético que tan pronto sabe a chicle como reivindica el «querer escapar hacía un lugar mejor en el que puedes ser otra persona». «Un día nuestro mánager nos llamó y me comentó que Richard X quería reunirse con nosotros para una posible colaboración.

Casi me desmayo, es, junto a Damon Albarn y Vangelis, una de las personas que más admiro», rememora Stefan con mucha más ilusión que a la hora de hablar de cuando el

The Sound Of Arrows es en un cincuenta por ciento algo visual y en el otro cincuenta música. Nada es más importante que lo otro, va completamente unido. En muchas ocasiones nuestras canciones han nacido de una obra de arte, imágenes y vídeos musicales con un marcado imaginario detrás. Nunca sucede al revés. Oskar es el gran cerebro visual, ya que ha creado todos los carteles de nuestros conciertos y ha codirigido y editado todos los vídeos

«Richard X es, junto a Damon Albarn y Vangelis, una de las personas que más admiro.» equipo creativo de Lady Gaga les llamó para remezclar «Alejandro». «No me acuerdo muy bien de cómo fue todo, pero sí fue un halago que contasen con nosotros. Siendo sinceros, nunca nos ha gustado mucho la original. Por ello, quisimos darle una nueva oportunidad al tema, dotándolo de unos buenos bajos analógicos». Observando las fotografías promocionales y los clips que hasta la fecha han presentado (mención especial merece «Magic», protagonizado por dos niños españoles que viven en un hipotético spin-off de «Dónde viven los monstruos»), nos sobrevuela una duda: qué pesa más en ellos, ¿la música o la estudiada imagen que proyectan?

Stefan nos da la respuesta. «Para nosotros

promocionales». Llegados a este punto en el que muchos les comparan con los sobrinos de Pet Shop Boys o una versión más melodramática de Monarchy—a pesar de que ellos se desmarcan de este último parecido al afirmar que «aún empleando sintetizadores, somos bastante diferentes a ellos»—, el tiempo nos dirá si estos dos zagales consiguen convertirse en un referente del pop sintéticamente épico de nuestros días. a Sergio del Amo

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En la maleta Nacho Ruiz Sin duda uno de los Dj’s más emblemáticos de Barcelona, Nacho ruiz lleva más de una década protagonizando eclécticas sesiones de indie en la sala sidecar, plagadas de piruetas que consiguen mantenernos en danza en todo momento.

(( ¿Qué disco nunca falla en una sesión

tuya? Eso va a épocas. Pero, por lo general, no hay un disco que nunca falle. No tengo discos fetiche, aunque algunos sean recurrentes. (( ¿Qué es lo que más te gusta y lo que más

odias de otros Dj’s? Dando por sentado que me debe atraer la propuesta musical, en un DJ admiro su técnica, el beat matching, la sorpresa.

Deberíamos empezar a diferenciar entre Dj’s y selectores musicales. Poner un puñado de temas, uno tras otro, ya lo hace un iPod. Y para nada infravaloro una buena selección musical. (( ¿Hasta qué punto es importante que la

(( ¿Recuerdas alguna anécdota especial

a lo largo de tu carrera como Dj? Bueno, ¡recuerdo varias peticiones surrealistas! Por ejemplo, la típica situación en la que alguien te pide un tema del grupo que está sonando en ese momento. Eso es un clásico. (( ¿Alguna vez has perdido o te han roba-

do los discos? Sí. Por suerte, las copias de seguridad evitan perderlos del todo. (( ¿Qué opinión tienes de la relevancia

que se le da en la actualidad a los Dj’s?

Supongo que se le ha de dar la relevancia que corresponde al porcentaje de público que va a los locales atraído por la propuesta musical. (( ¿Qué opinas de los músicos que pinchan?

Que es totalmente compatible, se puede ser buen Dj y buen músico. Ahí están Soulwax, por ejemplo. Que algunos cuantos músicos, aprovechándose de su fama, sean contratados para poner canciones aunque no tengan ni idea de pinchar, no es ninguna novedad. Y qué quieres que te diga, las salas que siguen esa filosofía sabrán lo que se hacen. Por mi parte, prometo no subir a un escenario con una guitarra. (( ¿Cuáles son tus Dj’s actuales favoritos?

Legotheque es mi favorito. Tiene una técnica impecable y me encanta lo que pincha. Siempre sabe lo que lleva entre manos. (( ¿Bebes o haces cosas malas mientras

estás pinchando? Yo no hago cosas malas. (( ¿Cuántos discos sueles comprar en

un mes? Todos los que puedo, pero siempre menos de los que me gustaría.

El triunfo de la basura blanca

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gente baile más o menos para cambiar la línea de tu sesión? Un DJ no pincha para si mismo. Si la gente no se mueve, se sufre en la cabina. Así que, desde ese punto de vista, es vital. Está claro que hablamos de cambiar la línea siempre dentro del abanico musical que cada uno abarca.

Die Antwoord Del gueto más podrido de sudáfrica a codearse con la jet set de Hollywood. tres años después de su irrupción a base de hip hop burro y electrónica de garrafón, Ninja y Yo-landi Vi$$er regresan con «Ten$ion». por el camino, el grupo se ha peleado con su antiguo sello (el todopoderoso «Interscope»), pero su propuesta no ha perdido ni una gota de su grotesco encanto.

Al igual que sucedió con otros hypes recientes, como los raperos nihilistas del colectivo de Los Ángeles Odd Future o los chavales de Manchester WU LYF y su rock oscuro, mucha gente pensó cuando vio por primera vez a Die Antwoord que aquello no podía ser real. «¿Dónde está el truco?», preguntaban los sesudos críticos musicales al ver en 2009 el videoclip de «Enter The Ninja». Aquel documento, hoy con casi once millones de visitas en YouTube, presentaba en sociedad a Ninja y Yo-Landi Vi$$er, dos productos de la white trash más tirada de Ciudad del Cabo (Sudáfrica). Tres años después, y gracias a su poderosa imagen y al indudable gancho de su propuesta musical —un pastiche de hip hop burro, electrónica de garrafón y exotismo vía M.I.A—, el grupo se ha colado en todas las rendijas cool de la industria. Así, en la última edición del festival de Austin South By Southwest se presentó «Umshini Wam–Bring Me My Machine Gun», un hilarante corto de dieciséis minutos rodado por el enfant terrible, guionista y cineasta estadounidense Harmony Korine y protagonizado por la pareja sudafricana. Por su parte, Yo-Landi estuvo a punto de encarnar a la heroína cyber− punk Lisbeth Salander en el «Millenium» de David Fincher. Die Antwoord vuelven este año a la carga con «Ten$ion», continuación de su polémico debut «$O$» (2009). Hablamos

con los dos cerebros visibles de la banda (que se completa con DJ Hi-Tek, tercer miembro a la sombra), en una conversación telefónica desde Johannesburgo. «¿Sabes qué? Todo lo que se ha dicho sobre nosotros nos hace mucha gracia?», asegura Ninja en un inglés demencial (en la intimidad ellos hablan afrikaan). «Al principio decían que éramos un producto de marketing y ni siquiera sabíamos lo que eso significa. Yo-Landi y yo llevamos en la música desde hace muchos años, pero nuestros proyectos anteriores sólo eran experimentos para llegar a La

«Nos dijeron que teníamos que cambiar algunas canciones... Fue la última vez que nos vieron la cara.»

Respuesta (lo dice en castellano, pronuncia “Rispoesta”). Ése es el significado de Die Antwoord. Cuando empezamos tardamos año y medio en preparar todo. Algunos colegas nos dejaron pasta y otros desconocidos nos ofrecieron financiación a través de Internet». (Yo-Landi) «Ahora somos poderosos.

Nadie nos va a parar y seguiremos siendo nosotros mismos. Cuando una revista de

moda viene a hacernos fotos se empeñan en peinarnos y vestirnos con cosas raras.

Nunca les dejamos, porque nuestra imagen no se toca». Ficción o realidad, lo que está claro es que esta extraña pareja es mucho más lista de lo que aparenta en las grabaciones que se pueden encontrar por Internet, en las que siempre aparecen fumados, semidesnudos y rodeados de ratas. Ellos son los responsables de toda la parafernalia que rodea al grupo —web, estética, letras, música— e incluso han mandado a freír espárragos a la poderosísima compañía que editó su primer disco, Interscope (50 Cent, Eminem, Madonna). (Ninja) «Cuando les entregamos la copia final de “Ten$ion” nos dijeron que teníamos que cambiar algunas canciones y darles un toque pop y otras mierdas más. No nos lo pensamos. Fue la última vez que nos vieron la cara. Joder, tío, ¡esa gente no se enteró para nada de lo que significa Die Antwoord!

Al final sacamos el disco en nuestro propio sello, Zef Recordz». Les preguntamos cómo ha sido la experiencia de ir a Estados Unidos de promoción. «¿Has probado alguna vez el ácido?», suelta Ninja, que se responde a sí mismo. «Yo sí, una vez cuando era pequeño. Te hace sentir desorientado y confuso.

Todo lo que sucede a tu alrededor parece irreal. Pues bien, así es como nos sentimos durante el tiempo que estuvimos allá». (Yo− Landi) «Fue un sueño, porque conocimos a David Lynch. ¡Es nuestro ídolo! Y nos invitó a su casa a tomar un café. Lo primero que le dije fue: “¿Te puedo llamar “papá” (en castellano)?”.Y él dijo: “Claro, eso me encantaría”». (Ninja) «Hablamos sobre el vídeo de “Enter The Ninja”, la meditación trascendental, Mike Tyson y sobre árboles. Le gustan mucho los árboles». a José Fajardo

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Mondolatino: Qué suena al otro lado del charco.

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Fuera de sus propias mentes Fire and Reason Saona, junto con su socio Steve, tiene el potencial de romper con electro-rock a través de la corriente principal, que «Podría dar a los Ting Tings un plazo para su dinero.» Tem aborepe lluptur? Quatat.Met molupist odit mi, et aditian quis aute et quatendis a dolupta eceatem repta con et ipsandis cone corem. Paruptatum sus aligendant, num quibearumqui que voloreperit ipsaper eicipis ma.

Para aquellos que quieran la receta TFAR: tomar una parte de Brasil, añadir una cucharada colmada de Williamsburg, y un trozo grueso de Ecuador.

Agitar y poner al fuego y se cocina hasta convertirse en propia Nueva York, El Fuego y La Razón. Es Funk Baile con algunos pantalones de tiro bajo y jet-set internacional, por encima. El Fuego y La Razón / TFAR son un dúo formado por el cantante de Bella Saona y el guitarrista, DJ / latido del hombre Steve Narváez.

Time Out Chicago dice: «La cantante, Bella Saona tiene esa cualidad de estrella sin esfuerzo que vuelve la habitación en llamas. Saona, junto con su socio Steve, tiene el potencial de romper con electro-rock a través de la corriente principal, que “Podría dar a los Ting Tings un plazo para su dinero.”» 2010 trae la explosión misma que dejó fuera a 2.009 cuando el dúo hizo su debut en la televisión que chisporrotea en los premios NewNowNext, donde habían sido nominados y ganó AL BORDE de la Fama (el mismo premio que Lady Gaga ganó el año anterior) y que se emitió en la televisión LOGO (MTV/Vh1Networks) más de 50 veces.

Períodos incluyen sala de estar de NY Mercurio, Salón Webster, Cinespace en Los Ángeles con Steve Aoki, WMC 2010, los teloneros son planificados con los Dragonettes, La Roux, los cascabeles y mucho más. Además, no os sorprendáis al escuchar sus canciones en algunos de sus programas favoritos

de televisión y películas nuevas, ya que se están convirtiendo en las preferidas con sus nuevos giros melódicos ritmos retumbantes contra (Echa un vistazo a su música en la ciudad, de MTV Para mostrar, gossip Girl, Girls Susa sundis quia non porum alitatur sunte nisquis voluptatur, quam et ex estius eatures sectior rovitatam quunt. Hiligent officie nderrovitate ne excepta comnim faccus mo quam et ut ate conse nosameture dolupta sit, solor re et quassimus, aute non cone perumquatus solorehenda sit, sequidis eaque moluptate voluptat aligendestis aut qui blam, ut unt aspera doluptat pediatqui delestiur alit, eaquat lique audipienit et, qui blaborporem dus dolupis

«Bella Saona tiene esa cualidad de estrella sin esfuerzo que establece la habitación en llamas.» quatem cusdame earumque pro enda aciisque vendest fuga. Ut ommolup tatur, omnis delist, ulliatet il eosaess imusciae ne delest, ut que rem inctur simod eic tet quo omnihit, sum nesti cum ium que dest ero qui tem ut estrum voloribus in poris nonecatur as eliatibus doluptaquas pla non eos alictotam vit magnis aut quibusandis es ni tes numqui reprovitiata quibusanda dolut et occum restrum comnis voleceprorem quatqui is sum nusanda estrum isquat quo ommosant fugias reicabo. Itate rem que occusciis dolest occaerunt voloris sapissum doluptae proriam latet il intur, si tem id que susaessition nihiliquis qui unt re nonse-

que nesequae vendelia suntem estius aut qui ra sequi bla quae vidi te platur? Ebissi beatet ditate dolum fugia quibusa nonsed utet optate pa veribus sum sam fugias delia sit ut atquodisti disque es iur amuscip sanihilitiis dolutet volorunt illabo. Onsequi sani necerates magnatus, omnimai ossitas as il inullum quas conseque adia corepres esto cusam ipistios arciaspera eat fugiation es aceaqui corumqui con reptatenis simin pa qui corem reptassimus earchillis re velist, volupictus atureped quat perum, consentis ditiusam venis des a que perunt et apelibus, ut omnitatet experum aligenda volupta eptaque labori berions ecatem aut eaquo tempore evenem autem prae.

Nem dolorum, sitius, il ipide num liquam id qui doluptatia quamenduciam fugiam sit audis repuditatiae sima quat fuga. Ehenduc itaquam faccum volore sit, sim fugita dolor aut et, ut quame esed modipsant am, que non ea dolutent as qui nusam eos auda voluptia dersperum et pro to magnat il id quia id es vel incto essi dolorae ceperecea consend itates eici voluptas dit, quam harum repeles et omnis el mos sed quia nonsequ idignam hicienist latur sint. Harumquiaipsam soloriti accaes volorro rersper ferit, quo que nonsed mollut debis verum endit esequunt. Erae nulparc hiciatiam re exped mo ma consequ ationsedit qui cus.

Undis aturess ecerum autem velit mod ut voluptas dolorro molentem rerundist, odiste eatem utectiaspe dolore incimolo ma doluptae. Et hicilla borrum, ad quaestius dest, quam ut lam idus sequo bearchitem vollumqui is dolum simuscipsum verferiam ut aped expero tem. Iquibusa sinusciaesto vellam, sendis ut alitibus esedit poriatur?

Quis que in eat rerum ea dendemqui rehenihit ulligni hitatureped maio explitatur?

Equident volupta a José Fajardo

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The Maccabees

Desgarro emocional Las decisiones más arriesgadas son las que te dejan sin apetito, sin uñas que morder y con la constante duda de si lo habrás echado todo a perder. Hasta que te despiertas una mañana con la certeza de que grabar un disco como “Given To The Wild” era lo único que podías hacer.

«Queríamos componer un disco totalmente distinto a lo que teníamos; sumergirnos en las profundidades del sonido.

A medida que íbamos grabando surgían piezas aleatorias que nos gustaban y decidimos mantenerlas, así que la mitad del proceso de grabación fue espontáneo», asegura Orlando Weeks, líder de The Maccabees. «Given To The Wild» se aleja del pop guitarrero con el que se presentaron en sociedad, para facturar canciones mucho más vaporosas, fluidas y sutiles que reclaman una actitud activa del oyente. Energía contenida lista para estallar en el momento señalado, auspiciado por la eficiente producción de Tim Goldsworthy (Unkle, DFA). «Tim aportó un montón de equipo y entusiasmo a las sesiones. Terminamos usando todos los archivos que grabamos, bien fuera para editarlos, regrabarlos o hacer overdubbing». Canciones impolutas, incluso demasiado, que transpiran ambición y riesgo, en una ecuación que sitúa a The Maccabees en el siguiente nivel. «Es difícil recrear el entusiasmo o la energía de tu debut en trabajos posteriores, pero no creo que hayamos perdido frescura por tener un sonido tan limpio. Nuestros fans son muy leales y siempre nos han permitido experimentar y siguen estando ahí».

Una libertad que se tomaron al pie de la letra cuando presentaron varios de sus nuevos temas todavía en estado embrionario en festivales de verano. Canciones lentas, pacientes, poco agradecidas ante este tipo de eventos, de casi seis minutos de duración —«Forever I’ve Known»— y todo esto, en plena actuación en Reading & Leeds, por poner un ejemplo. Podría haber sido una caída libre en picado, pero la cosa cuajó.

La respuesta del público fue mucho mejor de lo que cabría esperar. Era la prueba de fuego y el último empujón que les faltaba a The Maccabees para apostarlo todo al trece.

El mismo número de canciones que tiene el disco (o piezas como la banda prefiere denominarlas), capaces de intercambiar guiños con bandas como Foals, Bon Iver o Sigur Rós. «Foals nos parecen una banda increíble en directo. Sí que creo que hay similitudes con ellos, aunque hace mucho que no escucho “Total Live Forever”, su último disco», confiesa Weeks. El líder del grupo, enigmático y apasionado del arte, tira de delicados falsetes en más de una ocasión, que bien le podrían confundir con un hermano pequeño de Bon Iver —«Grew Up At Midnight»—. Pero su voz, aparentemente quebradiza, transmite la convicción y la apuesta sobre este nuevo trabajo que sus declaraciones corroboran. No han inventado la pólvora, que nadie se confunda, pero dejan atrás la categoría de segundones y van bien encaminados. Los de Brighton nunca acapararon demasiadas portadas ni números uno con sus dos discos anteriores, crecidos a la sombra de compañeros de generación mucho más exitosos como Bloc Party, Arctic Monkeys o The Kooks. Sin embargo, en un momento de virulencia máxima de los iconos hype, en el que aborrecer o ensalzar a los artistas parece la única opción viable, no haber estado sobreexpuestos puede ser incluso una bendición. «Nos ha ayudado mucho el no haber sido nunca un grupo de moda.

Seguimos dando lo mejor de nosotros.

Y el hacerlo honestamente y poder tener esa opción, es clave para llegar hasta aquí». Quizá por ello ahora puedan sentirse cómodos protagonizando la portada de una

revista como la NME o ser considerados una de las bandas de este 2012. «"Given To The Wild" presta especial atención a los detalles y al trabajo en equipo. Así que cuando lo terminamos, sabíamos que habíamos conseguido algo de lo que, al menos, estar orgullosos. Mientras nos sintamos así, no nos preocupan las altas expectativas que se generen a nuestro alrededor. Es la primera vez que se habla de nosotros de esta manera, ¡habrá que ver qué pasa! No es que la prensa nos tuviera olvidados, sino que hemos dejado atrás inseguridades y otras influencias y nos encaminamos hacia algo. Espero que la

los temas más honestos que jamás hemos escrito». Las letras evolucionan en sincronía con la música, dejando atrás los lamentos del amor perdido, los besos con sabor a pasta dentífrica y la irreverencia juvenil, para dar paso a las dudas que surgen a las puertas de la edad adulta. Porque The Maccabees eran un grupo de amigos, entre ellos dos hermanos, que se preocupaban por escribir canciones, conseguir a la chica de turno y aprobar los exámenes. Pero un día, regresas de una extensa gira y ¡oh, sorpresa!, te encuentras con tus colegas convertidos en papás, con hipotecas y otros sueños más terrenales. ¿Cómo ha pasado el tiempo tan

«Reconocer que algo es ridículo no tiene que significar que no sea importante.» gente que creyó en el grupo desde el primer momento, ahora se sienta vindicado por donde estamos». ¿Y qué opinarán esos mismos fans si las predicciones se cumplen? ¿Si The Maccabees —al igual que les pasara al cuarteto más famoso de Sheffield—, pasaran de tocar en salas de mediano aforo a llenar estadios? «Given To The Wild» tiene potencial para subirles de división y puede suponer un plus para los de Brighton. Si tenemos en cuenta la manera en cómo han gestionado su carrera hasta el momento, toca ser optimista. Aunque a más de uno a veces le reconcoma que su banda triunfe a esa escala, en el fondo uno no puede sino alegrarse. Los que hayan escuchado tanto su debut, «Colour In It», o «Wall Of Arms», encontrarán algo de ese pop más directo, simple y efectivo en su tercer disco, de la mano de «Pelican». «Nuestra intención era crear una atmósfera y en un momento dado, construir una escalada de sonido.

“Pelican” es el principio de esa subida, el inicio de la cara B. La compusimos al mismo tiempo que las demás y es uno de

deprisa? Fruto de ese ejercicio de observación, surgen estrofas como esta: «De golpe te das cuenta que somos demasiado viejos para continuar/tenerlo todo y todavía querer más/lo único seguro es que nos hacemos mayores». Y ya sea porque Weeks y compañía han volcado y exprimido todas sus emociones en este álbum o porque la flema inglesa no les permita hablar de sus sentimientos, el músico pasa de puntillas sobre cualquier pregunta personal relativa al disco.

«Solo espero que dentro de diez años pueda sentirme tan orgulloso de "Given To The Wild" como me siento ahora. Que este haya sido el inicio que marque el nivel del resto de los discos que queremos grabar.

Hemos aprendido mucho en cuanto a producción juntos casi todo el tiempo, lo que ha hecho que sea una experiencia intensa, pero también muy agradable». Respuestas casi aprendidas y un tanto estándar, que no restan importancia al hecho que el nuevo disco de The Maccabees hará explosionar una parte de tus entrañas. Marta Terrasa

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Sureños y guadianescos Grupo de Expertos Solynieve Tras alcanzar por sorpresa un éxito comercial y una repercusión mediática a los que no parecía destinado, James Mercer reescribe el futuro de The shins en “port of Morrow”, en el que reaviva las maravillas de su anterior álbum ahora ejerciendo total control sobre el proyecto y ayudado por el productor Greg Kurstin.

«En realidad no ha sido tanto tiempo», comenta James Mercer al otro lado del teléfono. Han pasado cinco años desde la publicación del último disco de The Shins, «Wincing The Night Away» (Sub Pop), con el que el grupo consiguió un inesperado éxito. Casi de la noche a la mañana, una banda que desde su debut con «Oh Inverted World» (Sub Pop) parecía destinado a ser por siempre jamás el favorito de solitarios crónicos e introvertidos amantes del pop con el corazón quebradizo, se convirtió en

«La paternidad te hace temer con mayor intensidad la oscuridad de la vida.» un fenómeno cuyos números bordeaban el mainstream. El éxito lo cambió todo: la intensa gira posterior dañó las relaciones entre los miembros de la banda, con Mercer asumiendo buena parte del trabajo de promoción y sintiéndose cada vez más exhausto. Fue entonces cuando conoció a Brian Burton, Danger Mouse, y la pareja decidió embarcarse en el proyecto conjunto Broken Bells. «Brian se encontraba en una situación similar.

Ambos teníamos ganas de probar cosas nuevas. Me hubiera gustado publicar el álbum antes, pero justo ahora hace un año terminábamos la gira de Broken Bells.

De hecho, fue el momento en que entré en el estudio y empecé a trabajar en estas canciones. Necesitaba un descanso de The Shins y me lo tomé. Espero que la gente pueda perdonarme», bromea. «Y también he sido padre, y cuando tienes una familia el tiempo vuela de verdad», se ríe.

