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CREADOR DEL SUPREMATISMO Kazimir Mﾃ｡levich
MAYO 2012
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>> REPORTAJE MODERNISMO EXPERIMENTAL Lﾃ｡szlﾃｳ M. Nagy TEGUCIGALPA, HONDURAS
REVISTA SOBRE ARTES GRﾃ：ICAS >> ACERCA DE
HISTORIA DEL CARTELISMO INICIOS
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No. 1
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CREA TU CARTEL Estilo constructivista
PRECIO Lps. 44.00
opus CONTENIDO Pág.05
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OPUS EXTRA BAUHAUS “La casa de construcción”
EN PORTADA
CREADOR DEL SUPREMATISMO Kazimir Málevich
Pág.06 REPORTAJE MODERNIISMO EXPERIMENTAL László Moholy Nagy
Pág.08 ACERCA DE
HISTORIA DEL CARTELISMO INICIOS
Pág.10 TUTORIAL CREA TU CARTEL Estilo constructivista
opus
MAYO 2012 TEGUCIGALPA, HONDURAS EDICIÓN No. 1 PRECIO Lps. 44.00
CASA EDITORIAL: EDITOR JEFE: FOTOGRAFÍAS: EDICIÓN DE FOTOGRAFÏAS: DISEÑADOR GRÄFICO: ARTE FINAL: IMPRENTA:
Revista OPUS- Mayo 2012
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CREADOR DEL SUPREMATISMO
SUPREMATISMO
Kazimir Malévich reduce el arte a su esencia: “la sensibilidad pura” KAZIMIR MALÉVICH Kazimir Malévich nace en Kiev, actual Ucrania, 1878-Leningrado, actual San Petersburgo, 1935) Pintor ruso. Después de estudiar arte en una academia privada de Moscú, pintó primero cuadros de tipo impresionista para evolucionar pronto hacia un primitivismo inspirado en los fauves y hacia un estilo tubular semejante al de Fernand Léger. Participó con obras de este tipo en varias exposiciones dentro y fuera de Rusia. En sus viajes, conoció el cubismo y el futurismo, que le inspiraron creaciones de fragmentación formal cubista combinada con multiplicación de la imagen futurista. Pero Malevich deseaba instaurar la supremacía de la sensibilidad pura de las formas sencillas en las artes figurativas, y con tal objetivo fundó el movimiento suprematista, que se dio a conocer en 1915 a través de la obra Cuadrado negro sobre fondo blanco. A partir de entonces, alternó obras de una austeridad absoluta, como la serie negra, con otras de mayor animación colorística y más dinamismo y, en ocasiones, dotadas de cierta sensación de profundidad. Hacia 1918 se inclinó por la austeridad más absoluta con la serie Blanco sobre blanco. En este período, al considerar que ya no podía llegar más lejos en sus investigaciones, abandonó la pintura para dedicarse a la enseñanza y a la escritura, para exponer
sus ideas sobre el arte. Fue profesor en las academias de Moscú y Vitebsk, en la Escuela Nacional de Artes Aplicadas de Moscú, y dirigió el Instituto para el Estudio de la Cultura Artística de Leningrado. Simultáneamente, proyectó estructuras tridimensionales que ejercieron una gran influencia en el constructivismo soviético.
Malevich ha sido una figura fundamental: creador, junto con Mondrian, de la abstracción geométrica e inspirador de la obra del Lissitzky y Moholy-Nagy, fue punto de partida de la posterior evolución del arte abstracto europeo, así como del diseño gráfico. La mejor colección de su obra se conserva en el Stedelijk Museum de Amsterdam.
En la pintura suprematista se perseguía la idea de reducir al arte a su esencia: a la sensibilidad pura. En el suprematismo, lo objetivo, es decir, el referente de la realidad cotidiana e histórica como los objetos, los fenómenos las cosas, el tema en sí carecen de significado. La representación objetiva en un lienzo es para los suprematistas algo que ha estado estorbando al arte a lo largo de la historia. El suprematismo busca el arte en sí y por sí mismo, obras no disfrazadas que tiendan al mundo de la sensibilidad y no al mundo de la representación. El artista ruso Kazimir Maliévich, creador del movimiento suprematista y autor del manifiesto, eliminó de sus pinturas toda referencia externa, creando así obras totalmente subjetivas en las que no hay figuras, ni objetos, ni tema, ni cosas. Los suprematistas no seguían los estilos tradicionales de la pintura, y no trasmitían mensajes sociales. Las obras suprematistas fueron aumentando su colorido y composición con el paso del tiempo
Cuadrado Negro sobre fondo blanco 1913, el cuadro más famoso de Malévich, fue la primera demostración de su estilo suprematista.
