LIEE espacio de acción
LABORATORIO DE INVESTIGACIÓN Y EJECUCIÓN ESCÉNICA IMPARTIDO POR MIGUEL SEPÚLVEDA
ÍNDICE
• Sobre el autor………………………… • Sobre la obra …………………………. • Objetivo general………………………. • Trabajo analítico………………………. • Trabajo pre-dramático………………… • Juegos de la mentira…………………. • Concreción……………………………… • Trabajo de texto……………………….. • La puesta en escena…………………… • Cláusulas y costos….……………………. • CV………………………………………….
SOBRE EL AUTOR
EL TANDEM HAROLD
PINTER
Guión y adaptación
– ROBIN MAUGHAM
de la película: Harold Pinter
Dramaturgo y poeta británico, considerado el máximo exponente del arte dramático inglés de la segunda mitad del siglo XX, premio Nobel de Literatura en 2005. Nació el 10 de octubre de 1930 en el barrio de Hackney, en el popular East End londinense, en el seno de una familia judía. Al estallar la II Guerra Mundial fue separado de sus padres y evacuado a la campiña inglesa. Aquella separación, traumática para él, iba sin embargo a alimentar su imaginación y la mirada introspectiva de su teatro.
Regresó a Londres en 1944 y, tras un breve paso por la Royal Academic of Dramatic Art (1948-1949), se declaró objetor de conciencia y se negó a cumplir el servicio militar. Comenzó entonces a escribir sus primeros poemas y a actuar en varias compañías de repertorio en gira por las islas Británicas.
Pinter inició su hoy extensa obra teatral (“He escrito veintinueve obras y creo que probablemente sean suficientes”) en 1957 con The Room (La habitación), siendo desde entonces los cuartos cerrados, con muy pocos personajes, los escenarios de muchos de sus dramas. Inmediatamente le seguiría The Birthday Party (La fiesta de cumpleaños, 1958),
pieza que la crítica maltrató (se estrenó en el West End y fue retirada del cartel una semana después de la primera representación), lo que llevó al incipiente dramaturgo a plantearse la posibilidad de abandonar la escritura aun antes de comenzar realmente su carrera.
Pese a estas reticencias, en 1959 su suerte cambió con The Caretaker (que se traduciría como El guardián); en contra de lo ocurrido dos años antes, la obra fue un éxito y supuso su primer reconocimiento público. Durante la década de 1960 Pinter conformó una serie de obras que delimitaron su peculiar estilo, repleto de silencios (dramas escritos en un lenguaje elusivo, a veces cómico, pero que genera un ambiente de amenaza y alienación), que se conocería como pinteresco. “Devolvió el teatro a sus elementos básicos: un espacio cerrado y un diálogo impredecible, donde la gente está a merced de cada uno y las pretensiones se desmoronan […] “descubre el precipicio que subyace en las diarias cuestiones cotidianas y fuerza la entrada a los cuartos cerrados de la opresión”, sostuvo la Academia Sueca tras la concesión del Nobel.
Títulos como A Night Out (Una noche de juerga, 1959, su obra más realista), Night School (Escuela nocturna, 1960), The Lover (El amante, 1963), The Homecoming (Retorno al hogar, 1964), Landscape (Paisaje, 1967) o Silence (1968) lo convirtieron en una figura del teatro británico, cuya influencia sería determinante para toda una generación de dramaturgos.
Heredero del teatro del absurdo de Beckett, Ionesco y Genet, sus obras, aderezadas con fantasías eróticas y obsesiones, celos y odios, han sido calificadas como “teatro de la inseguridad”.
Sus personajes intentan comunicarse para reaccionar frente a una invasión o un intento de invasión en la estrechez de sus vidas, y casi siempre fracasan. Sus diálogos, en apariencia insignificantes, reticentes y evasivos, a veces contradictorios,
esconden intimidaciones,
advertencias y riesgos. La obra de Pinter, mezcla de realismo y misterio, no lleva explícito mensaje alguno moralizante, sino que más bien trata de reflejar un mundo amenazante y violento que nace de la propia naturaleza humana y de las contradicciones de nuestra sociedad.
Autor polifacético
Además de autor dramático, Pinter ha escrito obras cortas para televisión y radio, ha dirigido más de una treintena de producciones teatrales propias y de otros autores (Robert Shaw, James Joyce, David Mamet, Simon Gray…) y es autor de los guiones de películas como El sirviente (1963) y El mensajero (1971), de Joseph Losey, El último magnate (1976), de Elia Kazan, y La mujer del teniente francés (1981), de Karel Reisz. También ha publicado una novela, Los enanos, relatos cortos y cientos de poemas, también teñidos de ideología.
