9 Sculptors Types of Abstraction Exhibition by Durban Segnini Gallery

M. VALDÉS W. CALDAS A. CÁRDENAS P. ATCHUGARRY E. R. VILLAMIZAR

J. MARINHO W. BARBOSA M. FELGUÉREZ G. BOTERO

TYPES OF ABSTRACTION APRIL / JULY 2018 1

The Durban Gallery Segnini Miami presents this April a selection of nine internationally recognized contemporary sculptors. Sculptors of different generations and nationalities, who immerse the viewer in a great journey through Abstract sculpture in its most diverse forms and expressions. ¨9 Sculptors. Types of Abstraction¨ includes about twenty works that show the amplitude and richness of the sculptural forms of abstraction. Sculptures in marble, iron and bronze, but also in aluminum, wood and mixed media. The exhibition is a privileged opportunity to appreciate and compare the sculptural work of Abstraction on the materials that have defined the development of classical, modern and contemporary sculpture. Works developed by a group of artists, whose trajectories, in many cases, have renewed the panorama of Latin American Abstraction of the twentieth century and part of our twenty-first century. Participating Artists: Manolo Valdés, Waltercio Caldas, Agustín Cárdenas Pablo Atchugarry, Eduardo Ramírez Villamizar, Jaildo Marinho, William Barbosa, Manuel Felguérez, y Germán Botero Thanks to this authors’ and works’ selection, viewers will travel to a more lyrical Abstraction with representative art pieces of Agustín Cárdenas (Cuba, 1927-2001) or Pablo Atchugarry (Uruguay, 1954. Also on this trip, the viewer will stop at the most Geometric Abstraction of master Ramírez Villamizar (Colombia, 1923-2003) and young artist Jaildo Marinho (Brazil, 1970), passing through the Abstract-Symbolic sculpture of Manuel Felguérez (Mexico, 1927) and Germán Botero (Colombia, 1946). In addition, the exhibition also includes sculptures of Abstract expressionist inspiration, such as the works of Manolo Valdés (Spain, 1942) and installation-sculpture by Waltercio Caldas (Brazil, 1946), one of the great innovators of the Brazilian sculpture during the late 20th century. In this great variety of Abstract languages proposed in ‘9 Sculptors. Types of Abstraction’, the viewer will however note surprising links in the forms and contents between sculptors of different generations; those who have expressed themselves through sculpture’s Abstract language, as a kind of that synthesizes the History of a tendency that is fundamental to understand the artistic project of Latin American Modernity.

La Galería Durban Segnini Miami presenta este mes de abril una selección de nueve escultores contemporáneos internacionalmente reconocidos. Escultores de distintas generaciones y nacionalidades, que sumergen al espectador en un gran viaje por la escultura abstracta en sus más diversas formas y expresiones. ¨9 Escultores. Formas de Abstracción¨ incluye alrededor de una veintena de obras que muestran la amplitud y riqueza de las formas escultóricas de la abstracción. Esculturas en mármol, hierro y bronce, pero también en aluminio, madera y técnicas mixtas. La muestra es una privilegiada oportunidad para apreciar y comparar el oficio escultórico de la Abstracción sobre los materiales que han definido el desarrollo de la escultura clásica, moderna y contemporánea. Obras desarrolladas por un grupo de artistas, cuyas trayectorias, en muchos de los casos, han renovado el panorama de la Abstracción latinoamericana del siglo XX y lo que va del siglo XXI. Artistas participantes: Manolo Valdés, Waltercio Caldas, Agustín Cárdenas Pablo Atchugarry, Eduardo Ramírez Villamizar, Jaildo Marinho, William Barbosa, Manuel Felguérez, y Germán Botero. Gracias a esta selección de autores y obras, los espectadores podrán viajar, por ejemplo, a una abstracción más lírica de un Agustín Cárdenas (Cuba, 1927-2001) o de un Pablo Atchugarry (Uruguay, 1954), con trabajos representativos de sus respectivas trayectorias. También en este viaje, el espectador hará escala en la Abstracción más geométrica del maestro Ramírez Villamizar (Colombia, 1923-2003) y el joven Jaildo Marinho (Brasil, 1970), pasando por la escultura abstracto-simbólica de Manuel Felguérez (México, 1927) y Germán Botero (Colombia, 1946). Por si fuera poco, la muestra recoge además esculturas de inspiración expresionista abstracta como es la obra de Manolo Valdés (España, 1942) y prácticas de escultura instalativa de Waltercio Caldas (Brasil, 1946), uno de los grandes renovadores de la escultura brasileña de la segunda mitad del siglo XX. En esta gran variedad de lenguajes abstractos propuestos en ‘9 Escultores. Formas de Abstracción’, el espectador constatará, sin embargo, sorprendentes vínculos en las formas y contenidos entre escultores de diferentes generaciones. Diferentes generaciones de escultores que se han expresado a través del lenguaje abstracto de la escultura, como lenguaje que sintetiza la Historia de una tendencia fundamental para comprender el proyecto artístico de la Modernidad Latinoamericana.

DIRECTORS | DIRECTORES César Segnini Sulay Segnini ASSISTANTS MANAGER | ASISTENTES Jacqueline Cardentey Juan Carlos Webber Adalberto Grisanti 9 SCULPTORS - TYPES OF ABSTRACTION APRIL | JULY 2018 TEXT | TEXTO Dennys Matos PHOTOGRAPH | FOTOGRAFO Oriol Tarridas MUSEOGRAPHY AND EXHIBITION DESIGN | MUSEOGRAFIA Y MONTAJE Luis La Rosa GRAPHIC DESIGN | DISEÑO GRÁFICO Miguel Manrique

3072 SW 38th Avenue Miami, FL 33146. USA Ph (305) 774 7740 Fax (305) 774 7741 gallery@durbansegnini.com durbansegnini.com 4

TYPES OF ABSTRACTION 5

Manolo Valdés Waltercio Caldas Agustín Cárdenas Pablo Atchugarry Eduardo Ramírez Villamizar Jaildo Marinho William Barbosa Manuel Felguérez Germán Botero