“La vida no imita al arte”
La asociación de artistas de la Rusia revolucionaria (creada en 1922) determinó que, al haber tanto analfabetismo, había que volver al realismo. Aunque no tuvo muchos seguidores en Rusia, ejerció una gran influencia en el desarrollo del arte y el diseño de Occidente y en la Bauhaus.
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BAUHAUS Unión de la Escuela de Bellas Artes con la Escuela de Artes Aplicadas crea la primera escuela de diseño del mundo. “LA CASA DE LA CONSTRUCCIÓN” La fundación de la Bauhaus se produjo en un momento de crisis del pensamiento moderno y la racionalidad técnica occidental en el conjunto de Europa y particularmente en Alemania. Su creación se debió a la confluencia de un conjunto de desarrollo político, social, educativo y artístico en las dos primeras décadas del siglo XX, cuya especificidad está dada por las vanguardias artísticas de comienzo de siglo. La modernización conservadora del Imperio alemán durante la década de 1870 mantuvo el poder en manos de la aristocracia. Esto exigía también, del militarismo y el imperialismo para mantener la estabilidad. Para 1912 el auge de los izquierdistas del SPD ha galvanizado las posiciones políticas con conceptos de la solidaridad internacional y de establecer el socialismo contra el nacionalismo imperialista. Sectores del proletariado demuestran una creciente capacidad de organización, cuestión que es forzosamente potenciada por la hiperinflación alemana y la cada vez más evidente crisis económica. Al igual que otros movimientos pertenecientes a la vanguardia artística, la Bauhaus no se marginó de los procesos políticos-sociales, manteniendo un alto grado de contenido crítico y compromiso de izquierda. La Bauhaus -como demuestran los problemas que tuvo con
políticos que no la veían con simpatía- adquirió la reputación de ser profundamente subversiva. En el momento de su fundación los objetivos de la escuela, caracterizados por Gropius en un manifiesto, fueron: “La recuperación de los métodos artesanales en la actividad constructiva, elevar la potencia artesana al mismo nivel que las Bellas Artes e intentar comercializar los productos que, integrados en la producción industrial, se convertirían en objetos de consumo asequibles para el gran público” ya que una de sus metas era la de independizarse y comenzar a vender los productos elaborados en la Escuela, para dejar de depender del Estado que hasta ese momento era quien los subsidiaba. Se formó cuando Gropius une la Escuela de Bellas Artes con la Escuela de Artes Aplicadas o Escuela de Artes y Oficios, transformándose en la primera escuela de diseño del mundo. En ésta fase se implantó en la escuela el llamado “vorkurs” o curso preliminar, creado por Johannes Itten. Como su nombre lo indica, el curso preliminar, antepuesto a los estudios propiamente dichos, tenía por misión liberar de convenciones al futuro miembro de la institución, despertar sus dotes personales y orientarle espiritualmente para la ulterior formación.
Autor: -------------
El principal objetivo del manifiesto de la Bauhaus, “La recuperación de los métodos artesanales en la actividad constructiva, elevar la potencia artesana al mismo nivel que las Bellas Artes e intentar comercializar los productos que, integrados en la producción industrial, se convertirían en objetos de consumo asequibles para el gran público”
“La forma sigue a la función”
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MODERNISMO Y EXPERIMENTACIÓN László Moholy Nagy, y su contribución al cartelismo y el diseño. CRONOLOGÍA DE VIDA > László Moholy-Nagy nace en Bacsborsod ( Hungría ) en 1895. >Estudia Derecho e ingresa en el ejército austro-húngaro. Participa en la Primera Guerra Mundial en el frente ruso, donde es herido. Licenciado del ejército, deja de estudiar Derecho y empieza a pintar de forma autodidacta. > A principios de los años 20 se instala en Berlín, donde contrae matrimo nio y comienza sus contactos con artistas plásticos y sus colaboraciones con revistas de arte. >En 1922 realiza su primer fotograma. > En 1923 comienza a impartir clases en la Bauhaus de Weimar, donde es “maestro de forma” en el taller de metal.El gobierno conservador de Turingia cancela la subvención a la Bauhaus y ésta tiene que trasladarse a Dassau, cosa que ocurre en 1925. >Durante estos años sigue con su investigación sobre los fotogramas llegando a hacerlos de cabezas y de manos.