Novela “El Sirviente”
de Robin
Maugham. (Londres 1916 – Brighton 1981) fue un escritor de relatos breves, novelas, ensayos, teatro y guiones cinematográficos británico; oficial en la II Guerra Mundial; abogado; y II vizconde Maugham de Hartfield. El éxito de su literatura no llegó sin grandes dificultades, en su primera autobiografía, Escape from the Shadows, Maugham describe tres sombras en su vida: su tío W. Somerset Maugham, su padre y el sentido de culpa que siempre arrastró debido a «las estrictas convicciones sociales de la clase acomodada» que calificaban su homosexualidad como algo perverso. Después de sus estudios secundarios en Eton y universitarios en el Trinity Hall de Cambridge continuó la tradición familiar y ejerció la abogacía. Durante la II Guerra Mundial trabajó para el MI6, el servicio de inteligencia, y sirvió en el norte de África y Oriente Medio. Herido de gravedad en la cabeza por un fragmento de metralla, se retiró del servicio activo en 1944. Las graves lesiones cerebrales le provocaban momentos de pérdida de noción de su identidad y entorno, pero aun así continuó con su actividad literaria. En 1960 ocupó un asiento en la Cámara de los Lores. Entre sus novelas cabe citar: The man with Two Shadows, The Rough and the Smooth, Behind the mirror, Come to dust, The intruder. Pero fue con The servant, llevada al cine en 1963 por Joseph Losey, con la que alcanzó una mayor popularidad. La diabetes y el abuso del alcohol acabaron con su vida.
“Robin Maugham logra en El sirviente crear una parábola acerca de la debilidad humana y de lo fácil que suele resultar abandonarse pendiente abajo. Y para ello no se sirve de un pesado tono moralizante, sino de una historia ligera, que atrapa la atención del lector por su planteamiento inusual.”
Director de la película: Joseph Losey.
Estudió
filosofía
pero
siempre
estuvo
interesado por el teatro, llegando incluso a trabajar junto a Bertolt Brecht. Tras las cámaras cinematográficas desde 1939, el público ya había visto a toda pantalla películas suyas como “El muchacho de los cabellos verdes”, “El merodeador” o “El tigre dormido”. Tras
“El
sirviente”
se
sumarían a
la
filmografía de Losey como director otros títulos como “Rey y patria”, “Modesty Blaise”, “Accidente”, “El mensajero”, “Chantaje a una esposa”, “Una inglesa romántica” o “Los baños turcos”.
SOBRE LA OBRA // El SIRVIENTE “The Servant” es una novela de suspense escrita en 1948 por el novelista británico Robin
M a u g h a m . Su
atmósfera de tensión
psicológica fue recreada a la perfección en la película homónima guionizada por Harold Pinter y dirigida por Joseph Losey en 1963. Y es que la historia transcurre en una lujosa y solitaria mansión que se convierte en un personaje más de la trama. Un joven adinerado acaba de instalarse allí y contrata a un sirviente para que le ayude en todos los quehaceres domésticos. Este inquietante criado intentará dominar poco a poco a su señor, aprovechando su evidente debilidad y escasa personalidad.
OBJETIVO GENERAL
El objetivo general de este laboratorio se fundamenta en la investigación de los procesos de creación actoral y ejecución escénica en torno a temas concretos basados en el significado de la obra a montar. Para ello nos vamos a valer de un pretexto textual, y que será soporte y guía de todo lo sucesivo. El trabajo se divide en bloques consecutivos y relacionados el uno con el otro. Si bien es verdad que los resultados finales nos importan a todos y de alguna manera dan sentido a todo lo que hacemos, mi principal foco de atención está puesto en el proceso y no tanto en el resultado, que también.
TRABAJO ANALÍTICO
En primer lugar realizaremos varias lecturas grupales en las que debatiremos y reflexionaremos acerca del contenido de la obra y de la interpretación personal que queremos transmitir, para continuar con un proceso de documentación sobre el tema principal a tratar, buscando referentes teóricos y directores que estén relacionados de una u otra forma con el contenido y que forman parte de mi proceso personal y manera de entender el hecho escénico.
