Titulación miguel pavón

Universidad Veracruzana

Facultad de Artes Plásticas Trabajo recepcional en la modalidad de: Reporte

“La aplicación de las Artes y la Gráfica en disciplinas afines, con el objetivo de generar posibilidades económicas” Reporte de creación de Arte objeto, Vestuario y Accesorios Que presenta: Laurencio Miguel Pavón Palacios Para obtener el grado de: Licenciado en Artes Plásticas con opción en: Gráfica, con la subopción Diseño Gráfico Director del trabajo recepcional: Omar Gasca Córdoba

Xalapa - Enríquez, Veracruz Agosto 2016

A tu esfuerzo, entrega y amor Miguelina Palacios Arroyo

Índice Introducción Antecedentes -Referentes artísticos y gráficos especializados en el vestuario y accesorios Justificación Capítulo 1 -Proyecto María: el vestuario como arte objeto Capítulo 2 - Desarrollo de una línea de accesorios vista desde el diseño industrial Capítulo 3 -Diseño de vestuario Conclusiones Bibliografía

Introducción El vestuario es un elemento que a través del tiempo ha sido de gran importancia para las sociedades en el mundo. El siguiente reporte narra el proceso de una técnica gráfica aplicada a vestuarios y bolsos de diseño único, que utilizo como medio de expresión, confeccionados con telas intervenidas de manera plástica. Asimismo se muestra el desarrollo de ideas, experiencias, aciertos y fracasos que ayudaron a madurar la producción constituida por piezas utilitarias y arte objeto, pensados para proveer seguridad y elegancia a quien las adquiere.

Los diseñadores siempre estaremos influenciados por el contexto social, por pintores, escultores, arquitectos, coreógrafos, fotógrafos. Todos estamos inmersos en un ambiente del que no podemos escapar a las tendencias; siempre estarán reflejadas en nuestro quehacer artístico. La tendencia construye nuestra cotidianeidad colectiva y está presente en el color, la música, las formas y las texturas. Es por eso que el arte y la moda tendrán siempre relación, sobre todo si se utilizan como medio de expresión.

El ser humano evoluciona, sus ideas y actos quedan impresos en la historia de sus ropas, con el uso se desgastan, dejando registro de su presencia física. Considero que la manera de vestirnos emite información acerca de nuestra personalidad; la vestimenta contribuye a definirla y transmitir estados de ánimo, lo vemos a diario en la calle, la escuela, el trabajo, remarcado en el los espectáculos escénicos, en el cine, en la danza y el folklore.

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El vestuario siempre ha estado presente en nuestra vida, es pieza clave para desempeñarnos y relacionarnos con otras personas. De ahí la inquietud de explorar los caminos de lo utilitario en la ropa.

El vestuario se ha plasmado en la historia a través de la pintura. Artistas de todos los tiempos han realizado un registro pictórico de cada época que nos ayuda a conocer la manera de vestir de diferentes épocas. Pienso que además de registrar y narrar el vestuario, es importante por que comparte los procesos de diseño, composición y uso.

Este documento muestra estos procesos que apoyanrána futuros emprendedores que entienden la interdisciplina como una solución para fomentar el consumo de objetos artísticos.

“Vestido de Teatro“ En éste vestuario se requerió de ciertos mecanismos para que la capa y la parte superior de la gabardina fueran plegables, convirtiéndolos durante la escena en un teatrino que permite continuar la ejecución de los títeres.

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Antecedentes El Hombre comenzó a utilizar la ropa para cubrirse generalmente del frío y la lluvia, ante la falta de protección natural, utilizando grasa, pelo o plumas, de esta manera surge la costumbre de vestirse. En principio con prendas obtenidas del entorno natural a partir de la caza de animales, aprovechando sus pieles para mantenerse a salvo, cosidas con agujas elaboradas de huesos delgados.

En el Neolítico los humanos se dieron cuenta, por causas desconocidas, quizás por casualidad, de que algunos productos, como la lana y el lino y luego otros como el cáñamo, podían estirarse mediante un tosco *huso o una barra de madera redonda. A modo de imitación de los tejidos de los cestos, podían tejerse estos hilos y fabricar telas. Seguramente al principio se pensó utilizar el invento para hacer cestas más ligeras, antes de destinarlos a telas para su vestimenta. Algunas veces utilizaban calzado elaborado con esparto y otros materiales vegetales. El gusto por adornarse siempre ha estado presente, en esta época se usaban collares y colgantes de concha, piedra y hueso.

Mucho mas tarde en Egipto, la indumentaria para la clase alta y dirigente, se elaboraba con materiales vegetales siendo el lino el mas importante por *Huso es un instrumento que se utiliza para hilar a mano, para retorcer y devanar el hilo que se va formando en la rueca; consiste en una pieza de madera o hierro, de forma cilíndrica y alargada y más estrecha en los extremos, que se impulsa con los dedos.

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ser fresco y de fácil lavado. Cualidad muy apreciada por el pueblo que tenía en cuenta a la limpieza como parte integral de la pureza. Los tejidos de lana por el contrario eran vistos como impuros, su uso estaba prohibido en templos y tumbas. Los tejidos debían ser blancos, considerado un color sagrado.

tura ni dobladillo. En Roma el elemento característico era la toga, una capa semielíptica que se drapea en torno a la persona de diferentes formas otorgando un determinado estatus social. Por lo complicado del vestido se utilizaba únicamente en determinadas ceremonias. Los soldados vestían con una falda corta y una coraza para proteger el pecho. Las mujeres romanas vestían una túnica con camisa debajo y una banda cubriendo el pecho adornada con joyas llamada también strophium, diademas y complicados peinados.

Para los Persas la manera de vestir se caracteriza por un colorido muy vivo, sobresaliendo tonos púrpuras y amarillos. Los tejidos están casi siempre decorados por círculos azules, flores blancas y amarillas inscritas en rectángulos azules sobre blasones que representan la ciudadela de Susa.

Las vestiduras griegas se componen por lienzos de varias dimensiones y ribeteados por los cuatro lados sin llevar cos-

En el siglo XIII el paño es el tejido mas aceptado. La fabricación de la seda se extendió y los dibujos orientales que decoraban estos tejidos han sido susti-

Encuadre de pintura mural que narra la escena de un soldado griego con su esposa, donde se observa como era la indumentaria de ese momento.

Detalle de una pintura mural en la tumba de la reina Nefertari. La esposa favorita de Ramsés II aparece representada en esta pintura de su tumba en el Valle de las Reinas con la corona de buitre, atributo de las Grandes Esposas Reales.

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tuidos por bordados religiosos o profanos plenamente occidentales. Aparece también el vellux mejor conocido como terciopelo. En este siglo el hombre utiliza calzones ajustados con un cinturón y la camisa corta de tela fina que cae por encima de la parte superior.

camisa sobre la que se usa el justillo relleno de guata para ajustar la chaqueta que llegaba a media pierna. En cuanto al traje femenino se tiende a realzar la figura de la mujer, el blanco es sustituido por el crema, teñido con pigmento de azafrán.

En la segunda mitad del siglo XIV los calzones se acortaron al máximo, denominándose calzas altas. La túnica interior se llama ahora blanqueta, es una

La moda, en el más amplio sentido de la palabra nace en el siglo XV, enseguida se le dará mayor movimiento a las formas. Se introducen nuevos géneros

Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa es un cuadro del pintor flamenco Jan van Eyck; fechado en 1434, representa al rico mercader Giovanni Arnolfini y a su esposa Jeanne Cenami, que se establecieron y prosperaron en la ciudad de Brujas (hoy Bélgica), entre 1420 y 1472.