INICIOS DE NAGY László Moholy Nagy (Bácsborsard, 20 de julio de 1895 - Chicago, 24 de noviembre de 1946) fue un fotógrafo y pintor húngaro. Ha pasado a la historia como uno de los más importantes profesores y teóricos del arte y de la fotografía desde su trabajo en la Escuela de la Bauhaus alemana. Durante su labor en ella estuvo acompañado de su mujer, Lucia Moholy (nacida Schulz), a la que había conocido anteriormente en Berlín y que era una discreta pero excelente fotógrafa. László Moholy-Nagy nació el 20 de julio de 1895 en Hungría, concretamente en la ciudad de Bácsborsod, y falleció el 24 de noviembre
de 1946 en la ciudad americana de Chicago. Aunque su verdadera pasión fue la pintura, hoy en día es recordado como uno de los mejores fotógrafos de los años 20, pionero en este campo. También fue profesor en la escuela Bauhaus. La I Guerra Mundial estalló mientras Moholy-Nagy desarrollaba sus estudios de jurista, y hubo de abandonarlos para alistarse en el ejército de su país. Durante los años que duró el conflicto bélico, empezó a dar sus primeros pasos artísticos, con algunos trabajos enfocados en dibujos a la tiza y a la tinta china. Una vez que terminó la I Guerra Mundial, abandonó sus estudios de Derecho y se dedicó por completo al arte.
> En 1928, después de cinco años de docente en la Bauhaus, abandona ésta, esta decisión es tomada por la creciente presión interna que ejerce el grupo comunista sobre los docentes. Vuelve a Berín y trabaja en la organización de exposiciones, como publicista y como escenógrafo en diferentes obras de teatro. > En 1930 lleva a cabo su película más conocida “Juego de luz negro-blan co-gris”. >En 1935 de exilia de Alemania, evidentemente por motivos políticos. Se instala en Londres donde trabaja como grafista, cartelista y escaparatista. >En 1937 y por mediación de Walter Gropius, asume la dirección de la Nue. va Bauhaus de Chicago. Este centro cierra sus puertas antes de cumplir un año. > En el año 1939 abre en Chicago su propia escuela de diseño, con los mismos profesores de la Nueva Bauhaus. > Muere en 1946 en Chicago. Hasta unos meses antes de su muerte realiza fotogramas.
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Abrir aún más la mirada a un mundo hasta entonces desconocido y revelado gracias a los fotogramas no sería una simple metáfora en la descripción del proyecto de este artista. Por su naturaleza, los fotogramas pueden valer tanto como la definición de toda su estética: partir de lo real para alcanzar una realidad enriquecida y distinta, es decir, otra realidad.
INCURSIÓN A LA FOTOGRAFÍA El amor le llegó en 1920 una vez instalado en Berlín. Allí conoció a la que en un futuro se convertiría en su esposa, Lucía Schulz (más conocida como Lucia Moholy). La pareja experimentó al máximo la fotografía y realizaron interesantes fotogramas, los cuales datan de 1922 y alcanzaron la fama. Un año más tarde, la escuela Bauhaus elige a Moholy-Nagy para que se haga cargo del taller de trabajos de Metal. Posteriormente, el director del curso, Johannes Itten, abandonó la escuela y Moholy-Nagy ocupó su cargo. En este periodo se volcó en el estudio de los efectos de equilibrio y presión de los materiales y se convirtió en el precursor de la fotografía Bauhaus.
Su publicación “Pintura, Fotografía, Film”, aparecida en 1925, constituye el octavo volumen de los “Libros de la Bauhaus” y es uno de los principales pilares de la fotografía. En este volumen, MoholyNagy establecía una relación entre la pintura y la fotografía. El artista clasificaba la pintura como un medio para dar forma al color, mientras que la fotografía servía de instrumento de investigación y la exposición del fenómeno luz.
