Arquitectura Posmoderna

ARQUITECTURA POSMODERNA © Patricia Medrano y Milaysi De la Cruz. 2020

CARACTERÍSTICAS: ¿Cómo identficamos el Posmodernismo?

Patricia Medrano y Milaysi De la Cruz Idioma original: Español © Patricia Medrano y Milaysi De la Cruz. 2020 Diseño y Diagramación Arte: Milaysi De la Cruz Portada: Milaysi De la Cruz Ilustraciones: Milaysi De la Cruz Publicación editorial digital Primera edición - Diciembre 2020 Tiraje: N/A Impreso por: N/A ISBN: N/A Registro de Proyecto Editorial: N/A Sin depósito legal

SUMARIO

Arquitectura Posmoderna

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Editorial: ¿Qué es exactamente Posmodernismo?

Características: ¿Cómo identficamos el Posmodernismo?

Elementos Constructivos: ¿Cómo se sostiene esta arquitectura?

Materiales: ¿Cuales son son los más usados?

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Exponentes: ¿Quienes fueron los arquitectos más destacados de esta corriente?

Oregon El Portland Public Service Building

by Michael Graves

Nueva Orleans La Piazza d’Italia

by Charles Moore

Nueva York El Edificio AT&T

by Philip Johnson y John Burgee.

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San Antonio Biblioteca Pública de San Antonio

by Ricardo Legorreta

Orlando Dolphin and Swan Hotels

by Michael Graves

Sobre los Autores

¿QUÉ ES EXACTAMENTE POSMOD El movimiento postmoderno surge para rescatar las virtudes de la arquitectira de pasado, incorporándolas a una manera de construir industrializada. Podría entenderse como un retorno al pasado en las formas, pero no en la técnica La arquitectura posmoderna surgió en la década de 1960 como una reacción contra las deficiencias percibidas de la arquitectura moderna, particularmente sus rígidas doctrinas, su uniformidad, su falta de ornamentos y su hábito de ignorar la historia y la cultura de las ciudades donde apareció. El arquitecto e historiador de arquitectura Robert Venturi dirigió el ataque en 1966 en su libro Complejidad y contradicción en la arquitectura. Venturi resumió el tipo de arquitectura que quería ver reemplazar el modernismo: “Hablo de una arquitectura compleja y contradictoria basada en la riqueza y la ambigüedad de la experiencia moderna, incluida esa experiencia inherente al arte … Acojo con agrado los problemas y aprovecho las incertidumbres … Me gustan los elementos que son híbridos en lugar de” puros ” , comprometer en lugar de “limpiar”, … acomodar en lugar de excluir … Estoy buscando una vitalidad desordenada sobre la unidad obvia … Prefiero “ambos” y “a” o “o”, blanco y negro, y a veces gris, a negro o blanco … Una arquitectura de complejidad y contradicción debe encarnar la difícil unidad de la inclusión más que la fácil unidad de la exclusión “.

En lugar de las doctrinas funcionales del modernismo, Venturi propuso dar énfasis primario a la fachada, incorporando elementos históricos, un uso sutil de materiales inusuales y alusiones históricas, y el uso de fragmentación y modulaciones para hacer el edificio interesante. El segundo libro de Venturi, Learning from Las Vegas (1972), en coautoría con su esposa,

Cementerio de San Cataldo Aldo Rossi

DERNISMO? Denise Scott Brown, y Steven Izenour, desarrolló aún más su argumento contra el modernismo. Instó a los arquitectos a tomar en consideración y celebrar la arquitectura existente en un lugar, en lugar de tratar de imponer una utopía visionaria a partir de sus propias fantasías. Sostuvo que los elementos ornamentales y decorativos “se adaptan a las necesidades existentes de variedad y comunicación”. El libro fue instrumental para abrir los ojos de los lectores a nuevas formas de pensar sobre los edificios, ya que se basó en toda la historia de la arquitectura, tanto de estilo alto como en lengua vernácula, histórica y moderna, y en respuesta a la famosa máxima de Mies van der Rohe “. Menos es más “, respondió Venturi, a” Menos es un aburrimiento “. Venturi citó los ejemplos de sus propios edificios, Guild House, en Filadelfia, como ejemplos de un nuevo estilo que acogió la variedad y las referencias históricas, sin volver a la reactivación académica de los viejos estilos.