La imagen corresponde al matrimonio de ambos, celebrado en secreto y atestiguado por el pintor. Sin embargo, muchas otras interpretaciones se han propuesto acerca del cuadro.

En todo caso, la pintura —desde 1842 en la National Gallery de Londres tras desaparecer misteriosamente en 1813 del Palacio Real de Madrid— se considera una de las obras más notables de van Eyck. https://es.wikipedia.org/wiki/Retrato_de_Giovanni_Arnolfini_y_su_esposa

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y se profesionaliza la costura. No se fija en incorporar nuevas prendas sino en la modificación de las ya existentes variando las formas de las mangas.

En el siglo XVIII Francia constituye el centro de la moda. La favorita del rey, Madame Pompadour, es una persona influyente en este campo. Pone de moda la combinación del rosa y el azul. Mas tarde María Antonieta y su modisto Rose Bretin fueron los promotores oficiales de esta tendencia. Retoma el bordado como elemento de gran importancia, practicado desde la antigüedad con el fin de establecer niveles sociales. Conforme paso el tiempo esta técnica adquirió importancia y con ella el lujo en las prendas. Poniendo a la corte como principal dirigente, la cual establece ser exclusiva de las clases elevadas.

En el siglo XVI, la riqueza del vestido alcanza su altura máxima. En el atuendo masculino nos encontramos un calzón corto que se mantiene bombacho y está adornado con tiras verticales de pasamanería importada de España. En el vestido femenino, son dos las novedades mas importantes del siglo, la aparición de la crinolina que era una falda interior reforzada por aros metálicos. La silueta era parecida a una campana sobre la que iba un corpiño cosido a una falda. La siguiente aparición es la del corsé, que ciñe a la mujer desde el seno hasta las caderas.

Con la Revolución Francesa surgen grandes cambios en el vestir, la abolición del lujo es el hecho mas importante. El pueblo francés viste casaca corta y pantalón ancho, la mujer usa corpiño ceñido a la cintura, falda redonda hasta el tobillo. El hombre del siglo XIX porta indumentaria del personaje moderno.

Para el siglo VXII, el vestido femenino cambió. Los cuellos rígidos han pasado a ser escotes, las crinolinas han reducido, los vuelos aumentado y las faldas llevan drapeados.

Jean-Baptiste Gautier Dagoty, Marie-Antoinette, 1775, Óleo sobre tela.

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Inglaterra. En 1851, Singer, había perfeccionado la máquina de coser hasta tal punto que se convertiría en la marca más famosa y vendida de todos los tiempos.

La historia de la máquina de coser avanzó a la par que los procesos tecnológicos a tal punto que hoy encontramos máquinas de coser modernizadas y automáticas.

Las telas estampadas obtenían la decoración del tejido durante su proceso de elaboración, mediante el entrecruzado de hilos de diferentes colores. Los diseñadores influenciados por el dibujo y la pintura, ocupaban estas telas en la decoración de interiores, cortinas, tapizados de paredes y muebles específicamente.

Es en esta época cuando se les marca una raya a los pantalones por delante y por detrás con la plancha. Es gracias a la bicicleta, nuevo medio de locomoción que se introduce el atuendo deportivo.

Después de la segunda guerra mundial, la total mecanización y automatismo de los procesos textiles junto con el descubrimiento constante de calidades cromáticas y fibras sintéticas, pueden llegar a ofrecer una extensa gama de posibilidades para la elaboración de telas dentro de los niveles de calidad y novedad exigidos por el público.

El Modisto, es quizá una de las profesiones mas recientes a finales del siglo. Las revistas se los disputan, hoy en día están en todas partes, no solo son artistas, sino además grandes hombres de negocios. Charles Frederich Worth es uno de los primero creadores. Fue él quien pensó en unir en estilo y una propuesta novedosa. Sustituye la crinolina por el polisón mostrando una figura fluida en vague como se decía en ese entonces.

Fuera los armazones, estructuras artificiales, los corsés y otros postizos.

Durante Los años 1829 y 1830 surge la primera máquina de coser, diseñada por Barthelemy Thimonnier tal y como la conocemos hoy en día. Buscando información sobre la historia de la máquina de coser, lo que más llama la atención es que no hay una persona en concreto que la haya inventado, es decir, son varios los que se atribuyen su creación. Esta máquina fue hecha de madera y usada para coser uniformes para el ejercito francés.

https://bakenfelt.wordpress.com/2013/05/02 la-aurora-de-esculter-la-primera-maquinade-coser-espanola/maquina-de-coser-singeroriginal/

Posteriormente fue perfeccionada por Elías Howe, inventor americano, quien estuvo meses perfeccionando una máquina que imitaba el movimiento de la mano y la patentó en el 1844. Durante mucho tiempo trató de vender su máquina de coser, viajando incluso a 10

Dior por ejemplo se convirtió en diseñador un poco tarde, cuando tenía treinta años. Aunque sabía dibujar nunca antes se había planteado poder vivir gracias a ese talento. Además de una infancia desgraciada, otro punto en común que encontramos en la mayoría de los diseñadores, es la importancia de la figura materna. Puesto que a menudo la madre es la que ofrece de manera natural el primer contacto con la elegancia. Es por eso que en la mayoría de las marcas resulta esencial el rostro de la mujer severa, dura y fría.

Enseguida los jóvenes y lo joven guiarán todas las modas y surgirán la moda Mao, la tendencia del naturalismo con el movimiento Hippie, culminando en la moda unisex que da igualdad al hombre y la mujer al menos en el vestir. El pantalón es la prenda mas llevada por la juventud, fue el blue-jean o tejano, cuyo origen está en el oeste americano. El deporte originó una tecnología dedicada específicamente al traje de baño, al tenis, al chándal, al traje deportivo como tal.

Surgen importantes representantes de la moda una de ellas es Gabrielle Chanel, la “inventora de la miseria” como se le conoció despectivamente, la que se atrevía a vestir mujeres como “pequeñas telegrafistas mal alimentadas”. Críticas que le valieron para alcanzar su protagonismo.

Chanel, así como sus colegas Madeline Vionnet y Jeanne Lanvin no necesitan a los hombres para salir adelante, ellas asumen y prefieren que tanto en su vida amorosa como profesional, reine la autonomía sobre la monotonía.

En 1926 Chanel conoce la gloria en forma de “la petite robe noir” el pequeño vestido negro, de manga larga, que llega a la altura de las rodillas. Este vestido hizo pasar de moda siete siglos de ornamentos, captando el fin de lo formal y apoderándose de la modernidad de las formas depuradas. Chanel era una excelente vendedora pues afirmaba que para ser un gran modista era preciso, saber contar historias.

La costura en este momento era una actividad profesional que estaba reservada para las niñas de clase pobre. Un chico por el contrario tenía menos posibilidades de dedicarse a esta profesión.

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A lo largo del tiempo, la moda se ha caracterizado por su acertada ejecución traducida en comodidad, idea que prevalece en las ultimas décadas donde se apuesta por una indumentaria de tipo informal, desarrollada tanto en los medios de alta costura como en los del prêt à porter. Los materiales preferidos son los sintéticos, puesto que debido a su fortaleza y al mismo tiempo ligereza, dan mucha seguridad a la hora de los cuidados y comodidad al vestir.