MANOLO VALDES

Manolo Valdés (Valencia, Spain - 1942) Spanish painter and sculptor. Manolo Valdés Blasco was born on March 8, 1942 in the city of Valencia. He attended the baccalaureate at the Dominican school in his hometown. In 1957, once completed these studies, he entered the School of Fine Arts of San Carlos. The overly academic training that was taught there should not have satisfied him too much since, only two years later, he left this institution to dedicate himself completely to painting. In the early sixties, Valdés, together with the artists Gorris, Juan Antonio Toledo and Rafael Solbes, among others, and the art historian Tomás Llorens, formed the Estampa Popular de Valencia group. At a time when the country, although timidly, was opening up to the market economy, the aforementioned group advocated redefining the role of art and the artist within the framework of that Spain in the process of transformation. For them, the new artistic expressions, in addition to echoing this nascent socioeconomic situation, should take into consideration the language and visual resources coming from the mass media. The Chronic Team. In 1964 Manolo Valdés, Rafael Solbes and Juan Antonio Toledo split from Estampa Popular and formed the Equipo Crónica. A year later Toledo would abandon the project and it would remain, until the death of Solbes, in 1981, in the hands of the first two. The Equipo Crónica, emerged as a critique of individualism and the romantic image of the genius artist. Hence the idea of dissolving the personality of artists under a collective name and, at the same time, anonymous. In 1981 at those difficult moments, Manolo Valdés was joined by the uncertainty of deciding how and where to continue his career, choose to embarking on a solo path. The first exhibition he made after the death of Solbes was in the Maeght Gallery in Barcelona in 1982. Throughout the eighties, Valdés was incorporating a new sense of pictorial treatment that moved him away from the ways of doing inherited from his stage in Equipo Crónica. In 1989, looking for new creative stimuli, he moved with his family to New York, a city where he has continued to live and work ever since. Between October of 2002 and January of 2003, the Guggenheim Museum Bilbao dedicated one of the most important retrospectives that have been done so far. The exhibition, curated by Kosme de Barañano, showed a selection of the most significant paintings and sculptures from his last twenty years of artistic career.

Pintor y escultor español. Manolo Valdés Blasco nació el 8 de marzo de 1942 en la ciudad de Valencia. Cursó el bachillerato en el colegio de los dominicos de su ciudad natal. En 1957, una vez finalizados dichos estudios, ingresó en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos. La formación excesivamente académica que allí se impartía no debió satisfacerle demasiado puesto que, sólo dos años más tarde, abandonó esta institución para dedicarse por completo a la pintura. A principios de los años sesenta, Valdés, junto con los artistas Gorris, Juan Antonio Toledo y Rafael Solbes, entre otros, y el historiador del arte Tomás Llorens, constituyó el grupo Estampa Popular de Valencia. En un momento en el que el país, aunque de manera tímida, se abría a la economía de mercado, el citado grupo abogó por redefinir el papel del arte y del artista en el marco de esa España en pleno proceso de transformación. Para ellos, las nuevas expresiones artísticas, además de hacerse eco de esa naciente situación socioeconómica, debían tomar en consideración el lenguaje y los recursos visuales procedentes de los medios de comunicación de masas. El Equipo Crónica. En 1964 Manolo Valdés, Rafael Solbes y Juan Antonio Toledo se escindieron de Estampa Popular y formaron el Equipo Crónica. Un año después Toledo abandonaría el proyecto y éste quedaría, hasta la muerte de Solbes, en 1981, en manos de los dos primeros. El Equipo Crónica, influido por los debates generados en el seno de Estampa Popular, surgió como una crítica al individualismo y a la imagen romántica del artista genio. De ahí la idea de disolver la personalidad de los artistas bajo un nombre colectivo y, a la vez, anónimo. En 1981, momentos difíciles, para Manolo Valdés se le sumó la incertidumbre de decidir cómo y hacia dónde proseguir su carrera. Eligio entre emprender camino en solitario. La primera exposición que realizó después de la muerte de Solbes fue en la Galería Maeght de Barcelona en 1982. A lo largo de los años ochenta, Valdés fue incorporando un nuevo sentido del tratamiento pictórico que lo alejó progresivamente de los modos de hacer heredados de su etapa en el Equipo Cónica. En 1989, buscando nuevos estímulos creativos, se trasladó junto con su familia a Nueva York, ciudad en la que ha seguido viviendo y trabajando desde entonces. Entre octubre de 2002 y enero de 2003, el Museo Guggenheim Bilbao le dedicó una de las retrospectivas más importantes que se hayan hecho hasta el momento. La exposición, comisariada por Kosme de Barañano, mostró una selección de las pinturas y esculturas más significativas de sus últimos veinte años de trayectoria artística. 7

Manolo ValdĂŠs, Regina Con Sombrero, 1998, Wood, 78.74 x 55.12 x 51.18 in. | 200 x 140 x 130 cm. Bibliography: Exhibited in the Guggenheim Museum of Bilbao, Spain. The piece has a certificate signed by the artist.

WALTERCIO CALDAS

WALTERCIO CALDAS (Rio de Janeiro, Brazil - 1946) Waltercio Caldas is known for his rigorous formal concerns, which arrive from investigations into human perception. Widely considered by critics, curators and writers to be one of the most important artists emerging from Brazil in the years following the Neo-Concrete movement of the early 1960s, Caldas frequently uses forms that defy one’s sense of volume and depth perception. Viewers are often surprised by his objects which reference architectural and perspectival space that is not wholly present. His materials – often stainless steel, thread, granite, ice or cloth – become part of the experience created or intimated. These materials suggest an ephemerality, further confirming Caldas’ desire to let the viewer’s experience cultivate meaning in the work. Caldas (b. Rio de Janeiro, 1946) lives and works in Rio de Janeiro, Brazil. Most recently Caldas has been the subject of a touring retrospective that opened at Fundação Ibere Camargo, Brazil (2012) then traveled to Pinacoteca São Paulo, Brazil (2013), and made its final stop at Blanton Museum in Austin, TX (2013). He has been the subject of solo exhibitions at Casa França-Brasil, Rio de Janeiro (2012); Daros Latinamerica, Zurich, Switzerland (2010); and Museu de Arte Moderna, Rio de Janeiro, Brazil (2010). Caldas’ work is in the collections of the Museum of Modern Art, New York, NY; Museu de Arte Moderna, Rio de Janeiro, Brazil; National Gallery of Art, Washington, DC; and Museu de Arte Moderna de São Paulo, Brazil, among others.