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A lo largo de estas experiencias, Moholy-Nagy intentará captar la luz bajo los mejores ángulos e intensidades para crear un material plástico por completo. Para ello, abandonará los objetos opacos en favor de objetos transparentes, traslúcidos o diáfanos como el cristal, el vidrio, ciertos líquidos, velos, tamices, a menudo superpuestos para acentuar los efectos de contraste, grano y textura.
través de un movimiento continuo. Este trabajo repercutió decisivamente en su vinculación con la escultura y con las investigaciones fotográficas del momento. ya que Alexander Rodchenko había trabajado previamente con un
modulador en el que sólo se buscaban sombras.
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Asimismo, en 1922 y 1930, Moholy-Nagy trabajó en un Modulador luz-espacio, que consiste en una serie de planos metálicos perforados que producen efectos de luces y sombras. Por medio de un motor, en este método se realiza una asociación de formas de diferentes materiales, que son iluminadas para que provoque un efecto de sombreado concreto. MoholyNagy hace chocar estas formas a El artista seguía el espíritu utópico de su tiempo: su voluntad de desarrollar al máximo las capacidades físicas y la conceptualización humana en una síntesis funcional del cuerpo y el espíritu
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INICIOS DEL CARTELISMO La introducción del cartel en la sociedad. Las primeras distribuciones masivas de carteles fueron llevadas a cabo en Gran Bretaña e Italia en 1894, Alemania en 1896, y Rusia en 1897. La más importante fue llevada a cabo en Reims, Francia en 1896 y repartió 1.690 carteles por todo el país.
CHERET Y EL INICIO DEL CARTEL Aunque la litografía fue inventada en 1798 por Aloys Senefelder, esta técnica era al principio demasiado lenta y costoso para la producción del carteles. La mayoría de los carteles eran producidos en bloques de madera (xilografía) o grabados del metal con poco color o diseño. El desarrollo del proceso litográfico de tres colores de Cheret abrió una brecha que permitió que los artistas alcanzaran cada color del arco iris con tan sólo tres piedras -generalmente rojas, amarillas y azul impresas en un registro cuidadoso. Aunque el proceso era difícil, el resultado era una intensidad notable del color y textura, con sublimación de las transparencias y los matices imposibles en otros medios (incluso hoy día). Esta capacidad de combinar palabra e imagen en un formato tan atractivo y económico, finalmente hizo al cartel litográfico, una innovación de gran alcance. Comenzando en 1870 en París, se convirtió en el medio dominantes de la comunicación de masa en las ciudades de Europa y América. Las calles de París, Milán y Berlín fueron transformadas rápidamente en la “galería de arte de la calle,” entrando de lleno en la edad moderna de la publicidad.
1 Lautrec’s, “Moulin Rouge”, elevó el estado del cartel al la categoría de arte.
LA BELLE EPOQUE Durante el 1890, En plena belle Epoque en Francia, la afición por el cartel estaba en plena floración. En 1891, el primer cartel de ToulouseLautrec’s, “Moulin Rouge”, elevó el estado del cartel al la categoría de arte. Las exposiciones, los expositores y los distribuidores del cartel proliferaron, satisfaciendo la demanda del público por el cartel. Al comienzo de la década, el distribuidor parisino pionero Sagot, numeró 2200 carteles en su catálogo de las ventas. En 1894, Alphonse Mucha (18601939), un funcionario checo residente en París, creó la primera obra
Alphonse Mucha (1860-1939), un creó la primera obra maestra del cartel de Art Nouveau.
A pesar del cruce con los estilos de la “Belle Epoque”, los estilos nacionales distintivos llegaron a ser evidentes. Los carteles holandeses fueron marcados por el orden lineal; los carteles italianos por su drama y escala magnífica; Los alemanes para su franqueza y medievalismo. La gran influencia de Francia había encontrado un contrapeso. El estilo Art Nouveau continuó después de acabado el siglo, aunque perdió mucho de su dinamismo con la imitación y la repetición. La muerte de ToulouseLautrec en 1901 y del abandono del arte del cartel por Mucha y Cheret -ambos dieron vuelta a la pintura- dejó un vacío en Francia en el nuevo siglo. Este fue llenado por un joven caricaturista italiano llamado Leonetto por el ilustrador Cappiello, que llegó en París en 1898.