Analizaremos a los personajes en cuanto a su carácter. Entendiendo por “carácter” aquellos adjetivos calificativos que los definen. Algunos de ellos
conforman
la
base
de
su
caracterología
y
otros
son
complementarios y quizá contradicen a los anteriores. Así podemos ver cómo un personaje puede ser egoísta e irascible, pero también comprensivo y sensible. Se trata de la máscara y la contra - máscara que todos tenemos.
TRABAJO PREDRAMÁTICO
EL JUEGO // LA IMPRO
El objetivo de los ejercicios de elenco es fomentar la escucha entre los compañeros y la relación con el espacio. Con unos ejercicios se fomenta más la relación con los compañeros, con otros la relación con el espacio; y algunos de ellos sirven como “psicofísicos”, es decir, tratar de liberar el cuerpo a través de la imaginación con el objetivo de conseguir un cuerpo libre de tensiones y con gran disposición. ARTICULACIÓN
Todo movimiento, acción o gesto ejecutado en escena debe contener tres momentos que definen la calidad de esa ejecución propia. El objetivo de estos ejercicios es el de explorar y reconocer estos momentos para poder aplicarlos en escena.
MÁSCARA
NEUTRA
“La máscara neutra acrecienta esencialmente la presencia del actor en el espacio que lo circunda. Lo
sitúa
en
un
estado
de
descubrimiento, de apertura, de disponibilidad para recibir. Le permite mirar, oír, sentir, tocar las cosas elementales con la frescura de la primera vez. Se entra en la máscara neutra como en un personaje, con la diferencia de que aquí no hay personaje sino un ser genérico neutro. Un personaje tiene conflictos, una historia, un pasado, un contexto, pasiones. Por el contrario, la máscara neutra está en estado de equilibrio, de economía de movimientos. Se mueve lo justo, dentro de una economía de sus gestos y de sus acciones. Trabajar el movimiento a partir de lo neutro proporciona los puntos de apoyo esenciales para la actuación, que llegará después. Porque cuando conoce el equilibrio, el actor expresa mucho mejor los desequilibrios de los personajes o de los conflictos.” Para ello nos valdremos de la auténtica máscara neutra diseñada por Jacques
Lecoq
y
español Victor Biau.
Amleto
Sartori y fabricada por el director
CLOWN
La finalidad del trabajo de clown en este taller es la de profundizar en nuestras capacidades de comunicación del actor / actriz poniendo en estrecha relación nuestro carácter, emociones y sentimientos con el espectador. De esta manera exploramos de una manera sutil e íntima nuestras formas de ser para compartirlas con los que nos observan.
ENTRENAMIENTO
FÍSICO
Todo entrenamiento físico, no es sólo físico. Si sabemos prestar atención a los procesos de ejecución corporal veremos cómo el trabajo con el cuerpo nos lleva a organizar y dar entidad no solo a nuestro cuerpo, si no también a nuestro pensamiento. Este entrenamiento se fundamente en la secuenciación de partituras de movimientos básicos del Kalaripayattu indio, la capoeira regional brasileña y algunos de los 20 movimientos del maestro francés Jacques Lecoq.
EXPRESIÓN
CORPORAL
La expresión corporal es una disciplina que permite encontrar, mediante el estudio y la profundización del empleo del cuerpo, un lenguaje propio. Este lenguaje corporal puro, sin códigos preconcebidos, es un modo de comunicación que encuentra su propia semántica directa más allá de la expresión verbal conceptualizada.
TÉCNICA
VOCAL
La voz también forma parte de nuestra expresión y una correcta asimilación del proceso de emisión y de la estructuración morfo sintáctica de nuestro discurso nos ayuda a dar credibilidad, sostén y claridad a las palabras y los pensamientos, y a que la comunicación se establezca de una manera más fluida y directa.
JUEGOS DE LA MENTIRA. PRESTIDIGITADOR.
EXPLORACIÓN.
EL
ACTOR
COMO
Consiste en explorar esa delgada línea entre la verdad del actor y la mentira del personaje. Buscar un camino intermedio entre ambos y así acercarnos a una ficción verosímil. Para ello nos valdremos de diversos juegos de la mentira en los que siempre partiremos de nosotros mismos.
CONCRECIÓN. En esta fase del proceso analizaremos el texto en profundidad atribuyéndole nuestra propia interpretación.
Observaremos:
1. La situación dada – situación análoga. 2. Las necesidades de los caracteres para con los otros. 3. Qué está haciendo - diciendo con lo que quiere. 4. Concepto del objetivo con ellos mismos. 5. La partitura de actividad – acción – gesto. 6. La acción verbal o física como herramienta transformadora. 7. El suceso: impulsor de la acción. 8. El conflicto. (interno – externo). 9. El espacio.