Waltercio Caldas es conocido por sus rigurosas preocupaciones formales, que provienen de las investigaciones sobre la percepción humana. Ampliamente considerado por críticos, curadores y escritores como uno de los artistas más importantes surgidos de Brasil en los años posteriores al movimiento neoconcreto de principios de la década de 1960, Caldas utiliza con frecuencia formas que desafían el sentido del volumen y la percepción de profundidad. Los espectadores a menudo se sorprenden por sus objetos que hacen referencia al espacio arquitectónico y de perspectiva que no está totalmente presente. Sus materiales, a menudo acero inoxidable, hilo, granito, hielo o tela, se convierten en parte de la experiencia creada o insinuada. Estos materiales sugieren una efimeracia, confirmando aún más el deseo de Caldas de permitir que la experiencia del espectador cultive significado en el trabajo. Caldas (Río de Janeiro, 1946) vive y trabaja en Río de Janeiro, Brasil. Recientemente, Caldas ha sido objeto de una retrospectiva itinerante que se inauguró en la Fundação Ibere Camargo, Brasil (2012), luego viajó a Pinacoteca São Paulo, Brasil (2013) y realizó su última parada en Blanton Museum en Austin, TX (2013). Ha sido objeto de exposiciones individuales en Casa França-Brasil, Río de Janeiro (2012); Daros Latinamerica, Zurich, Suiza (2010); y Museu de Arte Moderna, Río de Janeiro, Brasil (2010). El trabajo de Caldas está en las colecciones del Museo de Arte Moderno, Nueva York, NY; Museu de Arte Moderna, Río de Janeiro, Brasil; Galería Nacional de Arte, Washington, DC; y el Museo de Arte Moderno de São Paulo, Brasil, entre otros.

Waltercio Caldas, A Tale (Uma Fรกbula), 2013 Stainless Steel, Glass and Resin, 63 x 92.5 x 25.6 in. |160 x 235 x 65 cm. Catalogo: Waltercio Caldas: Fiction in Things Imagen #17. Galeria Raquel Arnoud. 2015. 13

AGUSTIN CARDENAS

Agustín Cárdenas (Matanzas, 1927 - Havana, Cuba, 2001) Painter and sculptor. He studied between 1943 and 1949 at the San Alejandro Academy of Fine Arts in Havana. He was a founder and prominent activist of the Los Once Group who introduced Abstraction as a renewing trend of the visual arts in Cuba between 1953 and 1955. He traveled to Paris in 1955 and the following year he was invited by the esthete of Surrealism Andrés Bretón to participate in an collective exhibition in the gallery of the surrealist group L’Etoile Scellé. He was part of the Surrealist movement since 1957. Among the most important grants and decorations are the Sculpture Grant of the Paris Biennial (1961); Knight of Arts and Letters of France (1976); National Prize of the Plastic Arts of Cuba (1995). The work of Agustín Cárdenas renews the language... of Surrealism, practicing an original interpretation of the relation between Abstraction and Figuration. It is a renewal of the surrealist language given by the incorporation of figurative features (present also in the work of Wilfredo Lam) of the AfroCuban cultural Syncretism. His sculptures made of Carrara marble and wood reflect on the expression of the unconscious as an inexhaustible source of freedom for the subject. Cardenas merges elements of the Western social and historical imaginary with symbolic traits from the rituality of his African roots. Among his most representative exhibitions are, for example: Palacios de Bellas Artes (La Habana, 1955); Galerie de la Cour d’Ingres, presented by André Breton, (Paris, 1959); Richard Feigen Gallery (Chicago, 1962); Galerie Jacques Benador (Paris, 1975); Museum of Fine Arts (Caracas, 1982); Durban Segnini Gallery (Caracas, 1990); “Retrospective”. Couvents des Cordeliers, Mairie (Paris, 1997). “Desires and Grace Haim Chanin Fine Arts Gallery (N.York, 2002). The work of Agustín Cárdenas is present in important public and private collections such as Fonds National d’Art Contemporain (France), Museum of Modern Art (Japan), Museum of Modern Art (Israel), Musée d’Art Contemporain (Canada), Musées Royaux des Beaux Arts (Belgium), National Museum of Fine Arts (Cuba), Museum of Fine Arts (Venezuela), Musee d’Art Moderne de la Ville de Paris, (France).

Pintor y escultor. Estudió entre 1943 y 1949 en la academia de Bellas Artes San Alejandro de La Habana. Es fundador y activista prominente del Grupo Los Once que introduce la Abstracción como tendencia renovadora de las artes visuales en Cuba entre 1953 y 1955. Viaja a París en 1955 y al siguiente año es invitado por el esteta del Surrealismo Andrés Bretón a participar en una exposición colectiva en la galería del grupo surrealista L’Etoile Scellé. Forma parte del movimiento Surrealista desde 1957. Entre los premios y condecoraciones más importantes destacan, Premio de escultura de la Bienal de París (1961); Caballero de las Artes y las Letras de Francia (1976); Premio Nacional de la Arte Plásticas de Cuba (1995). La obra de Agustín Cárdenas renueva el lenguaje del surrealismo, practicando una original... interpretación de la relación entre abstracción y figuración. Es una renovación del lenguaje surrealista dada por la incorporación de rasgos figurativos (presente también en la obra de Wilfredo Lam) del sincretismo cultural afrocubano. Sus esculturas realizadas en mármol de Carrara, broce y madera reflexionan sobre la expresión del inconsciente como fuente inagotable de libertad del sujeto. Cárdenas fusiona elementos del imaginario social e histórico occidental con rasgos simbólicos provenientes de la ritualidad de sus raíces africanas. Entre sus exposiciones más representativas destacan, por ejemplo, Palacios de Bellas Artes (La Habana, 1955); Galerie de la Cour d’Ingres, presentada por André Bretón, (París, 1959); Richard Feigen Gallery (Chicago, 1962); Galerie Jacques Benador (París, 1975); Museo de Bellas Artes (Caracas, 1982); Durban Segnini Gallery (Caracas, 1990); “Retrospective”. Couvents des Cordeliers, Mairie (Paris, 1997). “Desires and Grace. Haim Chanin Fine Arts Gallery (N.York, 2002). La obra de Agustín Cárdenas está presente en importantes colecciones públicas y privadas como, por ejemplo, Fonds National d’Art Contemporain (Francia); Museo de Arte Moderno (Japón); Museo de Arte Moderno, (Israel); Musée d’Art Contemporain (Canadá); Musées Royaux des Beaux Arts (Bélgica); Museo Nacional de Bellas Artes, (Cuba); Museo de Bellas Artes (Venezuela) y Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, (Francia).