En cualquier caso, los cinco años de espera y que la salida del grupo de Marty Crandall, Dave Hernandez y Jesse Sandoval oficialice el control absoluto de la marca The Shins por parte de Mercer, resaltan la condición de nuevo comienzo de «Port Of Morrow». Incluso el

título —«Puerto del mañana»— suma. Mercer se ha comprado un nuevo cuaderno, de la misma marca y modelo que el anterior, pero lleno de páginas en blanco. «Después de la gira de “Wincing The Night Away” mi relación con la banda se había hecho bastante difícil. Fue realmente agotador. Intentamos lidiar con ello lo mejor que pudimos. Creo que no hay nada que reprocharse, pero me sentía algo abrumado por todo lo que sucedía a nuestro alrededor y la relación con el resto del grupo se resintió. Cada vez me costaba más contagiarles el entusiasmo que yo sentía que debíamos compartir. Llegó un punto en que nadie estaba a gusto, así que era lógico cambiar». A pesar de ello, Mercer sigue en contacto con sus antiguos compañeros y Crandall y Hernandez han participado en el nuevo disco. «En la gira de Broken Bells disfruté mucho de la libertad que suponía trabajar con gente diferente», explica él. «Es realmente enriquecedor que gente con puntos de vista diferentes partícipe en el proyecto. Dave y Marty todavía forman parte de él aunque de otra forma y es probable que incluso toquen en algunos conciertos. Lo que sucede es que me gustaría que The Shins dejaran de ser algo ceñido y estático y sea algo así como un colectivo de gente formado por mis amigos y músicos que puedan ayudarme a hacer los mejores discos posibles». De hecho, el cambio en la alineación titular no ha supuesto alteración alguna en el sonido del grupo. Producido por Greg Kurstin, quien ha trabajado con artistas que van de Kylie Minogue a Peaches y de Red Hot Chilli Peppers a Beck y Foster The People, «Port Of Morrow» no es muy distante del anterior trabajo del grupo. Se intuye, en cualquier caso, que Mercer se ha preocupado de amarrar una consistente colección de canciones antes de dar por listo el disco. «Empezamos con unas veinte y terminamos con doce», explica, desmontando en parte mi teoría de que cinco años le han permitido tener más material entre el

que escoger y dedicarle mayor tiempo a cada tema. «En realidad tengo cierta tendencia a perder el tiempo y termino las canciones en el estudio. En parte porque cuando empiezas a grabar ves las cosas desde otra perspectiva. Además, Greg es un gran instrumentista y un teclista prodigioso y ha participado muy activamente en el proceso creativo, así como todos los músicos que han formado parte en las sesiones. Pero sí, es cierto que estoy muy orgulloso del disco y de las canciones. Desde el principio sabía que debía ser un gran ábum y creo que es el que mejor suena de nuestra carrera, y también que algunas de estas canciones son las mejores que he escrito hasta la fecha». Al menos lo es «Simple Song», avance del álbum colgado en Internet a principios del pasado mes de enero, mientras el resto del largo transmite una evidente sensación de plenitud. La pregunta es si eso será suficiente para contentar a los seguidores, cuyas expectativas pueden verse condicionadas por la larga prórroga, y a una blogosfera cuya influencia se ha multiplicado por mil en estos cinco años. «Evidentemente, me alegra saber que la gente tiene ganas de escuchar el disco», comenta Mercer. «Pero no sé de qué manera pueden afectar las expectativas a su forma de valorar el álbum». Incluso da la sensación de que la recepción del disco no le preocupa demasiado. Al fin y al cabo, si algo inspira «Port Of Morrow» es la nueva vida del líder de The Shins, instalado en Portland des-

«Me gustaría que The Shins dejaran de ser algo ceñido y estático.» de hace años, con una mujer e hijos. «Tengo una nueva vida ahora, una existencia doméstica de la que disfruto de verdad. Tener hijos cambia tu forma de ver el mundo, la forma en que percibes las cosas y tus valores. La paternidad te hace temer con mayor intensidad la oscuridad de la vida en este mundo. Comprender que la vida es algo muy frágil y que debe ser protegido».

Y si bien ese temor ante el conflicto inspira la inicial «The Rifle’s Spiral», la mayor parte del álbum suena esperanzado y plácido incluso en sus pasajes más tristes. «El título del disco tiene múltiples significados. Evoca ese

mañana hacia el que todos queremos ir, pero también puede ser una metáfora de la muerte, como cruzar el río Estigia en la mitología griega, el lugar donde desembocan nuestras vidas y todos nuestros futuros se encuentran». Mercer responde a mis preguntas desde ese nuevo hogar. En los últimos años, Portland se ha convertido en un semillero de nuevas bandas —Sallie Ford & The Sound Outside— y lugar de residencia de otras —sus vecinos Modest Mouse, con quienes participó en su último trabajo, y Wild Flag—, así que no extraña que el líder de The Shins alabe la escena musical de la ciudad.

«Ha florecido en los últimos años, hasta el punto que hay gente que se muda aquí para formar un grupo. Hay un ambiente increíblemente receptivo y mucho público, y lo mejor es que una buena parte de ese público que va a los conciertos son músicos a su vez y se apoyan unos a otros.

En otras ciudades, por ejemplo Nashville, es también muy probable que la mayor parte del público sean músicos, pero su actitud es muy diferente, como si tuvieras que superar un examen. La actitud aquí es totalmente diferente». Ambos amamos a Carrie Brownstein —ex–Sleater Kinney—. «Es muy amiga mía», comenta. «Por ahora no pienso tener más hijos», bromea él cuando pregunto si los seguidores del grupo deben empezar a acostumbrarse a la idea de que pasarán varios años entre disco y disco de The Shins. «Espero que no tanto como en esta ocasión. Quiero volver a trabajar con Brian en Broken Bells así que el plan es salir de gira durante un año con “Port Of Morrow” y luego terminar el nuevo disco de Broken Bells, que de he cho está casi listo; a continuación supongo que saldremos de gira y entonces volveré a pensar en The Shins, aunque espero ir componiendo nuevo material por el camino». Mercer aprovecha para ofrecerse a algún festival español de cara al verano. «Con Broken Bells actuamos en Benicàssim y lo pasamos realmente bien.

Me encantaría volver pronto». Pensándolo bien no estaría mal disfrutar de su música esta próxima temporada. Al fin y al cabo sus canciones siempre ha combinado bien con las promesas del estío, el mar y el anhelo de nuevos puertos. Joan Cabot

Discografía Oh, Inverted World | a a a a a

Port Of Morrow | a a a a

(Sub Pop, 2001) Sigue siendo uno de los debuts más infravalorados de la pasada década. en él los de nuevo méjico dejaban claro que lo suyo era el pop de guitarras cristalino de poso agridulce. canciones como «Caring is creepy» y «New slang» siguen estando entre las mejores de su carrera, y ya dejaban claro el carácter torturado de mercer. a recuperar con urgencia.

(Aural apothecary/Columbia, 2012) El esperado retorno tras cinco años de espera con una formación renovada —entre ellos el ubicuo richard swift— en la que solo repite James mercer como director de orquesta. Un nuevo inicio para la banda en la que abrazan el power pop de finales de los setenta —Cheap Trick— y el aor más exquisito (10cc) para firmar su disco más accesible en todos los sentidos.

Chutes Too Narrow | a a a a a

(Sub Pop, 2003) Es el trabajo que les convirtió en el grupo estrella de sub Pop, de hecho es uno de los discos más vendidos de la historia del sello. aquí James mercer empieza a abandonar las influencias estadounidenses — Big star, rain Parade— para abrazar referentes británicos —XTC, Felt— melodías soleadas y textos cortavenas se citan en un álbum de pop pluscuamperfecto.

Wincing The Night Away | a a a a a

(Sub Pop, 2007) En 2004 The shins se convierten en un grupo fenómeno gracias a la película «Algo en común» y la famosa escena en la Natalie Portman le deja unos cascos a Zach Braff para que escuche «new slang». Tres años después, un mercer incómodo con la fama se saca de la manga un disco de mensaje críptico, pero que aun mantiene intacta la inspiración pop. Incomprendido.

Broken Bells | a a a a

(Columbia records, 2010) Proyecto firmado al alimón con Danger mouse, el debut de Broken Bells cumplió las expectativas de unir al genio del pop de guitarras actual —Mercer— con el trilero de la música negra más cool de los últimos años —Mouse—. Ennio Morricone, The cure, gang of Four y The Beach Boys, entre otros, se citaban en un disco al que siguió un notable EP—«Meyrin Fields»—. a

Xavi Sánchez Pons

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Black XS Fiestas demoscópicas de Mondosonoro Sala: diversas salas Fechas: del 3 al 10 de febrero Estilo: diversos Público: lleno Promotor: mondosonoro

No nos podemos quejar. Un año más las Black XS Fiestas Demoscópicas de MondoSonoro han sido un éxito de público, y por supuesto una nueva demostración de que la cantera de lo que será el futuro de nuestra escena independiente tiene calidad para dar y vender. No ha habido decepciones apenas y sí conciertos que deberían dar mayor relevancia, visibilidad y atención por parte de terceros a sus protagonistas. Algunas salas han reventado su capacidad dejando a buena parte de la gente interesada en la calle (desde aquí nuestras disculpas), lo cual no hace sino subrayar el creciente interés que continúan atesorando nuestras fiestas a lo largo y ancho de la geografía nacional. Abrimos fuego con la Demoscópica de Valencia, que se celebró el viernes 3 de febrero en la Sala Matisse.

Según nuestra redactora Vanessa Prado, “Trinidad confirmaron con creces por qué están en boca de todos y por qué su propuesta se distancia de la del resto de bandas del panorama local. Más allá de etiquetas la cuestión es que son los autores de unas canciones bien elaboradas, con melodías poderosas, guitarras afiladas, unas voces muy personales y una puesta en escena contundente y visceral”.

Pero no estaban solos; les seguían el sexteto Pretty Becky y su “brit pop made in Valencia, que puso a bailar a sus incondicionales con la energía que les otorga su juventud y sus ganas de convencer. Una banda con proyección que ya el año pasado sorprendió por su brío en la final del MTV Winter”. Como invitados especiales se contó con el dúo madrileño, afincado ahora en Valencia, Dwomo, quienes “supieron desplegar su arsenal escénico e imaginario para ofrecer un concierto de hard folk, como ellos lo denominan, con un repertorio variado de sus temas, algunas covers y

su habitual y teatral puesta en escena”. Para dirigirse a la segunda fiesta, hubo que abandonar la península y aterrizar en La Laguna (Tenerife). El responsable de la edición, Job Ledesma, alababa la ágil escena local y resumía lo que había dado la noche con adjetivos como “preciosa y emotiva”. Por una sala abarrotadísima pasaron Bel Bee Bee (“Belén va a ser grande. Solo tiene dieciséis años, esa voz, esa capacidad compositiva, esas tablas, esa osadía de artistaza de arreglarse de manera especial para el directo, ese cantar mirando a los ojos de la gente y trescientos cincuenta corazones conquistados ante una artista de la que se hace imposible calibrar un futuro”), Holy Disgrace (“Guillermo Pérez lo tiene claro con este proyecto: electrónica y contundencia, simplicidad compositiva y grandísimas canciones”), El Faro (“aman tanto la música que representan, ese indio patrio de Señores Chinarros y Planetas, que exudan actitud... son la definición del all in que debe ser el póquer de las Demoscópicas”) y Victoria Marso (“serios y profesionales a pesar de su juventud, rock emocional, desde Radiohead hasta Standstill, pero pasos también hacia ese terreno propio y personal al que poco a poco van llegando”).

Anticipándose al siguiente fin de semana llegó la Demoscópica de Madrid, celebrada el jueves 9. Un montón de gente en la calle, la sala hasta la bandera y un nuevo resultado satisfactorio en lo artístico. Enrique Peñas así lo reflejó en una crónica que empezaba hablando de los invitados especiales, El Columpio Asesino: “Las caras de satisfacción tras su actuación revelaban sin duda que los navarros habían estado bastante más finos que en anteriores visitas, convirtiendo sus cuchillas en firmes y dañinos navajazos”. Pero, como solemos decir, los verdaderos protagonistas

de las fiestas son los grupos demoscópicos, así que hablemos sobre ellos. Empecemos por Calimä, quienes meses atrás habían teloneado a Emeralds. “Abrieron con el ambiente todavía algo frío y mucha gente entrando a la sala, sorprendiéndose ante la puesta en escena del dúo madrileño. Está ahí el influjo de Animal Collective, Holy Fuck, Caribou e incluso a los Fuck Buttons menos agresivos”, subrayaba Peñas. Les siguieron Dolores, una de las bandas madrileñas revelación de la pasada temporada. “Unos días después de su presentación en Siroco, su paso por las Demoscópicas rubricó que la repercusión de su debut no es fruto de la casualidad. Pop-rock que se mira en los ochenta de The Cure o Parálisis Permanente, pero también en la vieja escuela del indie de los noventa”. La cosecha demoscópica se cerraba con Bravo Fisher! acompañado para la ocasión por Daniel Prieto, de Niño Burbuja). Sobre su actuación, Peñas comentaba: “tuvo que lidiar con no pocos problemas de sonido, especialmente en el tramo final, pero demostró haberse despojado de la indietrónica inicial (de la que aún hay rastro, pero menos) para centrarse en un techno-pop bailable y desenfadado”. Plantándonos ya en la noche del viernes, empezamos disfrutando en Barcelona con la actuación de L’Hereu Escampa, un dúo que destila energía a raudales. “Acostumbrados a ratoneras, garajes y sótanos, no tuvieron problemas para llenar el espacio mayor al que se enfrentaban.

Lo hicieron a base de gritos desgarrados, guitarras, melodías casi tarareables y una batería de impacto que nos dejó boquiabiertos en más de una progresión. En conclusión, entender a L’Hereu Escampa como una especie de Japandroids a la catalana es maniqueo; el tiempo lo dirá”, comentaba Yerai S. Iborra

al respecto. A Doble Pletina les tocó el difícil papel de hacernos olvidar el vendaval que se había desplegado minutos atrás sobre el escenario. “Sin pretensiones y sin engañar a nadie, los barceloneses ensoñaron con ‘Música para cerrar las discotecas’ y jugaron sus cartas pop”. A continuación, Boreals ofrecieron una puesta en escena más ensoñadora y con proyecciones respaldando su “electrónica de mínimos, primaria unas veces, martilleante otras, con una tímbrica cuidada y sin hacer feos al baile, guitarras gripadas o melodías contundentes. Trajeron a la noche locura cósmica”. En Barcelona, El Columpio Asesino volvió a convencer, agitó a la audiencia y la enloqueció sobre todo con su hit “Toro” y su versión del “Vamos” de Pixies. Celebrándose en paralelo a la fiesta de la Ciudad Condal, las Demoscópicas de Cádiz contaron con los granadinos Delapica, los gaditanos Amnesia y los malagueños La Cena. Para Fátima Vila, “Delapica reivindicaron la herencia flamenca y dar una clase magistral sobre quién es quién en los barrios pijos de Granada. Los chicos de Amnesia jugaban con ventaja en campo propio y traían algún groupie de serie que se hacía notar en la pista de baile”. En cuanto a La Cena, cerraron “brillantemente la noche y aunque no dieron de comer a la boca si alimentaron a un público que disfrutó de sus letras poperas y de sus canciones con alma de hit”.Y hasta aquí la primera mitad de lo que han dado las Black XS Fiestas Demoscópicas de MondoSonoro. Porque la cosa no acaba.

Tras este primer bloque, otras ciudades como Zaragoza, Oviedo, Bilbao, Santander, Burgos y Pontevedra han contando con sus propias Demoscópicas. Esperamos que todos las hayais disfrutado como nosotros lo hemos hecho. a Ernesto Bruno

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Adanowsky

Que haga frío en invierno es previsible. Lo mismo que ver a Adanowsky triunfar entre sus incondicionales. Nada nuevo bajo el sol aunque siempre es de agradecer ver a un artista que se sale de lo convencional, entre freak, cantautor o narrador de batallas en forma de breves historias no exentas de surrealismo entre tema y tema. Como cuando visitó a Devendra Banhart en su casa y, curioseando entre sus libros de mística se topó con el envoltorio de un condón reciclado en forma de marcapáginas. Muy ecológico, sí, pero muy freak también. Esta anécdota propició una conexión entre ambos artistas que acabó, minutos después, codo con codo componiendo un tema.

“You Are The One” sería el tema escogido para cerrar la noche por todo lo alto. Pero no nos desviemos. El show de Adanowsky viene a ser como un manual del cabaret del rock, donde aparecen todos los clichés que espera uno encontrarse en el genero.

Pantalones pitillo, bailes a lo James Brown, gritos agudos, guita rras bailonas, comunión con el público y un montón de historias surrealistas que acrecientan la leyenda del artista. “Amador” es un disco con mucha vida así que la única primicia que cayó fue “Sexual”, tema que estrenaban esta noche con un sonido muy a lo The Rolling Stones setenteros mezclados con el descaro disco de Scissor Sisters. Tras un fugaz parón, volvió solo con la guitarra a hacer el primer bis de manera accidentada equivocándose, parando y retomando el tema. “Esto es lo que hacen los malos actores para llamar la atención”, dijo. A él no le hace

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Sala: Circo Price (Madrid) Fecha: 27/01/2012 Estilo: Rock teatral Promotor: Price / El volcán

falta, puesto que sabe cómo encandilar al público desde el primer acorde. Sonaron “Etoile”, “Me siento solo”, “Rock Me”, “Lo que siempre fui”, “Amor sin fin” o ”Saber amar”, estos dos fruto de sus colaboraciones con Jodorowsky. Aunque lo mejor de la

noche siempre es ese equilibrio peligroso a tres bandas, rock, música y un anecdotario propio del club de la comedia.Lo dicho Genio y figura. a Alfredo Arias

Disco las palmeras!

Sala: Circo Price (Madrid) Fecha: 27-1-12 Estilo: Rock teatral Promotor: Price/El volcán

Había expectación en Granada por presenciar la puesta en escena de Disco Las Palmeras! Buena entrada en Planta Baja, con una nutrida afluencia de personajes del sector más atentos que de costumbre. Y algo de secuencia generacional: tropezamos con J —Los Planetas— en el centro de la sala, vigilante, siguiendo la jugada de los gallegos. Todo cuadra. En directo, el trío devuelve cierto espíritu “Super 8”, como sus vecinos de Triángulo de Amor Bizarro. La resistencia del noise, el fuego voltaico y el ruido apolíneo. Disco Las Palmeras! intercalan material nuevo con piezas de “Nihil Obstat”. Les cuesta arrancar y se muestran dubitativos en ocasiones. Problemas derivados de la necesidad de rodaje y de trabajar con un arsenal de válvulas y pedales. Eso sí, una vez embalados, asombra el empaste de sonidos.

Canciones que comienzan en convulsiones de batería y terminan envueltas en madejas de distorsión. Ritmos que parecen sacados de un eterno bucle de Stephen Morris. Además, la fórmula de las dos guitarras resulta engañosa: Diego Castro inicia el concierto simulando los efectos de un auténtico bajo gomoso. Y su voz, entre metálica y espectral, transporta a los mejores capítulos del shoegaze. Alguna camiseta de Sonic Youth en primera fila. La ecuación funciona. Temas como “Desde hoy perfecto”, “Los nuevos nihilistas”, “Me la jugasteis en China” o “La soga umbilical” proporcionan esas nuevas y viejas sensaciones tan envolventes en un ambiente psicodélico.

Excitantes. a Eduardo Tébar

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El puchero del hortelano

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Russian Red

Sala Razzmatazz (BCN) Fecha: 18/02/2012 Estilo: Flamenco rock Público: Lleno Promotor: Wild punk

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Khan tocando el sitar, desgraciadamente sin demasiada atención por parte del público, pese a ser una interesante novedad en sus conciertos—. Los años de experiencia se traducen en un directo compacto, efectivo, sólido y resultón. Los vientos enriquecen la fusión flamenca, salpicando el show con solos de saxo, mientras la batería mantiene un tempo festivo que les aleja de sus raíces folclóricas para adentrarse más de lleno en el rock. “El tiempo de Manuel” fue interpretado junto a temas elegidos por sus seguidores a través de Facebook y Twitter, como el aclamado “Miedo”, sin olvidarse de “La quiero a morir” de Francis Cabrel o “De ovejas y corderos”, inspirada en “Mi oveja Lucera”. En resumen, el sexteto se paseó cómodo por su discografía, con apoyo de sus incondicionales totalmente entregados, dejando claro que no hace falta que sea carnaval para que “El Puchero”. monte una fiesta en condiciones. a Angela Urtoller

Sala: Teatro Arteria Coliseum (Madrid) Fecha: 04/02/2012 Estilo: Pop Promotor: Octubre

Foto: Archivo

La cola que se divisaba al llegar al Razzmatazz ya reflejaba el poder de convocatoria de la banda granadina. Ello se tradujo en una sala llena de incondicionales y muchos disfraces. Desde un primer momento quedó clara la implicación del público a la hora de crear un ambiente cálido y festivo. Desde el inicio, sus letras, sencillas y directas fueron coreadas por varias generaciones, mérito del que no muchos grupos pueden presumir. Los miembros de “El Puchero del Hortelano”. salieron al escenario con la evidente intención de contentar a sus fieles seguidores, aunque no alcanzaron las cotas de calidad de anteriores actuaciones —la causa posiblemente fuese la cascada voz de Antonio, que fue deteriorándose hasta llegar casi a la ronquera—. No obstante, consiguieron momentos excelentes y de máxima excitación —el impecable solo de guitarra de Patricia en la introducción de “El gorrión” o la colaboración de Shaeed

Las mil quinientas personas abarrotaban el Teatro Arteria Coliseum se vieron más que recompensadas con la actuación de Russian Red, un show que para los que se fijan en la letra pequeña tenía un especial interés por tratarse del único en España de los tres en que Lourdes contaría con la presencia de Stevie Jackson y Bob Kildea, componentes de Belle & Sebastian e integrantes del equipo de grabación de “Fuerteventura”. Respaldada por la banda y por una escenografía sobria, Lourdes que fue haciéndose más y más dicharachera con el paso de los minutos, el primer tramo lo ocuparon canciones como “Everyday Everynight”, “I Hate You But I Love You” o “The Sun The Trees”, que contaron, amén de un sonido espectacular —algo que se puede aplicar a toda la velada—, con una inusual pegada pop. En este tiempo de experiencias y giras internacionales parece que Lourdes ha aprendido muchas cosas, entre ellas que en ocasiones menos es más, y ha moderado ciertos abusos vocales. La definitiva madurez llegará el día en que esa misma voz sepa ponerse a un lado en determinadas fases y termine por ceder protagonismo a las canciones. La reflexión viene con el segundo tramo del concierto, cuando Lourdes despidió a sus músicos para quedarse tan sólo con Pablo y dar la bienvenida a un recuperado Brian Hunt, en un nuevo formato con el que está afrontando sus nuevas citas. Se bajaron las luces para recuperar “No Past Land” con

aires orbisonianos, una juguetona autoversión de “They Don’t Believe” y un “Cigarettes” a dúo con Brian, una secuencia que terminó por bajarnos tanto las pulsaciones que cuando la banda al completo volvió a salir a escena para enfilar la recta final con “Brave Soldier”, “Loving Strangers” y “January 14th” sólo el dúo de guitarras final en esta última nos arrancó de la duermevela. Enfiló a camerinos para volver con una de las canciones que podrían marcarle un camino a seguir, la atmosférica “My Love Is Gone”, una anecdótica versión del clásico “Baby It’s You”, y “A Hat”, antes de retirarse y darse un último baño de masas con la contundente toma de “Mi canción 7”. Discusiones bizantinas al margen sobre la presencia escénica de Lourdes, lo que no se le puede negar a la menuda madrileña es que ha conseguido llevar al escenario las canciones de “Fuerteventura” con una profesionalidad y una solvencia a la que no estamos acostumbrados en el planeta indie.