En Italia, al mismo tiempo, el arquitecto Aldo Rossi lanzó una revuelta similar contra el modernismo estricto, que criticaba la reconstrucción de ciudades y edificios italianos destruidos durante la guerra en el estilo modernista, que no tenían relación con la historia de la arquitectura. , planos callejeros originales o cultura de las ciudades. Rossi insistió en que las ciudades deberían reconstruirse de manera que preservaran su tejido histórico y sus tradiciones locales. Hubo ideas similares y se presentaron proyectos en la Bienal de Venecia en 1980.

Christian de Portzamparc en Francia y Ricardo Bofill en España, y en Japón por Arata Isozaki se unieron al llamado por un estilo posmoderno.

Centro Direccional Aldo Rossi

Referencias del pasado Los edificios adoptan a menudo tipologĂ­as heredadas del pasado.

Kengo Kuma, 1991 EDIFICIO M2, TOKIO, JAPĂ“N.

CARACTERÍSTICAS: ¿Cómo identificamos el posmodernismo?

El ornamento vuelve

Yuxtaposición y abigarramiento

Es una especie de “Neo-eclectismo“

Recupera los espacios urbanos

Se recupera el ornamento: columnas, pilastras, molduras...

Se huye de las formas puras o limpias que dominaban en la arquitectura racionalista, buscando la yuxtaposición el abigarramiento...

Se recurre a una especie de neo-eclecticismo, dado que se toman prestadas formas de todos los períodos de la historia.

Desde el punto de vista urbano, se busca recuperar la calle, la edificación de pequeña escala, la riqueza visual de formas...

ELEMENTOS CONSTRUCTIVOS ¿Cómo no se sostiene esta arquitectura?

Elementos escenográficos

Columnas simuladas

Gruesos muros simulados

Arcos sin uso estructural

Elementos visuales que conforman una escenificación. Sean estos corpóreos (decorado, accesorios), la iluminación o la caracterización de los personajes (vestuario, maquillaje, peluquería); ya sea la escenificación destinada a representación en vivo (teatro, danza), cinematográfica, audiovisual, expositiva o destinada a otros acontecimientos.

Una columna es un elemento constructivo que soporta las cargas de una viga o una losa. En este caso, veremos muchas columnas que realmente no cargan, sino que son un recurso estético y alegórico al pasado.

Mientras más alta era la catedral, más grueso era el muro ncesitado. Incluso en las catedrales góticas cuyo armazón estructural ayudaba a reducir las dimensiones de los muros, los existentes continuaban siendo gruesos. Con el uso del hormigón armado este es un recurso innecesario, pero que en esta arquitectura es utilizado como alegoría.

Los arcos, más allá de la estética son elementos estructurales. Luego de la aparicón del hormigón y de su demostrado buen funcionamiento con vigas y pilares, los arcos quedran casi obsoletos. Por lo tanto su uso es no estructural, sino estético y/o alegórico.

¿Cómo si se sostiene esta arquitectura?

Marcos rígidos

Muros de carga

Mamposterías tradicionales

Son estructuras de pórticos cuyos elementos se unen entre si por medio de conexiones fijas capaces de trasmitir los momentos y fuerzas normales y tangenciales, sin que se produzcan desplazamientos lineales o angulares entre sus extremos y las columnas en que se apoya. Empleado en edificios de hasta 20 pisos por su eficiencia en construcciones de pocos niveles.

Se denomina muro de carga o muro portante a las paredes de una edificación que poseen función estructural; es decir, aquellas que soportan otros elementos estructurales del edificio, como arcos, bóvedas, vigas o viguetas de forjados o de la cubierta.

Se llama mampostería al sistema tradicional de construcción que consiste en erigir muros y paramentos mediante la colocación manual de los elementos o los materiales que los componen, que pueden caracterizarse por estar sin labrar.​

MATERIALES: ¿Cuales son son los más usados?