Agustin Cardenas, Couple I, 1989 engraved and painted wood, 62,20 x 17 in | 158 x 43 cm.

Agustin Cardenas, Couple II, 1989 engraved and painted wood, 62,20 x 17 in | 158 x 43 cm.

Agustín Cárdenas, Después del Ritual, 1989 Bronze, 18 x 25 x 35 in | 46 x 64 x 89 cm. Catálogo: Diálogo Tridimencional, Pag. 18, Durban Segnini Gallery, 2014 18

Agustín Cárdenas, Le Couple, 1989 Bronze, 56 7/8 x 30 x 27 in. |144 x 76 x 68 cm. Catálogo: Diálogo Tridimencional, Pag. 20, Durban Segnini Gallery, 2014 19

PABLO ATCHUGARRY

Pablo Atchugarry (Montevideo, Uruguay, 1954) Sculptor and Painter. He made himself known through his paintings in the early seventies, but the sculpture gradually gained importance with the use of materials such as cement, wood and iron. At the end of the decade of 1970 he made several trips between Spain, France and Italy where he investigates and perfects sculptural techniques and trades that gives him a particular mastery of forms and volumes on the stage of contemporary sculpture. Among his most important grants and contests: the National Contest Civiltà e Cultura del Lavoro Lecchese (1999), with a large sculpture of Bernini white marble of 6 meters in height and thirty tons of weight. That same year the Pablo Atchugarry Museum was inaugurated. In 2002 Carrara awarded him the Michelangelo Prize. The followi... ng year with Dreaming Peace he represented Uruguay at the 50th Venice Biennale. The sculptural language of Atchugarry braids expressive resources of a late Surrealism with elements of the Abstractionism, that bring to its work a special visual. A visual marked by the use of Carrara and Portugal marble as fundamental material of its production, although he also uses iron and wood. The “spiky” character, monolithic, a kind of columns with sinuous hollows and volumes of soft forms, project to his sculptures majesty and mystery. At the beginning, the sculptures of Atchugarry were inspired by religious motifs, then he evoked natural forms of caves, stalagmites and stalactites that populate the deep landscape of Europe and America. It is a sculpture that bridges between material and spiritual, between culture and nature. Of his most important personal exhibitions stand out: Maison de l’Amerique Latine (Paris, 1979); Salvini Museum (Coquio Trevisago, 1988); Galerie L`Oeil (Brussels, 1992); National Museum of Fine Arts (Buenos Aires, 2005); Groeninge Museum, (Bruges 2006); “The plastic space of light”. National Museum of Visual Arts, (Montevideo, 2008); “Olympic Spirit.” Albermale Gallery, (London, 2012) “Journey through Matter.” Pablo Atchugarry Foundation, (Montevideo, 2013) “Invocations of the Soul” Holllis Taggart Galeries, (New York, 2016). His works are present in numerous collections and private and public institutions from Europe, United States and Latin America, such as: Museo Lercaro, (Italia); Peréz Art Museum, (USA); Colección Berardo, (Portugal). In 1999 the Pablo Atchugarry Museum was inaugurated in Lecco (Italy).

Escultor y Pintor. Se dio a conocer a través de la pintura a principio de los años setenta, pero la escultura fue gradualmente cobrando importancia con el empleo de materiales como el cemento, la madera y el hierro. A finales de la década de 1970, realiza varios viajes entre España, Francia e Italia, donde investiga y perfecciona las técnicas y oficios escultóricos que le aportan un particular dominio de las formas y los volúmenes en el escenario de la escultura contemporánea. Entre sus premios y concursos más importantes destacan el Concurso Nacional Civiltà e Cultura del Lavoro Lecchese, (1999), con una gran escultura de mármol blanco Bernini de 6 metros de altura y treinta toneladas de peso. Ese mismo año se inaugura el Museo Pablo Atchugarry. En 2002 Carrara le concede el Premio Michelangelo. Al año siguiente con ... Soñando la paz representa a Uruguay en la 50ª Bienal de Venecia. El lenguaje escultórico de Atchugarry trenza recursos expresivos de un surrealismo tardío con elementos del abstraccionismo, que le aportan a su obra una singular visualidad. Una visualidad marcada por el empleo del mármol de Carrara y de Portugal, entre otros, como material fundamental de su producción, aunque también usa el hierro y la madera. El carácter ” espigado”, monolítico, especie de columnas con oquedades sinuosas y volúmenes de formas suaves, proyectan a sus esculturas majestuosidad y misterio. En sus inicios, las esculturas de Atchugarry, estuvieron inspiradas en motivos religiosos, para luego evocar formas naturales de las cuevas, de las estalagmitas y estalactitas que pueblan el paisaje profundo de Europa y América. Es una escultura que tiende puentes entre lo material y lo espiritual, entre cultura y naturaleza. De sus exposiciones personales más importantes destacan Maison de l’Amerique Latine (París, 1979); Museo Salvini (Coquio Trevisago, 1988); Galerie L`Oeil (Bruselas, 1992); Museo Nacional de Bellas Artes (Buenos Aires, 2005); Groeninge Museum, (Brujas 2006); “El espacio plástico de la luz”. Museo Nacional de Artes Visuales, (Montevideo, 2008); “Espíritu olímpico”. Albermale Gallery, (Londres, 2012) “Viaje a través de la materia”. Fundación Pablo Atchugarry, (Montevideo, 2013). “Invocations of the Soul” Holllis Taggart Galeries, (New York, 2016)). Sus obras están presentes en numerosas colecciones e instituciones privadas y públicas, de Europa, Estados Unidos y América Latina, como, entre otras: Museo Lercaro, (Italia); Pérez Art Museum, (USA); Colección Berardo, (Portugal). En 1999 se inauguró el Museo Pablo Atchugarry en Lecco,(Italia). 21

(top) Pablo Atchugarry, Victoria Alada, 2015 Bronze, 20,86 x 20,86 x 16,14 in | 53 x 53 x 41cm.