A día de hoy la mayor pega que siguen ofreciendo sus shows va por otro lado... Y es que Russian Red sigue sin sangrar sobre las tablas, y mientras así sea seguiremos identificando su propuesta con un sobresaliente ejercicio del estilo al que, maldita sea, le falta alma. Eso que convierte en artistas a mujeres como Beth Gibbons, Julie Doiron, Shannon Wright, Tara Jane O’Neil o nuestra Ainara LeGardon. a Luis J. Menéndez

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Els Amics de les Arts

Foto: Ibai

Vienen de: Barcelona Publican: «Espècies per catalogar» (Discmedi) En la onda de: Els Pets, Manel, Quimi Portet

Oso Leone

Los Deltonos

Els Amics de les Arts es, con el permiso de Manel, el grupo de pop que goza de más repercusión y éxito de convocatoria en tierras catalanas. Su anterior disco «Bed And Breakfast» les propulsó hasta la cima, sobre todo gracias a himnos-canciones generacionales como «Jean Luc» y «L’home que treballa fent de gos». «Sin el éxito de «Bed And Breakfast» no hubiésemos podido hacer «Espècies per catalogar». Hemos tenido el tiempo y los recursos necesarios, pero también cierta responsabilidad, porque sabíamos que la gente lo escucharía. El disco anterior lo hicimos pensando que lo escucharía nuestra madre y los vecinos de la escalera». Nos lo cuentan Joan Enric Barceló (voz y guitarra acústica), Eduard Costa (voz, melódica y Moog), Ferran Piqué (voz y guitarras eléctricas) y Dani Alegret (voz y teclados). Els Amics siempre se reparten el protagonismo, tanto en la creación y la interpretación de sus canciones como en las entrevistas. «En este disco hablamos de relaciones familiares o de pareja, pero más crudas. Hemos renunciado a la broma para hablar de cosas más serias». Para asegurarse una producción musical óptima, el cuarteto catalán ha contado con los servicios

Biscuit

Vienen de: Vilanova i la Geltrú (Barcelona) Publican: «Memorabilia» (La Castanya) En la onda de: The Who, Big Star, The Byrds Vienen de: Palma de Mallorca Publican: «Oso Leone» (Foehn Records) En la onda: Tim Buckley, Junip, Fleet Foxes Cuando Paco Colombàs tocó por primera vez con Xavier Marí, durante una jam, lo primero que le sorprendió es que no se hubieran conocido antes. Poco tiempo después estaban componiendo juntos las canciones que forman el debut de Oso Leone, una de las propuestas más fascinantes surgidas a la sombra de los pinos de la Tramuntana mallorquina en mucho tiempo. «Seguramente la naturaleza, como muchas otras cosas, haya afectado a nuestro sonido», comenta Colombàs sobre esas primeras excursiones por el bosque, en busca de inspiración. «Todo depende de lo que uno deje o no entrar en sí mismo. Para nosotros, cualquier lugar o atmósfera podía esconder algo, y ese algo se traduce en misterio». En uno de sus primeros conciertos como dúo conocieron a Jaime Rosselló «Ruspell», con quien poco después estaban grabando una primera maqueta que meses después Foehn convertiría en debut, ampliando la formación a trío, e incluso añadiendo músicos a sus directos.

«Ruspell dio amplitud al álbum desde los controles, dimensión con su aportación como músico y sobre todo empaque a la banda. Entramos en el estudio siendo un dúo, una idea que ha quedado sobre nosotros y que no nos gusta, y ahora somos un colectivo. Oso Leone es ahora un grupo». Oso Leone están en gira por la península en el mes de marzo.| Foto: Archivo a Joan Cabot

Vienen de: Cantabria Publican: «La caja de los truenos» (Guitar Town Recordings) En la onda de: Rolling Stones, Enemigos, Marañones.

Los Deltonos dicen sentirse cómodos en lo que llaman «Rock sin etiquetas», una tierra de nadie en la que se asentaron hace ya un cuarto de siglo. Las canciones de su octavo disco, «La caja de los truenos», suenan como si se hubieran compuesto en alguna llanura entre Nebraska y Colorado, pero por las historias que nos cuentan parecen más propias de los valles de Cantabria.

Hendrik Röver, voz y guitarra del grupo, comenta que el proceso de gestación y parto de este disco ha sido prácticamente improvisado, que apenas les ha llevado un mes. «La mayoría de los discos que más nos gustan están grabados en directo, y si ellos podían hacerlo, ¿Por qué nosotros no? Grabamos las canciones antes de sabérnoslas». Que se haya obtenido un resultado tan sobresaliente con un método de trabajo así es algo que Hendrik achaca a la estabilidad que da el llevar más de una década con la misma formación y a que todos los componentes estén implicados en otros proyectos —Soul Gestapo, Bravo Johnson, Chicktones, Templeton...—, lo que permite que cuando se junten lo hagan con más ganas que si se trabajara con dedicación exclusiva. «Hemos llegado a un punto de gelificación entre nosotros que nos permite este tipo de alegría. Tenemos ya esa comunicación sin palabras que cada uno toca y sabe que está aportando su parte al grupo. Eso da mucha tranquilidad, y es impagable».| Foto: Archivo a Carlos Canedo

«Con “Memorabilia”, la única intención previa era, quizás, recuperar la frescura de “Rocks My Little World”, para hacer una especie de fotografía del momento en el que se encontraba el grupo que es, al fin y al cabo, lo que son nuestros discos». Una definición que, en Biscuit, pasa por un rock poco estruendoso, que no se casa con la actualidad ni con el clasicismo y al que se añade un porcentaje alternativo. «Innovar musicalmente nunca ha sido nuestro objetivo, aunque, por otro lado, nos gusta evolucionar y probar cosas nuevas, siempre dentro de los parámetros en los que nos movemos. En cuanto a la fórmula de la canción Biscuit perfecta de momento sólo hemos identificado algunos ingredientes básicos: mucha guitarra, una sección rítmica vacilona y potente a la vez, una buena melodía pop que no sea ñoña y, a poder ser, unas armonías aquí y allí». Y es que a pesar de ser una banda veterana —dieciocho años y seis discos—, no es hasta hace relativamente poco que empiezan a ser reconocidos por el público. «No estamos de moda, ni lo estaremos nunca, hacemos esto única y exclusivamente por deseo personal de pasarlo bien y expresar alguna cosa que nos haga más personas, así que el mundo del rock a día de hoy nos cae muy lejos. Gracias a Dios seguimos teniendo esa ilusión por ensayar, tomarnos unas cervezas y escuchar discos. Todo lo otro, sinceramente, sobra».| Foto: Albert Polo a Francesc Feliu

de Ferran Conangla, productor y técnico de Astrud & El Collectiu Brossa, quien también les ha facilitado la colaboración del Collectiu en un tema. «Hicimos una lista de Spotify larguísima con canciones de Wilco, Beach Boys, Band Of Horses, Sufjan Stevens, The Killers, Villagers o The Tallest Man On Earth para que Ferran Conangla conociera nuestros gustos musicales. Nos hemos fijado en algunos detalles y él nos ha ayudado a plasmarlo». El fenómeno Els Amics de les Arts traspasa lo estrictamente musical. La popularidad del grupo se disparó a principios de 2011, tras protagonizar el spot de una conocida marca de cervezas. «El anuncio ayudó a que la gente nos pusiera cara. Es muy bonito que te paren por la calle para decirte lo que bien que haces tu trabajo». Ferran Piqué añade: «Si a mi carnicero le dijeran por la calle lo bien que corta la carne, pensaría otra cosa distinta de la vida». a Blai Marse

‘77

Viene de: Barcelona Publican: «High Decibels» (Kaiowas) En la onda de: Thin Lizzy, AC/DC, The Hellacopters ‘77 han puesto toda la carne en el asador para su segundo disco. Con unas mejores condiciones para trabajar, la experiencia de haber superado la prueba de fuego de un debut imperfecto y la elección de un productor estrella —Nicke Andersson, de The Hellacopters—. «El hecho de que alguien con renombre dentro del mundo del rock n’roll como es Nicke Andersson te produzca es algo muy interesante para que el grupo crezca tanto a nivel profesional como en lo mediático. Nosotros hicimos todo con el primer disco, la producción, las mezclas, etcétera, pero no nos podemos quejar de cómo han ido las cosas desde entonces. Hemos podido tocar en festivales, hacer varias giras fuera de España y editar en toda Europa. Con este segundo las cosas van a ir mucho más allá». «High Decibels» es un trabajo más rico y más variado que nos presenta a una banda también más valiente. Para dejarlo claro, ahí tienen los nueve minutos de tono casi conceptual de «Promised Land». «Nos encantan The Who y sobre todo sus obras más conceptuales como las óperas “Tommy” o “Quadrophenia”, así que siempre habíamos querido hacer algo así. Entonces qué mejor que escribir acerca de la temporada que estuvimos residiendo en Londres». Al margen del hard-rock, se nota que el blues y el rock’n’roll de los cincuenta está en su diccionario musical. «Le debemos mucho a Chuck Berry, John Lee Hooker, Bo Diddley, Jerry Lee Lewis, Eddie Cochran... Ellos tenían esa esencia especial, crearon el sonido».| Foto Archivo a Toni Castarnado

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L’hereu Escampa

Pumuky

Lasers

Vienen de: Manlleu (Barcelona) Publican: «L’Hereu Escampa» (Famèlic, 2011) En la onda de: Cap’n Jazz, Japandroids, Algernon Cadwallader

Vienen de: Tenerife Publican: «Plus Ultra» (Jabalina Discos).

En la onda: Deerhunter, Sr. Chinarro.

Año grande para Pumuky, que igual se marcó en el cerrado 2011 un single con canciones de amor en torno a trágicas leyendas de amor guanche, que sacó entrando en el otoño su tercer larga duración, «Plus Ultra». Luego está el impacto en todas esas listas de final de año, donde el trabajo lució músculo hasta culminar como el mejor disco para MondoSonoro Canarias. Jaír Ramírez, vocalista y principal compositor de Pumuky, mira el trabajo con esa distancia habitual que confiere el tiempo. «Han pasado tres meses desde su publicación, pero para mí es lo mismo que si hubieran pasado tres años; es pasado... y ya poca reflexión me vale la pena hacer sobre él.

Estoy contento con el trabajo realizado, pero ahora toca encaminarse hacia nuevas vías». En «Plus Ultra» encontramos elementos que afianzan la propuesta ambiental triste y a la vez intensa de Pumuky, melodías perfectas sobre instrumentales, casi de autor, pero en realidad la particular visión de la música de Jaír. De ahí que recupere una pieza como «Gara», protagonista del single para «Jabalina Love Songs» ahora presente en nueva grabación. «El lugar natural de “Gara” era “Plus Ultra”, incluso el de “Nira” y “Amarca”, las otras canciones que formaron parte de nuestro siete pulgadas para “Jabalina Love Songs”. Digo esto porque la “trilogía aborigen canaria” la concebí trabajando en las canciones de “Plus Ultra”. Por otro lado, “Gara” es una de esas canciones con propiedades “psico-mágicas”, con una química especial, no me preguntes por qué. ¿Cómo íbamos a dejarla pasar? Los músicos nos pasamos la vida buscando pequeños “milagros” que muy de vez en cuando se cruzan delante de uno...». | Foto: Encarneviva a Job Ledesma

Foto: Marta Pich

The Last 3 lines

La verdad es que sorprende ver como unos chavales se apropian de la energía del punk y los sonidos del emo de los noventa para demostrarnos que aún se pueden hacer buenas canciones en esa línea. «No pensamos en si estamos dentro o fuera del panorama actual, está claro que tenemos influencias de los noventa pero igual las tenemos de bandas actuales y no nos alejamos tanto de su sonido, aunque descubrir los noventa nos abrió los ojos a la hora de sentir la música». Y es que quizá otro punto sorprendente sea comprobar como toda esa energía logre canalizarse en tan sólo dos personas. «En el local gritamos y nos quedamos afónicos igual que en el directo. A lo mejor no hay otro modo de tocarlas porque las sentimos así desde el momento en que las creamos. El amor y el odio los transformamos en gritos y sudor». Aunque lo que también habría que asociar este disco es a un sonido áspero y turbio que le viene de maravilla a sus composiciones, y que crece en directo. «El disco fue grabado en directo, así que de algún modo se transmite la inmediatez de tocar juntos. Hay esa compenetración entre los dos que no se consigue de otro modo que mirándote o sentir que tocas uno al lado del otro. Queríamos grabar los temas que teníamos, con los recursos que teníamos, sin preocuparnos mucho de la producción ni ningún sonido en concreto. Al final el resultado nos convenció y estamos contentos con ello». L’Hereu Escampa han participado en las Black XS Fiestas Demoscópicas de MondoSonoro. a Francesc Feliu

+en

Vienen de: Barcelona Publican: «Juno» (Irregular) En la onda de: M83, Delorean, Telefon Tel. La evolución de Lasers ha sido la de un ciclo completo: del frío y oscuro invierno, al calor del verano, de la entropía hacia la luz. Dejar atrás las influencias más ruidistas (A Place To Bury Strangers) para firmar «Juno», uno de los debuts más exquisitos del pasado año. «Cada vez nos atrae más el orden y lo simple. Hemos dejado un poco de lado el caos, que son muchos años ya. Este es un disco bastante ordenado, todo elemento tiene su momento y espacio», apunta Charly. Se costearon las sesiones de grabación gracias a ser ganadores del Levi’s Unfamous Awards y contrataron los servicios del productor Marco Morgione —Linn Youki, Delorean, El Guincho—. «Con Marco hemos trabajado siempre muy bien, trabaja seguro y rápido. Sabe escuchar y tiene muy buenas ideas. No pretendemos emular los pasos del uno [Guincho] ni del otro [Delorean].

Aunque si se nos concede la oportunidad la aprovecharemos, por supuesto», subraya su bajista, Iván.

Poco importa que «Juno» viera la luz a finales de año, porque sus ocho temas volvieron a recordarnos que el calor y los días que se alargan están al caer. Sonidos orgánicos, loops hipnóticos, ritmos que vertebran cortes vitalistas y sobre todo, saber aplicarse muy bien el cuento de que menos es más. Lasers demuestran con tan solo un EP, saber lo que hacen. Electrónica digerible —que no superflua—, en el buen sentido de la palabra, para disfrute de los expertos en la materia y para los que no. | Foto: Lasers Foto a Marta Terrasa

The Patinettes

Vienen de: Barcelona Publican: «Visions From Oniria» (Aloud Records) En la onda de: Pink Floyd, The Mars Volta,

Vienen de: Zaragoza Publican: «Bliss» (Voxcapo, 11) En la onda de: The Beatles, Bonnie Raitt, Fiona Apple

Si hace dos años, con motivo del lanzamiento de su EP «Crows», decíamos que The Last 3 Lines nos ponían los dientes largos por el colorista contenido de aquel, hoy sólo podemos alegrarnos primero, de que el momento haya llegado, y corroborar después —también alegremente— que «Visions From Oniria» nos trae a un grupo imaginativo y en forma. El disco hace honor a su título. Embriagador, te deja sin fuerzas en el mejor de los sentidos. «El eclecticismo es lo que nos define como una banda de nuestra época», dicen. ¿Cuál es el secreto? «Este disco es el más elaborado de todos porque hemos encontrado la manera de expresarnos con una mayor precisión, hemos podido trabajar más en los temas. Esto no te resta sinceridad, te otorga coherencia. No se trata de darle vueltas a una idea, sino de encontrar el sonido preciso, ese que sientes y necesitas expresar». El concepto parece ganar la partida a la inmediatez que tenían temas pasados «Podríamos haber hecho un estilo más sencillo o accesible, realmente escuchamos mucho folk y rock de raíces, hay un montón de bandas actuales que han convertido este sonido en un hype, y nos encantan, pero nosotros siempre intentamos crear nuestro propio imaginario». | Foto: Archivo a Ignacio Pato L.

Suenan gringos y del sur, aunque a veces aparezca el acento norteño de The Beatles. Cinco amigos de toda la vida que crecieron como individuos en el amor a la música antes de perseguir un objetivo común: domar estrofas y mecharlas de estribillos brillantes. «Bliss», su debut autoeditado, es una de esas joyas que gustan a la primera y enamoran a la sexta. Inadecuado material para la inmediatez, magnífico disco para contemplar el devenir de los lustros en compañía. «Nos unía —explica Javi Giménez— el amor a The Beatles y al sonido del sur de Estados Unidos, la americana. Habíamos estado en bandas de versiones setenteras y otros proyectos, hasta que vimos el momento de centrarnos en éste. Y aquí andamos». De su disco hablan con orgullo e ilusión. «Queremos que cuando alguien lo escuche sienta deseos de oírlo otra vez. Solo eso, que ya es mucho. Y sorprende, aportar algo». En el escenario y en la grabación brilla la voz y la guitarra de Patricia Destoky. «Es un talentazo, una pieza clave del grupo, pero todos nos tenemos en cuenta. Somos cinco, así que a la hora de votar nunca hay empates». La dinámica de trabajo de la banda no ha cambiado con la subida de listón —circuito de Artistas en Ruta, distribución nacional—. | Foto: Archivo a Pablo Ferrer

Marzo 2012

Boris Divider

Vienen de: Portugal Publican: «Drunken Sailors & Happy Pirates» (Rossio Music/Tsunami Music) En la onda de: Tom Waits, Giant Sand La mejor baza con lo que cuentan A Jigsaw es que tienen las ideas muy claras. Nunca se precipitan, saben que cada paso que dan tiene que ser en firme, y que los resultados acaban llegando como fruto de un buen trabajo y una estrategia adecuada. Con su tercer disco, el fabuloso «Drunken Sailors & Happy Pirates» han crecido aún más gracias a la categoría de las composiciones, el excelente sonido conseguido y unas voces cada vez más maduras. «Con cada nueva grabación vas aprendiendo más cosas, y lo que buscas es tener el control de la situación, el de tu propia música. Cuando llegamos al estudio las canciones tenían mucho rodaje, casi nada se cambió. En esta ocasión canté sentado, que es lo que yo quería, aunque no es algo habitual. En cuanto a mi voz, cada vez es más grave, pero no está hecho a propósito, es algo natural». La banda suena cada día más sobria, segura, pero también atrevida, al dar un tratamiento al álbum casi conceptual, con el mundo del mar y el de los piratas como narrativa.

«Teníamos una gran certeza de lo que queríamos, y eso se consigue con tiempo. Lógicamente, con tu primer disco no puedes obtener los mismos resultados. Este disco hubiese sido imposible hace cuatro o cinco años, porque tienes que dar con tu idea, tu filosofía, y más una banda como nosotros, especial en el sentido de que utilizamos instrumentos raros».| Foto Archivo a Toni Castarnado

Analogic

Vienen de: Murcia Publican: «Analogic» (Autoeditado/Pias) En la onda de: Franz Ferdinand, The Hives, The Killers Tras haber triunfado en varios de los concursos maqueteros más importantes del país con el EP «Hot, Wet & Dirty Days» (2010), llegó la hora de presumir de disco.

Una mezcla de indie rock, pop, electrónica, garaje o R’n’r, unidos por un común denominador: el baile. «Sí, bailar, bailar, bailar hasta el fin del mundo. Nos encanta divertir y divertirnos, haciendo música de calidad», afirma Julio Hidalgo, teclista del grupo. La mejor muestra de este ambiente festivo la encontramos en el corte inicial: «Gliese 581C». Una canción de las que se pegan a la primera escucha. ¿Qué mejor razón para convertirla en el primer clip de la banda? «Pensamos que es una canción con mucha fuerza, divertida, bailable, muy pinchable y remezclable. Vamos, todo lo que podemos pedir a un single». También se barajaron «Sex On The Beach», «Scream» o «Living To Die», que cierran el pack más directo y contundente de este cuarteto.

Pero «Analogic» no se acaba aquí. Los aires sureños de «Need», el aroma Madchester de «Wish There Was A Heaven» o ese homenaje al «I Can’t Explain» de The Who, llamado «Try To Hide», son de lo mejor del álbum. Un trabajo en el que se han encontrado muy bien acompañados en cada una de las fases. «Antonio Illán ha sido nuestro ingeniero durante el proceso de grabación, un fiera con mucha paciencia. Arthur May nos ha ayudado con cualquier problema que pudiera surgir con el inglés. Y César Verdú ha sido nuestro productor».| Foto: Archivo a Víctor Martínez

Qüasar

Dawes

Vienen de: Granada Publican: «Eclipse parcial de lunas» (Kasba Music) En la onda de: Smash, Ministry, TNT

Viene de: Madrid Publica: «The Source» (Drivecom) En la onda de: John Carpenter, Model 500, Mantronix Después de seis años del primer larga duración, Boris Divider presenta a través de su propio sello nuevo trabajo «The Source». En este disco, el productor —a cuyos pies se ha rendido gente como Hardfloor o Dave Clarke— rinde tributo a sus influencias. «Sí, personalidades tan importantes como John Carpenter, Brad Fiedel, Vangelis o Tangerine Dream son fuente de inspiración y un legado fundamental tanto para la música como para el cine de ciencia ficción, así que es de imaginar lo que pueden significar para un artista de electrónica nacido en los setenta». Y es que todos esos referentes están presentes en «The Source». «Como parte del contexto de la obra, no solo los temas tienen un carácter retro, entre esa electrónica ambiental de los setenta y el electro y synth pop de los ochenta, sino que la producción del disco se nutre de maquinaria analógica.

Algunos equipos con más de veinte años de funcionamiento han sonado especialmente para este disco». La estructura del álbum parece planteada como un recorrido de principio a fin. Se puede percibir que este disco se ha pensado más para la escucha que para la pista de baile. «Un álbum siempre es la excusa perfecta para transmitir algo más que baile.

Quizá esta forma de seleccionar el material tenga que ver con que los temas se hayan escrito entre 2006 y 2011, así que he podido tomarme todo el tiempo necesario para que las piezas encajasen como deben».| Foto Archivo a Jose Luís Quirós

La cabeza de Jesús Arias no deja de dar ocurrencias imposibles. A pesar de sus largas ausencias, el guitarrista e ideólogo de TNT lleva una década y media perfilando el contenido pantagruélico que ahora lanza bajo el rótulo de Qüasar. Una banda a la que se suma su bajista de toda la vida, Ángel Doblas, y creada a medida para las canciones de «Eclipse parcial de lunas». En resumen, una apuesta ambiciosa: se trata de una obra faraónica que pretende despachar cuarenta piezas en varias entregas.