Acero

Cristal

Concreto armado

Mamposterías

Piedras naturales

Granito

Caliza

Mรกrmol

EXPONENTES:

¿Quienes fueron los arquitectos más destacados de esta corriente?

Philip Johnson

Charles Moore

Aldo Rossi

Fue un arquitecto estadounidense.

Es reconocido por su Casa de Cristal en Connecticut de arquitectura moderna y el 550 Madison Avenue & 190 South Lasalle Street en Chicago de arquitectura posmoderna. En 1978 fue galardonado con la Medalla de oro del Instituto Americano de Arquitectos y en 1979 obtuvo el primer Premio Pritzker de arquitectura.

Fue un arquitecto, profesor y escritor estadounidense. Se graduó en arquitectura en la Universidad de Míchigan en 1947 y posteriormente se doctoró en Princeton en 1957, donde permaneció un año más trabajando como becario postdoctoral. En 1951 abrió su propio estudio en Moterrey y Berkeley. Gran parte de su trabajo lo realizó bajo la identificación “MLTW”.

Fue un arquitecto italiano nacido en Milán. Estudió arquitectura en el Politécnico di Milano, donde se graduó en 1959. En 1963 inició su actividad docente, primero como asistente de Ludovico Quaroni (1963) en la Escuela de Urbanismo de Arezzo, posteriormente de Carlo Aymonino en el Instituto Universitario di Architettura di Venezia.

Robert Venturi

Michael Graves

Oscar Niemeyer

Santiago Calatrava

Fue un arquitecto estadounidense.

Realizó una parte importante de su obra conjuntamente con su esposa, Denise Scott Brown con quien trabajó desde 1969. Pero Scott fue excluida del premio Pritzker con el que fue galardonado en 1991. 15 años después, ambos fueron distinguidos con la Medalla de Oro del AIA, el premio de arquitectura más importante de USA.

Fue un arquitecto estadounidense.

Estudió arquitectura en la Universidad de Cincinnati y Harvard. Graves trabajó durante dos años como ayudante en la Academia Americana de Roma y posteriormente constituyó su despacho de arquitecto, en el estado de Nueva Jersey, en el año 1964. Fue uno de los cinco integrantes del grupo Five Architects on New York Five.

fue un arquitecto brasileño. Seguidor y gran promotor de las ideas de Le Corbusier. Es considerado uno de los personajes más influyentes de la arquitectura moderna internacional.

Fue pionero en la exploración de las posibilidades constructivas y plásticas del hormigón armado. Dentro de sus principales proyectos arquitectónicos destaca la construcción de Brasilia.

Es un arquitecto, ingeniero civil y escultor español. Entre los premios y reconocimientos que ha recibido destaca el Premio Príncipe de Asturias de las Artes de 1999, 2​los premios Nacional de Arquitectura y Nacional de Ingeniería Civil, ambos en 2005 y el Premio Europeo de Arquitectura de 2015.​ Actualmente, cuenta con oficinas en Nueva York, Doha y Zúrich.

PORTLAND PUBL Portland, Oregon, United States (1980-1982)

Este edificio municipal de Graves ha sido considerado por los críticos y arquitectos defensores del denominado clasicismo postmoderno como el primer monumento real de esa tendencia (Jencks). Graves, posiblemente uno de los arquitectos norteamericanos más brillantes, pasó del neorracionalismo de los Five, con evidentes prolongaciones de la arquitectura de Le Corbusier y Terragni, durante los años setenta, a la formulación de un lenguaje cada vez más orientado a una reformulación de lo clásico entendido también como manipulación e invención de elementos formales que alteran tanto la memoria de la tradición como sus dimensiones. La fachada principal presenta dos enormes pilastras

con capiteles de color ocre-rojo sobre los que descansa una enorme clave. El rascacielos del Movimiento Moderno parece recibir así una crítica subversiva que ha creado escuela en los últimos años.

El lenguaje de este edificio está cada vez más orientado a una reformulación de lo clásico con la disposición de franjas que sugieren las estrías de dos enormes pilastras con capiteles de color ocre-rojo sobre los que descansa una enorme clave.

La construcción se concluye con una estatua voladora con forma de figurada-diosa de la ciudad que el arquitecto define como Portlandia.