Pablo Atchugarry, Statuary, 2015 Carrara marble, 44,88 x 8,26 x 7,08 in | 114 x 21 x 18 cm.

EDUARDO RAMIREZ VILLAMIZAR

EDUARDO RAMIREZ VILLAMIZAR, Pamplona, (Colombia), 1923 – Bogotá, 2004. Painter and sculptor. He studied architecture for four years, a career he gave up for painting. He started as an expressionist painter, a tendency that he left behind in 1950 in Paris, when he discovered geometric abstraction. In 1955 he made the first non-objective mural in Colombia. In 1959 he won first prize in painting at the XII Salón Nacional de Artistas with his artwork Horizontal en blanco y negro, and that same year he carries out in Bogotá the mural Relieve dorado, a large format and clear allusions to the pre-Columbian design. A creative combination of flat shapes related through straight lines or curves and organically articulated, characterized the visualization of his geometric abstract poetic. Ramírez Villamiz... ar lived and worked in New York from 1967 to 1974. In 1973 he performed other public sculptures in the United States: Hexagon in New York and De Colombia to John Kennedy in Washington. In 1976 Ramírez Villamizar is invited to the XXXVI Venice Biennale. Among his most important solo exhibitions are: “Eduardo Ramírez, Sculptor”, David Herbert Gallery (New York, 1960); “Eduardo Ramírez Villamizar: exposición retrospectiva, 1958-1972”, Museo de Arte Moderno (Bogotá, 1972); “El espacio en forma: Eduardo Ramírez Villamizar, exposición retrospectiva 1945-1985”, Biblioteca Luis Ángel Arango (Bogotá, 1985-86); Museo Rufino Tamayo (Mexico, DF, 1990); Galerie Denise René (Paris, 1998); “Ramírez Villamizar: Geometry, Abstraction, Connotation: Sculptures”, Durban Segnini Gallery (Miami, 2007). His works are represented in major museums and collections including, among others: Museum of Modern Art (New York, USA); Banco de la República (Bogotá, Colombia); Museo de Arte Moderno de Bogotá (Bogotá, Colombia); Museu de Arte Moderna de Rio de Janeiro (Río de Janeiro, Brasil); Banco de la República (Bogotá, Colombia) and and South Window Collection (Glendale, California, USA).

Pintor y escultor. Estudia Arquitectura durante cuatro años, carrera que abandona por la pintura. Se inicia como pintor expresionista, tendencia que deja atrás en 1950 durante su estancia en París, cuando descubre el abstraccionismo geométrico. En 1955 realiza el primer mural no objetivo en Colombia. En 1959 gana el Primer Premio de Pintura en el XII Salón Nacional de Artistas con la obra Horizontal en blanco y negro, y ese mismo año lleva a cabo en la capital colombiana el mural Relieve dorado, de gran tamaño y claras alusiones al diseño precolombino. Una combinación creativa de formas planas relacionadas a través de líneas rectas o curvas que se articulan orgánicamente entre sí van a caracterizar la visualidad de su poética abstracta geométrica. Entre 1967 y 1974 reside y trabaja en Nueva York. En 1973 realiza o... tras esculturas públicas en Estados Unidos: Hexágono en Nueva York y De Colombia a John Kennedy en Washington DC. En 1976 Ramírez Villamizar es invitado a la XXXVI Bienal de Venecia. Entre sus exposiciones personales más importantes están: Eduardo Ramírez, Sculptor, David Herbert Gallery (Nueva York, 1960); Eduardo Ramírez Villamizar: exposición retrospectiva, 1958-1972, Museo de Arte Moderno (Bogotá, Colombia, 1972); El espacio en forma: Eduardo Ramírez Villamizar, exposición retrospectiva 1945-1985, Biblioteca Luis Ángel Arango (Bogotá, Colombia, 1985-86); Eduardo Ramírez Villamizar, esculturas: homenaje a los artífices precolombinos, Museo Rufino Tamayo (México, DF, 1990); Galerie Denise René (París, 1998); Ramírez Villamizar: Geometry, Abstraction, Connotation: Sculptures, Durban Segnini Gallery (Miami, 2007). Sus obras están presentes en importantes museos y colecciones y museos: Museum of Modern Art (Nueva York, USA); Banco de la República y Museo de Arte Moderno de Bogotá (Bogotá, Colombia); Museu de Arte Moderna de Río de Janeiro (Río de Janeiro, Brasil); Banco de la República (Bogotá, Colombia) y Window South Collection (Glendale, California, USA).

Eduardo RamĂrez Villamizar, Relieve blanco, 1967 Wood and metal, 27.56 x 19.69 x 15.75 in. | 70 x 50 x 40 cm. 26

Eduardo RamĂrez Villamizar, Precolombian Coin, 1962 Relief on wood, 16.34 x 16.34 in. | 41,5 x 41,5 cm. 27

Eduardo Ramírez Villamizar, Construcción blanca (Cámara en progresión), 1999 Painted metal, 8.66 x 13 x 4.72 in. | 22 x 33 x 12 cm. 28

Eduardo RamĂrez Villamizar, ConstrucciĂłn suspendida, 1998 Painted metal, 9.84 x 10.63 x 7.09 in. | 25 x 27 x 18 cm. 29