La primera de ellas, «Eclipse parcial de lunas», acaba de ver la luz. Punk, hard-rock, flamenco, música clásica, poesía, ciencia... Toda una caja de pandora con vocación de ONU artística, ya que intervienen figuras como Estrella Morente, la escritora siria Maram Al-Masri y el laudista marroquí Suhail Serghini —busquen su nombre en los discos de Bunbury—, entre otras figuras del rock, la música de cámara y los tablaos sacromontinos. «En realidad, hay vocación de curiosidad», matiza Arias.

«He aprendido mucho de la vida. He tenido novias de Marruecos, Kenia, Ecuador, Japón... Ellas me han enseñado. Muchas canciones van unidas por chicas de todo el mundo cantando su música de infancia.

La mayoría fueron novias mías a las que grababa».

Tras las presentaciones en Granada y Sevilla, Qüasar se presentarán en Madrid y Barcelona en marzo. «Tocaremos en directo para darnos a conocer como nueva banda y, tras un descanso de estudio de grabación —nos hemos dado un tute enorme de estudio— volveremos a grabar. Comenzaremos los trabajos con una orquesta sinfónica, terminaremos un montón de partituras que quedan por ahí y volveremos a grabar y grabar sin descanso hasta tener “Eclipse” listo». Casi treinta años después del mítico «Manifiesto Guernika» de TNT, Arias se muestra motivadísimo con esta reválida. Foto: Archivo a Eduardo Tébar

Vienen de: Los Ángeles (Estados Unidos) Publican: «Nothing Is Wrong» (ATO/Party) En la onda de: The Jayhawks, Delta Spirit, The Band Su segundo trabajo «Nothing Is Wrong» les ha situado en la palestra del folk-rock americano gracias a canciones de indudable calidad melódica como «If I Wanted Somenone», pero también por contar con un guitarrista tan reputado como Jonathan Wilson en la producción.

«Es uno de los músicos más brillantes que jamás hayamos conocido, y no creo que Dawes hubiera tenido la identidad que tiene sin la aportación clave de Jonathan». El que se deshace en elogios sobre la figura de su productor es Taylor Goldsmith, cantante, guitarrista y compositor de una banda que ha contribuido a poner en boca de la crítica y público la tan manida como anticuada etiqueta del sonido «Laurel Canyon». Como si eso tuviera algún tipo de significado hoy en día. «Entendemos la parte referencial de esa etiqueta, pero no vivimos en Laurel Canyon y ya no queda nada de esa comunidad bohemia y artística. Si decir “Laurel Canyon” ayuda a alguien a hacerse una idea de lo que puede encontrar en nuestro sonido, entonces de acuerdo». Y eso pese a que el estudio en el que han grabado sus discos sí esté en ese barrio, y también por mucho que hayan sido banda de apoyo de históricos como Robbie Robertson o esa especie de padrino suyo que es Jackson Browne. «Es increíble tener a alguien a quien has admirado durante tanto tiempo y que no solo reconozca tu trabajo, sino que encima quiera involucrarse en tus proyectos y ayudarte».

Dawes estarán actuando dentro del Heineken Music Selector en Madrid (29 febrero), Valencia (1 marzo y Vigo (3 marzo). | Foto Archivo a Don Disturbios

Ben l’Oncle soul Viene de: Tours (Francia) Publica: «Ben L’Oncle Soul» (Blue Wrasse) En la onda de: Hocus Pocus, Eli Paperboy Reed, Sam Cooke «Cuando era un adolescente llevaba la pajarita de mi abuelo, ¡que en esa época no era nada de moderno!

No tenía éxito entre las chicas y me encantaba toda esa música vieja que no les decía nada a mis compañeros».

Así fue como creció Benjamin Duterde, conocido como Ben L’Oncle Soul, entre la discografía completa de Motown y cantando en una coral góspel. Así es normal que su disco sea calificado como neo-soul, con tímidas incursiones en el funk y el groove. De todos modos, fue su versión del «Seven Nation Army» de The White Stripes la que le popularizó, llegando a firmar con Motown, pero en su disco homónimo Ben L’Oncle demuestra que hay mucho más. ««Soul Wash» fue un EP en el que hay versiones de Aqua y Spice Girls, supongo que la gente ve la ironía en ello. Era para pasarlo bien, pero el álbum contiene material inédito». Seguro que habrá oído a The Baseballs, quienes se hicieron famosos por su versión de «Umbrella». «Les vi en directo y me gustó su vibración, pero

no he escuchado su disco», asegura.

Más allá de una broma desenfadada, Benjamin se toma muy en serio el momento que está viviendo y cuida con mimo cada detalle relativa a su música y su imagen, todo con un toque muy vintage. «Estudié en una escuela de arte y tengo algo de práctica en todo ese mundo. Cogimos revistas de los sesenta y buscamos anuncios antiguos que pudieran inspirarnos y el resultado es este». Con un ojo puesto en el pasado —Brown, Franklin, Redding, Gaye— y otro en la actualidad, en inglés o en francés, Benjamin tiene claro: «que tras terminar un concierto, te vengan chicos de catorce años a decirte que, gracias a comprarse tu disco, han descubierto a Sam Cooke o Donny Hathaway, es lo mejor que te puede pasar». Ben L’Oncle Soul actuará en Barcelona (1 marzo, Apolo) y Madrid (2, Teatro Kapital). a Marta Terrasa

+en

Foto: Ibai

A jigsaw

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Marzo 2012

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BUNBURY «Licenciado Cantinas»

Blanco & Negro ROCK | m m m m

Continuando bajo la sabiduría de las raíces, Enrique Bunbury libera «Licenciado Cantinas», el disco que bebe de la música panamericana desde los ojos de la instrumentación norteamericana. Versiones, sí, pero no por ello algo menor, sino todo lo contrario. Grabado en SonicRanch, Tornillo (Texas) con su banda habitual, Los Santos Inocentes, se nutre de piezas como «El día de mi suerte» (de Willie Colon y Héctor Lavoe) o «Chacarera de un triste» (de los Hermanos Simón). Gracias a esta revisión, Bunbury ha acercado la familia musical panamericana al pueblo y, de ese modo, muestra el buen hacer de grandes figuras, como la de Eliades Ochoa, Dave Hidalgo, «Flaco» Jiménez o Charlie Musselwhite. El single «Ódiame» (de Federico Barreto y Rafael Otero López) ha funcionado perfectamente como introducción a este viaje que recorre la espina dorsal del continente americano, un arte de presentación que comparte protagonismo con la instrumental «El mar, el cielo y tú» (de Agustín Lara), siendo esta última la encargada de abrir el cancionero a modo de banda sonora de la vida de Bunbury. | Charly Hernández

Desde Barcelona Al Mundo JOHN TALABOT «fin»

MATT PRYOR “May Day»

Arctic Rodeo FOLK | m m m

Matt Pryor es un músico de alta productividad. A su pasado más conocido, como integrante de los reconocidos The Get Up Kids, hay que sumarle álbumes con Reggie And The Full Effect, The New Amsterdams, The Terrible Twos y «Confidence Man», este firmado con su nombre propio. Aparentemente concebido tan sólo durante el mes de mayo pasado, «May Day» nos ofrece la típica colección de canciones del músico alejado de las giras con su grupo nodriza, nacidas a golpe de acústica en contextos íntimos, y en los que pianos y las armónicas pululan como Pedro por su casa. La austeridad de temas como «Don’t Let The Bastards Get You Down», «I Was A Witness», «Unhappy Is The Only Happy That You’ll Ever Be» o «As Lies Go... This One Is Beautiful» parecen encontrar toda su razón de ser por un lado en la necesidad de expresarse del propio autor, y por otro, en el consumo no demasiado crítico por parte del fan del folk en general, y más en concreto por aquellos que guarden en sus estanterías los discos de The Get Up Kids. | Ignacio Pato L.

Carpark/Pias ROCK | m m m m

A medida que te haces mayor, maduras que tampoco somos tan viejos, comprendes que el paso del tiempo sólo es una obsesión entre los menores de veinticinco. Una vez superada esa barrera asumes que no hay nada que hacer y empiezas a preocuparte por otras cosas (trabajo, pareja, no parecer demasiado estúpido, etcétera).

Precisamente por eso te sorprende escuchar a alguien de veinte años hablando de su pasado, porque a los veinte se supone que no tienes de eso. Lo que sí tiene Dylan Baldi, líder de Cloud Nothings, son dos discos anteriores y una considerable montaña de angustia juvenil a la que necesita dar salida. Baldi ha sentido la necesidad de romper con un pasado que se remonta a 2009, cuando grabó el primero de esos álbumes, encargando las labores de producción de «Attack On Memory» a Steve Albini, una decisión con la que escenifica su apostasía del lo-fi. Pero la elección de Albini no es casual: en su tercer largo Cloud Nothings también han dejado atrás el punk-pop inocentón de sus anteriores discos y virado hacia un sonido más punzante y a ratos opresivo en el que se adivina la influencia del hardcore punk de los ochenta. | Joan Cabot

CANT «Dream Come True»

WARP/Pias POP | m m m m

Si los Department Of Eagles de Daniel Rossen son, al fin y al cabo, una versión más austera de Grizzly Bear, concebida igualmente a partir del patrón pop iconoclasta de Van Dyke Parks, el también miembro del colectivo de Greenpoint Chris Taylor ha optado en su primer trabajo en solitario por alejarse de la belleza asexuada de estos y abrazar un sonido más sensual. Con sus capacidades como productor cada vez más afiladas, Taylor se sirve de bases electrónicas para desarrollar una colección de canciones más cercanas al R&B ochentero de radiofórmula, al que el vago aire descuidado —intencionado—, del disco le sienta realmente bien. No es difícil suponer que algunas de esas bases están íntimamente ligadas a su colaboración con George Lewis Junior (Twin Shadow), aunque Taylor carece de la sangre latina de éste: «Dreams Come True» es un álbum lánguido, algo tibio, una apacible tarde a principios de otoño en la que la modorra invita al esplín. Llamativamente, una de las mejores canciones del disco es la única en la que la guitarra eléctrica es la protagonista, «She’s Found A Way Out». Taylor es un talento pop prodigioso, de eso no hay duda. | Joan Cabot

KATLEEN EDWARDS «Voyageur»

Zoë Records AMERICANA | m m m m

A veces tener una bonita voz no es suficiente o al menos no para trascender más allá de las fronteras de tu entorno. La canadiense Katleen Edwards tiene una bonita voz, de eso no hay duda, pero hasta la fecha sus discos entraban bien sin dejar huella. Tal como se escuchaban se olvidaban con la misma facilidad, y eso sin contar con una tendencia, nada disimulada, en la búsqueda de la melodía almibarada y de registro fácil. Pues bien, algo de eso parece haber cambiado en su cuarto trabajo, y puede que la producción de su actual pareja Justin Vernon, más conocido como Bon Iver, haya tenido mucho que ver. No en vano su mano se deja notar en canciones como la esplendorosa «Chameleon/Comedian» o en el orquestado final de «A Soft Place To Land» con esos coros en crescendo que tanto le gustan al de Wisconsin. Y así, entre bonitas melodías ajustadas al lucimiento de una voz, se nos va un disco que sigue sin alterarnos la existencia, pero sí deja un poso de dulzura y paz en nuestros corazones. | Don Disturbios

Foto: Archivo

CLOUD NOTHINGS «Attack on Memory»

Permanent Vacation ELECTRÓNICA | a a a a a No hay que ser un genio: es la primera vez que le pongo cinco estrellas a un disco desde que escribo en esta casa, así que sí: lo que sigue va a ser una retahíla de alabanzas que sólo tendrá fin donde nuestro editor decida poner el punto final. Como ya avanzaba el mes pasado en la entrevista a John Talabot, su debut en largo, publicado en enero, es desde ya el mejor disco del año. No exagero, ni mucho menos. Busquen por ahí texturas como las que trabaja aquí el bueno de Talabot, loops hipnóticos, hits houseros como «So Will Be Now...», desarrollos cinemáticos como el de «Oro y sangre» o electro que le llegue a la suela de los talones a «When The Past Was Present». En definitiva, ya pueden ponerse a rastrear como locos, que no encontrarán en lo que llevamos (y probablemente en lo que queda) de año un disco que condense tanto buen hacer en su metraje. John Talabot factura en «ƒin» once temas de algo que parece house pero que va mucho más allá, que parte del bombo y sampler que vio nacer a Talabot para acabar resultando en exquisitas texturas, atmósferas densas y una renovada facilidad para la melodía, potenciada por su asociación con el madrileño Pional, otro grande de la electrónica patria que va a dar mucho que hablar este 2012. En definitiva, un discarral como la copa de un pino que gana enteros con cada escucha hasta multiplicarse por mil. Obsesión absoluta. a Virginia Arroyo

En la onda

PAPERCLIP PEOPLE «The Secret Tapes Of Dr. Eich» (1996) | m m m m Aunque Carl Craig es mucho más techno que Talabot y este álbum, mucho más acelerado, su manera de trabajar como Paperclip People es muy parecida a la forma en que el barcelonés empezó en la electrónica: beats de 303 y 808 con samplers por encima. Aunque Talabot haya abandonado en parte esa filosofía de bombo y sampler en «ƒin».

DELOREAN «Subiza» (2010) | m m m m Delorean y John Talabot fueron antes aclamados en el extranjero que en su propio país y, aunque su estilo poco tiene que ver, ambos representan nuestra electrónica más internacional y colaboran con frecuencia. «Journeys», es un punto intermedio entre ambos: Ekhi pone la voz en un tema que le acerca a la luminosidad balearic del cuarteto vasco.

PIONAL «Last House On The Left EP» (2011) | a a a a a El house vuelve con fuerza a las pistas españolas y uno de los grandes culpables es este productor madrileño.

Sus temas beben del house de finales de los ochenta y principios de los noventa, al que le añade un personalísimo enfoque pop con melodías vocales cantadas por él mismo. Colabora en los dos temas más pegadizos de «ƒin». a V. Arroyo

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Marzo 2012 guitarra, según lo pida la escala de ánimo requerida. Respaldada por un grupo fiel de colaboradores (amigos de The National, Beirut, Wye Oak), la joven Sharon sale del vagabundeo folk con arte y salero indie, antes de despedirse con tres temas imprescindibles para el álbum, junto con «We Are Fine». | Luis Argeo

Corredores de fondo DR.DOG «Be the void»

PRINZHORN DANDE SCHOOL «Clay Class»

Foto: Archivo

DFA/Music As Usual POST-PUNK | a a a

Anti/Pias ROCK | a a a a a La carrera musical de Dr. Dog se asemeja cada vez más a la de un corredor de fondo que mantiene un ritmo constante a lo largo de buena parte de los kilómetros que recorre, reservando sus energías para pegar en progresión el último y definitivo estirón. Y sí, su séptimo disco de estudio es el mejor de los entregados hasta la fecha, y también el más alejado de la americana inicial. Como ya hicieran Okkervil River en su última entrega, los de Philadelphia renuncian a su postulados más apegados a la tradición, para acercarse al rock desde la vertiente más pop con unas gotas de psicodelia. Lo bueno es que, al contrario de los primeros, la jugada sale perfecta. Solo hay que fijarse en la polirítmia africana de «Heavy Light», que te recordará a luminarias como Paul Simon, o al rock nervioso de The Strokes en «These Days» o incluso a los MGMT del primer disco, aunque sin tanta exuberancia.

Con estas referencias ya te haces una idea de que han movido ficha para incorporar, gracias al uso de sintetizadores y una mayor gama rítmica, nuevas sonoridades a su propuesta, enriqueciéndola y desmarcándolos de la tan en boga corriente folk-rock. a Don Disturbios

DULCE PÁJARA DE JUVENTUD «Dulce pájara juventud»

B-Core ROCK | a a a a

Aloud POST-ROCK | a a a

Emi Music COUNTRY | a a a

Sargent House /Everlasting POST-ROCK | a a a a

The Eight Ball ROCK | a a a

Jagjaguwar POP | a a a a a

Obras como ésta son un ejemplo perfecto para dar cuenta de esa tipología de discos con mucho arte pero con una mirada fijada hacia atrás que para nada oculta la génesis musical de su personalidad. En este sentido, este trabajo de debut de este singular cuarteto formado por un francés, un argentino, un gallego y un catalán, y que hasta el momento tan sólo contaba con un Ep en su haber, es de esas grabaciones que nos hacen retroceder en el tiempo, justo cuando bandas como Stone Temple Pilots, Creed, Life Of Agony, The Offspring, QOTSA o Bush copaban estas mismas páginas. Pero aunque esa sea la imagen que encaja a la perfección con lo que hacen los barceloneses, la cruda realidad de este maldito 2012 nos hace ver que las posibles alabanzas que pudiéramos brindarles en un hipotético pasado, en la actualidad debieran convertirse simplemente en pleitesía por unas composiciones que saben llegar al oyente —pegadizas en algunos casos, inmejorables hits en casos puntuales—, manejadas con habilidad, gusto y una inevitable calidad realzada por las labores tras la mesa de mezclas. Prometedores. | Francesc Feliu

VARRY BRAVA «Demasié»

SHARON VAN ETTEN «Tramp» Que entre la fauna musical pululen pavas desangeladas y zorras (Rosenvinge dixit) excesivamente maquilladas nos anima a seguir buscando hadas en el bosque. En esta ocasión, del frondoso Williamsburg nos llega el tercer disco de la elegante y bella Sharon Van Etten, Tramp, un trabajo completo, sentido, gestado y vivido con sus alegrías, penas y catarsis durante catorce meses en el estudio de grabación del colega Aaron Dessner (The National). Las rupturas sentimentales alinean discos y más discos en los anaqueles de cualquier coleccionista con tendencia al drama. «Tramp» es otro más para la compilación, aunque a su favor hay que decir que las letras no se ceban con la persona abandonada, que hay para todos. La dulce voz de Sharon llega bien abrigada por capas instrumentales –«Serpents», «Magic Chords»o por simples acordes de

Jones es una chica muy lista y muy hábil. Cada uno de sus movimientos tiene un significado y una intención. No hace las cosas porque sí, por eso sabía perfectamente cuál era la razón por la que grabó el primer disco de The Little Willies. Además de oxigenarse y afrontar otros retos artísticos, con esa obra lograba quitarse de encima ciertas etiquetas y evitaba encasillarse demasiado. Con The Little Willies, rodeada por músicos de la calidad de Richard Julian, Jim Campilongo, Rob Moose o Lee Alexander, buscaba divertirse y disfrutar de la buena compañía de unos amigos con los que grabar temas tradicionales americanos. En «For The Good Times» sigue una fórmula similar, aunque lo que ahora toca es abordar clásicos del country, originales de nombres tan básicos para el género como los de Johnny Cash, Kris Kristofferson, Dolly Parton, Willie Nelson o Loretta Lynn. El resultado, obviamente, no va a cambiarle la vida a nadie, sobre todo porque respira un aire de producto comercial ideal para funcionar en el hilo musical de todo tipo de establecimientos. Sin sorpresas, para Norah Jones, The Little Willies no es más que un nuevo pasatiempo; para nosotros, una nueva oportunidad para escuchar una voz que siempre apetece disfrutar, independientemente de cuál sea su intención. | Toni Castarnado

SONS OF METEORA «Between the lines»

RUSSIAN CIRCLES «Empros» «Hacia adelante», es lo que han parecido decir Russian Circles con su cuarto disco, «Empros», que guarda no pocas diferencias con su predecesor «Geneva». Mientras alli la voladura se hacía al principio y el resto del disco era demolición, aquí hay fuego permanente). Si «309» comienza fuerte, con esa velocidad de crucero que los de Chicago saben imponer tan bien (el trabajo de Cook y Turncrantz les confirma como una base rítmica sin mácula), es en «Mládek» donde tiran más de convencionalismos de contraste y en «Schipol» donde caen en la melancolía y los torbellinos catárticos.

Para «Atackla» se recupera un poco el alma y de nuevo con una base insuperable estamos ante los Russian más grandes, mientras «Batu» prosigue con la épica y los graves y «Praise Be Man» pone el broche de oro con una balada un tanto mística con Cook al micrófono. Da toda la impresión de que el trío ha facturado el disco que quería, lejos de las ataduras de un «Station» fantástico pero cojo o de un «Geneva» tan excitante como frío, uno de esos discos que apuntaban decepción para los pesimistas y que acaban por redoblar la fe en sus autores. Ignacio Pato L.