maestra del cartel de Art Nouveau. El estilo florido de Mucha, nace durante la noche cuando Mucha fue presionado para producir un cartel para Sarah Bernhardt, la brillante actriz que había tomado París. Con influencias de los Pre-Rafaelistas, y del arte bizantino, este estilo dominó la escena parisina en los diez años siguientes y se convertiría en el principal movimiento decorativo internacional del arte hasta Primera Guerra Mundial. nfluenciado fuertemente por Cheret y Toulouse-Lautrec, CapEl cartel fue introduciéndose lenta- piello rechazó el detalle quisquilmente en otros países pero a partir loso del Art Nouveau. En su lugar él de 1880, se aceleró su popularidad. se centró en crear una imagen simEn cada país, el cartel fue protago- ple, a menudo chistosa o extraña, nista también de todos los eventos que cautivaría inmediatamente la culturales de importanciade la so- atención y la imaginación del esciedad europea. pectador callejero.
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A pesar de la perturbación producida por la Primera Guerra Mundial y por la Revolución, en Rusia hubo un florecimiento del arte creativo.
PRIMERA GUERRA MUNDIAL Y EL BOLCHEVIQUE Significó un nuevo papel del cartel: la propaganda. De hecho, la guerra supuso la campaña publicitaria más grande hasta la fecha, desde recaudar dinero, a soldados de reclutamiento y de alzar esfuerzos voluntarios, a estimular la producción o provocar ultraje y atrocidades en las lineas enemigas. América solamente, produjo cerca de 2.500 diseños y aproximadamente 20 millones de carteles, casi un cartel para cada 4 ciudadanos en poco más de 2 años. Las lecciones de la brillante publicidad americana en la Gran Guerra no fueron desperdiciadas por la Rusia bolchevique, que dieron vuelta al arte del cartel en ayuda a su guerra civil. Lenin y sus seguidores demostrados ser los amos de la propaganda moderna, y el cartel se convirtieron en una arma vital quel sería utilizada a través del siglo en guerras calientes y frías por todas partes. La propaganda es un conjunto de métodos utilizados por un poder político o religioso con el fin de obtener efectos ideológicos o psicológicos.
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El diseño constructivista se caracterizó por un estilo basado en formas verticales y horizontales sólidas y estáticas; recurriendo a la técnica del fotomontaje, como método de ilustración.
El Art Déco se basa principalmente en la geometría imperante del cubo, la esfera y la línea recta, además de los imprescindibles zigzags; conjuntos horizontales y verticales de líneas rectas, o bien perpendiculares combinadas con medias circunferencias y circunferencias enteras, además de los exágonos y los octágonos.
Nuevos materiales industriales se ponen de moda: el cromo, la baquelita y el plástico; naturales, piel de zapa, de tiburón y el carey; maderas traídas de lejanas tierras como el ambón, el ébano y el palisandro.
MODERNISMO Y ART - DECO
imiento decorativo internacional llamado “ArtDeco”. En este estilo la máquina, la energía y la velocidad se convirtieron en los temas primarios. Las formas fueron simplificadas y aerodinamizadas, y los tipos de letra curvados fueron substituidos por los lisos, angulares. El arte Deco demostró una variedad amplia de influencias gráficas, de los movimientos modernos del arte del Cubismo, de Futurismo y de Dada; a los avances del diseño de la Secesión de Viena, de Plakatstil, y del Constructivismo ruso; al arte exótico de Persia, de Egipto, y de África.