JAILDO MARINHO

Jaildo Marinho, Pernambuco (Brazil) 1970 Sculptor and painter. Lives and works since 1993 in Paris. He studied sculpture at the Federal University of Pernambuco (1990-1993) and founded the MADI Museum in Brazil. Marinho’s work builds his abstract-geometric poetry from four central shapes: the triangle, the square, the circle and the rectangle. From these figures, the artist articulates a language of modular structures that interpret these, using the empty center as common denominator. This symbolic element of emptiness, the absence of matter in the center of the figure, functions as a genesis principle of all his work, since both at his sculptures and drawings empty orders and classifies the planes and volumes, in order to transmit its experience of the relationship between subject and space. Thinking of the emp... tiness, thinking of the absence of substance itself implies an evocative attitude toward what is not there, what has been lost. It implies to unfold a sensory universe that, in case of Marinho, it is also achieved by leaving gaps between lines of color as did Jesus Soto. The effect is a smooth transparency movement, a liberating breath, a enter and exit the spiral of the material and spiritual world that invites us to imagine the lost and won in our existence. Among its most representative solo exhibitions highlight: Blanc, Rouge Meudon, Centre d’Art et de Culture de la Ville de Meudon (Meudon, France, 2015); Navette, Espace Meyer Zafra (Paris, 2014); Jaildo Marinho, Pinakotheke Cultural Gallery (Rio de Janeiro, Brazil, 2012). His work are present in major public and private collections in Latin America, the United States, Europe and Asia, among which are: Museo de Arte Contemporáneo de América Latina (La Plata, Argentina); Museo de Arte Contemporáneo Francisco Narváez (Porlamar, estado Nueva Esparta, Venezuela) and Satoru Sato Museum (Tome, Japan).

Escultor y pintor. Desde 1993 reside y trabaja en París. Estudia Escultura en la Universidad Federal de Pernambuco (1990-1993) y es fundador del Museo MADI en Brasil. La obra de Marinho construye su poética abstracto-geométrica a partir de cuatro figuras centrales: el triángulo, el cuadrado, la circunferencia y el rectángulo. Desde de ellas, el artista articula un lenguaje de estructuras modulares donde se interpretan estas figuras teniendo como denominador común el vacío en su centro. Este elemento simbólico del vacío, de la ausencia de materia en el centro de la figura, funciona como un principio de génesis de toda su obra, ya que tanto en sus esculturas como en sus dibujos el vacío ordena y clasifica los planos y volúmenes para transmitirnos su experiencia de la relación sujeto-espacio. Pensar en el vacío, pensar en la ausencia de l... o material, implica de por sí una actitud evocadora con respecto a lo que no está, a lo que se ha perdido. Implica desplegar un universo sensorial que, en el caso de Marinho, se logra dejando también vacíos entre líneas de color, tal y como hacía Jesús Soto. El efecto es una suave transparencia del movimiento, una respiración liberadora, un entrar y salir a la espiral del mundo material y espiritual, que nos invita a imaginar lo perdido y lo ganado en nuestra existencia. Entre sus exposiciones personales más representativas se encuentran: Blanc, Rouge de Meudon, Centre d’Art et de Culture de la Ville de Meudon (Meudon, Francia, 2015); Navette, Espace Meyer Zafra (París, Francia, 2014); Jaildo Marinho, Galería Pinakotheke Cultural (Río de Janeiro, Brasil, 2012). Su obra está representada en importantes colecciones públicas y privadas de América Latina, Estados Unidos, Europa y Asia, entre las que destacan: Museo de Arte Contemporáneo de América Latina (La Plata, Argentina); Museo de Arte Contemporáneo Francisco Narváez (Porlamar, estado Nueva Esparta, Venezuela) y Satoru Sato Museum (Tome, Japón).

Jaildo Marinho, Untitled, 2016 White Carrara Marble 58,66 x 29,53 x 19,69 in | 149 x 75 x 75 x 50 cm. 33

WILLIAM BARBOSA

WILLIAM BARBOSA (Ocaña, Colombia, 1955). Self-taught sculptor worked in the metallurgy field before devoting himself to visual arts. Since 1975 he lives and works in Venezuela, where he began to experiment around volumes and sculptural spaces, using boundary lines that delimit and simultaneously unfold modular structures. In the late seventies and early eighties, he entrenched the use of metal in his pieces, especially aluminum and steel, which gives to his work a remarkable Industrial aura. Barbosa co-founded in Venezuela the MADI Group (Movement-Abstraction-Dimension-Invention) inspired by the one originally founded in Buenos Aires in 1946 and led by the figures like Carmelo Arden Quin and Gyula Kosice, whose works emphasize the pure forms of geometric art, non-figurative and with constructive and universal va... lues. The contact with MADI exerts a great influence on Barbosa’s production, which is manifested in the use of the line as axis, around which gravitates the poetic organization of his sculptures. They interceptions of planes and volumes of intense plasticity are combined with angles and bends that print on them a neo-constructivist spirit. His three-dimensional pieces dialectically exploit the principles of expansion and weightlessness to reflect on the subject’s relationship with their living environment. Among his most important personal exhibitions highlight: William Barbosa. Sculptures, Durban Segnini Gallery (Caracas, Venezuela, 2006); Puertas, Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez (Caracas, Venezuela, 2002); Geometrismo escultórico, Saint-Charles de Rose Gallery (Paris, France, 1997); Meza Fine Art Gallery (Miami, USA, 1995).His works are part of important collections of public and private institutions in Latin America, USA, and Europe, among which are Museum of Latin American Art (Los Angeles, USA); Collection of the City of Geneva (Switzerland); Museum of Contemporary Art of Zulia (Maracaibo, Venezuela) and MADI Museum & Gallery (Texas, USA).

Escultor autodidacta, antes de dedicarse a las artes visuales se desempeña en el campo de la metalurgia. Desde 1975 reside y trabaja en Venezuela, donde comienza a experimentar en torno a los volúmenes y los espacios escultóricos, a partir del empleo de líneas que delimitan y a la vez despliegan estructuras modulares. A finales de los años setenta y principios de los ochenta, afianza en sus piezas el uso de metal, sobre todo aluminio y acero, que imprime a su trabajo un aura de marcado tono industrial. Barbosa es cofundador en Venezuela del Grupo MADI (Movimiento-AbstracciónDimensión-Invención), inspirado en el que se origina en Buenos Aires en 1946, encabezado por las figuras de Carmelo Arden Quin y Gyula Kosice, cuyas obras enfatizan el arte geométrico en sus formas puras, no figurativo, de valores constructivos y universales. El co... ntacto con MADI ejerce una gran influencia en la producción de Barbosa, lo cual se manifiesta en la utilización de la línea como eje, sobre el que gravita la organización poética de sus esculturas. En ellas, las intercepciones de planos y volúmenes de intensa plasticidad se combinan con ángulos y dobleces que les imprimen un espíritu neoconstructivista. Sus piezas tridimensionales explotan dialécticamente los principios de expansión e ingravidez para reflexionar sobre la relación del sujeto con su entorno de vida. Entre sus exposiciones personales más importantes destacan: William Barbosa. Esculturas, Galería Durban Segnini (Caracas, Venezuela, 2006); Puertas, Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez (Caracas, Venezuela, 2002); Geometrismo escultórico, Galería Saint-Charles de Rose (París, Francia, 1997); Meza Fine Art Gallery (Miami, USA, 1995). Sus obras forman parte de importantes colecciones de instituciones públicas y privadas de Latinoamérica, Estados Unidos y Europa, entre las que destacan Museo de Arte Latinoamericano (Los Ángeles, USA); Colección de la Ciudad de Ginebra (Suiza); Museo de Arte Contemporáneo de Zulia (Maracaibo, Venezuela) y MADI Museum & Gallery (Texas, USA).