Una advertencia: «Feels» y «Gigalove» son tan vibrantes y evocadoras que es probable que pase una semana antes de que puedas rebasar los dos primeros cortes del debut de Dulce Pájara de Juventud y seguir con el tercero. Pero si lo consigues encontrarás la recompensa en esos diecinueve gloriosos minutos finales que van desde «The Fear» a «Nebosky», abarcando en total cinco canciones, y que son el equivalente sónico a que te atraviese un rayo de pura energía. Los catalanes, entre los que encontramos a Bruno Banani de Fuckin’ Bollocks, no sólo han conseguido invocar en su debut la grandilocuencia cósmica de The Flaming Lips y Mercury Rev, sino que han propulsado sus influencias más allá del arco iris con una intensidad que te sacude el alma y transmite de forma casi física el gozo de ser golpeado por una descomunal montaña de zumbidos (¿se acuerdan de esos bellos años noventa, en que distorsión era sinónimo de belleza?). Sólo «Nacer 3», un experimento instrumental algo monótono, ofrece algún respiro, porque las nueve canciones restantes arden y combustionan como supernovas. Fiesta mayor en la galaxia. | Joan Cabot

THE LITTLE WILLIES «For the Good Times»

ATLETA «Verdad» Solo por tratar de recoger toda la esencia que hizo de su debut, «Catedrales» (Aloud), uno de los mejores álbumes de 2011, «Verdad» ya merece ser halagado como uno de los grandes discos estatales del año. Y es que el afortunado continuismo con su predecesor, desarrollado a través de un complejo lenguaje mediante las guitarras incisivas e insistentes de Jaime R. Pantaleón y los ritmos negroides y experimentales de José Roselló, ya es mérito suficiente como para que su particular séquito de homenajes al kraut rock, la música brasileña, el funk, las bandas sonoras de John Carpenter, la psicodelia, el jazz y ese increíble largo etcétera de géneros, vuelvan a conformar un armonioso y emocionante álbum de rock de vanguardia forjado con una personalidad fuerte como pocas. Ahora bien, que esta vez su evolución se base sólo en la apertura hacia otras disciplinas, no por la vía de la integración sino por la de simple superposición —o (casi) incrustación—, para alguien de su nivel quizá en algún momento sepa a menos, pero aún así no hay más remedio que rendirse ante la evidencia: el hecho que estamos ante un trabajo más que notable. Francesc Feliu

Hay grupos extraños en el mundo, y Prinzhorn Dance School son uno de ellos. Publicaron un primer y homónimo disco en 2007 gracias al apoyo de James Murphy, pero sonando ya como si hubiesen nacido en los tiempos del post-punk. Llegaban tarde no solamente al nacimiento del género, sino también al posterior y muy publicitado revival que vivimos a principios de la década pasada. ¿Qué les queda por tanto? Pues jugar el papel de grupo, como les decía, extraño. Tobin Prinz y Suzi Horn han tardado cinco años en publicar este segundo disco. Mucho tiempo, sobre todo atendiendo a que sigue la línea de su predecesor, es decir minimalismo post-punk a base de bajo y batería fundamentalmente, con guitarras de esas que chirrían por encima, algo así como una mezcla entre The Fall y Young Marble Giants, y para completar voces bastante chillonas. Como les decía, nulas novedades, lo cual generado algunas críticas tan negativas como injustas. Y digo injustas porque ni descubren nada, ni son unos grandes compositores, pero tienen algunas canciones que se dejan querer («Usurper», «I Want You», «The Flora And Fauna Of Britain In Bloom») y que funcionan bien a la hora de desengrasarnos la sesera a base de misterio, rítmica básica y producción inexistente. | Joan S. Luna

Darlalata POP | a a a

Sorprendente álbum de debut. La banda nos entrega once divertidos cortes sobre reuniones con amigos, salidas nocturnas, amoríos, pistas de baile... llenos de pop, electrónica, música disco y sobre todo atrevimiento. Quizá la mejor muestra de todo esto sea «Calor» (primer single y videoclip), aunque otras como «Ritual», «No te conozco» o «Amantes de fuego», un curioso medio tiempo entre Mecano, Tino Casal, Bosé, y el sonido new romantic, le siguen de cerca. En «Confusión» y «Despeinados» encontramos guiños a Astrud y Ellos, respectivamente, y «Templo» podría haberla firmado el mismísimo Fernando Márquez «El Zurdo» al frente de La Mode. El grupo ha incluido también cuatro cortes de su maqueta «Idolo» (2009), regrabados por Raúl De Lara (Second). Dos de ellos ya auténticos clásicos de estos oriolanos: «No gires» y «Radioactivo». Piensa en Mina, en Barry White, en la cara más festiva e irreverente de la Movida Madrileña o en el italo disco. El resultado es Varry Brava. | Víctor Martínez

Marzo 2012

Top 10 Internacional

COSMEN ADELAIDA «7 picos»

Top 10 Nacional

1

THE SHINS «Port Of Morrow» Aural Apothecary/sony

1

JOHN TALABOT «Éƒn» Permanent Vacation

2

DIE ANTWOORD "Ten$ion" Zef Recordz/Music As Usual

2

McENROE «Las orillas» Subterfuge

3

M WARD "A Wasteland Companion" Bella Union/Music As Usual

3

PEGASVS «Pegasvs» Canada Editorial

4

MIDDLE BROTHER «Middle Brother» Partisan/Houston Party

4

NACHO VEGAS «Como hacer crac» Marxophone

5

DR. DOG «Be The Void» Anti/Pias

5

NIÑOS MUTANTES «Naufragos» Ernie

6

HOORAY FOR EARTH «True Loves» Dovecote/Music As Usual

6

LIDIA DAMUNT «Vigila el fuego» Austrohúngaro

7

THE SOUND OF ARROWS «Voyage» Universal

7

ELS AMICS DE LES ARTS «Espècies per catalogar» Discmedi

8

POOR MOON «Illusion Ep» Bella Union/Music As Usual

8

TÓRTEL «Entusiasmo» Los Enanos Gigantes/El Volcán

9

RUSSIAN CIRCLES »Empros» sargent House/Everlasting

9

JOAQUÍN PASCUAL «La frontera» Grabaciones en el Mar

10

VAN HALEN «A different Kind of Truth» interscope

10

TORT «Tort» Total Rust

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El Genio Equivocado POP | a a a a

Rindiendo tributo a la memoria del Siete Picos, la ya desaparecida montaña rusa del Parque de Atracciones de Madrid que alimentó los primeros chutes de adrenalina de varias generaciones, los madrileños Cosmen Adelaida debutan con su primer largo tras dos maquetas vitoreadas por los seguidores de Yo La Tengo o Los Planetas. El quinteto, lejos de repetir la fórmula inmediata de aquel «Viernes», ha preferido en estas nuevas siete canciones expandir su espectro sonoro y probar las dotes vocales de todos sus componentes en un autentico collage repleto de altibajos emocionales. Con la misma facilidad que la vagoneta de la extinta atracción se eleva hasta el infinito con las punzantes guitarras kraut de «Equis» o la frescura de la costumbrista «Alcobendas», desciende a ralentí cuando la gravísima voz de Marcos hace acto de presencia en la sosegada «Inventario» o en ese desenlace titulado «Miss Winconsin» que te deja con ganas de volver a repetir. Ante tal apertura de miras en sus composiciones, no sabemos por dónde irán los tiros en próximas entregas. Aunque llegados a este punto, con una producción más cristalina, la banda puede recoger en un futuro los frutos de todos estos años de bolos por la geografía de nuestro país. | Sergio del Amo

LA HABITACIÓN ROJA «Fue eléctrico»

Mushroom Pillow POP | a a a a

Siempre que dices que La Habitación Roja te parecen uno de los mejores grupos nacionales, aparece algún detractor alegando que sus letras son depresivas o su música y ellos mismos, sosos. Y una solamente puede pensar que su capacidad compositiva pertenece a otra liga, con o sin temática triste de por medio. Lo han demostrado a lo largo de un puñado de discos y tantos otros años sobre los escenarios. Es casi imposible sumergirte en la discografía completa de los valencianos y salir ileso. «Fue eléctrico» arranca con «El resplandor», evolución natural de temas como «El eje del mal» de «Nuevos tiempos». Combinan estratégicamente cortes enérgicos, guitarreros, de ácidas letras, junto a otros que nos recuerdan a sus primeros pasos, como «Norge».

Nos gustan cuando la rabia se apodera un poquito de ellos y utilizan la música a modo de desafío —«Siberia», «Annapurna»—. Pero —y perdón por la noñería— cómo no rendirse a esas historias que Jorge Martí y compañía firman cuando están destrozados y al borde del abismo, —«Cielo protector»—. Sus letras tienen un punto empático y casi autobiográfico que duele hasta hacerse incómodo. Y eso es algo que muchos no pueden decir. Eternas promesas, siempre a centímetros de conseguir algo más grande, y sin embargo, no fue «Universal» el disco que les catapultó. Ni seguramente sea «Fue eléctrico» el que desate la locura mainstream, aunque retome la esencia de lo mejor de su discografía, sin llegar al nivel de «4» o «Radio». La Habitación Roja son unos corredores de fondo, lo suyo se ha construido paso a paso durante más de diez años; inquietos, constantes, cabezones, plumillas de tres minutos y una banda indispensable para cualquier amante del pop de calidad. | Marta Terrasa

ODONIS ODONIS «Hollandaze»

Emociones hechas canción

a

McENROE «Las orillas»

Fat Cat/Popstock!

ROCK | a a a

La palabra clave es «daze»: aturdimiento, la clase de sensación que pretende provocar y, de hecho, provoca el álbum de debut de Odonis Odonis, proyecto unipersonal tras el que encontramos al artista y realizador canadiense Dean Tzenos. A estas alturas, con el lo-fi convertido en una comodidad habitual entre los nuevos grupos del continente, deberíamos estar anestesiados ante discos como este y no es que «Hollandaze» aporte muchas novedades respecto a otros grupos que, como Odonis Odonis, se están dedicando estos días a revigorizar el garaje-surf a base de cacofonías más o menos inspiradas, pero, concedido el beneficio de la duda, cortes como «Seedgazer» y «Blood Feast» muestran a un autor capaz de articular algo parecido a una buena canción y «Busted Lip» no desentonaría junto a cualquier tema de A Place To Bury Strangers. Permanece la sospecha, ya habitual, de que tanto ruido no es más que un truco no especialmente hábil para ocultar carencias de base, pero si de lo que se trata es de dejar oídos zumbando a su paso el debut de Tzenos rinde a un buen nivel. | Joan Cabot

Foto: Archivo

SILVERSTEIN «Short Songs»

Subterfuge ROCK | a a a a No hay alardes en el tercer trabajo de los vizcaínos. Tampoco los hubo en los dos anteriores. Sólo el desgarro de saber que tu mundo se puede desintegrar con un beso, de momentos que duran una vida entera y el descubrir que la perfecta canción pop no es el fin, sino el medio, y que ni siquiera es necesaria para emocionar. Siguen sonando a ellos mismos, con todas sus influencias, a través de cristales por los que se intuye la lluvia y el desastre, pero que protegen como sólo las canciones pueden hacerlo. Nueve hay en «Las orillas». Nueve ladrillos con los que tabicar pesares, trepar por las enredaderas de guitarras con la red de unas líneas de bajo tan suaves y firmes como el acero de los altos hornos. La velocidad de crucero, salvo en «Vistahermosa», se mantiene al ralentí. El dolor, moderado por el optimismo de «Tú nunca morirás» se ha transformado en desorden ante lo temido por desconocido y atrayente. Por lo que tiene de romántico, en canciones como «Agosto del 94», la electrizante «Astillero» o «La marea» muestran esperanza de que lo que queda, puede ser mejor, pero volverá a romperse. Uno de los discos imprescindibles de 2012. Y de lo que venga después. a J. Batahola

Hopeless Records HARDCORE | a a a

La premisa es clara: veintidós temas, divididos a partes iguales entre originales y versiones clásicas, que no superen el minuto y medio de duración. La primera parte, la propia, transcurre con dignidad, entre velocidad controlada, melodía y una cierta melaza algo incómoda —«Sleep Around»—, pero para cuando el corte doce trae los veinticuatro segundos de «Short Songs» de Dead Kennedys nos reconciliamos con nuestros oídos. Le siguen Gob, Gorilla Biscuits, los míticos Orchid y su «Destination: Blood!», Descendents, The Swarm, The Promise Ring, NoFx y su «It’s My Job To Keep Punk Rock Elite», Chixdiggit, Green Day y un guiño final a Good Clean Fun. Por si fueran pocos nombres, les ayudan al homenaje los vocalistas de Anti-Flag, Cancer Bats, Propagandhi, Rise Against o Polar Bear Club. A estas alturas de texto ya debe saber el lector a qué atenerse: hardcorepunk de ayer y hoy interpretado por un grupo que como decimos tiende a perderse en los cantos de sirena del pop pero que, reconozcámoslo, reivindica su dignidad a través de este poco pretencioso y funcional «Short Songs». | Ignacio Pato L.

BEBE «Un pokito de rocanrol»

EMi ROCK | a a a a

Puestos a tirarse a la piscina y provocar de verdad, sin aspavientos ni malos rollos, Bebe se ha quedado a medio camino en su intención de tensar la cuerda al borde de la rotura. Por eso tanto chillido y espectáculo pirotécnico no sirven para tapar la verdad de esa falta de arrestos por llegar hasta el final. Porque puestos a arriesgar, la extremeña ha perdido una oportunidad de oro para dejarnos al borde del pasmo. Su conversión en cantante extrema que maneja el fraseo del rap y lo adapta al rock y al frenesí de una base rítmica que es la auténtica protagonista del disco, tan solo se ha conseguido a medias. Lo ha logrado en canciones muy concretas como «Me pintaré» o «K.I.E.R.E.M.E.», a las que tendríamos en mayor consideración si la sombra de M.I.A. no fuera tan alargada, o en temas como «Der Pelo» que es una de sus mejores grabaciones hasta la fecha. Sin embargo naufraga en la melancólica balada que es «Sabrás», en la vodevilesca aunque intrascendente «Adiós», como en «Tilín» o «Compra/Paga» cuyo trepidante ritmo acaba por agotar al oyente por reiterativo a lo largo del disco. | Don Disturbios

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Marzo 2012

Hooray for earth, colección de hits HOORAY FOR EARTH «hits»

Foto: Archivo

Dovecote/Music As Usual POP | a a a a a

NACHO VEGAS «Cómo hacer crac»

Marxophone ROCK | a a a a

Cuando todavía tenemos muy presente la habilidad mostrada en su anterior largo, «La zona sucia», para ampliar con nuevas texturas sus composiciones, dotándolas de una mayor pomposidad —«La gran broma final»— e incluso echando mano de estribillos pegadizos —«Lo que comen las brujas», «Reloj sin manecillas»—, en este mini-álbum de seis temas y casi media hora de duración, nos volvemos a encontrar con la otra cara de la moneda compositiva del asturiano: la más parca, árida y minimalista en lo musical, pero la más desarrollada y profunda en lo lírico. Así canciones como la impoluta «Relato de un error» muestran al Nacho Vegas que más le gusta a Bunbury, quizás porque envidia esa capacidad del asturiano para mostrarnos, con gran riqueza de detalles, un relato de abandono desdichado y errores difíciles de digerir. Yo también lo envidio. Hubiera dado mis manos por teclear en el ordenador una letra a la altura de cualquiera de estos seis temas, pero muy especialmente esa suerte de canto espiritual sobre el compromiso que es «Dos Bandos» o cualquiera de las potentes imágenes poéticas de «Marquesita». Una jodida maravilla, oigan. | Don Disturbios

THE MAGNETIC FIELDS «Love At The Bottom Of The Sea»

Domino/PiAs POP | a a a a

Que bien sienta tener de vuelta a Stephin Merritt y que bien que encima lo haga con un disco en el que los sintetizadores recuperan su lugar predominante. De hecho, si me apuran este notable «Love At The Bottom Of the Sea» podría ser el nuevo trabajo de Future Bible Heroes —en el dique seco desde 2002—, una de las diversas bandas paralelas que Merritt comparte con su inseparable Claudia Gonson, también en The Magnetic Fields. En esta suerte de retorno a sus tiempos de «Get Lost» o el primer disco de The 6ths, el gigante «Wasps’ Nests», la banda de Boston da rienda suelta a un puro frenesí pop colorido, lleno de sentido del humor —negro— y de piezas de orfebrería melódica que rozan la perfección.

Un dato, apenas ninguna de las canciones que forman este disco pasan más allá de los dos minutos y medio. Y es que maravillas como «I’d Go Anywhere With Hugh», «Andrew In Drag», «The Machine In Your Hand» y «All She Cares About Is Mariachi», entre otras, no necesitan mucho más para conquistar a la primera. Delicioso. | Xavi Sánchez Pons

A día de hoy, pocos discos pueden presumir de contener una orgía de hits potenciales tan apabullantes como «True Loves» de Hooray For Earth. No exagero. Los estadounidenses, capitaneados por Noel Herroux —cuyas cuerdas vocales calcan por momentos a las de Alexis Taylor), firman un trabajo que tanto se aproxima a la polirrítmia de los Yeasayer más accesibles (lo que ocurre en el tema titular—, a los Depeche Mode que abarrotaban estadios en los noventa —«Same»— y al Sufjan Stevens que rindió pleitesía en «The Age Of Adz» a la opereta sintética —«No Love»—. Y lo mejor es que a pesar de prescindir de una coherencia sonora entre sus cortes, el disco no chirría en ningún instante aunque reinterprete a su manera un hipotético himno de la radiofórmula ochentera —«Bring Us Closer Together»— o se deje querer por la psicodelia tribal —«Black Trees»—. Ante esto, lo mejor que puede hacerse para disfrutarlo como se merece es olvidarse de posibles parecidos razonables. Sólo de este modo acabará reivindicándose «Sails» como esa canción que no apareció en las listas de lo mejorcito del pasado año y que, por méritos propios, tendría que haber estado allí. a Sergio del Amo

PLV HAVOC «Penny Lancaster»

Autoeditado POP | a a a

Hay mucha verdad en eso de que en nuestro país a cualquier músico que coge una guitarra acústica y una harmónica se le etiqueta como folk-rock. Y no es menos cierto que si además su música se acerca al sobreexplotado concepto de americana las referencias a las que se le asociará serán sin lugar a dudas Neil Young, Bob Dylan y demás tótems hablando de lo clásico y Ryan Adams, Jeff Tweedy y el resto de la pléyade en lo contemporáneo. Pues bien, el donostiarra PLV Havoc consigue superar las connotaciones negativas de este encasillamiento y, tras un primer disco con el que pasó del mero reconocimiento local a festivales del calibre de Ebrovisión o Sonorama, y que le permitió fichar por una grande como Warner, entrega aquí un álbum que, si bien no huye de las referencias antes citadas, si explora además las posibilidades del pop o los universos lo-fi de Bill Callahan o Bonnie Prince Billy. En el camino por pulir su sonido y su personalidad como autor, Havoc ha construido un disco limpio y digno, sin estridencias, y que, y esto es todo un cumplido, no desmerece a las influencias de las que bebe su música. | Daniel Arnal

ZEBDA «Second Tour»

Universal MESTIZAJE | a a a a

«Second Tour» parece más una excusa que el nuevo trabajo de Zebda a tener muy en cuenta.

Sí, sí, a nadie se le escapa que el disco resulta una excusa para regresar a los escenarios que es el medio vital en el que siempre se han dejado la piel los de Toulouse, y además es ahí donde nos han hecho pasar momentos inolvidables de frenesí y desenfreno. Solo por eso ya vale la pena dejarse llevar por un disco para el que el tiempo parece haberse detenido.

Todo está ahí tal cual, como si no lo hubieran dejado hace ocho años y todo continuara en el mismo punto de partida. Canciones de estribillos contagiosos como «Un je ne sais quoi», si acaso con un punto más de sofisticación funk en temas como «J’suis Pas» o la demostrativa «Le talent», pero con ese aroma tan mediterráneo en cada uno de sus cortes y ese ritmo cortante y saltarín que ha sido la esencia de la banda. Es verdad que no alcanza las cotas logradas con anterioridad en discos como «Essence Ordinaire», mucho más inmediatos y agresivos, y que la reiteración de formas nos indica que la fórmula andaba agotada. Pero si sirve para volver a saltar sin complejos, bienvenido sea. | Don Disturbios

CHICKENFOOT «III»

Edel HARD-ROCK | a a a a

Ahora que Van Halen funcionan sin Michael Anthony y Sammy Hagar, o que Joe Satriani sigue buscando nuevos proyectos en colaboración con músicos reputados o que Chad Smith dispone de demasiado tiempo libre entre disco y disco de los Peppers, qué mejor que reunirse y volver a grabar algo del proyecto común de estos cuatro reputados músicos, Chickenfoot. Un segundo asalto —aunque en realidad, tal como reza el título se trataría del tercero, tras la edición de ese DVD en directo— de perfectísimo hard-rock con regusto ochentero y anclado profundamente al libro de estilo de este género, hoy en día bastante denostado. En este sentido hay que avisar a los que busquen cualquier vestigio de contemporaneidad que aquí no van a encontrarla en ningún sitio, pero se llevarán a cambio un puñado de magníficos temas, compactos y de producción cristalina, compuestos por riffs memorables, estribillos pegadizos y fenomenales buenas vibraciones, variado y heterogéneo en sus decisiones, aunque con la sensación de pertenecer a otra época. Una gozada para los aficionados, realizado con un savoir faire del que pocos pueden presumir. | Francesc Feliu

THE PINK ELEPHANTS «We hate you»

Autoeditado PUNK | a a a a

Buen punk-rock de toda la vida, del que no pasa de moda —o más bien las modas pasan de él—, eso es lo que ofrecen The Pink Elephants en un debut que engancha ya desde la fantástica portada de Marcos Cabrera. Estos barceloneses llevan tocando desde 2008 pero no ha sido hasta ahora que podemos disfrutar de su acelerada y macarra concepción de una música que prima siempre la expresividad por encima de las florituras, algo que le va como anillo al dedo a la garra e inmediatez de «Backside Of Nowhere», «I’m Too Alive», «Say Goodbye» o «Plastic Badges», sin olvidar aquellos vehículos de las más mordaces críticas que son «My City», «Copycat Rockers» o la propia «We Hate You», ejercicio de gallardía en el que, literalmente, no se salva nadie, y que constituye una de las más puras canciones punk en contenido que se hayan podido escuchar últimamente por estos lares. Por muy pesimistas que sean, a tenor de sus letras y la necesidad de desahogarse que parecen tener, y sobre todo porque el mundo siga siendo el principal culpable de que siga existiendo el punk, lo que deben estar The Pink Elephants es, sobre todo, orgullosos. | Ignacio Pato L.

MISS Q «Introducing Lovely Miss Q»

Tsunami Records POP | a a a a

El debut de Miss Q habita en un mundo de contrastes donde lo orgánico y los mantos electrónicos comparten exactamente la misma importancia. La danesa Pia Nielsen, afincada desde hace años en Barcelona, presenta su primer proyecto en solitario tras Zink Tank ejerciendo de maestra de ceremonias de una suerte de cabaret futurista en el que los géneros se desquebrajan y se reinventan por igual dependiendo de aquello que nos quiere contar. Ya sea valiéndose de la abrupta electrónica emocional que predicaba el «Homogenic» de Björk («Little Gift»), el blues de sentido piano desnudo («Blanket») o abstrayendo el funk de su libro de estilo («Staring»), la artista se mueve como pez en el agua a lo largo de este álbum que rehúye las etiquetas preestablecidas. Aunque no lo hace del todo sola, ya que ha contado con la mimada producción de Guillamino, quien da nuevamente rienda suelta a todos los curiosos gadgets que le han valido convertirse en uno de los nombres capitales de la electrónica nacional. Me juego el dedo pequeño del pie a que el bueno de Matthew Herbert ya se ha pedido una copia del disco. | Sergio del Amo

MIDDLE BROTHER «Middle Brother»

Partisan/Houston Party AMERICANA | a a a a

Hablar de supergrupo en el caso de la unión de estos tres jóvenes espadas de la americana actual, se trata sin duda de una exageración. Taylor Goldsmith (Dawes), John McCauley (Deer Tick) y Matthew Vasquez (Delta Spirit), vendrían a ser el reverso underground y maldito de otra unión mucho más mediática, la protagonizada hace más de dos años por Jim James, Conor Oberst, M. Ward y el productor Mike Mogis bajo el nombre de Monsters Of Folk. Lo curioso del caso es que mientras los veteranos naufragaban un poco, no aportando lo mejor de ellos mismos, los más cachorros se dejan la piel y compiten por ver quién es capaz de emocionar más al oyente con sus acústicas y sus ásperas entonaciones. Una suma de talentos que proporciona una riqueza y variedad que hace las delicias de cualquier aficionado a la música de raíces americanas. Esa que va de Buffalo Springfield a The Band, pasando por Gram Parsons. | Don Disturbios

Marzo 2012

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uno del álbum, cruza con el minimalismo futurista de The Neptunes, que aportan dos bases.

El dúo tiene tanta personalidad y domina su propio terreno de tal manera que Ghostface suena algo fuera de lugar en «Penny Hardaway» y en cambio Mayer Hawthorne cuaja a la perfección en «Swimsuits», uno de los mejores del disco junto a «Sour Apples», producida por el Blink-182 Travis Barker, y «Get Right». Cuando ya nadie los esperaba, entregan los cincuenta mejores minutos de rap que recordamos en mucho tiempo. | Joan Cabot

Fiel a una fórmula que funciona M.WARD «A wasteland Companion»

FRANCISCA VALENZUELA «Buen soldado»

Foto: Archivo

Feria Music POP | a a a a

SPIFFHAUS «El complot de las vírgenes»

Bella Union/Music As Usual POP | a a a a Las últimas dos veces que he podido ver a M. Ward encima de un escenario, primero con She & Him en la sala Apolo de Barcelona, y más tarde en el San Miguel Primavera Sound, me ha quedado clara una cosa: el tipo es un vividor que disfruta con lo que hace que, además, quiere transmitir esa gustera a sus fans. Podrá caer mejor o peor, pero es un creador de buen rollo.