Riccobaldi en Italia, Ludwig Hohlwein en Alemania, Pieter Hofman en Holanda, Otto Morach y Herbert Matter en Suiza, E. McKnight Kauffer en Inglaterra, y Francisco Gali en España,
Después de la Primera Guerra Mundial, lainspiración orgánica del Art Nouveau parecía inaplicable en una sociedad cada vez más industrial. Las nuevas realidades fueron expresadas mejor en los movimientos modernos del arte del cubismo, Futurismo, Dada y del expresionismo, que tendrían una influencia profunda en el diseño gráfico. En la Unión Soviética, el movimiento Constructivista tomó el liderazgo en los años 20 con la meta de crear una nueva sociedad tecnológica. El edificio en el movimiento de Suprematista de Kasimir Malevich (la consecuencia rusa de Cubismo y Futurismo), el Constructivismo desarrolló un estilo de”agitación” de la composición, marcado por las diagonales, fotomontajes y colores primarios. Conducido por El Lissitsky, Alexander Rodchenko, Gustav Klutsis, y Stenberg, el trabajo de los Constructivistas tendría un impacto importante en diseño occidental, sobre todo a través del “Bauhaus” y del movimiento de “de Stijl”. Este lenguje científico del diseño fue popularizado en un nuevo mov-
El término “ArtDeco” se deriva de la exposición de “Artes Decorativas” de 1925 en París, que demostró ser un escaparate espectacular para el estilo. En París, el estilo caricaturesco de llevó a las imágenes geométricas, intelectuales de A.M. Cassandre, que popularizaron las técnicas del aerógrafo para la aplicación del color. Sus carteles de cruceros de Normandie, de Statendam y de Atlantique se convirtieron en iconos de la edad industrial. El ArtDeco, como el Art Nouveau antes de él, se extiende rápidamente a través de Europa. Los artistas Federico Seneca y Giuseppe
En gran medida estas aspiraciones se basaron en las ideas estéticas de John Ruskin y William Morris, que proponían democratizar la belleza o socializar el arte, en el sentido de que hasta los objetos más cotidianos tuvieran valor estético y fueran accesible a toda la población, aunque sin utilizar las nuevas técnicas de producción masiva que impedían el desarrollo del buen hacer artesanal El modernismo no sólo se dio en las artes mayores (pintura, escultura y arquitectura), sino también las artes menores, aplicadas o decorativas, en las artes gráficas y en el diseño de mobiliario, rejería, joyería, cristalería, cerámica, lámparas y todo tipo de objetos útiles en la vida cotidiana, incluido el mobiliario urbano, que pasó a tener gran importancia (kioscos, estaciones de metro, farolas, bancos, papeleras, urinarios1 ).
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CARTEL CONSTRUCTIVISTA Crea tu cartel constructivista en photoshop
PASO 01
Investigar sobre el tema, bocetar, crear una composición y buscar recursos que puedan servir a la hora de montar el trabajo en photoshop. .
PASO 02
Para comenzar a montar el cartel será necesario elegir un fondo, conseguir tipografías con el estilo del Kremlin, imágenes relacionadas con el constructivismo y texturas que den la sensación de deterioro.
PASO 03
Una vez seleccionadas las imágenes, estas se deberán recortar con la herramienta de pluma, dejando la transparencia en el fondo recortado. Luego es necesario convertir la imagen a escala de grises, para poder manipular el color posteriormente. Una vez términado el proceso, pegar las imágenes en el fondo
PASO 04
Para resaltar las imágenes podemos hacer uso de figuras geométricas planas. Este diseño contiene tres rectángulos y un semicírculo. Para añadir una textura y movimiento a las figuras, se debe de jugar con la herramienta free transform, y si se quiere dar un efecto de pixelación a los contornos se logra con la caja de herramienta s en unsharp mask fllter. Este proceso se debe de repetir con cada uno de las figuras.
opus- 11 PASO 05
Si las figuras estan sobre las imágenes, se deben de borrar los excedentes en los bordes inferiores. Esto se logra haciendo una selección en el área que se quiere eliminar y habilitando únicamente las capas que se quieren borrar.
PASO 09
Para agregar texturas y efectos en la iluminación se en el los elementos, se puede trabajar con las herramientas en la caja de capas. No hay que olvidar agregar sombras y e iluminaciones para que se vea más real.
PASO 06
Se puede jugar con posiciones, tamaños. Tomando en cuenta el uso de elementos que sigan una misma línea gráfica y gama cromática.
PASO 07
Se agregan otros elementos a la composición para términar de ambientar. En este caso, se agregaron fotografías, y letras. Para dar profundidad a los elementos se debe de jugar con la posición en la que se encuentran cada una de las capas
PASO 10
Si se desea crear una gama de colores similares y ua textura uniforme en todo el diseño, se debe e crear una capa con una degradación, a la que se le dará una textura, darle una luz fuerte y una opaciad del 80%.
PASO 11
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PASO 08
Si se desea más profundidad. se puede añadir una figura con una degradación el la penúltima capa. Este diseño tiene un semicírulo, pero se puede probar con otras figuras.
RESULTADO FINAL
Y para finalizar hacemos ajustes en el estilo, contraste, colores, brillo etc.
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