William Barbosa, Untitled, 2017 Painted aluminum 90.55 x 78.75 x 33.45 in. | 230 x 200 x 85 cm. 36

William Barbosa, Untitled, 2017 Polychrome aluminum 61.8 x 28.35 x 8.7 in. | 157 x 72 x 22 cm. 37

William Barbosa, Untitled, 2016 Polychrome aluminum 47 x 20 x 12.9 in. | 120 x 51 x 33 cm. 38

William Barbosa, Untitled, 2018 Polychrome aluminum 48 x 26.8 x 15.75 in. | 122 x 68 x 40 cm. 39

MANUEL FELGUEREZ

Manuel Felguérez (Zacatecas, Mexico, 1928) Painter and sculptor. In the late forties, he studied at the San Pintor y escultor. A finales de los años cuarenta estudia en la Carlos Academy in Mexico City. At the beginning of the fifties, Academia de San Carlos de Ciudad de México. A principio de thanks to a scholarship from the French government he traveled los años cincuenta, gracias a una beca del gobierno francés to Paris where he studied at the Academy de la Grande viaja a París donde cursa estudios en la Academia de la Grande Chaumier and at the Colarossi Academy. There he perfected Chaumier y en la Academia Colarossi. Allí perfecciona su oficio his sculptural work with the master Ossip Zadkine, whose work escultórico con el maestro Ossip Zadkine, cuya obra influirá en will influence the young Felguérez. In the mid-fifties he became el joven Felguérez. A mediados de la década del cincuenta se one of the pioneers of the Abstract trend, provoking a true convierte en uno de los pioneros de la tendencia abstracta, renewal of the Mexican visual arts landscape in the second provocando una verdadera renovación del panorama de las half of the XX century. Between 1965 and 1990 he developed artes visuales mexicanas en la segunda mitad del SXX. Entre an intense teaching and research work that took him to Cornell 1965 y 1990, desarrolla una intensa labor docente y de University and Harvard University in the United States. He investigador que le llevan a la Universidad de Cornell y la tought Composition Classes in the National School of... Plastic Universidad de Harvard en los Estados Unidos. Imparte clases Arts and 1977 he became a researcher at the Institute of de Composición de la Estru... ctura del Cuadro en la Escuela Aesthetic Research at UNAM. The work of Felguérez poses Nacional de Artes Plásticas y 1977 se convierte en investigador a dialectic between abstraction and expression. His paintings del Instituto de Investigaciones Estéticas de la UNAM. La articulate geometric figures as squares, triangles, circles obra de Felguérez plantea una dialéctica entre abstracción or rectangles, that collides with the imprint of an expressive y expresión. Sus pinturas articulan figuras geométricas como Informalism charged with gestural spontaneity. Among the cuadrados, triángulos, círculos o rectángulos, que colisiona most important prizes and recognitions: Great Prize of Honor con la impronta de un informalismo expresivo cargado de in the XIII Biennial of Sao Paulo (1975); Guggenheim Grant espontaneidad gestual. Entre los premios y reconocimientos Guggenheim Foundation (1975); National Prize of Sciences más importantes: Gran Premio de Honor en la XIII Bienal de and Arts in the area of Fine Arts, Mexico (1988); Medal Sao Paulo (1975); Beca Guggenheim Fundación Guggenheim of the Fine Arts of Mexico (2016). The painting as well as (1975); Premio Nacional de Ciencias y Artes en el área de Felguérez’ sculpture, has a strong conceptual profile, being an Bellas Artes, México (1988); Medalla de la Bellas Artes de art that overflows the world of sensibility to delve into concepts, México (2016). La pintura, así como la escultura de Felguérez, through which we can investigate and know the reality of the posee un fuerte perfil conceptual, siendo un arte que desborda current world.Among his most important exhibitions are Unión el mundo de la sensibilidad para adentrarse en los conceptos, Panamericana Gallery, Washington,D.C. (1960); Carpenter a través de los cuales podemos investigar y conocer la Center for the Visual Arts, Harvard University, Cambridge, realidad del mundo actual. Entre sus exposiciones más Massachusetts, (1976); Spanish Museum of Contemporary importantes se cuentan Galería de la Unión Panamericana, Art, Madrid, (1981); XLII Biennial of Venice, Mexican Pavilion, Washington, D.c. (1960); Carpenter Center for the Visual Venice (1986); “Manuel Felguérez”, Durban Segnini Gallery Arts, Universidad de Harvard, Cambridge, Massachusetts (Miami, 2016). His works are present in distinguished public (1976); Museo español de Arte Contemporáneo, Madrid, and private collections such as, among others, Carrillo Gil (1981); XLII Bienal de Venecia, Pabellón Mexicano, Venecia Art Museum, Mexico City. Manuel Felguérez Museum of (1986); “Manuel Felguérez”, Durban Segnini Gallery (Miami, Abstract Art, Zacatecas (Mexico). Museum of Modern Art 2016). Sus obras están presentes en distinguidas colecciones (Mexico) and National Bank Collection (Mexico). Among his públicas y privadas como, entre otras, Museo de Arte Carrillo most important exhibitions are Unión Panamericana Gallery, Gil, Ciudad de México. Museo de Arte Abstracto Manuel Washington,D.C. (1960); Carpenter Center for the Visual Felguérez, Zacatecas (México). Museo de Arte Moderno Arts, Harvard University, Cambridge, Massachusetts, (1976); (México) y Colección Banco Nacional (México). Spanish Museum of Contemporary Art, Madrid, (1981); XLII Biennial of Venice, Mexican Pavilion, Venice (1986); “Manuel Felguérez”, Durban Segnini Gallery (Miami, 2016). His works are present in distinguished public and private collections such as, among others, Carrillo Gil Art Museum, Mexico City. Manuel Felguérez Museum of Abstract Art, Zacatecas (Mexico). Museum of Modern Art (Mexico) and National Bank Collection (Mexico). 41