LIC SERVICE BUILDING

Michael Graves.

Elementos escenográficos

Volumenes puros

Formas ornamentales

Formas en repetición

Vemos esta estatua en el parque que da a la fachada principal.

El concepto se plasma en un cubo, coronado por dos paralelepípedos.

El edificio tiene un tratamiento cromático cuya función no tiene nada que ver con la funcionalidad de la edificación.

Y simetría estricta, recursos compositivos renacentistas y grecoromanos.

PIAZZA D’ITALIA Nueva Orleans, Estados Unidos (1974-1980) La Piazza d´Italia constituye una de las más audaces piezas de posmodernismo. Diseñada por Charles W. Moore, era una especie de reconstrucción de los prototipos de piazza pasada por el tamiz de la ideología que planteaba Aprendiendo de Las Vegas, ensayo en el cual Venturi hacía un elogio de la estética arquitectónica de esta ciudad, afirmando que los coloridos anuncios callejeros situados ante los casinos eran una forma de expresión nativa y autóctona de la gente corriente y la cultura popular estadounidense.

Desde esta sensibilidad, como un homenaje para exaltar la importante presencia de los italianos en Nueva Orleáns y basándose en los tópicos de lo que significaba para el habitante de la América profunda «lo italiano», Moore creó una escenografía situando una fuente en un

área circular central, envuelta por una serie de círculos concéntricos de ladrillo y masonería en blanco y negro, formada de un relieve de la silueta del mapa de Italia.

En torno a ella, situó varias fachadas vivamente coloreadas, cada una de las cuales representaba los cinco órdenes clásicos: dórico, jónico, corintio, toscano y compuesto, y una sexta, que el arquitecto bautizó como «el orden Delicatessen».

Cromatismo delirante, escalas distorsionadas, extravagantes combinaciones de materiales, capiteles jónicos hechos de acero inoxidable y arcos marcados en neón, la efigie del arquitecto lanzando agua por su boca... Una evidencia de cómo Moore creía en el espectáculo, en lo festivo, los diseños estridentes, las combinaciones de colores capaces de dañar la vista.

Charles Moore

Arquitectura escenográfica

Uso de órdenes grecorromanos

“Cromatismo delirante”

Muchas referencias

Para conjugar un sin número de referencias arquitectónicas en una plaza

Para rescatar los valores antiguos arquitectónicos italianos

Uso del color de forma “delirante“, para representar la cultura italiana

Arcos de medio punto, entablamientos, columnatas, portales, órdenes clásicos.

EDIFICIO AT&T Nueva York, Estados Unidos (1978-1984) El 550 de la Avenida Madison, antiguamente Edificio AT&T y posteriormente Sony Building, es un rascacielos de 197 m de altura y 37 plantas situado en el 550 de Avenida Madison entre las calles 55 y 56 en el barrio de Manhattan en Nueva York, Estados Unidos.

Fue diseñada por el arquitecto Philip Johnson y su socio John Burgee, y fue completada en 1984. Fue controvertida inmediatamente debido a su cima ornamental (apodada en ocasiones como “Chippendale”, por los característicos frontones abiertos de las estanterías y armarios de este famoso diseñador inglés), pero alabado por su espectacular arco de entrada, que mide unas siete plantas de altura. Con estos ornamentos, el edificio desafió la demanda de funcionalismo rígido y diseño puramente eficiente de la arquitectura moderna. El efecto que el edificio

tuvo en el público ha sido descrito en general como una legitimación de la arquitectura postmoderna a nivel mundial.

En octubre de 1978, se concedió permiso a AT&T para añadir 7 611 m², el equivalente a unas cuatro plantas de espacio, en su edificio planeado, a cambio de proporcionar espacio público al aire libre y un museo de comunicaciones de tres plantas. Se la concedieron unos adicionales 4 000 m², unas dos plantas, como bonificación por crear una galería cubierta a lo largo de Madison Avenue de 1 300 m² que incluiría asientos y quioscos.