Hoy en día es importante destacar el trabajo de diseñadores dedicados a elaborar elementos y accesorios para una indumentaria específica como trajes, de gala, religiosa, folklórica, etc.

Gracias a los pintores existe una documentación histórica con la cual conocemos parte de la evolución del vestido, son ellos los principales difusores. En las últimas décadas el cine, el teatro y la televisión han tenido gran importancia en el desarrollo del vestido lo cual hace mas fuerte el movimiento de materiales y mercadeo de las piezas finales.

Finalmente, el vestido además de ser un conjunto de emblemas que comunican, es mas que otra cosa un elemento cultural importante en la sociedad ya que visto desde un punto psicológico, el vestido nos genera personalidad y nos coloca dentro de un determinado rango social, gracias a nuestras costumbres se convierte en un rasgo único que nos diferencia de los demás, desarrollando niveles importantes de autoestima y consumo.

Las meninas, como se conoce el cuadro desde el siglo XIX, o La familia de Felipe IV. Se considera la obra maestra del pintor del siglo de oro español Diego Velázquez. 3,18 m x 2,76 m Museo del Prado.

Jane Avril, fue una bailarina de cancán del cabaret parisino Moulin Rouge que fue inmortalizada por Henri de Toulouse-Lautrec en sus carteles. 1893 Litografía Art Museum (San Diego) 128,3 x 94 cm.

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Referentes artísticos y gráficos especializados en el vestuario y accesorios Sin duda alguna, el hecho de estar informados acerca del desarrollo creativo de otros artistas nos ayuda a definir un estilo, que logre posicionar nuestra producción en el gusto y consumo de la sociedad. Los diseñadores que enlisto son con los que siento empatía por la manera en que ellos resuelven grandes retos, sobre todo que utilizan el vestuario y objetos artísticos como medio para dar a conocer su pasión, talento y esfuerzo visiblemente impreso.

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Con veintiún años y dos de trabajo en la casa, se hace cargo de la dirección de la firma, y lanzo a la temporada siguiente, su famosa línea trapecio; es el primer paso para confirmarle como un referente indispensable de la moda.

En 1962 presentó una primera colección bajo su nombre y cuatro años después lanzó el esmoquin, que con el paso del tiempo se convirtió en un clásico. Con esta prenda y el resto de sus creaciones se erigió en el pionero de una moda más democrática, rápida y asequible, pensada para las nuevas generaciones.

Yves Saint Laurent

Tras su retirada en 2002, Yves Saint-Laurent siguió siendo un enigma, además de su genio creador, es su carácter transgresor y contradictorio, una auténtica leyenda de la moda por derecho propio, autor del traje pantalón, los shorts... De las primeras transparencias al escándalo del negro, fue el primero en quebrantar las reglas de la alta costura, siempre buscando un equilibrio entre la comodidad y la fantasía. Enfermo y cansado, se retiró consciente de haber hecho progresar la alta costura y de haber creado la indumentaria de la mujer contemporánea.

Ha pasado a la historia como el primer diseñador de moda que ha expuesto en un museo, el Metropolitan Museum de Nueva York, Saint Laurent era altamente sensible al arte y supo incorporarla una y otra vez a sus propias creaciones.

Nacído en Orán, Argelia, en 1936 fue un modisto francés, uno de los nombres míticos de la alta costura. Siempre se sintió muy unido a su madre, Lucienne, una mujer bella y elegante que fascinaba a Yves con sus constantes cambios de vestuario. Ella comprendió enseguida al sensible niño y cuando vio que los compañeros de clase se reían de su hijo porque vestía las muñecas de sus hermanas y las marionetas del teatro de la escuela, decidió buscar un centro de aprendizaje de confección y patronaje en París donde pudiera desarrollar todo su talento.

Fue éste un período de formación y también de dudas entre decidirse por el teatro o la moda, en que el adolescente Saint-Laurent devoraba Vogue y otras revistas especializadas. El joven Saint-Laurent fue presentado a Christian Dior quien se rindió inmediatamente ante su talento.

En 1954 comenzó a trabajar a las órdenes del gran creador, de quien se convertiría en mano derecha hasta la muerte de éste, acontecida en 1957. Durante tres años colaboró de un modo estrecho con Dior, quien criticaba a menudo sus extravagantes propuestas pero al mismo tiempo admiraba el talento creador de su discípulo.

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/s/saint_laurent_yves.htm

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Eiko Ishioka Es Licenciada en Bellas Artes y Música por la Universidad Nacional de Tokio, Ishioka debe su prestigio internacional a su trabajo como diseñadora gráfica, directora de arte, escenógrafa, decoradora y diseñadora de vestuario para el cine y el teatro, así como su faceta de diseñadora de anuncios de televisión y videos musicales. Su larga lista de galardones incluye un Oscar por Drácula en 1992.

Otras muestras de su talento son, la dirección de un vídeo musical de la cantante Björk y el diseño de la ropa deportiva de competición para los Juegos Olímpicos de Invierno del 2002. En este mismo año terminó el diseño de vestuario de la nueva producción del Cirque du Soleil Varekai.

Ha sido galardonada por el New York Art Director´s Hall Fame y su obra a entrado al MoMa de New York, entre otros museos de alto reconocimiento.

“Diseñadores de vestuario SCREENCRAFT Costume Design”, Deborah Nadoolman, Editorial Océano, 2003, Barcelona, España. p.47-57.

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Meredith Woolnough Elegantes tracerías de bordados que capturan la delicada belleza de la naturaleza entrelazada a través de un delicado sistema de pequeñas puntadas que borda con la maquina de coser y crea composiciones caladas, intrincadas y complejas que luego son cuidadosamente clavadas en cajas o marcos para exponer.

El trabajo mapea los marcos de los diversos sistemas veteado que se encuentran en la naturaleza para crear un trabajo que explora el equilibrio, la armonía y la conectividad de la vida en la Tierra. Inspirado por los patrones, estructuras y formas que se encuentran en las plantas, los corales, las células y conchas bordados de Meredith representan tanto la belleza robusta y elegante fragilidad de la vida.

Meredith es una galardonada artista de renombre internacional de Newcastle, Australia. Su trabajo se celebra en colecciones públicas, privadas y organizaciones de todo el mundo.

http://www.meredithwoolnough.com 16

Derick Melander Crea grandes configuraciones geométricas de ropa de segunda mano cuidadosamente doblada y apilada. Estas estructuras tienen la forma de cuñas, columnas y paredes, que suelen pesar entre quinientas libras y dos toneladas.

Se traza el borde del cuerpo, que define el límite entre el yo y el mundo exterior.

La ropa usada para estas obras se pliega a las dimensiones precisas con una cuidadosa atención a la ordenación de las prendas. La secuenciación puede relacionarse con la forma en la ropa que se coloca sobre el cuerpo, se puede ordenar por color, por sexo o por el orden en que se recibió.

Derick Melander nació en Saratoga Springs, Nueva York en 1964. En 1985 obtuvo su Grado Asociado en Comunicaciones de Elizabeth Seton College en Yonkers, Nueva York, donde estudió cine, actuación y diseño gráfico. Poco después de graduarse se mudó a Filadelfia, donde trabajó como asistente del artista Jerry Goodman.