Como una especie de fumador de porros cool, vamos. Para algunos sonará ridículo, lo sé, pero lo tomas o lo dejas. El que esto escribe lo toma y se lo cree, así que me da bastante igual que desde «Transistor Radio» haya sacado discos que apenas se diferencian entre sí más allá de pequeños detalles que enriquecen poco a poco la aplicada relectura que lleva a cabo del folk-pop con pedigrí de siempre. Cada vez lo veo más cercano a una especie de Cat Stevens en clave indie, un tipo que sabe hacer discos que tienen poderes terapéuticos, que te hacen sentir bien mientras los escuchas, y que al menos siempre ofrecen cinco o seis canciones memorables. «A Wasteland Companion» encaja en esa definición, y no decepcionará pero tampoco sorprenderá. Ni falta que hace. Ramones hicieron el mismo disco dos millones de veces y siempre serán favoritos. M. Ward va por el mismo camino. Y yo contento de que así sea. a Xavi Sánchez Pons

Spiff ROCK | a a a a

Yep Roc ROCK | a a a a

Gor Discos POP EXPERIMENTAL | aaaa

Xtra Mile ROCK | a a a a

Pias ROCK | a a a a

Cake/Karonte RAP | a a a a

Cualquier aficionado a la comedia judeo-neoyorquina sabría sacarle un chiste al disco que firma Adam Goldberg, actor y director medianamente conocido que se defiende a la perfección tanto con sus papeles como con la guitarra eléctrica y la composición musical.

Pero desde la apertura, «The Room», el bueno de Adam nos invita a tomarnos en serio un álbum lleno de magnetismo lo-fi y actitud psicodélica apoyada en un amplio bagaje musical y el riesgo do it yourself. Así, salta de las trompetas, pianos y coros reales, inocentes, a los efectos enlatados de software Apple sin ningún miedo a patinar (como demuestra en «Third Person»). Algo aprendería en sus colaboraciones con The Flaming Lips. Tiene este álbum cortes que se quedan en la cabeza con apenas dos pasadas, como «Mother Please (The World Is Not Our Home)» —la tercera vez que implora a su madre, se cuela sin permiso el espíritu de Billy Corgan, aunque sin duda la atmósfera comulga más con los sanfranciscanos Girls que con Smashing Pumpkins—. Prestad atención al guiño a John Lennon para cerrar el disco: puro humor inteligente. | Luis Argeo

YANN TIERSEN «Skyline»

COOL KIDS «When Fish Ride Bicycles» ¿Cuánto son tres años en la medida temporal de Internet? El debut de The Cool Kids parece haber tardado un siglo en aparecer, en parte porque el fabuloso «The Bake Sale EP» (Chocolate Industries), lejos de saciar a nadie, nos dejó con ganas de más material del dúo de Chicago. El motivo del retraso se ha debido a las disputas entre discográfica y banda, que ha optado por crear su propio sello para publicar su primer largo. Algunos temíamos que se les hubiera pasado el arroz, pero en realidad es todo lo contrario: «When Fish Ride Bicycles» tumba cualquier sospecha de hype y sitúa a Mickey Rocks y Chuck Inglish en la cúspide del rap backpacker y los señala como el relevo perfecto en su ausencia de los añorados De La Soul —ya debe faltar menos para «You’re Welcome»—. The Cool Kids comparten con ellos el aire jovial y sociable y una manera de entender el funk que Inglish, productor número

Si la realidad no fuera como es, diríamos que tenemos una bizarrada musical al canto proveniente de Extremadura. Estilo porcpuerco, lo llama el trío, que abre el fuego con «El héroe de la transición», que a muchos puede hacer pensar en una especie de Los Punsetes con menos medios. Para el psychobilly encurtido de «Mimetic Motherfucker» ya tienen media partida ganada, y la rematan con lo que llega: «Los cojones pares», con una alucinada alusión a Carrillo, su peluca y duros con la cara de Franco. Con «La cucaña» podemos decir sin haber bebido que es un chotis dedicado al baño de Fraga en Palomares, lo cual tiene su mérito. La cosa sigue con «El inspector», con el oyente aún aturdido ante lo descarado de la propuesta, cuyo grado aumenta con «El tucán» y su «esto suena que te cagas en la tanga» y «Jipi, punki o mod» con un bofetón al posmodernismo urbano. El cierre lo pone «Cataclismo electoral». Los Ganglios podrán parecer una coña ibérica pero a caballo (o gorrino) entre los mencionados Los Punsetes y los vascos Ciclos Iturgaiz. Un punto de cordura dentro de tanto esnobismo musical. | Ignacio Pato L.

THE GOLDBERG SISTERS «The Goldberg Sisters»

I AM THE AVALANCHE «Avalanche United» Nada menos que seis años después de su debut como banda llega el segundo disco de I Am The Avalanche, en el que se nota un crecimiento de aquel algo insípido rock del álbum homónimo. En efecto, los de Brooklyn se han puesto manos a la obra para recopilar una docena de muestras de punk-pop de un notable nivel de decencia y aceptabilidad, que les sitúa bien, para ser considerados una banda a seguir en Europa —en Estados Unidos ya lo son gracias a la pertenencia a The Movielife de su vocalista Vinnie Caruana— dentro del género. Con la melodía por bandera y la amistad y la nostalgia como conceptos clave en sus letras, «Avalanche United» condensa en toda la limpieza de su producción una cierta sensación de decadencia, de aquello que se va, de los recuerdos a los que Caruana canta en «Brooklyn Dodgers», «Amsterdam» o «The Place You Love Is Gone» y a los que el estilo de velocidad de crucero de la banda evita caer en la desesperación y en la tendencia a la emotividad que esta docena de temas tendrían si los escuchásemos en acústico en un parque neoyorquino. | Ignacio Pato L.

Poco han dejado saborear los barceloneses las delicias sonoras de su debut homónimo, pues rápidamente se han puesto manos a la obra para que su nueva entrega —de curioso título— esté disponible. Una segunda autoedición que vuelve a hondar en ese territorio, algo inhóspito dentro del rock de nuestro país, que les sitúa en un lugar intermedio entre experimentación, rock progresivo y post-rock. Más seco y cortante en su lenguaje, a la par que mucho más parco y austero, el trío se mueve paradójicamente hacia derroteros un tanto más accesibles —y por tanto a lugares más comunes—, alejándolos de las disonancias pretéritas. Una accesibilidad que, al mismo tiempo, incrementa su profundidad al ralentizar sus ritmos y acercarles al slowcore. Eso les lleva a perder dinamismo y a presentar un disco interesante, pero menos impactante que su debut. Veremos qué sorpresas nos depara el futuro. | Francesc Feliu

LOS GANGLIOS «Cataclismo electoral»

JOHN DOE «Keeper» Si ustedes pertenecen a ese colectivo de aficionados a los que modas pueriles y tendencias pasajeras les producen incómodas irritaciones, sin duda disfrutarán con la escucha de este álbum. Tras sendas colaboraciones con Jill Sobule y los canadienses The Sadies, el multifacético John Doe vuelve a la carga con su noveno disco en solitario haciendo lo que mejor sabe: música sincera y sentida impregnada hasta los huesos de referencias americanas. Flanqueado así mismo por una banda de la vieja escuela que incluye colaboradores de lujo como Howe Gelb, Patty Griffin, Greg Leisz, Jill Sobule y Don Was, el ex-X y ex-Knitters convence con solvencia mostrando galones propios de un veterano. Sabio conocedor de su posición dentro del negocio tras resultar curtido en variopintas batallas, el artista acierta con el intimismo de «Sweetheart», «Little Tiger» o «Lucky Penny», pero también con la explícita contundencia de «Handsome Devil», «Don’t Forget How Much I Love You» o «Never Enough». «Keeper» es uno de esos jugosos discos de rock clásico que, por su preocupante escasez, resultan cada vez más codiciados. | Raúl Julián

En 2010 Chile nos colonizó por sorpresa con una triada de artistas que empezaron a vivir en sus carnes algo semejante al sueño americano, pero en nuestras tierras, salvando las distancias. Dënver, Gepe o Javiera Mena nos pusieron en aviso de que debíamos estar bien atentos a todo aquello que se cuece en la escena alternativa del país sudamericano. Ahora, con ansias de correr la misma suerte que sus compañeros, la multiinstrumentista Francisca Valenzuela desembarca en España con un segundo trabajo que mantiene intactas las armas con las que se presentó en sociedad en «Muérdete la lengua». Producido por Vicente Sanfuentes y Mocky —colaborador habitual de Feist—, la joven se mueve entre una riada de estilos que únicamente pretenden agradar al máximo número de oyentes. Cuando se desquita de los clichés de Julieta Venegas tomando su piano —«En mi memoria» o «Corazón», donde reluce la sombra más jazzística del «Metals» de Feist— da en el clavo. No obstante, no puede decirse lo mismo de otros temas —exceptuando la pieza titular— como «Mujer modelo» o «Esta soy yo», que caen en un discurso previsible y anodino que le hacen un flaco favor a su potencial talento. | Sergio del Amo

Mute/Chispas POP | a a a

Exactamente un año después de su último disco, Tiersen vuelve al ruedo con un nuevo álbum en el que, si bien mantiene ciertas pautas que ya descubrió en su trabajo anterior, como el post-rock y la tendencia a la épica y las atmósferas, se inclina también hacia al sonido vintage ochentero de gente como Cocteau Twins. Mezclado de nuevo junto a Ken Thomas —Psychic TV, M83, Sigur Rós...—, la musicalidad árida y grandilocuente alcanzada en «Dust Lane» a base de electricidad y de sintetizadores se ve ultrajada aquí por una estructura de las canciones más anárquica, con juegos vocales, samplers arriesgados y coqueteos shoegazer. Hay grandes canciones, por supuesto. La coreable y algo marciana «I’m Gonna Live Anyhow», o «The Gutter», en la que Tiersen coge prestado de Godspeed You! Black Emperor el recurso del sampleo de discurso político sonorizado por un pasaje musical épico. Aprueba con nota, pero no llegua a sorprender y emocionar tanto como «Dust Lane». | Daniel Arnal

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Marzo 2012 ofrecer una tarde tirado en la cama con JAMC, seguramente un concierto de The Drums o la pereza que con el tiempo han conseguido perfeccionar bandas como The Strokes. Fuera de eso, «America Give Up» no es un mal disco de pop-rock. | Ignacio Pato L.

El timón bien agarrado NIÑOS MUTANTES «Naufragos»

RALPH DUMAS «Coblism»

Ernie POP | a a a a Si «Naufragos» no es el mejor disco de Niños Mutantes, está muy cerca de ser el más completo. Impredecible y huidizo, como el éxito que se les escapa por milésimas de segundo, su octavo trabajo navega con el timón bien firme. No les falta barco para la categoría reina, pero prefieren hundirlo disfrutando de la travesía sin envenenarse del triste glamour de gama baja de otras bandas muy cercanas a las que nada tienen que envidiar. No busquen evolución. No la hay. Tan sólo mucho trabajo reflejado en letras que han soltado un lastre con el que cargaban sin darse cuenta. Las guitarras de sus primeros trabajos han ido perdiendo las aristas por el camino, guiadas hasta aquí por el camino marcado por «Las noches de insomnio». Pop inmediato, que habla de las catástrofes que pasaron —«El miedo»—, de las que están por venir —«Caerán los bancos»— y de las que les han hecho más fuertes, como la rencorosa «El infierno».

Desde los vientos folk de «La puerta» al ritmo enérgico de «Empezar de cero» o los acertados sintetizadores y teclados de «Querer sin querer» y «Volverás» demuestran lo que realmente son los granadinos: una banda que hace canciones inmensas como el océano. a J. Batahola

Discmedi Blau ELECTRÓNICA | a a a a

Bajo la premisa que entre la sardana y el breakdance hay paralelismos —«los dos son bailes de la calle»—, Raph Dumas (DJ y productor), ha edificado en «Coblism» la que es seguramente —con respeto de Guillaminola— más osada, ambiciosa y lograda fusión de tradición y modernidad en la lengua de Fabra. El inquieto compositor se ha encargado de rescatar grabaciones de los cincuenta, ha metido en el estudio a su proyecto Primaveras y, como no podía ser de otra manera, de cabeza a Plaza Sant Jaume para inspirarse en sus sardanas. Así, el disco respira elegancia, se mueve —sin fisuras técnicas— entre la copla y la música de club, la electrónica futurista de ritmo funk: Dumas mira sin miedo atrás y adelante, logrando piezas como «Biomimétisme», simbiosis honrosa. Y como dios los cría y ellos se juntan, se ha dado de la mano con dos monstruos como Oscar Dalmau (amante sixties) y Pascal Comelade (portada). Quién sabe si esta marcianada que hoy tenemos entre manos sonará todos los domingos en todas las plazas catalanas allá por el 2070, reuniendo a sardanistas y breakdancers en un mismo espacio: pero la primera piedra ya está puesta. | Yeray S. Iborra

MF/MB/ «Folded»

Adrian Recordings /Green Ufos POP | a a

Detrás de MF/MB/ se esconde un quinteto de Mälmo que edita ahora en nuestro país su primera referencia, publicada hace más de un año en su Suecia natal. Su principal tarjeta de presentación, «Tune On», nos dirige directamente al campo donde juega como local The Rapture, y actúa a su vez como un compendio de lo que por el momento tiene para ofrecernos la joven banda sueca: un disperso cul de sac de pop electrónico donde todo vale, desde las bases de LCD Soundsystem, a los estribillos resultones de The Sounds, pasando por la alegría risueña de HotChip a unos cuantos guiños al recuerdo de Radio 4. El problema del todo vale es que el resultado adolece de una inevitable falta de foco que acaba por lastrar el resultado final. Como conjunto, puede funcionar como una larga sesión que desde casa te transporte a un atestado club de madrugada, dejándote llevar por la pegada de unos temas que, sin acercarse a los clásicos del género, sí que al menos funcionan en su propio contexto. | Robert Aniento

Foto: Archivo

CAGED ANIMALS «Eat their own»

RETISONIC «Robots Fucking»

Arctic Rodeo POST-HARDCORE | aaa

Pocas personas habrá tan fieles a su estilo como Jason Farrell. Ya sea en Retisonic, Bluetip o (aunque menos) Fury o Swiz, siempre vas a reconocer su rúbrica. Por eso poco importa que entre «Robots Fucking» y su anterior grabación, «Levittown» (Ascetic), hayan pasado casi seis años, pues ambos están confeccionados con patrones muy cercanos y conjuntados, o incluso que los nuevos temas estén firmados por la totalidad del trío neoyorquino. Su personalidad marca cada uno de los instantes de este segundo largo, y aunque ello nos conduzca a dudar de su capacidad por evolucionar, en verdad nos provoca sumergirnos aún más en su música, buscando posibles matices distintivos. Es por eso que, tras ese sonido de esencia más espartana y adulta, lo que es menos significativo es si ahora hay mayor complejidad o si a la producción le falta potencia en algún que otro elemento —que le falta—, sino más bien disfrutar con la calidad de unas canciones que, en este caso, sin llegar a epatar, es más que satisfactoria. | Francesc Feliu

ALADO SINCERA «Pacífico»

Repetidor Disc ROCK | a a a

Con la edición de «Palimpsesto» (Repetidor, 09) estaba ya claro que Alado Sincera pretendían tomar un rumbo completamente nuevo y alejarse de convencionalismos. No sólo fue un cambio estilístico sino que tuvo consecuencias operativas: la creación de su propio sello y empezar a relacionarse con bandas vecinas con las que compartían sensibilidades, cierto gusto por vincular el rock con las vanguardias europeas de principios del siglo XX y un acercamiento serio pero humilde, desprovisto de la pompa y pretenciosidad a veces asociada al concepto, a lo experimental. Una actitud, en su caso, heredada de cierto post-hardcore (Squirrel Bait, Slint) cuya influencia queda amortiguada por la habilidad del grupo de articular un discurso propio. «Pacífico» es un ejercicio de punzante rock dislocado en unos temas que, más que políticos, reflexionan en torno a la idea de sociedad como espectáculo y el discurso público como evasión. Un trabajo complejo, audaz e inteligente que afianza al grupo de Igualada entre uno de los más sólidos representantes de ese otro rock independiente que nunca va a estar de moda. | Joan Cabot

Coop /Music As Usual POP | a a a a

TORT «Tort»

Total Rust METAL | a a a

Popstock!

ROCK | a a a

Abrir un disco con una errata del doblaje al castellano de «Conan, el bárbaro» podría parecer una broma. De hecho lo es. A Tort lesgustalaépicayseríendeDiosydesu madre, pero constituyen una apuesta más que seria. Sus letras tampoco son divertidas —vamos, según se mire—, y en ellas repasan distintas leyendas negras de la cultura popular de Cataluña, reconstruyendo hechos atroces y dantescos como la historia de la vampiresa de la calle Joaquín Costa —«Fire Rose Vampira»—, el personaje del Comte Estruch, un vampiro de la Vall de Llers de Girona —«Earl Estruch»—, o, yendo más lejos, un episodio de canibalismo de la I Cruzada —«Cannibals Of Ma’arrat»—. Una recreación ficcionada que parte de la investigación histórica, del mismo modo que Tort indagan, en lo musical, en distintos géneros: del sludge, el thrash y el proto black macarra y acelerado de sus dos primeros temas, hasta el doom más pesado, concentrado en la segunda parte del disco. Súmenle la esencia del crustpunk más corrosivo y darán con la coctelera metálica que acaba siendo este debut crudo, sucio e infeccioso. Grabado junto a Javi Félez —Lux Divina, Graveyard, Wolfhead— en los Moontower Studios, y editado por Total Rust, sello de Jerusalén que ha publicado también las referencias de Lords Of Bukkake, «Tort» es un fuerte mazazo digno del Odín más cabreado. | David Sabaté

ANDREW BIRD «Break it yourself»

HOWLER «America give up» Howler fueron nombrados tercera mejor banda joven del año pasado por parte del NME. ¿Hay para tanto? La verdad es que cuesta dar una respuesta totalmente positiva. Para empezar, Howler son una más de esas bandas americanas que quieren ser británicas. Para continuar, ahondan en la tradición del autoguiño, la autorreferencia y una cierta condescendencia al intentar hacer creer en todo momento que la diversión manda. En épocas duras, hacer bromas como la del título del disco para descontextualizar un contenido serio, puede pasar factura a un público no popero y con la vida solucionada. Sus canciones miran al pasado, cosa que tampoco es mala por si misma, pero cuando ese pasado se exhibe como una excusa de lo que hoy no se puede hacer: mejorar, la cosa canta. ¿Qué es lo que ofrecen entonces los de Minneapolis?. Pues, sinceramente, no más de lo que pueda

Discos como el debut de Caged Animals me obligan a enfrentarme a uno de esos grandes dilemas en torno a qué carajo es un buen disco. Por una parte y siendo sincero, el orden del universo vendría a ser más o menos el mismo si Vincent Cacchione, también miembro de Soft Black, hubiera decidido guardarse estas canciones en algún cajón. «Eat Their Own» no cambia nada. Vas a ser el mismo antes y después de escucharlo. Esto es Tang Naranja, no naranja natural. Pero del otro lado están las canciones. Está «Teflon Heart» y está «This Summer I’ll Make It Up To You», y también el delicioso doo-wop de «The NJ Turnpike», y «The Lips That Turn The Light To Fire», que a pesar de unas letras algo tontas y no menos obvias son capaces de congelar durante unos minutos tu sentido crítico y hacerte olvidar todo eso que dijiste el otro día de la chill wave y los discos de adolescentes de Nueva Jersey con ramalazo sensiblero y afición al lo-fi. Sí, «Piles of $$$» suena a gangsta rap fallido, una broma fuera de lugar, pero por lo general el debut de Caged Animals es un disco bastante aceptable de pop no exento de cierto encanto. Es un debut, ¿qué querían? | Joan Cabot

Bella Union /Music As Usual POP | a a a a

Andrew Bird nunca deja indiferente. Para él, hacerlo sería una decepción. Da igual si lo que hace es grabar dos discos en el plazo de un año o bien —como esta vez— estar tres años sin ofrecer nuevo material, aunque pueda estar metido en distintos proyectos.

Pese a la espera, «Break It Yourself» no es un disco tan distinto a los anteriores, pero siempre hay algo apetitoso en los álbumes de Bird. Esta vez sus canciones se aproximan más al pop, son más accesibles y sencillas en cuanto a estructura. Ha buscado componer de una forma más natural, dejando que los temas se sucedan uno tras otro a partir de un hilo conductor. En «Break It Yourself» abusa menos del recurso del silbido, no carga el sonido con un exceso de instrumentación, se deja seducir por voces femeninas y, aunque de vez en cuando deje caer algún sonido extraño y misterioso, la hora de música que aquí nos encontramos es una absoluta delicia, con canciones que sirven de bálsamo, innovando incluso con su voz —en «Eyeoneye» recuerda a Morrissey y en otros temas a Jonathan Richman—. Una nueva obra majestuosa. | Toni Castarnado

Marzo 2012 VAN HALEN «A different Kind of truth»

Interscope ROCK | a a a a

Era inevitable, algo que tenía que acabar sucediendo. Ahora que casi todas las bandas legendarias dan el paso de unir fuerzas de nuevo, justo cuando sus carreras languidecen, era de esperar que Eddie Van Halen y Dave Lee Roth se viesen de nuevo las caras en estudio. Quizás hayan tardado más de lo previsto y se hayan hecho de rogar porque el entorno no era el adecuado y sus intereses no eran los mismos, pero al final esta reunión era algo inevitable por mucho que le pese a Sammy Hagar. Y aunque podamos defender la etapa de Van Halen con el hombre de rojo al frente, también es cierto que la verdadera esencia del grupo resurge cuando Eddie y Dave se alían. No hay más. «A Different Kind Of Truth» es el disco de hard-rock más esperado de los últimos años, y desde el primer segundo del primer single —«Tattoo»— una sonrisa va a iluminar tu rostro. El placer que provoca el sonido de una guitarra como no ha habido otra, tan personal y tan propia, junto a la voz de un David Lee Roth pletórico y en gran estado de forma, es fantástico. «She’s The Woman», la elegante «You And Your Blues», la atómica y acelerada «Bullethead» o la divertidísima «Stay Frosty» son solamente algunas de las perlas de un disco cohesionado y que suena fresco. | Toni Castarnado

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La selección Jäger: La Magia de pegasvs PEGASVS, «Pegasvs»

ROOTS MANUVA «4everevolution»

Big Dada/Pias RAP | a a a a

Sin duda el MC británico más respetado al otro lado del océano en la pasada década — The Streets fue un fenómeno adscrito sobre todo a las islas—, Rodney Smith se planta a las puertas de los cuarenta con uno de sus trabajos más eclécticos e intrépidos, en gran medida una respuesta al callejón sin salida en el que se había metido con «Slime & Reason» (Big Dada, 08), el trabajo más flojo de su carrera. Ahora instalado en Sheffield, Roots Manuva firma en esta ocasión buena parte de las producciones y recurre repetidamente a instrumentación real para aportar nuevos timbres al habitual funk de bajos hipergraves, aunque algunos de los mejores momentos del álbum surgen de colaboraciones con otros beatmakers: «Here We Go Again», con Dizz1, «Who Goes There?», con Monkeymarc, y «Watch Me Dance» y «Wha’Mek», ambas producidas por el ya habitual Toddla T., muestran a un MC disfrutando de su trabajo de nuevo, con la mente despejada y una mirada si bien no del todo nueva al menos sí fresca. | Joan Cabot