En 1982, con la desinversión del Bell System que iba a entrar en vigor el 1 de enero de 1984,AT&T decidió buscar un inquilino para alquilar 30 000 m² de espacio en las plantas 7 a la 25, casi la mitad del edificio. Buscaba alquileres de hasta 650 dólares por metro cuadrado.

Philip Johnson y John Burgee

Gran arco de medio punto

Rascacielos de 197 Repetición y metros de altura simetría estricta

La controvertida “Chippendale”

Referencia tomada de arquitectura histórica. Recubierto en piedra.

Estructura que solo es lograble utilizando hormigón armado o acero.

Rematado con frontón.

Reglas compositivas renacentistas.

WALT DISNEY W Orlando, Estados Unidos 1990 En un mundo donde cualquier cosa en su imaginación puede convertirse en realidad, Walt Disney World en Lake Buena Vista, Florida se mantuvo fiel a su palabra y contrató al arquitecto Michael Graves para diseñar un resort que consta de dos hoteles que se convertirían en parte de la famosa colección de Disney de “ arquitectura de entretenimiento “.

El estilo colorido y posmoderno de Graves fue la elección perfecta para el divertido complejo de parques temáticos, y sus extravagantes decisiones de diseño y sus estatuas de grandeza contribuyen al famoso reino de Disney.

El tema para el diseño de los hoteles surgió desde sus primeras etapas conceptuales, donde Graves desarrolló una historia completa para crear personajes tanto para

el cisne como para el delfín en un cuento mágico que pensó que podría potencialmente convertirse en personajes de Disney.

La historia de Graves detrás de los hoteles comenzó con la idea del Delfín, que dijo era una isla que se formó por un evento cataclísmico repentino, como un volcán submarino o un terremoto. Cuando la isla emergió del agua, también levantó a los delfines, y estos están representados por los delfines en el techo del hotel, cada uno de 63 pies de altura.

Las hojas de plátano pintadas en el costado del hotel representan el follaje de la isla, y la “caja negra” en el alzado frontal del edificio es el corazón de la montaña. En el cuento de Graves, este estallido se abrió y el agua comenzó a fluir hacia la piscina de delfines.

WORLD SWAN AND DOLPHIN Michael Graves

Elementos escenográficos

Estructura industrial

Elementos escultóricos

Utilizados para resaltar el concepto y el espíritu de Disney World

Altura que solo puede conseguirse utilizando materiales industriales.

El delfín y el Sisne son los animales utilizados como inspiración.

BIBLIOTECA CEN San Antonio, Estados Unidos 1995 La ciudad de San Antonio solicitó un edificio que la comunidad pudiera sentir como propio El programa requería la más avanzada tecnología para el acceso a la información. El reto del diseño era lograr una arquitectura identificable como un edificio público y que a la vez integrara las funciones de una biblioteca.

La capacidad de la biblioteca ha sido doblada en 21,000 m2, con espacio para 750,000 libros.

La geometría de cubos rotados y perforados del edificio fue determinada por la forma necesaria para hacer ver la biblioteca sobre el terreno como un edificio amigable e invitador. Pintados de morado o de amarillo, las terrazas del tercer piso crean espacios escultóricos e invitan a la gente al exterior.

El exterior es “un mundo mara-

villoso de formas, ángulos y accesos creando un juego entre luz y sombra”.

El área está distribuida sobre siete niveles, uno de los cuales es subterráneo. La masa principal es un sólido de seis niveles circundando un atrio amarillo que sirve como punto focal. Algunas terrazas fueron acentuadas con grandes figuras geométricas, muros acústicos triangulares y rectangulares.

Otra terraza en el oeste está bordeada por una acequia ligeramente elevada que desborda agua a una fuente circular. Bajo esta acequia nace una arboleda de palmeras. Todos los muros exteriores fueron acabados en aplanado acrílico mientras que a nivel de calle, un rodapié de piedra da escala humana al edificio.

Mezclando luz con sombras y figuras geométricas se consiguió dar al edificio un aura de misterio.

NTRAL DE SAN ANTONIO

Detalle geométricos

Columnas inmesas

Juego de volúmenes

Ricardo Legorreta

Juegos luminosos

Š Patricia Medrano y Milaysi De la Cruz. 2020