Ha mostrado su obra en Nueva York lugares como el Museo de Queens o Arte, el Museo de Katonah, Black and White Gallery y Repetti. También ha mostrado en Ámbito, Miami, Museo de Arte Carnegie, CA, ADA Gallery, VA, La Fábrica de Jabón, MN, así como la Galería Solyanka, Moscú, Rusia.

http://www.derickmelander.com/index.htm

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Aubrey Beardsley Nació en 1872, en Brighton, Inglaterra. En 1883 su familia se estableció en Londres (donde se destacará dando conciertos). Al año siguiente asistió a la Grammar School de Bristol. De pequeño se enfermó de tuberculosis,esto lo convertirá en persona débil durante toda su vida.

En 1888 trabajó en una oficina como arquitecto y luego en una compañía de seguros, hasta que en 1891, se encontró con el pintor Sir Edward Burne-Jones y Pierre Puvis de Chavannes le aconsejaron dedicarse al arte profesionalmente, por lo que un año después ingresó a la Escuela de arte de Westminster, a las clases del profesor Fred Brown; pero asistió muy poco tiempo, en general fue autodidacta, a los 20 años ya recibía encargos. Se dedicó a las ilustraciones de libros y revistas.

Su primer encargo importante fue Le Morte d’Arthur de Sir Thomas Malory (1893). Al año siguiente es nombrado director de arte de The Yellow Book (una revista trimestral esteticista que dirigió de 1894 a 1895, editando las primeras cuatro publicaciones y produciendo muchas ilustraciones para la misma).

En 1894 hizo las ilustraciones para el drama de Oscar Wilde, Salomé y poco tiempo después las de la revista The Savoy y The Studio, e ilustró más libros, entre ellos Rape of de lock, de Pope, y The story of Venus and Tannhauser. En 1895 se convirtió al catolicismo, al año siguiente debido a su enfermedad quedó inválido, se fue a Francia para recuperarse.

Beardsley estuvo activo hasta que murió víctima de la tuberculosis, en Menton, Francia, en 1898 a los 26 años. Su estilo particular en la ilustración tuvo una gran influencia en el diseñográfico. Diseñó carteles y escribió obras recopiladas y publicadas luego de sumuerte, con el título de Under the Hill (Bajo la colina). Así como otros artistas de su época rechazaban la industrialización del arte y del arte aplicado, Beardsley pudo dar a conocer sus obras y hacerse famoso graciasa los medios de reproducción.

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Gabriel Dawe Originalmente de la ciudad de México, crea instalaciones de específicas que exploran la conexión entre moda y arquitectura, y cómo se relacionan con la necesidad humana de refugio en todas sus formas.

Su trabajo se centra en la exploración de los textiles, con el objetivo de examinar la construcción complicada de género e identidad en su natal México y tratar de subvertir las nociones de masculinidad y machismo predominante en la actualidad. Su obra ha sido expuesta en los Estados Unidos, Canadá, Bélgica y el Reino Unido. Después de 7 años viviendo en Montreal, Canadá, se mudó a Dallas, Texas, donde obtuvo su maestría en la Universidad de Texas en Dallas. Durante los dos últimos años de su carrera, era un artista en residencia en CentralTrak, el programa de artistas en residencia en UTD. Su trabajo ha aparecido en numerosas publicaciones alrededor del mundo, incluyendo la revista de la escultura, la cubierta de la duodécima edición de los fundamentos del arte publicado por McGraw-Hill y el libro del autor Tristan Manco primas + Material = arte. Está representado por la galería Conduit en Dallas y por Lot 10 Gallery en Bruselas. http://www.artdiscover.com/es/artistas/gabriel-dawe-id3725 19

Justificación Diseñadores y artistas somos los encargados de comunicar ideas deforma visual, atractiva e inteligent.Este reporte tiene como objetivo despertar el interés en las artes en las personas, universitarios, académicos, artistas, etcétera.

Diseñar artículos de alta calidad que gracias a su impecable ejecución impacten de manera positiva en la memoria del espectador. Debido a que en ocasiones un objeto puede ser el detonante para que decidamos dedicar nuestro intelecto al estudio profesional de alguna disciplina y mejorque el objeto nos direccione al fascinante universo del arte.

Todas los humanos tenemos algo que expresar, una idea o sentimiento y siempre buscaremos el medio para satisfacer esta necesidad. Los objetos que se producen contienen un alto valor estético, pueden o no ser utilitarios, acercan el diseño y las artes plásticas con nuevos públicos, gracias a la facilidad que tienen para camuflarse en diversos contextos. Establecen un estilo compatible con personalidades que sienten amor por la vida y su profesión, con estilo de vida saludable, gusto por la lectura, el deporte, la información y la tecnología, despertando el interés por las manifestaciones artísticas, su aprendizaje y consumo.

Este documento será un referente que ayudará no solo a vivir y comprender la experiencia estética, sino también dará idea de cómo generar beneficios económicos mediante la producción de vestuario, bolsos y accesorios de alta calidad que ofrecen a la sociedad una opción innovadora en el consumo de objetos artísticos.

Este reporte servirá para que otros creadores encuentren en los objetos utilitarios el medio adecuado para expresar sus ideas, también fomentará la fusión de disciplinas afines.

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Capítulo 1

Proyecto María: el vestuario como arte objeto Arte objeto Es la acción de tomar un objeto de la vida cotidiana y reubicarlo en un ambiente distinto al que habitualmente pertenece, de esta forma lograr que se pierda el sentido práctico del objeto.

Por medio del nuevo espacio y de un título se le adjudica un punto de vista diferente y el objeto adquiere de inmediato un nuevo significado. En este momento el objeto cotidiano queda relevado a la categoría de arte y se afirma que el arte es una actitud mental del espectador que al ver un objeto dentro de espacio diferente, en este caso una sala de exposiciones, galería o museo, logra apreciar las cualidades estéticas del objeto y no las utilitarias.

Marcel Duchamp es el precursor de esta nueva tendencia del siglo XX. Se caracterizaba por infringir todas reglas y patrones establecidos en las Artes Plásticas, desató una serie de cuestionamientos en relación a los cánones estéticos y las funciones del arte.

Se mostraba desilusionado ante las formas estéticas y tradicionales de expresión artística, afirmaba que los artistas y el arte no son especiales o diferentes a los hombres y a los objetos cotidianos.

Su obra la “rueda de la bicicleta” es considerada la primera pieza de ready-made como objeto de Arte.

Así, la práctica de utilizar objetos de uso común como medios para generar nuevos significados, toma valor en la producción de objetos artísticos como medio de expresión de ideas, sentimientos y tradiciones.

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Proyecto María centra su atención únicamente en la vestimenta y simbología Mariana; exponiendo un discurso que haga sentir identificados a los habitantes con la pieza, mediante elementos existentes en su cotidianeidad.

La fertilidad de la tierra y la mujer, es el tema de inspiración para el diseño de los ornamentos que posteriormente se pintan a mano, con una mezcla de pigmentos y polímeros que garantizan la permanencia del color. La simetría axial y de traslación, son el recurso que se emplea para emular composiciones barrocas existentes en antiguos vestuarios.

Los elementos pueden ser frutos que se cultivan en la región donde se festeja la Virgen, símbolos históricos y emblemas religiosos, basados en documentación de leyendas e historias locales.