Manuel FelguĂŠrez, AndrĂłmeda, 2015 Wood and metal, 19,49 x 26,97 x 11,42 in. | 49.5 x 68.5 x 29 cm. 42

Maniuel FelguĂŠrez, Colgante con esfera, 2015 Wood and metal, 28.74 x 22.05 x 22.44 in. | 73 x 56 x 57 cm. 43

GERMAN BOTERO

Germán Botero (Tolima, Colombia, 1946) Sculptor and painter. He studied Architecture at the National University of Colombia in Medellin. In this same city in 1972, as a professor at the Universidad Pontificia Bolivariana, he was the founder of the Industrial Design Degree. He has won prizes and competitions, among which stand out: First Prize of Sculpture of the XXVI National Salon of Visual Arts (Colombia, 1976); International Memory Park Competition, Buenos Aires (Argentina, 1999). Representing Colombia, along with Edgar Negret, at the International Sculpture Symposium of Seoul Olympic Park (Korea, 1988). In 2008 he won the Design Competition of Landscape Sculptures of the Olympic Games in Beijing, R.P China. As a specialist in public art he has installed monumental works in Seoul, (Korea), Shanghai, Beijing, Cha... ngchun (China RP); in the Mayan region of Chetumal (Mexico); San Juan of Puerto Rico; Montreal (Canada), Resistencia (Argentina) and Cuba. The work of Germán Botero runs through the Geometric Abstraction marked by minimal expressive elements and using various materials such as clay, wood or aluminum. It is a work that explores through modular structures the dimensions of space, the meaning of their voids delineated by assembled metal rods, among all, in his aerial sculptures. Botero introduces us, basically in his works in ceramics, in the world of pre-Columbian civilizations, in the imaginary that they created to relate and metabolize their life with the earth. On the other hand, he invites us to think with his metallic sculptures about the industrial culture, about the control that science and technique practice today in relation to our socio-cultural environment. They are two antithetical glances that show the very own contradictions inherent to the Latin American Modernity project. Among his most important personal shows highlight: “Production Space”, Chamber of Commerce (Medellín, 1978); “Regional Space”, Museum of Art National University (Santa Fé de Bogotá, 1982); “Sculptures”. Gallery Workshop Museum of Modern Art La Tertulia (Cali, 1992); “Metal”. Buckingham Shire County Museum at Milton Keynes -Buckingham Shire County Museum (Aylesbury, UK, 1994); “Geometer & Archaeologist”. Durban Segnini Gallery (Miami, 2016). His works are part of important collections in the United States, Latin America and Europe.

Escultor y pintor. Estudió Arquitectura en la Universidad Nacional de Colombia en Medellín. En esta misma ciudad en 1972, como docente de la Universidad Pontificia Bolivariana, fue fundador de la carrera de Diseño Industrial. Ha ganado premios y concursos, entre los que destacan Primer Premio de Escultura del XXVI Salón Nacional de Artes Visuales (Colombia, 1976); Concurso Internacional Parque de la Memoria, Buenos Aires (Argentina, 1999). Representa, junto a Edgar Negret, a Colombia en el Simposio Internacional de Escultura del Parque Olímpico de Seúl (Corea, 1988). En 2008 gana el Concurso Diseño de Esculturas Paisajistas de los Juegos Olímpicos de Pekin, R.P China. Como especialista en arte público ha instalado obras monumentales en Seúl, (Corea); Shanghai, Beijing, Changchun (R.P China); en la regi... ón Maya de Chetumal (México); San Juan de Puerto Rico; Montreal (Canadá); Resistencia (Argentina) y Cuba. La obra de Germán Botero discurre por la abstracción geométrica jalonada por elementos expresivos ‘minimal’, empleando diversos materiales como el barro, la madera o el aluminio. Es una obra que explora, a través de estructuras modulares, las dimensiones del espacio, el significado de sus vacios delineados por varillas de metales ensambladas, sobre todo, en sus esculturas más aéreas. Botero nos introduce, fundamentalmente en sus obras en cerámica, en el mundo de las civilizaciones precolombinas, en el imaginario que estas crearon para relacionarse y metabolizar su vida con la tierra. Por el otro lado, nos invita a pensar con sus esculturas metálicas en la cultura industrial, en el control que hoy ejerce la ciencia y la técnica a la hora de relacionarnos con nuestro entorno sociocultural. Son dos miradas antitéticas que muestran las contradicciones propias que lleva implícito el proyecto de modernidad latinoamericano. Entres sus muestras personales más trascendentes, destacan: “Espacio Producción”. Cámara de Comercio (Medellín, 1978); “Espacio Regional”. Museo de Arte Universidad Nacional (Santafé de Bogotá, 1982); “Esculturas”. Galería Taller Museo de Arte Moderno La Tertulia (Cali, 1992); “Metal”. Buckingham Shire County Museum at Milton Keynes -Buckingham Shire County Museum (Aylesbury, Reino Unido, 1994); “Geometer & Archaeologist”. Durban Segnini Gallery (Miami, 2016). Sus obras forman parte de importantes colecciones de Estados Unidos, América Latina y Europa.

German Botero, Cubo Dorado, 2016 Sculpture, Anodized Aluminum, 14.17 x 14.17 x 18.11 in. | 36 x 36 x 46 cm. 46

German Botero, Parrillas, 2015 Anodized aluminum assembly, 23,6 x 23,6 x 27,55 in | 60 x 60 x 70 cm. 47

3072 SW 38th Avenue Miami, FL 33146. USA Ph (305) 774 7740 Fax (305) 774 7741 gallery@durbansegnini.com durbansegnini.com 48