Ernie POP | a a a a

Tras algunos bandazos menos exitosos y un disco de versiones que, a pesar de ser digno, levanta reticencias, Nada Surf vuelven por la puerta grande. Y lo hacen recuperando la energía de discos como «High/Low», conjugado con ese pop límpido pero aletargado de sus últimas entregas. Como volver a tener veinte años, pero sabiendo todo lo que aprendiste en tus treinta. Juegas con ventaja. Precisamente la adolescencia y su universo plagado por amoríos, sueños frustrados, esperas y cambios, sirven de hilo conductor a través del disco. Diez canciones que se reparten entre medios tiempos intimistas —«When I Was Young», «Let The Fight Do The Fighting»—, estribillos pegadizos sobre situaciones cotidianas —«Teenage Dreams»— y pop rock de corte clásico —«Looking Through»—. Canciones de sencilla estructura, que resumen la esencia del power pop que tanto cuajó en los noventa con grupos como Gigolo Aunts, Matthew Sweet o Death Cab For Cutie. Nada Surf han arrastrado parte de su vida la etiqueta de «one hit wonder band», pero han sido capaces de sobrevivir. Es más, ahora son ellos los que disfrutan de una segunda juventud. | Marta Terrasa

BLUE OCTOBER «Any man in America»

Ear Music POP | a a a

Blue October es una de esas bandas que ha ido adquiriendo un protagonismo creciente en su país de origen, Estados Unidos, mientras que en el resto del mundo no han conseguido mucho más que un cierto seguimiento de culto de sus temas más conocidos —«Hate Me» y «Into The Ocean»—, que no han evitado la indiferencia generalizada. «Any Man In America» es su sexta obra de estudio, que llega tras más de trece años en el negocio. Siguiendo su escalada comercial en Norteamérica, ha copado las listas alternativas de ventas, siendo uno de los discos más descargados en el año que hemos dejado atrás. A todo ello, la propuesta de la banda liderada por Justin Furstenfeld no ha variado en los últimos trabajos. Se mantienen fieles a un pop sobreproducido y plagado de efectos, con una voz que puede recordar en su timbre a Peter Gabriel y unas composiciones algo genéricas que se exceden en su tono pomposo y supuestamente solemne. Lo que diferencia la nueva entrega es la fijación de las letras de Furstenfeld en su reciente divorcio y la lucha por la custodia de su hija. Una situación que se expresa a lo largo del disco y que da origen a algunos de sus mejores temas. «The Feel Again (Stay)», «For The Love», el single «The Chills» o «You Waited Too Long». | Robert Aniento

DENTE «Iotradinoi»

Ghost Records CANCIÓN | a a a a

+en

Al cantautor italiano Dente le conocimos en nuestro país a raíz de ese maravillosos tratado sobre el amor y el desamor que fue su anterior trabajo «L’ amore non è bello», el cual se llevo un gran número de parabienes por parte de la escasa crítica especializada que le prestó cierta atención. Y lo cierto es que lo tenía muy complicado para superar dicha obra y, aunque lo ha intentado con ahínco, no lo ha logrado en absoluto. Y no es que su cuarto largo sea un disco mediocre, ni mucho menos. Lo que sucede es que el anterior era mucho más clarividente y certero en las melodías, mientras este se sustenta más en la ambientación y los arreglos. Una variedad de texturas que es el punto fuerte de un disco que vuelve a incidir en el amor, con una ironía algo descarnada que resulta ya marca de la casa. Pese a todo, vuelve a ser un placer encontrarse de nuevo con las bellas, delicadas y susurradas tonadas que se amamantan de esa evocadora melancolía tan italiana. | Don Disturbios

Foto: Archivo

NADA SURF «The Stars are indifferent to astronomy»

Canada Editorial POP | a a a a Es la hora de Sergio Pérez y Luciana Della Villa. Llevan tiempo enfrascados en mil y un proyectos que han estado a punto de convertirlos en la next big thing, pero siempre se han quedado con la poco agradecida etiqueta de banda de culto. En Thelemáticos volaron alto con su primer disco homónimo, una joya absoluta de psych pop difícil de etiquetar que mereció más suerte hace un par de años. Ahora bien, la cosa puede cambiar y debería hacerlo con el debut de Pegasvs, uno de esos discos que brillan con luz propia dentro de la producción independiente nacional. Con un pie en los dos primeros discos de Neu!, léase el lado pop del kraut, y otro en las producciones fantasmales y galácticas de Joe Meek —himnos telúricos como «Johnny Remember Me» de John Leyton—, el dúo de Barcelona construye un discurso propio y muy sugerente que solo admite comparaciones con Stereolab (sobre todo los de «Emperor Tomato Ketchup» —y los Broadcast de la llorada Trish Keenan. Como esos dos grupos, Sergio y Luciana se lo pasan pipa jugando una y otra vez con el mismo boceto de canción, para luego llevar cada tema donde quieren a golpe de sintetizador y cajas de ritmo. En «Pegasvs» no hay guitarras, bajos y baterías, pero sí hay espacio para Korgs, Moogs, Doephers y magnetófonos, entre otros cacharros. Una —bendita— locura, sí señor. a Xavi Sánchez

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Marzo 2012

«Achtung baby», la reinvención de U2

Foto: Archivo

U2«Achtung Baby»

VAINICA DOBLE «Taquicardia»

Vinilissimo /Munster Records POP | a a a a a

Tres años después de una reedición en compacto necesaria que incluía una versión más larga de «La funcionaria» y un corte extra, «A la manera de», llega esta lujosa edición en doble vinilo de 180 gramos de «Taquicardia», la cima creativa de Vainica Doble.

Publicado originalmente en 1984, cuando la Movida ya estaba afianzada, es difícil decir algo nuevo sobre el que es uno de los discos totémicos del pop en castellano. A estas alturas, y ojeando las reveladoras notas interiores que se incluyen en esta reedición a cargo de César Sánchez, se me ocurre hacer un paralelismo entre este disco y el «Tusk» de Fleetwood Mac, también doble. Ambos son estallidos de talento ajenos a modas y géneros, discos atrevidos, audaces y visionarios, y ambos surgieron de un momento de crisis y depresión. El dúo formado por Carmen Santonja y Gloria Van Aerssen, apoyadas por el llorado y quijotesco Mario Pacheco, supieron sacar la belleza de la desesperación más absoluta. Algo al alcance de muy pocos. | Xavi Sánchez Pons

LOS DELINQÜENTES «El sentimiento garrapatero que nos traen las flores»

Emi Music MESTIZAJE | a a a a

Que poco se podrían imaginar Diego «Ratón», Marcos «Canijo» y el malogrado Migue, que diez años después de grabar su primer CD, aparecería está reedición con todo lujo de detalles de lo fue la grabación de aquel disco, ahora histórico. Pues sobre todo gracias a Manu, hermano de Migue, aquí está, un vistoso libro-disco de cuarenta y cuatro páginas con todos los textos de las canciones, con fotos, con dibujos de Migue y de Canijo, letras manuscritas, etcétera. Un primer CD con el disco original, remezclado y remasterizado con un sonido mucho dinámico y brillante, y cinco temas extras. Un segundo CD con veinte canciones más, con maquetas, sesiones preparatorias, ensayos, etcétera, entre las que se pueden escuchar las ideas originales de piezas de ese disco y algunas que luego han aparecido posteriormente, pero con una frescura y espontaneidad apabullantes. Para redondear, un DVD con conciertos, entrevistas, clips, entre ellos un emocionante «Chinchetas en el Aire». No hay que olvidar que, por aquellos días, Migue tenía diecisiete años, Canijo dieciocho y Ratón, el mayor, veinticinco y este disco vendió más de 25.000 copias. Ahora muchas de esas canciones ya forman parte de la historia de la música de este país. | Miguel Amorós

ROEDELIUS/QLUSTER «Stunden» / «Antworten» / «Fragen» / «Rufen» Bureau B continúa su frenética política de reediciones y nuevos lanzamientos. Hace unos meses le tocó el turno a los discos que Dieter Moebius y Hans–Joachim Roedelius publicaron por separado o en compañía de otros músicos en los primeros ochenta tras la (temporal) disolución de Cluster, mientras que esta nueva tanda de novedades de la discográfica de Hamburgo pone en el mercado algunas de las últimas colaboraciones de estos infatigables pioneros de la electrónica. Fijémonos concretamente en Roedelius y su sociedad con Stefan Schneider (To Rococo Rot y Mapstation) que le ha llevado a publicar uno de sus trabajos más amables en décadas, «Stunden». Lo forman doce Bureau B/Green Ufo’s temas instrumentales, paisajísticos y placenteros, en un punto equidistante entre la EXPERIMENTAL | abstracción de los Cluster de «Sowiesoso» y los primeros Kreidler de los que Schneider aaaa formó parte. Mucho más ariscas son sus colaboraciones con Onnen Bock como Qluster.

Una trilogía compuesta por «Antworten», «Fragen» y «Rufen» (este último registrado en directo) que se internan por la peligrosa senda (sobre todo para el oyente no avezado) de la improvisación y la experimentación electroacústica. | Luis J. Menéndez PATA NEGRA «Blues de la frontera»

Nuevos Medios /Vinilisssimo FLAMENCO | a a a a

A lo largo de la historia de la música popular de los últimos cincuenta años, nos encontramos con una serie de discos que son en sí mismos un hito, pero a la vez una tumba y este es sin duda uno de ellos. El cuarto trabajo de los hermanos Amador es el más completo, elaborado, y clarividente de sus trabajos. En él supieron volcar todo lo aprendido con anterioridad, sofisticando su propuesta en el que es, pese al título, el menos bluesy de sus discos. Aupado en los devaneos jazz-swing de «Pasa la vida» o del cover de «How High The Moon», más el envolvente estribillo de «Camarón» y los punteos blues de «Lindo Gatito» o el reggae de «Lunático», se perpetra uno de esos crímenes tan maravillosos de perversión del flamenco que tanto daño hace a los integristas del género, pero que tan bien le sienta al proceso de evolución de la música moderna. Se traspasaron límites, pero de forma literal y en todos los sentidos, lo cual acabaría por provocar que la relación entre los hermanos se tensara hasta romperse. «Blues de la frontera» les llevó justo a ese punto de no retorno en el que ya nada volvería a ser como antes. | Don Disturbios

Island/Universal POP | a a a a Supongo que, a estas alturas, insistir en que «Achtung Baby» fue y continúa siendo uno de los grandes discos de los noventa les parecerá una estupidez. No creo que nunca esté de más subrayar su valía, independientemente del concepto que tengan ustedes a día de hoy de los irlandeses. Y es que, en plena deriva del rock de los ochenta, con Nirvana a unos meses de arrasar con todo, Bono y sus muchachos se reinventaban tras el excesivamente clásico «Rattle And Hum», se modernizaban y mantenían su trono como gran banda de estadios. Nueva estética, sonoridades —el lanzamiento del single «The Fly» dejo a muchos con la boca abierta, tratándose de quienes se trataba—, intenciones bailables o su autoparodia se combinaban con su cara más melancólica —si no han escuchado «One» mil veces es que viven ustedes en otro planeta—, dando como resultado una obra fantástica, una de las pocas capaces de hacer renacer a un grande de los ochenta en una realidad para la década siguiente. Ahora, esta edición de veinte aniversario, no solo rinde justicia al álbum, sino que lo amplia con los remixes que ya conocíamos —continúo pensando que «Salomé» merecía haber formado parte del disco—, así como algunas versiones que, como siempre ha sido habitual en U2, no sorprenden por su originalidad. En todo caso, uno de esos clásicos que merece la categoría. a Joan S. Luna

AEROLÍNEAS FEDERALES «Hasta el final y más allá... Demos 1983-1993»

Elefant POP | a a a a

Los que llegamos a Aerolíneas Federales a través Los Fresones Rebeldes y TCR, dos de los grupos que a finales de los noventa dieron lustre al punk pop español más encabronado y vitalista (los que se sigan refiriendo a ellos con la etiqueta de ñoñi pop aún no se han enterado de qué iba la historia), siempre hemos tenido claro que la banda gallega era y es un grupo como la copa de un pino. Por eso ahora nos alegra que Elefant, uno de los sellos de indie pop con más pedigrí del planeta Tierra, los reivindique como merecen. Este «Hasta el final y más allá... Demos 1983-1993» demuestra que fueron un auténtico milagro de la nueva ola patria, el cruce perfecto entre The Rezillos y Gruppo Sportivo. La guinda del pastel de esta colección de maquetas que presentan al grupo en su formato más embrionario y fresco, es la inclusión de ocho canciones de su frustrado último disco de estudio. Unas composiciones que dejan claro que aún mantenían la chispa de sus inicios diez años después de su formación. | Xavi Sánchez Pons

OZZY OSBOURNE «Diary of a madman»

Jet HEAVY | a a a a

Hacía años que no volvía a sentirme un adolescente de pelo largo con chupa cruzada de cuero, pero la reedición del segundo álbum de Ozzy en solitario con el inestimable apoyo de Randy Rhoads a las seis cuerdas (aquí no cabe el término guitarra) ha obrado el milagro. Y aunque me declaro más fan del primer disco del ex-Sabbath, gracias a la inclusión de clásicos mil veces escuchados como «Crazy Train» o «Mr. Crowley», debo reconocer que este disco está bastante mejor producido y el trabajo del malogrado Rhoads es bastante más fino y filigranesco, dejando para la posteridad punteos que han sido diseccionados por un buen número de acólitos de la secta del heavy rock, que no metal. Y lo cierto es que, pese a los treinta años que nos separa de su salida, lo mejor que puede decirse de esta reedición es que no suena a caspa, porque la fantasmagórica voz de Ozzy se encarga de mantenerla ajena al paso del tiempo y de las modas. Es un pirado único con una garganta privilegiada y cualquier imitación solo puede acabar resultando simplemente patética. El original no. Porque al fin y al cabo los pioneros siempre estarán ahí para perpetuarse. | Don Disturbios

TAPIMAN «Tapiman»

Picap PROG-ROCK | a a a a

Poco imaginaba el líder de Tapiman, el otrora batería de Màquina!, que la poca repercusión que tuvieron por aquel entonces se transformaría en una admiración y un interés creciente que, a día de hoy, hacen de este disco homónimo una de las piezas más representativas del rock progresivo de la época. Así pues, partiendo de la dificultad de encontrar hoy en día la totalidad de sus obras, ubicadas todas en un corto período de tiempo que va del 71 al 72, es remarcable que en esta reedición se incluyan también sus dos singles previos así como el que el mismo Tapi editó en el 73; toda una oportunidad para contrastar el hard rock de tintes progresivos del trío con el folk-rock primerizo de la única grabación en solitario del batería. Y es que con una banda formada por excelentes músicos como Pepe Fernández (Vértice) al bajo, Miguel Ángel Núñez (Pan & Regaliz) a la guitarra o su substituto, Max Sunyer —el cual posteriormente formaría los magníficos Iceberg—, hemos de ver esta recopilación como una inmejorable oportunidad para disfrutar, de una sola tacada, del legado de esta banda tan fugaz como imprescindible. | Francesc Feliu

SLIPKNOT «Iowa» Si con su debut sacudieron la ya saturada escena nu-metal, con «Iowa» la remataron.

Gestado, como «Life Is Peachy» de Korn unos años atrás, poco después de su tarjeta de presentación para aprovechar el filón del momento, la segunda entrega de estos nueve enmascarados refleja la rabia y frustración generadas por las presiones del entorno, los excesos, las tensiones internas y la pluralidad de criterios que convivían, ya entonces, en el seno de la banda. El resultado es el disco más retorcido y brutal de Slipknot y su mejor trabajo hasta la fecha. Desde la patada en la boca de «People=Shit» —bonita bienvenida—, pasando por trallazos como «The Heretic Anthem» o «Everything Roadrunner/Divucsa Ends», e incluso la experimentación de «Gently» o del tema título. Slipknot eran esto.

METAL | a a a a a Lo que vendría después nos depararía muy buenos momentos, pero ya estaríamos ante otra cosa, más accesible y domesticada. La presente edición conmemorativa del décimo aniversario de «Iowa» incluye un compacto en directo, videoclips y un representativo documental sobre esa época dirigido por Shawn «Clown» Crahan. | David Sabate

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Chuck Klosterman

El heavy metal es cosa seria Hablábamos hace unos meses de «Fargo Rock City», el divertidísimo y cercano libro que Chuck Klosterman publicó en 2001 en Estados Unidos y que, diez años más tarde, ha llegado a nuestras manos gracias a la editorial «Es Pop». Bien, pues este mes entrevistamos al autor para que nos descubra más cosas en torno al libro sobre heavy metal que todo el mundo debería leer.

Chuck Klosterman es uno de esos periodistas que, surgidos de la prensa local, ha visto cumplido el sueño americano, convirtiéndose primero en uno de los plumillas más populares de la pasada década al otro lado del Atlántico y más tarde en novelista. Ahora mismo anda finalizando las tareas de promoción de la novela «The Visible Man», con lo que le queda algo de tiempo para contestar a nuestras preguntas sobre «Fargo Rock City», primer libro que publicó allí y segundo en ver

la luz en España tras el no menos recomendable «Pégate un tiro para sobrevivir» (Reservoir Books, 06). Se trata de una obra en la que, a partir de su experiencia como fan del hard rock, el heavy metal y el sleazy de los ochenta, se retrata a toda una generación y a una forma de entender la vida y la música que puede compartir cualquier aficionado, por mucho que los crepados, el maquillaje y las voces chillonas no sean santo de su devoción. «Para mí es interesante estar hablando

ahora mismo de “Fargo Rock City”, sobre todo porque nunca hubiese imaginado que sería un éxito en España. De hecho y siendo honesto, todavía no puedo creerme que se publicase en América. La verdad es que trata fundamentalmente sobre la obsesión teenager, así que el tema concreto es algo secundario. Hay un montón de gente que me ha dicho cosas como “nunca he escuchado metal, pero me encanta tu libro”.». Cierto, ya les decía yo antes que no es necesario haber crecido con el heavy metal, ahora bien, si lo han hecho, tanto mejor. Que sí, que en los libros siempre da más prestigio hablar sobre jazz o soul, pero no me cabe duda de que leer sobre hard rock de los ochenta es infinitamente más divertido. «Por lo general, los escritores se toman la música demasiado en serio. Pasan por alto que el reconocer que algo es ridículo no tiene que significar necesariamente que no sea impor tante. A mí me parecería mucho más ridículo escribir sobre Mötley Crüe sin hablar de la cara más

divertida de todo ello. Ya pensaba que eran divertidos cuando tenía trece años, pero haría lo mismo si escribiese sobre Neil Young o Nirvana. Escribir sobre música debería reflejar la experiencia de escuchar música, y la experiencia asociada al pop es la diversión.

«Reconocer que algo es ridículo no tiene que significar que no sea importante.»

No estamos escribiendo sobre un genocidio o algo así». Son muchos los músicos que aparecen en «Fargo Rock City», a algunos se les ridiculiza con cariño, a otros se les resta importancia y a otros se les erige en personajes fundamentales de unos años en los que el maquillaje causaba estragos en las listas de ventas. Klosterman habla sobre Kiss, Mötley Crüe, Guns n’ Roses, Warrant, Ratt, Cinderella y muchos otros. a Joan S. Luna

Contra: libros con vida Contra acaba de nacer como editorial y da ya la sensación de que se trata de un proyecto sólido y serio con un excelente futuro por delante. Que si la crisis del papel, que si la gente no lee, que si la música no importa... bien, pues descubran los primeros títulos de esta joven editorial independiente nacida en Barcelona y tengan las narices de continuar diciéndolo.

Es curioso que digas ‘sólida’. En realidad, somos una editorial independiente formada por tres amigos, Didac Aparicio, Eduard Sancho y Jordi Raventós.

Digamos que somos un motor de tres cilindros, donde Eduard y yo llevamos la dirección editorial y Jordi es el que ha hecho la inversión y se cuida de que no gastemos demasiado...». Apasionados de la edición de libros, Aparicio y Sancho serán las cabezas visibles, junto a los autores —obviamente— de Contra, una editorial que cuenta ya con dos libros en la calle, ambos con las letras de músicos muy personales como eje: «Nick Drake. Canciones», con prólogo de Nacho Vegas, y «The

Book Of Love. 100 canciones», sobre Stephin Merritt y The Magnetic Fields, con una larga introducción por parte del escritor Kiko Amat. «Estamos orgullosos de publicar los dos songbooks, son proyectos originales que no existen en ninguna otra lengua y son un homenaje a dos músicos enormes que admiramos. Publicar sus letras y reivindicar su faceta literaria es algo que no se había hecho». Aunque eso no es todo.

Les seguirán un fantástico libro de entrevistas firmado por Neil Strauss, «Todo el mundo te quiere cuando estás muerto», y «Fútbol contra el enemigo» de Simon Kuper, un trabajo que trata sobre las relaciones entre deporte

y política. «De entrada, los primeros títulos tocarán los géneros de la música y el deporte, si bien nos gusta añadir la coletilla ‘y cultura popular’ para poder englobar otras propuestas más heterodoxas, como por ejemplo ‘Barcelona es una mierda’, de Óscar Broc y Tanit Plana, que es un libro de... lavabos de Barcelona. Queremos, ante todo, priorizar la originalidad y que cada libro sea una experiencia única». Eso significa, si no hemos entendido mal, que Contra no será una editorial que se nutra de traducciones todo el tiempo, sino más bien al contrario. «Una de nuestras prioridades será la de publicar a talentos nacionales, sobre todo en los ámbitos de la divulgación musical y deportiva, como es el caso de Óscar Broc, pero también el del periodista deportivo Axel Torres, que también está preparando un libro para nosotros». a Joan S. Luna

Libros

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La vida era bella

Selección Cómics

Athos en América | a a a a

MANUEL CRISTÓBAL, «Arrugas»

Jason Astiberri Seamos francos: el noruego Jason ha publicado diversos volúmenes en nuestro país, algunos imprescindibles, otros obviables. «Athos en América» estaría más cerca de los segundos. Y lo consigue con seis historias en las que vuelve a moverse entre decepciones, desamor, asesinatos, odios y un largo etcétera de emociones con su mezcla habitual de humor y crudeza. Un nuevo acierto. | Ernesto Bruno

WE3 | a a a a

Grant morrison y Frank Quitely ECC Grant Morrison es uno de los guionistas imprescindibles del cómic actual. Su capacidad crítica e irónica suele funcionar sin necesidad de ejercer un análisis muy en profundidad. Y ese es nuevamente el caso de «WE3», una obra merecidamente reeditada que plantea cuestiones más que interesantes alrededor del poder y sus excesos. | Ernesto Bruno

Sex Report. Diario de un putero en Japón

| aaa Hiromi Hiraguchi Glenat Las muchas diferencias culturales entre Japón y Occidente se hacen evidentes al comparar dos volúmenes que, cosas del destino, se publican al mismo tiempo tratando un tema tan peliagudo como el de la prostitución de forma distinta. Si Chester Brown convertía «Pagando por ello» en una suerte de reivindicación social, la obra de Hiraguchi es en realidad una guía ilustrada, unas páginas amarillas del sexo entendido a la manera nipona, con sus rarezas y aberraciones. | L. J. M.

Casi completo | a a a a

Joost Swarte La Cúpula Este volumen supone un intensivo repaso a la obra del dibujante holandés Joost Swarte, un periplo que abarca desde 1972 hasta nuestros días. Y Max lo deja claro en un entusiasta prólogo en el que no duda en señalarle como una de sus principales influencias, como el hombre que acercó la línea clara al underground. Un logro evidente al repasar esta colección, a medio camino de la aventura «tintinesca», el absurdo de Herriman y el espíritu canallesco de Zap Comix. | L. J. M.