Cualquiera que sea el motivo de una fiesta, los asistentes o anfitriones se presentan con un traje acorde a la ocasión.

En el caso de la festividad religiosa en las comunidades, el vestuario adquiere mayor importancia cuando la celebración es en honor a la Virgen María.

La organización inicia con mucho tiempo de anticipación, en estas fiestas se viven momentos sumamente emotivos,

La importancia del vestido en las festividades religiosas Es una colección de tres vestuarios para Vírgenes, que muestran la majestuosidad del arte barroco, específicamente en los retablos de las iglesias construidas en el periodo novohispano de México.

La experiencia de crear vestuario no utilitario tiene como propósito llevar objetos de arte a comunidades y poblaciones del estado de Veracruz en las que se desconocen algunos medios artísticos.

La importancia que tiene el vestuario en el contexto de las festividades religiosas hará que personas no inmiscuidas en el ámbito artístico tengan acceso aapreciar la indumentaria con la que festejan a la Virgen María, trasladando su imaginación a otras vertientes, sin necesidad de estar dentro de un museo o galería.

Los festejos pueden ser dedicados a otros santos o imágenes religiosas, esto depende cada comunidad, se conocen también como fiestas patronales.

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en los que se combinan elementos como el color, la música, el movimiento, la comida, entre otros tantos que generan una interculturalidad entre habitantes y visitantes.

La Virgen es presentada con los mejores atavíos, en muchas ocasiones sus feligreses los regalan en gratitud de bendiciones adquiridas. Nunca se sabe cómo y con que vestimenta se presentará a la patrona religiosa en los días festivos.

El vestuario es un medio de identidad que genera empatía visual, entre la población y sus tradiciones, para lograrlo es de gran importancia el colorido, los elementos y accesorios que se usarán, esta decisión dependerá de la advocación que se esté festejando; el término advocación se refiere a una alusión mística relativa a apariciones, dones o atributos por los que se rinde culto de diversas maneras. Existen dos tipos de advocaciones: las de carácter místico, relativas a dones, misterios, actos sobrenaturales o fenómenos milagrosos de la Virgen, como la Anunciación, la Asunción, la Presentación, etcétera y las que corresponden a las apariciones terrenales, que en muchos casos han dado lugar a la construcción de santuarios dedicados a la Virgen, como el del

Pilar en Zaragoza, España, de Lourdes en Lourdes, Francia, el de Fátima en Fátima, Portugal, el de Guadalupe, en México, etcétera. Estas advocaciones a menudo dan lugar a múltiples patrocinios como “virgen protectora” de pueblos, ciudades, países o de diversas entidades.

Las advocaciones Marianas se suelen nombrar con las fórmulas “Santa María de”, “Virgen de” o “Nuestra Señora de”. Igualmente suelen dar lugar en muchos casos a nombres propios femeninos, compuestos del nombre María y su advocación: María del Carmen, María de los Dolores, María de Lourdes, etc. Aunque el nombre sea diferente en última instancia es la misma, la Virgen María.

Retablo principal y capilla de la Virgen del Rosario del ex convento de Santo Domingo en la ciudad de Oaxaca, México. https://es.wikipedia.org/wiki/Advocación_ mariana

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María Dolorosa Omealca Veracruz. Marzo del 2011 Es el primer vestuario donde muestro la fusión del entendimiento gráfico y artístico adquirido en la Facultad de Artes Plásticas de la Universidad Veracruzana, con el vasto mundo del vestido, dejo a un lado la etapa de experimentación y asumo el cometido profesional de entregar, a partir de este momento, prendas de alta calidad que me sitúen competitivamente en la comercialización de vestuarios y objetos artísticos.

María Dolorosa, lo llamé así, por que fue diseñado para la Virgen de los Dolores, nombre con el que también es conocida. Otra característica distintiva es su vestimenta color negro y su expresión de martirio y tristeza en el rostro.

La Virgen es una pieza de tamaño natural hecha de madera tallada, con aproximadamente 100 años de antigüedad. La experiencia dio inicio con la solicitud que hice al sacerdote. En esa entrevista le mostré los bocetos y le expliqué como se desarrollaría el proyecto para así contar con los permisos pertinentes.

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Es importante mencionar que debido al culto y el paso del tiempo estas piezas adquieren una singular carga energética que impone igual que una persona. Fue al momento de tomar las medidas previo a la confección y al momento de vestirla, cuando comprobé este magnetismo.

Para esta representación diseñé un vestido hecho de terciopelo sintético y falda línea A, acompañado del Símbolo Mariano en la parte frontal, llegando a la altura de las piernas, este símbolo es conocido como Emblema Mariano o Símbolo de María, en un leguaje gráfico, no es otra cosa mas que el signo con el que se define a María que es un pilar importante dentro de la iglesia católica.

Este vestuario se presentó por primera vez durante el Viacrucis del Viernes Santo, día de mayor importancia en la Semana Santa, celebrada en el municipio de Omealca Veracruz, ubicado en la zona centro del Estado de Veracruz, entre los municipios de Cuichapa, Cuitláhuac, Yanga y Tezonapa.

La capa igualmente confeccionada de terciopelo negro, es cubierta casi en su totalidad con ornamentos que evocan el equilibrio existente entre la naturaleza y sus elementos.

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La composición semeja la silueta de una matriz, refiriéndose al constante girar de la existencia humana, fuego, aire, agua y tierra que dan la vida, pintada y bordada para acentuar la simbología y confección del vestuario.

dos con técnica de repujado. En particular el resplandor de María Dolorosa, tiene una forma circular con doce rayos que ilustran el siguiente pasaje bíblico: “Y una señal apareció en el cielo; una mujer vestida del sol con la luna debajo de sus pies y una corona de doce estrellas sobre su cabeza”

La cabeza de la virgen esta envuelta con una mantilla de encaje color blanco que remite a la vestimenta de su época, estratégicamente colocada para proporcionar un descanso visual entre la capa, el rostro y los accesorios.

Apocalipsis 12,1.

Esta cita nos explica el origen, así como la importancia y connotaciones que surgen en torno al numero doce. Por mencionar algunos: Doce apóstoles, doce meses del año, 12 legiones de Ángeles, doce signos del zodiaco, 12, número de la prudencia del justo equilibrio de la gracia y la forma.

Como elemento representativo tenemos el resplandor, presente en todas las advocaciones. Para la construcción de ésta utilería, y de las propuestas posteriores, utilicé materiales alternos como alambre galvanizado para la estructura y lámina de estaño como recubrimiento, decora-

Con esta misma técnica y carga simbólica se resolvió el corazón que vemos situado a la altura del pecho, el cual esta

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La Virgen y otros santos se exponen en el atrio de la iglesia mientras el resto de los habitantes se conjunta para dar inicio al recorrido por las principales calles del pueblo.

atravesado por siete lanzas o puntas que nos recuerdan los siete dolores de María: La profecía de Simeón, La persecución de Herodes y la huida a Egipto, Jesús perdido y hallado en el templo, María encuentra a Jesús cargando la Cruz, La crucifixión y muerte de su hijo, María recibe el cuerpo de Jesús bajado de la Cruz, finalmente, la sepultura de Jesús.

Una vez en el atrio y durante el recorrido pude notar miradas de aceptación a lo que la gente estaban observado.

Al final del viacrucis el sacerdote agradece la participación de la comunidad, en este mismo discurso se hizo mención de ésta aportación artística así como sus objetivos y elementos estéticos con los que cuenta. El vestuario permaneció con la virgen expuesto dentro de su nicho y en el recorrido de los siguientes dos años.