En base a lo analizado tendremos más información acerca del carácter y podremos llevarlo a un plano psico – físico y darle presencia. El idiolecto conforma nuestra caracterología, y si accionamos y reaccionamos en base a lo que nos conviene en una situación, si la hubiese, y añadimos una presencia psico - física moldeable y en armonía diferente a la nuestra, podremos ser otra cosa siendo nosotros. Algunos lo llaman personaje, para mi representa un desequilibrio entre el espacio y el cuerpo - psique (del griego psyché, alma). Lo que propongo es que esta presencia la consigamos a través de la imitación o por medio de otras técnicas elaboradas y fundamentadas en el trabajo psicofísico del actor.
TRABAJO CON EL TEXTO DE LA OBRA. LA ESCUCHA Y LA CONSTRUCCIÓN DE LA PRESENCIA ESCÉNICA (PERSONAJE).
Son una serie de improvisaciones de situaciones análogas a las de la obra y otras relacionadas con los deseos
más primarios o impulsos de
voluntad de los caracteres partiendo de nosotros, en las que también tendremos en cuenta el silencio como acción, como algo que me define. Qué hacemos o dejamos de hacer antes y después de la palabra. Entendiendo “palabra” como un medio para transformar el espacio, a un compañero o a mi mismo en términos de energía y presencia, y no como un fin en sí misma. Por último nos acercaremos a improvisaciones con el texto de la obra.
LA PUESTA EN ESCENA. DEL KAOS AL ORDEN. LA FORMA. EL CÓDIGO.
Nos acercaremos a la composición espacio – temporal a través de los conceptos y el tema inherentes a la obra. Partiendo de improvisaciones sencillas llegaremos a concretar imágenes tanto estáticas como dinámicas que poseerán una narrativa propia, física e independiente de la narrativa textual. Todo ello a través del trabajo de coro y fomentando en todo momento la escucha del elenco. Por otro lado y en paralelo definiremos entre todos el código escénico y las convenciones que conformarán la puesta en escena, así como el vestuario que interviene creando desequilibrios entre el espacio y el cuerpo del actor. Desequilibrio que se traduce en formas y volúmenes que modifican la imagen y percepción total que tenemos del cuerpo que observamos.
CLAUSULAS, TIEMPOS Y COSTO
1ª. Todos
y cada uno de los participantes en el laboratorio se
comprometen a asistir al proceso de creación, ensayos y puesta en escena los días propuestos en el programa durante todo el proceso.
2ª. El tiempo estimado para el tipo de trabajo y la carga horaria es de Junio a Diciembre de 2015 // de 15.00 a 20.00 // 5 horas – 1día a la semana (Sábados) // Se puede amoldar en base a la fecha actual.
3ª. El costo del taller queda por definir.
CV
Actor, director y profesor español residente en México. Licenciado en Arte Dramático por la R.E.S.A.D, Dramático
(Real Escuela Superior
de Arte
de Madrid). Formado en canto y técnica vocal con José
María Sepúlveda, vocal coach del programa “La Voz” (España). Cabe destacar su trabajo en Verbatim Drama de Carlos Contreras, Premio Nacional Injuve 2010. Es actor de referencia en el cortometraje de animación Blue&Malone, dirigido por Abraham López; nominado finalista
a los premios
y
Goya 2014. Ha impartido clases para la
Secretaria de Cultura de Jalisco, CAAV (Univeridad de Medios Audiovisuales) y la UDG (CUCEA). Actuó en Encuentros Secretos (Premio al Mejor Montaje
en la Muestra Estatal
dirigido por Aristeo Mora y presentada en la Muestra Danza
2 0 1 4 . Es miembro fundador
2014 Jalisco) Nacional
de l a Compañía
de
Opcional
creada en 2011 en Madrid. En 2014 dirige Las niñas no deberían jugar al
fútbol de Marta Buchaca, estrenada en el Estudio Diana a través de Cultura UDG y actualmente lo hace con La Cicatriz, de Francisco Lidón, proyecto becado por el FONCA. Además pone voz a varios personajes en la serie animada Deedee Wahoo dirigida por Samuel Kishi (Premio Ariel
2012)
y es profesor
titular
Iniciación Artística Asociada al INBA.
en
PROCULTA, Escuela de