Macanudo 7 | a a a a

Liniers Reservoir Books/Mondadori Como cada año, nos llega una nueva selección de las tiras que el argentino Liniers publica semanalmente en la prensa de su país. Y poco más deberíamos añadir. Inteligente como de costumbre, irónico y con un dibujo tan personal como atractivo, nuestras vidas no serían lo mismo sin Olga, el hombre misterioso, el hombre que espera... Obligatorio. |Ernesto Bruno

Sexorama | a a a a

Manuel Bartual Astiberri Tras el éxito del primer volumen recopilatorio de «Sexorama», Manuel Bartual vuelve con una nueva compilación de sus cómics para El Jueves. A lo largo de casi cien páginas descubriremos la respuesta a preguntas tan complejas como: ¿Cuánto mide el pene más corto del mundo?, ¿Qué es la anastimafilia? o ¿Es posible hacer el amor con el mismo preservativo desde 1997? Y todo ello sin ponerse demasiado serios, claro está. | Ernesto Bruno

Plétora de piñatas | a a a a

Mauro entrialgo Astiberri Iba siendo hora de que las tiras cómicas que ha estado publicando Mauro Entrialgo en el periódico Público desde 2007 se compilasen en un único libro. Bueno, en este caso serán tres, que recogerán las más de mil ácidas tiras, centradas en infinidad temas distintos, pero todas ellas nacidas a partir de la atenta investigación sobre cómo somos los españoles en sociedad. | Ernesto Bruno

Reencuentro | a a a a

Pascal Girard La Cúpula Girard se despelleja vivo con este simpático relato autobiográfico en que se somete a una dieta rigurosa para deslumbrar diez años después a sus compañeros de instituto en una reunión de antiguos alumnos. Por éste y otros detalles nos divertimos a costa de señalarle (a él, pero también un poco a nosotros mismos) como un pobre mezquino. | L. J. M.

Contra acaba de nacer como editorial y da ya la sensación de que se trata de un proyecto sólido y serio con un excelente futuro por delante. Que si la crisis del papel, que si la gente no lee, que si la música no importa... bien, pues descubran los primeros títulos de esta joven editorial independiente nacida en Barcelona y tengan las narices de continuar diciéndolo.

«Arrugas», la novela gráfica de Paco Roca, una de las obras más vendedoras de nuestro cómic reciente y una de las más emotivas, ganó el Premio Nacional de Cómic, consiguiendo una repercusión más allá de los circuitos habituales. Fue en ese momento cuando el productor Manuel Cristóbal se fijó en ella como posible punto de partida de un largometraje de animación. Han pasado casi cuatro años desde el germen del proyecto hasta esta película dirigida por Ignacio Ferreras y producida por Perro Verde, Elephant In The Black Box y Cromosoma. «De un gran cómic podía salir una gran película. El proceso ha sido muy rápido porque supimos dimensionarlo para hacerlo por dos millones de euros («Chico & Rita» han sido diez; «El ilusionista», veinte). En septiembre de 2009 estábamos en producción y en septiembre del año pasado ya hacíamos el estreno mundial en el Festival de San Sebastián». Aunque Cristóbal ha sido el motor principal de «Arrugas», sus elogios acaban en manos de terceros.

«Uno de los grandes aciertos fue contar con un director que sabía lo que quería y un equipo que lo dio todo y más porque creía en la historia». Cristóbal cita la adaptación de «Persépolis» como referente, aunque no generaliza en ese sentido. «Como productor tenía muy claro que quería una adaptación fiel a nivel visual y narrativo y que Ignacio Ferreras podía ser el director adecuado, pero a nivel narrativo sus refe-

rentes van más en la línea del cine japonés.

Queríamos hacer la misma historia pero había que hacer el salto a otro medio y crear nuevos encuadres, cambiar cosas de lugar, quitar algunas, añadir otras sin estropear la historia. Un trabajo muy laborioso que ha sido reconocido con un Goya al Mejor Guión Adaptado. Creo que la película aporta todo lo que le puede aportar el cine, que es mucho, pero al final son dos obras distintas e Ignacio, como director, tuvo que tomar las decisiones que veía más adecuadas. Paco Roca supo ver que esto era un proceso distinto y fue muy generoso». Que «Arrugas» vale la pena está claro, aunque también debo decirles que les recomiendo verla un día en el que no estén bajos de moral. Si el cómic emociona, ver a los personajes en movimiento nos sumerge más en la historia, en sus momentos tiernos, sí, pero también en los más duros. «La película tiene más armas que el cómic porque tienes movimiento, tienes música, tienes voces, etcétera. Las dos emocionan mucho y creo que son dos obras brillantes por sí mismas. Un proceso curioso fue ver a Paco Roca redescubriendo su historia, lo que le hizo disfrutarla mucho porque en cómic, al ser el único autor, no lo podía hacer. El trabajo de Ignacio Ferreras como director supo lograr esa emoción y las voces y la música de Nani García también hacen lo suyo». a Joan S. Luna

Novedades Juegos

NeverDead | aaaa PS3, X360 Konami

Un juego que impacta por su originalidad al tratar sobre un cazador de demonios maldecido con la inmortalidad llamado Bryce Bolztman. Tiene un toque de humor negro porque, aunque sea inmortal, sí podrán desmembrarle, y nosotros podremos afrontar situaciones de manera suicida y divertida al ser capaz el protagonista de desmembrarse a si mismo, si su lucha contra los demonios lo requiere.

Buenos gráficos y banda sonora de Megadeth. | Albert Miro

Kingdoms Of Amalur Reckoning | aaaaa Ps3, X360, y Pc Electonic Arts

Un nuevo RPG basado en el universo de Amalur ideado por el escritor R.A. Salvatore. Un juego lleno de aventura, magia y enemigos, de calidad gráfica impresionante, excelentes paisajes y fondos y una serie de personajes realmente curiosos. Nos da libertad para movernos por un amplio mundo, tratar con muchos secundarios y llevar a cabo multitud de misiones. Muy recomendable. | A. M.

Marzo 2012

Otro mundo es posible

Selección Libros

MIGUEL BRIEVA, «Memorias de la Tierra»

Jim Jones. Prodigios y milagros de un predicador apocalíptico | a a a a a Servando rocha La Felguera En 1978 tuvo lugar en Jonestown, un lugar situado en Guyana, una de las matanzas ocasionadas por un culto religioso más truculentas de la Historia, con casi mil muertos por suicidio. Este librillo prologado por Jordi Valls (Vagina Dentata Organ) nos cuenta los hechos y reproduce al papel la grabación de audio de aquellos últimos instantes. | L. J. M

Bruce Springsteen (en España) | a a a Jordi Bianciotto y Mar Cortés Quarentena Ediciones Los incondicionales del Boss están de enhorabuena. Este libro-catálogo-dossier de prensa y anecdotario recoge con todo detalle los movimientos que hizo Bruce en cada una de sus giras y bolos por España.

Los no iniciados encontrarán una ocasión estupenda de sumarse a la marea Springsteen. O de descubrir a una leyenda del rock a través de experiencias ajenas. | Luis Argeo La espantosa intimidad de Maxwell Sim | a a a a

Un extraterrestre en el otoño de su vida recuerda sus años como explorador intergaláctico y sus aventuras en un planeta de extraños hábitos, llamado Tierra. Así arranca el segundo volumen de «El otro mundo», que lleva por título «Memorias de la tierra» (Mondadori, 12).

Un enciclopédico (la elección de este adjetivo no es casual) recopilatorio del trabajo de Miguel Brieva para El País y excusa para dibujar mas material inédito que nunca. «Esa era precisamente la idea: tratar de hilvanar los dibujos de los últimos años de una manera fluida y con el mayor sentido posible. La historia del extraterrestre que visita nuestro mundo actual hace que este friso de la sociedad cobre otro significado, pues si lo miramos a través de sus ojos ingenuos y objetivos, hacemos también el sano ejercicio de salirnos de nosotros mismos». Parece que el tiempo se ha empeñado en darle la razón a Miguel Brieva, cuya obra siempre de ha caracterizado por una afilada crítica social. Hasta el punto de que se ha hecho habitual entre aquellos que asisten entre asombrados y asqueados al momento

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que nos toca vivir, que recurran a sus viñetas para de alguna manera verbalizar sus pensamientos sin perder la sonrisa, en una mueca cada vez más amarga. «Bueno, a veces me encuentro con gente y me comenta algo y nos ponemos a charlar. Lo importante es que las voces se hagan crecer unas a otras. A la generación que nos precedió, la de la intransición y el neoliberalismo progre, le cuesta mucho asimilar lo que se avecina, pues por una parte son los últimos que se van a beneficiar del estado del bienestar (están acomodados), y por otra parte aceptarlo para ellos significa en cierto modo un importante fracaso vital. A nosotros en cambio no nos cabe eludirlo, puesto que es en gran medida nuestra vida (y la de nuestros hijos) la que está en juego». a Luis J. Menéndez

Jonathan coe Anagrama Tras la estupenda «La lluvia antes de caer», el escritor inglés nos regala una aplastante radiografía de la soledad, en una época en la que es más fácil sincerarse con un desconocido en Internet que con tu pareja.

Otra vez las verdades a medias, el azar y el viaje como huida son los protagonistas. | Don Disturbios

Ocho escenas de Tokio | a a a a a

Osamu Dazai Sajalín Hayan leído antes al malogrado Dazai o no, deberían leer «Ocho escenas de Tokio». ¿El motivo? Que es un libro de relatos francamente emocionante y muy humano, sobrado en ese tipo de humanidad que habla, ante todo, de reconocer los propios errores y las propias miserias. Si a eso le suman la sorprendente carga autobiográfica de cada una de las diez historias, no queda excusa para no dejarse llevar. | Joan S. Luna

Metal extremo: 30 años de oscuridad | a a a a

Salva rubio Milenio Que la publicación de este volumen de unas seiscientas páginas era algo necesario es obvio. No se trata del primer libro que aborda el mundo del metal más radical, cierto, pero sí es el más completo, el más riguroso (estemos más o menos de acuerdo con la selección de artistas) y sobre todo el que mejor maneja los sobrados argumentos que existen para defender géneros como el death, el grindcore o el black metal. | Joan S. Luna

Que nadie se mueva | a a a a

Visiones y Espacios en la Animación Japonesa Dvd’s

Proto Anime Cut Espai Cultural Caja Madrid (Plaza de Catalunya, 9. 08002 Barcelona) del 8 de febrero al 8 de abril de 2012 Desde el pasado 8 de febrero y hasta el próximo 8 de abril, podrás visitar en Barcelona la exposición itinerante «Promo Anime Cut», una muestra que se está paseando por toda Europa y que más adelante se trasladará también a La Casa Encendida de Madrid. El Espai Cultural Caja Madrid de la Ciudad Condal presenta una ingente cantidad de dibujos de las distintas fases de creación y de escenarios de algunas películas y series de animación japonesa de los noventa. Comisariada por Stefan Rickeles y David D’Heilly y subtitulada «Visiones y espacios en la animación japonesa», la exposición te permitirá disfrutar de diversos bocetos y fondos de creadores tan importantes como Mamoru Oshii («Ghost In The Shell»), Takashi Watabe («Boogiepop Phantom»), Hideaki Anno («Neon Genesis Evangelion») o Hiromasa Ogura («Jin Roh») entre otros.

Denis Johnson Mondadori Ya lo apunta Rodrigo Fresán en su prólogo. Tarantino, los Coen, Buscemi podrían hacer maravillas con la última novela negra de este autor de culto, tan avispado como los señalados. Si un capullo endeudado se mete en líos y para salir de ellos se arrima a una india complicada y con sus propios problemas, no hay final previsible que valga. ¡Queremos la película ya! | Luis Argeo

Tallo de hierro | a a a a

William Kennedy Libros del asteroide El reencuentro (literal) en plena Gran Depresión de un vagabundo con sus fantasmas después de veinte años de haber abandonado el hogar es el eje de esta novela con la que Kennedy se consagró a mediados de los ochenta consiguiendo, entre otros, el Pulitzer. Crónica dolorosa de un tiempo y de un país plagado de vidas frustradas y esperanzas rotas en la que asoman, sin embargo, hermosos pasajes de un extraño romanticismo. | J. Picatoste Verdejo

Blade Runner: una película | a a a a

William S. Burroughs Ed. Escalera De eso trata la vida, como el arte, de embrollarlo todo... Alan E. Nourse escribió «The Bladerunner», y luego Burroughs usó sus personajes para escribir este delirio panfleto-guión-novela-viaje farmacológico que, años después, serviría para poner título a la película más aclamada de Ridley Scott. Sin mayor relación, las tres obras son eslabones de un futuro que ya estamos viviendo. | Luis Argeo

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Red Bull Studio <> Sidonie y Toteking

Converse <> Gorillaz

Foto: Archivo

En febrero de 2012 se dieron a conocer los cuatro diseños exclusivos creados por co-creador y diseñador de Gorillaz, Jamie Hewlett, quien ha plasmado en la icónica zapatilla exclusivos estampados de la legendaria banda, con su particular visión y estilo. Los diseños fusionan sus diversas procedencias e influencias para crear una colección revolucionaria. Pero la colaboración va más allá y, bajo el proyecto de Converse «Three Artists. One Song», presentan en exclusiva «Do-YaThing» junto con Andre 3000, de Outkast y James Murphy. Su descarga, completamente gratuita, estará disponible a partir del 23 de febrero de 2012 en www.facebook.com/converse.

Foto: Ibai

La Nave de Música de Matadero Madrid reabrió sus puertas el pasado 23 de febrero. La que fue sede de la Red Bull Music Academy 2011 volverá a acoger a artistas, productores, sesiones de estudio, conciertos y un gran número de actividades relacionadas con la música. Comienza así una etapa aún inexplorada en Madrid: una nave de más de 4.000 m2 dedicada enteramente a la música que, además de otras instalaciones, incluye un estudio de grabación profesional y otro de radio. Los padrinos de esta reinauguración fueron Sidonie y Toteking, con un concierto que supuso la guinda definitiva de varios días de intensa colaboración en el Red Bull Studio.

Cambridge Academia <> Pop

Girando Por Salas <> Varios

Foto: Ibai

Foto: Archivo

Mae West Company son un equipo de valientes que en plena crisis no sólo deciden montar una empresa, sino que apuestan por la comunicación y la cultura además de ofrecer servicios 360 a sus clientes, desde el diseño y desarrollo web hasta el naming o branding de marca. Además, en un más difícil todavía, en los próximos cuatro meses colaborarán con el festival que el sello Blue Note pone en marcha por segundo año consecutivo, Jazz In Blue. Un festival que recorrerá diferentes ciudades de nuestro país de la mano de artistas como Erik Truffaz, Joe Lovano, Robert Glasper Experiment y The Bad Plus.

El ciclo de conciertos Girando Por Salas continúa un mes más con su labor de difusión de la música popular de nuestro país con una cantidad ingente de fechas por toda la geografía. De entre todos esos conciertos destacar los de Catpeople (2 en El Tren de Granada, y 3 en Metrópolis de Córdoba), Disco Las Palmeras! (23 en Salamandra de L’Hospitalet), Hola A Todo El Mundo (el 17 en Salamandra de L’Hospitalet), Lüger (9 en Bilbo- rock de Bilbao, 23 en Plantabaja de Granada) y The Right Ons (2 en Babylon de Cuenca y 3 en Sala Arco de Alcázar de San Juan, Ciudad Real).

«Con las aplicaciones móviles de Cambridge, aprenderás tanto inglés que olvidarás el español». Esa es la idea a partir de la que surge la Virtual Academia Española (www.virtualacademiaespanola.es), un diccionario colaborativo (esto es, construido por los usuarios) pensado precisamente para no olvidar el español, y para registrar todos aquellos términos, palabras y palabros que se utilizan en el lenguaje coloquial, pero que no tienen ni tendrán cabida en diccionarios oficiales, que jamás aceptarán términos como «cacafuti», «pichabrava», «torpedo» (en su versión «chiquitista»), «bullate», «pudrecolchones» o «cuerpo tordo».

Mini <> The Right Ons

Kia Optima <> Mötley Crüe

Crème <> Diseño Rock

¿Es posible que los cinco miembros de una banda se metan en un Mini y protagonicen todo un concierto? La respuesta a este interrogante la tiene la nueva campaña del popular automóvil de la casa BMW, y se resuelve al poner a tocar a los componentes de The Right Ons en uno de sus modelos.

Mötley Crüe siempre han sido un grupo dado a los coches, que fueron protagonistas de muchos de sus videoclips. Por eso ahora a nadie sorprenderá que ellos sean los protagonistas del comercial para el Kia Optima junto a Adriana Lima y Chuck Liddell.

Crème, la marca streetwear Barcelonesa, presenta su nueva línea de material duro para la nueva temporada.

Siguiendo con la relación que la compañía siempre ha mantenido con la música, destacamos las Deck Music Series, diseñadas por el colectivo FramedSocietyArts.

Microfusa <> Wahin Makinaciones

Monster <> Kaiowas Tour

Campus Los próximos 23 y 24 de marzo, enmarcado en la IV edición del seminario Internacional de Música y Artes Escénicas SIMBA, se desarrollará en la escuela de Microfusa en Madrid. Enfocado al hip hop, contará con Frank T, Noult, JML y Charly Chicago.

La bebida energética Monster de la mano de la discográfica Kaiowas lleva a cabo la gira en la que The Eyes y Crisix recorrerán nuestra geografía con conciertos en Granada, Málaga, Sevilla, Bilbao, Pamplona, Guadalajara, Ponferrada y Valladolid.

Meetic <> Estereotypo Este año San Valentín ha sido más musical que nunca en Meetic, donde se ha llevado a cabo un concurso en el que el ganador recibió un canción inédita, compuesta e interpretada por el Estereotypo así como su discografía.

Foto: Archivo

Mae West <> Jazz In Blue

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Los Blogs

Entrevista Fan peó vuestro disco con su producción?

(Alberto) Todo lo contrarío. Lo hizo mas grande y emocionante. Estamos muy contentos con el resultado.

(Román) ¡No! Ricky es una gran productor, un gran músico y gran amigo, nos encanta trabajar con él y nos gusta mucho su estilo y lo que hemos hecho con él.

(Cristina Rascón Belzuz) ¿Cómo ha sido la experiencia de grabar el videoclip de “N=1” a las órdenes de Zahara?

(Alberto) Somos muy amigos y estamos acostumbrados a sus órdenes (risas) (Román) Muy entrañable y divertida.

Miss Caffeina: Foto Archivo

(Manel Picazotes) Yo envío la pregunta por privado, porque igual es una tontería pero quiero saber una respuesta. ¿Qué significa el soldado con alas y gorra? Bueno, si significa algo.

(Alberto) En el disco se hacen muchas referencias bélicas para hacer metáforas con las relaciones humanas. nos parecía una simbología muy potente que se adecuaba a la perfección a la temática y la intención del disco. Queríamos una portada icónica.

Miss Cafeína Los miembros de Miss Caffeina continúan sumando fechas a la gira de “Imposibilidad del fenómeno”, lo cual no les impide contestar este mes a las preguntas de nuestros lectores. Aquí tienen ustedes el resultado.

(Adrián Doblas) ¿En la Mondo sale un anuncio vuestro con millones de conciertos, pero no volvéis a Ceuta?!!!

(Alberto) Tenemos muy buen recuerdo de Ceuta. Nos trataron genial y hubo varias anécdotas muy míticas. Tenemos que volver.

Muchas veces no depende solo de nosotros.

(Didac Blanco) No soy muy original, ¿pero de dónde sale el nombre del grupo?

(Román) Es el nombre de una canción de Buenas Noches Rose.

(Juan Rojas) ¿Os gusta más tocar en salas pequeñas que en festivales?

(Alberto) Yo en festivales. El escenario grande da mucho mas juego.

(Román) Nos gusta tocar en todos los sitios, pero los festivales son muy divertidos porque nos permite ver y conocer a otras bandas (Friedrich Cocoliso) A mi me gustan vuestras letras, pero no la voz del cantante. ¿Son también suyas las letras?

(Alberto) Sergio y yo componemos juntos y por separado, hay como un cincuenta por ciento en el disco.

(Xavi Bernabé Costa) ¿Ricky Falkner estro-

(Itzbi solis) ¿Qué pensaron cuando los incluyeron en el famoso artículo de Vetusta Morla que publicó Rolling Stone?

(Román) Que el artículo estaba muy bien pero el titular era poco acertado.

Mar Pérez. Yo os vi tocar en el Tremendo y pensé que teníais que haceros famosos. ¿Os gustaría ser más famosos que Vetusta Morla o Love Of Lesbian o ya estáis bien en el sitio que estáis?

(Alberto) Nos gustaría ser tan famosos como Jesucristo.

(Román) Nos queda mucho por recorrer todavía.

(Bego Gracia) Ahora que os metéis en el estudio, ¿vais a experimentar más con vuestro nuevo disco? ¿Tenéis una idea clara ya de lo que queréis hacer?

(Román) Estamos en ello ahora mismo, maquetando temas nuevos. Tenemos una idea inicial, pero probablemente vaya cambiando a medida que vayamos trabajando.

(Ester Acosta Villarte) No quiero insinuar nada pero... ¿en vuestros conciertos acostumbran a haber más chicas que chicos, no? ;) (Román) Sí :)

Héroes por un día ANNI B. SWEET. De niña a mujer ...porque la joven cantante malagueña se ha metido en un buen «fregao». Recuerda con cariño la grabación de «Start, Restart, Undo» con Brian Hunt cuando este aún no contaba ni siquiera con estudio propio y los dos se encerraban en el baño de casa para conseguir la reverb necesaria para registrar las voces.

El resultado fue un disco de folk-pop que ha tenido una vida inusitadamente larga. Casi tres años más tarde, después de pasear aquellas canciones por Europa e Iberoamérica —al colar sus canciones en una serie de TV de corte juvenil en México, por allí amenaza a fenómeno— y de girar con una banda que les dio una nueva dimensión, Anni, Ana López en su casa, afronta como nuevo reto ejercer de productora de su segundo disco. Y a tenor de lo que se escucha en el estudio ha tenido mucho trabajo: «Por favor, no te lleves una idea equivocada, esto se puede decir que casi son maquetas, porque ni siquiera están decididas las tomas... la próxima semana me voy a México a mezclarlo con Phil». Phil es Phil Vinall, que inicialmente sonó como productor de «Oh, Monsters!» y finalmente se encargará tan sólo de las mezclas. Anni reconoce que antes de empezar tenía las ideas clarísimas y que cada día en el estudio la cabeza se nubla un poco más. No es de extrañar: el ambiente claustrofóbico de la mayor parte de los estudios de grabación no es muy distinto del de un bingo, sin una rendija por la que se cuele la luz natural, concebido para perder allí dentro la noción del tiempo en sesiones maratonianas.

«Ayer salimos de aquí a la una de la mañana».

Es la una de la tarde y tienen pinta de haberse levantado temprano. «Después todavía estuve hablando un rato con Noni (Lori Meyers) por teléfono, que me tranquilizó un montón. Me decía que si cuando grabas lo sientes, esto se termina transmitiendo al disco y la gente lo percibe». La madre de Anni cantaba flamenco, pero hasta ahora la niña se había negado a jugar esa carta. Por los altavoces, en un momento determinado de una canción, rompe a gritar. Se ríe y reconoce que poco a poco se siente más cómoda con su voz y que algún día todo aquello terminará saliendo... a (L. J. Menéndez)

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