¡El viernes santo llegó! con la emoción y nervio que se siente cuando se expone algo referente a nuestro trabajo artístico.

Por la noche del jueves con ayuda de algunos familiares y amigos se terminó el montaje, así, el viernes a primera hora cuando llegaran las personas que cargan a la Virgen durante el Viacrucis, estuviera todo listo.

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María de la Asunción Teocelo Veracruz, Agosto del 2012

Para este nuevo vestuario la invitación vino por parte Sandra Rodríguez y Jahir Vásquez amigos de la Facultad de Artes, quienes en los festejos de ese año fueron elegidos como padrinos de la Virgen.

Tal como lo dicta la tradición del lugar, estuvieron a cargo del cuidado de la pieza durante tres años, así como responsables de la organización de los festejos, tarea que cubre desde el ornato del altar principal, el vestuario de la virgen, el camino de aserrín pintado que inicia unas calles que termina en la entrada principal de la capilla, donde levantan un arco de flores y palmito, así mismo convocar la asistencia de la comunidad, de los señores y jóvenes que se visten de payasos para estas y otras celebraciones que se llevan a cabo en esta región del Estado, hasta la comida que se ofrece a los invitados al final del recorrido, con el que se dan por iniciados oficialmente los festejos patronales en honor a la Virgen de la Asunción.

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El Océlotl, al igual que el puma y el tigre aparecen en el arte de todas las civilizaciones prehispánicas, desde los olmecas hasta los aztecas. Al jaguar se le asociaba con el gobierno, quienes solían proclamar una relación mítica con el gran felino, frecuentemente utilizaban elementos propios del jaguar y en ocasiones se vestían como tales, por su capacidad para cazar en tierra, sobre los árboles y en el agua lo que le valió el papel mítico de “señor de los animales” y de patrono espiritual de las fuerzas de la fertilidad.

Animales Mexicanos, Nicholas J. Saunders. Doctor en arqueología por la Universidad de Southampton. Profesor del Departamento de Antropología del University College London, Londres.

En esta visita conocí parte de la historia de Teocelo, Veracruz, municipio que se ubica en la zona montañosa central del Estado de Veracruz, entre los municipios de Xicochimalco y Coatepec; cuenta con un hermoso y verde paisaje cubierto por neblina en algunas horas del día. Clima perfecto para la proliferación de una infinidad de flora y fauna, como el jaguar que en la época prehispánica habitó la zona, así pues, éste pintoresco lugar debe su nombre al ágil y mortífero animal, Teol es Dios y Océlotl es tigre o jaguar en lengua náhuatl, por lo tanto Teocelo significa “Donde está el Dios Tigre”.

María de la Asunción, es el nombre del segundo vestuario de Proyecto María en el cual determine que los ornamentos serán con estilo prehispánico partiendo de la información documental arriba expresada, mezclados con los colores representativos de la Virgen María. El vestido fue de satén blanco, color de la pureza, el cual muestra una blusa con pliegues en la parte frontal y pedrería bordada, en la falda lleva un conjunto de matas de maíz, que para los antiguos mexicanos representaba un regalo de los dioses. La capa está hecha de shifón azul celeste, color que simboliza la perfecta paz interior, el firmamento y el agua, asociado también con los mantos y ropajes preciosos, la riqueza y el lujo.

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En esta advocación María de la Asunción utiliza una corona con cinco diademas repitiendo los diseños utilizados en la cenefa de la capa. Decorada con pedrería engarzada en alambre delgado y lentejuela plana color verde. En esta corona recorté florones de encaje integrados en la composición final. En cuanto a los accesorios se elaboró el Rosario, hecho con cuentas de cristal cortado y canutillos. Así mismo un cinturón dorado, que nos remite a los gobernantes, dioses y guerreros de la sociedad olmeca, elaborado con la técnica de lámina de estaño, esta vez con pedrería incrustada.

a la expansión de la iglesia católica. San Bernardino de Clairvaux asocia a la Virgen María con la amada del Cantar de los Cantares y se refiere a ella como “El lirio de los valles” (Cantares 2,1) y a quien el amante describe como “El lirio entre los cardos es mi amada entre las jóvenes” (Cantares 2,2), mientras que los tres pétalos simbolizan la triple virginidad, madre antes, durante y después del parto.

En esta comunidad tienen muy presente el respeto a los símbolos religiosos, la tradición de este mágico lugar empieza el día en que un grupo de señores va a una parte de la montaña a colectar las flores y cucharilla, una planta que crece en forma de roseta y que también se utiliza como alimento para las cabras, en algunos lugares son consumidas por los habitantes en diferentes platillos, además se hacen artesanías y adornos para otras festividades religiosas.

En la parte central veremos el mencionado Símbolo Mariano, en un lado la cabeza de un jaguar con la boca abierta que parece rugir. En el otro extremo tenemos una flor de lirio o flor de Lis, símbolo que se usa originalmente en occidente, se remonta al siglo V, junto

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La virgen es llevada a un punto del pueblo donde recoge sus flores y se hace una procesión hacia su capilla, donde se construirá el arco que posteriormente será levantado en la puerta principal.

Mas tarde la Virgen se viste en el interior de una casa, donde se cierran por completo puertas y ventanas, únicamente entra el mayordomo quien es la persona encargada para cambiarla de atuendo, ya que el vestido con el que va a recoger sus flores es con el que se festejó el año anterior. Durante un año esta persona le cambia su vestimenta cada semana, o mes utilizando los vestidos que a lo largo del tiempo ha ido adquiriendo.

ellas, debido a que por respeto ninguna otra persona puede tocar la pieza.

Una vez vestida el festejo da inicio con el debido recorrido sobre el camino de aserrín pintado que los artesanos de Teocelo hacen en agradecimiento por bendiciones recibidas. Detrás de la Virgen, la danza de los payasos compuesta por hombres que se revisten con amplios trajes confeccionados con telas multicolor, danzando y alegrando a la gente. Finalmente se da el agradecimiento a todos los participantes y organizadores, entre ellos los padrinos quienes quedaron muy contentos con la el vestuario, al igual que los habitantes de este mágico municipio.

La noche anterior a la fiesta llegué a Teocelo con el vestuario listo, me dirigí a la casa donde se iba a vestir a la Virgen y me encontré este hecho, el mayordomo me fue pidiendo las piezas en el orden que asigné para cada una de

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María Reina Tlaltengo Coscomatepec, Veracruz. Agosto del 2014 En la elaboración de este vestuario tuve presentes los errores y aciertos adquiridos en las exhibiciones anteriores. Todo lienzo al estar cortado de forma circular, una vez puesto, genera muchos pliegues con zonas que prácticamente quedan ocultas. Esta vez los ornamentos fueron colocados de manera estratégica para optimizar el tiempo de elaboración y mantener la estética abarrocada de Proyecto María.

Tlaltengo es una comunidad perteneciente al municipio de Coscomatepec, entre los municipios de Huatusco e Ixhuatlan del Café. En esta ocasión la invitación y patrocinio para la realización de este tercer vestuario fue a gracias la señorita Aracely Palacios, mujer de presencia importante en mi vida. Ella tiene amistad con un sacerdote originario de esta comunidad, es él, quien nos informa que María Reina necesitaba el vestuario que usaría en sus siguientes festejos.

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Nos trasladamos a la comunidad para pedir los permisos pertinentes, nuevamente mostré bocetos y fotografías de los vestuarios anteriores, el encargado de los festejos al ver el trabajo no dudo en aceptar que la virgen se vistiera con las características de Proyecto María.

El título de Reina se le da a María desde los primeros siglos como indicación de su preeminencia y poder que los recibe de aquel que es el Todopoderoso: Su Hijo, Jesucristo.

Juan Pablo II, el 23 de julio del 1997, habló sobre la Virgen como Reina del universo, recordó que “a partir del siglo V, casi en el mismo período en que el Concilio de Éfeso proclama a la Virgen ‘Madre de Dios’, se comienza a atribuir a María el título de Reina.

Este vestuario conjunta las experiencias obtenidas en los vestuarios anteriores, para esta tercera ocasión el vestuario debía evocar la presencia de una reina, constituido por una corona hecha de lámina de estaño dorada, Mantilla de encaje, Capa de shantung color azul, con unos ornamentos estilo Art Nouveau ordenados en una cenefa pintada en todo el borde. Finalmente un vestido con falda línea A color crema llevando en la parte frontal una ofrenda de chayotes y café, cultivos que son la principal fuente económica en ésta región.

Finalmente el símbolo mariano coronado con doce estrellas.

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Son necesarios alrededor de dos a tres meses para la elaboración de un vestuario de esta magnitud, debido a la técnica con la que son confeccionados.

Proyecto María muestra una técnica que une la pintura y el bordado como propuesta compositiva.Esta tercera experiencia me dejó nuevos conocimientos y abrió la posibilidad a nuevos retos.

Muchos vestuarios para virgen, se realizan en claustros, son hechos por monjas y personas dedicadas a esos quehaceres, hacen ropaje para sacerdotes, así como lienzos de múltiples dimensiones y usos, existen también talleres privados dedicados a confeccionar vestuario religioso, en los que se bordan en su totalidad las ornamentas, tarea que se destina entre varios empleados o maquinarias.

El montaje dio inicio la noche anterior, los organizadores trabajan a la par, afinando detalles como el templete donde ubica el altar principal decorado con flores, grandes lienzos de color azul con blanco y reflectores por todos lados. A un costado extendí la capa para quitarle arrugas que se hace durante el traslado, con un bastón largo y portable que avienta vapor de agua haciendo esta tarea más rápida.

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de los cuetes, escuchaba comentarios de las personas sobre el vestido, comentarios positivos o negativos no lo se, lo cierto es que el impacto visual se logró.

Una vez vestida, la virgen se colocó en el sitio que se había determinado. Al día siguiente, desde muy temprano la música de viento empezó a amenizar en el atrio de la iglesia, para que las personas se acercaran y el festejo diera inicio con una misa en la que al finalizar, la virgen se corona y se coloca en un anda, artefacto de madera que sirve para cargarla a los hombros durante un recorrido por las principales calles del pueblo, mientras esto se desarrollaba iba tomando fotografías, entre el ruido de la música y el tronar

Éstas fiestas no serían nada sin la presencia de la comida y los sabores mexicanos, matan una res para darle de comer los asistentes y así gratificar su asistencia. La experiencia fue positiva, afianzó la intensión de llevar todos los lugares posibles piezas elaboradas artesanalmente para beneficio cultural de la sociedad.

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Capítulo 2

-Desarrollo de una línea de Accesorios vista desde el Diseño Industrial El Diseño industrial es una actividad proyectual que consiste en determinar las propiedades de los objetos producidos industrialmente.

Por propiedades formales no hay que entender tan sólo las características exteriores, sino, sobre todo, las relaciones funcionales y estructurales que hacen que un objeto tenga una unidad coherente desde el punto de vista del productor y del usuario, puesto que, en contrapunto la preocupación exclusiva por los rasgos exteriores de un objeto determinado conlleva al deseo de hacerlo aparecer mas atractivo o también disimular sus debilidades constructivas.

“Manual de diseño industrial”, Gerardo Rodríguez M, Ediciones Gustavo Gili, S.A. de C.V. Segunda edición. México, p. 15,

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El bolso es un accesorio básico en la vida de una persona. Los bolsos para hombre han sido un tabú en la sociedad desde hace ya muchos años, dejando a un lado el maletín de trabajo, se cree que los bolsos son más femeninos que masculinos, porque así lo ha decidido el mundo.

Si eres hombre sabrás que muchas veces necesitas un lugar donde poner todas tus cosas en el transcurso del día y no llenar tus bolsas del pantalón de una manera incómoda. En la actualidad los diseñadores y tiendas de ropa ofrecen diversos tipos bolsos para hombre, que se acomodan a cada gusto, pensados para cubrir alguna necesidad específica que vaya de acuerdo al ritmo de vida y desempeño profesional.

El primer bolso que hice fue para llevar mis materiales a la universidad, los hacía con partes de ropa que dejaba, cosidas a mano sobre telas compradas con diversos colores, en principio eran solo cuadros de tela unidos y con un acabo simple, después les agregue una tapa o cubierta para proteger mejor los objetos. No tenían forros y los objetos nadaban unos con otros, siempre que metía la mano sacaba todo para encontrar lo que necesitaba.

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El diseño actual del bolso que realizo retoma las características del bolso tipo shopper. Son bolsos alargados, con dos asas y correa para cruzarla sobre tu pecho, modelos grandes, de forma trapezoidal, sencillos, funcionales y muy prácticos, resultado de muchas observaciones y cometarios que he recibido de personas que han adquirido un bolso.

Las adecuaciones han servido para mejorar no solo el aspecto físico del bolso, sino la facilidad al utilizarlo, los compartimentos están mejor distribuidos y sus tamaños se adecuan a un gran número de objetos que son necesarios en el día de toda persona, por ejemplo, el ordenador portátil, la tableta electrónica, cables, un par de libros, documentos importantes, etcétera.

Cuenta con 5 bolsas exteriores, que son el formato elegido estratégicamente para manifestar libremente todas las composiciones posibles, jugando con el equilibrio entre las formas, la textura y el color. Intervenidas plásticamente siempre que sea necesario, utilizando el conocimiento gráfico y técnicas apropiadas para el textil.

Pret-a-Porter hace referencia al término: Listo para Usarse, lo que engloba un estilo práctico y casual. Se enfoca en prendas de moda producidas en serie con patrones que se repiten en función a la demanda. Surge a mediados del siglo pasado debido a cambios políticos, revoluciones, crisis económicas y a grandes diseñadores que crearon tendencia. Uno de esos diseñadores fue Pierre Cardin, quien buscaba democratizar la moda sacándola a las calles, pues no se acuñaba el término moda a nada que no fuera Haute Couture.

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Los acabados interiores mantienen esta idea, se complementan con la aplicación de forros, un porta llaves y 4 bolsas, de las cuales dos tienen cierre y dos van con broche de presión de fácil acceso.

Adaptándose a un mismo trazo estandarizado en dos tamaños para su producción y comercialización denominados bolso mediano con espacio suficiente para llevar lo básico del día; y bolso de viaje, ideal para las escapadas de fin de semana, ambos con cortes en diagonal que al cruce con las asas forman una M. En breve el trazo será registrado ante el IMPI para poder ser elaborado de manera industrial con otros materiales, piel curtida y tratada en los talleres de artesanos de la piel en la ciudad de Naolinco, Veracruz, promoviendo nuevas posibilidades de producción y consumo.

Podrán ser adquiridos en puntos de venta que se darán a conocer debidamente en medios electrónicos y redes sociales en las que actualmente promociono mis productos y servicios. Para mí el punto es lograr el equilibrio entre funcionalidad y belleza que en palabras de Gabrielle Chanel: “La moda caduca, el estilo jamás.”

Coco Chanel

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Capítulo 3

Diseño de Vestuario La función del vestuario en las puestas en escena, es narrar, y por tanto, resulta una herramienta esencial para los directores en general. El vestuario da vida al personaje descrito en las páginas del guion: la tela, el corte, el estampado, el color y cómo le sienta cada prenda a cada personaje nos revelan su historia y su carácter.

Se realizan bocetos y pruebas de vestuario para asegurar que los personajes queden retratados con precisión. El vestuario no es ropa que se compra en tiendas: la mayoría de las prendas que visten los actores en el escenario han sido confeccionadas a medida.

“Diseñadores de vestuario SCREENCRAFT Costume Design”, Deborah Nadoolman, Editorial Oceano, 2003, Barcelona, España. p. Portadilla.

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Las personas por naturaleza tenemos la necesidad de llamar la atención, desde pequeños por medio del llanto, con travesuras normales de todo niño, más tarde, con notas escolares y así un sin fin de momentos que esculpen nuestra personalidad. Ésta se desarrolla en los primeros años de vida, es decir en la infancia, a partir de entonces nuestra forma de vestir nunca dejara de narrar nuestros estados de ánimo, contentos, enamorados, felices, amargados, deprimidos, etcétera.

Mi gusto por la costura y el arte me llevó a experimentar y conocer el mundo del diseño de modas. Mi concepto plástico pretende llevar el arte a otros públicos.

Le llamo vestuario por la carga teatral que llegan a tener, debido a la fusión plástico-textil, y que sólo algunos diseñadores de moda incluyen este tipo de técnicas para la confección de sus vestidos.

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Mi propuesta de objetos utilitarios tiene la facilidad de camuflarse en contextos de la vida diaria acentuando la elegancia de quien lo porta. Estando en el trabajo, en la casa o donde sea que desarrollemos nuestro intelecto, siempre seremos personajes de nuestra propia creación, y que mejor, que nuestro vestuario comunique la congruencia entre lo que pensamos y realmente somos.

Fusión México-Mediterránea inspirada en los trajes de charro y de torero, es una colección de tres vestidos presentados en la pasarela “Estilo en movimiento 2015“ de Ibérica Contemporánea, festival de danza flamenca en la ciudad de Querétaro, México. (páginas 38, 39) Diseño y construcción del vestuario para la compañía de títeres Triciclodemetal dirigido por la actriz Sol Gutierrez, en “Circo, el secreto de funambulista 2013” y “Hombre animal o monstruo 2014” donde tuve la oportunidad de no sólo vestir a la narradora sino también por primera vez a los títeres.

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Actualmente la línea de vestuarios de mi taller opera bajo el concepto Haute Couture, desde particulares diseños de vestuario para dar vida a personajes en escena, hasta únicos y peculiares diseños de pasarela, la firma Miguel Pavón empatiza y construye la visualidad a partir del otro, convirtiendo cada prenda en un elemento del paisaje estético cotidiano.

En el teatro El Rincón de los Títeres de Merequetengue, he tenido la oportunidad de conocer ampliamente la mágia de los títeres y las artes vivas, gracias a sus directores David Estrada y Lorenzo Portillo junto con su grupo de grandes actores, construyendo el vestuario para algunas de sus puestas en escena. “Una navidad de papel 2012“ (imagen superior) , “Para un laberinto 2015“ y “Vestido de Teatro 2016“ (imagen inferior).

Haute Couture Surge en 1825 gracias al costurero Charles Frederick Worth, conocido por crear prendas que se replicaban a manera de pedido. El significado literal es: Alta Moda; entre sus características se encuentran el empleo de materiales costosos, elaboraciones minuciosas y hechas a mano. Los costos de producción suelen ser muy altos. http://culturacolectiva.com/haute-couture-vs-pret-porter/#sthash.fJAKF6pL.dpuf

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Vestido para Sikes, personaje de “Para un Laberinto”, es la imagen de la portada y de la primer página de éste documento. El vestuario en esta ocasión consiste en reflejar las características de una diosa de la Mitología Griega. Así mismo en ésta página se muestra el vestuario completo junto con los personajes restantes, Asterión y Teseo, para ellos se implementó un proceso de avejentado, con apariencia de sucio y sudado.

Conclusiones El vestuario es y será siempre un medio de expresión en todas las sociedades; la fusión plástica y textil, se ha dado de hace muchos siglos; como hemos visto, son muchos los diseñadores que de igual forma detonan su creatividad en la construcción de artículos funcionales.

Hoy en día es una actividad de la cual obtengo recursos al momento de comercializar dichos productos. La aceptación del público es muestra que cumplen con los objetivos para los que fueron diseñados.

Dejando como principal recomendación, poner total atención en los acabados así como la debida conjugación de materiales, textiles, estampado, herrajes, cierres, siempre de la mejor calidad.

Retomar y adoptar algunas ideas han sido la principal fuente de inspiración para emprender mi propuesta de bolsos y vestuario que proporcionan comodidad y seguridad al ser utilizados.

El diseño de modas conjuntado con los conocimientos adquiridos durante la Licenciatura en Artes Plásticas me ha permitido ofrecer diseños y productos atractivos y en los cuales se pueden notar conceptos de composición, armonía, cuidado del detalle, estética, entre otros tantos.

El dominio de la técnica al momento de elaborar éstos productos ha mejorado en gran medida, la seguridad adquirida en los últimos cuatro años, tiempo que me ha llevado desarrollar y poner satisfactoriamente este proyecto en movimiento.

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Bibliografía Diseñadores de vestuario Nadoolman Landis Deborah, Capos Gonzáles Vicente.

Manual del diseño industrial Gerardo Rodríguez M. Editorial Gustavo Gili.

Arte efímero y espacio estético José Fernández Arenas, (Coordinador) Anthropos editorial del hombre Primera edición : abril 1988 Barcelona, España

Víctimas de la moda, como se crea, por qué la seguimos Erner Guillaume, Urrea, Inmaculada.

Editorial Gustavo Gilli.

I.S.B.N. 84-7658-078-9

Nuevo producto, creatividad, innovación y marketing Schnarch Kiberg Alejandro.

Textiles, tendencias actuales y tradiciones Titulo original Textiles today 2008 I.S.B.N. 978 84 9801 921 0

Agradecimientos A todos y cada uno de ustedes familiares y amigos gracias infinitas por sus innumerables muestras de amor. Por hacerme sentir afianzado de algo, por ayudarme a desarrollar mis ideas retroalimentando la imaginación y el conocimiento, por hacer grato el paso en esta realidad, por su tiempo y su compañia, por todo, siempre gracias.

Isabel Arroyo Pablo Del Moral Aracely Palacios Blanca Estela Rodríguez Christian Hermida Eduardo Bandala Cristina Mun Alejandro Méndez

Zayra Pavón Paola Del Moral Fernando Tapia Delfino Tapia Diana Murrieta Fernando Jara Alberto Medina